Aminé, el rapero estadounidense conocido por su hit de 2017 ‘Caroline’ y por su chulo Tiny Desk, ha anunciado que su nuevo disco sale a la venta el 16 de mayo bajo el título de ’13 Months of Sunshine’. El primer adelanto ha sido el colorido ‘Familiar’ y el segundo se puede escuchar desde este viernes.
En ‘Arc de Triomphe’, Aminé fanfarronea de talento, éxito y atractivo sampleando ‘Has it Come to This?’, el éxito de The Streets de 2002. La base de ambos temas es prácticamente la misma, pero la voz de Aminé sustituye a la de Mike Skinner.
‘Arc de Triomphe’ es la sobrada habitual de Aminé, que no desaprovecha la oportunidad de rapear sobre un vibrante beat de 2step británico. En algunas frases destacadas de la letra, Aminé declara que «Jesucristo llevaba rastas» (porque él las lleva), dice bailar la «Macarena» en «mocasines» o asegura que «no es un nepo baby».
’13 Months of Sunshine’ será el primer disco en solitario de Aminé en cuatro años, sucediendo a ‘TwoPointFive’ (2021). En 2023, Aminé publicó ‘Kaytraminé’, un disco colaborativo con KAYTRANADA.
En cuanto a The Streets, acaba de lanzar el single ‘You Think You’ve Been Buried’ y la colaboración ‘Hooligan’ con Jaykae.
La lista de Singles España no presenta novedades en su top 3 y sigue liderada por ‘La Plena‘ de W Sound, Beéle y Ovy on the Drums en el 1, seguida por ‘Flipa’ de JC Reyes en el 2 y ‘Still Luvin’ de Delaossa, Quevedo y Bigla the Kid en el 3.
Aunque Leiva lleva su disco ‘Gigante‘ al número 1 de la lista de álbumes, la de singles la toma completamente el reguetonero estadounidense Eladio Carrión, que coloca 11 de los 22 cortes de su álbum ‘DON KBRON’ en la tabla. La mayor entrada es para ‘Romeo y Julieta’ en el número 5. Su artista invitado, Quevedo, suma gracias a ‘Romeo y Julieta’ un nuevo single top 5 en España.
Además, ‘Vetements’ con Myke Towers entra en el 12, ‘El reggaeton del disco’ con Cris MJ en el 20, ‘H.I.M.’ en el 27, ‘Me muero’ con Lia Kali en el 51, ‘100 conmigo’ en el 56, ‘Ohtani’ en el 61, ‘Invencible’ en el 66, ‘Broly’ con Neutro Shorty en el 67, ‘Tiffany’ con Peso Pluma en el 77 y ‘Piedras en la ventana’ en el 90. ‘DON KBRON’ es top 3 en su correspondiente lista.
Leiva también disemina un puñado de temas de ‘Gigante’ en la tabla de singles. El mejor debut es para ‘El polvo de los días raros’, que abre en el puesto 46 tras su presentación en La Revuelta. Además, ‘Bajo presión’ entra en el 81, ‘Cuarenta mil’ en el 84 y ‘Gigante’ en el 91. De estos temas, el único que no había sido single es ‘Cuarenta Mil’. ‘Caída libre’ con Robe se mantiene en el 34 tras haber llegado al top 10, un raro logro para ser un tema de rock.
La lista deja un par de entradas más, la de ‘Nubes’ de De La Rose y Omar Courtz en el 17 y ‘Sexo Seguro’ de Franco «El Gorilla» y Yandel en el 59. ‘Sexo Seguro’ es una canción originalmente publicada en 2009 que estos días se ha vuelto viral.
Katy Perry ha vuelto a la Tierra tras haber pasado 10 minutos en el espacio, que han sido retransmitidos, en directo, para el mundo a este lado. Perry ha revelado el setlist de la gira de 143 flotando en el espacio, enseñando una hoja de papel con forma de mariposa. Puedes ver el setlist en el hilo de Katy Perry en nuestros foros.
Como informa Billboard, su vuelo «Blue Origin», compuesto solo por mujeres, iba a saltar al espacio hoy lunes 14 de abril a las 9.30am ET, esto es, a las 15.30 hora peninsular española. Se contemplaba que podía retrasarse dependiendo de las condiciones climatológicas, pero finalmente ha sido puntual.
El viaje espacial ha durado unos 11 minutos, llegando a volar 100 kilómetros sobre la Tierra. En Estados Unidos ha sido un acontecimiento que televisado desde la CBS y también desde Paramount+. Katy Perry ha compartido un vídeo en el que aparece conmovida por la coincidencia de que la nave tenga el contorno de una «pluma» y además se llame «Tortoise», pues su madre la llama «Feather» y «Tortoise».
La superestrella hace así realidad (más o menos) el videoclip de ‘E.T.’ con la ayuda del magnate Jeff Bezos. Por suerte, o por desgracia, Kanye West no forma parte del viaje.
La cantante ha ido acompañada de Lauren Sánchez, prometida de Bezos, y Gayle King, presentadora de televisión. Este es el undécimo viaje de la compañía de Bezos. La tripulación es completada por Amanda Nguyen, activista por los derechos civiles; Kerianne Flynn, productora de cine; y Aisha Bowe, exingeniera aeroespacial de la NASA.
El Lifetimes Tour comienza el próximo 23 de abril en México y termina en noviembre, pasando por España.
Katy Perry shares new video ahead of her voyage into space tomorrow.
She reveals that the capsule on which she’s traveling has an outline of a feather, and is named Tortoise — two nicknames her mom calls her. pic.twitter.com/5QVKSwugbp
Leiva entra en el número 1 de álbumes en España con ‘Gigante‘, siendo de los pocos artistas capaces este año de deponer a Bad Bunny de esa posición (los últimos fueron Lady Gaga y Juanjo Bona a mediados de marzo). ‘Gigante’ da a Leiva su sexto número 1 de álbumes en España tras los obtenidos con ‘Pólvora’, ‘Monstruos’, ‘Nuclear‘, el directo de ‘Madrid Nuclear’ y ‘Cuanto te muerdes los labios‘. ‘Diciembre’, el debut de Leiva en solitario, quedó en el puesto 3.
Dentro del top 10 registran entradas también Eladio Carrion con ‘DON KBRN’ en el número 3 y Veintiuno con ‘La balada del delirio y equilibrio’ en el 8. En el 12 abre ‘Super H’, el disco homenaje a Los Planetas, en el que participan desde Carolina Durante hasta Melenas.
La subida más fuerte de la semana la protagoniza Viva Suecia con la reedición en vinilo de su exitoso álbum de 2022 ‘El amor de la clase que sea‘: el disco, que ya fue número 2 en España, sube al 11 desde el 23 y, además, sube al número 5 de la tabla de vinilos. ‘El amor de la clase que sea’ suma en total 131 semanas en lista y está certificado con un Disco de Platino.
Hablando de vinilos, ha movido unos cuantos alrededor del mundo Ethel Cain con la esperada reedición en este formato de su debut de 2022 ‘Preacher’s Daughter‘, que acaba de abrir en el puesto 10 tanto de Estados Unidos como de Reino Unido. En España, ‘Preacher’s Daughter’ debuta en el puesto 23 de la lista general y se posiciona como el 4º vinilo más vendido de la semana. Además, ha registrado entradas en Escocia (2), Australia (5), Países Bajos (10) o Alemania (15).
La semana discográfica deja otro par de entradas nacionales y otro internacional. Elton John y Brandi Carlisle colocan su álbum conjunto ‘Who Believes in Angels?’ en el puesto 32, Skrillex posiciona su disco sorpresa «Andy Warhol» en el 91 y el dueto formado por los rockeros Adrian Smith y Richie Kotzen meten ‘Black Light / White Noise’ en el 94.
En cuanto al resto de entradas nacionales, los catalanes The Tyets colocan ‘Cafè pels més cafeteros’ en el 35 y los granadinos Pepe y Vizio sirven su ‘Puchero’ en el 44.
Justin Vernon no sabía si ‘SABLE, fABLE’ iba a ser su último disco. «Estaría increíblemente satisfecho y orgulloso del trabajo», contaba en su reveladora entrevista con Lil Yachty para Spotify. Este no es su álbum más profundo, ni atrevido, ni revolucionario, pero se puede entender por qué lo tiene en tan alta estima. En su quinto disco, Bon Iver deja de lado lo críptico y lo puramente evocador de sus anteriores proyectos para entregar su pieza más honesta, directa y reconfortante.
