Una semana después de la bronca pública con Boy George, Róisín Murphy vuelve a estar en el centro de la polémica. Esta vez, ha decidido revivir sus tendencias transfóbicas con una gráfica en la que asegura que la transexualidad «nunca fue real». Sega Bodega le ha dedicado un vídeo y no se ha cortado en decir que «mierdas como esta hacen que muera gente».
Bodega no fue la única figura pública que denunció los comentarios de Murphy en redes. The Blessed Madonna también le dedicó un vídeo en Instagram y dejó bien claro su mensaje: «Lo que sea que dure, jódete y mantén a las personas trans fuera de tu boca».
Ahora, la cantante irlandesa asegura haber dejado la red social después de que la «encantadora Blessed Madonna» enviase «toda una panda de trolls». Ella lo describe como «odio totalitario»: «He ordenado a mi asistente bloquearlos a todos y dar like a respuestas de apoyo», ha escrito en X.
Sin embargo, la asistente de Róisín Murphy no podrá hacer nada con la decisión del festival Back In Town de Estambul de quitar a la artista del cartel, en el que también está Sega Bodega. «Añadimos a Róisín Murphy al cartel como headliner, creyendo que representa la energía que echábamos de menos y que tocó a muchos de vosotros desde un lugar sincero», ha comunicado el festival.
«Las declaraciones que ha compartido en los últimos días han eliminado completamente estos sentimientos», continúa la organización del festival. «Nunca estaríamos cómodos incluyéndola en un festival como este, así que nos gustaría manifestar que no podemos incluirla en la programación mientras mantenemos los valores que intentamos transmitir», concluye el comunicado.
En 2023, Murphy arruinó la promoción del disco ‘Hit Parade’ por su visión sobre los bloqueadores hormonales. Ahora ha vuelto a las andadas con un desafortunado tweet en el que muestra una gráfica descendiente con el título ‘Estadounidenses de entre 18 y 22 años que se identifican como transgénero o no binario entre los años 2021 y 2024’.
Con esto, Murphy aprovecha para tildar la transexualidad de irreal y «terriblemente triste», además de asegurar que ha causado un «caos total entre los niños, familias y sociedad». Sega Bodega comienza su respuesta de manera certera: «Cuatro personas trans han llevado a cabo tiroteos masivos en Estados Unidos desde 2018. 4.000 han sido de hombres heterosexuales», asegura.
«El asesino de Charlie Kirk conocía a una persona trans, así que se lleva la culpa. Así estamos como sociedad», continúa el artista británico. Bodega describe a la población trans como el «saco de boxeo» de la sociedad y le pregunta a Murphy por qué cree que «cada vez menos gente está declarándose como transexual». Para finalizar, ha sido claro: «La gente trans son las víctimas de las cosas de las que estás hablando».
It was never real. Terribly sad though. Absolute havoc wreaked on children, families and society. pic.twitter.com/ULx4QT20ww
Hasta ahora, Sudan Archives se había preguntado, incluso dentro de sus mismas canciones, por qué no era más famosa. Si era una cuestión de racismo o de qué. La mejor respuesta es que, en su tercer álbum, ‘The BPM’, ofrece algunas de las producciones más bailables y accesibles de su carrera. Temas menos brumosos, «de texturas» y más a la yugular.
Brittney Parks tiene un álter ego nuevo, «Gadget girl», ha grabado en parte en Chicago y Detroit en homenaje al house y al techno -y también a sus padres-, y sus últimos singles suenan más desmelenados que nunca. Recuerdan, en otro estilo, a cuando Jessie Ware se quitó el apellido «indie» para aceptarse a sí misma como «diva disco».
Su mejor nuevo tema es ‘MY TYPE‘, una producción saltarina y vibrante, de teclados abrasadores, percusión loca y efectos sorpresa, que sería igual de viajera y escapista sin mencionar a «España» y a «Dubai». Sudan Archives es violinista, como ha probado en discos anteriores, y eso da lugar aquí a la impresionante entrada de ‘DEAD’, otra de sus grandes canciones, esta más reminiscente del trip hop que tanto la influyó.
