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4 mujeres publicaron los vinilos más vendidos de 2025 en España

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Promusicae ha publicado sus informes anuales sobre lo más vendido y lo más escuchado en España durante 2025. En los próximos días desgranaremos los datos proporcionados.

De momento nos quedamos con un dato muy llamativo: frente al machismo imperante en las playlists de Spotify España, cuando no se trata de streaming, sino de vender vinilos, las mujeres mandan.

Promusicae destaca varios datos: en la lista de vinilos más vendidos en 2025 el 35% son mujeres, muy por encima de lo que sucede en el mundo streaming. Además, de los 19 artistas internacionales que logran llegar al top 100 en esta lista, 13 son mujeres.

También hay que destacar que los 4 vinilos más vendidos del país durante 2025 los han hecho mujeres. Rosalía es el top 1, obviamente, con ‘LUX’. Lo nuevo de Taylor Swift queda en el 2. Pero la sorpresa es que Aitana aparece en el puesto 3 y Amaia en el puesto 4 por encima de, por ejemplo, el nuevo de Viva Suecia, que es verdad que salió en el último trimestre del año. Ayuda, eso sí, que Bad Bunny no haya publicado vinilo de ‘Debí tirar más fotos’. En el top 5 encontramos a Extremoduro, reforzados tras la muerte de Robe, pero ojo, con 85 semanas de permanencia en esta lista con ‘La ley innata’. Es decir, venía de antes.

Hablando de Extremoduro, hay que destacar el gran número de vinilos antiguos que aparecen en la lista. Carolina Durante y Arde Bogotá están en el top 10 con álbumes de años anteriores, y Billie Eilish casi consigue colarse también (quedó en el top 14). Sin ir más lejos, Los Planetas están en el top 17 de vinilos en la lista anual con ‘Una semana en el motor de un autobús’. Han vendido más de la reedición que Guitarricadelafuente del nuevo ‘Spanish Leather’. Varios álbumes de Los Planetas, Extremoduro o Taylor Swift aparecen en el top 100 anual.

Algunos discos destacados de 2025 que aparecen en el top 100 son ‘Mayhem’ de Lady Gaga (11), ‘Recardelino‘ de Juanjo Bona (32), ‘Jesucrista Superstar‘ de Rigoberta Bandini (59), ‘Lento ternura‘ de Zahara (73) o ‘Anela‘ de Belén Aguilera (96).

Los vinilos más vendidos en España en 2025

1.-Rosalía / Lux
2.-Taylor Swift / The Life of a Showgirl
3.-Aitana / Cuarto azul
4.-Amaia / Si abro los ojos no es real
5.-Extremoduro / La ley innata
6.-Carolina Durante / Elige tu propia aventura
7.-Arde Bogotá / Cowboys de la A3
8.-Sabrina Carpenter / Man’s Best Friend
9.-Fito y Fitipaldis / El monte de los aullidos
10.-Viva Suecia / Hecho en tiempos de paz

Disco de la Semana: Maria Somerville / Luster

Servidor había perdido la fe en Pitchfork desde que dejaron de descubrir nuevos talentos históricos (Animal Collective, Dirty Projectors) para convertirse en… bueno, otra cosa. No me malinterpretéis: en el fondo siguen siendo los mismos, pero ese fondo es muy hondo y hay que saber encontrarlo.

En 2025 algo cambió, ya que algunos de sus discos distinguidos con el título de «Best New Music» han terminado acompañándome durante todo el año. El de Nick León es uno de ellos, y también el de Maria Somerville. ‘Luster’ es una joya dream pop como las recuerdas si viviste los años de gloria de 4AD, sello que, no en vano, edita el disco.

La música de Somerville debería conquistar a fans de artistas como Slowdive, Grouper o los primeros Cocteau Twins. Para empezar, la de la irlandesa es una de esas voces personales que, entre la apatía y la melancolía profunda, resultan ideales para transmitir unas letras llenas de misterio y anhelo que hablan de los límites entre lo real y lo imaginado (‘Projections’), del paso del tiempo (‘Garden’), que describen lugares desconocidos (‘Violet’) o que narran despertares personales (‘Trip’).

La música hace acopio de los ingredientes habituales del dream pop y estilos colindantes, pero los hace sonar frescos. Voces susurradas y aterciopeladas, montañas de capas vocales y eco que casi sepultan los instrumentos, acordes de guitarra estirados hasta horizontes sublimes, envolventes texturas shoegaze, una marcada estética lo-fi (aunque no tanto como en el debut) y destellos ligeramente góticos van dando forma a una obra que captura una esencia clásica desde un prisma nuevo.

Quizá algo del frío irlandés se cuele también en las composiciones de Somerville, como ya prometía una de sus gemas más tempranas: ‘This Way’. En ‘Luster’, ‘Projections’ cumple con la promesa de la propuesta de dream pop clásico de la que estamos hablando, siendo una canción de pop -muy Beach House– en toda regla. El disco se debate entre temas de este estilo, como la muy The Cure ‘Garden’, y otros que tienden a lo ambiental: ahí ‘October Moon’ resulta preciosa cerrando el disco, mientras que ‘Halo’ debe a Grouper su capacidad para crear un ambiente profundamente desolador y envolvente al mismo tiempo.

Aunque sería injusto reducir las composiciones de Somerville a un «name-dropping» continuo, ya que la artista -natural de Connemara, al oeste de Irlanda- se esfuerza por construir una atmósfera específicamente irlandesa, utilizando instrumentos que rara vez escuchamos en discos de su estilo. En ‘Luster’, Somerville ha trabajado por primera vez con terceros, ya que ‘All My People‘, su debut de 2019, era completamente autoproducido.

Así, las arpas que nos reciben en ‘Réalt’ o las gaitas irlandesas que colorean la adictiva ‘Violet’, a su vez una de las piezas más distintivas del disco gracias a su ritmo electrónico lo-fi, enriquecen la paleta sonora del álbum, empujando sus referencias cada vez más atrás hasta hacerlas llegar a un tiempo ancestral. Dentro de este abanico sonoro caben también los ritmos vagamente trip-hop de ‘Trip’ o las ambientaciones de ‘Flutter’, que a algunos ha recordado -con razón- a la influyente ‘Aquatic Ambiance‘, de la banda sonora de un videojuego (de los 90, claro).

‘Luster’ es un álbum precioso que recuerda a algunos trabajos iniciales de artistas que hoy consideramos indispensables, como ‘Devotion’ (2008), de Beach House, o ‘Ekstasis’ (2012), de Julia Holter. Somerville se encuentra, en este trabajo, en un evidente momento de efervescencia que se refleja brillantemente en este trabajo y que, estoy seguro, seguirá burbujeando en futuros lanzamientos.

«Lo más difícil que hay es decir adiós a alguien que amas»

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A Gorillaz se les escapan los singles de las manos. A falta de 41 días para el lanzamiento de ‘The Mountain’, el grupo de Damon Albarn ya ha publicado 5 adelantos. Sin embargo, ‘The Hardest Thing’ y ‘Orange County’, en realidad son mejor presentadas como una sola pieza. Una de las más bonitas y emocionantes de la discografía de Gorillaz. Además, se puede bailar.

