Inicio Blog Página 786

Amaia, top 1 de JENESAISPOP; entran Lana del Rey, Cupido, Michael Kiwanuka, James Blake y Bon Iver

2

Amaia es el nuevo número 1 de JNSP con ‘Quedará en nuestra mente’, su último single, adelanto del álbum que llegará al mercado en septiembre y que incluirá por supuesto ‘El relámpago’, pero no ‘Un nuevo lugar’. En el top 40 encontramos nuevas entradas de Lana del Rey, Cupido, Michael Kiwanuka, James Blake y Bon Iver. También hay que destacar los nuevos máximos de ‘Ivy Mike’ de La Casa Azul y ‘:(‘ de Cariño. Esta semana toca despedirse de ‘Never Really Over’ de Katy Perry y de ‘1999’ de Charli XCX, esta última una de las canciones más longevas de la historia de nuestro top (44 semanas de permanencia). Ambas aparecen con más de diez semanas en lista en la mitad baja de la tabla, por lo que quedan eliminadas. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 5 1 2 Quedará en nuestra mente Amaia Vota
2 7 1 15 El relámpago Amaia Vota
3 13 3 6 Milionària Rosalía Vota
4 1 1 2 En el río Vicente Navarro Vota
5 16 5 12 Soldi Mahmood Vota
6 6 2 20 bad guy Billie Eilish Vota
7 14 2 18 Con altura Rosalía, J Balvin, El Guincho Vota
8 2 1 7 God Control Madonna Vota
9 12 2 11 Aute Cuture Rosalía Vota
10 10 1 Looking for America Lana del Rey Vota
11 10 1 55 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
12 3 1 12 Crave Madonna, Swae Lee Vota
13 4 1 17 Medellín Madonna, Maluma Vota
14 26 14 8 Ivy Mike La Casa Azul Vota
15 8 8 11 Mother’s Daughter Miley Cyrus Vota
16 24 11 8 Ever Again Robyn Vota
17 15 2 30 7 Rings Ariana Grande Vota
18 29 18 4 :( Cariño Vota
19 31 1 8 nana triste Natalia Lacunza Vota
20 23 15 6 Lento Najwa Vota
21 30 16 7 Me quedo Aitana, Lola Indigo Vota
22 18 14 4 Gone Charli XCX, Christine and the Queens Vota
23 11 3 11 Never Really Over Katy Perry Vota
24 24 1 Autoestima Cupido Vota
25 9 1 5 Doble corazón Mónica Naranjo Vota
26 17 2 44 1999 Charli XCX ft Troye Sivan Vota
27 20 20 4 How Do You Sleep? Sam Smith Vota
28 28 1 You Ain’t the Problem Michael Kiwanuka Vota
29 27 4 6 Santa María Bad Gyal, Busy Signal Vota
30 30 1 Can’t Believe the Way We Flow James Blake Vota
31 31 1 Hey, Ma Bon Iver Vota
32 33 32 2 Tempo Lizzo, Missy Elliott Vota
33 34 33 2 So Am I Ava Max Vota
34 25 25 2 Summer Girl Haim Vota
35 37 35 2 Bad as the Boys Tove Lo, ALMA Vota
36 40 23 5 Faith Bon Iver Vota
37 19 19 2 Boyfriend Ariana Grande, Social House Vota
38 38 38 2 Black Bull Foals Vota
39 21 21 3 All the Time Zara Larsson Vota
40 32 32 3 Sofia Clairo Vota
Candidatos Canción Artista
Used to Be Lonely Whitney Vota
Colossal TR/ST Vota
Alegría Estrella fugaz Vota
How Many Times The Flaming Lips Vota
Empezar de 0 Yvng Beef, La Zowi Vota
High Alice Jenny Hval Vota
Sexy Black Timberlake Channel Tres Vota
Motivation Normani Vota
Lover Taylor Swift Vota
Silhouettes Friendly Fires Vota
Sketch Artist Kim Gordon Vota
Lose Myself Reyko Vota
Bossa No sé Cuco, Jean Carter Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Slipknot, número 1 de ventas en España; entran Placebo con un recopilatorio, Creedence…

2

Slipknot son unos de los claros protagonistas de la semana en las listas mundiales. Su nuevo disco, ‘We Are Not Your Kind’, el sexto de su carrera, ha debutado en el número 1 de Estados Unidos y Reino Unido y entrado en dicha posición también en Escocia, Irlanda, Finlandia, Canadá, Bélgica, Australia y ahora se sabe también que España. Además, el disco es top 2 en Francia, Dinamarca, Alemania y Nueva Zelanda, top 3 en Italia y Noruega, top 4 en Suecia y República Checa y top 9 en Japón.

La de Slipknot es la única entrada significativa en la listas de ventas. Tras ella encontramos dos entradas más, la del recopilatorio ‘A Place for Us To Dream’ de Placebo en el número 65, y la de ‘Live at Woodstock’ de Creedence Clearwater Revival en el 70. La segunda tiene fácil explicación, pues el famoso festival de Woodstock ha recibido bastante publicidad en las últimas semanas por su 50 aniversario. ¿Pero la de Placebo? ¿Será que el álbum ha sido rebajado en las tiendas? Por cierto, este incluye ‘Without You I’m Nothing’, la colaboración de Placebo con David Bowie, y precisamente Bowie firma la subida más fuerte en la lista de ventas con ‘Legacy’, también de 2016. Actualmente se prepara un biopic no autorizado sobre los orígenes de Bowie, que vería la luz en 2020. ¿Habrán tenido las noticias sobre esta película algo que ver con la subida de ventas de ‘Legacy’?

En cuanto a la lista de streaming, Slipknot debutan no en el número 1 sino bastante más abajo, en el 20, y Trippie Redd coloca ‘!’ en el número 75. La subida más fuerte de la tabla en este caso es para Maluma con ‘11:11‘, que asciende del 12 al 9. El álbum ya fue número 1.

Yung Beef y La Zowi quieren ‘EMPEZAR DE 0’ en su nueva colaboración

9

Yung Beef y La Zowi firman juntos una nueva canción llamada ‘EMPEZAR DE 0’ que, tras su estreno este lunes 19 de agosto, se ha colado rápidamente entre los vídeos más vistos en Youtube España (ahora es top 4). Se trata de un tema ultra «chill» compuesto por un atenuado y sensual ritmo dancehall, en el que la pareja de traperos (que también han sido pareja en la vida real, de hecho ambos comparten un hijo) expresan sus sentimientos por una relación que ha ido mal. «Me partiste el corazón pero me he comprao otro nuevo», expresa él, mientras ella canta cosas como «yo no puedo vivir sin tu sexo, no quiero saber por qué me hiciste eso».

‘EMPEZAR DE 0’ es un nuevo adelanto de ‘Perreo de la muerte 2’, la mixtape que Yung Beef, que este año ha publicado un álbum con Goa, lanza el próximo 1 de septiembre. Sobre la canción, la nota de prensa explica: «Para que todo vuelva al punto de origen hay que mirarse frente a frente, decirse las cosas a la cara y hacer un reset aunque el pasado duela. Los referentes del trap en nuestro país se rodean en esta ocasión de los productores Marvin Cruz y Mark Luva y nos regalan este ejercicio purgatorio como aperitivo de lo que escucharemos en El Perreo de la muerte 2».

Yung Beef presentará ‘Perreo de la muerte 2’ próximamente en España. Las fechas son el 7 de septiembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 12 de septiembre en la Sala Cool de Madrid y el 28 de septiembre en la Industrial Copera de su natal Granada. Por su parte, La Zowi presentará ‘Ama de casa‘ el 4 de octubre en La Java de París y después partirá a Latinoamérica. En concreto, estará el 10 de octubre en el Club Chocolate de Santiago de Chile, el 8 de noviembre en Monterrey y el 9 de noviembre en la Galera de Ciudad de México.

Kim Gordon avanza con la turbia ‘Sketch Artist’ su primer álbum en solitario

6

Kim Gordon, quien fuera bajista de Sonic Youth, ha emprendido varios proyectos al margen de su banda original desde que esta publicara, en 2009, su último disco de estudio, ‘The Eternal’. Junto a Bill Nace, Gordon formó body/head en 2011, y publicó su debut ‘Coming Apart’ en 2013. A través de este proyecto, Gordon lanzó además dos EPs, ‘Waves’ en 2016 y ‘The Switch’ en 2018. Además, en 2015 la artista publicó sus memorias, un recomendable libro llamado ‘La chica de la banda‘, y en 2016 formó una nueva banda llamada Glitterbust junto al guitarrista Alex Knost. Todo esto sin contar sus colaboraciones con Peaches, Warpaint, Yoko Ono o Beck, entre otros.

