¿Estás en el Khia Asylum si nadie sabe quién eres? Em Beihold ha protagonizado dos grandes hits en streaming en los últimos años, ‘Numb Little Bug’ y ‘Until I Found You’, su dueto con Stephen Sanchez, pero este éxito no se ha traducido en un “hype” real hacia su proyecto, y sus singles posteriores no han repetido el impacto de aquellos. Beihold fue la primera en darse cuenta de que sus streamings no la llevaban a ningún lado. En algún punto pensó que su carrera había terminado.
Esta insatisfacción personal y profesional la llevó a sufrir una severa depresión. La californiana tocó fondo en 2024 y empezó a mejorar gracias a un programa de terapia ambulatoria, donde asistía a terapia grupal tres veces por semana, complementándolo con sesiones privadas y medicación. Hay que recordar que ‘Numb Little Bug’ era una canción sobre el consumo de antidepresivos.
El contraste entre la aparente positividad de su sonido y la oscuridad de sus letras define el estilo de Beihold, aunque el punto de vista en ocasiones resulte genérico. En este disco, llamado ‘Tales of a Failed Shapeshifter’ porque Beihold intentó transformarse para la industria perdiéndose por el camino, la artista sí encuentra el norte, aunque sin dar un verdadero golpe sobre la mesa.
Como el pop pianístico no es exactamente mainstream, Beihold destaca. Da igual que sus melodías recuerden demasiado a la primera Marina Diamandis en ‘Unicorn’ o, sobre todo, ‘Hot Goblin’, porque los arreglos -piano, cuerdas, clavicordio- aportan texturas interesantes y distintivas. Incluso cuando las grabaciones remiten demasiado a la obra de Lily Allen o Melanie Martinez en ‘Shiny Little Things’ o ‘Soup!’, coqueteando con ritmos urbanos, las cuerdas aportan cohesión.
El violonchelo de ‘Brutus’ sobresale especialmente, amenazando con atravesar el campo auditivo como cuando Bruto apuñaló a Julio César. Después, el uso de clavicordios lleva la música hacia lo barroco. Aquí la gracia es que Beihold sufre celos de una estrella de la música más exitosa que ella. “Quiero tu vida”, canta. Los rumores dicen que se refiere a su amiga Chappell Roan.
A pesar del retrato de un estado mental sostenido a duras penas y que amenaza con colapsar en cualquier momento, como exponen las pegadizas ‘Scared of the Dark’ y ‘Van Gogh’, la perspectiva resulta banal en su dramatismo. Digamos que, aunque Beihold cite a Fiona Apple y Regina Spektor como sus principales influencias, sus textos no igualan la riqueza y profundidad de los de ellas, ni hilan igual de fino.
Más bien pueden evocar la tendencia a la hipérbole de Taylor Swift (“estoy a un breakdown de unirme al Cuerpo de Paz”, canta en ‘Exorcism’) o, en el mejor de los casos, caer demasiado en lo amable. Figuras como “podría ser tu sueño o tu peor pesadilla” son más Disney que realmente punzantes o perspicaces, y ‘Lottery’ solo ofrece una descripción superficial de lo que haría Beihold si ganase la lotería.
Una artista que se define a sí misma como un “espécimen bastante pesimista” en ‘Strong Medicine’ puede indagar mucho más profundo o cerrar su disco con una balada mejor que la corriente ‘Won’t Let Go’. Quizá no le pediríamos tanto a un producto pop aparentemente inofensivo si ese producto no coqueteara constantemente con la peor faceta de la salud mental ni tuviera a una artista como Fiona Apple en su punto de mira.
Donde Em Beihold sí cumple es en ofrecer una propuesta relativamente diferenciada que, a pesar de sus evidentes parecidos con las propuestas de Marina, Chappell o Bareilles, exhibe cierta personalidad en composición y arreglos, ofreciendo un puñado de melodías pegadizas y conceptos líricos claros que distinguen las canciones dentro del repertorio. Quizá Beihold necesitaba «fracasar» para encontrar su forma definitiva.
Aldous Harding, la original cantautora neozelandesa que nos enamoró -a nosotros y a Lorde- con canciones como ‘The Barrel’ o ‘Imagining My Man’, ha dado los detalles de ‘Train on the Island’, el disco que presentará el 4 de julio en el VIDA Festival de Vilanova i la Geltrú.
El quinto trabajo de Harding ha sido grabado y coproducido por John Parish (PJ Harvey, Dry Cleaning), colaborador habitual de la artista, en los estudios Rockfield de Monmouth, Gales, donde se registraron todos los discos previos de Harding.
‘One Stop’, el primer adelanto, narra la vez que Harding conoció a John Cale, el icónico miembro de The Velvet Underground que acaba de lanzar single con Charli xcx. “Conocí al verdadero John Cale, me quedé sin palabras, pero no me importa; recogía el escenario mientras él comía su arroz”, recuerda la artista en la melodiosa composición. ‘One Stop’ empieza con arreglos de piano y cuerda próximos al chamber-pop, pero evoluciona hacia una segunda parte dominada por las guitarras.
1. I Ate The Most
2. One Stop
3. Train On The Island
4. Worms
5. Venus In The Zinnia
6. If Lady Does It
7. San Fransisco
8. What Am I Gonna Do?
9. Riding That Symbol
10. Coats
Entre las artistas emergentes que parten de una sensibilidad próxima al flamenco para abrirse a otros universos musicales se encuentra Dulze. La artista gaditana debutó en 2020 y, desde entonces, ha publicado trabajos como el EP ‘Gatea’, con una propuesta cercana a la de Judeline, María José Llergo o el también gaditano CURRO.
‘Maleante’ es una muestra clara de la renovación urbana que ha experimentado lo que en otra época se denominó -de forma algo despectiva- “flamenquito”. También lo es ‘La Gata’, que rompe expectativas para transformarse en un seductor reguetón lento.
Más interesante e inesperado aún resulta que la propuesta de Dulze transite hacia una sensibilidad más cercana al bedroom pop y al indie en temas como ‘Qué fantasía’ u ‘Otros labios’, donde se apoya en guitarras acústicas, baterías pop-rock y toques funky en percusiones y bajos. BENEE puede ser una influencia, de repente.
El hyperpop también se sitúa en el punto de mira de María Lorenzo -nombre real de la artista-, siendo ‘KMK2’ otro de sus temas destacados, esta vez junto a la catalana Sofía Coll.
La de Dulze es, por tanto, una propuesta plenamente contemporánea, que ya ha llamado la atención del circuito Girando Por Salas. Dulze presentará su música en directo en salas de todo el país a partir de este mes de marzo, comenzando por Barcelona.