‘The Hardest Thing’ y ‘Orange County’, además de las Canciones del Día, son inseparables porque ambas reflejan el tema clave de ‘The Mountain’: la pérdida. Es por eso que la presencia de Tony Allen, fallecido en 2020, en la primera de estas no es ninguna casualidad. «Oya, e dide erori», repite en yoruba, lo cual se traduciría como «Despierta, querida».

Entre elevados arreglos orquestales, llenos de motivos orientales y centrados en la melodía principal de ‘Orange County’, Albarn introduce la frase más repetida en la canción. Seguramente, la que puede definir el próximo álbum de Gorillaz: «Lo más difícil que hay es decir adiós a alguien que amas». Tan simple como contundente.

Durante los dos viajes a la India que inspiraron ‘The Mountain’, tanto Damon Albarn como Jamie Hewlett perdieron a sus padres. El líder de Blur quedó fascinado por la positividad con la que se trata la muerte en la cultura hindú y, por eso mismo, ‘Orange County’ está diseñada para llorar mientras se baila.

Kara Jackson y Albarn intercambian versos sobre tener la oportunidad de «envejecer» o «amar otra vez», mientras que Bizarrap aporta el toque fiestero en la producción, pese a que su toque es casi irreconocible. Aquí no hay nada parecido al reggaeton o al trap, pero las trompetas sí evocan directamente a los corridos mexicanos.

En el contexto de la larga discografía de Gorillaz, ‘Orange County’ transmite el mismo sentimiento nostálgico que ‘On Melancholy Hill’. Es una melodía alegre transformada en una emoción agridulce. Jackson se preguntaba en su debut de 2023 por qué la Tierra nos regala personas para amar. Para echarles de menos, diría Albarn.

RFTW: Robbie Williams, Madison Beer, MARTIN, Charli xcx…

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Hoy 16 de enero se edita el esperado nuevo disco de Robbie Williams, pospuesto (probablemente) debido a Taylor Swift. A$AP Rocky ha lanzado también su trabajo, postergado ad nauseam, y Madison Beer es otra de las artistas que publican álbum hoy (lo presentará en España este año), así como los recomendados en esta página Nat & Alex Wolff. En el ámbito nacional, recibimos nuevas obras de Metrika o Walls.

Harry Styles NO ha lanzado su single este viernes, pero Mitski sí. Otras artistas que han anunciado nuevo disco adelantando su primer single son Tove Styrke, José González, Kim Gordon o Arlo Parks. Entre quienes han continuado presentando sus próximos álbumes están Charlie Puth, MARTIN, Hemlocke Springs, Charli xcx, Slayyyter o Hilary Duff: su ‘Roommates’, si nos dicen que es de Taylor, nos lo creemos.

El pop internacional deja nuevos lanzamientos de Astrid Pierce, Danny L. Harle, nuestra recomendada googly eyes, Daughter o Flea, que ha anunciado su debut en solitario y que, en su novedad de esta semana, se alía con Thom Yorke. La mayor curiosidad la firman Gorillaz, que han tenido la ocurrencia de unir en una canción a Bizarrap y Kara Jackson: ver para creer.

Entrando en España o en lengua hispana, hay que subrayar interesantes novedades de Erik Urano, Carlangas con Leiva, Luna Ki, Mujeres, Ginebras, Anna Ferrer o Conociendo Rusia. Sale un tema titulado ‘Me tiré a un facha’, de Montedapena y Platerías, y javicrespo es el enésimo concursante de Operación Triunfo 2025 en lanzar su single de debut.

Las decenas y decenas de novedades del viernes —incluidas las de Sports, Anjimile, el nuevo EP de Skrillex, Girlfriend, Cavetown, Ana Torroja, Daphni o una inédita de J.Lo— están disponibles en la playlist Ready for the Weekend en Apple Music.

Fallece Kenny Morris, fundador de Siouxsie and the Banshees

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Kenny Morris, batería y uno de los miembros fundadores de la banda de post-punk y rock gótico Siouxsie and the Banshees, ha fallecido a los 68 años. No se ha revelado la causa de su muerte.

Morris, británico de padres irlandeses, nació en 1957 y se unió a Siouxsie and the Banshees en enero de 1977, a los 20 años, tras asistir a la primera actuación de la banda en el mítico Club 100 londinense unos meses antes.

Aunque Morris solo tocó en los dos primeros álbumes de estudio de Siouxsie and the Banshees, ‘The Scream’ (1978) y ‘Join Hands’ (1979), su sonido fue crucial en el desarrollo del estilo oscuro y primitivo del grupo. Stephen Morris, de Joy Division y New Order, y Kevin Haskins, de Bauhaus, reconocieron que el sonido de Morris influyó en el suyo propio. Lol Tolhurst, de The Cure, afirmaba que el estilo de Morris había “dado forma a la estética de Siouxsie and the Banshees”.

Morris abandonó Siouxsie and the Banshees en septiembre de 1979, horas antes de un concierto del grupo programado en Aberdeen, por desavenencias internas con la banda, junto al guitarrista John McKay.

Morris fue sustituido a la batería por Budgie, de The Slits, con quien Siouxsie and the Banshees lanzaron su mítico disco ‘Juju’ (1981). Tras dejar la banda, Morris siguió tocando la batería en directos y grabaciones de estudio, dirigió cortometrajes y exploró su interés por la enseñanza y la pintura. Dirigió una galería de arte y, en los últimos años, había retomado la batería tocando con la banda post-punk de Dublín Shrine of the Vampyre.

Morris terminó de escribir sus memorias durante la pandemia. Se publicarán póstumamente, en principio, a lo largo de este año.

Julio Iglesias niega las acusaciones en un comunicado

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Ante las denuncias presentadas en la Audiencia Nacional de dos mujeres que acusan a Julio Iglesias de haberlas agredido y abusado sexualmente mientras trabajaban como empleadas internas en dos mansiones del cantante en el Caribe, Julio Iglesias ha roto su silencio emitiendo un comunicado en redes sociales en el que niega categóricamente los hechos.

Escribe el cantante: «Con profundo pesar, respondo a las acusaciones realizadas por dos personas que anteriormente trabajaron en mi casa. Niego haber abusado, coaccionado o faltado el respeto a ninguna mujer. Esas acusaciones son absolutamente falsas y me causan una gran tristeza. Nunca había sentido tanta maldad, pero aún me quedan fuerzas para que la gente conozca toda la verdad y para defender mi dignidad ante un agravio tan grave».

Al final de su mensaje, Iglesias agradece el apoyo de quienes le han “mandado mensajes de cariño y lealtad” durante los últimos días, indicando que ha sentido “un gran consuelo” con ellos.

Iglesias podría enfrentarse, en caso de que la Audiencia Nacional admita a trámite las denuncias, a una investigación por hasta seis delitos de trata, grupo criminal, varios delitos sexuales, lesiones y delitos contra los derechos de los trabajadores, según información de eldiario.es.

El cantante es acusado de haber agredido, abusado y humillado a dos exempleadas durante su estancia en sus casas del Caribe entre 2021 y 2022. En la investigación de eldiario.es y Univisión se relatan relaciones sexuales bajo coacción y humillaciones y se muestran documentos que demostrarían que Iglesias imponía a sus trabajadoras la realización de pruebas de VIH o clamidia y revisiones ginecológicas después de ser contratadas.