Ahora, Gordon ha anunciado su primer álbum en solitario. ‘No Home Record’ sale el 11 de octubre a través de Matador Records e incluye la vieja ‘Murdered Out’. El título del disco se inspira en el de ‘No Home Movie’, el documental de 2015 de la cineasta belga Chantal Akerman. ‘No Home Record’ ha sido producido por Justin Raisen (Charli XCX, Ariel Pink, Sky Ferreira) en Los Angeles y cuenta con las contribuciones de Shawn Everett (Jim James, The Voidz, The War on Drugs) y el compositor y director de cine Jake Meginsky (‘L’appel Du Vide’). Sobre la llegada de este álbum, Gordon ha dicho: “¿Por qué un disco como solista? ¿y porque ahora? No lo sé, pero no habría sucedido sin la insistencia de Justin Raisen. Vivir en LA en los últimos años me hace sentir como en casa, pero a veces lo fugaz que tiene este lugar lo hace sentir como si no fuera un hogar.”

El primer avance de ‘No Home Record’ es el turbio e industrial ‘Sketch Artist’, cuyo videoclip ya puede verse. En este, Gordon hace de conductora de una compañía llamada «Unter», y su cliente es la actriz Abbi Jacobson, conocida por su papel en la comedia ‘Broad City’. La directora Loretta Fahrenholz nos muestra en este viaje una ciudad llena de personajes extraños y oscuros. Nada que ver con la nueva imagen promocional de Gordon enviada este miércoles a los medios, casi navideña…

Die Antwoord, retirados de varios festivales por homofobia

18

A principios del mes de agosto surgía en Youtube un vídeo en el que Ninja de Die Antwoord aparece escupiendo a Andy Butler de Hercules and Love Affair en el backstage de un festival en Adelaida, Australia, tras lo cual puede escucharse a Yolandi gritando «corre por tu vida, maricón». Butler entonces lanza una botella de agua a Ninja y se marcha irritado a su camerino. Todo esto ocurrió en 2012.

A continuación, el vídeo parece mostrar a Ninja y Yolandi tramando una historia según la cual Butler ha asaltado sexualmente a Yolandi en los baños del backstage. Ninja aparece explicando la situación a varias personas presentes mientras la segunda aparece encogida y con las manos en la cara, llorando o haciéndolo ver. Cuando han terminado, Ninja expresa que ella «es como Marilyn Monroe» y que su actuación ha sido «de Oscar», le pide que «deje de sonreír» y concluye que «tendremos que quitar esta parte del vídeo».

El vídeo ha sido grabado por Ben Crossman, antiguo videógrafo de Die Antwoord, que acusa a los sudafricanos de haber cometido un «crimen de odio» contra el músico neoyorquino. Tras la publicación del vídeo, al menos un par de festivales estadounidenses, Louder than Life de Kentucky y Life is Beautiful de Las Vegas, han retirado a Die Antwoord de su programación, aunque sin entrar en explicaciones.

Ahora, Ninja ha publicado una extensa carta en Facebook en la que explica su versión. Dice que Crossman ha editado convenientemente partes del vídeo para hacerles parecer homófobos y que en realidad fue él quien atacó a Butler, dándole un puñetazo en la cara. Además, se reafirma en que Butler acosó a Yolandi, cuando la «persiguió hacia los baños de chicas y no la dejó salir». El líder de Hercules and Love Affair no ha hecho declaraciones al respecto por el momento.

Las mejores canciones del momento: agosto 2019

2

Clairo / Sofia: Buen single del esperado disco de Clairo, muy apto para seguidores de Sky Ferreira.
Kim Petras / Do Me: Estupendo tema del notable y entretenido álbum de pop con mayúsculas que se ha marcado Kim Petras.
Charli XCX, Christine and the Queens / Gone: Dos de nuestras artistas de cabecera se unen en un nada decepcionante dueto.
LIZ, Slayyyter / Diamond in the Dark: El espíritu de PC Music permanece en esta canción que ha sido co-escrita por Jarina de Marco junto a Liz, la de ‘When I Rule the World‘.
Tove Lo, ALMA / Bad as the Boys: Otro fructífero dúo es este tema que sucede a ‘Glad He’s Gone’ en la interesante discografía de Tove Lo.
Vicente Navarro / En el río: Inquietante tema que abre uno de nuestros últimos Discos Recomendados, ‘Casi tierra’ de Vicente Navarro.
Freya Ridings / Castles: Ningún seguidor de la primera Florence + the Machine puede perderse este intenso tema de Freya Ridings.
Lizzo, Missy Elliott / Tempo: Aunque triunfe con un tema antiguo, Lizzo no deja de intentarlo con los nuevos, como este tan urban que casi queda fuera de su disco pero al que al final le ha hecho videoclip.
Hidrogenesse, Elsa de Alfonso / La cita: Aunque no ha sido uno de los singles principales de ‘Joterías bobas‘, reluciente tema de Hidrogenesse, de lo más surrealista e imaginativo de su carrera.
Reyko / Lose Myself: Estupendo tema que resitúa la carrera del dúo Reyko, afincado en Londres pero vinculado a España.

Ariana Grande, Social House / boyfriend: Nuevo hit internacional de Ariana Grande cuando todavía nos estábamos recuperando del impacto mediático de ‘thank u, next’.
Lana del Rey / Looking for America: Improvisada pero relevante canción escrita por Lana del Rey tras las últimas matanzas de Estados Unidos. No estará en su inminente largo.
HAIM / Summer Girl: Otro tema improvisado que sale al mercado nada más gestarse es este sin destino particular de Haim, dedicado al cáncer sufrido por su co-productor Ariel Rechtshaid.
Whitney / Used to Be Lonely: Bellísimo nuevo avance de lo nuevo de Whitney, a la venta en breve, el 30 de agosto.
Bon Iver / Hey, Ma: Finalmente entre lo mejor del nuevo disco de Bon Iver, que por sorpresa se ha puesto en circulación, estaba este avance que conocimos hace unas semanas. Recupera aquí nuestra crítica de ‘ii’.
Four Tet / Teenage Birdsong: Nueva martilleante y sutil producción de Four Tet, a la altura de sus mejores trabajos pese a sus escasos 3 minutos de duración.
DJ Shadow, De La Soul / Rocket Fuel: Inyección de adrenalina de DJ Shadow que no tiene nada que envidiar al discazo que este año se han sacado de la manga Chemical Brothers.
Channel Tres / Sexy Black Timberlake: Entre los talentos que descubríamos en Paraíso Festival estaba Channel Tres, puro funk en este tema cuyo título lo dice todo.
Normani / Motivation: Entre los temas de R&B del mes, hay que destacar el de Normani, a la que conocerás por ‘Dancing with a Stranger’ de Sam Smith.
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba / The New Gizz: Recientemente estrenábamos el vídeo nuevo de los exitosos Derby Motoreta’s cuyo álbum reseñábamos hace unos meses.
Sen Senra / No me sueltes más: Vuelta al soul suave con el impredecible talento de Sen Senra.
Blue Ivy, Saint JHN, Beyoncé, WizKid / Brown Skin Girl: La canción que más está gustando de la banda sonora alternativa de Beyoncé para ‘El rey león’ cuenta con su hija como artista principal.
Chance the Rapper, Lil Durk, Nicki Minaj / Slide Around: Entre las pocas canciones que rescatábamos del último disco de Chance the Rapper, esta, en la que Nicki Minaj vuelve a ser lo mejor de una canción.