Jueves, 26 de marzo – BARCELONA – Sala Vol
Sábado, 18 de abril – ALMERÍA – Sala Port of Spain
Viernes, 24 de abril – GUADALAJARA – Espacio Tyce
Viernes, 22 de mayo – GRANADA – RockndRolla Club
Jueves, 28 de mayo – SEVILLA – Sala Even
Sábado, 30 de mayo – CÁDIZ – Soho Alternative Bar
‘Cicatrices’, hoy nuestra Canción del Día, ha sido apuntada en comentarios de webs y redes, como una de las favoritas de sus seguidores. Las razones apuntan a ser 3.
En primer lugar el estribillo y la línea instrumental de sintetizadores es espectacular. En segundo, el tema es un resquicio sónico de lo que encontramos en el debut de Nebulossa, más orientado al synth-pop de los 80. Y finalmente, el tema tiene que ver con todo lo que ha vivido el dúo durante su periplo eurovisivo. Han sufrido críticas, lo han pasado mal, pero «todas estas cicatrices» las abrazamos como en terapia porque al fin y al cabo «hablan de nosotros mismos».
El tema viene acompañado de un sencillo videoclip con Mery haciendo las veces de enfermera. Bien.
Más llamativo que el vídeo es que ya llevemos como una decena de singles y vídeos para este ‘Virtuzorrismo’. Un disco que no he dejado de escuchar desde su salida, pero que no he podido evitar reordenar en una secuencia alternativa en Spotify.
El grupo se empeñó en abrir el álbum con sus 4 canciones inéditas, y a la postre no parece la mejor decisión, sobre todo por la diversidad de estilos. En esta secuencia alternativa -pido disculpas de antemano por el «fansplaining»- seguimos empezando con ‘Vogue’, pero enseguida pasamos a su ristra de mayores hits, que sonaba extraña a mitad del camino en la secuencia original. La retahíla solo podía cerrar o abrir, y al final nos hemos decantado por lo segundo.
Integramos reunidos los temas que recuerdan a su sonido primigenio (‘Cicatrices’ junto a los dos singles previos a ‘Zorra’), dejando para el tramo final «lo demás». No está exento de hits: ‘Supersexy’ y ‘Ya no soy la misma’ están entre sus temas más escuchados, y podría estarlo perfectamente ‘Fantástica’, donde hasta se oye descorchar un champán o un cava como símbolo del buen sabor de boca «unapologetic» que busca el álbum. Habría sido un final apoteósico, aunque en este caso respetamos la voluntad del grupo de cerrar con el mensaje feminista, cuasi baladesco, de ‘Por ti por mí’.
La amplia gira de Nebulossa va de Madrid a Londres, de México a Cullera, de Lituania a Alcalá de Guadaira. Detalles, en su web.
Orden alternativo para ‘Virtuzorrismo’ de Nebulossa
1.-Vogue
2.-Zorra
3.-Cotilleo
4.-Venenosa
5.-Dos lokas
6.-Me ha dado porno
7.-Cicatrices
8.-Me pones a mil
9.-Cuando te veo
10.-Ya no soy la misma
11.-Supersexy
12.-Fantástica
13.-Por ti por mí
Traemos buenas y malas noticias. La buena es que al fin parece saberse algo sobre el nuevo disco de Madonna. La mala es que la fuente es el tabloide británico The Sun, conocido históricamente por su nivel de inventiva y fantasía.
Según el tabloide, entre hoy miércoles 4 de marzo y este viernes, va a grabarse el nuevo vídeo de Madonna, con un enorme presupuesto y decenas de extras. Al parecer, Warner estaría poniendo toda la carne en el asador. The Sun anuncia que el single saldrá «en el próximo par de meses» y el álbum «más adelante, este verano». Una agónica espera tras haberse rumoreado anteriormente que el disco salía en otoño primero, y en invierno después.
¿Qué veracidad hay que dar a estas palabras? The Sun está tan orgulloso de su exclusiva que incluso la reportera Ellie Henman ha dado la cara en internet explicándola. El problema es que The Sun lleva demasiadas noticias inventadas o imprecisas a sus espaldas.
Respecto a Madonna, anunciaron su tour ‘Celebration’ a principios de enero de 2023, dos semanas antes de que se confirmara. En aquel momento revelaron que el show tendría lugar varias noches en el O2 de Londres, en contraste con la gira de teatros anterior. Acertaron tanto que el show empezó ahí. En cambio, fallaron sobre el repertorio. Indicaron que incluiría los temas más populares de Madonna en TikTok (‘Frozen’ y ‘Material Girl’, en aquel momento) y justo ambos hits fueron excluidos del repertorio común a todos los conciertos.
A lo largo de los años, The Sun ha publicado supuestas exclusivas sobre la película de Madonna que no han ido a ningún lado, y también que la cantante había grabado un remix de un viejo hit con Katy Perry poco antes de ser ingresada en el hospital, sobre el que jamás se supo. ¿Patinazo, soplo falso o single descartado? Otra noticia fallida de The Sun fue el compromiso de Madonna con su actual pareja. Ambos terminaron desmintiendo el compromiso en redes con un vídeo en clave de humor.
Lo que sorprende de este nuevo reportaje es su nivel de detalle: se habla de 40 bailarines, de 200 personas involucradas en el vídeo, del colectivo Torso (Charli XCX), y del «videoclip más sexual de Madonna», nada menos. Para que esto sea tan «subido de tono» como prometen, el nuevo vídeo ha de dejar atrás ‘Erotica’, el momento en que Madonna le chupa un pie a Maluma en ‘Medellín’ y sobre todo el censuradísimo clip para ‘Justify My Love’.
También hablan del sonido de un álbum «lleno de hits», afirmando que no es «lo que el público espera de la segunda parte de ‘Confessions on a Dancefloor'». Esto parece una simple deducción de aquella entrevista espiritual en que Madonna reveló que la muerte de su hermano ha inspirado dos temas nuevos, ‘Fragile’ y ‘Forgive Yourself’.
Podemos decir que «cuando el río suena, agua llueva», aunque en este caso haya que cogerlo todo con pinzas. Teniendo en cuenta el histórico de The Sun, lo más probable es que una parte de toda esta información sea correcta, y la otra no.
Permanece al día de rumores y chascarrillos en el foro de Madonna.
MEU DEUS! A editora da coluna Bizarre, Ellie Henman, do The Sun, responsável pela matéria que revelou que Madonna está gravando um videoclipe secreto no Reino Unido, publicou um vídeo com novos detalhes sobre o aguardado comeback da Rainha do Pop. pic.twitter.com/prROe24jGi
Fangoria han estrenado en la madrugada del martes al miércoles el primer single de su nuevo disco de estudio, el primero 10 años después de ‘Canciones para robots románticos‘. Este salía en febrero de 2016. Entre medias, dos malogrados discos de versiones, una trilogía de EP’s que incluyó el tema ‘Momentismo absoluto’, un par de álbumes en directo y sobre todo multitud de conciertos por todo el país.