Mitski da los detalles de su 8º disco y lanza tiro rock

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Mitski ha dado los detalles de su esperado octavo disco, el primero desde que ‘My Love Mine All Mine‘ lo petara en streaming durante 2023 y, sobre todo, 2024. Estamos hablando de cerca de 2 mil millones de reproducciones para un tema editado en Dead Oceans, discográfica independiente conocida por lanzar, por mencionar un par de nombres, a Wednesday o Waxahatchee.

‘My Love Mine All Mine’ era un tema de ecos noir jazz que, además, ha solido viralizarse en el último par de Navidades. El nuevo single de Mitski, sin embargo, no puede estar más alejado de su sonido: ‘Where’s My Phone’ es un tiro de indie-rock que supone un retorno a sus inicios guitarreros y distorsionados.

‘Where’s My Phone’, el primer adelanto de un disco llamado ‘Nothing’s About to Happen to Me’ que se pone a la venta el 27 de febrero, en cuestión de un mes, es un tema puramente Mitski en sus riffs, energía, desarrollo y, sobre todo, historia. Un tema atravesado por la desorientación de alguien que pierde el teléfono como pierde el rumbo de la vida. Os dejamos con videoclip y tracklist, a continuación:
1. In a Lake
2. Where’s My Phone?
3. Cats
4. If I Leave
5. Dead Women
6. Instead of Here
7. I’ll Change for You
8. Rules
9. That White Cat
10. Charon’s Obol
11. Lightning

Que caiga Julio Iglesias y el que tenga que caer

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Con las gravísimas acusaciones a Julio Iglesias -que podrían sentarle en el banquillo- a muchos se les ha «caído un ídolo». Qué sorpresa, resulta que los ídolos eran humo. De eso canta Xoel López en su canción ‘Sombras chinas’, y es inevitable pensar en tantos ídolos caídos de los últimos años. Y no hace falta irse a quienes, como Michael Jackson, ya están muertos, ni tampoco a figuras que han cometido delitos. Basta con que defiendan valores extremadamente opuestos a los tuyos, como Róisín Murphy negando la existencia de las personas trans o Nicki Minaj abrazando de repente a la ultraderecha americana.

Ningún alcance de fama ni poder debería blindar a Julio Iglesias -quien ya prepara su defensa y niega los hechos- ni a ningún artista, por “universal” que sea, de rendir cuentas (legal y públicamente) Aun así, no han faltado amigos muy amigos de Iglesias que han salido en su defensa en los medios. Ana Obregón ha pretendido sembrar la duda preguntando si Rebeca y Laura habrán “cobrado” por sus declaraciones, mientras Jaime Peñafiel ha calificado las acusaciones de “canalladas”. No sabes si dicen tales disparates en serio o solo para provocar: es sabido que ciertos programas de televisión se alimentan de virales y sensacionalismo.

Isabel Díaz Ayuso se ha llevado la palma sacando el tema de Irán cuando no venía a cuento y asegurando que la Comunidad de Madrid no contribuirá al “desprestigio” del artista español “más universal” retirándole sus distinciones, como ha propuesto, por ejemplo, Rita Maestre. Julio Iglesias es Hijo Predilecto de Madrid desde febrero de 2015, cuando Ana Botella le entregó el título por “su brillante y meritoria carrera artística reconocida internacionalmente”.

La coletilla del “artista universal” da un poco de pereza, sobre todo porque revela cierto complejo con la españolidad, como si para ser un español digno hubiera que ser “universal” o reconocido a escala internacional. Además, la expresión suena pasadísima de moda: hoy ser universal es la norma. Muchos artistas españoles lo son, y no es necesario remontarse a su hijo Enrique, sino por ejemplo a Rosalía o Ana de Armas.

Peor aún, las palabras de Ayuso suenan preocupantemente desconectadas de la realidad, porque aquí sí conviene separar no la obra del artista, sino al artista de la persona. Lo que se reconoce con títulos es una contribución cultural, y de lo que se habla ahora es de presuntas agresiones sexuales ocurridas no hace 30 o 25 años y que podrían haber prescrito, sino entre 2021 y 2022: hace nada. El MeToo surgió en 2017 y la industria musical española aún lo aguarda.

Lo preocupante también es la manera en que la “universalidad” de Julio Iglesias, su iconicidad y fama, para algunos debería blindarle de ser señalado por comportamientos ya no cuestionables, sino potencialmente delictivos. Aquí entran en funcionamiento dos cosas: la cultura de la violación, que trata de desacreditar a las víctimas poniendo en duda sus acusaciones, y la influencia o poder del artista como símbolo, la manera en que su prestigio artístico influye en la percepción pública, como si le hiciera inmune a todo ataque del exterior. Y, peor aún, como si esos ataques no solo fueran injustos, sino además imposibles.

Hasta Alberto Núñez Feijóo, Presidente del PP, se ha desmarcado de las declaraciones de Ayuso, quien argumenta que las acusaciones son un «montaje» de la derecha, la típica estrategia trumpista de crear teorías de la conspiración donde para ganarse a los votantes de ultraderecha. No me creo que no esté ni un poquito preocupada por las acusaciones vertidas hacia su amigo e ídolo musical, sobre todo porque las imágenes de él besuqueando a mujeres en conciertos o programas de televisión aparentemente sin su consentimiento, que se están viralizando en las últimas horas, ya bastarían hoy para generar un considerable escándalo nacional. Es que era más Rubiales que Rubiales.

En parte -solo en parte- entiendo la resistencia que muchos ponen a este tipo de denuncias a personajes públicos. No puedo ser el único que, estos días, se ha acordado del temazo de Rigoberta Bandini, ‘Julio Iglesias‘, que era totalmente nostálgico. Julio Iglesias ha estado ligado a una identidad nacional y su caída duele. Aceptar que un personaje al que admiramos es problemático es difícil, requiere atravesar una incomodidad. Pero más duele escuchar las declaraciones de las presuntas víctimas. Podemos reconocer la presunción de inocencia de Julio Iglesias y el derecho de las víctimas a ser escuchadas: las dos cosas, de forma simultánea.

No sé si es prematuro retirar títulos a Julio Iglesias, aunque Yolanda Díaz apuesta por hacerlo a modo de acción «ejemplarizante», pero no sé estoy seguro de que a la gente le importe esto realmente. El debate que se ha abierto refleja un problema mayor: en España, solo el 11% de mujeres que han sufrido agresiones sexuales llegan a denunciarlas, según el XV Informe Anual del Observatorio Estatal de Violencia sobre la Mujer 2021, citado por mi compañera Mireia Pería en su artículo sobre abusos en la industria musical publicado en nuestro Anuario 2023. Ese mismo texto señalaba que, de un 40,4% de mujeres que habían sufrido acoso sexual, solo el 2,5% lo había denunciado.

El artículo recogía además la creación de una cuenta de Instagram para denunciar de forma anónima casos de acoso o agresión sexual dentro de la industria musical. Pería recordaba que en España nunca ha habido un verdadero “#MeToo” en la música, lo que ha permitido que muchas figuras señaladas (siempre de forma anónima) sigan trabajando sin consecuencias públicas, mientras las víctimas conviven con las secuelas. Zahara apelaba a ello en los Premios Ruido 2024, pidiendo más investigación periodística en este ámbito.

Así que este asunto no va solo de Julio Iglesias. Esto va de que si Julio Iglesias puede ser destapado, si el artista español «más universal» y poderoso, puede caer, también pueden y deberían hacerlo los demás. Y no, no se trata de tumbar reputaciones ni de «arruinarle» la vida a nadie porque sí, sino de entender que no queremos figuras públicas -culturales o de cualquier ámbito- que vulneren derechos humanos y su poder, influencia y simbolismo cultural los proteja.