Jenny Hval / High Alice: Jenny Hval suena (además de a la Kylie trip-hop) a Enigma, Black Box Recorder y Hooverphonic en este avance de su nuevo disco, que saldrá el 13 de septiembre.
Taylor Swift / Lover: Taylor suena entre Suzanne Vega, Tracy Chapman y Adam Green en el mejor avance de ‘Lover’, a la venta este viernes.
Víctor Coyote / Cumbia de milagro: El Volcán Música publica un single de dos temas del mítico Víctor Coyote, que aquí se decanta por un sonido fronterizo.
Lola Indigo, Don Patricio / Lola Bunny: Entre los infinitos temas colaborativos del verano, está destacando en listas la colaboración de estos dos totems, tan solo unos meses después de sus respectivos discos estrella.
Rosalía, Ozuna / Yo x ti, tú x mí: Reacciones encontradas está produciendo la nueva colaboración de Rosalía, ahora junto a Ozuna, si bien con el inconfundible sello de El Guincho (el de ‘Pop negro’) en los teclados.
Beyoncé / Bigger: Nuestro compañero Raúl Guillén también seleccionaba como «canción del día» esta otra balada de ‘El rey león’, esta vez en solitario de Beyoncé, pero dedicándose también a sus hijos.
Mónica Naranjo / Doble corazón: Cerramos con la inclasificable canción dedicada a su bisabuela y a la Guerra Civil de la Pantera de Figueres, que durante todo el verano está siendo de lo más votado de nuestra web.

Friendly Fires / Inflorescent

6

En muchos momentos durante los últimos 8 años creímos haber perdido a Friendly Fires: este es, nada más y nada menos, el tiempo que ha pasado desde su segundo álbum, ‘Pala’. Está el tópico del «difícil tercer disco» y después está esto. Sobre todo porque tampoco es que adivináramos en la banda de Ed Macfarlane el hiperperfeccionismo o las ambiciones de Portishead, quienes -recordemos- tardaron 11 años en publicar ‘Third’ y llevan otros 11 años sin publicar disco; o My Bloody Valentine.

Puede que Friendly Fires no sean una banda desesperada por el éxito crítico y sean simplemente una banda de pop, pero si algo ha quedado claro en sus directos, y también en sus producciones, es que les gusta mimar las cosas y dar lo mejor de sí mismos cuando se ponen. Una de las opciones de haberlos «perdido» por el camino es que entregaran a la postre un tercer disco decepcionante, que les embarrara tanto como sus últimos lanzamientos a Hurts o, en menor medida, The Sound of Arrows; y ese definitivamente no ha sido el caso de ‘Inflorescent’. El grupo ha ido entregando durante el último año y medio singles cada vez más convincentes, desde que en la primavera de 2018 publicaran el tropical ‘Love Like Waves’ hasta que este verano llegáramos al formidable ‘Silhouettes’, pasando por ‘Heaven Let Me In’, aquella saltarina joya co-producida por Disclosure que nos llegaba hace unos meses acompañada de un estupendo vídeo con Jeremy Irvine aparentemente buscando el after perfecto.

La fórmula no es tan sorprendente, no deja de estar influida por la brecha que abrieron entre su primer y segundo disco, cuando editaban el single suelto ‘Kiss of Life’, a la postre incluido en la reedición de su debut. Brasil llamaba entonces a las puertas de Friendly Fires, amoldándose a su sonido como antes lo había hecho al de Pet Shop Boys (‘Se a vida é’) o después lo haría al de Saint Etienne (‘Dive’), permitiendo al grupo distinguirse de coetáneos como Hot Chip o muy especialmente Cut Copy, con quien siempre han compartido el gusto por los sonidos balearic y el French Touch. Algo que se mantiene también en este disco, entre aportaciones también próximas al piano house y el funky adaptado por Roísín Murphy (‘Can’t Wait Forever’, ‘Kiss and Rewind’) o al acid (‘Lack of Love’, ‘Almost Midnight’).

Este verano eterno al que apelan sus producciones, en las que encontramos talentos como James Ford de Simian Mobile Disco, Alex Metric (Dua Lipa) o Mark Ralph (Hot Chip, Years & Years) se corresponde también con la luz que aportan las letras. Dan tantas vueltas al amor y son tan repetitivas que por ejemplo ‘Kiss and Rewind’ es digna de aparecer en un recopilatorio de Take That. Sin embargo, al menos son coherentes en su intento de agarrarse a una última oportunidad para salvar una relación en crisis. Es exactamente la historia que nos encontramos en ‘Silhouttes’ («he tenido que perder un avión para estar contigo / perder este momento no merece la pena / tengo que cambiar de plan porque esta es nuestra última oportunidad»), entre acertados arreglos de viento en ‘Offline’ («merece la pena dar otra oportunidad») o en la mencionada ‘Kiss and Rewind’ («dicen que la pasión no dura para siempre, pero funcionará esta vez», «no puedo irme de aquí sabiendo que no lo intenté»).

Es reseñable que ni siquiera la canción más oscura, lo más parecido a una balada, ‘Cry Wolf’, en la que Ed habla de estar atrapado en esa relación tóxica («¿por qué me miras mientras le besas? / nunca me dejarás ir / ¿por qué no me dejas estar? / sabes que eres la causa de mi ansiedad»), renuncien a sus señas de identidad en el marco de la producción. Y rápidamente la yuxtaponen a otra de las canciones más uptempo, ‘Almost Midnight’. ‘Inflorescent’ es un álbum pensado y meticuloso en el que Friendly Fires se distancian, como buscaban, de muchos de los grupos de su generación: mucho más cerca de Basement Jaxx que de Bloc Party o Kaiser Chiefs, ellos se jactan de su gusto por samplear a Banda Black Rio, de no meterse en trifulcas en las redes y hasta de su creciente parecido con el primer George Michael. ¿Por qué habría que avergonzarse?

Calificación: 7,7/10
Temas destacados: ‘Silhouettes’, ‘Heaven Let Me In’, ‘Love Like Waves’, ‘Almost Midnight’, ‘Offline’
Te gustará si te gustan: Róisín Murphy, Basement Jaxx, Disclosure, Cut Copy

Escúchalo: en su web oficial

‘Lose Myself’ es otra muestra de que REYKO eran mucho más que un émulo de ‘Lean On’

1

En 2017 REYKO, un dúo del todo desconocido, daba un auténtico pelotazo comercial con ‘Spinning Over You‘, una canción a la que se afeó (incluida esta web) parecerse demasiado a ‘Lean On’ de Major Lazer, especialmente en el gancho instrumental post-estribillo. Pese a todo, brillaba la elegante voz susurrada de Soleil, una exosteópata metida a cantante por invitación de Igor, un extenista que necesitaba una vocalista para su proyecto fin de carrera para el máster de producción musical que cursaba en la University of West London, donde ambos viven. El éxito de este single en 2017 fue una pequeñez comparado con el pelotazo que supondría su inclusión en un anuncio de unos conocidos grandes almacenes en su campaña del siguiente invierno, propulsando la popularidad del tema… aunque muchos ni supieran quiénes estaban detrás.

Ese año Mushroom Pillow publicaba su primer EP, que incluía el susodicho éxito junto a dos temas propios y una versión de ‘Night Call’ de Kavinsky. Según explican hoy en nota de prensa, por entonces preparaban nueva música que su sello decidió licenciar sin su consentimiento. Algo que les llevó a romper lazos con ellos y recuperar el control total de su nueva música. Ahora, tras meses de trabajo en su pequeño estudio de Londres, están prestos para compartir esa música desde la autoedición.

El primer bocado es ‘Lose Myself’, estrenada el pasado viernes y cuyo vídeo oficial se acaba de estrenar en Clash Music. Dejando muy atrás aquel primer hit, esta nueva canción de Soleil e Igor muestra una versión de sí mismos que prueba que eran o son mucho más que meros émulos de Major Lazer. En este nuevo tema, de nuevo la voz de Soleil resulta suave y seductora, si bien algo más sólida, menos quebradiza. En cuanto a la música, es un interesante ejercicio de pop electrónico contemporáneo que, cuando podría haber recurrido a un subidón bastante evidente, se inclina por un drop en su estribillo que aporta elegancia y sutileza. Una estupenda canción que nos recuerda por qué, entre la cohorte de nombres ilustres del disco-homenaje a ‘Descanso dominical’, su versión de ‘El cine’ era, de largo, lo mejor del disco. Ojalá que todo su nuevo material siga en esta línea.

¿Se ha hecho Ava Max un Madonna y ha sampleado el hit de ABBA que estás pensando en su nuevo single?

104

Ava Max, la emergente estrella del pop autora del hit mundial ‘Sweet But Psycho‘, y de otros temas más o menos exitosos como ‘So Am I’ o ‘Freaking Me Out‘, publica un nuevo single de cara a la salida de su álbum debut que es necesariamente noticia ya no solo por su lanzamiento sino por su composición, pues esta podría incluir un sample de ‘Gimme Gimme! Gimme! (A Man After Midight)’ de ABBA.

