7 cosas que han pasado en Sanremo 2026

2 marzo, 2026

BRAVA Madrid revela los primeros nombres de su edición de 2026, que tendrá lugar en La Caja Mágica los días 18 y 19 de septiembre.

El nombre destacado es el de Natalie Imbruglia, que presentará su nuevo disco, ‘Algorythm’, y vuelve a España tras nueve años. Sugababes están posicionadas como principales cabezas de cartel, pero ellas repiten en el festival, donde ya actuaron en 2023.

El adelanto del cartel desvela otros dos nombres internacionales, Inna y Vengaboys, así como destacados artistas nacionales como Fangoria, cuyo nuevo disco, ‘La verdad o la imaginación’, está previsto para abril, y Leire Martínez, quien acaba de publicar su debut en solitario.

Completan esta primera tanda de confirmaciones Soraya, también con nuevo disco, ‘ILÚMINA‘, orientado al dance escandinavo, y dos nombres vinculados al Benidorm Fest, en este caso MAYO y María Peláe, que refuerzan la representación queer del festival.

Kevin Morby: ser trovador puede ser divertido

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2 marzo, 2026

El próximo 15 de mayo saldrá el 8º disco de Kevin Morby, ‘Little Wide Open’, bajo la producción de Aaron Desner. Se supone que cierra la trilogía en el centro de América emprendida por ‘Sundowner‘ y ‘This Is a Photograph‘, tras haberse mudado el artista a Kansas City. No obstante, este álbum suena diferente al estar más empapado de una estancia en Los Ángeles. También les ha inspirado ‘Wildflowers’ de Tom Petty (1994).

El álbum ha sido presentado en recientes semanas por un single llamado ‘Javelin’ que seleccionamos como «Canción del Día» para este lunes.

‘Javelin’ funciona a diferentes niveles. El primero es a través de la alegría que transmite la melodía. Se trata de un tema sobre estar enamorado de alguien con quien no paras de dar vueltas por el mundo, viajando por el aire y carreteras, aunque sea para «luego volver solo a casa al centro de Estados Unidos». Y no, no es la primera vez que el bueno de Kevin vuelve con un single que incluso se puede calificar como «divertido».

El segundo nivel al que funciona son esos latiguillos «eh, eh» que ejercen de percusión complementaria para la canción. Son un truco que habríamos esperado más de alguien tipo Go! Team. Y el tercero son los coros de Amelia Meath (Sylvan Esso), que en la segunda parte del tema logran ser el centro, más que un detalle añadido.

Por último, en el vídeo vemos a Morby y a su amigo Caleb Hearon en un todoterreno conduciendo por los campos y carreteras secundarias de Missouri, con cameos de Katie Crutchfield y Tara Raghuveer. «Creo que captura toda la diversión que tuvimos al crearlo», dice el artista.

Según la nota del propio Kevin Morby, ‘Little Wide Open’ se ambienta en «un contexto de carreteras enmarañadas, pueblos con menos de 100.000 habitantes, cruces de caminos, un romance de rock and roll, mariposas en el estómago, ser un artista estadounidense, furgonetas Econoline y mucho más». Añade que es su álbum «más personal y vulnerable», pues Dessner le ha pedido que deje sus «historias al descubierto». En el disco aparecerán músicos como Justin Vernon o Lucinda Williams.

La novelista Rachel Kushner, amiga de Kevin, ha escrito un ensayo sobre ‘Little Wide Open’ llamado ‘Guía de campo del trovador norteamericano’ que puede leerse online. Os dejamos con el tracklist de ‘Little Wide Open’:

1. Badlands
2. Die Young
3. Javelin
4. All Sinners
5. Natural Disaster
6. 100,000
7. Little Wide Open
8. Cowtown
9. Bible Belt
10. I Ride Passenger
11. Junebug
12. Dandelion
13. Field Guide for the Butterflies

Bruno Mars / The Romantic

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Que Bruno Mars vuelva después de 10 años con un disco que parece un mero trámite con el que justificar una gira mundial es una de las decepciones que deja este ‘The Romantic’, de insípida portada y título. Mitad referencias latinas, mitad lo de siempre, ‘The Romantic’ no es el trabajo de un artista en la cima, sino el de uno que parece un «legacy artist» sin serlo en absoluto.

Ni ‘Die with a Smile‘ ni ‘APT.’ figuran en ‘The Romantic’ (la segunda no pegaría), pero el álbum sabe a poco por otros motivos. En apenas nueve cortes, el riesgo creativo se limita a lanzar unas pinceladas de música latina que resultan anecdóticas, ya que el disco después tampoco es eso.

No se puede culpar a Bruno Mars por intentar introducir su música en el mundo «post-Bad Bunny», y el yé-yé de ‘Something Serious‘ es uno de sus intentos más imaginativos en su evocación de una cocktail party de los 60, aunque las influencias vuelven a estar tan subrayadas como siempre: aquí el ‘Freak Le Boom Boom’ de Gretchen como inspiración directa, como lo parecían muchas otras en ‘I Just Might’, el engañoso sencillo de presentación.

Finalmente asentado en las listas, ‘I Just Might’ es un pastiche soul-disco basado en ideas melódicas y rítmicas prácticamente fusiladas de ‘You Make Me Feel Like Dancing’ de Leo Sayer y ‘Move Your Feet’ de Junior Senior. A estas alturas no nos vamos a quejar de que la música de Bruno Mars se base en el homenaje, pero sí de que la canción suene a involución tras temazos como ’24K Magic’ y que, al final, ni siquiera sea representativa de un disco que se puede considerar «de baladas».

La mejor es ‘Risk It All’, un bolero acentuado con las trompetillas más tristonas que se han oído este año. Después de esta pista de apertura, Bruno sigue instalado en el mundo de Silk Sonic, un lustro después de lanzar aquel disco, exhibiendo en ‘God Was Showing Off’ o ‘Why You Wanna Fight’ todo lo que ya sabíamos que había aprendido de Marvin Gaye o Al Green. Es cierto que ‘The Romantic’ apuesta por una paleta de sonidos más orgánica que ’24K Magic’, destacando la presencia de vientos y cuerdas, pero la base compositiva no se sale de las líneas de lo esperado.

Apenas ‘Cha Cha Cha’, que deriva brevemente en disco -otro de los temas de corte latino, en este caso cubano-, aporta algún tipo de sorpresa, aunque la base sigue siendo soul («come on and cha cha cha with me, and imma cha cha cha with you tonight» no puede resultar más «artista estadounidense haciendo música latina»). La única pista uptempo como ‘I Just Might’ es la festiva, aunque inesencial, ‘On My Soul’, y las dos baladas finales saben ya a relleno en un disco brevísimo.

La guitarra blues de ‘Nothing Left’ introduce una textura más o menos diferente al álbum, explorada en esta canción concreta de forma superficial, y ‘Dance with Me’ es la prom ballad tipicona de Bruno Mars. Por tempo, melodía e instrumentación, parece la versión beta de ‘Die with a Smile’. Es decir, Bruno Mars da ya la vuelta y se copia a sí mismo, solo que ahora lleva sombrero mexicano.