Harry Styles anuncia disco, ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’

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La espera ha terminado. Harry Styles acaba de revelar que su cuarto álbum, titulado ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’, estará disponible el próximo 6 de marzo.

Tras la aparición de unos misteriosos carteles en diferentes ciudades alrededor del mundo, con mensajes como «we belong together» o «see you very soon», el exmiembro de One Direction ha anunciado la llegada del sucesor de ‘Harry’s House’.

Se sabe que este tendrá 12 canciones y que estará coproducido por Kid Harpoon, que ya estuvo ampliamente involucrado en los tres discos anteriores del artista británico y también fue una parte clave de otros macrohits, como ‘Flowers’ de Miley Cyrus. De momento, no hay información sobre el primer single del proyecto.

‘Harry’s House’ fue el segundo disco más escuchado de 2022 y todo indica que ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’, pese a su misterioso título, también será uno de los grandes lanzamientos de 2026.

Zach Bryan / With Heaven on Top

Si hay alguna garantía en la música de Zach Bryan, es que se va a abrir en canal. Sus canciones exponen sus pensamientos, emociones y heridas sin ningún miedo a mostrarse imperfecto y vulnerable. Este característico derroche de apasionada sensibilidad vuelve a ser el motor de ‘With Heaven On Top’, su sexto álbum de estudio.

El prolífico cantautor de Oklahoma comienza el disco, como ya es habitual, recitando un poema (‘Down, Down, Stream’), en el que utiliza el agua como metáfora del fluir del tiempo. La primera canción como tal es ‘Runny Eggs’, una balada existencialista que comienza con el sonido de la harmónica y guitarra acústica donde Bryan busca un propósito, algo que le haga sentirse vivo, incluso si eso conlleva el riesgo de morir, como correr en los encierros de Pamplona o subirse a un toro en los rodeos de Oklahoma. El tono grave y el estilo americana sienta las bases de lo que se encontrará en buena parte de las canciones restantes.

Aún así, a lo largo de ellas también hay tiempo para momentos más eufóricos en los que se acerca al heartland rock, dejando a un lado sus meditaciones intimistas en favor de enérgicos y pegadizos estribillos, como en ‘Santa Fe’, ‘Apetite’ o ‘Dry Deserts’, todas ellas impulsadas por unas festivas secciones de vientos; o en ‘Rivers and Creeks’ y ‘Slicked Back’, que son animados números country-rock que hacen respirar el conjunto.

Otros cortes se adentran en dolorosos terrenos personales, como ‘DeAnn’s Denim’, donde el cantautor recuerda a su madre, quien sufría de alcoholismo. Este tipo de problemas de adicciones y depresiones se extienden a lo largo de otras generaciones en su familia. A veces los genes pueden ser algo feo, concluye. Pero en la sentida balada ‘Aeroplane’ está listo para dejar ese pasado atrás (“Y digo adiós a quien solía ser / voy a empezar un incendio forestal en mi árbol genealógico”) mientras viaja en avión a España, donde nunca había estado. Nuestro país tiene presencia en este álbum ya que Bryan acaba de casarse en San Sebastián, la única fecha española hasta el momento en su gira mundial durante esta primavera.

La voz del cantante continúa siendo un poderoso vehículo para transmitir sentimientos honestos. En ‘Plastic Cigarette’, sobre un amor frustrado, su registro grave brilla sobre unos expresivos punteos de guitarra, mientras que en ‘Bad News’, una extraordinaria canción sobre la reciente pérdida de la identidad estadounidense debido a su tumultuoso estado actual (deportaciones masivas, polarización, extremismos, etc), a Bryan se le llena la voz de rabia al llamar a los agentes de ICE “hijos de puta engreídos”. La enorme desilusión de ver a su adorado país en un momento tan preocupante se traduce en la desesperanzada entonación de versos como “tengo malas noticias, se desvanece nuestro rojo, blanco y azul”.

Todas las canciones de ‘With Heaven On Top’ funcionan a la perfección por separado. Están excelentemente escritas e interpretadas, y la producción y arreglos siempre consiguen elevarlas. Sin embargo, al ser un disco tan largo (25 canciones y casi 80 minutos) y no demasiado innovador en sus formas, termina agotando por simple acumulación. Hay grandes momentos a destacar, pero también otros que resultan excesivamente redundantes, hasta el punto de que es inevitable pensar que si durara media hora menos, sería un álbum bastante mejor.

En cualquier caso, esto no parece preocupar lo más mínimo a su autor, cuya productividad creativa no conoce límites. Lanza prácticamente un álbum al año, más varios EPs y sencillos sueltos. Y es difícil encontrar en su catálogo una canción mala. En ‘With Heaven One Top’ no la hay. El cantante compone un extenso documento sobre el crecimiento personal y la reconciliación con su propio pasado dentro de un complejo contexto político. Y, sí, puede que la bandera de Estados Unidos esté cada vez más desgastada, pero Zach Bryan puede hacer brillar sus colores, aunque solo sea mientras dura una de sus canciones.

Tove Styrke vuelve con anti-single y disco… ¡en otoño!

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Tove Styrke, la cantante sueca que nos regaló temazos pop como ‘Say My Name’, ‘Mistakes’, ‘On the Low’, ‘Ego’, ‘Borderline’ o ‘Show Me Love’ (y podríamos seguir, su versión de ‘Liability’ de Lorde era tremenda), y que, durante un breve momento, pareció la segunda venida de Robyn, gracias al innovador sonido de sus discos, sobre todo del tercero, ha anunciado cuarto álbum.

Aunque ya puedes esperar sentado o sentada para escucharlo, porque saldrá en otoño. Se llama ‘The Afterparty’, al fin y al cabo. Es decir, es probable que, para cuando salga, ya hayas escuchado la mayor parte de su contenido.

El primer adelanto es sorprendente. ¿Recuerdas el single house que presentó el último disco de Tame Impala? Va más o menos por ahí. ‘Prayer’ es un anti-single, un mantra electrónico que sirve de introducción a la nueva era de Tove Styrke más que de single que escuchar en bucle.

‘Prayer’ es un crescendo de club-house de más de 5 minutos que tiene un puntito electro, un punto Jamie xx también, evidentes en sus saltarines efectos electrónicos, y algo de dance-punk gracias a su prominente punteo de bajo. La letra, que repite «puedo tenerlo, si quiero, yo lo valgo», también sirve de repetitivo leitmotiv, casi hipnótico.

Cuenta Styrke que ‘The Afterparty’ es el álbum «más ambicioso» de su carrera. Y explica así su concepto: «Siento que estamos viviendo en la fase de afterparty de nuestra época. El álbum reflexiona sobre lo que eso le hace a una persona, contado a través del lente de una afterparty real.

‘Prayer’ es «exactamente lo que su título sugiere: una oración, una afirmación». «Para mí transmite una sensación de esperanza y anticipación», añade la artista, «como el atardecer en una ciudad llena de posibilidades. Es la canción que abre el álbum y el único lugar lógico para empezar a contar esta historia».

Ariana Grande confirma proyecto para 2027: su vuelta al teatro

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Ariana Grande pasa página de ‘Wicked‘ después de dos películas promocionadas en una de las campañas cinematográficas más comentadas, divertidas y surrealistas que se recuerdan, y confirma su vuelta al teatro de la mano de su compañero en ‘Wicked’, Jonathan Bailey.