‘Torn’ es el título del bailable nuevo single de Ava Max, muy onda 2010, y su base parece incluir los famosísimos teclados del ‘Gimme! Gimme! Gimme!’, sampleados por Madonna como todo el mundo recuerda en ‘Hung Up’, uno de sus mayores éxitos. Aunque en este caso los teclados en cuestión suenan muy poco prominentes, diluidos e incluso distorsionados, hasta el punto que podríamos estar no ante un sample técnicamente sino ante un arreglo que, por su similitud con el de ABBA, quizá ha sido directamente acreditado por Max y co-autores a ABBA para evitar pleitos, al estilo de lo que sucedía con Ed Sheeran, TLC y ‘Shape of You’. O puede que no vaya a haber acreditación de ningú tipo y todo esto sea casualidad.

ABBA han solido ser muy difíciles a la hora de permitir el uso de su música en canciones ajenas. Antes de ‘Hung Up’, solo The Fugees habían recibido permiso de Benny y Björn para samplear ‘The Name of the Game’. En el caso de Madonna, la artista se vio en cierto punto obligada a enviar a los suecos una carta escrita a mano en la que les «rogaba» el uso de la canción, y estos solo aceptaron tras pensárselo bastante. Habrá que observar los créditos de la canción para salir de dudas (de momento no están disponibles en Spotify), pero en cualquier caso parece que Max irá a por todas con ‘Torn’, pues su videoclip ha sido dirigido por Joseph Khan, conocido por su trabajo con Taylor Swift, entre otros.

Bertín Osborne, criticado por sus declaraciones sobre el feminismo: «España no necesita un movimiento»

79

Bertín Osborne es ahora mismo el nombre más comentado en Twitter en España, y la razón es una entrevista que el cantante y presentador ha concedido este fin de semana a El País, en la que ha repasado su vida y hablado sobre varios temas de actualidad.

Entre ellos está el feminismo, tema sobre el que Osborne ha realizado unas declaraciones polémicas que están siendo cuestionadas en la mencionada red social. No en el texto de El País sino en el vídeo adjunto a su artículo, Osborne asegura que «España no necesita un movimiento feminista» porque en el país ya «se han conquistado todos los derechos de la mujer que se debían conquistar, y si queda alguno será alguna excepción que yo no conozco». «No sé qué derechos les faltan a las mujeres que no hayan conseguido hoy en día», indica. El presentador entonces argumenta que el movimiento feminista debería trasladarse a territorios como «Kuwait o a Irán, donde lapidan a las mujeres todavía». «¿Por qué no se quejan de eso? ¿Por qué no se van a la embajada de Irán y se ponen a la puerta?»

Osborne insiste que «España no necesita un movimiento feminista», aunque aclara que «si hay alguna evidencia de que hay un trato discriminatorio, soy el primero que lo defendería». Y añade: «Pero más que eso, en España ahora mismo no tiene sentido». Eso sí, el autor de ‘Yo debí enamorarme de tu madre’ reconoce que en el país sigue habiendo «cosas que tienen que cambiar», como el problema de la violencia de genero: «hay que endurecer el código penal y sobre todo prevenirlo».

Billie Eilish logra su primer número 1 de singles en Estados Unidos con ‘bad guy’

24

‘Old Town Road’ de Lil Nas X hacía historia recientemente al pasar 17 semanas en el número 1 de Estados Unidos, pero tras sumar incluso dos semanas más en el primer puesto del Billboard, 19 en total, finalmente este lunes el número 1 es para otra persona. En concreto, para la artista que más cerca ha estado de dicha posición en todos estos meses, Billie Eilish y su éxito ‘bad guy’, que ha resistido 9 semanas en el número 2 de la clasificación hasta por fin lograr el número uno.

Aunque ‘Old Town Road’ seguía superando las escuchas diarias de ‘bad guy’ en Spotify así como las compras de la canción en iTunes, lo hacía ya por poco. El éxito de ‘Old Town Road’ ha empezado a menguar -HITS Daily Double informa que Columbia se centra ya en el single siguiente, ‘Panini’- y Eilish ha decidido aprovechar esta coyuntura para jugar sus cartas, ninguna de las cuales era ya Justin Bieber, cuyo remix de ‘bad guy’ no ha conseguido ni de lejos la repercusión esperada. Sin duda, su estrategia ha funcionado.

En primer lugar, Eilish estrenaba el pasado 15 de agosto un «vertical video» de ‘bad guy’. Se trata de un vídeo hecho con escenas inéditas y descartadas del clip original que en 4 días ha superado las 3.640.000 visualizaciones. Pero Billie también ha apostado por el formato físico y, el día siguiente, publicaba en el mercado una cinta de casete de edición limitada de ‘bad guy’ a un módico precio de 4 dólares, las primeras 500 de las cuales venían firmadas. El artículo ya no está disponibles en la tienda online de Eilish, por lo que probablemente esté agotado.

Esta estrategia de pequeños pero cruciales movimientos ha dado a Eilish su primer número 1 de singles en Estados Unidos (el disco ya lo había sido). Eso sí, puede que le dure poco, peus ‘Señorita’ de Shawn Mendes y Camila Cabello, top 3 en el Billboard, es ahora mismo la canción más exitosa en todo el mundo. Mientras, Eilish sigue a lo suyo y acaba de rodar un videoclip para otro de los temas de su disco, ‘all the good girls go to hell’, y de estrenar un directo de ‘i love you’, que adjuntamos bajo estas líneas.



‘High Alice’ de Jenny Hval se inspira en la Kylie trip-hop y en una novela brasileña de los 70

2

Jenny Hval, autora de discos tan queridos por la crítica como ‘Apocalypse, girl’ o ‘Blood Bitch‘, publica un nuevo trabajo el próximo 13 de septiembre. De ‘The Practice of Love’ ya se conocían un par de adelantos, ‘Spells’ y ‘Ashes to Ashes’, y el tercero, en el que nos detenemos, llegaba el pasado viernes.

‘High Alice’ es un tema crucial en ‘The Practice of Love’, pues de hecho da nombre al personaje que narra todo el álbum, según la artista noruega. Aunque la letra evoca claramente la historia de ‘Alicia en el país de las maravillas’, pues en ella encontramos a una protagonista que se pierde en un «lugar desconocido», «esboza su propia madriguera del conejo» y es perseguida por animales salvajes (hay asimismo referencias a una «hermosa reina» y a «un hermoso reloj»), Hval asegura que está inspirada en ‘La hora de la estrella’. El libro de 1977 póstumo de la autora brasileña Clarice Lispector narra la historia de una mujer y su dura vida en Río de Janeiro, donde se enfrenta a la pobreza y al machismo aunque sin ser consciente de su situación.

Musicalmente, Hval apunta en ‘High Alice’ a otra referencia concreta, ‘Confide in Me‘ de Kylie Minogue. Es uno de los temas más esotéricos de la australiana, publicado en plena fiebre del trip-hop, estilo al que ‘High Alice’ recuerda muy abiertamente. En la canción, Hval conjuga ritmos de batería típicos del trip-hop con un hipnótico arpeggio de sintetizador y el humeante sonido de un saxófono, mientras su interpretación vocal alterna partes cantadas con otras susurradas, en su estilo. Así, la noruega ha vuelto a crear una canción que te arrastra con su magnetismo cual ola del mar: «el océano, donde escribí mi primer poema, con la mano en mi piel, con la mano entre mis piernas».

Hit de ayer: ‘L’amour à la plage’ de Niagara, un clásico del pop francés que suena todos los veranos

5

“Esta noche iré a bailar mambo / Al Royal Casino, bajo los paneles rococó / La noche me ayudará a olvidar / Tú me harás soñar, como las canciones del verano”. Pues sí, es verano, y resulta el momento perfecto para recuperar ‘El amor en la playa’, este macro-clásico de pop francés del dúo Niagara, en muchos sentidos la quintaesencia del pop de los ochenta, pero a la vez una canción que ha trascendido las décadas y las generaciones.

Muriel Moreno estudiaba arte en la universidad de Rennes a principios de los ochenta cuando conoció a Daniel Chenevez, del grupo L’ombre jaune. Pasado un tiempo Muriel pasa a formar parte de la banda, que transmuta finalmente en un dúo. A su participación en el concurso de talentos local Les Transmusicales se presentan ya, en 1984, como Niagara. No tardan en ser fichados por Polydor y en 1985 lanzan su primer single, ‘Tchiki Boum’, pieza de fresco pop muy comercial espolvoreado con unas gotas de sonido étnico, tan de moda en Francia por aquel entonces, recogiendo de hecho los frutos sembrados años antes por pioneras como Lizzy Mercier Descloux o Les Rita Mitsouko. Mientras explotan el éxito de ese primer sencillo preparan su primer álbum, cuyo adelanto sale en mayo de 1986, anticipando el verano, con el simple título de ‘L’amour à la plage’.

