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Por qué Arlo Parks amplía recintos en Madrid y Barcelona

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Cuando quedan escasos días para que Arlo Parks visite Barcelona y Madrid, su promotora Houston Party informa de que debido a la alta demanda de entradas, se amplían los recintos. Los conciertos pasan a celebrarse en la sala grande de Apolo el de Barcelona (29 de noviembre) y en La Riviera el de Madrid (30 de noviembre). Los viejos recintos eran La [2] de Apolo y la Sala Mon Live, por lo que el aumento de público es considerable. Las entradas están disponibles aquí.

2021 ha sido un año bueno para poca gente, pero en ese grupo está sin duda esta cantante que en los primeros días de año publicaba su álbum de debut, ‘Collapsed Sunbeams‘, con singles tan buenos como ‘Hope’ o ‘Caroline‘, que ya destacábamos en su momento. Pero hay más joyas en el disco, que se hacía además con el Mercury Prize 2021, y esa es la razón de que el boca a oreja haya sido imparable, haciendo que piezas como ‘Eugene’ sean cada vez más populares, esta última con casi 40 millones de reproducciones en Spotify.

En verano se promocionaba como nuevo single ‘Too Good’ y esta ha aumentado también por tanto su aceptación. Es hoy nuestra «Canción del Día». El tema, que también ha presentado un remix a cargo de Unknown Mortal Orchestra, ha estrenado un divertido vídeo en el que Arlo Parks mezcla los fuegos de la cocina con el plato de DJ con un gracejo que ni Jordi Cruz.

La composición, que Arlo Parks escribió junto al productor Paul Epworth intentando mezclar el rock psicodélico de Zambia en los años 70 con MF Doom y TLC, es una escena cotidiana entre dos amantes. Arlo Parks comienza diciendo que va a preparar un desayuno a su pareja (de ahí el videoclip). Sin embargo, un amago de incomodidad se interpone porque la otra persona es “demasiado orgullosa para demostrar que le importa”.

Más allá va un segundo párrafo en el que menciona a Thom Yorke como forma de unión: “citas a Thom Yorke y te inclinas por un beso rápido, pero aun así no admitirás que me gustas”. Volviendo al principio del artículo y citando la frase más recurrente de la canción: “¿por qué hacemos que las cosas sencillas parezcan tan difíciles?”. El encanto de Arlo Parks es ese, el de las pequeñas cosas.

Mecano: ¿por qué nos cuesta tanto olvidarlos?

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En el nuevo episodio de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP» hablamos de la discografía de Mecano. Para ello, nos hemos traído como invitado a Víctor Algora, que acaba de publicar uno de los mejores discos de su carrera, ‘Pódium’, sobre el bullying que sufren las personas LGTB+ y la sensación de derrota con la que nacen. A Algora le han perseguido las comparaciones con Mecano en una parte muy concreta de su repertorio, aunque muchas veces no lo haya visto venir, si bien, como comprobaréis a lo largo de esta hora de charla, es todo un experto en el trío.

Víctor, seguidor especialmente de ‘¿Dónde está el país de las hadas?’ y ‘Ya viene el sol’, nos deja muertos cuando revela cuáles eran sus canciones favoritas de aquellos tiempos. Elogiamos la frescura de los inicios de Mecano, especialmente de un debut que contenía tantos hits como ‘Hoy no me puedo levantar’, ‘Perdido en mi habitación’ y ‘Maquillaje’; así como canciones tan curiosas como ‘Boda en Londres’ y ‘La máquina de vapor’.

Por supuesto no evitamos el tópico «quién mola más, si Nacho o si José María», a través de la fascinante evolución de este, desde ‘Solo soy una persona’ y ‘Aire’ hasta los temas más escuchados de Mecano: ‘Me cuesta tanto olvidarte’, ‘Hijo de la luna’ y ‘Cruz de navajas’.

La trayectoria de Jose también incluye en última instancia el ramalazo latino de ‘Aidalai’ (‘Bailando salsa’, ‘Una rosa es una rosa’), lo que nos lleva a preguntarnos si el grupo evolucionó de manera adecuada tras la cumbre comercial que supuso ‘Descanso dominical’… o si lo ha hecho después en sus carreras en solitario. Ana Torroja ha intentado recientemente hacer un disco underground con Henry Sáiz y Pional, y Nacho Cano es noticia por realizar un rocambolesco proyecto sobre la conquista de América con el patrocinio de su amiga Isabel Díaz Ayuso. ¿Se están cargando su legado Mecano con proyectos como este o ‘Mecandance’?

Algora presenta ‘Pódium’ en las siguientes fechas:
3 diciembre: Málaga- Velvet Club
14 enero: Sevilla – Obbio
28 enero: Barcelona – Almo2bar
9 febrero: Madrid – Sala Sol

Beach House, Agnes, Mitski, Parcels, Parrots… entran en el top 40 de JNSP

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Julio Iglesias sigue siendo lo más votado de JENESAISPOP. Hablamos, por supuesto, de lo nuevo de Rigoberta Bandini, quien ha agotado en un solo día las localidades para verla en La Riviera de Madrid, con capacidad para 2000 personas. No olvidéis ver a las teloneras, shego.

La entrada más fuerte es para Beach House con ‘Superstar’, directa al top 2, mientras también llegan al top 10 lo nuevo de Charli XCX y Agnes. Mitski y Silk Sonic han quedado a las puertas de ese top 10, mientras en posiciones más modestas hallamos a Parcels y Parrots.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Julio Iglesias Rigoberta Bandini Vota
2 2 1 Superstar Beach House Vota
3 8 3 2 Bruxelles je t’aime Angèle Vota
4 4 1 New Shapes Charli XCX, Christine and the Queens, Caroline Polachek Vota
5 5 1 24 Hours Agnes Vota
6 4 1 8 Don’t Shut Me Down ABBA Vota
7 3 3 6 Ateo C. Tangana, Nathy Peluso Vota
8 6 2 5 Easy on Me Adele Vota
9 2 2 3 Speaking With Trees Tori Amos Vota
10 5 2 5 Cold Heart Elton John, Dua Lipa, PNAU Vota
11 7 2 7 Yo invito Amaia Vota
12 12 1 The Only Heartbreaker Mitski Vota
13 14 6 4 Beautiful Life Michael Kiwanuka Vota
14 14 1 Smoking Out the Window Silk Sonic Vota
15 9 3 5 Por España Samantha Hudson, Papa Topo Vota
16 18 16 2 Zombi Maria Rodés y La Estrella de David Vota
17 13 5 4 Moth to a Flame Swedish House Mafia, The Weeknd Vota
18 28 18 2 The Grey Commute Nation of Language Vota
19 11 9 3 No hay excusa Lori Meyers Vota
20 20 20 2 Medalla de oro Algora Vota
21 21 1 Somethinggreater Parcels Vota
22 25 16 4 Dopamine Purple Disco Machine, Eyelar Vota
23 12 12 2 Algo es mejor Mon Laferte Vota
24 26 2 10 Arcadia Lana del Rey Vota
25 10 10 5 Crutch Band of Horses Vota
26 21 21 3 It’s good to be back Metronomy Vota
27 23 1 11 Good Ones Charli XCX Vota
28 29 2 13 Hot N Heavy Jessie Ware Vota
29 33 2 24 Love Again Dua Lipa Vota
30 22 11 4 Soy un rayo Morreo Vota
31 30 2 27 Please Jessie Ware Vota
32 34 16 6 Big Bang La La Love You, Delaporte Vota
33 33 1 Lo dejaría todo Parrots Vota
34 15 4 9 Ya no vales Alizzz, C. Tangana Vota
35 16 14 5 Ptazeta: Bzr Music Sessions 45 Bizarrap, Ptazeta Vota
36 38 1 9 THATS WHAT I WANT Lil Nas X Vota
37 24 15 4 On s’aimera toujours Coeur de Pirate Vota
38 27 17 4 Una sola vez Coque Malla Vota
39 37 8 11 Linda Tokischa, Rosalía Vota
40 39 3 12 I am not a woman, I’m a god Halsey Vota
Candidatos Canción Artista
La fama Rosalía, The Weeknd Vota
All Too Well (Taylor’s Version) Taylor Swift Vota
No Love Summer Walker, SZA Vota
After Colectivo Da Silva Vota
I Do This All The Time Self Esteem Vota
Líbrame del mal León Benavente Vota
I Don’t Live Here Anymore The War on Drugs, Lucius Vota
Valentine Snail Mail Vota
Espiral Yarea Vota
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Adiós a Mick Rock, fotógrafo de portadas icónicas para David Bowie, Lou Reed, Queen…

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El fotógrafo Mick Rock, profundamente vinculado al pop y rock de los años 70 por su trabajo con artistas como Lou Reed o David Bowie, ha fallecido a los 72 años de edad. En un comunicado, su representante ha expresado que Rock era un «poeta de la fotografía» y «una verdadera fuerza de la naturaleza que vivió sus días haciendo exactamente lo que amaba».

Conocido como el «hombre que fotografió los años 70», Rock fue autor de múltiples portadas icónicas de la época como las de ‘Transformer’ y ‘Coney Island Baby’ de Lou Reed, ‘The Rise and Fall of Ziggy Stardust‘ de David Bowie, ‘Queen II’ de Queen (la misma imagen que se reutilizó en el videoclip de ‘Bohemian Rhapsody), ‘Raw Power’ de los Stooges, ‘I Love Rock ‘N Roll’ de Joan Jett o ‘End of the Century’ de los Ramones. Las cubiertas de ‘Plastic Hearts‘ de Miley Cyrus o ‘Underneath the Rainbow’ de Black Lips se encuentran entre sus últimos encargos.

Especialmente notoria ha sido la relación profesional entre Mick Rock y David Bowie. Y no solo porque Rock dirigiera los videoclips de ‘Space Odyssey’ o ‘Life on Mars’, entre otros. El fotógrafo capturó aquella famosa imagen de Bowie haciéndole una «felación» a la guitarra de Mick Ronson que tantas vueltas dio por Estados Unidos, a tal punto que llegó a afirmar que esa imagen había impulsado la carrera de ambos.