Ambos protagonizarán de nuevo un musical: una adaptación teatral de ‘Sunday in the Park with George’, la célebre obra de 1984, que podrá verse en el Barbican de Londres en el verano de 2027. Imaginamos que conseguir entradas será una lucha a vida o muerte.

Se trata de un musical escrito por James Lapine, con música y letras de Stephen Sondheim, cuya historia se inspira en la famosa pintura de Georges Pierre Seurat ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte’, realizada entre 1884 y 1886. Grande y Bailey han confirmado su participación en el proyecto fotografiándose sentados delante de dicha obra.

La adaptación de ‘Sunday in the Park with George’ es el primer proyecto confirmado de Grande para 2027, ya que conviene recordar que la artista estará de gira durante 2026 presentando su disco ‘eternal sunshine‘ (2024) y su reedición, con la última fecha prevista para agosto. Son solo 10 fechas concentradas en Estados Unidos, Canadá y Londres.

Por supuesto, no es la primera vez que Grande participa en el teatro: en 2008 debutó en Broadway con el musical ’13’ y en 2016 actuó en ‘Hairspray Live!’, emitido por televisión.

¿Será el 2º disco de Ralphie Choo mejor que el debut?

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Parte de la redacción evalúa ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’, la nueva dupla de singles de Ralphie Choo. ‘TENTACION’ es nuestra Canción del Día.

Os recordamos que Ralphie Choo debuta este año en grandes recintos: el 20 de febrero actúa en el Movistar Arena de Madrid y, un mes después, el 27 de marzo, en el Sant Jordi Club de Barcelona.

«‘ROCCO’ y ‘TENTACION’, los nuevos adelantos del segundo álbum de Ralphie Choo, son exactamente lo que cabría esperar de un artista como él: sorprendentes e impredecibles. Ambas composiciones comienzan pareciendo una cosa y acaban en un lugar completamente diferente. No son hits inmediatos y sí, requieren de varias vueltas para exprimirlas al máximo, pero ¿acaso no es así la música que perdura en el tiempo?

Huyendo de estructuras convencionales, Ralphie Choo apuesta por crear atmósfera jugando y experimentando con los sintetizadores que resultan en una amalgama de sonidos futuristas que dialogan felizmente los unos con los otros. La mezcla imposible de ideas y géneros da resultados tan extravagantes como frescos. La pseudobalada ‘ROCCO’ ofrece su faceta más melódica sin dejar nunca de ser estimulante, y recuerda, en su primera mitad, a una suerte de Mk.gee en versión electrónica. Mientras que ‘TENTACION’ es pura diversión marca de la casa, empezando por su letra surrealista, que tan pronto te mete un “se pone puerca con historias que le escribo” como un “desayuno cigarrito con salsa tártara”, hasta su originalísima progresión, con más giros que una película de M. Night Shyamalan.

Ralphie Choo continúa expandiendo los límites de lo urbano y lo pop con dos exquisitas muestras de música fusión para abrir apetito antes del gran menú degustación que promete ser su nuevo disco». Fernando García

«Admiro a Ralphie Choo por sus inquietudes creativas y compromiso con la anti-perfección. Ambos principios los pone en práctica en ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’, supuestos nuevos adelantos de su segundo disco, y los ejecutaba también en ‘PIRRI’ y en ese ‘D’amor traficante’ que fue el primero en salir de todos. Sin embargo, ninguna de estas producciones me transmite una evolución o un perfeccionamiento de la técnica, más bien me suenan dispersos y experimentales de más.

Por supuesto, el estilo de Ralphie Choo es el que es. Pero ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’ no parecen singles dignos de un segundo disco. ‘ROCCO’, en un ánimo romántico, parece inspirado en los collagistas R&B actuales, como Dijon, pero la melodía merecía algo mejor que una suma de ideas instrumentales que bordea el exceso, sobre todo ese break de batería final que suena ya tirado sin ton ni son.

‘TENTACION’, por su lado, sorprende por su inspiración new jack swing, un estilo musical que pocos artistas están recuperando. Ralphie propone una extraña base rítmica que suena ralentizada, jugando con la percepción de lo que este sonido debe ser, pero la obra final me suena debilucha, nada «embriagadora», como si fuera el borrador de una canción futura. ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’ resultan experimentos interesantes, pero solo eso». Jordi Bardají

Eurovisión excluye España de su gira europea

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Eurovisión ha agotado entradas para la gran final de Viena en tiempo récord a principios de enero, a pesar de la baja de varios países -entre ellos España- por la continuada participación de Israel en el festival. Eurovisión está en crisis, pero no tanto. Ahora, por primera vez en su historia, anuncia una gira europea para celebrar su 70º aniversario. ¿Alguien duda de que será un éxito?

La gira recorrerá diez ciudades europeas -lógicamente, ninguna española- y contará con participantes veteranos del festival, así como con representantes de la edición de 2026. Aún no se conoce el line-up, pero sí todas las fechas, ciudades y recintos. Una cantante eurovisiva que -imaginamos- NO estará es Conchita Wurst, que se ha desvinculado de Eurovisión para «perseguir otros proyectos».

Eurovisión ha explicado brevemente la dirección creativa de la gira: «Para celebrar siete décadas del Festival de la Canción de Eurovisión, todo el concierto estará dedicado a las canciones que amas. Los artistas interpretarán sus propias canciones de Eurovisión, además de versiones especiales de sus clásicos favoritos de los 70 años de historia del certamen».

«Creada especialmente para el 70º aniversario, esta experiencia de concierto única ha sido diseñada especialmente para sus fans; reuniendo a intérpretes clásicos de Eurovisión y a las grandes estrellas de Viena 2026 para celebrar el legado del certamen, su comunidad global de seguidores y siete décadas de música que une a las personas», lee el comunicado.

Monday 15 June – London, United Kingdom – O2 Arena
Wednesday 17 June – Hamburg, Germany – Barclays Arena
Friday 19 June – Milan, Italy – Arena Milano
Saturday 20 June – Zürich, Switzerland – Hallenstadion
Monday 22 June – Antwerp, Belgium – AFAS Dome
Tuesday 23 June – Cologne, Germany – Lanxess Arena
Thursday 25 June – Copenhagen, Denmark – Royal Arena
Saturday 27 June – Amsterdam, Netherlands – Ziggo Dome
Monday 29 June – Paris, France – Accor Arena
Thursday 02 July – Stockholm, Sweden – Avicii Arena

Arlo Parks vuelve, bailable y deseante, en ‘2SIDED’

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Harry Styles, Jessie Ware, James Blake o Mitski son algunos de los artistas que están a punto de anunciar sus nuevos lanzamientos. Entre quienes se les han adelantado se encuentra la cantautora británica Arlo Parks, que ya ha dado los detalles de su tercer álbum. Y no será continuista precisamente: en ‘Ambiguous Desire’, Parks cambia a su “banda de directo” por “sintetizadores modulares, plugins de Ableton y samplers que reflejan los espacios frenéticos y vibrantes en los que ha estado inmersa”. Todo ello sin renunciar a la “lírica poética por la que es conocida”.