Alaska confirmaba en Pasapalabra -dónde mejor que en el verdadero programa líder de Antena 3- que el nuevo álbum de Fangoria se llamará ‘La verdad o la imaginación’ y saldrá a finales de abril. El primer adelanto ‘Me voy’ no es una adaptación del reciente reggaeton alternativo homónimo de Miss Caffeina, sino esa canción que dejaron caer al final de un medley en Benidorm Fest.
‘Me voy’ tiene la marca de sus cuatro autores (Olvido Gara, Nacho Canut, Mauro Canut y Fernando Delgado), así como de su co-productor Juan Sueiro. El otro co-productor es Matt Pop, quien ha trabajado en remixes recientes de Erasure o Ace of Base.
Si líricamente ‘Me voy’ es un nuevo canto a la libertad, de autoafirmación, de autoconvencimiento de dejar atrás una relación que no ha salido bien o ya ha dado todo de sí; la música nos sitúa en la vena de electropop normativo de Fangoria. La inspiración de la melodía podría ser ABBA, y la de la producción, Pet Shop Boys. Otra PSB viene a la mente, Paloma San Basilio, aunque solo sea porque esta parecía ya la inspiración melódica de ‘Geometría polisentimental‘.
Fangoria asientan así esa faceta «made in Spain», un tanto folclórica, que siempre estuvo en su ADN y consolidaron especialmente en algún punto intermedio entre ‘El extraño viaje’ y ‘Absolutamente’, intentando sumar un nuevo hit a ese setlist que suelen pasear por festivales y pueblos de España. No parece casualidad que Benidorm fuera precisamente el escenario elegido para estrenar la canción. Sobre los tiempos rupturistas de ‘En mi prisión’, ‘Electricistas’ o incluso ‘Dramas y comedias’… pasapalabra.
El pop de Mina Okabe es un reflejo de su personalidad: elegante, pacífico y dulzón. La artista danesa-japonesa ha crecido entre diferentes culturas, llegando a vivir en Londres, Nueva York, Copenhague, Manila y Tokio, y a la vez ha ido absorbiendo la música de todos estos lugares. Sin embargo, sus propias canciones distan mucho de ser una amalgama aleatoria de influencias.
La joven artista lanzó su debut en 2020 y ahora acaba de publicar su segundo álbum de estudio, titulado ‘Papaya’ por el apodo de su hermana Aya. Este LP era también la primera vez que Mina trabajaba con un productor de renombre, Leroy Clampitt, detrás de temas de Dua Lipa, Justin Bieber o Madison Beer.
Hablamos con Mina Okabe sobre un mundo moldeado por diferentes culturas, sus comienzos en la música, lo malo de grabar en Los Ángeles y reírse de nuestro propio cringe.
No conocía tu música hasta ayer. Me encantan las melodías tan pacíficas y ensoñadoras que propones. Es pop, pero muy refinado. ¿Cuál es la primera canción que le enseñarías a alguien que no te conoce?
Creo que elegiría ‘Maybe One Day’. Es la primera del disco y el primer single que lancé. Creo que es una buena representación de mi música y mi estilo de composición.
Puede que sea una pregunta muy amplia, ¿cómo te definirías como artista?
Simplemente diría que soy honesta. No sé que más decir, porque no puedo describir mi música en términos de géneros. Siempre me ha parecido difícil porque tomo inspiración de muchas cosas diferentes.
Sí, te has criado en muchos lugares y culturas diferentes. ¿Cómo es tu historia con la música?
Nací en Londres y cuando tenía 6 me mudé a Nueva York y viví ahí durante dos años y medio. Después me fui a Dinamarca, viví un año ahí, luego en Filipinas durante cinco años y volví a Dinamarca cuando tenía 15. Entonces, ya me gustaba la música pero ahí fue cuando decidí que tenía que tomármelo más en serio, porque veía a personas de 15 años haciendo conciertos y lanzando canciones.
También tienes una conexión con Japón, ¿no?
Sí, soy mitad japonesa.
O sea, que tienes tu lado europeo, tu lado americano y tu lado japonés. No son solo lugares, sino diferentes formas culturales. ¿Cómo ha moldeado tu forma de ver el mundo esta mezcla de raíces?
Lo primero de todo es que mi sueño desde que empecé siempre ha sido viajar con mi música. Y probablemente también tenga que ver con que me he movido mucho. Siempre he querido explorar más lugares y poder, no sé, conectar con gente de todas partes. Y musicalmente… creo que he estado expuesta a muchísimos tipos de música distintos. En el Reino Unido eran The Cure y Oasis, y mi padre me enseñó a Amy Winehouse. Recuerdo la primera vez que me puso a Amy Winehouse, yo tenía ocho años. También escuchaba J-Pop cuando mi madre lo ponía. Y en Filipinas el pop es muy grande, así que mi primer concierto fue Avril Lavigne cuando tenía diez años. Sí, ha sido un poco de todo.
¿Recuerdas ese momento en el que empiezas a hacer música y descubres qué tipo de música quieres sacar? ¿Sabes a lo que me refiero?
¿Te refieres a cuando decidí cómo quería que sonara mi música?
Sí.
Sabía cómo sonaba mi música solo con guitarra, pero pasar de eso a una canción terminada es todo un proceso. Fue frustrante. Fue un proceso realmente difícil, porque cuando empecé tampoco conocía a nadie en la industria musical. No sabía cómo se suponía que debía hacerse. Y fue complicado encontrar productores que quisieran trabajar conmigo, porque cuando empecé no tenía discográfica ni nadie que pudiera presentarme a alguien. Lo entendí cuando hice la canción ‘I’m Done’, que fue la primera que lancé.
¿Puedes contarme un poco más sobre el proceso creativo del álbum? Solo sé que lleva el nombre de tu hermana.
Conocí a Leroy Clampitt en Londres. Me escribió por Instagram preguntando si nos veíamos y hacíamos una sesión. Me emocionó mucho, porque sabía con qué artistas había trabajado y me gustaban mucho las canciones que había hecho. Además, hasta ese momento no había trabajado con nadie de Los Ángeles. Solo había estado con productores de Dinamarca, así que era algo nuevo para mí. Nos conocimos, conectamos enseguida y tuvimos un día genial. Ese día hicimos ‘Mean Too Much’, que está en el disco. Después fui a Los Ángeles, hice varias sesiones y cuanto más trabajábamos juntos, más me daba cuenta de que quería hacer un álbum entero con él.
¿Qué tal en Los Ángeles? Es muy diferente a todo.
Sí, lo es. Me encanta estar en el estudio allí, pero como ciudad… me resulta confusa. Siempre he ido sola. He explorado un poco y ha sido divertido, pero me gustan las ciudades en las que se puede caminar. En Tokio, aunque tengo amigos allí, también paso tiempo sola; en Londres igual. Me gusta explorar por mi cuenta, y en Los Ángeles no puedes hacerlo de la misma manera. Tienes que conducir a todas partes. Y no quiero conducir en otro país, me da miedo. Quiero, pero me da miedo.