‘The Romantic’ al final resulta un disco que destaca por todo aquello que echamos de menos en él. Ya puestos a explorar ritmos de la música latina, Mars podría haber ido a por todas, investigando estilos menos populares, sampleando clásicos oscuros, acudiendo a su Hawái natal, sumergiéndose en culturas, saboreando diferentes instrumentos y armonías. En lugar de eso, Mars ofrece un producto inofensivo que parece pensado para no asustar a nadie.

Maria Arnal, pura emoción, pero también cerebro, en la gira de ‘AMA’

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2 marzo, 2026

El primer concierto de una gira suele ser un ensayo de lo que está por venir. Artistas internacionales de primera fila suelen escoger ciudades pequeñas de Estados Unidos o incluso alguna de Canadá para comenzar un tour, ir perfeccionando detalles y evitar fallos frente a una prensa que no sea la local. Un dato: Rosalía está a punto de comenzar su gira en nada menos que Lyon. En el caso de Maria Arnal, hemos visto ya este fin de semana en Madrid un primer show espectacular.

La Sala But, abarrotada con algo más de 1.000 espectadores, fue la encargada de acoger el concierto de presentación de ‘AMA’, el que Maria Arnal considera su disco de debut. Y es que se trata de su primer disco en solitario al margen de sus dos trabajos junto a Marcel Bagès.

Es verdad que el planteamiento tiene trampa. Ni Arnal es exactamente una debutante, ni este es el primer show de ‘AMA’. Antes ha tenido ocasión de ensayarlo en escenarios como el Sónar, algún que otro festival nacional, e incluso México. Pero es que es todavía más sorprendente que la cantante vaya a ser capaz de meter este espectáculo en recintos tan «pequeños». Da la sensación de que su arte, sus capacidades, sus ideas, no caben en auditorios inferiores a un Palacio de Congresos.

Un solo músico a las programaciones y percusiones, y cuatro bailarinas curtidas en el mundo de la danza -esto no va de twerking ni de popstars- acompañan a Arnal sobre el escenario. Ellas suman en esa idea de la feminidad que sobrevuela ‘AMA’. Una de ellas está embarazada. Maria vuelve a explicar en un momento del show que el disco está dedicado a su prima, que falleció con VIH a los 15 años, como sus tíos, a consecuencia de la heroína, en un concierto por tanto lleno de emociones y simbología.

Los juegos de luces y sombras son elegantes y meditados, con la iluminación convertida en un aliado más, así como los juegos vocales. Hay momentos intimistas, y hay momentos teatrales y bellísimos, a destacar ese en el que una luz blanca se proyecta en el escenario mientras Arnal canta ‘Si te veo’: «Mirando al cielo me quedé yo, por si te veo». Una de las fotografías del tour que será difícil borrar de la retina.

La cantante lucha contra la idea de que estas canciones pueden resultar un tanto «frías» animando ella misma a cantar durante el single ‘AMA’, que suena en tercer lugar tras la ‘Intro’ y ‘Madrigal’, o introduciendo al público con consignas que nunca fallan. «Madrid tiene una energía eléctrica y creativa», asegura en un momento mientras tú te preguntas: «¿de verdad?».

Otras veces ofrece esas canciones tan pop que ha dejado fuera del disco pero que irán saliendo. Una se llama ‘Lunar’ y otra, muy pegadiza, responde al nombre de ‘Espejo‘. Y otras veces tiene el humor de apelar este Reels de JENESAISPOP, recomendar ver este podcast porque fue «una conversación muy divertida» y cantar «la canción de los Goya con la que perdí». Lo mejor es que, haga reír, llorar o se mueva por el escenario perfectamente coreografiada con sus compañeras, Arnal deja la sensación de hacer todo esto sin esfuerzo, como pez en el agua, sin sufrimiento ni nervios, como si el escenario fuera su hábitat natural por encima incluso del estudio, lo cual es mucho decir.

Nada puede competir de momento con el fragmento hacia la mitad del concierto en el que canta su clásico ‘Tú que vienes a rondarme’. Todo el mundo la canta de pe a pa: es el momento karaoke colectivo del concierto de Maria Arnal. Pero ella ya presume de que el nuevo es su álbum más escuchado en su primera semana, así que seguro que pronto vienen otros iguales. 8,5.

Puma Blue / Croak Dream

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Fernando García

El quinto disco de Jacob Allen bajo el pseudónimo de Puma Blue es uno de esos trabajos decididos a atrapar al oyente desde la primera pista. El cantante y productor londinense construye meticulosamente una atmósfera tan desasosegante como sensual manteniendo siempre un difícil equilibrio entre la dulce fantasía onírica y la acechante pesadilla.

Tras el lanzamiento el año pasado de dos álbumes que abogaban por una individualidad introspectiva (‘antichamber’ y ‘extchamber’), ‘Croak Dream’ es una vuelta al sonido más colaborativo de ‘Holy Waters’ (2023), aunque conservando en todo momento un marcado carácter lo-fi. El título hace referencia a un sueño premonitorio en el que uno es testigo de su propia muerte.

‘Desire’ abre la función como si nos adentráramos en un club de jazz privado con luces tenues azuladas, con una percusión seca seguida de unos inquietos sintetizadores. La voz andrógina de Allen se posa, cálida, encima de una producción de guitarras tensas. En ‘Mister Lost’, esa tensión es aún más palpable, donde la letra recitada sobre la alienación del día a día se funde sobre el repiqueteo de un drone. Más melódica es ‘Hold You’, un sofisticado medio-tiempo R&B repleto de cuerdas y vientos que se distorsionan.

Puma Blue lleva sus referencias sonoras por bandera, y si Portishead es lo primero que viene a la mente al escuchar este proyecto, el corte titular bien podría ser una canción de Radiohead (Sam Petts-Davies, colaborador de la banda de Thom Yorke, es uno de los co-productores). Una de las buenas, eso sí. El artista integra perfectamente en la secuencia este momento de caos y confusión, donde los ásperos sintetizadores crean una atmósfera densa y psicodélica muy envolvente.

Hacia la mitad, el álbum decide descansar con algunas producciones más relajadas. ‘Heaven Above, Hell Below’ comienza como una íntima balada folk cantada con una simple guitarra acústica para poco a poco ir introduciendo un piano jazzístico. Mientras que ‘(Fool)’ compone una seductora estética noir con sus elegantes saxofones. ‘Hush’ también se adentra en esos territorios casi lynchianos con su trip-hop melancólico y nocturno, así como la instrumental ‘Jaded’, una pieza que recuerda a Burial, que acaba imponiéndose en la secuencia como uno de los momentos más altos del disco.

En el último cuarto del álbum, ‘Silently’ ofrece una melódica introspección con una producción limpia guiada por un loop de percusión y guitarra. Más intrigantes son ‘Cocoons’, especialmente cuando la distorsión se impone a la solemne línea de piano principal y, finalmente, ‘Yearn Again’, que cierra el proyecto con una atractiva mezcla de trip-hop y jazz oscuro.

‘Croak Dream’ supone un viaje inmersivo y en su mayoría fascinante por los recovecos de la conciencia. En su indagación por saber qué se esconde tras el enigma de la muerte, Puma Blue captura con enorme poder de sugerencia el misterio y la belleza de lo desconocido, ofreciendo un álbum que transporta al oyente a un estado de trance, a un duermevela tan dulce como aterrador.