Si la descripción suena bien, el primer adelanto suena mejor. ‘2sided’, la Canción Del Día de hoy, utiliza ritmos de breakbeat y sintetizadores envolventes puestos al servicio de una melodía irresistible, sonando bailable y brumoso al mismo tiempo.

«En esencia», explica Arlo, «‘2SIDED’ trata sobre el anhelo y la tensión», un trasfondo convincentemente plasmado en la canción. La canción, dice, «habla de verse atravesada por un relámpago de deseo y de reunir el valor necesario para poner en palabras ese sentimiento, para hacerlo real».

La ganadora del Mercury Prize ha producido ‘Ambiguous Desire’ en Nueva York junto al productor Baird (Brockhampton, Kevin Abstract), inspirándose en la obra de artistas como Burial, LCD Soundsystem o los Streets. El disco se pone a la venta el 3 de abril.

Cuenta que ha «bailado más que nunca» creando el álbum: «También hice más amigos que nunca; me encontré en el extraño submundo de las noches de juke de Nueva York, desatada, riendo y riendo y riendo. El núcleo de este disco es el deseo. El deseo es una fuerza vital: es querer, anhelar, impulso; todos estamos vivos porque hay algo o alguien que deseamos; el deseo es un motor. Pero también es misterioso, enredado, aleatorio, revelador y HUMANO».

Mientras Bandcamp prohíbe la IA, una nueva artista fake se viraliza

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Hace poco estaba escuchando música en Spotify y empezó a sonar una canción que me recordó sospechosamente a una de Lana Del Rey. La canción es ‘Colour of Sense’ y el artista, un tal «woming pai music». La canción suma más de 34.000 escuchas pero tiene toda la pinta de haber sido creada con inteligencia artificial, básicamente porque la voz de Lana y la melodía de ‘Young & Beautiful’ son fácilmente reconocibles, aunque manipuladas.

Lo más preocupante es que el algoritmo de Spotify la haya incluido en mi cola de reproducción, cuando hago todo lo posible por no consumir música generada con IA que copia de forma tan evidente grabaciones originales, de Lana Del Rey nada menos.

Según Last.fm, la canción que escuché antes de esa fue ‘Almost a Lover‘ de BEA1991. Es decir, «woming pai music” parece haberse colado en el ecosistema de recomendaciones de BEA1991, y probablemente de otros artistas similares, imitando sus patrones sonoros y emocionales para engañar al algoritmo y, de paso, a los oyentes. Hablando de oyentes, este «artista» tiene casi 15.000.

Por no hablar de las playlists de ambient y música para relajarse o dormir, que está completamente plagadas de sonidos generados por IA, que pasan desapercibidos debido a la naturaleza de este estilo musical.

El problema empieza a ser realmente preocupante, ya que artistas fake como The Velvet Sundown se popularizan. El último nombre en hacerlo es Sienna Rose, una supuesta promesa del soul que acumula millones de reproducciones con canciones como ‘Into the Blue’, pero que ha recibido denuncias por haber sido generada por IA, y todo apunta a que lo es.

No hablamos de «slop» en este caso, sino de creaciones extremadamente realistas que se confunden con seres humanos. El público empieza a generar tolerancia a este tipo de productos y a asumirlos como una opción más: solo hay que recordar la manera en que Bad Gyal elogiaba su dueto con Bad Bunny hecho con IA. Decía que era un «temazo»: era verdad. ¿Pero lo queremos en una plataforma que usamos bajo suscripción?

Como recoge Stereogum, Deezer ha comunicado que 50.000 canciones publicadas en su plataforma al día están creadas con inteligencia artificial, el 34% de toda su música nueva. Spotify, por su lado, ha prometido deshacerse de la basura «AI-generated» -de nuevo, aquella llamada «slop», que en inglés significa algo así como «chapuza»- pero sus esfuerzos parecen en vano, ya que los oyentes se siguen topando con canciones como la que cito, sin quererlo. Es cierto que Sptify permite la opción de «denunciar» contenido engañoso, pero las canciones fake siguen proliferando. En el peor de los casos, estamos hablando de auténtica basura musical flotando por las plataformas como si nada.

Ahora Bandcamp, una de las plataformas que mejor trata a sus artistas, ha lanzado un rayo de esperanza: a partir de ahora, la música generada con inteligencia artificial está prohibida en su servicio. Y no solo se refieren a la música «completamente» generada por IA, sino también a la que lo ha sido solo «parcialmente». Tienen faena, ya que la cantidad de música que se sube a Bandcamp diariamente es considerable. La plataforma ha publicado pautas claras para la música hecha con IA:

1.- La música y el audio generados total o sustancialmente por IA no están permitidos en Bandcamp.

2.- Cualquier uso de herramientas de IA para hacerse pasar por otros artistas o estilos está estrictamente prohibido, de acuerdo con nuestras políticas existentes que prohíben la suplantación y la infracción de propiedad intelectual.

Bandcamp explica: «Si te encuentras con música o audio que parezca haber sido creado totalmente o con una fuerte dependencia de IA generativa, utiliza nuestras herramientas de reporte para marcar el contenido y que nuestro equipo lo revise. Nos reservamos el derecho de eliminar cualquier música bajo sospecha de haber sido generada por IA».

Bandcamp no es la plataforma de streaming más usada, ni su experiencia de streaming es la más fluida, ni su algoritmo el más potente, pero sí es un oasis para artistas y oyentes que buscan consumir música de forma más ética (y comprarla directamente si así lo desea). Ahora, dan un paso firme al prohibir la IA en su servicio, y espero que otras plataformas sigan su ejemplo.

‘Euphoria’ lanza tráiler, fecha y avance de Rosalía

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La tercera temporada de ‘Euphoria‘ se ha hecho esperar hasta lo indecible; incluso parecía que nunca iba a estrenarse debido a la apretada agenda de sus principales actores, especialmente Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney, que se han convertido en auténticas superestrellas en los últimos años.

Pero ‘Euphoria’ vuelve, y la fecha de estreno de su tercera temporada es el 13 de abril. Además, se había anunciado que uno de los nuevos personajes estaría interpretado por Rosalía. La primera imagen de su papel la mostraba con un collarín en el cuello, en pose chulesca.

Rosalía no ha revelado demasiada información sobre su personaje en las entrevistas, ni antes ni después del lanzamiento de ‘LUX’. Sin embargo, el tráiler que HBO estrena hoy -y que puede verse doblado al español- incluye un breve momento de Vila Tobella actuando en uno de los episodios. Simplemente, la vemos bailar en una barra de striptease, de manera similar a como lo hacía en el vídeo de ‘Bagdad’ (2018), y aún con el collarín puesto.

Rosalía alternó el rodaje de ‘Euphoria’ con la grabación de su cuarto disco. En una entrevista con Billboard, contaba que fue «todo un reto». «Estaba grabando el álbum mientras filmaba Euphoria. Tuve que dividir mi mente entre las dos cosas y, además, era la primera vez que hacía algo así: preparar un personaje, estudiar los diálogos. Por alguna razón, no me volví completamente loca».

La autora de ‘Berghain’, que fue seleccionada para el papel tras superar un casting, explicaba que se siente especialmente conectada con Sam Levinson y su obra porque ambos comparten una sensibilidad. «(Sam) y yo somos ambos personas muy sensibles. Por alguna razón, todo lo que crea él para mí resuena con este momento», explicaba al portal estadounidense.