«Me gusta explorar por mi cuenta y en Los Ángeles no puedes hacerlo de la misma manera»
Mis favoritas del disco son ‘Maybe One Day’, ‘Strong’ y ‘Making Plans’. Es de las lentas, pero es muy cálida. Si tuvieras que elegir una que sientas más cercana al corazón, ¿cuál sería?
‘Making Plans’ es honesta de una manera diferente a todo lo que había escrito antes. La escribí muy rápido, salió muy fácil. La mayoría de canciones las hicimos en Los Ángeles. Leroy vino a Copenhague al final para terminar el álbum, pero casi todo lo hicimos en LA. Cuando estaba en casa escribía muchas canciones y se las enviaba. Esta fue una de las que ambos sentimos que tenía que estar. Creo que el lugar inspira nuevas ideas. Recuerdo escribir ‘Maybe One Day’ mirando las palmeras, sentada al sol. Eso inspiró la portada y el sonido, porque tiene algo veraniego. En cambio, las canciones tristes las escribí en Copenhague.
Sacaste tu primer álbum en 2021, y este cuatro años después. ¿Has sentido presión?
Sinceramente, no. Me encanta escribir canciones. Aunque la gente me diga: «Necesitas hacer este tipo de canción para la radio» o «Necesitamos algo que suene así». Me dicen muchas cosas, pero esa no es mi mentalidad cuando escribo. Siempre hago lo que se siente correcto para mí. No tendría sentido hacer música para complacer a un montón de personas. Necesito amar lo que hago y luego esperar que la gente conecte. Sí siento presión en otros sentidos.
¿En cuáles?
En las expectativas. Intento que no afecten mi proceso creativo, pero claro que lo piensas y son un factor de estrés.
Mucha gente dirá que cuatro años es demasiado tiempo. La industria ha cambiado mucho desde 2021.
Sí, sobre todo por redes sociales. Estoy agradecida, porque Instagram y TikTok han ayudado mucho a que mis canciones se escuchen, pero no me gusta que se haya convertido en un trabajo extra. A veces te piden hacer cosas que no son auténticas para ti. Mi equipo sabe que soy muy testaruda. Me han dicho que lo soy demasiado, pero lo asumo.
¿Publicas mucho?
No demasiado, solo cuando me apetece. Soy bastante privada, pero me gusta usarlo de forma creativa: compartir visuales, editar mis propios vídeos… Una vez me dijeron que comiera caramelos japoneses sonriendo a cámara mientras sonaba mi canción de fondo. Y dije que no.
Muchos artistas dicen que es casi obligatorio.
Puede que lo sea, pero puedes hacerlo a tu manera. Si empiezo a hacer cosas que no se sienten auténticas, me perderé a mí misma. Y me ha costado mucho descubrir quién soy.
¿Cómo sería tu carrera perfecta?
Hacer álbumes para siempre. Que la música sea mi único trabajo. Tocar en salas cada vez más grandes, viajar por el mundo y que mis canciones lleguen a mucha gente.
«Muchas veces todo es peor en tu cabeza. Si alguien piensa que es cringe, da igual»
¿Piensas en eso cuando escribes? En si querrás cantar esa canción con 50 años.
No. Antes pensaba: «¿Y si dentro de dos años me parece cringe?». Ahora creo que mientras me guste en este momento, está bien. Si en cinco años me parece cringe, también está bien.
¿Qué opinas de la cultura del cringe?
Siempre ha existido, solo que antes se usaba otra palabra. Todos tenemos partes cringe. Hay que reírse de ello y no dejar que te frene. Cuando publiqué mis primeras canciones en Facebook estaba temblando. Tardé tres años en atreverme. Al día siguiente, fui al colegio y todo el mundo fue muy amable. Muchas veces todo es peor en tu cabeza. Si alguien piensa que es cringe, da igual. Todo el mundo tiene cosas así. Es un momento pequeño en tu vida. Lo superas. Y al final estarás orgullosa de haberlo hecho.
Martin Urrutia tiene listo su debut discográfico, un disco llamado ‘La Insolación’ que podrá escucharse a partir del 10 de abril. Según el tracklist disponible en Apple Music, el disco incluye los tres adelantos publicados hasta ahora: ‘Nuevos Recuerdos‘ -un rompecabezas sublime- abrirá el largo, el precioso ‘Otro verano‘ le seguirá en la pista 2, y ‘Nadadora‘, la versión de Family, será el penúltimo corte.
‘El Destello‘ con Juanjo Bona -un single de 2024-, queda fuera de este trabajo producido íntegramente por Hidrogenesse, quienes ya habían trabajado con una concursante de Operación Triunfo, Amaia Romero, en el disco de Stella Maris.
El título de ‘La Insolación’ está inspirado en la obra de la escritora Carmen Laforet, que publicó una novela homónima en 1963.
‘La Insolación’ incluirá temas con títulos interesantes como ‘Me han dado un bolígrafo’ o ‘1.000 estorninos’. Así queda el repertorio completo:
1.- Nuevos Recuerdos
2.- Otro verano
3.- Déjalo ir
4.- Me han dado un bolígrafo
5.- 1.000 estorninos
6.- Jéremie
7.- La Insolación
8.- Piscina vacía
9.- Nadadora
10-. Estoy listo
Urrutia, en una entrevista con JENESAISPOP, elogiaba el trabajo de Hidrogenesse, destacando su particular sonido: «Hay una conexión ahí. Me decían que mi voz les parecía muy particular, que querían trabajarla más. Claro, su sonido es súper especial, súper diferenciador. Ellos es verdad que son mucho de producción, de los sintetizadores analógicos que tienen en su casa, con los que hacen ellos el sonido desde cero con las ruletitas… y se nota en las demos que me pasan, en el sonido, que es especial. Es una experiencia».
El rapero británico Ghetts, muy conocido en Reino Unido por éxitos como ‘Double Standards’ y por sus colaboraciones con artistas como Ed Sheeran, Stormzy o Emeli Sandé, ha sido condenado a 12 años de prisión por matar a un estudiante y darse a la fuga tras una colisión en el este de Londres.
Yubin Tamang, estudiante universitario de 20 años, procedente de Nepal, murió en el hospital dos días después de ser atropellado por el vehículo que conducía Clarke-Samuel en la noche del 18 de octubre de 2025. El artista se ha declarado culpable de la muerte del joven por conducción temeraria.
Ghetts, conocido también por su papel en la serie de Netflix ‘Supacell’, conducía a más de 96 km/h en una zona limitada a 48 km/h cuando su BMW M5 atropelló a Tamang mientras cruzaba la calle, tras lo cual huyó del lugar del accidente. Según la información oficial, Clarke-Samuel había consumido alcohol por la tarde y superaba el límite legal permitido.