‘SABLE, fABLE’ relata la repentina entrada de la luz en la oscura vida del autor, sirviendo como resumen de la vida emocional de Vernon desde su último LP, ‘i,i’ (2019), hasta el día de hoy. Así, está compuesto de dos partes bien diferenciadas: ‘SABLE’, en referencia al color negro (nada que ver con un arma afilada) y lanzada en forma de EP el pasado octubre, y ‘fABLE’, asociada al color salmón y llena de pequeñas lecciones, como su nombre indica. En realidad, todo va de una persona que puso patas arriba el mundo de Bon Iver, sacándolo de lo que parecía un pozo sin fondo.
‘THINGS BEHIND THINGS BEHIND THINGS’ fue escrita durante la pandemia y trata la confusión provocada por un sentimiento no bienvenido. Por otro lado, ‘There’s A Rhythmn’, que da fin al LP, se siente como el canto del cisne de Bon Iver tras haber alcanzado finalmente la paz. Él la describe como «la imagen más veraz de quién soy ahora mismo como persona» y la favorita de toda su carrera. También incluye múltiples referencias al primer disco de Vernon, mencionando la posibilidad de «dejar atrás la nieve».
En este sentido, todo ‘SABLE’ es un regreso al espíritu de ‘Forever Emma, Forever Ago’, tanto en las instrumentales acústicas como en su contenido lírico, pesado y desolador en ocasiones. «Ahora ya sé que no puedo hacer bien / Pero cómo desearía poder», canta en ‘SPEYSIDE’. Las mareas empiezan a cambiar en ‘AWARDS SEASON’, un tema extraminimalista que roza el a cappella y cuya progresión resulta cautivadora, pese a exigir algo de paciencia.
Es aquí donde Bon Iver se desprende totalmente de la melancolía que de alguna manera siempre ha caracterizado su música para dar paso a las canciones más inmediatas de su discografía. Pop del bueno, influenciado ampliamente por el mejor soul. Esto es claro en ‘Everything Is Peaceful Love’, una brillante pieza que mezcla texturas lo-fi con las melodías de Motown y que transmite pura dicha en su estribillo: «Maldita sea si no estoy escalando un árbol ahora mismo / Y cada pequeña cosa es amor».
Todas las canciones de ‘fABLE’ coinciden en lo poco desafiantes que son, pidiendo realmente poco al oyente. Por eso, no suenan como nada que haya lanzado previamente Bon Iver. No tienen estructuras complicadas (más bien lo contrario), ni rarezas en su producción, y todas están escritas con los pies en la tierra. ‘Walk Home’ es una sencilla y efectiva pieza sobre encerrarse en casa con tu persona especial, mientras que la elevada ‘If Only I Could Wait’, a dueto con Danielle Haim, se explica entera desde su título.
El fuerte de estas canciones está precisamente en su simpleza. Es un regalo que Bon Iver haya decidido hacer un disco formado principalmente por canciones de pop sin rodeos, cuando él siempre se ha especializado en deconstruir este género con el objetivo de crear algo diferente. Si alguien puede hacer la mejor versión de este tipo de música, es él. En ‘SABLE, fABLE’ no hay trucos ni efectismo. Solo puro corazón.
También se trata de un paso de testigo a dos de los artistas más prometedores de su generación, que se encargan de poner la guinda a dos de las mejores canciones del LP. Estos son Dijon, cuya voz brilla en la preciosa ‘Day One’, y mk.gee, con su ya icónica guitarra en ‘From’, plagada de melodías redondas y buen gusto. Ambos artistas contribuyen a una escucha amena y bella a partes iguales, que es de agradecer en los tiempos que transcurren. Es como un plato de cocido en un día helado. Un pequeño rayo de luz entre las tinieblas.
La cantautora donostiarra Andrea Buenavista publicaba a finales de 2024 su disco debut, llamado ‘Penas de amor’. «Qué hijo de puta, qué hijo de puta» era el estribillo de la balada orquestada ‘Alguien mejor’. En su Instagram, define -su estilo, de cantautor más bien- como «rock para divorciadas».
Si su sello Sonido Muchacho apuntaba a un estilo de «otro tiempo», «eterno y etéreo, crudo y terrenal», sus canciones invitan al recogimiento. Por eso tiene todo el sentido que Andrea Buenavista haya escogido hablar de «la casa», de la importancia del «hogar», cuando le hemos pedido participar en MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección «freako» comisariada por Jägermusic. La casa como lugar que nos equilibra y reconforta. También que nos obsesiona. La artista referencia canciones y ajenas y nos habla tanto de orden, como de sexo, por el camino.
¿Por qué has elegido hablar sobre tu casa, el hogar, tener bien la casa?
Es de las primeras cosas que me vienen a la mente cuando pienso en lo que es importante para mí. Me va por ahí la neura. Si estoy inquieta con algo, lo proyecto sobre mi casa (y viceversa). ¿Siempre has sido igual de casera o es más una etapa reciente?
Diría que soy especialmente casera en invierno y, sí, de siempre. Las tardes de invierno, cuando por fin he acabado de trabajar, se me hacen de lo más hostil. A veces salgo a tomar una cerveza para despejar la cabeza, pero intentar hacer vida normal con la oscuridad y el frío me parece ir contranatura. Me hace sentir desamparada.
¿Cómo ha sido el invierno para ti? ¿Ves series, compones, te dedicas a ordenar?
Me entristece mucho, como te digo, la falta de luz. Mando discos por correo y corrijo exámenes como si no hubiera un mañana, ya que soy profesora. Y he ordenado el canapé, estoy muy orgullosa de eso. En cuanto a la idea de ordenar, ¿qué opinas de la organización de Marie Kondo?
No me he metido mucho, el documental ese me da una grima que no puedo, pero creo que he cogido unas cuantas cosas de su método. La mejor: llevar cada trasto a la estancia que le corresponde antes de dejarlo en el sitio definitivo de la forma definitiva. También su sistema de doblado, porque trabajé en una tienda de ropa que lo usaba. Eso sí, tengo muchas cosas que no me hacen feliz. Y tanto.
¿Qué es lo que más te gusta y lo que menos de una casa?
Lo que más me gusta es limpiarla, adecentarla, optimizar cada rincón para que todo tenga sentido. Y lo que menos me gusta es ponerme a hacer todo eso. ¿Hogar y casa es lo mismo?
Te respondo con dos títulos de canciones: ‘A House Is Not a Home’ de Dionne Warwick y ‘Home Is Where the Heart Is’ de Elvis Presley.
¿Hay más canciones sobre este tema que hayan sido importantes para ti? ¿O incluso algún disco completo?
Estaba pensando en alguna que no fuera evidente y me he dado cuenta de que asocio con el tema muchas canciones que seguramente no mencionan el término, y eso que en inglés las hay a patadas. ¿Springsteen, por ejemplo, habla mucho del tema o es cosa mía? Diré ‘Our House’ de Crosby, Stills, Nash & Young.
A veces se asocia ser una persona casera con un desagrado por la fiesta o con alguien “aburrido”. ¿Tiene algo que ver?
Sí. Entiendo que para mis amigos seré aburrida cuando decido no salir de casa, pero “no todo va a ser follar”.
Dices que «no todo va a ser follar» como en contraposición a ser casera, ¡pero mucha gente usa su casa para follar! XD Cuando piensas en ser casera, ¿estamos hablando más bien de una idea de soledad? ¿Por qué?
Lo decía por la canción de Krahe, no era literal. Me refería a que no se puede estar todo el día de pingo. En ningún sitio se folla como en casa, desde luego. Pero, hablando en serio, llevo muchos años viviendo sola: sí que lo asocio. Tanto la casa como la soledad (deseada, como se dice) son un refugio del mundanal ruido y de las propias payasadas que uno hace cuando está acompañado. Diría que uno de los momentos en los que mayor plenitud siento es que cuando todo está limpio, la luz mola, pongo un disco y me abro un botellín para ponerme a cocinar… gloria bendita.
«La casa y la soledad deseadas son un refugio del mundanal ruido y de las propias payasadas que uno hace cuando está acompañado»
Nuestra casa es sinónimo de seguridad, tranquilidad… ¿Qué otras cualidades asocias con tu casa?