No vemos a Rosalía en el avance pronunciar palabra, pero eso lo descubriremos cuando la serie se estrene. De momento, sí vemos a Rue metida de nuevo en problemas, a Maddy -y especialmente a Cassie- completamente en su salsa, y a Jules relajándose, pensativa, en el interior de un enorme ático durante la noche. Una serie de mafias y drogas ya, más que de adolescentes.

Las mejores canciones de Benidorm Fest 2026… y las peores

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Dentro de exactamente un mes, conoceremos al 5º ganador de Benidorm Fest tras las victorias de Chanel, Blanca Paloma, Nebulossa y Melody. Por primera vez, el ganador no irá a Eurovisión: así lo decidió en votación el Consejo de RTVE, debido a la reiterada vulneración de las normas por parte de la televisión israelí y al genocidio en Gaza.

El target del festival parece comulgar con esta decisión casi por unanimidad: no hay grandes voces discordantes. Por tanto, esta ha de ser la ocasión de convertir la necesidad, en virtud. Será el momento de celebrar y valorar las canciones y la música sin muletillas como «esto no lo veo en Eurovisión». Dedicamos el nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO a esta cuestión.

La primera mitad de este podcast es apta para quienes aún no habéis escuchado las playlists que hay en Spotify, Apple Music, Amazon y demás sobre Benidorm Fest 2026. Hablamos de Eurovisión en general, de la subida en audiencias de RTVE, de qué puede hacer la cadena para mantener el hype en torno al certamen y de cuestiones más generales. Mostrar «teasers» de actuaciones en Instagram y TikTok, o fotos de los ensayos, podría ayudar.

La segunda parte del capítulo sí es el desbarre habitual sin censuras sobre lo que pensamos de las 18 canciones aspirantes. Miranda con Bailamamá, Kenneth y Luna Ki continúan entre los más escuchados y algunos de ellos son de nuestras favoritos también. En los últimos días están destacándose también ‘Velita’ o ‘Turista’, dado su uso en cortinillas televisivas incluso de otras cadenas. No obstante, hay que recordar que el gran salto de virales como ‘Nochentera’ y ‘Zorra’ se dio cuando se presentaron en frente de una audiencia millonaria y generalista, es decir, en las semifinales. Tradicionalmente, alguien sorprende con su puesta en escena para bien o para mal. Esta vez, con la supervisión de Sergio Jaén, solo puede ser «para bien».

Tras una parte media en la que hablamos de posibles virales futuros como ‘Las damas y el vagabundo’, dedicamos los últimos minutos del podcast a las canciones que menos nos han gustado. Muchas de ellas serán interpretadas por «nepobabies», por casualidad, o no.

Jesús Vázquez, Javier Ambrossi e Inés Hernand conducirán las semifinales y la gran final el próximo mes de febrero, con el aliciente de que el ganador se llevará 150.000 euros. No está nada mal para una industria, la musical, que lleva por apellido «precariedad».

Teaser del podcast:

IA y fascismo, en el nuevo disco de Kim Gordon

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Después de publicar ‘No Home Record‘, uno de los mejores discos de 2019, y el arriesgado ‘The Collective’, lanzado en 2024, Kim Gordon (Sonic Youth) detalla su tercer disco en solitario. ‘Play Me’ se edita el 13 de marzo y vuelve a apostar por un cambio de sonido.

The Collective‘ sorprendió por su transgresora aproximación al Soundcloud rap y al autotune, y ‘Play Me’ se presenta con un single de claros ecos krautrock. ‘Not Today’ ofrece tremendo viaje por guitarras distorsionadas y teclados mareados. También se puede escuchar la revisión de ‘BYEBYE’ que cerrará el disco.

En ‘Play Me’, Gordon tratará temas como la inteligencia artificial o el «fascismo creciente», según Stereogum. Dav Grohl toca la batería en la pista 7, ‘Busy Bee’.

Gordon ha explicado que ella y su productor habitual, Justin Risen, han buscado crear un álbum «más orientado al ritmo» que el anterior. «Queríamos que las canciones fueran cortas. Queríamos hacerlo realmente rápido. El disco tiene más foco y seguridad. Justin realmente comprende mi voz y mis letras y entiende cómo trabajo, eso se manifestó aún más en este disco».
01 «Play Me»
02 «Girl With A Look»
03 «No Hands»
04 «Black Out»
05 «Dirty Tech»
06 «Not Today»
07 «Busy Bee»
08 «Square Jaw»
09 «Subcon»
10 «Post Empire»
11 «Nail Biter»
12 «ByeBye25!»

Of Monsters and Men / All is Love and Pain in the Mouse Parade

El primer disco de Of Monsters and Men en 7 años abre intentando no pensar: «¿Qué tal si no conectamos la cabeza ahora, qué tal si no pensamos en absoluto?», se pregunta el vocalista Ragnar Þórhallsson en ‘Television Love’. El círculo de ‘All is Love and Pain in the Mouse Parade’ se cierra en ‘The End’, que incluye una nueva alusión a la televisión: el grupo saborea esos primeros instantes de la mañana en que todavía no ha puesto las noticias y parece que el «mundo no se acaba», en esta mona cancioncilla acústica, casi de hoguera.

‘All is Love and Pain in the Mouse Parade’ explora esa frontera emocional entre la felicidad y la tristeza, en canciones que suenan igualmente situadas en ese umbral, solo tendiendo ligeramente hacia un lado o hacia el otro.

Of Monsters and Men escriben sobre sentirse frustrados pero poniendo buena cara en ‘The Actor’, desconectados en ‘Fruit Bat’ o inseguros en ‘Tuna in a Can’. En el animado single ‘Ordinary Creatures’, de piano rockabilly, un largo periodo de apatía se transforma en bienestar emocional, por fin. Y una amistad que empieza a quedar muy atrás, en ‘The Towerin’ Skyscraper at the End of the Road’, es una buena noticia.

Aferrados a la fórmula de folk-rock atmosférico que les funciona y que convirtió su gran éxito ‘Little Talks‘ en un éxito global, el cuarto álbum de Of Monsters and Men se sitúa musicalmente en otro umbral, entre una épica controlada y un intimismo luminoso, aunque la banda de Reykjavík llega a sonar demasiado conforme con su propia fórmula, repitiendo ideas sin ofrecer giros interesantes.

Brilla ‘Dream Team’, la mejor canción del disco, que empieza recordando a Keane, después se vuelve folk-rock e incluye unos simpáticos teclados de estilo «boreal». En el lado de las baladas, ‘The Block’ sorprende por su desolación. La vulnerabilidad de ‘Barefoot in the Snow’ deja una de las letras más emotivas («ojalá fuera feliz, ojalá rebosara alegría, qué difícil es ser feliz») y, como hemos dicho, el álbum se preocupa por ofrecer un viaje con principio, nudo y desenlace.

El inconveniente es que, durante esa travesía, no ocurren grandes acontecimientos. La técnica del crescendo suave en las composiciones de ‘All is Love and Pain in the Mouse Parade’ funciona al principio, por ejemplo en la citada ‘The Actor’, pero en ‘Kamikaze’ empieza a volverse repetitivo, y se echa en falta una variedad instrumental como la que refleja ‘Dream Team’ en su original uso del teclado; en el álbum las trompetas y xilófonos suenan deliberadamente enterrados en la atmósfera.