Ghetts ha colaborado con otros artistas como Sampha o Skepta, y su último disco, ‘On Purpose, with Purpose’, estuvo nominado al prestigioso Mercury Prize, compitiendo contra artistas como Beth Gibbons, The Last Dinner Party, CMAT, Corinne Bailey Rae o los ganadores English Teacher.
Ghetts publicó su primer mixtape en 2005, ‘2000 & Life’, considerado pionero dentro del grime británico. Clarke-Samuel lanzaba su primer proyecto musical tras salir de prisión, a los 19 años, por una serie de delitos menores.
La pop star belga más internacional vuelve. Pero Angèle no ofrece más de lo mismo en ‘What You Want’, sino que propone una esperada y refrescante evolución de su sonido, cogida de la mano -bien fuerte- de Justice, productores de la canción.
Y se nota. Digamos que ‘What You Want’ no parece tanto una colaboración de Angèle con Justice, sino de Justice con Angèle. La densa, oscura y reptante producción musical no habría desentonado en el universo de ‘Hyperdrama’ (2024), el último álbum de Justice, dada su faceta semigótica, hasta el punto de que Angèle parece la artista invitada dentro de su propia canción.
Aun así, ‘What You Want’ es una de las propuestas musicales más interesantes de lo que llevamos de 2026. La base es potente, Angèle suena etérea y, al fin y al cabo, el pop internacional ya casi no se atreve con este riesgo creativo. ¿No era esto lo que esperábamos de ‘Radical Optimism‘, y no 10 homenajes a All Saints? El featuring anterior de Justice, en ‘Wake Me Up’ (2025) de The Weeknd, estaba realmente bien, pero no ofrecía este nivel de contundencia.
Angèle y Justice se conocieron después de que la artista los saludara en su camerino tras un concierto. Hablaron de sus carreras y de sus visiones creativas, y Angèle les propuso que la visitaran en el estudio. Angèle tenía ‘What You Want’ escrita, pero no estaba satisfecha con la maqueta y les propuso a Gaspard y y Xavier que le dieran una vuelta. Cuando Justice le envió su parte, consiguieron aportar la “tensión y experticia electro-club” que le faltaba.
Esa tensión atraviesa toda la canción y es de índole sexual, ya que ‘What You Want’ explora el deseo, con Angèle cantando sobre “cambios de roles”, besos en la ducha y exigiendo atención: «Me gusta cuando hablas, pero cállate cuando te toco».
WARM UP Estrella de Levante completa las confirmaciones para su edición de 2026. Entre ellas se encuentran nombres destacados como Bloc Party, Lori Meyers y Midnight Generation.
A ellos se unen también Ojete Calor, Akriila, Flash Stereo Club, Blackpanda, Hadren, Meritxell de Soto, Panasoma, Rem Djs y Patata on Stereo.
El cartel de WARM UP Estrella de Levante contaba ya con nombres anunciados previamente como lo de The Kooks, Fatboy Slim, Guitarricadelafuente, rusowsky o Ginebras.
El festival se celebrará los días 1 y 2 de mayo en el recinto de La Fica, en Murcia, siendo uno de los primeros festivales de la temporada.
La organización, por otro lado, ha dado a conocer la distribución del cartel por días y ha anunciado que este miércoles 4 de marzo, a las 10 horas, saldrá a la venta un cupo limitado de entradas de día. Los abonos generales ya están disponibles desde 74,99 euros en la web oficial del festival.
Erigida en icono por la generación Z, sobre todo a través de TikTok, Mitski acaba de publicar un disco sobre gatos. Veis gatos en la portada, hay un tema llamado ‘Cats’, otro llamado ‘That White Cat’, la disciplina de los dos gatos que adoptó en pandemia inspiran el corte llamado ‘Rules’ y, ya para desternillarse, Mitski ha escrito un artículo para Rolling Stone sobre gatos. En concreto, ha construido un top 5 de los gatos más importantes de la historia de la cultura popular. Lo mismo le ha dado el amor por los gatos de Mahoma que la serie adolescente sobre la bruja ‘Sabrina’.
Los gatos pueden simbolizar la cultura del meme o el interés por los derechos de los animales. Aunque puede que esto no sea un disco sobre gatos. Detrás de cada referencia parece esconderse algún tipo de metáfora sobre el mundo.
El verdadero concepto de ‘Nothing’s About to Happen to Me’ es el de una mujer solitaria en una casa descuidada que solo se siente libre cuando está en su hogar. Fuera, esa entrañable «loca de los gatos» es una inadaptada. El ejemplo más visible es el de la bossa de ‘I’ll Change for You‘, una grabación con sonido ambiente, situada en un bar, empapada de alcohol, con la que Mitsuki Miyawaki ha querido construir un himno para los patéticos. Y mirad, está muy bien conseguido: «Haré cualquier cosa para que me quieras de nuevo / si no te gusto ya, cambiaré».
Es uno de los momentos calmados de un disco que alterna casi religiosamente una pista de tintes folk con otra más rockera. Las más tranquilas tienen una inspiración claramente country, como ‘In a Lake’, que abre el largo buscando refugio lejos del mundanal ruido, pero subrayando también lo duro y abrasivo que puede ser vivir en comunidades pequeñas. También busca su lugar, con sonoridades parecidas, ‘Instead of Here’. La americana nutre igualmente ‘Charon’s Obol’ apelando a la mitología, de la misma manera que el álbum se inspira en el documental ‘Grey Gardens’ o el single principal ‘Where’s My Phone?’ en ‘Siempre hemos vivido en el castillo’, el libro de Shirley Jackson.
La pregunta de qué es el hogar -con gatos o sin ellos- sobrevuela, por tanto, todo el álbum, a veces sobrecogiendo, y a veces extrañando. ‘That White Cat’ suena tan enfadada porque «ese gato blanco» está marcando -o sea, meando- la casa de la pobre Mitski. Es más fácil empatizar con la historia de ‘Cats’ cuando simboliza la dependencia del apoyo ajeno. Mitski duerme con sus gatos, porque confiesa que «todavía está enamorada» de alguien que está «escogiendo marcharse».
No siempre especialmente inspirado, ‘Nothing’s About to Happen to Me’ se suele poner más interesante en sus momentos más guitarreros, que tienden al grunge. ‘Where’s My Phone’ no va de una influencer buscando su móvil -aunque también funciona desde ese prisma «patético»- sino sobre el nivel de ansiedad y dependencia que podemos llegar a alcanzar respecto a la tecnología. Parece que ya la buscamos solo porque somos incapaces de aguantarnos a nosotros mismos. En las entrevistas, Mitski está comparando la obsesión con los dispositivos con la dependencia de las drogas, como muchos sociólogos.