Si ‘DEAD’ va de menos a más, ‘A BUG’S LIFE’ va a muerte desde el principio. Estamos ante un piano house en el que Sudan Archives celebra la libertad, pues todo el álbum quiere dejar atrás una ruptura. «Ella no puede volver a casa, porque jamás mira atrás», repite una y otra vez.
Más viajes por el mundo aparecen en la titular ‘The BPM’, un tiro de Costa Rica a la Torre Eiffel que resulta otra de las grandes bazas del álbum. Después, es cierto que el álbum contiene algunos temas que parecen interludios extendidos (‘THE NATURE OF POWER’). En el último tramo, tras la desafiante ‘MS. PAC MAN’, lo que menos apetece ya son cortes de menos de 2 minutos (‘LOS CINCI’), spoken words de 6 (‘NOIRE’) y baladas con su outro y todo (‘HEAVEN KNOWS’).
Lo que sí confirman también estas grabaciones, en cualquier caso, es el gusto excelente de la batidora de estilos de Sudan Archives. Quienes amen su violín tendrán en ‘SHE’S GOT PAIN’ una nueva favorita; y quienes amen la complejidad de sus producciones electrónicas, tienen para rato con piezas como ‘A COMPUTER LOVE’. Pasa tanto en tan poco que me he acordado de aquel proyecto de samples llamado Girl Talk.
Sudan Archives ha grabado todo esto con su equipo de confianza, su hermana, un primo de Chicago, un amigo… lo que añade mucho mérito en esta industria dispuesta a juntarse con quien sea por el éxito. Ella se basta por sí misma.
En celebración de los 20 años de ‘Oral Fixation’ (Vol 1 & 2) y de los 30 años de ‘Pies descalzos’, Shakira presenta acción conjunta con Spotify. La serie ‘Anniversaries’ permite medir el impacto y las historias de la creación de ambos álbumes, y sobre todo supone un nuevo EP exclusivo para Spotify, con versiones de ambos trabajos.
El EP comienza recreándose en las guitarras eléctricas, en la faceta rock, de ‘Pies descalzos, sueños blancos’; mientras su hit ‘Antología’ es ahora un tema pop-rock algo más rítmico. Aparece también ‘Día de enero’, con la voz de Shakira en su versión más aniñada, aunque será la nueva versión de ‘Hips Don’t Lie’ la que se lleve los titulares.
Y es que en ella aparecen Ed Sheeran y el hombre de moda, Beéle. Edward Christopher hace básicamente de Wyclef Jean, y toca la guitarra, como se aprecia en el vídeo subido a Spotify, mientras Beéle aparece en los puentes. Acompañan un ensamble de cuerdas de 14 piezas, que también han sacado un brillo especial a ‘La pared’.
La nota de prensa revela unas cuantas curiosidades sobre estos discos. Estos álbumes superan los 6.100 millones de reproducciones globales, de los cuales 955 corresponden a Estados Unidos. Sin embargo, es México el país que más escucha a Shakira, por encima de la mismísima Colombia.
Aunque lo más interesante es que más del 50% de las reproducciones de ‘Oral Fixation’ proceden de menores de 30 años. Por el contrario, la mitad de las reproducciones de ‘Pies descalzos’ corresponden a un público entre 30 y 44 años. En otras palabras, el público que escucha ‘Hips Don’t Lie’ o ‘La tortura’ es mucho más joven de lo que esperabas, y su faceta cantautora es degustada por un público más adulto.
No es ningún secreto que no se puede vivir en Madrid. Los jóvenes tienen que recurrir a sus padres para terminar de pagar el alquiler. Los adultos abandonan el centro, un circo de turismo y pisos de precios inflados, inasumible para el madrileño medio. Los artistas están abandonando la ciudad de manera masiva. La ministra de Vivienda terminará dimitiendo porque ya nadie recuerda que las competencias en esta materia son principalmente de las comunidades. Las políticas del gobierno de la región se piensan para los fondos inmobiliarios, nunca para los ciudadanos. Es como si les interesara que la clase media dejara de votar en Madrid. Por lo que sea.