El propio Bowie presentó a Mick Rock a diversas personalidades del rock de la época, como Lou Reed, Iggy Pop o Debbie Harry, y llegó a fotografiar a Andy Warhol y a Truman Capote juntos, con el primero vestido de Santa Claus.

Sega Bodega / Romeo

Sega Bodega es uno de los artistas que se encuentran al frente del colectivo y sello discográfico NUXXE junto con Oklou, Coucou Chloe y Shygirl. Todos ellos practican un pop futurista que absorbe influencias de la música de club o del hip-hop y que no teme desviarse por caminos incómodos o sonar totalmente deshumanizado, y su sonido puede marcar el curso de la próxima década. Por lo pronto, Rihanna ya ha echado el ojo a algunos de ellos, incluido el autor del disco que nos ocupa.

‘Romeo’ es el segundo disco de Sega Bodega y narra la relación sentimental entre este y el ente de luz que aparece en portada e imágenes promocionales, Luci, que titula el corte final. El single ‘Angel on My Shoulder’ es uno de los temas clave porque está inspirado en «todas esas personas que nos podrían haber cambiado la vida pero a las que jamás conoceremos» porque o bien han muerto, o bien no han nacido.

También es un tema clave en lo musical: su mezcla de voces autotuneadas, beats de trap, sintetizadores de trance, ritmos de breakbeat y ruiditos a lo Arca definen el sonido de Sega Bodega y de todo el disco. La fórmula equilibra melodía pop y producciones oscuras y vanguardistas de club y, si el corte titular esconde detrás de distorsiones vocales extremas y bases duras una melodía cargada de desamor, ‘Effeminacy’ directamente lo apuesta todo a una producción tan estimulante que te hará creer que tienes sinestesia.

La influencia de Arca en Sega Bodega llega al punto que la productora venezolana aparece en uno de los cortes, ‘Cicada’, que además presenta un beat que recuerda al reggaetón aunque otras de sus ideas lleven al disco de Oklou o a la música de PC Music en general. También es parecida a la de Arca la evolución de Sega Bodega de productor a compositor pop y, en ‘Romeo’, ambas facetas las explota con resultados estupendos: el emotivo garage-pop de ‘Only Seeing God When I Come‘ puede ser tan adictivo como la locura de producción de ‘All of Your Friends Think I’m Too Young for You’, que parece fabricada por un alienígena.

Hay que decir que un alienígena no invitaría a Charlotte Gainsbourg a su disco para colarla en una producción de bedroom-house que ni siquiera suena actual, ni dedicaría a SOPHIE una canción tan inane como ‘Um Um’, pero el británico Salvador Navarrete (de padre chileno) sí muestra mucha promesa cuando es capaz de hacer un góspel como el de ‘I Need Nothing from You’, que suena a futuro.

Britney Spears llama la atención a Christina Aguilera por «no hablar» sobre la tutela en una entrevista

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Britney Spears, que ya es una mujer libre, ha acudido a Instagram para llamar la atención a Christina Aguilera por negarse a hablar sobre la tutela durante una entrevista en la alfombra roja de los Latin GRAMMYs, que se han celebrado esta semana en Las Vegas. En el stories siguiente, la intérprete de ‘Toxic’ agradece a Lady Gaga sus palabras de apoyo.

«Amo y adoro a todos quienes me han apoyado, pero negarte a hablar cuando sabes la verdad es equivalente a una mentira», ha expresado Britney. «He vivido 13 años atrapada en un sistema corrupto, ¿por qué le cuesta tanto a la gente hablar del tema? Soy yo quien ha pasado por ello». Finalmente, Spears vuelve a agradecer a «todos aquellos que se han pronunciado y me han apoyado» y apostilla que «sí, yo importo».

En el vídeo compartido por Britney, un periodista pregunta a Christina por Britney y su caso, el publicista de Aguilera le interrumpe para comunicar que «hoy no vamos a hacer esto» porque se les acaba el tiempo en la alfombra roja y Christina, que pone cara triste, responde que «no puede» hablar del tema y abandona la entrevista, no sin antes girarse hacia el reportero para responder que «estoy feliz por ella».

La polémica es desafortunada cuanto menos. Christina fue una de las primeras personas que se pronunciaron públicamente sobre el caso de Britney después de su declaración judicial el pasado mes de junio, mediante una carta publicada en redes en la que brindaba su apoyo a la artista. ¿Britney nunca vio esa carta? También cabe preguntarse hasta qué punto las celebridades están moralmente obligadas a pronunciarse sobre un tema que no conocen de primera mano. ¿Realmente Christina sabe «la verdad»?

El éxito de ‘love nwantiti’ de Ckay no toca techo

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Ckay es otro de esos artistas tocados por la mano de TikTok y su single ‘love nwantiti’ está siendo uno de los mayores éxitos de 2021 a pesar de que fue lanzado en 2019, aunque ha sido objeto de varios remixes posteriores. A las listas españolas, ‘love nwantiti’ llegó el pasado mes de octubre y se mantiene en torno al top 50 tras 7 semanas en la clasificación de Promusicae, pero el tema ya había tenido recorrido sobre todo en Nigeria, Reino Unido y Estados Unidos gracias a su viralización en la plataforma china, y lo sigue teniendo a escala global, pues actualmente es la tercera canción más escuchada en todo el mundo solo por detrás de ‘Easy on Me’ de Adele y ‘Stay’ de The Kid LAROI y Justin Bieber, siempre según las estimaciones de Mediatraffic (en el top global de Spotify es número 27).

El autor de ‘love nwantiti’ es Chukwuka Ekweani, un artista de afrobeat de Nigeria que tiene tres epés publicados a sus espaldas. El primero salió en 2017, el segundo, ‘The First’, que incluye el éxito que nos ocupa y que hoy es la Canción Del Día; en 2018 y el tercero, ‘Boyfriend’, este mismo año. Tras dar sus primeros pasos en la música de manera independiente, Ekweani fichaba poco después por la sucursal sudafricana de Warner Music.

Ckay practica un afrobeat ligero pero vibrante y otras de las pistas incluidas en el EP, como ‘ski ski’, también tienen madera de hit. Sin embargo, ‘love nwantiti’ destaca desde el principio gracias a la pegadiza melodía de su estribillo (de ahí los «ah ah ahs» que se han añadido posteriormente a su título), que suena ligeramente arábiga y está totalmente tarareada. El público también puede haber conectado con la melancolía que desprende la canción, que suena a final de verano. Su mensaje «no puedo vivir sin ti» es explícito, pero lo que transmite la música llega más hondo.


‘Chasing Pavements’: cuando Adele fue pionera en apostar por el vinilo

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Uno de los múltiples motivos por los que Adele lleva acaparando titulares en las últimas semanas es el colapso que aparentemente ha provocado la edición en vinilo de ‘30’: medio millón de copias que habrían dejado al resto de discográficas con un terrible retraso en sus pedidos, en algunos casos de meses. Pero como apuntaba Sebas hace unos días, el problema es en realidad más complejo, y Adele no es precisamente la culpable.

En cualquier caso, resulta muy irritante ver a esta artista inglesa metida súbitamente en el saco de “músicos superventas que se apuntan al carro del vinilo”, cuando la realidad es bien distinta: desde su fichaje en 2007 para XL Recordings, cada lanzamiento de Adele ha tenido su versión en formato de vinilo, incluyendo aquellos dos primeros singles de adelanto y los otros dos posteriores a la edición de su debut ‘19’. Es pues un formato que siempre ha ido ligado a su carrera artística y que de hecho la sitúa entre los pioneros del renacimiento de dicho soporte físico, que en 2007 empezaba a volver a alzar el vuelo más allá del underground (por hacer un contraste muy revelador, su rival de esta temporada -Ed Sheeran- debutó en 2006 pero no editó nada en vinilo hasta 2014). Así que todo el derecho a editar en vinilo, y si vende medio millón pues todavía mejor.

‘Chasing Pavements’ fue el segundo de esos singles de adelanto en formato de 7”, y se editó en enero de 2008. Pertenece a aquella preciosa primera época de Adele, quien recién salida de la BRIT School, todavía estaba definiendo su estilo, construyendo su identidad musical en un momento de la escena musical británica en el que bastantes artistas formadas en esa prestigiosa institución empezaban a despuntar (Kate Nash, Amy Winehouse, Leona Lewis…). Su voz era claramente soul, pero XL la estaba emparejando con diversos compositores de canciones y productores para ver por dónde salía lo más interesante. Uno de ellos fue Eg White, antiguo músico del grupo Brother Beyond (en su época pre Stock Aitken Waterman), con quien escribió unas cuantas de las canciones que después acabarían en ‘19’.

White comentaba en una entrevista que él trabaja rápido, y que su sesión con Adele fue la típica de unas tres horas, en las que primero tomaban el té y charlaban (para tomar un poco el pulso a la artista y ver qué temas le rondaban la cabeza) y después se ponían manos a la obra. Tras ese rato -comenta White- la canción estaba terminada. Pero Adele había traído ya la canción a medio hacer, inspirada en un suceso: en una entrevista con la revista Q Adele contaba que había tenido un incidente con su novio de entonces. Se enteró de que le había engañado y le buscó hasta dar con él en un bar a las 6 de la madrugada, donde le propinó un puñetazo en la cara. Cuando la echaron a la calle, caminó sola mirando a la acera y pensó “¿qué hago? Es como si persiguiese aceras vacías, en vano…”. En ese mismo momento sacó el móvil y grabó una nota de voz con una melodía, y ya de vuelta a casa le puso un par de acordes.

Su sesión con Eg White tenía mucho sentido para Adele: “quería trabajar con él para conseguir un sonido con más potencial radiofónico, el tipo de canción que me hiciese llamar la atención entre el público, y ser más conocida. Al estudio de Eg llevé esos dos acordes y él los cogió junto al estribillo y los convirtió en ‘Chasing Pavements’”. La grabación en los célebres Compass Studios de Nassau acabaría de redondear la faena: ciertamente, la composición y producción de White aupaba a Adele de su faceta más acústica y pianística (la de su single de debut, ‘Hometown Glory’) a un sonido más sofisticado, con exquisitos pianos eléctricos y reminiscencias casi de Burt Bacharach en ese estribillo de exuberantes arreglos orquestales que arropaban una melodía de maravillosa melancolía:

El dubitativo mensaje de la canción estaba claro: “¿Debería rendirme o seguir persiguiendo aceras? ¿Aunque eso no me lleve a ninguna parte? ¿O no serviría de nada? Aunque sepa el sitio que me corresponde, ¿debería dejarlo todo ahí?”.