Obsesión.
¿Por qué asocias la idea de «obsesión» con la de «casa»?
La asocio a la obsesión porque siempre hay algo que no está como debería y que me taladra el cerebro. Es uno de los temas más recurrentes cuando mis amigos me preguntan qué tal. Me trae por la cuesta de la amargura, pero un par de semanas al año, como ahora que he ordenado el canapé, me dan un gustito y una paz…
¿Cómo se refleja el amor a tu casa en tú música?
Una canción que se llama ‘Íñigo’ empieza así: «Tengo una casa / con su despensa. / A todas luces, / la mejor». Después tengo otra que relaciono con el concepto de hogar o de refugio, pero no habla de una casa; sería un hogar simbólico: ‘Copa C’.
¿Qué piensas sobre el problema de la vivienda que hay en España?
Está jodido.
Leire Martínez ha revolucionado el mundo del pop español con su primer single en solitario. Una sucesión de entrevistas sin prejuicios, llenas de humor y fuerza interior precedían la semana pasada a un pequeño torbellino de canción llamada ‘Mi nombre’.
La composición lograba colarse en el top 50 de lo más escuchado en Spotify España el día de salida, exactamente en el puesto 49. Tiene mérito porque la lista está plagada de reggaeton, sonido urban y sobre todo mucho featuring. Pero ‘Mi nombre’ tenía que ser una canción en solitario.
‘Mi nombre’, nuestra Canción del Día hoy, es un tema de autoafirmación, que solo puede estar dirigido a los miembros de La Oreja de Van Gogh. «Búscate a alguien que me sustituya / Ya lo hiciste una vez / Pero tú ya no podrás esconder más / Dos caras y un nombre». Y además, no oculta cierto sabor a venganza: «¿Dónde firmo para que te cobren las mentiras que tan bien escondes, pero que te volverán… gritando mi nombre?».
Leire ha elaborado esta canción con dos autores llamados Pedro Elipe y Marc Montserrat, a los que llegó a través de su sello, tras unas primeras sesiones con el cantautor Andrés Suárez. Así nos habló del proceso creativo en una entrevista con JENESAISPOP: «La parte de escribir la tenía muy clara y me veía capacitada para ello, pero estaba un poco bloqueada con el tema musical, con crear unas melodías. Ahí empecé a pedir ayuda a quien tenía alrededor. Inicialmente fue la oficina de management la que me dijo que conocían gente que escribe canciones y que me podían enseñar, dar pautas, lo que sea. Y así fue. Esta canción nace después de muchas conversaciones con Pedro y con Marc. Al principio, una de las cosas que más me costó fue exponerme y crear junto a gente a la que no conozco y de la que no sé nada. Yo necesité hablar y sentir que de alguna manera empezamos a conocernos mínima o máximamente».
Con ellos, se ha encargado de construir un tema que no tiene los recovecos imposibles que solían identificar los textos de Pablo Benegas y Xabi San Martín de LOVG, pero sí replica claramente sus trucos melódicos. Un tema pop-rock 100% La Oreja de Van Gogh que contiene una referencia a ‘El último vals’ («bienvenido a este lugar») y recuerda muchísimo a ‘La niña que llora en tus fiestas’. Solo que, claro, Leire, ya ha llorado lo suficiente.
Lizzo ha lanzado de momento dos singles de su próximo disco, ‘Love In Real Life‘ y ‘Still Bad’. Ninguno ha conquistado las listas de éxitos. Tras varias semanas, el primero suma aún solo 4,5 millones de streams en Spotify, y el segundo, 6,7 millones. Un puesto 100 para ‘Still Bad’ en Canadá es el mejor dato que hemos encontrado para cualquiera de las dos canciones. ¿De verdad Lizzo no ha sido capaz de lograr un top 100 en UK ni en USA?
La cantante ha recurrido este fin de semana a Saturday Night Live para intentar relanzar la era y allí ha interpretado un medley entre las mencionadas canciones: ‘Love In Real Life’ y ‘Still Bad’.
Lizzo ha comenzado la primera aporreando la guitarra eléctrica, acompañada de un coro, y ha terminado bailando la segunda, con todo un cuerpo coreográfico. También ha lucido durante el programa una camiseta de Britney Spears, tras haber afirmado hace unos días que esta era una imitadora de Janet Jackson. La cantante parece buscar redimirse de sus errores.
Aunque el mayor intento es el estreno de un nuevo tema. Lizzo ha presentado una nueva canción llamada ‘Don’t Make Me Love You’, que es puro años 80. Un cruce entre una melodía de Freddie Mercury -circa ‘I Want to Break Free’- y, como dicen en nuestro foro de Lizzo, Tina Turner. ¿Funcionará cuando se publique?
En plena polémica en el Ayuntamiento de Madrid por el reconocimiento que le quieren hacer las instituciones del Partido Popular tras haberle contratado ya por actuaciones que implican más de 100.000 euros de dinero público, Mario Vaquerizo ha concedido otra entrevista. En este caso, el tema que ha llamado la atención de los medios es su ausencia en ‘La Revuelta’.
El marido de Alaska ya había revelado previamente en The Objective que en el programa de David Broncano no le quisieron como invitado: “Yo llamé y dije que quería ir, pero me dijeron que no interesaba”. Concluyó, entonces, diplomático: «En cada casa va quien quiere el jefe». Ahora, en el podcast «Ponte los cascos» ha lamentado, escocido, que sigan sin llamarle para ‘La Revuelta’. No, no le basta con salir regularmente en ‘El Hormiguero’ o haber acudido hace un mes al Late Xou de Marc Giró, que también es de RTVE: también quiere ir a ‘La Revuelta’.
“No, no llaman”, ha declarado al tiempo que ha querido hacer hincapié en el hecho de que este programa lo paguemos todos: «A la casa de todos tiene que ir todo el mundo».
Mario Vaquerizo pone así el dedo en la llaga del que ha sido uno de los debates más repetidos durante los últimos meses: el dinero que el programa de David Broncano nos cuesta a todos, y que en el fondo no es mucho más de lo que cuestan otras series y formatos de RTVE.
‘La Revuelta’ cuesta 87.500 euros por episodio, mientras ‘Cuéntame cómo pasó’ podía costar 762.000 euros por episodio, y ‘Masterchef Celebrity’, 775.500 euros por episodio. No está mal para un programa que siguen todos los días unos 2 millones de personas solo en la televisión tradicional, sin contar el altísimo impacto que tiene en RTVE Play y en redes.
Pero sobre todo en ese «a la casa de todos tiene que ir todo el mundo», Mario Vaquerizo está obviando que el potencial de invitados para el programa es infinito, pero los programas son finitos, y por tanto, «no, no puede ir todo el mundo». ‘La Revuelta’ no se centra específicamente en el mundo de la cultura o las artes. A menudo acuden doctores, científicos, deportistas, activistas y personalidades públicas de toda índole.
Incluso centrándonos en la música, la lista de artistas que no han acudido a ‘La Revuelta’ será siempre infinita. Tanta como una oferta que hoy en día incluye reggaeton, trap, indie, rock, cantautor, bedroom pop y un inacabable etcétera. Ciñéndonos a un estilo parecido al de Nancys Rubias, el grupo de Mario Vaquerizo, ¿por qué no deberían ir antes Ojete Calor, que llenan espacios en Madrid para 15.000 personas, o Ladilla Rusa, que multiplican por 4 el número de oyentes en Spotify del grupo de Vaquerizo? Y sobre todo, ¿cuándo van a ir a ‘La Revuelta’ Alcalá Norte, el grupo ganador del Premio Ruido a Disco Nacional del Año, y que lo llevan pidiendo en redes sociales desde hace meses?
Al final, cada uno tendremos una opinión sobre quién tiene que ir al programa de David Broncano: quién lo merece, quién daría juego, quién lo hará mejor que Amaia o Leiva… pero en definitiva, quien tiene la última palabra, es ‘La Revuelta’.
Mario Vargas Llosa ha fallecido este domingo 13 de abril en la ciudad de Lima a los 89 años. Considerado uno de los escritores más importantes de la literatura contemporánea, era autor de obras como ‘Conversación en La Catedral’, ‘La ciudad y los perros’ o ‘La fiesta del Chivo’. En 2010 recibió el Premio Nobel de Literatura. Fue el año en que publicó ‘El sueño del celta’.