Puma Blue actúa el martes 5 de mayo en el Café Berlín de Madrid y el miércoles 6 de mayo en La Nau de Barcelona.

Cora Yako consiguen su estribillo de oro en ‘Adiós, te quiero’

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1 marzo, 2026

Cora Yako lanzaron su tercer disco, titulado ‘Mil Pequeños Cortes’, hace apenas dos semanas. Singles previos como ‘Pesadillas’ y ‘Firmar la paz’ son todo lo que esperarías de un adelanto: bangers de indie rock. Sin embargo, es una de las canciones que salieron con el LP, de esas de mitad de tracklist, la que ha acabado siendo una de las mejores del disco. ‘Adiós, te quiero’ es la Canción del Día.

A estas alturas, Luis de Oleza y Carlos Sennacheribbo ya son prácticamente especialistas del indie rock juvenil. Es por ello que un tema como ‘Adiós, te quiero’, en el que cobran más importancia las armonías y las cuerdas que la distorsión, resulta totalmente refrescante. Sobre todo, con una melodía tan redonda.

El riff que abre la canción es vintage en cierta medida, recordando a las melodías noventeras de temas como ‘She’s So High’ de Tel Bachman o ‘There She Goes’ de The La’s. La letra, siguiendo esta línea, también podría ser atemporal: «Las cosas ya no son como eran / La vida se ve de otra manera / Nunca entendí lo que esperabas de mí».

Aunque falten las guitarras y la batería en el primer estribillo, ya es suficiente para darse cuenta de que Cora Yako han construido un estribillo perfecto. Y no solo con una melodía redonda, sino con una letra bien simple y efectiva, que a veces es lo más importante: «Hay veces que quiero olvidarme de todo y empezar de cero lejos de aquí / Mejor me largo que aquí todo, todo me recuerda a ti». Más singles así.

Las mejores actuaciones de los Goya: Ana Mena, Belén Aguilera…

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1 marzo, 2026

La 40ª edición de los Goya ha tenido lugar esta noche en el Edificio Fórum de Barcelona, con ‘Los domingos’ triunfando en las categorías más importantes, a pesar del superior número de estatuillas de ‘Sirat’. Además del séptimo arte, la música ha vuelto a ser uno de los elementos más importantes de la gala. En este sentido, Ana Mena y Belén Aguilera han sido algunas de las mejores actuaciones de la noche.

Esta empezó con el número inicial de Rigoberta Bandini y Luis Tosar, cantando ‘Hoy puede ser un gran día’. Difícil no verle la cara irónica a la actuación cuando el mundo está un paso más cerca de desmoronarse definitivamente, tras los bombardeos de Estados Unidos e Israel en Irán y sus posteriores represalias. Bandini repitió avanzada la noche con su versión de ‘De tot cor’, de Tomeu Penya, a guitarra eléctrica. Estuvo correcta, aunque lejos de ser lo más destacado de la gala.

La cosa empezó a mejorar con el homenaje a Lole y Manuel de Alba Molina, Ángeles Toledano y L’Escola Coral de l’Orfeo Català. ‘Tu mirá’ empezó con un coro de niños para pasar a la magnífica presencia de Ángeles Toledano, que se encargó de la parte más minimalista de la canción. Al final del número, un set de batería y una guitarra eléctrica se unen a la mezcla, a lo Frente Abierto.

Ana Mena y La Casa Azul era la mezcla que no sabíamos que necesitábamos. ‘La bambola’ también es una canción que les pegaba al dedillo, ya sabiendo todos el gusto de Mena por el pop italiano. Ella, finísima y clásica en su parte inicial, en la que acaba de pie en el piano, y enorme en el colofón final. La transición al vocoder de Guille Milkyway, con una estética totalmente diferente, fue una sorpresa total.

Bad Gyal era una de las artistas más esperadas de la noche y no actuó sola. Junto a Arrels de Gràcia, la catalana interpretó ‘Rumba de Barcelona’ y reivindicó la diversidad de la Ciudad Condal con drag queens, niños jugando al fútbol y varios bailarines. Farelo parecía cantar con muy poco autotune, si es que tenía algo. Por ahí bien, pero sí que el número resultó menos explosivo de lo que esperábamos.

La actuación más bonita de la noche fue protagonizada por Belén Aguilera y Dani Fernández en su homenaje a Robe. La preciosísima versión de Aguilera a piano y cuerda, y casi susurrada, pintó el mejor punto de entrada para la rasgada voz del vocalista. Este también fue el numerito más largo de la noche, al tener lugar durante el in memoriam. Gran dueto, mejor temazo.

‘Los domingos’ triunfa en los Goya, pero ‘Sirat’ se lleva más

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1 marzo, 2026

‘Sirat’ ha sido la película más premiada en la 40ª gala de los premios Goya, celebrada esta noche en el Edificio Fórum de Barcelona, con seis menciones. Sin embargo, ‘Los domingos’ ha sido realmente la cinta triunfante, llevándose las estatuillas de ‘Mejor película’, ‘Mejor dirección’, ‘Mejor actriz protagonista’, ‘Mejor actriz de reparto’ y ‘Mejor guion original’.

La cinta de Alauda Ruiz de Azúa partía con el mayor número de nominaciones, con 13 frente a las 11 de Óliver Laxe. El envolvente tecno de Kangding Ray ha ganado el Goya a ‘Mejor música original’, mientras que Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas se han convertido en el primer equipo de sonido íntegramente femenino en llevarse un Goya. Partían como favoritas, al ser también las primeras nominadas al Óscar.

Uno de los momentazos de la gala presentada por Rigoberta Bandini y Luis Tosar, que no hubo demasiados, vino de la mano de Alba Flores, ganadora del Goya a ‘Mejor canción original’ por ‘Flores para Antonio’. Comparó escribir el tema con «parir una canción» e hizo que toda la sala cantase el himno de ‘No dudaría’ en honor a su padre, Antonio Flores.

Macarena Gómez mencionó en su paso por la alfombra roja que «una gala de cine no es lugar para hablar de la guerra». Se habrá tirado de los pelos, ya que fue el tema más mencionado en la gala, por razones obvias. Fernando Méndez-Leite, presidente de la Academia de Cine, ha advertido de la «degradación» del mundo y del actual «desprecio» a los derechos humanos, mientras que Susan Sarandon, ganadora del Goya internacional, ya era noticia por alabar la «lucidez moral» de Pedro Sánchez y lo ha vuelto a hacer en su discurso.

En esta materia, ha destacado el de la argentina Dolores Fonzi, directora de ‘Belén’, anunciando que viene «del futuro» y que «la ultraderecha viene a destruirlo todo». Por otro lado, Gonzalo Suárez, Goya de honor, ha regalado un elocuente discurso sobre el «personaje que juega al golf con nuestro mundo». La naturalidad de Antonio Fernández Gavarre, actor revelación de la noche, ha puesto el punto refrescante: «¡Vivan los Fernández!», gritó al recoger su premio.