También es enriquecedora la fúnebre ‘Dead Women’, una reflexión feminista sobre la función de la mujer en la sociedad, escrita desde el enfado de que muchas mujeres ni siquiera se consideren humanas. Incluso cuando las admiramos. La letra habla de puñales y bálsamos y reflexiones sobre la vida y la muerte («¿te gustaría más si me hubiera muerto») y retrata supuestos elogios que nada aportan a las mujeres en vida («dio su vida para que pudiéramos tenerla en nuestros sueños»).
El álbum culmina con el poético texto de ‘Lightning’, en el que Mitski se pregunta si, una vez muerta, «volverá como lluvia, volverá al mundo de nuevo, a caer otra vez». Y es que no, esto no era un álbum sobre gatos finalmente, sino uno que cuestiona quiénes somos, quiénes queremos ser, y qué se espera de nosotros, especialmente si eres mujer. Lo vemos muy bien en ‘Rules’, que trasciende la enumeración de reglas esclavas: «me vestiré como tu mejor idea», «ya no soy el nada de nadie», «estaré sola una temporada», «me cortaré el pelo y seré otra persona».
El remix de ‘Stateside’ de PinkPantheress con Zara Larsson se ha convertido en uno de los mayores éxitos del momento. Ahora, el tema asciende al número 1 global de Spotify, desbancando a ‘DTMF’ de Bad Bunny, tras haber escalado al número 2 en los últimos días.
‘Stateside’ es tan solo el cuarto dueto femenino que alcanza el número 1 global de Spotify. Antes lo lograron ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion (2020), ‘Rain on Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande (2020) y ‘TQG’ de Shakira y Karol G (2023).
El remix de ‘Stateside’, publicado en la reedición del disco de PinkPantheress, ‘Fancy Some More?‘, se conoce desde octubre de 2025, pero el estreno de su colorido videoclip lo ha impulsado en las listas. La versión original de ‘Stateside’ se publicó en abril del año pasado.
Ambas son obviamente diferentes. Mientras la versión original de ‘Stateside’ apostaba por un sonido big beat y UK garage, el remix con Zara Larsson transforma la canción en una producción electro-disco que evoca la época bloghouse de los dosmil.
El número 1 de ‘Stateside’ revitaliza un top 10 global reacio a la novedad, como demuestra la actual popularidad de canciones relativamente antiguas como ‘The Fate of Ophelia’ de Taylor Swift, ‘End of Beginning’ de Djo, ‘Man I Need’ de Olivia Dean o todo Bad Bunny. La única novedad real dentro del top 10 global de Spotify es el bolero de Bruno Mars, aparte de ‘Stateside’.
En cuanto a las listas oficiales, ‘Stateside’ es top 3 en Reino Unido y top 13 en Estados Unidos, aunque el primer país no acredita a Larsson, sino el tema original, de manera extraña, y el segundo sí lo hace. El tema ha entrado en listas de multitud de otros países, pero no en España.
En la misma semana en que Pitchfork reivindica la carrera musical de Justin Timberlake, puntuando su debut ‘Justified’ con un 8 sobre 10, Rolling Stone informa de una situación delicada para el artista. Timberlake está intentando frenar la publicación del vídeo que documenta su arresto en 2024 por no detener el vehículo mientras conducía ebrio.
El vídeo ha sido solicitado a través de la Ley de Libertad de Información (Freedom of Information Act, FOIA) por varios medios de comunicación, entre ellos ABC News, según consta en una petición de emergencia presentada para bloquear su difusión, informa Rolling Stone.
El abogado del cantante presentó el 2 de marzo un recurso en el que sostiene que el vídeo lo muestra en “un estado de extrema vulnerabilidad» durante su encuentro con la policía, incluyendo «detalles íntimos de su apariencia física, comportamiento, habla y conducta”, y añade que las imágenes también lo muestran durante las horas posteriores a su detención.
De acuerdo con los documentos judiciales, el equipo legal de Timberlake argumenta que la publicación del vídeo podría “dañar severamente su reputación”, vulnerar su derecho a la privacidad y exponerlo al “acoso público”. Además, defiende que su difusión no sirve a ningún “interés público legítimo en la comprensión del funcionamiento del gobierno”.
La detención de Timberlake dejó una frase icónica para la posteridad, «esto va a arruinar la gira», supuestamente pronunciada por el artista durante su detención, a un agente que no le reconocía. Timberlake se declaró culpable de los cargos y pidió disculpas en la prensa.
Una de las grandes apuestas de Mushroom Pillow para 2026 es Amante Laffón, banda sevillana que acaba de publicar, a través del reconocido sello independiente, su segundo álbum ‘Esta noche es nuestra’. El guitar-pop y el post-punk melódico de los 80 y 90 inspira su sonido, mientras las letras en español vinculan su propuesta con la de grupos afines como Alcalá Norte, Biznaga o Depresión Sonora, explorando la alienación emocional, la nostalgia o la incertidumbre por el futuro.
Ni los textos atormentados de ‘Lorazepam’, ‘No veo una salida’ (con ese estribillo «no soporto ver tu cara en el IG») o ese ‘No es el momento’ que habla de trabajos precarios, confusión emocional y complejos impiden que resplandezcan las melódicas guitarras de Amante Laffón, que trasladan influencias bien saboreadas de R.E.M., The Cure o los Smiths a una sensibilidad contemporánea.
Amante Laffón, que recibe su nombre de un escritor sevillano del siglo XIX, se forma en 2020 tras la disolución de Depitillos. El grupo, compuesto por Carlos Calderón (voz y guitarra), sus primeros Kiko (bajo y coros) y Dani Calderón (batería y coros), y Daniel Tamajón (guitarra), lanza su primer disco en 2022, un ‘Reflexiones breves sobre asuntos largos’ que incluye ya uno de su temas destacados, ‘Sigue, calla, traga, gana’, en una onda de post-punk uptempo.
Citan entre sus influencias también a Fontaines D.C., y todas sus referencias cristalizan en temas como ‘Madriz’, que puede ser su gran baza, hablando de recuerdos y propósitos no cumplidos, mientras ‘Tenerife’ desplaza el mapa hacia el terreno de un soft-rock no tan explorado el indie nacional actual. El sonido de Amante Laffón es accesible en lo musical y en lo emocional.
Podrás comprobar en directo la promesa de Amante Laffón esta semana, ya que ‘La noche es nuestra’ se presenta en la sala B de Madrid este viernes 6 de marzo a las 20:00 de la mano de Vibra Mahou, como parte de su ciclo Escenarios Madrid. Las entradas están disponibles a un precio de 12 euros + gastos de gestión.
Da igual que Marcos Terrones cambie de nombre artístico, porque su inconfundible sello no se ha ido de las canciones. marquitos, anteriormente conocido como ODDLIQUOR, lanzará este 20 de marzo el primer disco de su nueva era y los adelantos indican una faceta mucho más personal del artista. ¿Qué hay más personal que el amor verdadero?