Semanas antes de la publicación de ‘Chasing Pavements’ Adele había sido elegida la número uno en el célebre ranking de la BBC ‘Sound of 2008’, dedicado a los artistas nuevos más prometedores del año entrante: una predicción que se tornó acertada cuando la canción llegó al número 2 de las listas de singles más vendidos en el Reino Unido y lentamente se extendió a la mayoría de listas de Europa y EEUU. Un año después, le granjearía su primer Grammy, el de Mejor interpretación vocal femenina.

Que finalmente la faceta melancólico-pianística fuese la que aupase a Adele al éxito masivo (y no tanto el sonido de ‘Chasing Pavements’) da para otro artículo, pero no quita méritos a la que es personalmente mi canción favorita de esta artista, y uno de mis singles favoritos de los 00s. Es muy revelador que en una lista relativamente reciente, los críticos de The Guardian votaban las mejores canciones de Adele, y ‘Chasing Pavements’ aparecía la quinta. No está nada mal para una canción escrita por una adolescente de 19 años hace década y media.

‘Chasing Pavements’ sonó en 2008 en la entrega nº 065 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

Edgar Wright aúna thriller #MeToo y pop 60’s en ‘Última noche en el Soho’

Una semana después de la llegada de ‘The Sparks Brothers‘ a la cartelera de nuestro país, se estrena otra película del mismo director Edgar Wright, su gran apuesta por el suspense ‘Última noche en el Soho’, vista en el Festival de Sitges el pasado mes. Que Wright es un fanático de la cultura pop lo sabíamos desde el mítico guiño a New Order de ‘Shaun of the Dead’, en España conocida como ‘Zombies Party’, y en estas dos nuevas entregas se ha puesto las botas al respecto.

Tras la devoción a prueba de bombas exhibida por todos y cada uno de los álbumes de Sparks, ‘Última noche en el Soho’ reúne también decenas de vinilos solo que de diversos artistas, procedentes de los 60 británicos. Como excusa para mudarse a ese Swinging London, Wright se sirve de Eloise (Thomasin McKenzie), una estudiante de diseño de la actualidad, una de tantas alumnas de Bellas Artes, Moda o similar, obsesionada con la estética británica de la década de los Beatles.

‘Last Night in Soho’ es una chuchería para todos aquellos que alguna vez se sintieron fascinados por el que alguna vez fue el barrio de moda y el de las libertades de Londres, para todos los aficionados a la cultura pop, y a la estética de las girl groups. Para no tratar de quedarse en una bonita «fotografía», Edgar ha tratado de inyectar alma a una historia inverosímil más allá de su componente mágico (¿de verdad sobrevive alguien tan mojigato como Eloise en el Reino Unido de 2021?), lográndolo sobre todo a través de su potente reparto femenino, del juego de espejos entre unas y otras mujeres.

Por alguna razón Eloise es capaz de viajar en el tiempo al Londres de los años 60 y allí se encuentra con una de esas cantantes de la época que le fascinan. En concreto una llamada Sandy (Anya Taylor-Joy), casi como Sandie Shaw. Lo que parece una historia de glamour y lujos revela una realidad oculta. De la misma manera que una cosa era ‘Desayuno con diamantes’, la película feliz, y otra muy distinta ‘Desayuno con diamantes’, el libro; detrás del glamour caben la amargura y los secretos. ¿No habría detrás de tanto color y vestidazos una historia de cosificación y abusos?

Con una banda sonora eminentemente femenina que nos muestra vinilos de Petula Clark, Diana Ross y Dusty Springfield -de manera dramática se termina por hacerlos arder-, ‘Última noche en el Soho’ es una reflexión sobre el acoso que ha sufrido la mujer en la industria del espectáculo a lo largo de las décadas (varios personajes parecen Harvey Weinstein), llevando la sororidad hasta el extremo. En última instancia, la película es también un homenaje a viejos actores tan destacados como Terence Stamp, que tiene un papel importante, e igualmente Diana Rigg, que falleció poco después del rodaje.

Omar Souleyman, liberado tras dos días de detención

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Omar Souleyman ha sido puesto en libertad esta mañana de viernes, tras haber prestado declaración por su supuesta pertenencia al PKK, y tras haber sido retenido durante dos días. Su representante legal ha negado que pertenezca a ningún grupo.

El músico sirio había sido arrestado en Turquía acusado de “terrorismo” por presuntamente tener vínculos con el Partido de los Trabajadores del Kurdistán (PKK), que lleva décadas de insurgencia contra el gobierno turco. El PKK ha sido nombrado grupo «terrorista» por Turquía, Estados Unidos y la Unión Europea, pese a que varias voces se han alzado en contra de esta consideración. Hay voces muy críticas hacia la UE por haber aceptado la denominación de «terrorismo» en este caso; y a su vez Erdogan, presidente de Turquía, ha criticado a la Unión Europea por acoger a sus miembros y no actuar contra agrupaciones izquierdistas kurdas cercanas al PKK.

La detención de Omar Souleyman la comunicaba su mánager a la agencia de noticias francesa France 24. El cantante, que vive desde hace unos años en Turquía, era detenido a unos 50 kilómetros de la frontera con Siria, donde empezó su carrera musical cantando en bodas. En 2011 dejó el país tras el estallido de la guerra civil y se asentó en el país vecino, donde abrió una panadería. Sus canciones, que mezclan su música tradicional con la electrónica, le han servido para convertirse en una estrella internacional. Su tema ‘Warni Warni’ acumula casi 95 millones de visualizaciones en YouTube. Él ha actuado en grandes festivales como el Glastonbury en 2011, así como en Primavera Sound.

‘Spencer’ no es ‘The Crown’, sino un viaje interior pesadillesco

Después de la película de Abel Ferrara del año pasado, el Festival de San Sebastián volvió a repetir la jugada de 2019 con ‘Joker‘ y programó este año como “película sorpresa” una que venía con firma de autor pero a la vez con grandes expectativas comerciales. Se trataba de ‘Spencer’, segunda en la particular trilogía de Pablo Larraín sobre mujeres históricas en días concretos (y difíciles) de su vida. Después de retratar a Jackie Kennedy y ahora a Diana Spencer AKA Lady Di, hay muchas especulaciones sobre quién será la protagonista de la tercera, por supuesto con infinidad de memes fácilmente localizables sobre la Reina Sofía, Isabel Pantoja o Cifuentes.

‘Spencer’ venía precedida de grandes aplausos en Venecia, pero además de eso y del tirón que sigue teniendo la figura de Lady Di, otro factor para su posible buen rendimiento comercial es el nombre de Kristen Stewart, que, como su compañero en la saga ‘Crepúsculo‘ Robert Pattinson, es de sobra conocida entre el público general. Y, también como su compañero, ha conseguido labrarse con éxito un nombre como actriz “respetable”, siendo esta película su cénit, al menos de momento.

El Club‘, ‘Jackie‘ y ‘Ema’ tratan temas muy distintos, pero uno de sus elementos comunes es el frío que parece estar presente durante toda la película, y que aun así no la contagia de frialdad ni impide que lleguen emocionalmente al espectador (aunque lleguen para ser odiadas, como le ocurrió a muchos con ‘Ema’). En ‘Spencer’, ese frío vuelve a estar presente, quizás más que nunca porque es lo que siente Diana de Gales cuando está cerca de la familia real británica, un frío que no se despega de ella -y que, a su vez, la desconecta del entorno- durante los días que pasa en la Casa de Sandringham, en lo que serán sus últimas navidades junto a su familia política. Una de las familias más poderosas del mundo, pudiendo servir esto como inicio de un cuento de hadas… o como todo lo contrario, que es a lo que juega también Larraín cambiando el argumento de la chica buena que se casa con el príncipe.

‘Spencer’ no es un biopic al uso, y de hecho puede que tenga -en el público general que vaya a verla atraído por Stewart y por Lady Di- un efecto similar al que tuvo ‘El árbol de la vida‘ en quienes fueron a verla atraídos por Brad Pitt. En Donosti, tras ver días antes ‘Titane‘ o ‘Drive My Car’ ya estábamos curados de espanto, pero desde luego ‘Spencer’ no es un capítulo de ‘The Crown‘, siendo más un viaje interno a la mente de Diana esos días, que una descripción de lo externo.

Y aquí es donde deslumbra Kristen Stewart, a quien Larraín decidió fichar tras ver ‘Personal Shopper’ de Olivier Assayas: “Diana era alguien muy misterioso, y Kristen en cámara tiene eso, sentí que podía mostrar ese misterio”, cuenta, “es una extraña combinación entre misterio, magnetismo y un mundo interior que ella tiene y que viene muy bien al personaje”. Con guión de Stephen Knight (‘Promesas del Este‘), ‘Spencer’ usa diversos recursos del cine de terror, porque la propia historia que relata es la angustia y desrealización de una persona cuya salud mental se debilita por momentos, despertando parecidos con ‘El Resplandor’ por esos pasillos siniestros en los que Stewart corre sin rumbo, o con ‘La Posesión’ por la similitud con la (magnífica) interpretación de Isabelle Adjani en la película de Zulawski, aunque desde luego la comparación rápida es con ‘La Semilla del Diablo’. Angustia, paranoia creciente, y una familia -y servicio- que son tu eterna compañía… en un sentido perverso y pesadillesco.

Ayuda también a crear este ambiente la fantástica banda sonora a cargo de Jonny Greenwood de Radiohead, que ya se encargó de las de ‘Pozos de ambición’, ‘En realidad nunca estuviste aquí’, ‘El Hilo Invisible’ (por la que fue nominado al Oscar) o ‘The Master’. Greenwood compone unos cortes que nos llevan al estado de delirio y asfixia de Diana, y frente a los que supone un necesario contrapunto el uso de ‘All I Need is a Miracle’ de Mike and the Mechanics en cierto momento de la cinta.