Palmarés de los Goya 2026
Goya de Honor: Gonzalo Suárez
Mejor Diseño de Vestuario: Helena Sanchís, por ‘La cena’
Mejores Efectos Especiales: Paula Garifa Rubia y Ana Rubio, por ‘Los tigres’
Mejor Canción Original: ‘Flores para Antonio’ de Alba Flores y Sílvia Pérez Cruz
Mejor Actriz Revelación: Miriam Garlo, por ‘Sorda’
Mejor Actor Revelación: Antonio ‘Toni’ Fernández Gavarre, por ‘Ciudad sin sueño’
Mejor Maquillaje y Peluquería: Ana López-Puigcerver, Belén López-Puigcerver y Nacho Díaz, por ‘El cautivo’
Mejor Dirección de Fotografía: Mauro Herce, por ‘Sirat’
Mejor Dirección de Producción: Oriol Maymó, por Sirat
Mejor Sonido: Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas, por ‘Sirat’
Mejor Dirección de Arte: Laia Aztecafon, por ‘Sirat’
Mejor Película de Animación: ‘Decorado’
Mejor Corto de Animación: ‘Gilbert’
Mejor Corto Documental: ‘El santo’
Mejor Corto de Ficción: ‘Ángulo muerto’
Mejor Dirección Novel: Eva Libertad, por ‘Sorda’
Mejor Música Original: Kangding Ray, por ‘Sirat’
Mejor Montaje: Cristóbal Fernández, por ‘Sirat’
Mejor Documental: ‘Tardes de soledad’
Mejor Película Iberoamericana: ‘Belén’
Mejor Película Europea: ‘Valor sentimental’ (‘Sentimental Value’)
Mejor Guion Adaptado: ‘La cena’
Mejor Guion Original: Alauda Ruiz de Azúa, por ‘Los domingos’
Mejor Actor de Reparto: Álvaro Cervantes, por ‘Sorda’
Mejor Actriz de Reparto: Nagore Aranburu, por ‘Los domingos’
Mejor Actor: José Ramón Soroiz, por ‘Maspalomas’
Mejor Actriz: Patricia López Arnaiz, por ‘Los domingos’
Mejor Dirección: Alauda Ruiz de Azúa, por ‘Los domingos’
Mejor Película: ‘Los domingos’

Rosalía y Björk estrenan la ‘Berghain’ tecno en los BRITS

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1 marzo, 2026

Rosalía ha presentado en los BRIT Awards la versión de ‘Berghain’ con la que todos soñábamos: la del fiestón tecno. Acompañada de una Björk salida de otro planeta, la autora de ‘LUX’ ha realizado una espectacular actuación en la que ha servido orquesta, coreografía, intervención divina y el finalazo ravero que merecíamos.

La artista catalana, desde ahora la primera española en ganar el premio a Artista Internacional del Año en los BRITS, no solo ha cumplido todas nuestras fantasías. También ha mostrado una pincelada de lo que podríamos encontrar en la gira de ‘LUX’. En una palabra: grandiosidad.

Después de la celestial aparición de Björk y de los chops vocales de Rosalía, capaces de poner al borde del llanto a los coristas/bailarines, llega un momento en el que parece que el show ya ha terminado. La orquesta ha terminado de tocar e incluso la propia Rosi se coloca el vestido en el hombro, como si ya estuviese todo vendido.

De repente, todas las personas del escenario se arrancan a bailar con la ‘Berghain’ más maquinera, con los BPMs a todo trapo. Primero, de forma caótica como si de un club berlinés se tratase. Después, con una poderosa coreografía. Solo nos queda una pregunta: ¿Cuándo tendremos estas versión en plataformas?

Se trataba de la primera vez en la historia de los BRITS que la ceremonia se celebraba fuera de Londres, en Manchester en este caso. La gran ganadora de la noche fue Olivia Dean, que gracias a su segundo álbum, ‘The Art Of Loving’, consiguió ganar los BRITS a ‘Albúm del año’, ‘Canción del año’ (por su colaboración con Sam Fender), ‘Artista del año’ y ‘Mejor Artista Pop’.

Por supuesto, Rosalía ganó el premio a la ‘Mejor artista internacional’, mientras que Geese se llevaron el BRIT a ‘Mejor grupo internacional’. El bajista Max Bassin fue brevísimo en su discurso: «Palestina libre, que le jodan a ICE, DEP Mani, arriba Geese».

En cuestión de actuaciones, destacaron las de Harry Styles, el medley de Mark Ronson con Dua Lipa y Ghostface Killah, y el tributo a Ozzy Osbourne de Robbie Williams. El resto de números fueron protagonizados por Olivia Dean, HUNTER/X, sombr, Wolf Alice y Alex Warren.

Palmarés de los BRITS

Mejor álbum del año
Dave – The Boy who Played the Harp
Lily Allen – West End Girl
Olivia Dean – The Art of Loving
Sam Fender – People Watching
Wolf Alice – The Clearing

Artista del año
Dave
Fred Again
Jade
Lily Allen
Little Simz
Lola Young
Olivia Dean
PinkPantheress
Sam Fender
Self Esteem

Canción del año
Blessings – Calvin Harris & Clementine Douglas
The Days (The Notion Remix) – Crystal and Notion
Defying Gravity – Cynthia Erivo (feat. Ariana Grande)
Azizam – Ed Sheeran
Victory Lap – Fred Again, Skepta, PlaqueBoyMax
Survive – Lewis Capaldi
Messy – Lola Young
Nice to Meet You – Miles Smith
Man I Need – Olivia Dean
Where’s My Husband? – Raye
Rein Me In – Sam Fender (feat. Olivia Dean)
Family Matters – Skye Newman

Mejor canción internacional del año
Ordinary – Alex Warren
Pink Pony Club – Chappell Roan
No Broke Boys – Disco Lines and Tinashe
Sailor Song – Gigi Perez
That’s So True – Gracie Abrams
Golden – Huntr/X
Die with a Smile – Lady Gaga and Bruno Mars
Love Me Not – Ravyn Lenae
APT – Rosé and Bruno Mars
Manchild – Sabrina Carpenter
Undressed – Sombr
The Fate of Ophelia – Taylor Swift

Mejor grupo del año
The Last Dinner Party
Pulp
Sleep Token
Wet Leg
Wolf Alice

Mejor grupo internacional del año
Geese
Haim
Huntr X
Tame Impala
Turnstile

Mejor artista nuevo
Barry Can’t Swim
EsDeeKid
Jim Legxacy
Lola Young
Skye Newman

Mejor artista alternativo/rock
Blood Orange
Lola Young
Sam Fender
Wet Leg
Wolf Alice

Mejor artista dance
Calvin Harris and Clementine Douglas
FKA Twigs
Fred Again/Skepta/Plaqueboy Max
PinkPantheress
Sammy Virji

Mejor artista hip-hop / rap / grime
Central Cee
Dave
Jim Legaxcy
Little Simz
Loyle Carner

Mejor artista pop
Jade
Lily Allen
Lola Young
Olivia Dean
Raye

Mejor artista internacional
Bad Bunny
Chappell Roan
CMAT
Doechii
Lady Gaga
Rosalía
Sabrina Carpenter
Sombr
Taylor Swift
Tyler the Creator

Mejor artista R&B
Jim Legacy
KWN
Mabel
Sasha Keeble
Sault

Premio Brit a la Contribución Destacada a la Música
Ozzy Osbourne

Critic’s Choice
Jacob Alon

Productor del año
PinkPantheress

Compositor del año
Noel Gallagher

Peaches / No Lube So Rude

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«Te voy a meter un puño por el culo» es una frase demasiado punk para que la pronuncie una artista mainstream: por eso Peaches es importante. Su primer disco en 11 años es un estudio de la erótica posmenopáusica de una mujer queer de 59 años que también tiene algo que decir sobre la decadencia del mundo. El mensaje de ‘No Lube So Rude’ es que el cuerpo es tan sexual y libre como político.