La canción resulta un hit instantáneo especialmente en Francia, donde llega al top 5, pero a esta le beneficia además el videoclip de corte retro que realizó el propio Chenevez, cuya estética Super 8 gustó mucho a MTV Europa, que los programó con regularidad, haciéndoles populares en muchos más países y ayudando a su triunfo también en Canadá. Pero es la canción en sí la que les otorgó el éxito: melodía simple pero imborrable, letra tan simple y tópica que resulta casi cómica (“es el amor en la playa / Y tus ojos mirando a mis ojos / Besos y conchas / Entre tú y el color azul”), y los suficientes elementos musicales con gancho: ritmo tropical, sección de vientos, marimbas digitales, la excelente voz de Muriel y sobre todo, la guinda: ese ‘Aou cha cha cha’ que corona cada verso del estribillo, en respuesta a la voz solista:

Parece una nadería, pero ‘L’amour à la plage’, fuera de su éxito de mediados de los 80, es de las canciones que más consistentemente se siguen radiando y pinchando en el mundo francófono a día de hoy, especialmente en el período estival. El tema ha ganado una relevancia cultural, y más allá de explotaciones estéticas calculadamente retro (el pasado desfile de Chanel de Primavera/Verano 2018-19, por ejemplo), se puede decir ‘L’amour à la plage’ está grabado en el subconsciente popular francés. No es ya que se oiga en la radio, es que no es difícil escuchar a turistas franceses tararearla mientras están en “modo vacaciones” (en una terraza, en la playa…) y muchas veces son tan jóvenes para no haber siquiera nacido cuando la canción se lanzó. Como pinchadiscos, es la canción que si pones prácticamente siempre vendrá un francés a agradecerla (de nuevo, suelen ser jóvenes). Hasta en festivales de rock garage undergound recientes (nada más lejos de los presupuestos estético-musicales ochenteros) se usa el gancho ‘Aou Cha Cha Cha’ como guiño a la diversión veraniega.

Muriel Moreno, autora de la canción, resultaría la integrante del dúo con más proyección creativa: tras una carrera que duró hasta 1993 (siempre bajo la sombra, cada vez más incómoda para ellos, de esos primeros éxitos algo intrascendentes), sacó interesantes discos en solitario, se reconvirtió a la electrónica minimalista y se hizo DJ, para retirarse hace aproximadamente una década. Es de esperar que -salvo que Polydor le hiciese una jugarreta con el publishing de la canción- su retiro esté más que holgadamente asegurado por la pervivencia tan sorprendente de su canción más famosa.

‘L’amour à la plage’ sonó en la entrega nº 245 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

Cuco / Para mí

4

Omar Banos ha ido ganando un hueco en la música durante el último año, coincidiendo también con la subida de popularidad de su colega y amiga Clairo, con la que, de hecho, ha colaborado. Pero, aunque ambos empezaron de forma bastante similar, con un bedroom pop que fue ganando más y más adeptos, sus carreras han tomado rumbos diferentes. Desde su debut en 2016 con el EP ‘wannabewithyou’, Cuco ha publicado distintos EPs (‘Songs 4U’ y ‘Chiquito’) y temas sueltos, consiguiendo un público fiel al que ahora quiere mantener, mientras busca nuevo alcance, con su primer largo, este ‘Para Mí’ donde se mantiene encargándose minuciosamente de la producción, con alguna ayuda puntual como la de Jonathan Rado (mitad de Foxygen, y habitual colaborador de Father John Misty). Como resultado tenemos un álbum que, aunque no tenga momentos de especial excelencia, sí presenta una regularidad en cuanto a calidad, y consigue dar una idea de las capacidades de Cuco ante ese nuevo público que podría descubrirle aquí.

Cuando decíamos que su estilo y el de Clairo han tomado rumbos distintos, no lo decimos solo porque lo que hace Clairo actualmente se haya distanciado de sus inicios, sino porque, aún comparándolo con los primeros temas de la autora de ‘Flaming Hot Cheetos’, Cuco va más allá del bedroom pop, manteniendo la esencia lo-fi pero añadiendo toques distintivos. Está clara su pasión por los elementos psicodélicos, y a la vez por la cultura hip-hop, y su mezcla de todo esto con el bedroom pop es lo que diferencia a su producto. Un buen ejemplo de esto es ‘Hydrocodone’, aunque también tenemos cortes donde predomina más su lado hip-hop (‘Bossa No Sé’), el lado psicodélico (‘Far Away From Home’, con un solo de guitarra bastante agradecido) o incluso arreglos más clásicos (‘Feelings’).

Su habilidad para la creación de atmósferas usando estos elementos es su gran arma, pero si ese es su “pro”, los “contras” tienen que ver con las letras, por lo general menos inspiradas, como podemos ver en la genérica ‘Lovestripper’ (“another day, another life / I need someone / hold my hand baby, don’t let go / for the ocean will give us what we know”), o en ‘Ego Death in Thailand’. Y en ambas, sin embargo, es innegable que consigue dar con una atmósfera particular. Quizás por eso funciona tan bien ‘Do Better’, el corte final, que en su sencillez es tremendamente eficaz, y recuerda a lo que hace por nuestro país gente como Vera Fauna. En definitiva, ‘Para Mí’ no será el disco del año, pero sí es un más que digno trabajo que expone el talento de Cuco y que, con toda probabilidad, le conseguirá nuevo público y hará que veamos cada vez más su nombre.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Feelings’, ‘No Better’, ‘Far Away From Home’
Te gustará si te gustan: Clairo, Biig Piig, Joji, Mac DeMarco, Kali Uchis, Boy Pablo
Escúchalo: Spotify

¿Es ‘Red’ el mejor disco de Taylor Swift?

75

Pitchfork ha sorprendido a sus lectores este lunes reseñando la discografía completa de Taylor Swift a excepción de ‘reputation‘, que ya fue analizado en su momento, y por supuesto ‘Lover’, el próximo álbum de Swift, que no sale hasta este viernes 23 de agosto.

No es la primera vez que Pitchfork dedica un día a la discografía de un artista en concreto (ya lo hizo con Madonna en 2017, por ejemplo), pero en este caso la decisión del medio de Chicago de valorar la discografía de Swift es interesante por varios motivos. Desde que Pitchfork fue adquirido por la editorial Condé Nast (que también posee Vogue, revista de la que Swift acaba de ser portada) en 2015, el medio amplió su línea editorial y empezó a reseñar discos de artistas ultra populares que hasta entonces había ignorado, como Katy Perry, Ed Sheeran o la propia Swift. El caso de la tercera es más curioso, pues Pitchfork llegó a incluir ‘1989’ en su lista de los mejores discos de 2014 pese a que el disco ni siquiera fue reseñado en su momento. Sí llegó a portada del site la versión del álbum del cantautor caído en desgracia Ryan Adams, aunque con suspenso (un 4 sobre 10) y un texto que sobre todo alababa el trabajo de Swift.

Y ojo, porque Pitchfork no ha reseñado la obra de Swift para dejarla mal en absoluto. El mejor disco de Swift para Pitchfork es ‘Red‘, que califica con un 9 sobre 10, un «Best New Music» de calle. La reseña habla de un álbum «espectacular» e influyente que «transformó el country y el pop a su alrededor» e incluye comparaciones con Joni Mitchell. Y ni siquiera el elemento «teen» de los primeros álbumes de Swift disgusta a Pitchfork, pues reconoce que, ya con 16 años, la artista demuestra ser una buena letrista y compositora de canciones. ‘Speak Now’, de 2010, recibe una nota de 8,2; ‘Fearless’, un 8,1, y el debut de Swift un 6,7, dos décimas más que ‘reputation’. ‘1989’ recibe un 7,7. Claramente ha llegado el momento en que Pitchfork considera a Swift una artista seria merecedora de su atención. No es que la necesitara a estas alturas pero seguro que a los fans de la artista no les disgustará ver su discografía reseñada en uno de los medios musicales más prestigiosos.