En 2023 editaba su última novela, ‘Le dedico mi silencio’, que suponía abiertamente su despedida, y también decía adiós a su faceta de columnista en medios como El País, donde tenía la tribuna llamada «Piedra de toque«.
El comunicado de sus hijos indica que “su partida entristecerá a sus parientes, a sus amigos y a sus lectores, pero esperamos que encuentren consuelo, como nosotros, en el hecho de que gozó de una vida larga, múltiple y fructífera, y deja detrás suyo una obra que lo sobrevivirá».
También aseguran que, siguiendo sus «instrucciones», «no tendrá lugar ninguna ceremonia pública»: «Nuestra madre, nuestros hijos y nosotros mismos confiamos en tener el espacio y la privacidad para despedirlo en familia y en compañía de amigos cercanos. Sus restos, como era su voluntad, serán incinerados”.
Aparte de por su trabajo como novelista y múltiples premios, del Cervantes al Príncipe de Asturias; Vargas Llosa fue noticia por su deriva política -del comunismo en su juventud al liberalismo desde los 80, presentándose a las elecciones de Perú en 1990-, y por sus parejas, lo que incluyó a su prima Patricia Llosa Urquidi, y a Isabel Preysler entre 2015 y 2022.
«No estar mal es estar bien» es una de las últimas frases de ‘ZULOA’, el trabajo con el que Merina Gris ponen banda sonora al dolor de toda una generación. De esto es justamente de lo que hablaban Sara, Paskal y Julen en su entrevista con JENESAISPOP: «Con todas las expectativas que tenemos con respecto a absolutamente todo, se crea una frustración generalizada que es una mierda». Pese a sus temas centrales -desapego, desamor, soledad, miedo-, ‘ZULOA’ no suena deprimente, sino liberador.
Camufladas bajo pegadizas melodías, las letras recogen los sentimientos más vulnerables que una banda enmascarada puede regalar. Tanto, que una persona que entienda euskera y otra que no pueden disfrutar de dos experiencias totalmente diferentes. ‘lilili’ es un banger absoluto que coquetea tanto con el hyperpop como con el jersey beat en su recta final. Está listo para el club. Sin embargo, Sara canta: «¿Cómo dejar ir a quien quieres y dejar atrás todo lo vivido?».
Lo mismo ocurre con ‘Hiru Damatxo’, un alegato encubierto contra la gentrificación («La ciudad no lo va a perdonar / Dejad en paz Donosti»); ‘Lotu Zure Txakurrak’, un minimalista corte de rap convertido en himno feminista («Si deja que te rayes, ahí no es / Si no se pone en duda, ahí no es»); o ‘Triste Dabil Aita’, un tema totalmente impredecible y cuyo título (‘Aita está triste’) no casa nada con su eufórico final.
En lo musical, Merina Gris son de la escuela del glitch y de los detalles minuciosos. Parten de ahí para jugar con un mar de géneros: hyperpop, electrónica, hip hop, drum ‘n’ bass, dream pop… Siempre con una sensibilidad melódica sorprendente. También se permiten el lujo de introducir samples de algunas de las canciones más queridas de la década de los 2000, como son ‘Mr. Brightside’ de The Killers y ‘I Miss You’ de blink-182. Ellos nos cuentan que sirven como guiño más que otra cosa, pero en mitad de este océano de sentimientos, la nostalgia es totalmente bienvenida.
Solo hay una canción que realmente suena dramática, acorde al tema que trata, y resulta que también es la mejor del proyecto. ‘Mejor*’, descrita por el grupo como «un funeral», comienza con unas punzantes cuerdas sobre las que Sara reflexiona sobre los cabos sueltos de una ruptura («Cantarte así no va a servir, ya no escuchas Merina Gris»). Para terminar, una interpretación de Julen tan desgarradora como impresionante. Es a la vez una de sus pocas intervenciones vocales en el proyecto. «Quiero que seas feliz pero que nada te sepa a mí», grita repetidamente en el clímax del tema. Él mismo nos confesó que le «dolía el pecho» al terminar.
‘ZULOA’ se traduce al castellano como «el agujero», y hay múltiples referencias a lo largo del LP a los distintos significados de esta palabra. «Puede ser un sitio por donde te caes, pero también por donde entra la luz», nos contaba Julen. En ‘Irteera’, un revival de la balada ochentera que perfectamente podría estar en el soundtrack de ‘Drive’, se da una especie de resolución a esta cuestión: «El agujero era la salida». ¿Cómo de un lugar tan oscuro puede haber salido algo tan brillante?
Pulp, los gigantes del britpop, vuelven con su primer disco en 24 años, ‘More’, que se lanzará el 6 de junio. ‘More’ será el sucesor de ‘We Love Life’, publicado en el lejano 2001. ‘Spike Island’, el primer adelanto del LP, es la Canción del Día.
El propio Jarvis Cocker cuenta en la nota de prensa oficial que ‘More’ es el disco que han grabado «más rápido» de toda su carrera. En concreto fueron tres semanas de grabación en Londres el pasado noviembre con James Ford en el papel de productor. Ford asumió la producción de ‘More’ antes de ser diagnosticado con leucemia. Richard Hawley, Jason Buckle y la familia Eno participan en el álbum.
Cocker también detalla que todo empezó en su regreso a los escenarios en 2023, cuando presentaron la canción ‘Hymn of the North’ en Sheffield: «Esto abrió las puertas y el resto de canciones se nos ocurrieron durante la primera mitad de 2024». También aclara que «un par de ellas son una recuperación de ideas del último siglo», que no se ha usado la IA en el proceso musical (aunque sí en el videoclip) y que el disco está dedicado al difunto Steve Mackey.
La versión grabada de ‘Spike Island‘, la canción que estrenaron en directo en 2024, es el primer single. Es un regreso total de Pulp al britpop que les hizo triunfar en los 90. La nostalgia está introducida hasta en la letra, en la que Cocker canta sobre el mítico recinto en el que los Stone Roses tocaron en 1990: «Spike Island come alive by the way / This time I’ll get it right», canta el frontman.
Tracklist de ‘More’:
01 Spike Island
02 Tina
03 Grown Ups
04 Slow Jam
05 Farmers Market
06 My Sex
07 Got to Have Love
08 Background Noise
09 Partial Eclipse
10 The Hymn of the North
11 A Sunset
Mariah Carey ha anunciado una reedición de ‘The Emancipation Of Mimi’ por su 20 aniversario que llegará el próximo 30 de mayo. Lo ha hecho con el lanzameinto de un nuevo remix de ‘Don’t Forget About Us’ por parte de KAYTRANADA.
La nueva edición del aclamado disco incluirá 5 discos de vinilo con el disco original, la edición Ultra Platinum, y una serie de nuevos remixes de KAYTRANADA y Esentrik. Asimismo, el box set incluirá docenas de bonus tracks, instrumentales y a cappellas, además de un libreto de 28 páginas con fotografías de la cantante y una carta suya dirigida a los fans.
«Mientras trabajaba en esta edición, pude revivir todos los recuerdos de este momento crucial en mi vida personal y profesional. Este disco contiene algunos de mis éxitos más grandes hasta la fecha, así como algunas favoritas que son muy especiales para mí», ha declarado Carey.
Después del espectacular concierto de Lady Gaga en la jornada inaugural, el segundo día de Coachella ha destacado por sus reivindicaciones políticas. En concreto, con la aparición de Bernie Sanders antes del set de Clairo, a la que ha alabado por usar su «prominencia para luchar por los derechos de las mujeres y para intentar acabar con la terrible guerra en Gaza».
Sanders salió al escenario y antes de presentar a la artista aseguró a las miles de personas presentes que Estados Unidos estaba atravesando un momento difícil y que «el futuro de lo que ocurra depende de vuestra generación». Entonces, animó a los jóvenes asistentes a «luchar por la justicia económica, social y racial».
Este aprovechó el momento para dedicar unas palabras a la administración de Trump, despertando los abucheos inmediatos de la multitud. «Estoy de acuerdo», reaccionó Sanders: «Él piensa que el cambio climático es una estafa. Está peligrosamente equivocado, y tú y yo vamos a tener que enfrentarnos a la industria de los combustibles fósiles y decirles que dejen de destruir este planeta».