No es ningún secreto que hay dificultades para tocar en grandes recintos en la capital. La promoción de macroconciertos a celebrar en el Santiago Bernabéu fue un fracaso rotundo. Sus obras de remodelación e insonorización fueron una estafa y una irresponsabilidad. Su regulación ha dado más vueltas que un pato mareao. Los vecinos consienten que haya partidos y hooligans borrachos entre semana en Cuzco, pero nunca «swifties» o fans de Karol G. Mientras Barcelona fue capaz de crear recintos aislados para conciertos como el Estadí Olímpic, Madrid sigue a verlas venir. El sonido y la situación del Metropolitano no agradan ni a una sola persona.
Tampoco es ningún secreto que la situación para los macrofestivales es aún peor. Mad Cool ha pasado por tres recintos distintos y continúa siendo perseguido, ahora también por el gobierno central. Con la salvedad de algún evento promocionado como las fiestas de San Isidro o últimamente la Hispanidad, la ciudad tiene dificultades para asumir que la música es un valor cultural y también un motor económico. Parece instalado en el imaginario colectivo que la música en vivo no suma a la historia de la ciudad, sino que es un incordio.
Más allá aún, Madrid no es ni siquiera una ciudad limpia. Pese a que los contenedores llenos de basura sin recoger solo eran noticia cuando gobernaba Carmena, siguen ahí. Tampoco habla nadie sobre la plaga de palomas en Arganzuela. Pisar el Paseo de las Delicias es pisar kilos de mierda día sí, día también, sin que nadie ataje el problema. O lo limpie.
En uno de los momentos más grises de su historia, simbolizado en el atentado estético perpetrado por Almeida en la Puerta del Sol, Rosalía ha decidido aportar algo de «luz» a la ciudad. Aquí ha inaugurado la campaña de su cuarto álbum por razones que se me escapan. La artista es catalana, en su álbum colabora Sílvia Pérez Cruz, entre artistas de todo el mundo que cantarán en muy diversos idiomas (Björk, Yves Tumor), y la misma acción en Barcelona tenía más sentido para mí. Barcelona siempre quiso ser cosmopolita. Madrid, pues no se sabe. Si sus gobernantes buscaran «cosmopolita» en la RAE -«familiarizada con las culturas y costumbres de diversos países y abierta a ellas»-, me los imaginaría respondiendo sin titubear: «depende de qué países». Y cuánto dinero aporten, claro.
Aún entre los 500 artistas más escuchados en el mundo pese a que hace más de un año que no publica absolutamente nada, Rosalía es una artista global. Tiene el doble de oyentes en Ciudad de México que en Madrid, y tiene en Santiago de Chile los mismos que en la capital española. Podría haber ideado cualquier performance «arty» en Nueva York, o aprovechando que su álbum será religioso, haber convocado a la prensa en algún monasterio o capilla que se hubiera prestado a tales efectos, como se prestó la Catedral de Toledo a Nathy Peluso y C. Tangana, por mucho que aquello acabara muy mal.
Pero Rosalía escogió Madrid -como cuando actuó en Colón para presentar ‘El mal querer’-, y la ciudad no le ha dado ni las gracias. El ayuntamiento está investigando la acción realizada este lunes por la noche, que colapsó el centro durante unos minutos. ¿En qué consistió aquello? Recordemos: anunciar en un directo de TikTok que se encaminaba hacia Callao, llegar a un hotel de Callao y saludar a través de una ventana. El propio ayuntamiento reconoce que no hubo escenario, ni actuación, ni nada, lo cual, lógicamente sí requiere de permisos. Tengo mis dudas sobre ese vídeo en directo en el que Rosalía aparecía conduciendo por la ciudad en un coche con el volante a derecha, fumando, hablando con transeúntes, cambiando de música cada dos por tres, mientras estaba siendo grabada. Dicen que le cortaron el TikTok: pues bien. Lo pasé peor viendo todo esto que viendo ‘[REC]’. Aunque iba literalmente «a 20 por hora», aceptaría algo parecido a una multa de tráfico. Pero no sabía que no se podía saludar desde la ventana de un hotel.