¿Cuál es el mejor disco de Taylor Swift?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

TR/ST / The Destroyer – 1

9

En una entrevista con nuestro medio hace unos años, preguntábamos a Robert Alfons si creía que estar de gira afectaba el modo en que enfocaba la composición y producción de sus canciones. Nos decía que, aunque la energía de los directos alimentaba su modo de componer, su mayor pasión seguía siendo el proceso de estudio. Por tanto, no es de extrañar que, después de su debut en 2012 y de ‘Joyland’ en 2014, solo dos años después, esta vez la cabeza tras el proyecto TR/ST haya decidido esperar cinco años entre disco y disco. Este primer volumen de ‘The Destroyer’ nos llegó hace unos meses (y a finales de 2019 llegará su segunda y última parte). El canadiense asegura que la razón de esta división está en su intención de guardar los temas más tenebrosos para la segunda entrega, y dejar en esta primera un carácter uptempo y «más promiscuidad en su sonido». La oscuridad sigue inundando esta primera colección de temas, como no podía ser de otra manera, pero es cierto que hay lugares más alegres (dentro de lo que cabe) y, en general, mucha más heterogeneidad.

Así, ‘Gone’ es de los temas más accesibles que ha parido Alfons, recordando incluso a The Sound of Arrows, y ‘Grouch’, que también tiene un carácter mucho más jovial (aunque no se salva de pasajes oscuros marca de la casa), podría ser de Hot Chip. Si a esto le sumamos los toques bakala de ‘Unbleached’, o la sophiesca ‘Poorly Coward’ (no hay nadie de PC Music involucrado en los créditos aunque lo parezca), definitivamente tenemos un álbum variado y que puede hacer de entrada al universo de TR/ST para incautos, mucho más que los dos anteriores. Pero quienes sois amantes de su sonido oscuro no os alarméis: nunca llegamos a salir del todo de ese club decadente de Berlín a las cinco de la mañana, y nos lo deja claro abriendo y cerrando con dos temas como la vampiresca ‘Colossal’ y una ‘Wake With’ que podría continuarse con ‘You Need the Drugs’ de Westbam perfectamente.

Ya sin Maya de Austra (aunque sigue interviniendo en algunas composiciones), todo el peso de la producción cae en Robert Alfons, con pequeñas colaboraciones de Damian Taylor (The Killers) y Lars Stalfors (Foster The People, The Neighbourhood). Y en este tercer trabajo (con portadón, dicho sea de paso), Alfons demuestra que él se basta y se sobra, además de dejarnos con los dientes largos de cara a esa segunda entrega, de la que de momento solo hemos podido escuchar ‘Iris’ (de paradójico título, pues es mucho más sombría que estas canciones). Porque, aunque en momentos como ‘Gone’ el canadiense no flojea ni muchísimo menos, es cierto que Alfons se maneja mejor en la oscuridad. Así que si este volumen, que resulta probablemente su mejor disco, tiene que ser «el luminoso» y ahora viene «el oscuro», no podemos esperar a que llegue ‘The Destroyer – 2’.

Calificación: 7,.5/10
Lo mejor: ‘Colossal’, ‘Wake With’, ‘Gone’, ‘Poorly Coward’, ‘Bicep’
Te gustará si te gustan: IAMX, Zola Jesus, Westbam, ionnalee, Hot Chip, Crystal Castles
Escúchalo: Spotify

‘Sexy Black Timberlake’ de Channel Tres representa a la nueva generación de Compton

4

Una de las grandes sorpresas de la más reciente edición de Paraíso Festival fue Channel Tres, con un concierto de elegante house retro aderezado con rap y una puesta en escena que implicaba a dos bailarines que realizaban espectaculares coreografías de las que no podía despegarse la vista. Al frente está Sheldon Young, un artista emergido del barrio de Compton, un suburbio de Los Ángeles tan legendario por la extrema violencia que durante años la inundó como por haber sido el hogar de nombres tan cruciales en el rap como NWA, Dr. Dre o Kendrick Lamar.

Pero Channel Tres no es otro rapero. O no sólo eso. Como mostraban sus primeros singles publicados el pasado año, ‘Controller‘, ‘Topdown‘ o ‘Jet Black‘ –contenidos luego en su EP debut homónimo–, Young representa a una nueva generación de artistas de este afamado distrito abiertos a otras vertientes de la música negra. En su caso, al techno y el house de Detroit en su modo más genuino, lo cual le alinea con artistas como Yaeji –con la que de hecho comparte sello, Godmode– o Peggy Gou. Además, en las canciones de Young resulta muy característico su sensual tono vocal, en el que no solo rapea sino que también canta con un timbre grave que muchos comparan con los de Isaac Hayes o Barry White.

Etse viernes, 16 de agosto, se ha publicado su segundo EP, un ‘Black Moses‘ que de nuevo cuenta con producción de Nick Sylvester (al que recientemente encontrábamos en los créditos del debut de Jarina De Marco, entre otros) y que a todas luces es otro decisivo paso adelante. Canciones como la titular –con el también imperdible JPEGMAFIA–, ‘Brilliant Nigga‘ y ‘Sexy Black Timberlake’ prometen ampliar su parroquia de forma mundial.

Hoy nos centramos precisamente en esta última, un número tan magnético como divertido en su autocosificación sexual: «Como un hombre negro, he sido vilipendiado o objetivado dependiendo de cómo vistiera o lo que estuviera haciendo. En ‘Sexy Black Timberlake’ me cosifico como objeto sexual por mi color de piel», decía Young cuando se estrenaba la canción. «Las tías se vuelven locas, intentando tener un bebé mío, colarse en mi casa», comienza cantando ante un ritmo irresistible al que luego se suma un inconfundible teclado G-funk, mientras Sheldon continúa vacilando sobre su tirón con mujeres de todas las edades, su miembro viril y su pericia sexual. Como muestra su divertido vídeo, hay algo de sorna e ironía en todo ello: al contrario de cualquier vídeo actual, todos los bailarines del vídeo, él incluido, son hombres, mientras que las mujeres tienen un papel contemplativo e incluso dominador. Lo cual contribuye a disfrutar aún más de este temazo.

Suscríbete y escucha la playlist «Revelación o Timo»

Björk quiere que llames a los pájaros con la nueva caja especial de ‘Utopia’

28

Björk ha anunciado una caja especial de ‘Utopia‘ que va a pasar a la historia como una de sus ofertas más bizarras, casi tanto como aquella edición especial de ‘Biophilia’ que contenía diapasones de colores. Se trata de un set de flautas para llamar a los pájaros -un total de 14, a flauta por canción- que la islandesa ha querido lanzar al mercado para cerrar definitivamente etapa, a dos años del lanzamiento del disco.

Las flautas han sido «personalmente seleccionadas» por Björk, que explica: «‘Utopia’ es un disco centrado en el canto de los pájaros y, en cuanto a su sonido, en la mutación entre sintetizador y pájaro, pájaro y flauta, flauta y sintetizador… En este sentido, el aire ha sido un tema central en el álbum. Así que me hizo mucha ilusión encontrar estas flautas de madera hechas a mano que imitan exactamente el canto de estos pájaros en particular… y supongo que quería que tuvierais la oportunidad de compartir esto conmigo».

La caja especial de ‘Utopia’ estará disponible el 1 de noviembre al módico precio de 500 libras (unos 547 euros). Un absoluto «regalo» para fans que además incluye un USB con bastante material interesante aparte de disco, entre lo que cabe mencionar una serie de «vídeos tutoriales para llamar a los pájaros», un archivo con 360 fotos inéditas de Björk y lo que es más interesante, un bonus track inédito llamado ‘arpegggio’ y un par de remixes nuevos de ‘features creatures’ hechos por Fever Ray y The Knife. Más info, aquí. Os dejamos con el «unboxing» de las flautas.

Los mejores memes de la portada de ‘Norman Fucking Rockwell’, lo nuevo de Lana Del Rey

22

Hace tres semanas que conocimos, tras casi un año de espera, los detalles fundamentales del nuevo álbum de Lana Del Rey, ‘Norman Fucking Rockwell’: se publica el día 30 de agosto –esto es, en menos de dos semanas– e incluye todas las canciones presentadas a lo largo de los últimos meses de forma oficial:  ‘Mariner’s Appartment Complex‘, ‘Venice Bitch‘ y el catártico ‘hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but I have it‘. De manera sorprendente, también contiene ‘Doin’ Time’, la versión del grupo de ska Sublime que hizo para un documental sobre el grupo. Salvo sorpresón de última hora, la recién escrita y grabada ‘Looking For America’ no forma parte de la secuencia, aunque solo sea por una sencilla cuestión de tiempo.