Antes de la aparición de Clairo, Sanders dejó claro que él estaba ahí para presentarla, «no porque sean una gran banda, y no porque Clairo ya estuviese subiendo vídeos a Internet con 13 años como cantautora», sino porque «Clairo ha usado su prominencia para luchar por los derechos de las mujeres, y para intentar acabar con la terrible y brutal guerra en Gaza».
Por otro lado, Charli xcx también regaló uno de los conciertos más memorables del día, invitando al escenario a Troye Sivan, Billie Eilish y Lorde para interpretar sus respectivos remixes. A esta última le pasó el testigo de ‘BRAT’, proclamando el próximo verano como el «Lorde Summer». Hace unos días, la neozelandesa publicaba un teaser que parecía anunciar la llegada de su cuarto disco.
The younger generation has to help lead in the fight to combat climate change, protect women’s rights, and build an economy that works for all, not just the few. pic.twitter.com/8sGvKAuNYY
The Order (Justin Kurzel)
Los caminos de la distribución cinematográfica española son inescrutables. ¿Cómo es posible que un thriller que ha triunfado en el festival de Venecia, dirigido por un director tan valorado entre la cinefilia como Justin Kurzel (‘Macbeth’, ‘Nitram’) y protagonizado por dos estrellas de Hollywood como Jude Law y Nicholas Hoult, no haya encontrado distribuidora en España y haya entrado directamente a engrosar el catálogo de Prime Video? Viendo lo que se estrena cada semana, ¿de verdad esta película no tiene suficiente tirón comercial como para pasar por las salas?
‘The Order’ es un policiaco duro, áspero y violento, basado en un caso criminal real ocurrido en el noroeste de Estados Unidos en 1983, protagonizado por un grupo paramilitar supremacista (“La orden” del título). Kurzel logra un equilibrio notable entre el cine de acción más físico (los tiroteos son impresionantes), el drama personal y familiar (los personajes están perfilados con gran precisión, con un Jude Law extraordinario en el papel de un agente del FBI bastante chungo), y la descripción del contexto político, con evidentes resonancias contemporáneas. Un duelo casi de western, con una potencia visual y narrativa arrolladora. Imprescindible para quienes disfrutan de la relectura del género que están llevando a cabo cineastas como S. Craig Zahler o Taylor Sheridan. 8’7 Dónde verla: Prime Video
The Last Stop in Yuma County (Francis Galluppi)
Otra maravilla del thriller. En este caso, se trata de una pequeña pieza de cámara, un modesto debut rodado en apenas un par de escenarios y con una veintena de actores (encabezados por el también director Jim Cummings), que funciona extraordinariamente bien gracias a un guion ingeniosísimo, un manejo excepcional de la tensión dramática y una puesta en escena enormemente eficaz, a la que no le sobra ni un solo plano.
Con ecos (no estruendosos) de Hitchcock, Tarantino y los hermanos Coen, ‘The Last Stop in Yuma County’ (ganadora del premio a la mejor película en la sección Òrbita de Sitges, dedicada al thriller), es un ejemplo de concisión narrativa y de habilidad para combinar distintos tonos: del humor negro a la acción criminal, pasando por el suspense psicológico. No por casualidad, Sam Raimi ha fichado a su director, Francis Galluppi, para que ruede la próxima entrega de ‘Evil Dead’, tras la que va a firmar este año Sébastien Vanicek, realizador de ‘Vermin: La plaga’ (2023). 8’5 Dónde verla: Movistar+
Entre los templos (Nathan Silver)
Hasta el año pasado, cuando la Seminci organizó una retrospectiva de su obra (la mano de José Luis Cienfuegos se nota en este tipo de iniciativas), el neoyorquino Nathan Silver era prácticamente desconocido en España. Ninguno de sus nueve largometrajes se ha estrenado comercialmente y apenas se han podido ver en festivales especializados, como el barcelonés Americana Film Fest.
‘Entre los templos’ es su película más popular hasta la fecha, gracias a su recorrido en festivales (Berlín, Sundance), las nominaciones en premios indies (Independent Spirit Awards, Gotham) y la presencia de intérpretes conocidos: el “chico Anderson” Jason Schwartzman y la veterana Carol Kane, un icono del Nuevo Hollywood de los años setenta (‘Tarde de perros’, ‘Annie Hall’), con el que la película de Silver comparte más de un punto en común. ‘Entre los templos’ es una divertidísima y heterodoxa comedia romántica protagonizada por personajes grises y deprimidos: un cantor de sinagoga viudo que ha perdido la voz y una profesora de música jubilada que busca un horizonte vital en la religión. Una suerte de screwball comedy esquinada con un trasfondo de drama existencialista, que supone una puerta de entrada perfecta al particular universo de un cineasta que, poco a poco, empieza a recibir el reconocimiento que merece. 8’3. Dónde verla: Movistar+, Prime Video, AppleTV+, RakutenTV
The Rapture (Iris Kaltenbäck)
Ha sido uno de los debuts más aplaudidos del año pasado en Francia. Premiada en Cannes y nominada en los premios Cesar, ‘The Rapture’ es un drama psicológico sobre la maternidad, sobre cómo afecta el nacimiento de un hijo en una relación de amistad, inspirado en un caso real. La historia de una pequeña mentira que se va haciendo cada vez más grande, a medida que la protagonista, una comadrona con problemas sentimentales, va añadiendo capas y capas a su engaño hasta verse atrapada en él. Una huida hacia adelante con consecuencias fatales.
La cineasta Iris Kaltenbäck construye un personaje extraordinario, lleno de matices y complejidad psicológica. Este es el principal interés de la película: no juzgar al personaje sino comprenderlo; explicar cómo una persona “normal” puede llegar a hacer algo así; mostrar los mecanismos psíquicos y emocionales que pueden empujar a alguien a comportarse de esa manera. Y Kaltenbäck lo hace de forma excepcional, demostrando tener un enorme control del ritmo narrativo y la tensión dramática. Una joya de una directora a seguir muy de cerca. 8 Dónde verla: Filmin
Fremont (Babak Jalali)
Ha sido uno de los descubrimientos más estimulantes del cine reciente. Una película estadounidense verdaderamente indie (ganó el premio John Cassavetes a la mejor película con presupuesto inferior a 500.000 dólares), de un director, Babak Jalali, muy premiado en festivales (Rotterdam, Karlovy Vary) pero muy poco distribuido internacionalmente (en España no se ha estrenado nada, ni siquiera en plataformas).
Su inesperada nominación en los British Independent Film Awards, junto a pesos pesados como ‘Anatomía de una caída’, ‘Fallen Leaves’ y ‘Vidas pasadas’, le ha proporcionado una visibilidad (también impulsada por la presencia de Jeremy Allen White) que no había tenido hasta ahora. Por medio de una puesta en escena muy despojada, influida por el primer Jim Jarmusch, ‘Fremont’ narra una melancólica historia de soledades y desarraigo, protagonizada por una traductora afgana que trabaja en una fábrica de galletas de la suerte tras haber huido de los talibanes. 8’3 Dónde verla: Movistar+, Filmin, AppleTV+, RakutenTV
Gasoline Rainbow (Bill y Turner Ross)
Los hermanos Ross llevan más de una década realizando documentales y acumulando premios. Con su primer largometraje de ficción han optado por una narración híbrida, estrategia que ya habían explorado en la anterior ‘Bloody Nose, Empty Pockets’ (2020). ‘Gasoline Rainbow’ narra el viaje que emprenden cinco adolescentes de un pequeño pueblo de Oregón, recién graduados en secundaria, hasta la costa del Pacífico, en la desembocadura del rio Columbia, donde se va a celebrar un fiestorro.
Sobre ese mínimo andamiaje dramático, los directores construyen una melancólica y poética road movie juvenil, donde la realidad se va filtrando en la ficción de forma parecida a como ocurría en ‘Quien lo impide’ (2021) de David Trueba. La película avanza como un diario audiovisual: vemos a los protagonistas (actores no profesionales) en su trayecto y escuchamos, a través de una voz en off, sus reflexiones más personales. El resultado es un tierno y emotivo coming of age, cuyos referentes estéticos son más noventeros que contemporáneos: Gus Van Sant, Gregg Araki, Larry Clark, las primeras fotografías de Ryan McGinley, la cultura skate… 8’5. Dónde verla: MUBI
La venus de plata (Héléna Klotz)
El segundo largometraje de Héléna Klotz, cineasta que se dio a conocer (aparte de por ser hija del director Nicolas Klotz) con la prometedora ‘La edad atómica’ (2012), es un notable drama de formación, un coming of age ambientado en el mundo de las finanzas y el trading.