Pero ‘Spencer’ tiene también sus debilidades: quizás se regodea demasiado en ciertas cuestiones como las comparaciones con Ana Bolena, tiene algún momento caricaturesco como el de la cacería, y por momentos pierde el equilibrio entre la mezcla de angustia y vacío acercándose más al tedio. Por otro lado, hay un debate interesante respecto al tratamiento de Diana: Elena de los Ríos cuestionaba recientemente en Mujerhoy el acercamiento trágico a su figura, preguntándose si esta victimización no invisibiliza los logros de la mujer real tras el personaje de cervatillo indefenso, y comparándola con los retratos que se hacen de Marilyn (otra candidata a cierre de la trilogía de Larraín).

En cualquier caso, Larraín firma de nuevo un trabajo muy interesante, aunque aquí los aplausos deberían ser sobre todo -y así está siendo- para Kristen Stewart, firme candidata al Oscar por el que puede ser el papel de su vida. Todo el reparto está bien -especialmente Sally Hawkings y Timothy Spall-, pero desde luego Stewart es la estrella indiscutible de la función, entendiendo muy bien lo que quiere contar el realizador chileno y procurando siempre no caer en la parodia (aunque por el trailer pudiese parecer que sí).

RFTW: Arca, FKA twigs, Soleá Morente, Lorena Álvarez, María Escarmiento…

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El de Adele es el lanzamiento más importante del día, pero lógicamente no el único. Hoy edita su nuevo álbum también Soleá Morente, Zahara reedita ‘La pareja tóxica‘ por su décimo aniversario y, entre quienes se han atrevido a publicar disco en el Día de Adele se encuentran Elbow, Holy Other, Robert PLant & Alison Krauss o Sting. También ven la luz nuevos epés de KAYTRANADA, Lorena Álvarez, María Escarmiento y Papa Topo.

Avanzan futuros lanzamientos largos los nuevos singles de Christina Aguilera, Big Thief, Arca (que publica hasta tres discos en diciembre), Cate Le Bon, Alice Glass o Vega, y FKA twigs presenta un single random que suena a banda sonora de James Bond cuando se desconoce qué ha pasado con su disco co-producido por El Guincho. Además, el artista de synth-pop e italo disco Kavinsky publica su primer single en ocho años.

En la playlist es posible escuchar nuevos temas de 100 gecs, la banda revelación shego, Maxwell, Kero Kero Bonito, Kacey Musgraves (una versión de Coldplay), The Wombats, Malamute, Fred again.., Ptazeta, A Place to Bury Strangers. Por otro lado, Kanye West lanza un corte inédito de ‘Donda‘ y sale una versión de ‘Everywhere’ de Fleetwood Mac por Anne-Marie y Niall Horan que mola… o no.

Courtney Barnett / Things Take Time, Take Time

El mundo habrá vuelto a la normalidad cuando dejen de salir discos inspirados por la pandemia. En ‘Rae Street‘, la pista que abre el nuevo disco de Courtney Barnett, la cantautora australiana observa ese lamentable mundo desde la ventana del privilegio (y también la de su casa), contenta con por lo menos poder ver el sol salir una mañana más. La filosofía de ‘Things Take Time, Take Time’ es precisamente la de tomarse la vida con calma, reflexionar y apreciar las pequeñas cosas de la vida, y el disco suena igual de satisfecho.

En uno de los pasajes más sabios de ‘Things Take Time, Take Time’, Courtney reflexiona que «cuando un niño nace, otro hombre yace en su lecho de muerte, y así continuamente» solo para terminar pensando en la «próxima carta que voy a recibir de tu parte». Courtney sabe que la magia de la vida se encuentra en ser humilde, escribir a tus amigos, arroparles si pasan frío, quizá declararte a la persona que te gusta y en asegurarte de «no meter el cuchillo en la tostadora».

En el pegadizo single ‘Before You Gotta Go’, Courtney recuerda una pelea… a duras penas: «Nos enfadamos, nos dijimos cosas que no queríamos decir, el problema que teníamos no está muy claro». Esas palabras se las ha llevado el viento y el ligero sonido de la canción, inspirado en el jangle-pop, ya sugiere que Courtney vive en paz con su yo interior. Sus nuevas canciones mantienen esa energía contenta y despreocupada, como ‘Rae Street’ o ‘Sunfair Sundown’, y otras, como la balada ‘Here’s the Thing’, pasan por los oídos como si fueran una brisa.

Algunas presentan variaciones en ese folk-rock sereno y semi recitado con voz cansada de la existencia que caracteriza a la autora de ‘Tell Me How You Really Feel‘: el riff de ‘Write a List of Things to Look Forward To’ parece sacado de la época ‘The Head on the Door’ de The Cure y ‘Turning Green’, otra de esas canciones que relacionan el nacimiento de un nuevo amor con la llegada de la primavera, tiene un ritmo casi krautrock. Pero son variaciones anecdóticas dentro de un disco que no quiere llamar demasiado la atención.

Efectivamente no hay en ‘Things Take Time, Take Time’ singles tan redondos como ‘Avant Gardener’ o ‘Pedestrian at Best’, solo una colección de canciones de Courtney Barnett que se conforman con ocupar un lugar modesto, casi como la propia Courtney cuando observa el mundo desde su ventana. ‘Things Take Time, Take Time’ es un disco que, sobre todo, invita a meditar y a quitarle hierro a la vida. Es un trabajo lleno de buenos consejos que una amiga te da mientras te da una palmadita en la espalda, o un sentido abrazo.

¿Pero cuál es el verdadero segundo single de ’30’?

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Los tres primeros discos de Adele fueron editados por XL, un sello grande -tamaño Radiohead, The xx-, pero independiente. Únicamente se llegó a un acuerdo de distribución con Sony, en los últimos años, para Estados Unidos. Tenía pinta de que Adele firmaría eventualmente con Sony, y así ha sido. Paradójicamente, ’30’ es el menos comercial de los álbumes editados por Adkins hasta la fecha.

Easy On Me‘ ha sido un éxito absolutamente abrumador, un número 1 mundial durante un mes, que quizá extienda su reinado hasta la llegada de Mariah Carey o más allá, cuando se comercialice su dueto con Chris Stapleton, de momento un extra para unos grandes almacenes americanos. El disco es diferente y arriesgado en muchos aspectos, pero es llamativa la ausencia de segundo single o tercer single tamaño ‘When We Were Young’ o ‘Set Fire to the Rain’. El sello maneja hasta 5 pistas diferentes como «focus track» para las playlists de novedades de este viernes.

Adele ha anunciado de manera oficial que el segundo single del disco es ‘I Drink Wine’. Así lo recoge la mismísima OCC. También se está dando bola a ‘Hold On’, que aparecía en un anuncio hace unos días y fue hace unos días interpretada en directo. Sin embargo, la realidad que nos hemos encontrado en Today’s Top Hits y las playlists más poderosas del mundo es otra. La gran apuesta en Spotify es ‘Oh My God’, en remedo modernuqui del bombo de ‘Rolling In the Deep’, y también aparece en las mismas ‘Can I Get It’, la que en nuestra primera escucha del disco situamos como la canción más comercial de ’30’. ¿Hay vídeo grabado para ‘I Drink Wine’ o promoción televisiva que vaya a poder con esta macropromoción para ‘Oh My God’ o al final decidirá el pueblo con sus escuchas?

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Vega avanza su disco ‘Mirlo blanco’ con un himno mutante sobre salud mental

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Vega ha dado los detalles de su nuevo álbum. ‘Mirlo blanco’ sale en febrero de 2022 -no se ha concretado fecha todavía- a través de La Madriguera Records, su propio sello, y su secuencia de 12 pistas presenta colaboraciones de Manuel Carrasco, entre otras.

‘Un golpe’ ha sido el primer adelanto de ‘Mirlo blanco’, al que ahora sucede ‘Bipolar’, un tema que, acorde a su título, se compone de dos partes diferenciadas. La primera se mece con una cadencia próxima al noir jazz y llega a recordar vagamente a aquel disco de Julee Cruise asociado a ‘Twin Peaks’, y la segunda anima el tempo desde una forma más pop-rock y guitarrera, cercana al sonido de ‘La reina pez‘.

‘Bipolar’, hoy la Canción Del Día, habla sobre salud mental, como ha explicado Vega en sus redes sociales, y su composición a dos partes representa ese estado entre encontrarse en un lugar oscuro y ser capaz de salir de él triunfal. «Yo que una vez fui bonita sufría el espejo / intentando encontrar los defectos que ahora son bellos» es el primer verso que se escucha en el tema, el cual termina por todo lo alto con Vega proclamando que no va a rendirse y que «sentir me hace libre».

Vega ha compartido además el siguiente texto sobre ‘Bipolar’: “Alguien a quien admiro profundamente escribió una canción que rezaba “el equilibrio es imposible”, por una vez yo me he propuesto la utopía de encontrarlo, de lograr encontrar un lugar para las dos, donde pueda convivir con mi peor versión. No hay nada malo en sentir así, “solo” (y no es poco) hay que aprender a lidiar con la crudeza y la belleza de vivir bajo su yugo. Asumirlo. Aceptarlo. Querer levantarte y aprender de los tropiezos. Y si es con ayuda profesional, mucho mejor».

Mirlo blanco:

01 El valle – Txoria, Txori (intro)
02 Mirlo Blanco
03 Bipolar
04 Un Golpe
05 Mortal
06 Contigo – Vega y Manuel Carrasco
07 ¡Ladra! – Vega, Francisca y Marisoul
08 Sobrevivir
09 Aire
10 Casa – Madrid
11 Dioses y Demonios
12 Patria

Latin GRAMMYs: palmarés y actuaciones de Christina Aguilera, C. Tangana, Gloria Estefan…

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La gala de los Latin GRAMMYs se ha celebrado esta noche con C. Tangana y Camilo entre los principales ganadores de la velada, como se esperaba. Carlotta Cosials de Hinds ha declarado matrimonio a C. Tangana tras verle cargado de premios… seis años después de que Antón se declarara a ella en una canción, en los tiempos pre-‘Ídolo’.