‘AURAAA’ es una de las composiciones de marquitos que más recuerdan a las que hacía como ODDLIQUOR, seguramente por el loop de sintetizadores que recorre todo el tema. Los potentes bajos y ese fraseo tan original también son marca de la casa. Sin embargo, que el tema funcione tan bien se debe mucho a la melodía en frases como «No quiero enamorar a mil mujeres / Solo quiero enamorar mil veces a la que me enamoró a mí».
Esta es una canción de amor sin rodeos, con marquitos dedicando todo el tema a su «alma gemela», su , a quien también describe como «el doble de todo lo que en la vida rezando a Dios le pedí». Incluso cuando Marcos está hablando de sí mismo, está hablando de ella: «Desprendo un aura que ni yo mismo la entiendo y es demasiao’ pa ti / Porque ella siempre va conmigo donde vaya aunque tú no la veas aquí».
Al final de la canción, marquitos mete un simpático audio del que parece ser J Balvin. Este invitó a marquitos a su casa de Medellín para trabajar como compositor y productor en su último disco, en concreto en la canción ‘Rio’: «¿Cómo le va a meter así de nítido mi niño? Sacando música con fines educativos, otro level papi», suelta el colombiano al final del tema.
Kesha se ha unido al club de Radiohead y Sabrina Carpenter, entre otros, y ha criticado el uso de su canción ‘Blow’ en un vídeo de la Casa Blanca en el que aparece un misil destruyendo un barco enemigo. Sin embargo, esta ha ido un pasito más allá, describiendo a Trump como un «depredador criminal» que aparece «un millón de veces en los archivos de Epstein».
En su comunicado, Kesha ha aclarado que no aprueba el uso de su música «para promover la violencia de cualquier tipo» y ha hecho un llamamiento a no distraerse del hecho de que «el depredador criminal de Donald Trump aparece como un millón de veces en los archivos». Steven Cheung, jefe de comunicación de la Casa Blanca, ha respondido personalmente a la cantante con su cuenta de X.
«Todos estos cantantes siguen picando. Esto simplemente nos da más atención y visualizaciones a los vídeos porque la gente quiere ver de qué se están quejando. Gracias por tu atención con este asunto», posteó Cheung. Habría que ver hasta que punto es favorable repostear unas declaraciones que se refieren al presidente del país como «depredador criminal».
Kesha, rematando el asunto, le dedicó un último mensaje a la Casa Blanca: «Dejad de utilizar mi música, pervertidos». Los últimos en denunciar el uso no autorizado de su música en asuntos del gobierno estadounidense fueron Radiohead, que mandaron «a la mierda» a ICE después de que usasen ‘Let Down’ en un vídeo propagandístico.
All these “singers” keep falling for this. This just gives us more attention and more view counts to our videos because people want to see what they’re bitching about.
Julio Iglesias ha presentado una demanda contra elDiario.es a raíz de su investigación por las agresiones sexuales del cantante a dos mujeres que trabajaron con él y que le denunciaron ante la Fiscalía de la Audiencia Nacional. Así lo ha difundido el abogado de Iglesias a través de Okdiario. El documento cita delitos de injurias y calumnas, pero también contiene acusaciones falsas.
«El medio reconoce haber fabricado la denuncia que luego difunde con grave desprecio hacia la verdad», cuenta Okdiario. Sin embargo, elDiario.es asegura que nunca ha reconocido «haber «fabricado» la denuncia presentada por las dos extrabajadoras» del cantante. El medio aclara que esta denuncia fue archivada en su momento porque los fiscales consideraron que no había jurisdicción para juzgar hechos ocurridos en el extranjero, y no porque se creyera falsa.
Desde entonces, esto ha provocado un debate jurídico en el que algunas opiniones apuntan a que España si sería competente para investigar los hechos. Las abogadas de las extrabajadoras, por otro lado, piensan continuar con su batalla legal. Esta denuncia, interpuesta el pasado 5 de enero, relataba los hechos sucedidos en 2021, citando delitos de «trata de seres humanos», «acoso sexual», «agresión sexual» e «imposición de condiciones laborales abusivas».
Mientras tanto, Julio Iglesias asegura querer presentar una querella después de la demanda ya interpuesta. Esta ha sido presentada contra el director de elDiario.es, Ignacio Escolar, y las periodistas que han firmado algunas de las informaciones publicadas, entre otros. Okdiario acusa a elDiario.es de «elaborar un montaje periodístico que supuso una grave lesión a los derechos fundamentales de Julio Iglesias». ElDiario. es desmiente que se trate de un «montaje» y detalla todo el proceso detrás de la investigación en su web.
17 años después de su muerte, los supuestos abusos de Michael Jackson a menores vuelven a ser noticia después de que cuatro hermanos hayan presentado una demanda federal contra el patrimonio del artista. Edward, Dominic, Marie Porte y Aldo Cascio aseguran que el cantante lo habría drogado, violado y agredido sexualmente durante más de 10 años.
El biopic de ‘Michael’ está a la vuelta de la esquina, con su lanzamiento planeado para el próximo abril, pero el proceso creativo de ‘Thriller’ no es la única parte del pasado de Jackson que está de actualidad. En el documento presentado en la corte federal de Los Ángeles, los demandantes describen al artista como «un depredador sexual infantil en serie» que habría mantenido sus abusos durante una década, empezando cuando ellos tenían seis y ocho años.
El relato de la familia Cascio es similar a lo descrito por otras supuestas víctimas, afirmando que el artista habría utilizado su influencia para ganarse su confianza, aislándolos de su entorno familiar y facilitándoles alcohol y sustancias para someterlos a los presuntos abusos. Es por ello que reclaman una indemnización de 200 millones de dólares por los daños físicos y psicológicos.
Estos detallan varios episodios de supuestas agresiones que habrían tenido lugar en diferentes lugares, desde Neverland hasta residencias de otras personas asociadas con Jackson. Son mencionadas la casa de Elizabeth Taylor en Suiza y la de Elton John en Reino Unido, por ejemplo. El patrimonio de Jackson, liderado por Martin Singer, describe la demanda como una «maniobra desesperada».
La familia Cascio ya alcanzó un acuerdo en 2020 con el equipo de representación de Michael, a raíz del documental ‘Leaving Neverland’. Por aquel entonces, el trato consistió en una compensación económica a cambio de evitar el juicio, pero ahora los demandantes lo tachan de «ilegal» y sostienen que la finalidad era comprar sus silencio.
Los padres de los cuatro hermanos entablaron una amistad con Michael Jackson en los años 80 y fue entonces cuando estos empezaron a viajar con el cantante y a ser invitados a su propiedad. Era tan cercana su relación que cuando surgieron las primeras acusaciones de pedofilia, varios de ellos lo defendieron públicamente.