Protagonizada por Niels Schneider (‘Golpe de suerte’, ‘Sangre y dinero’) y la estrella del pop francés Pomme (Claire Pommet, en su debut como actriz), ‘La venus de plata’ se puede ver como una mezcla, en clave femenina, juvenil y tardocapitalista, de ‘Wall Street’ (1987) y ‘Martin Eden’ (2019). Un relato visualmente hipnótico de arribismo, deserciones de clase y paso a la madurez, protagonizado por una aspirante a “loba de Wall Sreet” caracterizada por su aspecto andrógino, talento para las finanzas y una fuerza de voluntad tan férrea como despiadada. La película fue la ganadora del Atlàntida Mallorca Film Fest 2024. 7’9 Dónde verla: Filmin
¡Linda quiere pollo! (Chiara Malta, Sébastien Laudenbach)
No es fácil sacudirse el dominio estilístico impuesto por Disney y Japón en la animación dirigida a todos los públicos. Salirse de esos patrones gráficos conlleva un riesgo comercial que no todos están dispuestos a asumir. Por eso es una gran noticia que una película tan a contracorriente, desde el punto de vista formal, como ‘¡Linda quiere pollo!’ se haya estrenado en Francia y vaya a tener vida más allá de los festivales (arrasó en Annecy y fue la principal rival de la española ‘Robot Dreams’ en los Premios del Cine Europeo).
Dirigida por Chiara Malta y el animador Sébastien Laudenbach (conocido por ‘La jeune fille sans mains’), la película es una encantadora comedia musical llena de ternura, humor alocado, rebeldía infantil y unas estupendas canciones compuestas por Clément Ducol, autor de la banda sonora de ‘Emilia Pérez’ junto a su pareja Camille. Todo ello articulado a través de un estilo de animación brillante, con una utilización muy creativa y simbólica del dibujo y el color. 7’5. Dónde verla: Movistar+
Banda sonora para un golpe de estado (Johan Grimonprez)
En 1961, el presidente del Congo, Patrice Lumumba, fue asesinado durante un golpe de Estado promovido por Bélgica y la CIA. Su muerte tuvo un gran impacto a nivel mundial, particularmente entre el activismo afroamericano, para el cual el líder congoleño se había convertido en un símbolo de la lucha contra el colonialismo y el racismo. El crimen llevó a los músicos Abbey Lincoln y Max Roach a irrumpir en una sesión de la ONU como señal de protesta.
Partiendo de ese suceso, el documental ‘Banda sonora para un golpe de estado’ disecciona el complot para matar a Lumumba en forma de ensayo visual y sonoro. El cineasta belga Johan Grimonprez (nominado al Oscar por este trabajo) explora la relación entre el colonialismo, el capitalismo y los movimientos de resistencia negra de los años 60. Y lo hace de forma más poética que histórica, a través de un brillante montaje de imágenes de archivo y actuaciones de grandes nombres del jazz como Nina Simone, Louis Armstrong o Thelonious Monk. Quizás le sobre algo de metraje (dura dos horas y media), pero el experimento es tan audaz como deslumbrante. 7. Dónde verla: Filmin
Lynch/Oz (Alexandre O. Philippe)
Alexandre O. Philippe lleva dos décadas realizando documentales sobre cine desde enfoques bastante originales. Su película más conocida, ‘78/52: La escena que cambió el cine’ (2017), se centraba en analizar una única secuencia: los 52 planos de la célebre escena de la ducha de ‘Psicosis’ (1960). Coincidiendo con el fallecimiento de David Lynch -y a la espera de que alguna plataforma estrene su último trabajo, ‘Chain Reactions’, sobre el impacto que tuvo ‘La matanza de Texas’ (1974) en la historia del género de terror- qué mejor momento para recuperar otro de sus documentales más celebrados: ‘Lynch/Oz’, sobre la decisiva influencia que tuvo el clásico ‘El mago de Oz’ (1939) en el universo creativo del genio de Montana.
La crítica de Los Angeles Times Amy Nicholson, el también documentalista de cine Rodney Ascher (‘Habitación 237’) y los cineastas John Waters, Karyn Kusama (‘La invitación’), David Lowery (‘A Ghost Story’) y la dupla Justin Benson, Aaron Moorhead (‘El infinito’) son los comentaristas que analizan la obra de Lynch y trazan sus vínculos con la película que encumbró a Judy Garland. Aunque a veces coinciden en sus interpretaciones y resulta algo reiterativo, este ensayo visual ofrece un ejercicio fascinante de análisis fílmico, que no solo ilumina nuevas capas en la obra de Lynch, sino que también invita a reconsiderar ‘El mago de Oz’ como una de las grandes fuentes mitológicas del cine contemporáneo. 7. Dónde verla: Filmin
Nostalgia y verano son las mejores palabras para describir el nuevo single de San Tosielo. Los canarios Pablo y Adrián regresan con ‘Good old days’, el primer adelanto de su próximo disco y la Canción del Día de hoy.
Recomendada por raperos como Cruz Cafuné y ABHIR, paisanos de San Tosielo, ‘Good old days’ es un paseo por el ayer que invita a la vez a disfrutar del presente. La letra, que habla de esos «momentos que realmente valen la pena», como «cuando me enamoré» o «cuando me atreví y la besé», es capaz de encoger el corazón a cualquiera.
Esta casa perfectamente con el indie pop instantáneo, full de reverb y buen rollo, que Pablo y Adrián despliegan en el tema. El videoclip, por otro lado, refleja el humor que también caracteriza al dúo canario. Tal y como hizo recientemente Doechii con ‘DENIAL IS A RIVER’, San Tosielo deciden convertir ‘Good old days’ en una sitcom de los años 80.
Lady Gaga ha regalado una actuación historica en Coachella, cuya primera jornada ha sido rebautizada de forma unánime como GAGACHELLA. La autora de ‘MAYHEM’ prometió una «ópera en el desierto» y eso es justo lo que ha brindado. Igual hasta han merecido la pena los atascos de 12 horas.
Era la segunda vez que Gaga actuaba en el festival californiano, la primera desde su debut en 2017, y se ha asegurado de dejar marca con un set en el que ha entrado tanto su nuevo material como los clásicos. Tampoco ha ido corto de cambios de outfit, coreografías multitudinarias, teatralidad y muchos, muchos esqueletos, como en la actuación de ‘Perfect Celebrity’.
Gaga abrió el concierto con ‘Bloody Mary’, sacada de ‘Born This Way’ y viralizada en 2023 gracias a la serie ‘Miércoles’, ataviada con un vestido delante de un fondo adornado con gárgolas y ángeles. Este fue el comienzo del primer acto de cuatro, titulado ‘Del Terciopelo y el Vicio’. Este también incluyó ‘Judas’ y ‘Poker Face’, con la que desplegó un tablero de ajedrez humano.
Durante el resto de actos (‘Y Ella Cayó En Un Sueño Gótico’, ‘La Preciosa Pesadilla Que Conoce Su Nombre’, ‘Despertarla Es Perderla’ y ‘Aria Eterna del Corazón Monstruoso’), Gaga desempolvó sus mayores hits, como ‘Paparazz’, ‘Born This Way’, ‘Shallow’ y el gran final con ‘Bad Romance’.
Por otro lado, Brian May se unió al concierto de Benson Boone para tocar la guitarra en ‘Bohemian Rhapsody’ y ‘Beautiful Things’. KNEECAP protagonizaron uno de los momentos más polémicos de la noche, al hacer que el público cantase a pleno pulmón ‘Maggie’s in a Box’ con la melodía de la canción ‘Give It Up’ de KC and the Sunshine Band.
Por supuesto, en referencia a la ex primer ministra británica Margaret Thatcher. «Si alguien se lo preguntaba, Margaret Thatcher sigue muerta», dijeron, despertando el griterío del público.