También se han llevado premios importantes Juan Luis Guerra o Bad Bunny, aunque el más preciado de todos, el premio a Álbum del año, ha ido a parar a manos de Rubén Blades y Roberto Delgado & Orquesta por ‘SALSWING!’. ‘Patria y vida’ de Gente de Zona ha obtenido el premio a Canción del año y ‘Talvez’ de Caetano Veloso & Tom Veloso el de Grabación del año.

Entre las actuaciones destacadas de la noche se encuentran la de C. Tangana, que ha replicado su «Tiny Desk» sentado en una mesa y acompañado de toda su tropa (Alizzz, Antonio Carmona, La Húngara, etc.); y la de Christina Aguilera, que ha estrenado en vivo su nueva balada ‘Somos nada’ y también su single ‘Pa Mis Muchachas’ junto a Becky G, Nathy Peluso y Nicki Nicole. Posiblemente por una razón de derechos, la organización de los Latin GRAMMYs ha subido oficialmente a Youtube las entregas de premios pero no las actuaciones, las cuales adjuntamos bajo estas líneas en versiones no oficiales. La lista completa de ganadores, aquí.

Álbum del Año
1. VÉRTIGO/ Pablo Alborán
2. MIS AMORES/ Paula Arenas
3. EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO/ Bad Bunny
4. SALSWING!/ Rubén Blades y Roberto Delgado & Orquesta
5. MIS MANOS/ Camilo
6. NANA, TOM, VINICIUS/ Nana Caymmi
7. PRIVÉ/ Juan Luis Guerra
8. ORIGEN/ Juanes
9. UN CANTO POR MÉXICO, VOL. II/ Natalia Lafourcade
10. EL MADRILEÑO/ C. Tangana

Canción del Año
A TU LADO/ Paula Arenas & Maria Elisa Ayerbe
A VECES/ Diamante Eléctrico
AGUA/ J Balvin, Alejandro Borrero, Jhay Cortez, Kevyn
CANCIÓN BONITA/ Rafa Arcaute, Ricky Martin, Mauricio Rengifo, Andrés Torres & Carlos Vives
DIOS ASÍ LO QUISO/ Camilo, David Julca, Jonathan Julca, Yasmil Jesús Marrufo & Ricardo Montaner
HAWÁI/ Édgar Barrera, René Cano, Kevyn Cruz, Johan Espinosa, Kevin Jiménez, Miky La Sensa, Bryan
Lezcano, Maluma, Andrés Uribe & Juan Camilo Vargas,
MI GUITARRA/ Javier Limón, songwriter (Javier Limón, Juan Luis Guerra & Nella
PATRIA Y VIDA/ Descemer Bueno, El Funky, Gente De Zona, Yadam González, Beatriz Luengo, Maykel Osorbo & Yotuel
QUE SE SEPA NUESTRO AMOR/ l David Aguilar & Mon Laferte
SI HUBIERAS QUERIDO/ Pablo Alborán, Nicolás “Na’vi” De La Espriella, Diana Fuentes & Julio Reyes Copello
TODO DE TI/ Rauw Alejandro, José M. Collazo, Luis J. González, Rafael E. Pabón Navedo & Eric Pérez Rovira,
VIDA DE RICO/ Édgar Barrera & Camilo

Grabación del Año
SI HUBIERAS QUERIDO /Pablo Alborán
TODO DE TI Rauw Alejandro
UN AMOR ETERNO (VERSIÓN BALADA) /Marc Anthony
A TU LADO/ Paula Arenas
BOHEMIO/ Andrés Calamaro & Julio Iglesias
VIDA DE RICO /Camilo
SUÉLTAME, BOGOTÁ/ Diamante Eléctrico
AMÉN/ Ricardo Montaner, Mau y Ricky, Camilo, Evaluna Montaner
DIOS ASÍ LO QUISO/ Ricardo Montaner & Juan Luis Guerra
TE OLVIDASTE/C. Tangana & Omar Apollo
TALVEZ/ Caetano Veloso & Tom Veloso

Mejor Nuevo Artista
GIULIA BE
MARÍA BECERRA
BIZARRAP
BOZA
ZOE GOTUSSO
HUMBE
RITA INDIANA
LASSO
PALOMA MAMI
MARCO MARES
JULIANA VELÁSQUEZ

POP

Mejor Álbum Vocal Pop
DIOS LOS CRÍA/ Andrés Calamaro
MIS MANOS/ Camilo
MUNAY/ Pedro Capó
K.O./ Danna Paola
5. DE MÉXICO/ Reik

Mejor Álbum Vocal Pop Tradicional
1. VÉRTIGO/ Pablo Alborán
2. MIS AMORES/ Paula Arenas
3. PRIVÉ/ Juan Luis Guerra
4. DOCE MARGARITAS/ Nella
5. ATLÁNTICO A PIE/ Diego Torres

Mejor Canción Pop
ADIÓS/ Sebastián Yatra
AHÍ/ Nella/ Doce Margaritas
CANCIÓN BONITA/ Carlos Vives & Ricky Martin)
LA MUJER/ Mon Laferte & Gloria Trevi
VIDA DE RICO/ Camilo

URBANA

Mejor interpretación de reggaetón
“Tu veneno”/ J. Balvin
“La tóxica”/ Farruko;
“Bichota”, Karol G
“Caramelo”/ Ozuna
“La curiosidad”/ Jay Wheeler, DJ Nelson y Myke Towers.

Mejor álbum de música urbana
“Goldo Funky”/Akapellah
“El último tour del mundo” /Bad Bunny
“Monarca”/Eladio Carrion
“Enoc”/Ozuna
“Lyke Mike”/ Myke Towers

ALTERNATIVA

Mejor canción alternativa
“Agarrate” / Nathy Peluso
“Antidiva”/ Aterciopelados
“Confía” / Gepe y Vincentico
“Nominao” / C. Tangana y Jorge Drexler
“Te olvidaste”/ C. Tangana y Omar Apollo

Mejor álbum de música alternativa
“Kick I”/ Arca
“Tropiplop”/ Aterciopelados
“Cabra”/ Cabra
“Un segundo MTV Unplugged”/ Café Tacvba
“Calambre”/ Nathy Peluso

PRODUCCIÓN

Productor del año
Alizzz
Edgar Barrera
Bizarrap
Marcos Sánchez
Dan Warner

‘Tres’: voces nuevas, presentes, futuras, pasadas

Está pasando de puntillas por la cartelera una película española de la que quizá se hablará durante mucho tiempo. El director Juanjo Giménez ha estrenado en la gran pantalla la que considera medio en serio, medio en broma, su «tercera ópera prima», un par de décadas después de ‘Nos hacemos falta (Tilt)’ y una década después del documental ‘Esquivar y pegar’. Su mayor hito de momento ha sido llevarse la Palma de Oro en Cannes por su corto ‘Timecode’ (2016), que también fue nominado al Oscar.

‘Tres’ -mejor en su título en inglés, ‘Out of Sync’, que al menos se puede buscar en Google-, es desde la primera escena una apuesta de lo más estimulante para los estudiantes de Comunicación Audiovisual y los licenciados en dicha materia. En ella vemos a una técnica de sonido trabajando en una película de ficción, en concreto en una escena violenta, de manera analógica y digital. Se azota a sí misma para simular el sonido de una bofetada en la película que está montando; después trabaja con el software de su portátil.

En otras palabras, ‘Tres’ corre el peligro de ser una película hecha para la Academia, y seguramente no vaya a librar a Juanjo Giménez de continuar con sus múltiples trabajos paralelos, a saber, productor, director de fotografía, guionista, ayudante de cámara y, de manera dramática, «empleado de una multinacional». Sin embargo, su apuesta formal es impecable, influida por clásicos de diferentes épocas como ‘Blow Out’, ‘Berberian Sound Studio‘ o ‘Inland Empire‘; y además la cinta lucha por que su estudio del espacio y el tiempo cinematográficos vengan acompañados de una historia más humana.

Esto último es responsabilidad de la protagonista interpretada por Marta Nieto, ya nominada a Mejor Actriz en los Premios Forqué. Desconocemos cómo se llama su personaje, y quizá como metáfora de sus flagrantes problemas de comunicación con sus compañeros de trabajo, con sus compañeros de cama y con su madre, un día, de repente, empieza a estar «fuera de sincro». Algo en ella parece estar averiado, como ya lo estaba su vida. Ahora escucha los sonidos con segundos o minutos de retardo, con todo lo que ello va a implicar para una persona de su profesión… mientras todos aquellos que hayáis bajado una película de mala manera de la red, quizá esbocéis una sonrisa.

Juanjo Giménez saca partido dramático de tan extraña afección, que oscila entre lo psicológico y lo neurológico (inspirada en el caso de un piloto coreano que vive unos segundos desincronizado), pues además el personaje de C. es workaholic hasta la médula. Pero más interesante que el trabajo que ella pueda perder, es cómo el director va más allá para exprimir a Marta Nieto con numerosos recursos. Los hay más manidos (el atropellamiento, el fuego de la cocina), pero los hay ocurrentes: ¿cómo es el sexo para una persona que oye con «delay»? ¿cómo es su vida cuando escucha conversaciones que nunca debió oír?

En un universo particular, ‘Tres’ nos habla de la locura que acecha a los cineastas que pasan 10 y 12 horas diarias en la sala de montaje de sonido, cuando después salen a la calle y el sonido ambiente les abruma. En un plano más general, el film nos habla del uso que hacemos de la tecnología en el año 2021, cómo vivimos con «delay» respecto a la realidad a través de nuestros gadgets, y por eso la película es un pequeño festival vintage de cintas de cassette, bloc de notas de papel y boli, móviles muy antiguos y gente sin WhatsApp. En última instancia, la película se crece cuando logra mirar el lado positivo de la circunstancia, a través de la bonita secuencia del paseo y el cine mudo -mágica, casi navideña-, y de la búsqueda de respuestas en nuestros ancestros. Un mundo de posibilidades se abre en esa resolución final.

shego: «Tu mejor amiga es más importante que el chico guapo que suele ser un poco bobo»

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shego son Irene, Aroa, Maite y Raquel, cuatro chicas de Madrid. Comenzaron a componer juntas en 2020 y a mediados de este año sacaron su primer EP ‘tantos chicos malos y tan poco tiempo’, con la colaboración en la producción de Bronquio y Carlangas. En este EP incluían ‘Vicente Amor’, ‘oh boi’ y ‘la nueva ola’, que tienen un claro mensaje feminista y reivindicativo. Su nombre es un homenaje a la villana de Kim Possible, la serie de Disney que fue mítica en los 2000s. Precisamente, las invitadas de esta entrega de Meister of the Week, la sección comisariada por Jägermusic, han elegido de tema tres series de los 2000s que las marcaron: Zoey 101, H20 y Lizzie McGuire.

shego, que hoy han lanzado su nuevo single ‘la kiero a morir’, actúan este 20 de noviembre en el Monkey Week en Sevilla, y el 19 de diciembre telonean a Rigoberta Bandini en La Riviera de Madrid (entradas, aquí).