La prevalencia de medios tiempos cargados de épica en el elepé tampoco genera en ‘Styrofoam Cathedral’ la típica canción de final de disco que quiera destacar, y el grupo claramente antepone la construcción de cohesión y narrativa a la creación de canciones claramente definidas, de las cuales escasea la segunda mitad del álbum. El «ratoncito» que da título al álbum aparece finalmente en la ambiental ‘Mouse Parade’, transmitiendo una curiosidad que se echa un poco en falta en el disco.

Of Monsters and Men son cabeza de cartel de SanSan Festival, que se celebra en Benicàssim del 2 al 4 de abril de 2026.

Bruno Mars añade segunda fecha en el Metropolitano

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Bruno Mars ha anunciado una segunda fecha en el Estadio Riyadh Air Metropolitano, el próximo 11 de julio de 2026. La primera fecha, el 10 de julio, coincidirá con el primer concierto del artista en España en 8 años, por lo que la demanda ha sido enorme. Las entradas para la nueva fecha han salido a la venta a las 13:15h, para aquellos usuarios registrados en la preventa.

Desde que Bruno Mars publicó en X que su disco estaba «listo», no ha parado. Primero fue el anuncio de su primer disco en solitario en 10 años, ‘The Romantic’, para su lanzamiento el 27 de febrero. Después llegó la noticia de su primera gira de estadios, que le llevará alrededor del mundo. Por último, el lanzamiento de la facilona ‘I Just Might’.

Ambas fechas, 10 y 11 de julio, contarán con la participación de Anderson .Paak en su faceta de DJ bajo el alias de Pee.Wee y de Victoria Monét como telonera, conocida por su trabajo con Ariana Grande y sus grandes discos en solitario.

YUNGBLUD y Smashing Pumpkins vuelven a los 90 en ‘Zombie’

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Yungblud se ha convertido en el artista favorito de las leyendas del rock. Ozzy Osbourne llegó a decir que acababa de conocerse a sí mismo la primera vez que habló con el joven artista. Después, actuó junto a Steven Tyler en los VMAS. Ahora, The Smashing Pumpkins lo han elegido para firmar la primera, y probablemente última, colaboración de su carrera como banda.

La carrera de YUNGBLUD ha experimentado grandes cambios en el último año, principalmente a raíz del disco ‘Idols’. Si antes el proyecto del artista de Doncaster era visto como un revival juvenil de la época emo, ahora es casi percibido como el salvador del rock. Su impresionante interpretación de ‘Changes’ en el último concierto de Black Sabbath le valió una nominación al Grammy, pero también el respeto de toda una industria.

‘Zombie’, también nominada a Mejor Canción de Rock en los próximos Grammy, fue el single más exitoso del último disco de YUNGBLUD. Sin embargo, las renovadas guitarras de The Smashing Pumpkins lo elevan completamente. No solo hacen que el tema se sienta mucho más potente, sino que también recuerdan directamente a los clásicos noventeros del grupo. Por eso, es la Canción del Día.

Sabemos que Billy Corgan no colabora con cualquiera y, aunque se trate de un gesto simbólico, está claro que el experimentado artista creía firmemente en la propuesta. Tanto, que hasta se anima a cantar un verso entero. Esto es un momento «full-circle» para YUNGBLUD: «Cuando estaba haciendo ‘Zombie’, estaba realmente canalizando ‘Siamese Dream’, cuenta en Loudwire.

Madison Beer anuncia conciertos en Madrid y Barcelona

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En la víspera del lanzamiento de su nuevo disco, Madison Beer ha anunciado dos conciertos en España como parte de ‘the locket tour’. La artista estadounidense actuará en el Palacio Vistalegre de Madrid el próximo 24 de mayo y en el Sant Jordi Club de Barcelona el 26 de mayo.

Tras el lanzamiento de ‘yes baby’, ‘bittersweet’ y ‘make you mine’, los tres exitosos singles de la ‘locket’ era, Madison Beer pasará toda la primavera y el verano en la carretera. Le acompañarán Isabel LaRosa, en la etapa europea y británica; thúy en las fechas norteamericanas, y Lulu Simon en todas ellas. La gira terminará por todo lo alto con un show en el Madison Square Garden.

Este mismo viernes 16 de enero, ‘locket’ estará disponible en todas las plataformas. La venta general de entradas para las fechas de Madison Beer en España tendrá lugar el miércoles 21 de enero a las 10h, en Live Nation y Ticketmaster. La preventa de Live Nation y SMusic será el lunes 19 de enero a las 10h. Al día siguiente, a la misma hora, habrá una preventa solo para usuarios de Live Nation.

Tracklist:
1. «locket theme»
2. «yes baby»
3. «angel wings»
4. «for the night»
5. «bad enough»
6. «healthy habit»
7. «you’re still everything»
8. «bittersweet»
9. «complexity»
10. «make you mine»
11. «nothing at all»

Paula Koops, más madura de lo que recordabas, de gira con GPS

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Paula Koops es lo más cercano que tenemos a una Avril Lavigne española, y lo lleva demostrando desde la pandemia. Consiguió su primer éxito viral con ‘Línea 7’, que mezclaba el universo sonoro de la artista canadiense con C. Tangana. Casi dos años después del lanzamiento de su álbum debut, ‘MOTEL’, Koops está lista para salir a la carretera con su faceta más madura.

«No te puedo odiar, porque sería pensarte», canta la madrileña en ‘pídeme perdón’, su último lanzamiento. Los que se quedaron con ganas de más tras la era de ’11 RAZONES’ de Aitana tienen en Paula Koops justo lo que han estado esperando. «Quiero que me pidas perdón, no perdonarte / Dime donde tú vas a estar, pa’ yo largarme», canta en uno de sus mejores estribillos.

Si bien su carrera despegó a base de pura nostalgia dosmilera y una imagen clara de «princesa punk», a base de temas como ‘b.o.b.o.’ o ‘novio del año’, Koops ha encontrado en sus últimos singles una nueva autenticidad. Eso sí, manteniendo su marcado estilo.

Se ve claro en la baladesca ‘aunque no estés’, uno de sus temas más solemnes, que hasta tiene un resquicio a La Oreja de Van Gogh. Koops también demuestra que es capaz de evolucionar sin perder el gusto por el pop instantáneo y facilón, en el mejor sentido de la palabra, con ‘Se Suponía’, una de sus mejores y más pegadizas canciones: «Se suponía que pa’ este dos de enero / Teníamos resaca de año nuevo / Planes de verano, tú y yo mano a mano», canta.

La renovada artista acaba de anunciar la gira ‘Los Lugares Donde No Pudimos Ir’, con la que pasará por 7 ciudades españolas este año de la mano de Girando Por Salas. Koops estará en Vitoria, Logroño, Oviedo, Albacete, Valladolid, Palma de Mallorca y Almería. Las entradas ya están a la venta en las webs de cada recinto.

Fechas de Paula Koops en 2026:
Viernes, 12 de marzo – VITORIA-GASTEIZ – Sala Le Coup
Sábado, 13 de marzo – LOGROÑO – Sala Fundición
Viernes, 24 de abril – OVIEDO – Sala Tribeca Live
Sábado, 9 de mayo – ALBACETE – Sala Le Premiere
Sábado, 15 de mayo – VALLADOLID – Sala Porta Caeli
Viernes, 22 de mayo – PALMA DE MALLORCA – Sala Zero Es Gremi
Viernes, 29 de mayo – ALMERÍA – Sala Berlín Social Club