Parece impensable ahora, pero ‘The White Lotus’ empezó siendo un “plan B” de HBO. En plena pandemia, la plataforma buscaba ideas que encajasen con la marca, pero que pudiesen rodarse respetando las restricciones del COVID – y, por supuesto, que el virus no estuviera presente en la trama. Quién les iba a decir que esa miniserie prevista para servir poco más que de intermedio entre éxito y éxito iba a acabar convirtiéndose en eso: un éxito. Un éxito tremendo y uno de los pocos que no involucra sagas, adaptaciones ni demás parafernalia. Aunque la primera temporada fue más de nicho, la segunda temporada fue sumando adeptos, y la tercera se ha vivido ya desde su inicio como una serie mainstream. El último episodio de la tercera ha sumado un 50% más espectadores que el último de la segunda (no digamos ya de la primera), y alcanza cifras que pueden ir mirándose de tú a tú con gigantes como ‘La Casa del Dragón’.
No estaba claro que fuese a funcionar tan bien esta tercera tanda, ojo. Se repite la ambientación en un resort de lujo, en este caso en Tailandia, y se repite la estructura, pero no sabíamos hasta qué punto iba a afectar la ausencia de Jennifer Coolidge, la máxima representación de la serie, y el primer episodio de la tercera temporada se recibió de manera más bien fría. Esto último, en cierta manera, no ha cambiado mucho: las audiencias son tremendas, pero echando un vistazo a las redes estas semanas parecía que ‘The White Lotus’ se hubiese convertido de repente en un bodrio. Muchas de esas críticas tan extremas parecen haber olvidado qué serie es ésta, reduciéndola a una especie de “misterio con memes”, quizás como consecuencia de esa entrada en el mainstream actual, dominado por la gratificación instantánea y los códigos tiktokeros. ¿Explicación pedante? Puede ser. Pero el propio creador de la serie parece estar de acuerdo, en unas sorprendentes declaraciones en las que afirma estar “haciendo edging, y si el espectador no quiere que le haga edging, ¡que se vaya de mi cama, coño!”, para terminar con un tan innecesario como impagable “no seas un pasivo mandón”.
Desde luego hay que detenerse en Mike White (creador, director y guionista), responsable de lo bueno y de lo malo en una de las pocas series realmente autorales que podemos encontrar. Por un lado, lo del edging y demás no quita que esta temporada haya sido quizás la más floja, y que existan varios aspectos que limar de cara a la confirmadísima cuarta. No tanto en el misterio, sino en la construcción de personajes, por lo general mucho más fina en las anteriores, y que aquí se resiente especialmente en algunos que de tanto dar vueltas resultan algo unidimensionales, como el de Jason Isaacs, el de Walton Goggins y, sobre todo, la subtrama de la cantante Lisa y su enamorado Tayme Tapthimthong. También, aunque en menor medida, los hermanos Patrick Schwarzenegger y Sam Nivola con su cacareada trama. Quizás el hecho de que haya dado tanto que hablar se debe también a ese salto al mainstream de la serie, y a una cultura audiovisual como la actual, que es sex-negative y por dentro guarrísima. O quizás es que estos días estoy leyendo ‘El cordero carnívoro’ y, a su lado, estos hermanos parecen de ‘Dora La Exploradora’.
Por otro, Mike White vuelve a lucirse con una crítica ácida y divertidísima de las clases sociales, del individualismo incluso cuando se disfraza de lo contrario, de nuestras visiones de la pareja, la familia y el sexo, de las expectativas en la vida adulta y si la amistad de juventud puede sobrevivir a ella, etc. Para todo esto, aparte de su magnífico guion, White sabe que es esencial el reparto, y vuelve a armar un “más estrellas que en el cielo” con actores que aceptan bajar su caché para estar en una serie con un reparto tan coral. El espíritu de Jennifer Coolidge se reencarna dividido en dos personajes que a su vez tienen rasgos propios, el de la ‘reina indie’ Parker Posey y el de Aimee Lou Wood (‘Sex Education’), además de ser nombrada por los personajes de Nastasha Rotwell y Jon Gries, que regresan. Aunque quizás lo mejor esta temporada es el trío de amigas formado por Carrie Coon (quienes flipéis con ella aquí, ved ‘The Leftovers’), Leslie Bibb (‘Popular’) y Michelle Monaghan (saga ‘Misión Imposible’), junto a la estelar aparición del ganador al Oscar Sam Rockwell. En definitiva, hay ‘The White Lotus’ para rato, y hay talento de Mike White para rato, aunque en esta aventura por Tailandia haya brillado menos.
Lana Del Rey comienza la campaña promocional de su próximo disco, previamente titulado ‘The Right Person Will Stay‘, que se publica -supuestamente- el próximo 21 de mayo. ‘Henry, Come On’ puede escucharse por fin al completo después de que, en enero de 2024, Lana revelara un breve fragmento de la canción en su muro de Instagram.
Ni siquiera un día después de lanzar el primer single del álbum, Lana ha subido a Instagram un vídeo en el que comparte detalles sobre el disco. El primero y menos sorprendente es que este seguramente no salga en la fecha indicada (21 de mayo): «¿Sabéis que el disco no llegará a tiempo, no?», cuenta Lana.
El disco de «country» de Lana empezó titulándose ‘Lasso’, después pasó a llamarse ‘The Right Person Will Stay’ y ahora Del Rey apunta a otra variación: «¿Debería deciros que el nombre ha cambiado otra vez? Creo que voy a esperar», cuenta hacia el final del clip.
Para mantener más o menos contentos a sus fans, también ha anunciado que otro single del disco saldrá la semana que viene, ‘Blue Bird’. En otro orden de los acontecimientos, los avispados fans de Lana se han dado cuenta de que la portada de ‘Henry, Come On’ está sacada de una captura de pantalla de iPhone.
Lana Del Rey jokes her new album won’t arrive on schedule:
‘Henry, Come On’ vuelve a ser una balada muy cuidada de Lana Del Rey, desde luego más cuidada que el acabado de esa portada oficial que parece una captura de pantalla (la barrita de desplazamiento del ordenador está expuesta en la parte inferior derecha de la imagen). Especialmente los arreglos de cuerda suenan mimados en esta grabación que supera con calma los cinco minutos de duración.
‘Henry, Come On’ sigue apostando por un sonido apegado a la balada Americana y country de corte clásico, y también al formato de balada somnolienta de Lana Del Rey. De hecho, la luminosidad de los arreglos y la producción de Luke Laird remiten a ‘Honeymoon‘ (2015). ‘Henry, Come On’, por otro lado, referencia el propio trabajo de Lana en melodía (‘Brooklyn Baby’) y letra (‘Blue Jeans’).
La fugacidad del amor sigue inspirando a Lana Del Rey, que en ‘Henry, Come On’ recuerda a un cowboy que pasó brevemente por su vida hasta que «voló demasiado cerca del sol». En ‘Henry, Come On’, Lana afirma que la inestabilidad romántica es su destino, incluso que forma parte de su «linaje de karma»… revelando que el título de ‘The Right Person Will Stay’ sería una expresión de aliento hacia ella misma.
‘Henry, Come On’ encandilará a los fans de los trabajos de Lana Del Rey aferrados a la tradición, como ‘Chemtrails Over the Country Club‘ (2021) o ‘Blue Banisters‘ (2021). También a los que echaban de menos las cuerdas de ‘Honeymoon’. No hará a Lana ganar nuevos fans, aunque nadie espera que ese sea un objetivo de Lana Del Rey a estas alturas.
Esta semana sí: Rigoberta Bandini derrota a Lady Gaga en las Stories de Instagram con un 35% de los votos, frente al 26% de ‘Abracadabra’ de Lady Gaga. ‘Busco un centro de gravedad permanente‘ es el cuarto número 1 de Rigoberta en JENESAISPOP tras ‘Julio Iglesias’, ‘Ay mamá’ y ‘Así bailaba’ con Amaia. También ha sido top 2 en varias ocasiones, como con ‘Perra’ o ‘Amanecer’ con Alizzz. Recientemente ‘Pamela Anderson’ quedaba en el puesto 3 y ‘KAIMÁN’ en el puesto 4, pero claramente ‘Jesucrista Superstar‘ es un proyecto que ha ido calando poco a poco.
Miley Cyrus y MARINA llegan al top 5, mientras en la zona baja de la tabla encontramos a los artistas españoles: Teo Lucadamo, Parquesvr, Lola Indigo y el momento incómodo.