Todas estas dimensiones aparecen interconectadas a lo largo del disco, cuando la saltarina ‘Hanging Titties’ permite hablar de edadismo («older than you, looking so cunt») o ‘Panna Cotta Delight’ de feminismo y autonomía corporal («soy una mujer con el control de sus agujeros»). ‘No Lube So Rude’ se ha presentado con su single más punk, que proclama: «Si no está en tu boca, no es tu problema».

La música de ‘No Lube So Rude’ suena apropiadamente «lubricada», apostando por una frontal pero divertida fusión de electroclash, dance-punk e industrial que incluye grosos guiños al metal (‘Fuck How You Wanna Fuck’) o al post-punk (‘Be Love’). Aunque más recordables que las propias canciones son su mensaje y también la estructura narrativa que Peaches ha conferido al repertorio.

Estamos ante un disco que empieza con todo el descaro y cachondeo de frases como «I’m a horny little fucker, and I’ll bring you to your knees» (‘Fuck Your Face’) y que incluye diversas referencias al fisting, la lubricación anal, el cunnilingus o los «agujeros» en general. Sin embargo, el disco se va oscureciendo a medida que se politiza, incluyendo menciones a Roe vs. Wade y al «gaslighting» de la «ultraderecha».

‘No Lube So Rude’ evoluciona del disfrute sexual a la expresión de una vulnerabilidad muy humana, tocada por la depresión y la soledad. La frase que enmarca el disco aparece en ‘You’re Alright’: «Si miras detrás de la cortina me verás haciendo squirt, pero ahí estoy con mi peluca púbica desgastada, sufriendo en la oscuridad». La verdad duele al principio, pero luego te acostumbras.

‘Oxígeno’: cuando tu casera te quita hasta el aire que respiras

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Joric

“Me duele la cabeza raro”. Eso fue lo que recuerda haber dicho la escritora Marta Jiménez Serrano una mañana de noviembre de 2020, justo antes de entrar al baño y caer desplomada al suelo. Lo que ocurrió después se lo han contado otros: su pareja, que la encontró inconsciente, y los sanitarios de emergencias, que detectaron en su sangre unos niveles de monóxido de carbono superiores al 46 por ciento. De haber inhalado un poco más, a partir del 50 por ciento, habría entrado en coma. Con concentraciones superiores al 60 por ciento, estaría muerta.

En ‘Oxígeno’ (Alfaguara), Jiménez Serrano, que por entonces aún no había publicado su primera novela, ‘Los nombres propios’ (2021), narra la historia de ese accidente que casi termina con su vida. Un accidente que no le dejó secuelas físicas pero si psicológicas y emocionales: miedo a dormir, desazón existencial y un odio profundo a su casera, una mujer que vivía en Los Ángeles y que “no quería tener que encargarse de nada”. Entre ese “nada” estaba la revisión de la caldera.

La autora relata su experiencia en forma de novela de no ficción. ‘Oxígeno’ no es únicamente una crónica del accidente ni un ajuste de cuentas cargado de una rabia catártica y terapéutica, sino una exploración íntima y literaria de esa vivencia. Un libro muy rico, de naturaleza híbrida y estructura fragmentaria, pero en absoluto barroco, escrito con una prosa aparentemente sencilla, muy limpia y fluida.

Mezcla temas tan diversos como la muerte, las relaciones de pareja, el problema de la vivienda, la literatura, los traumas, el individualismo o la infancia, narrados en primera persona y articulados mediante una amplia variedad de recursos narrativos: noticias de prensa, datos médicos, información legislativa, recuerdos, entrevistas, reflexiones…

Más allá del relato del accidente, ‘Oxígeno’ se convierte en una indagación sobre la vulnerabilidad contemporánea y la fragilidad de los vínculos que sostienen la vida cotidiana. Un libro que demuestra que se puede seguir haciendo literatura del yo sin caer en el yo, yo, yo autoindulgente y narcisista; que lo íntimo, cuando se expone con creatividad y honestidad, puede adquirir una resonancia y relevancia colectivas.

Adiós a Neil Sedaka, leyenda del doo wop

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28 febrero, 2026

Neil Sedaka, autor de éxitos como ‘Oh! Carol’, ‘Calendar Girl’ o ‘Breaking Up Is Hard To Do’, ha fallecido a los 86 años. Así lo ha informado su familia: «Una verdadera leyenda del rock and roll, una inspiración para millones, pero lo más importante, al menos para los que fuimos lo suficientemente afortunados de conocerlo, un increíble ser humano».

La carrera de Sedaka abarcó seis décadas en las que el cantante llegó a conseguir tres números 1 en Estados Unidos, además de encargarse de componer para otros artistas. En total, se estima que escribió o coescribió más de 500 canciones. En los años 70, por ejemplo, trabajó con ABBA en la letra en inglés de ‘Ring-Ring’ y fue contratado por Elton John como compositor para su sello, Rocket Records.

La obra de Neil Sedaka es más conocida por sus éxitos tempranos e finales de los 50 y principios de los 60, tales como ‘Breaking Up Is Hard To Do’, ‘Calendar Girl’ o la conocida ‘Oh! Carol’, dedicada a su pareja de aquel entonces, Carole King.

Sedaka fue uno de los artistas enterrados por la invasión británica y la Beatlemanía, pero pudo resurgir en la década de los 70 con éxitos como ‘Laughter in the Rain’. Sin embargo, desapareció de la lista de éxitos en la década de los 80, aunque eso no significase dejar los escenarios.

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Radiohead manda a la mierda a ICE por usar ‘Let Down’

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28 febrero, 2026

Después de que el documental de Melania Trump usase una composición de Jonny Greenwood sin permiso, ahora son Radiohead quienes han vivido una situación similar. ICE ha utilizado ‘Let Down’ en uno de sus últimos vídeos, uno en el que ilustraban «nuestro por qué». La banda británica ha sido certera en su respuesta: «Que os jodan».

El vídeo difundido por el Departamento de Seguridad Nacional de Estados Unidos, organismo que controla ICE, consiste en una serie de imágenes de personas que, supuestamente, habrían sido heridas de alguna manera por personas inmigrantes. «Este es nuestro por qué», se lee al final del vídeo. Entre medias, la parte más emocionante de ‘Let Down’.