Una vez más no se está poniendo en valor la aportación de la música a la cultura de la ciudad. Durante unos instantes, Gran Vía no fue ese sitio hostil por el que en Navidad no se puede caminar sin recibir empujones, pisotones y codazos, en el que sobrevive la mendicidad entre una cantidad creciente de Starbucks, McDonald’s, H&M, Carrefour Express y otras empresas vinculadas a fondos israelíes. Fue el lugar en el que se anunció el que podría ser uno de los discos del año a nivel mundial. El alcalde debería besar el suelo que ha pisado Rosalía en la Gran Vía de Madrid. Dar las gracias por la promoción gratis. Sacar la chequera, incluso. Si tanto les gusta el libre mercado, lo mismo vale más toda esta promo que la infracción correspondiente.
bar italia están a punto de llegar a nuestro país para actuar este jueves 23 de octubre en La [2] de Apolo, Barcelona; y el viernes 24 de octubre en la Sala Mon de Madrid. Entradas, en Primavera Tours. Aprovechando el gancho de su reciente single ‘Fundraiser’, entrevistamos al trío en un hotel de la capital durante una visita promocional.
Sam Fenton, Nina Cristante y Jezmi Tarik Fehmi (de izquierda a derecha, en la foto) defienden su nuevo álbum, ‘Some Like It Hot’, que debe su nombre al clásico de Billy Wilder. Eso sí, no tanta diversión como en ‘Con faldas y a lo loco’ encontraréis en un disco que habla de romance, intriga y autodescubrimiento.
Esperaba un disco muy divertido porque ‘Fundraiser’ es un single bastante divertido, y por el título del álbum. ¿Pero no lo es, verdad?
Sam: Definitivamente no es tan divertido como los títulos porque nos gusta poner títulos bastante tontos. Nos divierte y nos recreamos en la broma, como contraste, para recontextualizar o resituar lo que suele ser una canción seria. Hay humor en nuestra música, claro, pero no es como para reírse a carcajadas…
¿Esta canción va sobre un acosador?
Sam: Me gusta oír las interpretaciones de la gente porque nosotros no hablamos de nuestras letras entre nosotros. Así que no planeamos lo que significan, dejamos que te hablen por sí mismas. Pero eso no significa que no tengas razón porque pasamos nuestra vida juntos y hay una especie de simbiosis en nuestro subconsciente. Así que no es una absoluta fabricación tuya, pero nunca decimos cosas como «vamos a escribir una canción sobre un acosador».
Jezmi: Mi parte es literalmente sobre un acosador.
Nina: La mía es sobre dejar algo. Pero solo es una parte de la canción.
¿Por qué no habláis de las letras entre vosotros?
Nina: A veces les preguntaba sobre sus partes, me gusta saber lo que quieren decir. Pero ellos no lo hablan mucho, así que he dejado de hacerlo. Se ha convertido como en nuestra cultura.
Sam: La razón por la que yo no lo hago es porque me gusta la idea de que alguien pueda decir más incluso de lo que pretendía, así que me interesa eso mucho más que la realidad consciente. A veces haces cosas que no sabes que estás haciendo. Así que si pregunto cuál es el significado intencional detrás de algo, puedo estar limitando la canción.
Jezmi: En un sentido más práctico, yo soy mucho más lento haciendo letras que ellos dos. Así que si les pregunto mucho, me influye demasiado. Me gustan los matrimonios accidentales que surgen de esto, como lo del acosador. Creo que es divertido. Porque tampoco lo he pensado tanto, ni le he dado tanta importancia. Está bien decir lo que sea sin que te influya nadie más.
Volviendo a la primera pregunta, ¿creéis que el disco es triste? Por ejemplo, el tema final, ‘Some Like It Hot’? Suena como que algo va mal.
Nina: ¿Como agorero?
Sam: Yo creo que hay algo edificante. No es triste. Es «me importa una mierda». Es empoderador.