Pero si algo ha dado que hablar de esa noticia ha sido la portada del álbum, en la que vemos a Lana sobre un velero y, agarrándose al torso de un mancebo, extendiendo la mano hacia la cámara y, por tanto, hacia el observador de la foto. Una portada que no solo no ha gustado demasiado –muchos prefieren la que venderá en exclusiva cadena Urban Outfitters– sino que además ha dado lugar a una hilarante cadena de memes. Los suficientes y, mejor aún, tan divertidos, que merece la pena que les dediquemos este artículo.

Quizá el primero y el más clásico es el que traslada a Lana en esa postura a la cabina de entrega a automóviles de una cadena de restaurantes de comida rápida. “Ella sirve”, sentencia el texto que acompaña la imagen. A partir de ahí, vemos a Lana en distintas situaciones que no revelaremos. Aunque, sin duda, el mejor es el que combina una imagen de Charli XCX ofreciendo y a la norteamericana aceptando a mano abierta. Viva la era de Internet, manque pierda.

La Canción Del Día: ‘Motivation’ puede dar a Normani su esperado momento, con la ayuda de Ariana Grande

49

Normani ha publicado al fin su nuevo single en solitario tras triunfar como artista invitada en ‘Dancing with a Stranger’ de Sam Smith y ‘Love Lies’ de Khalid (antes había lanzado ‘Checklist‘ con Calvin Harris, entre otros). Todo el mundo sabía que Normani era el gran talento de Fifth Harmony que quedaba por petarlo al margen de Camila Cabello y ‘Motivation’ puede ser su momento.

‘Motivation’ es un «banger» que recuerda al R&B/hip-hop de mediados de la pasada década. Hay en ella ecos a Destiny’s Child, la propia Beyoncé, Ashanti, Ciara, Usher, la Mariah Carey post-‘Emancipation of Mimi’… y por tanto parece hecha a medida para una Normani que además de cantante es una experta bailarina. Co-escrita no obstante por Max Martin y su pandilla (Savan Kotecha, Ilya… y producida por este último), la canción de hecho incluye a una co-autora especial, Ariana Grande, y puede que eso te lleve a pensar que podría haberla cantado la autora de ‘thank u, next‘. En parte sí, pero el elemento ultra rítmico de ‘Motivation’, sumado a los ritmos de marcha y vientos metales de la canción, están mucho más cerca de ‘Lose My Breath’ que de cualquier tema de Grande.

El vídeo de ‘Motivation’ es, como no podía ser de otra manera, un homenaje a las artistas que han inspirado a Normani e incluye referencias explícitas a ‘Crazy in Love’ de Beyoncé, ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears y ‘I’m Real’ de Jennifer Lopez, además de otras más o menos sutiles a Ciara, Janet Jackson o Aaliyah. Las coreografías de Normani, que fue gimnasta, dejan absolutamente con la boca abierta, casi tanto como su innegable carisma. A menudo te quedas pensando si no habrá llegado la nueva Beyoncé, otras si no era esto lo que necesitaba Tinashe para triunfar… En cualquier caso, buena carta jugada por Normani, que como puede verse al principio del vídeo, ya se ve a sí misma como un icono a la altura de sus ídolos. Razones no le faltan.

Estrella Fugaz / Un sendero fluorescente

2

El indie, el auténtico indie, está en recesión. Básicamente porque muchos entienden que en ese saco caben todos, desde los nuevos raperos autogestionados –cuyas finanzas ya hubieran gustado catar a muchos grandes nombres de la independencia patria de otra era– hasta grupos capaces de arrastrar a 40.000 personas a un recinto (por ponernos en el caso más extremo). Por eso parece que ese mundillo del indiepop, el de hacer las cosas con el máximo cariño, sin esperar nada de lo que se entiende por éxito a cambio (ni siquiera unos cuantos miles de escuchas en una plataforma de streaming) y con una fidelidad a una ética artística, está casi desaparecido. Pero no lo está, y mientras existan proyectos como Estrella Fugaz, seguirá mereciendo la pena estar al tanto de lo que en ese submundo ocurre.

Lucas Bolaño, músico radicado en Madrid, formaba parte del proyecto ELM (Experimental Little Monkey), que como indica su nombre era más… experimental. Y más “seriote”, reconoce, por lo que le apetecía hacer algo diferente, menos pesado lírica y musicalmente. El resultado es ‘Un sendero fluorescente’, un disco publicado por el aún incipiente sello Caballito Records y que sintoniza a su manera con ese universo de nombres en torno a Hi-Jauh USB?: no en vano algunos de sus emblemas son citados (Gúdar), colaboran (Tirana y La Estrella de David –además, Lucas es ahora guitarrista en directo del grupo de David Rodríguez–) o resuenan (Hibernales, con esos juegos de overdubs a lo Animal Collective) en sus canciones.

Pero no pensemos en ese pop de forma esquiva y algo destartalada, pero certero y emocionante en muchas ocasiones, de ese sector del underground nacional para encasillar a Estrella Fugaz. O no solo en ellos. Porque este nuevo proyecto unipersonal –grabó el disco gracias a una residencia artística que facilita el Matadero de Madrid– es, a su manera, un ente mucho más ambicioso y expansivo en lo musical: synthpop, dub, psicodelia, folclore (no solo folk), kraut rock, experimentación (y hasta cierto espíritu bailable) conviven y se mezclan en estas canciones que destacan por ser, sencillamente, irresistibles. Una escucha basta para que ‘Alegría’, ‘Wow!’, ‘Max y Ellen’, ‘Fin de año’ o ‘El verano español’ –que en su día destacamos como Canción del Día– se nos hagan irresistibles, y un par más para que ninguna de ellas resulte mínimamente prescindible. Ni siquiera la juguetona y aparentemente boba (pero solo aparentemente) ’Estrella fugaz’, inspirada por ‘Estrella polar’, una canción de la serie de animación para niños Peppa Pig. Solo alguien como las inconmensurables Vainica Doble serían capaces de dar humanidad a un objeto celeste. Y para colmo, con ese sitar de Daniel Fernández (Melange) que remite a las producciones de Pepe Nieto. No es el único colaborador estelar: Elisa Pérez (Caliza) y nada menos que Soleá Morente prestan su voz (la segunda de manera muy llamativa, redimensionando con apenas pinceladas) en varios cortes.

Y donde ‘Un sendero fluorescente’ termina de golpear –y no es un verbo aleatorio, porque realmente da donde duele– es en sus textos. Unas letras que, con aparente ligereza y un tono casi constante de humor y autoparodia (en ‘Alegría’ canta “la caliza es –me juego una caña a que era una coña dirigida o inspirada por Elisa Pérez– un montón de sedimentos” se adelanta a “tú ballena, y yo plancton / comiste y me diste “plánton””, infantil y desarmante), desnudan la vida adulta, al estilo Hazte Lapón, y nos hacen pensar mucho. Por ejemplo, nos hacen preguntarnos por qué y para qué nos vemos inmersos en un capitalismo que nos deshumaniza (‘La revolución será de pago’), expone cómo la corrupción está normalizada de una manera terrible (‘De las mafias, fundaciones’ o la maravillosa/terrible ‘El verano español’), o pone en cuestión un sistema laboral que se limpia el culo con la conciliación (‘La parte oscura de la crianza’).