El comunicado de Radiohead ha llegado unos días después de la subida del vídeo: «Pedimos que los aficionados que controlan la cuenta en redes de ICE tiren abajo el vídeo. No es divertido, esta canción significa mucho para nosotros y para mucha gente, y no os permitimos apropiaros de ella sin luchar antes», demandaron. «Además, que os jodan», concluyó el comunicado.

Radiohead no son los primeros en tener un encontronazo con ICE por el uso no permitido de su música en la propaganda. Ya le ocurrió a otras artistas como Taylor Swift, Sabrina Carpenter o SZA.

Pablo und Destruktion carga contra Sánchez y La Benéfica, esta se defiende

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27 febrero, 2026

El músico asturiano Pablo und Destruktion ha cargado contra la visita realizada esta semana por el presidente del gobierno Pedro Sánchez a la localidad de Infiesto, en concreto a un local llamado La Benéfica de Piloña, del que participa Rodrigo Cuevas. En un vídeo subido a redes, Pablo califica el acto como «campaña electoral» y se queja de que «el mundo rural ya no sea un espacio alternativo, esté tomado por el poder, por la ideología dominante».

Lo que podría haber sido un debate pertinente sobre dónde está la verdadera izquierda y qué ocurrirá con la España rural, por parte del que en su momento fue un gran conversador, queda ensombrecido cuando Pablo und Destruktion utiliza algunos bulos y medias verdades por demostrar, habituales entre la extrema derecha, para cargar contra el gobierno de coalición, como que «Sánchez tomó el poder del PSOE con una campaña financiada por la red de prostitución de saunas gays de su suegro» e «hizo un pucherazo quitando a Edu Madina».

Aquellas primarias fueron ganadas por Sánchez por más de 16.000 votos, mientras que Ábalos habría manipulado unos pocos votos de manera local, incluso según la prensa de extrema derecha más radical. Por otro lado, el suegro de Sánchez -ya fallecido- quedó desvinculado de aquellas saunas en la década de los 2000, según Newtral, mientras que él llegaba al poder del PSOE varios años después, en 2014.

Pablo und Destruktion no termina de cargar contra Rodrigo Cuevas porque ambos empezaron tocando «debajo de invernaderos», pero sí cree que se han perdido los «motivos independientes». «Si los del 15M levantaran la cabeza y viesen esto… (…) ¿Qué va a pasar cuando cambie el Gobierno en La Benéfica? Porque les van a quitar el pastel que se están ventilando entre ellos», se queja, añadiendo: «esto es sembrar discordia en los pueblos. Porque antes te podías estar tranquilamente tomando un café con leche sin falta de saber que va a estar ahí el presidente adoctrinando y contándonos monsergas».

La Benéfica ha hecho un comunicado en clave de humor, en forma de Reels, recordando que este local no es de Rodrigo Cuevas, sino de varias personas, que la Asociación no tiene ánimo de lucro y explicando su manera de financiación. Estas comprenden donaciones, subvenciones de administraciones locales, autonómicas, nacionales y europeas; consumo en barra o entradas para algunos eventos; y el alquiler de la sala.

Este ha sido el caso del evento de esta semana: se alquiló la sala a EPA, una asociación que trabaja en temas de juventud rural, para un evento con el Ministerio de Transición Ecológica. Y ahí apareció «El Perro, Le Perre». Recuerdan que esto no fue «una actividad de La Benéfica, no es publicidad, sino un alquiler a EPA» para una actividad reivindicativa de jóvenes del entorno rural, que se alinea con sus principios. La Benéfica critica la existencia de «discursos de odio que se entremezclan».

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BLACKPINK tienen mentalidad de tiburón, pero no sirven, en ‘GO’

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27 febrero, 2026

BLACKPINK han lanzado un nuevo EP (irónicamente titulado ‘DEADLINE’) y el focus single, titulado ‘GO’, ya está haciendo números increíbles en YouTube. En sus primeras tres horas subido en la plataforma, el videoclip de la canción ya acumulado 6 millones de reproducciones. En el momento de escribir esto, ya está cerca de las 10 millones. Ahora solo les falta servir.

‘DEADLINE’ representa el comeback del grupo surcoreano, pero ya hay muchos preguntándose si también es el principio del fin. Además de las encaminadas carreras en solitario de JENNIE, ROSÉ, LISA Y JISOO, el videoclip de ‘GO’ es una de las razones a tener en cuenta.

La canción es correcta, con un estribillo maquinero, un precioso puente melódico y una letra centrada en hacer que el oyente consiga todos sus sueños: mentalidad de ganador. «Nunca me voy a conformar con el segundo puesto / Necesito una medalla de oro», rapea LISA. El estribillo es bien simple, repitiendo que BLACKPINK te harán… pues eso, «GO».

Esta temática ha sido trasladada al videoclip mediante el concepto del remo, un deporte asociado con el trabajo duro, pero también con el trabajo en equipo. Esto se les ha olvidado completamente a las de BLACKPINK. ¿En cuántas escenas aparecen juntas las cuatro artistas? En una sola. Hay una clara falta de escenas de grupo y, sobre todo, de coreografía. Sí, es un vídeo visualmente espectacular y entretenido de ver, pero no basta solo con que sea caro. Hay que servir un poco.

Más allá del vídeo, en los créditos de ‘GO’ encontramos a Chris Martin, líder de Coldplay, figurando como compositor del tema. Es difícil saber donde empieza y donde termina su intervención en la canción, pero desde luego es un nombre que le queda grande a la canción final. En ‘Champion’, otra canción de ‘DEADLINE’, habría participado Dr. Luke en la producción.

1111 distorsionan la vida con su radical pop centennial

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27 febrero, 2026

1111 nace de la destrucción. El grupo madrileño formado por Fedra, Armas y ru0001 acaban de comenzar una nueva etapa después de descartar un disco de 20 canciones que nunca escucharemos. De este movimiento radical surge ‘La Línea de Puntos’, que bien podría considerarse como su primer single por la reinvención que supone. Es la Canción del Día.

La música de 1111 (pronunciado como «mil ciento once») es la de una generación inseparable de Internet, con influencias que van desde la electrónica y el tecno hasta el jersey beat, el hip hop de Soundcloud y el pop centennial. Aquí se enmarca ‘La Línea de Puntos’, escrita a modo de flujo de pensamiento y en constante mutación.

1111 se plantea la vida como «una hoja de papel en la que tienes que cortar por la línea de puntos», según cuenta Fedra. Por ello, en la letra se ponen en situaciones hipotéticas y se preguntan todo el rato qué hubiera pasado si hubiesen actuado de forma diferente. Es una canción inmediata, pero que gana capas con cada escucha gracias a su letra: «Y si volviera para atrás sin conocerte, te hubiera dejado conocerme de verdad».

La segunda mitad de ‘La Línea de Puntos’ es una alteración constante de la base, que se retuerce, se rompe y se distorsiona mientras Fedra confiesa un crimen que no habla tanto de él, sino del mundo: «He robado una cartera, no sé por qué lo he hecho / La foto de sus hijos, nada de dinero». Al final, la frase que podría definir el alma de la canción: «Si falla el dinero que no falle el amor».

Rihanna se graba en el estudio: ¿Por qué nos hace esto?