Nina: Esta canción es como que no te deja marchar y tiene algo embriagador. Otra persona entra y no creo que sea triste. Creo que es catártica y es una de las cosas que aún resuenan en mí del disco, incluso después de haber estado tan involucrada en su creación. Sigue sonando fresca y tiene un impacto emocional. No hay máscaras en esa canción para mí.
Sam: Hablo de no ser capaz de ver la vida como la veía de pequeño. Así que sí que hay una tristeza en eso. Pero la emoción que tenía mientras la cantaba era verdadera pasión, casi guerrera. Como volver a abrazar aquello. Tiene muchas emociones mezcladas.
Me pasa algo así escuchando a Fontaines DC, al margen de lo que cante Grian, me resulta todo muy melancólico. Como que algo está mal en el mundo. Por ejemplo me pasa con ‘Marble Arch’.
Sam: Sí, me identifico con eso, pero no necesariamente en un sentido político o satírico. Puede ser algo que está mal en el mundo o en la naturaleza humana, o una cualidad humana concreta que vea en mí o en otra gente.
«La razón por la que haces música es porque no puedes reducirla a palabras»
Lo preguntaba porque la gente de 20, de 30, se siente un poco desangelada ahora mismo en Europa… Dificultades para pagar alquileres o, en vuestro caso, para hacer giras.
Sam: Es el contexto, claro.
Jezmi: Es nuestra vida.
Sam: Hablamos del contexto en el que estamos situados y lo que hay dentro, como las interacciones con la gente. ¿Satisfacen tu alma? ¿Te llena la gente que te rodea? No sé en vuestro caso, pero en el mío eso sí está ahí.
Jezmi: Pero la forma en que te relacionas con la gente también está afectada por eso. Pero obviamente nosotros somos felices…
Nina: Tengo mucho cuidado de realizar una declaración cerrada que pretenda resumir un álbum que ha sido creado con un montón de magia, sin intenciones, de las que no podemos tomar todas las responsabilidades. La razón por la que haces música es porque no puedes reducirla a palabras, es que para eso es música. Así que todo tiene muchas, muchas facetas. Tiene muchas cosas diferentes. Lo que dices es verdad, pero para mí simplifica un poco demasiado las cosas.
«El Brexit ha puesto las cosas más difíciles en Londres»
¿Vivís en Londres? ¿Es rica allí la vida creativa?
Nina: Es muy deprimente… Pasamos poco tiempo en Londres ahora mismo porque viajamos mucho, pero es nuestra base de operaciones. Sam es de Londres, Jezmin es de las afueras, y yo soy de Roma. He vivido allí mucho tiempo, y creo que tiene cosas muy difíciles, creo que es una ciudad difícil con la que luchar. Pero también es una de las ciudades más excitantes en cuanto a cultura y en cuanto a la cantidad de cosas diferentes que hay. Si vienes de un sitio como Roma, que tiene una atmósfera exquisita, pero de un solo tipo, te sorprende la cantidad de cosas tan diferentes que pasan en Londres. Pero no voy a decir que es perfecta.
¿Está en un buen momento cultural?
Nina: Lo ha tenido. Personalmente creo que el Brexit ha puesto las cosas más difíciles porque mucha gente rica se ha mudado allí. No quiero decir que solo un cierto tipo de gente debería estar en Londres, pero hay un sector en concreto sobredimensionado, a medida que el estado de bienestar se ha desmantelado. Así que el lugar se ha vuelto más manierista que habitable. Y eso, por desgracia, te guste o no, tiene un fuerte impacto en la autenticidad de la escena.
Habladme de la producción del disco, ¿cómo la habéis trabajado? Por ejemplo ‘Rooster’, que va añadiendo diversos instrumentos.
Sam: Parte por parte. Hicimos como secciones hasta que nos dimos cuenta de que necesitaba un cambio, por lo que toqué una sección nueva.
Jezmin: Escribí la parte de la guitarra tres meses antes, se la puse a Sam y empezó a hacer acordes, y al final la grabamos.
Nina: Recuerdo estar tocando un piano.
¿Sois rápidos escribiendo?