Martin recupera el número 1 de JENESAISPOP con ‘Otro verano’, relegando al 2º lugar a Rosalía con ‘Reliquia’ tras obtener el 47% de los votos en las Stories de Instagram. Charli XCX entra directa al número 3 con ‘Dying for You’, una de las canciones de la muy recomendable banda sonora de ‘Cumbres Borrascosas’; mientras Lana del Rey lo hace en el número 5 y Maria Arnal en el puesto 6. También llega al top 10 ‘T AMARÉ’, la canción que NO nos representará en Eurovisión tras ganar Benidorm Fest.
Como ya te hemos contado, Omar Courtz es el protagonista total de las listas españolas de la semana al ser top 1 de Álbumes con ‘Por si mañana no estoy’ y colocar las 18 pistas del álbum en el top 100 de singles.
Pero hay más novedades interesantes: por ejemplo Leire Martínez llega al puesto 3 directamente con ‘Historias de aquella niña‘. No ha logrado repetir los números 1 habituales de La Oreja de Van Gogh, pero certifica cierta fidelidad del público al ser capaz de desplazar ‘LUX’ de Rosalía del puesto 2 al puesto 4. Bad Bunny permanece en el 2º lugar.
Otras entradas en torno al top 20-25 son las de Ruslana con ‘Catarsis’ en el puesto 18 y Hilary Duff con ‘Luck… or Something‘ en el puesto 26. El álbum de Hilary Duff ha sido top 1 en Australia, top 5 en Reino Unido y top 11 en Holanda. En Estados Unidos se espera un número 3.
Otra entrada internacional, aunque más modesta, es la de Mumford & Sons con ‘Prizefighter’ en el número 55. En Reino Unido ha logrado el número 1, así como en Bélgica o Austria. En EE UU se espera un top 9. La posición española no es la peor: en Francia el álbum queda en el número 137.
Justin Quiles y Lenny Tavárez aparecen en el número 40 con ‘Superarte’. Despistaos llegan al número 69 con ‘Un millón de madrugadas’ y Baby Keem al número 95 con ‘Casino’. Se espera que el álbum de Baby Keem sea top 5 en EE UU.
Este viernes sale el nuevo disco de Harry Styles. Sorprende que solo conozcamos un single de ‘KISS ALL THE TIME. DISCO, OCCASIONALLY’ porque ‘Aperture‘ no se ha mantenido con tanta solidez en las listas como ‘As It Was’.
Eso sí, tras su glorioso paso por los Brits, que ha inundado la red de memes, el tema sube del puesto 178 al puesto 116 en el Global Diario de Spotify. Lista en la que fue número 1 durante un día, ahora hace algo más de un mes.
Hoy se anuncia una promo que va a ser determinante. Netflix estrenará ‘Harry Styles: Una noche en Mánchester’, la primera actuación en vivo del cuarto álbum de estudio de Harry Styles. El especial se graba este mismo día 6 de marzo y estará disponible desde el domingo 8 de marzo a las 20.00 horas. Por tanto, el domingo se podrá ver el show íntegro que el cantante británico dará el 6 de marzo en el Co-op Live de Manchester.
Las listas de Promusicae de esta semana están protagonizadas por Omar Courtz. El cantante es el nuevo número 1 de Discos con ‘Por si mañana no estoy’. Pero esta entrada directa es lo de menos si observamos la lista de singles, en la que nos concentramos en este artículo.
El portorriqueño no ha logrado desplazar a Quevedo del número 1 en sencillos con ‘Ni borracho‘. Queda en el puesto 2 ‘Forever tu gantel’, su colaboración con Ñengo Flow, pero es que después mete la totalidad del álbum en el top 100 de singles oficial. Son hasta 18 canciones incluyendo el resurgimiento de su colaboración con Bad Gyal.
Las 18 canciones de lo nuevo de Omar Courtz en el top 100 español:
2 (E) Forever tu gantel, ft Ñengo Flow
6 (E) Wo oh oh, ft Roa
10 (E) Suelta gatita suelta, ft Dei V, Clarent
15 (E) What U Need, ft Myke Towers
16 (E) Si estás con alguien
21 (E) Por si mañana no estoy
28 (VE) El mundo se va a acabar, ft Karbeats
29 (82) Comernos, ft Bad Gyal
33 (E) Koko
43 (E) L A K E N O S H I
46 (E) Sirena
47 (E) Vamoacochi
54 (E) Moonlight, ft Eladio Carrión
63 (E) Outro
64 (E) Susu
70 (E) Sky
72 (E) Gantel y Bellakz, ft Bassyy
77 (E) Dulces sueñozzz, ft Rubí
Evidentemente, estas 18 pistas más la colaboración para el disco de Bad Bunny (‘Veldá’ sigue en el top 38), no dejan lugar a muchas novedades más. Sin embargo, Tainy, Rauw Alejandro y Jhayco entran al puesto 25 con ‘Rosita’. Y finalmente el remix de ‘Falsas promesas’ de Midnvght, Rosa, Mora, Eladio Carrión y compañía, entra en el puesto 87.
«La amiga soy yo» es la célebre frase de Noemí Argüelles que se ha instalado en el vocabulario popular, incluso más que muchas de las pronunciadas por la propia ‘Paquita Salas’. El personaje interpretado por Yolanda Ramos hizo historia con una revelación inesperada y ahora inspira una nueva canción que debería estar en tu radar, una de las novedades de la semana.
Oreiana se dio a conocer hace un par de años con el hyperpop de ‘Bbsita’, pero cambia los teclados por las guitarras en ‘La amiga soy yo’, un tema en el que desafía la supuesta crisis de los 30 y la noción de que a esa edad se es adulto por defecto.
La frase de Argüelles le sirve a Oreiana para confesar que ella es la amiga que ha cumplido 30 y tiene la vida hecha un cirio: no tiene ni casa, ni trabajo, ni pareja, ni un duro, pero sí una adicción al tabaco, una propuesta musical y un diploma en «sudarle el coño». En ‘La amiga soy yo’, ni las toneladas de distorsión vocal impiden que traspase la divertida energía de la canción.
Oreiana es el proyecto de Susana Alonso Vázquez, que cuenta con formación como técnica de sonido y publica música a través de El Genio Equivocado. Su primer disco, ‘Deseo concedido’, se lanzó en 2024 y en 2025 la artista entrega en ‘Lesbian Garros’ su himno lésbico.
Frente a rimas más cuestionables que parecen salidas de otro siglo como «dicen que es un poco grosera, su madre dice que es la repera», ‘La amiga soy yo’ desborda descaro y funciona como celebración de «la identidad en proceso, la disidencia frente a la norma y la libertad de no encajar».
Oreiana presentará ‘La amiga soy yo’ en vivo el próximo 21 de marzo en la Sala Salamandra de L’Hospitalet de Llobregat, junto a Ladilla Rusa y FUTURACHICAPOP.
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