¿Por qué habéis elegido hablar de ‘Zoey 101’? ¿Cuál era vuestro personaje?
Porque nos dimos cuenta de que habiendo crecido en sitios distintos era algo que teníamos en común en nuestras mañanas de verano. Nos hizo mucha gracia. Nuestro personaje fav… Zoey en realidad era un poco petarda, así que nos quedamos con las amigas raritas, Quinn, Nicole… Y la que era una malota hot, creo que se llamaba Danna.
El lugar en el que se desarrolla la serie es una escuela residencial con todo tipo de servicios cerca de la playa en California. ¿Os hubiera gustado que vuestro instituto hubiera sido como el Pacific Coast?
Uffffff claro, a quién no… Vivir con tus amigas y el chavalín que te gusta en el mismo sitio. De hecho creo que alguna vez de pequeñas todas jugamos a vivir en PCA.

Si os hubieran dado a elegir, qué preferiríais tener, ¿una Jet X o un TexMate?
Raquel:
Irene: Jet X
Aroa: TextMate
Maite: Jet X bastante moto mami
Raquel: TextMate la moto esa es de tontas.

Como recordaréis, la serie se terminó apresuradamente cuando Zoey (Jamie Lynn Spears) se quedó embarazada. Si hubiera seguido, ¿cómo la hubierais continuado?
¡Claro! Aunque en realidad somos más de Britney, pero en ese momento no lo sabíamos. Quizá una continuación años después en la uni hubiera sido divertido. Ver la evolución de cada personaje.

‘H20’ es otra de las míticas series de vuestra infancia. Sirenas adolescentes con poderes mágicos. ¿Alguna vez jugasteis a estar en la isla de Mako estando en la piscina?
Obvio, como todas las niñas de España. La mítica pelea por ver quién era quién….

Siempre he pensado que la protagonista real era Cleo porque le daban mucho peso a su trama. ¿Os pasaba igual? ¿Cuál era vuestro personaje favorito?
Jajajaj sí! Pero era la más pringada en realidad, ¿no? Y nuestras favs… las cuatro adoramos a Ricki en realidad, una real badass.

Cuando la mala, Charlotte, se volvió sirena también lo vi muy injusto ¿Qué os pareció este plot twist?
En el fondo la pobre sufría un montón por ser tan mala… pero bueno, a terapia chica. No se merecía ser sirena, eso está claro.

La canción del opening es tan mítica como la serie. ¿Os atreveríais a hacer un cover de esta canción?
Uffffffffff es una idea increíble, os la mandaremos si sucede (ojalá suceda).

‘Lizzie McGuire ‘trata la vida de una chica adolescente desde el punto de vista de su conciencia, representada como una versión animada de la protagonista. ¿Alguna vez pensasteis que había una mini vosotras en vuestro interior que tenía voz propia?
Sí. De hecho siguen ahí y son las que se pelean entre ellas cuando discutimos, nosotras somos muy trankilitas, pero ellas… se tiran de los pelos a la mínima. Por otro lado visten genial.

A pesar de que era una serie infantil, trataba temas serios como la anorexia o el bullying. ¿Recordáis alguna moraleja que os haya enseñado la serie?
Que tu mejor amiga es más importante que el chico guapo y que el chico guapo suele ser un poco bobo.

Hace un tiempo hubo rumores de un reboot de la serie aunque finalmente se descartó. En el caso de haberse realizado y que Hilary Duff no hubiera participado, ¿quién os parece la persona perfecta para interpretar a Lizzie McGuire?
Las protas de Booksmart ¡sin duda!

Si estas series hubieran representado alguna influencia para las shego, ¿cuál sería? ¿En dónde podríamos sentirla aunque sea como reacción?
Pues nos encantaría vestir como ellas, tener sus cortes de pelo etc. Estamos en ello. También el tema de estar todo el rato con las amigas… ¡Las llamadas a cuatro bandas! Eso también nos gustaría copiarlo.

Ni «zapatillas ni «tontos»: Dani Martín rescata lo más adulto de El Canto del Loco

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Dani Martín ha publicado esta semana sus regrabaciones de El Canto del Loco junto a la inédita y retrospectiva ‘No, no vuelve‘. Ya sabéis, toda una declaración de intenciones. Es llamativo el repertorio de 11 canciones elegido por Dani Martín para la ocasión, pues ya no es que el grupo «no, no vuelva», sino que tampoco lo han hecho algunas de las grabaciones más populares de la banda primigenia.

En el disco ‘No, no vuelve’, Dani Martín no nos habla de «zapatillas» ni se quiere acostar con «la madre de José». Ni te dice a ti ni a sí mismo «eres tonto». La selección es más adulta, sobre cuestiones como la identidad (‘Quiero ser’), el paso del tiempo («Ya nada volverá a ser como antes / nunca dejaré que nada me cambie») y la nostalgia (‘Peter Pan’). Las nuevas producciones son mucho más atemporales, menos adolescentes y están mejor acabadas, sin recurrir tampoco a cuerdas ni a orquestas sinfónicas, que parece la máxima tentación de algunos artistas llegados a cierta edad. ‘Son sueños’ simplemente suena un poquito menos sixties y un poco más rock por un lado y Phoenix, por el otro.

La jugada de Dani Martín revisitando su propio repertorio recuerda un poco a la última de Taylor Swift, pero en su caso no es exhaustiva porque no responde a imperativos editoriales. Estas no son las canciones más populares ni todas las canciones de El Canto del Loco, sino las que al cantante le ha apetecido reinterpretar en este momento de su vida. De manera significativa, casi no se le ve en la portada, sólo sus ojos.

Cuenta Martín en las entrevistas que empezó a jugar con esta idea de largo en el confinamiento, y que ha querido llevar todo al sonido con el que tanto él como sus ex compañeros Chema y David se criaron de pequeños. «Es decir, una cosa más rockera, los Red Hot Chili Peppers, los Strokes, Los Ronaldos, Tom Petty… Quería jugar, salir de lo que radio de hoy pide, no pensar en singles ni en sonidos urbanos ni invitar a nadie. Queríamos hacer un disco sin duetos, que se saliese de los cánones y que fuera un regalo para los fans».

La influencia de los Red Hot se nota mucho por ejemplo en el punteo de la nueva ‘La suerte de mi vida’ (la original era más «punk»), mientras ‘Quiero ser’, escrita con David Otero, presenta una progresión un tanto primeros Coldplay. Está por ver cómo responde el público al desafío de haber revestido estas canciones de pop-rock adulto. Curiosamente, el artista compite por el número 1 en España esta semana con la misma Taylor Swift y su revisión de ‘Red’. El martes conoceremos el nombre del ganador. Por si puede arañar algo en estas últimas horas de la semana, el cantante visita este jueves El Hormiguero.

Christina Aguilera se lanza al nihilismo chic con ‘Somos nada’

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Pa mis muchachas’ no ha sido precisamente un éxito para Christina Aguilera, pese a los tótems de la música latina con que contaba (Becky G, Nicki Nicole, Nathy Peluso), y tras un paso muy fugaz por el top 100 español y la nada en los países anglosajones, hay nuevo single de esta era de la cantante en castellano. Christina Aguilera ha estrenado esta noche baladón de título nihilista, ‘Somos nada’, un tema que pese a su título viene acompañado de tremendo vídeo de corte chic S&M.

Taylor Swift / Red (Taylor’s Version)

Sólo Taylor Swift podía liarla así. Iba completamente en serio cuando, al perder los derechos de sus propias canciones, se lanzó a regrabar sus viejos discos para poder explotarlos a su conveniencia y, después de relanzar ‘Fearless‘, el asunto no ha decaído. Todo lo contrario. La cantante ha conseguido que el relanzamiento de este álbum sea un acontecimiento, que las canciones suenen incluso más frescas y vigentes, que la nueva portada sea incluso más atractiva e icónica que la original y hasta que ‘All Too Well’, que ni siquiera fue de los 7 singles de la edición original, ni era una de las 5 canciones más escuchadas de este disco, se convierta en el nuevo clásico de Taylor Swift, a través de una versión de 10 minutos para la que ha hecho un corto y una actuación televisiva de similar duración. Ni siquiera a Adele me la imagino saliendo tan triunfal de este embrollo.

Corría el verano de 2012 cuando se empezaba a promocionar el disco original. ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, con su ritmo entrecortado a lo ‘No Scrubs’ de TLC, representaba el paso de Taylor Swift de un country pop almibarado que le había dado muy poquito en Europa, al Olimpo del Pop. Fue una de las mejores canciones de aquel año, aunque muchos medios no lo detectaran entonces, y venía acompañada de otras pruebas de modernidad, como el dubstep/brostep convertido en meme de ‘I Knew You Were Trouble’ y aquella ’22’ que en su momento recordaba a Kesha. Estas tres eran las producciones de Max Martin y Shellback para una artista que antes jamás habríamos imaginado trabajando con ellos. Estaba evolucionando y madurando.

Swift no ha tocado el alma de las grabaciones originales, pues eso habría sido un error que provocara el mismo rechazo o la misma indiferencia entre el público que aquellas regrabaciones de su repertorio que realizaron hace pocos años Blondie. Sí les ha dado más cuerpo, algo más de sonido directo, ahora que frecuenta compañías más alternativas desde la era ‘folklore‘. Quizá porque han mejorado los equipos de alta fidelidad o los métodos de masterización, o porque han cambiado las modas, ‘State of Grace’ suena incluso más gloriosa, más próxima al Bruce Springsteen maximalista; ‘The Last Time’ con Gary Lightbody, más épica; ‘Stay Stay Stay’, más cuqui; ‘The Lucky One’, más girl group.