Nina: Mucho.
Jemin: Podemos encontrarnos con 40 canciones.
Sa: ‘Fundraiser’ fue muy rápida y ‘Rooster’ también, hasta donde yo recuerdo.
‘Plastered’ y ‘bad reputation’ tienen un groove menos anglo, diferente, incluso un poco latino. ¿Escucháis música de fuera de UK?
Sam: Sí, nos dimos cuenta de que podía ser como una rumba lenta. ¡Sé lo que quieres decir!
Nina: Nos vino a la mente algo como Nelly Furtado.
Sam: Me mataría a mí mismo si solo escuchara música británica.
Jezmin: Hay algo muy americano en nuestro sonido, como de la costa oeste.
«Me mataría a mí mismo si solo escuchara música británica»
¿Escucháis los mismos discos los tres? ¿Sois muy rockeros los tres?
Jezmin: Todos tenemos gustos diferentes, no soy el que se pone todos los discos indies, pero yo creo que ellos tampoco.
Nina: Me gusta el hip hop. Quizá más que a ellos.
Me sorprenden por ejemplo las influencias en Wolf Alice, les ves y parecen un grupo de grunge por las fotos… pero luego no lo son tanto.
Nina: No tienes que hacer música que se parezca a tus influencias. De hecho es muy saludable no hacerlo.
Sam: Creo que estamos satisfechos de que el rock sea nuestro medio, y luego que, como tú dices, haya lazos con otras cosas. Pero nunca usamos referencias de un modo evidente. Nos gusta que surjan cosas, pero no decimos: «¡vamos a poner algo latino por aquí!». Nos apegamos a una especie de tradición y a partir de ahí dejamos que extrañas influencias aparezcan. En lugar de hacer fusión, tenemos un marco, y dejamos que entren cosas.
«Algunos grupos sin chica pueden ser increíbles por eso. Son freaks de verdad y solo ellos pueden crear esta burbuja cultural medio incel que probablemente es muy tóxica y no necesariamente positiva, pero que en lo musical, produce algo extraño y potente»
He hablado de Fontaines DC, donde canta un chico, y Wolf Alice, donde en general canta una chica. Vosotros tenéis todo… ¿Sois conscientes de la personalidad que os otorga? No sois el típico de grupos de chicos, «sin amigas».
Sam: Lo llevamos con naturalidad. Algunos grupos sin chica pueden ser increíbles por eso. Son freaks de verdad y solo ellos pueden crear esta burbuja cultural medio incel que probablemente es muy tóxica y no necesariamente positiva, pero que en lo musical, produce algo extraño y potente. No soy «anti eso», pero gracias a Dios que no somos eso. También me gustan «girl groups» que no me imagino con chicos. Por ejemplo, imagínate Sugababes con un chico.
Nina: O Shangri-La’s.
Jezmin: Yo también me alegro de no ser eso. Y hay una razón práctica para que no seamos eso y es porque muchos músicos se conocen a través de la música, que es un mundo dominado por hombres. Pero nosotros nos hemos conocido a través del arte, que es un mundo predominantemente femenino.
Nina: Y tú tienes amigas chicas.
Jezmin: La verdad es que muchos colegas no tienen…
Sam: Para nosotros es natural, pero no pensamos mucho en el género. Respecto al equilibrio de voces que nos dices, no fuimos conscientes hasta que empezamos a hacer entrevistas y la gente nos lo decía. Que era único cantar a tres voces.
Nina: También es algo que pasa en el rock. En el hip hop es muy común tener tres voces. De repente sale un rap que no tiene nada que ver con lo anterior. Y tú me estás preguntando por el contraste entre masculino y femenino, pero es que a su vez las voces de Sam y Jezmin no tienen nada que ver. Nunca es como un dueto.
Jezmin: La gente está acostumbrada a que en grupos donde se hace esto, cada miembro cantante cante sus canciones, como en Fleetwood Mac. No sé, pero ‘Some Velvet Morning’ es una de mis canciones favoritas, y si lo piensas, es como 2 canciones diferentes en 1.