Tennis han anunciado un «parón indefinido» que llegará tras la salida de su próximo disco, ‘Face Down In The Garden’, disponible el próximo 25 de abril. El anuncio llega el mismo día que el lanzamiento de su nuevo single, ’12 Blown Tires’.
El dúo describe la creación de esta canción como «destilar los últimos 15 años en cuatro minutos de música»: «Se sentía como el final de algo, aunque no estaba sguro de qué», cuenta Alaina. «Después de terminar ‘Face Down in the Garden’, quedó claro que habíamos dicho todo lo que queríamos dicho y que habíamos conseguido todo lo que queríamos conseguir con nuestra banda», se lee en el comunicado, que se puede leer al completo en la descripción del nuevo videoclip.
«Este será nuestro último disco, al menos en esta configuración como Tennis. Estamos listos para perseguir otros proyectos creativos y para hacer espacio en nuestras vidas para cosas nuevas», anuncian, antes de aclarar que su actividad como Tennis terminará después de su próxima gira norteamericana.
Ya a finales del año pasado, los conciertos de Queralt Lahoz eran una amalgama de estilos que incluía R&B, flamenco, reggaeton, dembow… No sabías qué podía ser lo siguiente. En Monkey Week parecía lucir en el típico momento «entre disco y disco»: cerrando una gira, pensando ya en abrir la siguiente, pues además acababa de salir uno de sus últimos singles. Pero no: su nuevo álbum ‘9: 30 PM’ es idéntica exhibición de géneros musicales que, viendo el vaso medio lleno, muestra su capacidad camaleónica; y viendo el vaso medio vacío, a veces deja cierto sabor a «mixtape».
Artistas tan asentadas como Mon Laferte y Nathy Peluso se han metido a realizar este tipo de discos-coctelera cuando ya tenían una personalidad ultra marcada, cuando todo el mundo sabía quiénes eran. Para Queralt Lahoz es un paso más arriesgado porque el gran público pudo perderse ‘Pureza‘ y además ya hace 4 años de aquel debut.
Quizá por eso aquí encontramos un tema llamado ‘QL’, es decir, «Queralt Lahoz», en el que se reivindica a sí misma: «No escuché a los necios / Ni a esas malas ratas / No cambio mi vida por una perfecta / Si es que eso existiera yo prefiero esta / Si no, ¿quién sería yo? / Seguramente no sería Queralt Lahoz». Y quizá por eso, también, las composiciones de este álbum son mejores cuanto más confesionales son, cuanto menos «random» suenan.
Tanto ‘YNEPN’ como ‘NTN’ están en la línea experimental de Rosalía, mientras la alegre ‘CORAZÓN’, dedicada a su madre, suena como una canción de lo antiguamente conocido como «fusión» (me refiero a Fuel Fadango). Todo le sale bastante bien a Queralt Lahoz: el bolero (‘VUELVES’), el dancehall (‘SANTA ROSA’), el hip hop bigger than life (‘LA FE’)… aunque a veces hay un exceso de clichés: «De los puñales siempre sale airosa / Toda esas putas se ponen celosas» es una rima en ‘FAVOROSA’.
Por eso cuando más exitoso es ‘9: 30 PM’, es cuando más desvela sobre Queralt Lahoz. De hecho, la idea tras el nombre del largo es representar «una autobiografía musicada» comenzando a dicha hora.
‘SETOLVIDA’, entre el flamenco y la distorsión electrónica, habla sobre la primera vez que sintió celos, y luce como una de las canciones más puras, aun en toda su toxicidad: «Me quemaba pensarte con otra / y me ardía no ser solo mía / tropezaba con mi sombra y no la reconocía». Y en verdad, el álbum despliega sus mayores bazas al principio y al final, en ambos casos bajo la producción de Marc Soto. ‘9: 30PM’ termina con la confesional, electrónica y desgarrada ‘ME DOLÍA IGUAL’; y empieza con ’19/17′, un tema casi de pop de cámara, con piano y cuerdas, dedicado a un padre que ya no está: «Tengo guardada tu última nota de voz / Como si supiera que no ibas a volver nunca». Con temas así, sí recordaremos quién es ‘QL’…
Garbage, uno de los grupos fundamentales de los 90 en su mezcla de grunge y lo que entonces llamábamos precisamente «futuro», sobre todo gracias a su segundo disco ‘Version 2.0‘, está de regreso. Vamos por el 8º álbum de estudio en 30 años de carrera y su nombre es ‘Let All That We Imagine Be the Light’, a la venta el 30 de mayo. Su portada incluye una «luz», el título y un pulpo.
Será un trabajo político a juzgar por la nota de prensa en la que hablan de él. Shirley Manson dice que si su álbum anterior, ‘No Gods No Masters‘, nació de «la frustración y la indignación», el nuevo pretende ser más «constructivo»: «Cuando todo parece tan oscuro, es imperativo buscar fuerzas luminosas, positivas y hermosas en el mundo. Es casi una cuestión de vida o muerte. Una estrategia de supervivencia».
El primer single que estrenan hoy recibe el nombre de ‘There’s No Future In Optimism’. Shirley Manson lo ha calificado como “un himno para llamar a las armas, un grito de guerra para todos los que piensan igual». Su letra intenta muy fuerte llevarnos a ese lugar de luz, repitiendo obsesivamente frases como «si estás preparado para amar» y palabras como «futuro» y «amor»; así como propuestas como «no hay futuro que no pueda ser diseñado con algo de imaginación y una mente maravillosa». Pero la música y la melodía parecen ir por otro lado.
‘There’s No Future In Optimism’ es una de esas canciones oscuras de Garbage -no es precisamente ‘Special’-, y en realidad suena tan desamparada como el mundo escuchando cualquier cosa que a Donald Trump se le ocurra decir ese día. Su único consuelo es ser la primera pista de ‘Let All That We Imagine Be the Light’. Ojalá a medida que este avance hacia su pista 10 y última (que habla sobre la mortalidad en un momento de enfermedad, pero también sobre la gratitud), ofrezca algo más de luz.
01. There’s No Future In Optimism
02. Chinese Fire Horse
03. Hold
04. Have We Met (The Void)
05. Sisyphus
06. Radical
07. Love To Give
08. Get Out My Face AKA Bad Kitty
09. R U Happy Now
10. The Day That I Met God
Guitarricadelafuente publica su single ‘Tramuntana’, que basa su composición en la de ‘Il cielo in una stanza‘ (1960) de Gino Paoli, uno de los grandes clásicos de la canción italiana, que popularizara Mina (Marina no es la única artista que vive hoy el «sueño italiano»).
‘Tramuntana’, que cierra el próximo disco de Guitarricadelafuente, ‘Spanish Leather’, es probablemente la producción más orquestal de su repertorio publicado hasta la fecha. Álvaro canta acompañado de un fastuoso arreglo de cuerdas y solo al final la canción echa el vuelo gracias a un ritmo de batería. Lafuente remata ‘Tramuntana’ con un texto recitado.
«Sucumbe al amor», sugiere Guitarricadelafuente en este spoken word, y ‘Tramuntana’ va de entregarse no solo al amor sino también a la evolución personal («Este viento fatal / Me ha transformado en otro chaval») y a su «lado más animal». ‘Tramuntana’ sigue así adherido al concepto erótico de ‘Spanish Leather’, hablando de hacer el amor «bajo el sol de levante» o examinando el «tanline» de las «caderas» de su amante. Letra, melodía e interpretación vuelven a ser 100% sui generis.
«La tramuntana sopla con tanta fuerza que en ocasiones dicen que enloquece a la gente. Por mucho que te resistas no habrá manera de evitar que te arroye», cuenta Guitarrica. «Escribí esta canción con muchos amigos talentosos e hicimos este vídeo llevando el viento turbulento a una de las ciudades más bulliciosas del mundo. Porque por mucho que te alejes no podrás escapar de él». El vídeo de ‘Tramuntana’ sigue a Guitarricadelafuente en plano secuencia interpretando la canción mientras pasea por las calles de -parece- el barrio de Queens, en Nueva York.
‘Tramuntana’ es el tercer sencillo extraído de ‘Spanish Leather’ después de ‘Full time papi‘ y ‘Futuros amantes‘. Podéis recordar la reciente charla de JENESAISPOP con Guitarricadelafuente aquí.
(@alcalanorton) 
| Benson Boone singing "Bohemian Rhapsody" at the 
(@Cian_McGivern) 
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