Pero ‘Red’, que perdió el Grammy a Álbum del Año contra un disco francés, en uno de los mayores momentos de lucidez que se recuerdan en la tormentosa historia de la Academia, también tenía sus defectos. Y no, no eches la culpa a su amigo Ed Sheeran por ‘Everything Has Changed’, ni por la nueva colaboración de aquella época que han revelado, una suerte de villancico llamado ‘Run’ que Sheeran prefería. En verdad, los dos son igual de ñoños cuando se ponen: ni él es de la escuela de Damien Rice, ni ella de la de Amy Winehouse. El abismo de aceptación crítica que existe entre ambos es un auténtico misterio cuando ‘Red’ patina en momentos tan prescindibles como la sobrecargada ‘The Moment I Knew’, que dice haber escrito en su 21º cumpleaños, el «peor día de su vida» porque su pareja no se presentó (qué envidia de vida, ¿no?); reiterativos como ‘I Almost Do’, que hubiera sido muy mona como cara B de «Never Ever», y también algo tóxicos como ‘Stay Stay Stay’. En esta, ese móvil volando por la habitación se regodea en el mal hacer, como más adelante lo haría el vídeo de ‘Blank Space’. ‘reputation‘ será un disco más poliédrico en su escala de grises del amor al odio. También, más divertido.

La visión del amor y del mundo es aquí unidimensional y adolescente, tan primaria y manida como ese Pablo Neruda al que aludía el libreto original. Cuando Swift explicaba, por ejemplo, que ‘Come Back… Be Here’ trataba sobre «un chico que conoció una vez», o que ‘Begin Again’ iba sobre «una ruptura que todavía le pone triste», uno se preguntaba qué podría tener tal cosa de particular, porque es exactamente lo mismo que nos llevaba contando a lo largo de una veintena de canciones. Hubo muchas especulaciones sobre qué letras versaban sobre John Mayer, Harry Styles o Jake Gyllenhaal. Mientras este trata ahora de evitar salir de nuevo en la prensa rosa 10 años después a raíz de la buena acogida de ‘All Too Well’, Poppy Noor afirma en The Guardian, sin hacer de menos a nadie, que lo más admirable de Adele no es haber adelgazado, sino cantar sobre sus rupturas sin revelar absolutamente nada de sus destinatarios, salvaguardando siempre su intimidad.

En cualquier caso, Taylor Swift suma en este ‘Red (Taylor’s Version)’ una decena de pistas inéditas, y la más interesante la verdad es que no es justo la que no habla de amor conyugal, ‘Ronan’, un single benéfico de 2012 para un niño que murió de cáncer y que en 1 semana ha sumado en su nueva versión más streamings que la original en 9 años. Qué buena noticia para la causa… no tanto para el disco dado su aroma a Céline Dion. Junto a composiciones de la época que donó a Little Big Town (‘Better Man’), a Sugarland (‘Babe’) o que ahora recupera junto a la hypeada Phoebe Bridgers (‘Nothing New’, inspirada en ‘A Case of You’ de Joni Mitchell), destacan tres de estos extras: un popero ‘Message In a Bottle’ que anticipa la explosión comercial de ‘1989’, el nuevo single oficial ‘I Bet You Think About Me‘, que escribió junto a Lori McKenna como broma tabernera y encierra un aire dylaniano bajo la producción de Aaron Dessner; y la letanía de 10 minutos de ‘All Too Well’.

La composición original de ‘All Too Well’ se había convertido en favorita de sus seguidores gracias a las imágenes tan vivas de la nostalgia que contenía, y a su sutil progresión de acordes: «allí estábamos en medio de la noche / bailando en la cocina a la luz de la nevera / estaba ahí, bajando las escaleras, lo recuerdo demasiado bien». Ahora Taylor recupera unos versos desechados que incluyen más detalles sobre aquella ruptura: referencias a la diferencia de edad entre los dos amantes, a una actriz que se interesó por el estado de Taylor (al parecer Jennifer Aniston) y hasta un llavero con la inscripción «que se joda el patriarcado» que arranca una sonrisa. Sobre todo porque hasta 2018 no se implicó políticamente. La versión de 10 minutos no es particularmente mejor, pero sí dignifica y eleva la original a niveles insospechados.

Ojalá todo ‘Red’ fuera o hubiera sido tan evocador como ese minuto final de esta nueva versión, en el que Taylor repite «I was there». ‘Red’ habría sido realmente un disco de 9 sobre 10 si en lugar de 16, 22 o 30 canciones, hubiera contenido estas 12: ‘State of Grace’, ‘Red’, ’Treacherous’, ‘I Knew You Were Trouble’, ’22’, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ‘Stay Stay Stay’, ‘The Last Time’, ‘The Lucky One’, ’I Bet You Think About Me’, ‘Message In a Bottle’ y para terminar ‘All Too Well’.

Holly Humberstone: «Londres ha tenido un gran impacto en mi salud mental»

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Holly Humberstone es una de esas artistas que han continuado creciendo durante la pandemia y a pesar de la pandemia. Sus cálidas canciones, con ‘Vanilla‘ y ‘Overkill‘ entre las destacadas, trazan un punto de encuentro entre Lorde, Phoebe Bridgers y Maggie Rogers -aunque ella menciona entre sus mayores influencias a Damien Rice- y su mayor éxito, ‘Falling Asleep at the Wheel’, es una composición preciosa y sobresaliente más allá de sus influencias. Pero Holly tiene más cosas que contar en su segundo EP, ‘The Walls Are Way Too Thin’, que acaba de salir. Hablamos con Holly vía Zoom sobre su nuevo proyecto, su trabajo con Matt Healy de 1975 o su amor por Radiohead, a los que ha versionado.

Tu EP acaba de salir. ¿Cómo te sientes?
Estoy muy emocionada de que las canciones estén ya fuera. He esperado mucho tiempo por este momento. Las escribí en un momento de mi vida en el que estaba pasando por muchos cambios y espero que la gente pueda conectar con las canciones y ayudarles como me han ayudado a mí.

¿Lo consideras tu EP de debut o más bien el segundo?
Es el segundo. El primer epé reunía canciones escritas a lo largo de varios años, en las que aún estaba descubriendo quien soy como artista, experimentando… Y en ‘The Walls Are Way Too Thin’ he seguido desarrollando las mismas ideas, lo cual para mí ha sido muy divertido. Es la segunda parte de la misma historia.

El éxito de tus canciones se disparó durante la pandemia. ¿Cómo viviste esta experiencia?
Recuerdo que fue surrealista. No era capaz de entender lo que estaba pasando. Me costó entender el hecho que allí afuera hay gente que realmente escucha mi música porque, hasta ese momento, me enteraba de todo solo mirando el móvil. Me juzgaba a mí misma observando estadísticas, reproducciones en streaming y comentarios de Youtube. En el confinamiento me costó escribir canciones nuevas y, al mismo tiempo, las viejas empezaban a gustar a mucha gente. Fue una época rara.

¿Qué representa el EP para ti? ¿Ha sido terapéutico para ti escribirlo?
Escribí el EP en un momento de muchos cambios en mi vida, como he dicho. Me mudé de casa de mis padres a Londres, no tenía amigos en la ciudad, todo me parecía extraño, vivía en un barrio extraño con gente a la que no conocía de nada. Mi primera relación terminó sin yo quererlo porque no tenía a nadie más en la ciudad. Todo me resultaba alienígena e ir al estudio para escribir estas canciones nuevas me otorgó la estabilidad que me faltaba en mi vida. Y espero que conforten también a las personas que las escuchen.

El disco de hecho tiene un sonido reconfortante, no sé si era la intención…
Quería que las canciones tuvieran ritmos animados y que la producción contrastara con las letras, que son bastante tristes, mórbidas y oscuras. Ese contraste entre producciones edificantes y letras tristes ha sido terapéutico para mí.

¿De qué habla ‘The Walls Are Way Too Thin’? ¿Cuándo la compones?
Escribí esta canción justo antes de la pandemia. Acababa de llegar a Londres, no planifiqué mucho la mudanza -culpa mía por no haberlo hecho- y terminé en un cuchitril compartido con un montón de extraños. No suelo tener estándares a la hora de vivir en un sitio, me da un poco igual donde vivir, pero este sitio era horrible. Probablemente ni siquiera se tendría que poder haber alquilado por el mal estado en el que estaba. Había ratas por todas partes, los colchones estaban hechos un asco, había cristales rotos y colillas en el suelo… Imagínate cómo me sentó estar lejos de casa y vivir en un sitio así tan poco hogareño, yo que precisamente me considero una persona hogareña a la que le gusta tener a su familia cerca… Me acababa de mudar y ya la echaba de menos… En Londres me sentía como un pez pequeño dentro de un gran océano.

«En Londres me he sentido muy desconectada y sola»

Tu estancia en Londres influyó mucho en tu nuevo EP…
A raíz de vivir en ese piso me convertí en una persona muy introvertida. Solo salía de casa para ir al estudio y escribir sobre lo que me estaba pasando. De vez en cuando quedaba con mis amigos, cogía el tren y cuando volvía a casa me ponía triste otra vez. ‘The Walls Are Way Too Thin’ habla sobre los momentos en que me encierro en mi diminuto cuarto a escuchar todo el caos que sucede fuera. El EP se titula ‘The Walls Are Way Too Thin’ también porque representa el estado de ánimo en el que me encontraba en ese momento. Era una época en la que me sentía muy desconectada y sola.

El primer EP lo escribí en la casa donde me crié, las canciones contaban historias que habían sucedido en ese lugar, incluso algunos vídeos se grabaron en esa misma casa. Por el contrario, el segundo se basa en mi estancia en Londres, una ciudad que ha tenido un gran impacto en mi salud mental y en mi trabajo como compositora. Las canciones evocan una sensación de estar perdida, que es como me sentía entonces. Ir al estudio a escribirlas me ayudó a reencontrarme conmigo misma.