Todos esos elementos, aunque unas veces emerjan más que otras, se entrelazan y mezclan formando un tejido de honestidad brutal en el que Bolaño observa y reflexiona (y de paso, como debe ser, nos fuerza a hacerlo a nosotros mismos) sobre su propia vida como padre joven que lucha por seguir haciendo música pese a la evidente ignominia y precariedad (‘Fin de año’ es una cuchillada cuando dice “publicar otro disco y después presentarlo / que lo escuchéis en casa y os remueva algo dentro / no lo hacemos por dinero, no”). Sus textos equilibran ternura y una sinceridad cruel tanto cuando habla de (o a) su hija (‘Mineros’, ‘Luminosa’, maravillosas), su pasado (es increíble cómo ‘Max y Ellen’ condensa en seis versos y con un lenguaje cercano el aplastante paso de la juventud a la adultez) o su presente (divertidísima, por creíble, ‘Tu toc’). Y, como sacándonos de la pista para que permanezcamos alerta, esas canciones sobre ‘La ciencia ficción’ u observación astronómica (‘Wow!’), que también guardan recadito íntimo. Yo sé que a muchos les dará pereza, ante el tono bombástico y de espectacular hacia arriba que está tomando el pop español, enfrentarse a un disco modesto y personal. Pero estoy convencido de que les merecerá la pena abrirse a ‘Un sendero fluorescente’ y Estrella Fugaz. Al fin y al cabo, tampoco lo hacemos por dinero, sino por amor.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘Max y Ellen’, ‘Fin de año’, ‘El verano español’, ‘Luminosa’, ‘Alegría’, ‘Wow!’
Te gustará si te gustan: La Estrella de David, Hibernales, Hazte Lapón.
Escúchalo: Spotify

‘Yo x ti, tú x mí’: ¿una digna apuesta de Rosalía para seguir conquistando el mercado latino o más bien un tropiezo?

40

Parte de la redacción evalúa ‘Yo x ti, tú x mí‘, el single que Rosalía ha publicado junto al puertorriqueño Ozuna.

«Muchas canciones ganan con su videoclip, pero no suele ser buena señal que lo mejor de una canción sea su videoclip, y es el caso de ‘Yo x ti, tú x mí’. Tras el acierto de sus colaboraciones con J Balvin, y cuando pensábamos que lo siguiente sería su colaboración con Bad Bunny, Rosalía ha sorprendido sacando este tema con el polémico Ozuna (quizás es algo desafortunado eso de «bang bang si con nosotro te entromete» teniendo en cuenta el tema de Kevin Fret). La colaboración, eso sí, prometía ser otro pepinazo a lo ‘Con Altura’… y no. Lineal y no muy inspirada líricamente, la canción parece durar bastante más de lo que dura, haciendo pensar que quizás un medio tiempo no era la mejor opción para este dúo. O quizás sí, pero con un tema de mayor calidad… ‘Yo x ti, tú x mí’ apunta más a un tropiezo que, en mi caso, lo mejor que ha conseguido es recordarme el pegadizo «tú conmigo, yo contigo» de La Bien Querida y Vitalic». Pablo N. Tocino.

«Hay varias decisiones discutibles por parte del equipo de Rosalía en este ‘Yo x ti, tú x mí’, y ambas denotan una decepcionante falta de riesgo. Una es una producción que suena algo resobada, con ese punto tropical entre Drake y The xx que tendría sentido si siguiéramos en 2016. Otra es la de recurrir a alguien como Ozuna para el featuring: más allá de que el puertorriqueño sea un artista que puede echar para atrás a buena parte de su audiencia, ¿de verdad esta canción necesitaba ser un dueto? En mi opinión, hubiera sido incluso mucho mejor. Porque lo cierto es que su magnetismo es incontestable, con ese equilibrio eficacia/sencillez al que tan buen rendimiento saca el tándem Rosalía + El Guincho. Parece bastante seguro que será un éxito pero, ¿le merecerá la pena a Vila perder algo de crédito a cambio de unos millones de streams y de dólares? Quizá no». Raúl Guillén.

«Desde un punto de vista comercial, Rosalía está haciendo las cosas bien. Podrá cantar «Dios nos libre del dinero», pero ‘Con altura’ con J Balvin será uno de los mayores éxitos globales de 2019 gracias a sus monstruosos streamings. ¿A alguien le extraña entonces la presencia de Ozuna en ‘Yo x ti, tú x mí’?. El portorriqueño, autor de varios éxitos como ‘Vaina loca’ y presente en el remix de ‘Te boté’, tiene aquí el papel de ampliar la proyección comercial de Rosalía en el mercado latino, y la canción es una digna apuesta para conseguirlo. En comparación con ‘Con altura’, es más melódica, más relajada e instrumentalmente más vibrante (esas percusiones melódicas del fondo), y aunque quizá no vaya a igualar la repercusión de aquella, en mi opinión sí es una canción mucho mejor. El estribillo «somos dos cantantes como los de antes» es infalible. Y el videoclip se presta a las repetidas visualizaciones, aunque… ¿qué hacen las bailarinas de Rosalía vestidas de «vieja del visillo»? Jordi Bardají

Fallece a los 79 años Peter Fonda, icono de la contracultura estadounidense que inspiró a los Beatles, Primal Scream…

6

El actor Peter Fonda, icono de la contracultura estadounidense de los 60 por sus recordadas apariciones en películas como ‘Easy Rider’ o ‘The Trip’, ha fallecido a los 79 años, tal y como ha confirmado su familia a la revista People en un comunicado, en el que se indica que la muerte se producía en realidad el pasado viernes. La causa ha sido un fallo respiratorio derivado de un cáncer de pulmón.

Miembro de un linaje de actores y actrices, Peter Fonda era hijo de Henry Fonda, hermano pequeño de Jane Fonda y padre de los también actores Bridget Fonda y Justin Fonda. Fue además ganador de varios Globos de Oro, el primero por su papel protagonista en ‘El oro de Ulises’ (1997) y el segundo por su papel secundario en ‘La pasión de Ayn Rand’ (1999), si bien los roles por los que Fonda será siempre recordado serán los que realizó en los 60 como parte de la contracultura estadounidense. Especialmente ‘Easy Rider’, película que no solo protagonizó junto a Jack Nicholson y su director Dennis Hopper, sino que también produjo y co-escribió, y por la que llegó a ser nominado a un Oscar a la categoría de Mejor guion original.

También la música encontró en Peter Fonda una fuente de inspiración. Cuando Fonda contó a los Beatles que estuvo a punto de morir a los 11 años tras dispararse accidentalmente en el abdomen, expresó que sabía «lo que es estar muerto. Esta frase terminaría apareciendo en la letra de ‘She Said She Said’, uno de los temas incluidos en el álbum de los Beatles de 1966 ‘Revolver’. Además, el «elogio» del personaje de Fonda en la película de 1966 ‘The Wild Angels’ sería sampleado en ‘Loaded’ de Primal Scream y en ‘Jack the TAB’ de Psychic TV, entre otros. Fonda llegó incluso a grabar una canción escrita por Gram Parsons, ‘November Night’, y co-protagonizó ‘The Last Movie’ junto a Michelle Phillips, cantante de The Mamas and the Papas.

Rob Zombie tira del pelo a una fan enfervorecida en un concierto: ¿una agresión o una respuesta proporcionada?

10

El cantante, actor y director de cine Rob Zombie es en estos momentos objeto de polémica. TMZ publicaba un vídeo de un concierto suyo en Londres (el de Canadá), en el que se ve al líder de White Zombie caminando entre el público, en una zona acotada por vallas de seguridad. De repente aparece una fan que ha superado esas barreras y se acerca a él algo eufórica, agarrándole de la camiseta, aunque no parece emplear demasiada fuerza. Zombie detiene su camino y la aparta con vehemencia, para después acercarse a la chica y agarrarla por el pelo, quizá tampoco con excesiva fuerza, antes de ser apartada por el personal de seguridad.

¿Se trata de una agresión del cantante a la fan? ¿O es una respuesta proporcionada a un entusiasmo desmedido? En las últimas horas en Internet se ha generado un debate al respecto, entre los que consideran que a Rob se le ha ido la olla porque la chica no hace nada; y quiénes creen que Zombie solo ha respondido al sentirse atacado. Entre los que sostienen esta hipótesis están varios artistas, como recoge la web Loudwire. Zach Myers, guitarrista del grupo Shinedown, publicaba un tuit en el que dice «Si fuera una artista femenina vosotros, putos monos imbéciles, estaríais ofreciendo un titular diferente», dirigiéndose a TMZ, que titulan su noticia «Rob Zombie tira a una fan del pelo y la empuja». «Estos gilipollas son exactamente lo que está mal en los medios (de comunicación). Aquí va un titular «Rob Zombie es atacado por una fan… responde».

En un sentido parecido tuiteaba Phil Labonte, del grupo All That Remains: «He sido literalmente manoseado por «fans sobreexcitadas» más de una vez en conciertos. Es puto grosero y no está «bien» porque soy un tío. TMZ destacando esto es basura», dice antes de recordar una vez en la que una chica hubiera tenido su miembro en la boca de no haber llevado pantalones, asegura. Corey Taylor de Slipknot, ha retuiteado esta respuesta de Labonte. Pero, realmente, ¿es defendible la respuesta de Zombie?