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27 febrero, 2026

Te levantas, miras Instagram, te haces el desayuno y vuelves al móvil. La rutina típica de toda persona viviendo en pleno 2026. Entre noticias de los nuevos lanzamientos de los viernes y un poco de brainrot, te sale un nuevo reel de Rihanna. Seguro que es publicidad de Fenty. Lo es, pero te quedas a verlo porque está sonando ‘Le Freak’ y es raro que a Rihanna le dé por hacer una trend como ‘Una noche en mi vida’. Algo de chicha tendrá.

Vemos a la artista y empresaria trabajar muy duro en una reunión de Savage X en la que compara colores, revisa modelitos y… ¿firma discos? ¿Por qué está firmando vinilos de ‘Music Of The Sun’, ‘Loud’ y ‘Good Girl Gone Bad’? ¿Hay alguna promoción en la que te compres unas bragas y te venga un disco firmado de regalo? No, lo más probable es que tenga que ver con el box set que lanzó el año pasado por el 20 aniversario de su carrera, pero soñar es gratis. El vídeo sigue y Rihanna suelta como si nada que tiene sesión de estudio a continuación. Venga ya.

A ella lo que le preocupa de verdad es terminar el disfraz de Mardi Gras de su hijo, pero aun así… ¿No es fuerte que, conociendo de sobra la absurda anticipación que existe con su música, Rihanna suba un vídeo en el estudio? En su última entrevista con Harper’s Bazaar, Riri contó que había estado yendo al estudio todos los años desde el lanzamiento de ‘ANTI’, que cumplió 10 el pasado 28 de enero. Verla físicamente ahí impresiona, pero el vídeo tiene su truco.

Vemos a Rihanna rodeada de gente, haciendo bromas, concentrada, bailando… ¿Por qué no la vemos cantar? ¿Por qué no la vemos ni siquiera metida en la cabina? Que Rihanna nos haga saber que todavía va al estudio es guay, pero hay que apretar más el botón rojo, el de ‘REC’ o lo que sea. ¿Que no la veamos cantar tendrá que ver algo con un tema de secretismo o porque realmente ese día no cantó nada? Y si es así, ¿por qué subiría un vídeo en el que no la vemos cantar? Imagino que si es cierto que lleva yendo al estudio 10 años seguidos no grabará todos los días, pero aun así es bastante ANTIclimático.

Para una celebridad de la talla de Rihanna, es raro hacer un vídeo de estos sin ningún tipo de razón. ¿Significa esto que ‘R9’ está a la vuelta de la esquina? ¿Por fin? Claro que no. Lo peor de todo es que el vídeo no significa absolutamente nada, pero es normal que pensemos que sí, y eso Rihanna lo tiene que saber. La única conclusión razonable que se me ocurre es que Rihanna es malvada y quiere que sus fans sufran eternamente. Fuera bromas, ir durante 10 años al estudio y no cansarte tiene mucho mérito, pero la pregunta es: ¿A lxs fans de Rihanna les causa algún tipo de alivio?

commercial break pic.twitter.com/nyr8UvSH6I

— Rihanna (@rihanna) February 27, 2026

Love of Lesbian anuncian un parón indefinido y «honesto»

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27 febrero, 2026

Love of Lesbian van a alejarse de los focos después de 25 años de discos y conciertos sin descanso. Así lo han anunciado en sus redes sociales, asegurando que su viaje «exige una parada en boxes para mirar las estrellas desde el arcén». También han dejado claro que cumplirán con la gira que tienen pendiente hasta septiembre de este año.

«Tras 25 años de actividad ininterrumpida y de furgonetas que se convirtieron en naves espaciales y de escenarios que han sido nuestro hogar más fiel, hemos decidido que es hora de bajar el telón por un tiempo», cuentan en Instagram. Aclaran que no se trata de un «adiós», sino de un «hasta pronto de largo aliento».

Aunque muchos artistas anuncian un descanso para que dure un suspiro, el grupo catalán quiere «que el silencio que vendrá sea tan honesto como el ruido que hemos compartido». Además, la noticia llega en uno de los momentos de mayor popularidad de la banda, tras el lanzamiento de ‘Ejército de Salvación’ y el sold out para sus dos primeras fechas en las Noches del Botánico. La tercera ya está a la venta.

La gira final de Love of Lesbian, descrita por la banda como la «última travesía», se extenderá por España, Sudamérica y Europa para «concretar ese adiós pendiente con quienes tanto nos han dado a lo largo de los años». «Nos retiramos de los focos sin saber muy bien cuándo volverá a sonar el primer acorde, pero con la certeza de que este viaje de un cuarto de siglo ha valido cada segundo de insomnio», concluyen.

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RFTW: RAYE, Mitski, Gorillaz, BLACKPINK, Guille Galván…

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27 febrero, 2026

Bruno Mars y Gorillaz editan hoy sus esperados nuevos discos. El del primero lo comentamos ya en diagonal en portada y te invitamos a votar tu opinión en la encuesta. También están disponibles desde ya los nuevos trabajos de Mitski, BLACKPINK, mori, Bill Callahan, Em Beihold o Iron & Wine.

Mientras Bruno Mars y Ptazeta presentan sendos boleros, tenemos entre manos importantes lanzamientos de RAYE -que apuesta por una balada- y Angèle con Justice, mientras el pop internacional deja también singles destacables de Ava Max, Melanie Martinez, Artemas, Alex Warren o Gnarls Barkley, que han anunciado el disco que clausurará su carrera discográfica.

Varios artistas presentan singles de trabajos próximos; cabe destacar a Guille Galván, de Vetusta Morla, que introduce su disco en solitario con una canción acústica, o a María José Llergo, que ofrece un trip-hop en su primer single de 2026. El disco de Slayyyter está al caer, y también Niña Polaca y Dora Band -el dúo formado por Pimp Flaco y Kinder Bueno- siguen desgranando sus proyectos venideros.

No dejan de estrenar single tampoco nombres internacionales como José González, Tori Amos, Perfume Genius (que reedita su disco), Angelo De Augustine, Peso Pluma, Namaesanda o Underscores, ni nacionales como Rebe, Samuraï, Sebastián Cortés, Amatria, CURRO, Pantera Blue, Siloé, Nat Simons o Parquesvr.

Llega el enésimo single de Operación Triunfo 2025, esta vez el de su ganadora, Cristina Lora, dedicado a Andalucía, y desde JENESAISPOP os recomendamos las propuestas de 1111, Nectar Woode, ena mori, Hnos Munoz, TV Star y el divertido single de Oreiana apelando a ‘Paquita Salas’.

El rápido crecimiento de West Srk es más que merecido

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27 febrero, 2026

West Srk es puro potencial. La propuesta de Álvaro Suárez es joven, con solamente un EP en el mercado, pero ha formado olas en muy poco tiempo gracias a todas las posibilidades que abarca su música. Si todo va bien, él mismo ha adelantado a JENESAISPOP que antes de verano tendremos un proyecto más largo. No te quedes atrás.

El año pasado salió el EP de ‘MI CRUZ’, el perfecto punto de entrada para nuevos oyentes del artista gallego. El tema titular es un hipnótico festín de texturas sintetizadas sobre las que West Srk deja un importante mensaje: «Sé lo que valgo / Lo que cargo en mi cruz». El resto de tema es la demostración. ‘Si Algo Es Puro Vale El Doble’ tiene el punto etéreo de Sen Senra y la imprevisibilidad de Ralphie Choo, a la vez que una de las letras más definitorias de West («Por los míos saco de donde no hay»).