Entiendo que ya no estudias en Liverpool.
No, ya no estudio en Liverpool. Viví en Liverpool durante un año universitario y no me gustó, vivía sola, nada me sonaba y no tenía amigos. Fue una situación similar a la de Londres. Al año dejé la universidad y me fui a vivir a Londres porque ya viajaba allí a menudo para escribir.

Matt Healy de The 1975 ha colaborado en ‘Please Don’t Leave Just Yet’. ¿Qué destacas de trabajar con él?
Matt es tan «cool» en persona como te imaginas. Para mí escribir es un asunto muy personal, en general creo que cualquier artista necesita confiar en la persona con la que colabora, y Matt creó un ambiente maravilloso en el estudio para que fuera así. A mí me cuesta abrirme con personas a las que acabo de conocer y lidio con bastantes inseguridades, y él me hizo sentir muy segura en todo momento. El día que escribimos la canción salí del estudio muy contenta gracias a él. Además, tiene mucho talento y creo que, sin darme cuenta, su música me ha influido mucho.

Has versionado ‘Fake Plastic Trees’ de Radiohead. ¿Es una de tus bandas favoritas? ¿Cuál es tu disco favorito?
Radiohead es una de mis bandas favoritas, me encanta toda su discografía, no puedo decidir cuál es mi disco favorito. De pequeña los escuchaba sin parar en casa porque mis padres tienen un gusto musical increíble y, en concreto, mi padre los ponía todo el rato. ‘Fake Plastic Trees’ es una de sus canciones favoritas, la tengo machacada de tanto que la he escuchado. No sé de qué va la letra pero me encanta de todas formas.

Después de versionar ‘Fake Plastic Trees’ me enteré de que Radiohead odian que otros artistas versionen sus canciones.

¿Sí? ¿No era un rumor?
Quizá era un rumor pero me da igual si es cierto, yo les seguiré versionando.

¿Qué opinas del éxito de ‘Falling Asleep at the Wheel’? ¿Te planteas meterla en tu futuro debut?
No estoy segura si la meteré en el disco. Me aburro de mis canciones muy rápidamente, y esa en concreto lleva ya muchos años fuera, ni siquiera la considero mía ya. Y siento que he cambiado mucho desde que la escribí. Es una canción muy importante para mí, la amo, pero creo que no me representa tanto como antes.

Amaia y Rojuu anuncian single conjunto, ‘Quiero pero no’

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Amaia ha confirmado que su nuevo single ‘Quiero pero no’ sale el próximo miércoles 24 de noviembre. La navarra había anunciado que su nuevo tema vendría acompañado de una colaboración, y hoy ha desvelado que la persona invitada en ‘Quiero pero no’ es Rojuu. El autor de ‘Un paseo más‘ da «un paso más» en la dirección de las estrellas con esta colaboración.

‘Quiero pero no’ será el segundo single que sale en la nueva etapa profesional de Amaia. El primero fue ‘Yo invito‘, un tema de desamor dramático pero también agradecido que se le filtró antes de tiempo y que ha alcanzado el número 57 en la lista de singles.

Amaia lleva tiempo ya trabajando en su nuevo álbum, el sucesor de ‘Pero no pasa nada’, pero la información acerca de este trabajo es escasa. Curiosamente, Amaia llegó a afirmar que ‘El encuentro’, su colaboración con Alizzz, ejercería de «punto de partida» para su nuevo disco, pero el sonido de ‘Yo invito’ viene de un planeta diferente.

Por su parte, Rojuu continúa sumando buenas noticias tras la buena aceptación de ‘Tofu Delivery’, su tema ravero con Orslok, que está a punto de alcanzar el millón y medio de escuchas en Spotify, y tras el lanzamiento de sus «grandes éxitos». Tras su fichaje por Sonido Muchacho y su anunciada colaboración con Amaia, las cosas van viento en popa para el artista de emo-trap e indie-pop aficionado al anime que se diera a conocer hace unos años con temas como ‘Nintendo’ o ‘Ikari’. Dos mundos «emo», ahora unidos.

10 joyas que descubrir en Alhambra Monkey Week 2021

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Hoy se inaugura Alhambra Monkey Week 2021 con un concierto homenaje a esa obra maestra llamada ‘Mediterráneo’ de Joan Manuel Serrat, en el que tocarán Los Estanques acompañados de músicos como Anni B Sweet, Maria Rodés y Carlangas, entre otros.

El cartel se conforma de decenas de artistas entre los que ya destacamos a Black Lips, Kokoshca, Mujeres, Adiós Amores, etcétera. También actuarán habituales de nuestras páginas como Cabiria, Chaqueta de Chándal, shego, Hnos Munoz, Las Dianas, Morreo, ORTIGA, Ruiseñora, Diamante Negro, LUNA KI, Rothrigo, Tarta Relena, y un largo etcétera. En este artículo sumamos 10 recomendaciones más. Los horarios de Alhambra Monkey Week están disponibles aquí.

Paco Moreno
Paco Moreno será el encargado de cerrar hoy, en la noche del jueves al viernes, a eso de la 1 de la madrugada, el Auditorio Alhambra. Lo cual tiene sentido, pues a pesar del carácter tristón de algunas de sus grabaciones, como ‘Desabrazarme de ti’, su sentido de la rumba en ‘Rumba deluxe’ y ‘Rumba o nada’ es más bien festivo. Se van los pies con canciones de su repertorio como ‘Eterno balanseo’ o ‘cashconverters’. Atención con el que puede ser el nuevo Kiko Veneno.

La Paloma
Podríamos decir que sólo 3 canciones han bastado a los madrileños La Paloma para ser considerados «the next big thing», pero en realidad bastó una para ponerlos en el mapa. ‘Ya está’, ‘Siempre así’ y ahora mismo ‘Bravo Murillo’ han logrado que el grupo haya ido ganando adeptos desde el barrio de Tetuán, gracias a su sonido garajero y noise. Se les describe hablando de «la efervescencia de unos Hüsker Dü de los años de Instagram».

Nadie Patín
Desde Jerez, el dúo formado por Selu y Gome, aparte de amar el skate como se muestra en las fotos promocionales, también tiene el power pop en un altar. Sus canciones pueden tener referentes como Airbag o Sugar, sin renunciar a la cercanía de Los Planetas, Triángulo de Amor Bizarro, y los sucesores de ambos. El grupo debutaba con ‘El Boquete EP’, dándole continuación con ‘Siete Láminas EP’, otras cuatro canciones producidas por Paco Loco, entre las que ha funcionado especialmente bien ‘Pedregalejo’.

Ravages
Ravages es el dúo formado por Simon Beaudoux y Martin Chourrout, conocidos en España como miembros de la banda Exsonvaldes. Cuando presentaron su versión de ‘Vamos a la playa’, lo hicieron en forma de chiste: dos franceses haciendo una versión de dos italianos (Righeira) cantando en español, y con un guiño a unos alemanes. Estos eran Kraftwerk porque son sintéticas las texturas que manejan en su discografía, con referentes como OMD y New Order y también la chanson. ‘Métamorphoses’ es una de sus canciones más populares, extraídas del EP que han publicado este año, llamado ‘Jusqu’au large’.

Sofia
Siguiendo con la era sintética de Kraftwerk -o en España Aviador Dro-, la mallorquina Sofia, que se ha lanzado en solitario después de haber participado en otros proyectos colectivos. Este año ha publicado el EP ‘El ayre del almena’, además de 2 sencillos con tanta pegada como ‘El cielo blanco’ y ‘Decir adiós’, que van a encantar a seguidores de Elefant en general, y La Monja Enana en particular.

Grande Amore
El gallego Grande Amore está entre los talentos más particulares de nuestro país, gracias a un timbre de voz que te hace dudar si estás ante un cantante o ante un rapero, y unas bases que pululan con gracejo entre el kraut, el post punk y el electropunk. Sleaford Mods podrían estar entre las referencias de pequeños hits como ‘Esta pena que a veces teño’, mientras ‘Vamos enchernos’ es más bien un hit electro ochentero y lo de ‘Nunomanía’ con Mundo Prestigio -también en la Monkey Week- es más hip hop.

Cosmic Wacho
La cumbia estará representada por esta formación residente en Andalucía pero «con conexión argentina», que ha despuntado en grabaciones como ‘Ninfa de la villa’. De momento solo cuentan con 5 canciones subidas a las plataformas de streaming, si bien ya anuncian que su puesta de largo estará lista en 2022. ‘Cuando tú te vas’ podría interesar a los seguidores de Joe Crepúsculo, mientras en ‘Sirena’ se entregan a Jamaica.

Juárez
Desde Pamplona, los miembros de Juárez han pasado por otras formaciones como Los Culebras o Reina Republicana. ‘Entre palmeras’ ha sido su cuarto álbum en estos últimos tiempos, capitaneado por ‘Champagne francés’ y ‘El sol en movimiento’. Estos meses os hemos presentado en SESIÓN DE CONTROL sus últimos sencillos, ‘Duerme entre tú y yo’ y el tarareable ‘Tan lejos de casa’. Avanzan ‘Luna menguante’, que llegará ya en enero.

La Chica
Sophie Fustec hace uso de su origen francovenezolano en un proyecto de electrónica lleno de sensualidad y sugerencia que tan pronto juega con el pop de cámara como con la electrónica de una Juana Molina o Le Parody. Como muestra del mundo abierto a otras culturas que se está descubriendo en los últimos años, pese al uso del castellano en pequeños hits como ‘Oasis’ o ‘Agua’, sus seguidores están principalmente en París, donde reside.

Leftee
Conocido sobre todo por acompañar a LUNA KI en el hit ‘Rivotril’, Leftee es un cantante, compositor y productor valenciano que cuenta con carrera propia. Ha pasado por proyectos de rock’n’roll, y últimamente por el colectivo Toxic Pop, publicando discos como ‘Al fondo del bar’ y hits de dance 90’s como ‘Nuremberg’, este último junto a Nach000. Las colaboraciones con Valverdina y C. Marí, pululando entre lo antes conocido indie y lo antes conocido como trap, nos indican que su carrera podría ir en direcciones bien diferentes.