Este fue su primer gran proyecto, con la producción, mezcla y masterización a cargo del viguense Blò. Un año antes de su lanzamiento, a principios de 2024, West Srk tenía menos de 1000 oyentes mensuales y apenas 500 seguidores en Spotify. Hoy, 90.000 personas escuchan su música cada mes. Su crecimiento es totalmente merecido, y todavía está en los comienzos de su carrera.

Este domingo 1 de marzo se da la oportunidad perfecta para subirse al barco de West Srk antes de tiempo, con su concierto en la Sala El Sol, de la mano de Escenarios Madrid y Vibra Mahou y No Art Factory.

En la víspera del show, West nos cuenta que se encuentra trabajando «en un proyecto nuevo que vea la luz antes de verano» y que será «más largo que ‘MI CRUZ’. Justamente, en este concierto habrá algún adelanto inédito, además de merch exclusivo para los más rápidos.

Un bolero y chachachá, únicas sorpresas en ‘The Romantic’ de Bruno Mars

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27 febrero, 2026

Bruno Mars publica hoy su nuevo disco, el primero en solitario en 10 años, aunque parezca mentira por lo omnipresente que ha estado su música en la cultura popular en este lapso. ‘The Romantic’ venía presentado por ‘I Just Might‘, un single cuestionado por ir demasiado a lo seguro pero que está resistiendo bien en las listas de éxitos. Un mes y medio después de su salida continúa rondando el top 20 Global de Spotify, eso sí, ya por detrás de su dúo con Lady Gaga, excluido de ‘The Romantic’ aunque encaja bastante mejor que en ‘Mayhem’.

Lo mejor que puede decirse de entrada del álbum de Bruno Mars es que hace honor a su nombre, ‘The Romantic’. El disco se abre con un bolero llamado ‘Risk It All’ con el que va a saco: es el tema escogido para abrir hoy la playlist Today’s Top Hits y tiene vídeo con mariachis.

La otra sorpresa de un álbum de 9 canciones es precisamente su influencia latina, que impregna otros dos temas, aunque en otros estilos. ‘Cha Cha Cha’ es un chachachá como indica su título y su estribillo feliz «come on an cha cha cha with me, cha cha cha with you». Una línea parecida a la que presenta la yeyé ‘Something Serious’. ¡Ojalá se hubiera recuperado la versión salsa de ‘Die With a Smile’ de la Super Bowl!

Las 5 canciones restantes son más predecibles, a falta de averiguar cuál será el gran «grower» de este proyecto, cuál terminará en anuncios televisivos, en TikTok, en la imaginería popular. ‘God Was Showing Off’ y ‘On My Soul’ son las típicas canciones de soul que hace Bruno Mars inspirándose en grandes nombres como Marvin Gaye y James Brown, respectivamente. ‘Why You Wanna Fight?’ es su precioso baladón típico.

El álbum se cierra con una balada a la guitarra eléctrica titulada ‘Nothing Left’ y una balada más, tipo 50’s, titulada ‘Dance With Me’. Brillan por su ausencia números explosivos de funk en la onda de ‘Uptown Funk’ o incluso más temas parecidos a ‘I Just Might’. Bruno Mars se ha tomado muy en serio su posición de ‘The Romantic’ y las texturas sedosas, la enorme carga de instrumentos de viento, son lo que van a definir esta era.

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Las 5 canciones clave de Tei Shi, que visita España

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26 febrero, 2026

Conocimos a Tei Shi allá por 2014, en plena efervescencia del pop electrónico independiente que se fusionaba con el R&B, el funk o la música disco. Cualquiera que tuviera discos de Solange, Sky Ferreira, Empress Off, Kindness o Blood Orange -futuro colaborador- entre sus referencias no podía ignorarla, ni en su faceta más bailable (‘Bassically’) ni en la más introspectiva (‘Keep Running’).

Tei Shi, que en realidad se llama Valerie Barbosa y es canadiense-colombiana afincada en Nueva York, ha continuado desarrollando su carrera y en 2025 publicó el álbum ‘Make Believe I Make Believe’, que incluye varios singles destacables. El disco se presentará en España de la mano de Primavera Tours: actuará el 1 de marzo en la sala Clamores de Madrid y el 2 de marzo en LAUT, en Barcelona. Repasamos cinco grandes razones para no perdérsela en directo.

Bassically
El single con el que Tei Shi se dio a conocer en 2014 es una odisea disco-funk que captura la magia hedonista del underground neoyorquino y ha sido revisitada recientemente en la serie ‘Industry’. Poco más necesita el productor Gianluca Buccellati que una línea de bajo sugerente para elevar a Tei Shi al nirvana, mientras la artista expresa un ruego desesperado pero irónico: «Por favor, déjame quedarme, prometo que me portaré bien, ¿eso es lo que quieres, otro juguete?», canta antes de desahogarse en un grito furioso e infinito.

Drop Dead
‘Drop Dead’ saca el lado más desafiante y arrogante de Tei Shi en una canción que sitúa su talento y belleza como un arma letal que fulmina a sus haters. Aquí caben quienes la envidian y los mediocres sin originalidad que la copian, pero todos ellos son como moscas que revolotean a su alrededor. La música de ‘Drop Dead’, acorde con el mensaje de la canción, se apoya en percusiones semiindustriales que evocan una sensación de amenaza y peligro tremendamente seductora.

Keep Running
El desamor es un tema central en la discografía de Tei Shi y, en ‘Keep Running’ da lugar a una de sus mejores baladas, donde ese amor se equipara a un ideal inalcanzable, parecido a un sueño. Valerie parece hablar de un amor que se le sigue escapando mientras el tiempo pasa. «Cada vez que miro por encima del hombro, me hago mayor», expresa la artista, mientras la música la envuelve en una atmósfera sintética, sensual y onírica, muy representativa de su estilo.

Even If It Hurts
Tei Shi dio una vuelta de tuerca más a su sofisticado sonido -a medias entre el pop, el R&B y el indie- en esta tierna colaboración con Blood Orange, que versaba sobre una de las grandes verdades de la existencia: que el «dolor es una consecuencia del amor». Valerie y Dev Hynes ya habían unido fuerzas en ‘Hope’ y salido de gira juntos -se conocieron frecuentando los mismos círculos artísticos de Nueva York-, y aquí firmaban una grabación romántica y exquisita.

Die 4 Ur Love
El desamor explorado por Tei Shi en ‘Die 4 Ur Love’ adopta ya la forma de un tormento absoluto, con la artista «muriendo de amor» y preguntándose «qué sentido tiene la vida» sin esa persona. Pero va más allá, retratando la ruptura como un «apocalipsis». Esta vez, al contrario que en algunas de sus mejores baladas, como ‘Alone in the Universe’, el dolor se transforma en éxtasis disco, situando a Tei Shi sobre una base con tintes también electrónicos, totalmente irresistible.

Leire Martínez / Historias de aquella niña

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