Sam: Hay algo raro ahí y es increíble.
Adam Green visitará España en 2026. Quien fuera la mitad de The Moldy Peaches ha anunciado hoy dos conciertos en nuestro país para 2026: el 3 de febrero en la Sala Upload de Barcelona y el 5 de febrero en Loco Club de Valencia. El artista también forma parte del cartel de Inverfest en Madrid entre medias, el 4 de febrero.
El compositor, cineasta, poeta, pintor y artista de culto volverá a los escenarios nacionales para repasar algunas de las canciones más emblemáticas de su prolífica carrera y compartir nuevas composiciones en un formato íntimo, directo y lleno de carisma. Su último EP, ‘Falling Around’, está ya disponible en todas las plataformas.
Los conciertos de Adam Green son descritos como «siempre imprevisibles», siendo una experiencia entre el concierto, la performance y el happening artístico. La preventa de SMusic y Live Nation comienza mañana, jueves 23 de octubre, a las 10h. La venta general, por otro lado, tendrá lugar el viernes 24 a la misma hora en Live Nation y Ticketmaster.
HAIM se reúnen con Bon Iver en el deluxe de su último disco, ‘I quit’, y el resultado es una canción de pop con toques de country lista para reproducirse en cualquier cita romántica. Sin embargo, no es del todo una canción sobre enamorarse. ‘Tie you down’ es la Canción del Día.
Bon Iver y el grupo californiano no son nuevos conocidos. Justin Vernon tiene créditos en dos canciones del disco de las hermanas, mientras que Danielle Haim también aparece en ‘sABLE, FABLE’, el último disco del artista. En este sentido, ‘If Only I Could Wait’ tiene muchas similitudes con ‘Tie you down’. Ambas son un dueto ensoñado en el que las melodías cobran todo el peso de la canción.
La letra, por otro lado, habla sobre tener sentimientos opuestos en una relación. Sobre ser una contradicción andante que no quiere «atar» a nadie, pero que a la vez quiere un compromiso claro con la otra persona. «Te quiero aquí, pero no sé cómo no atarte», canta Danielle Haim en el estribillo. Esta también canta sobre estar «feliz y triste» a la vez,lo cual la estás volviendo «loca».
Junto a ‘Tie you down’, el deluxe de las HAIM incluye otras dos canciones: ‘The story of us’, que describen como una de sus favoritas, y ‘Even the bad times’, una de las primeras que escribieron para el nuevo disco.
Rayden vuelve con un nuevo grupo. Dos años después de anunciar su retirada de la música en solitario, David Martínez Álvarez regresa como integrante de una banda «emergente», como él mismo indica. Su nombre es Chiquita Movida y ya han publicado su primer sencillo, titulado ‘Ojos Superocho’.
Chiquita Movida reúne a Rayden, Mediyama y Skiz Siete en las voces, acompañados por Babe (guitarra, secuencias y teclados), Jhonny (bajo) y Jona (guitarra). Los integrantes son amigos y miembros de la antigua banda de Rayden, que también cuenta cómo surgió el proyecto: «Había dicho todo lo que necesitaba decir en solitario, y estaba en paz con ello».
Todo comienza en un retiro de casa rural al que también llevaron instrumentos y en el que crearon 5 nuevas canciones: «Nunca había escrito algo solo por placer. Escribir al silencio. Escribir sin que fuese a ser escuchado por nadie. Y pensé que quizá eso sascaría algo nuevo de mí que ni siquiera conocía», ha declarado el artista.
De esta forma, Rayden pasa de estar en solitario a formar parte de un grupo, cuando normalmente es al revés. ‘Ojos Superocho’ es un pop rock juguetón que va al grano en lo que quiere contar: «Tus ojos ven en Superocho / A mi corazón maltrecho», cantan en el estribillo. Este también se trata del adelanto del primer EP de la banda, ‘Gastos de Gestión’, disponible mañana mismo en plataformas.
En nuestro último podcast hasta la fecha, comentamos brevemente las noticias de estos días, como el torpe regreso de La Oreja de Van Gogh, la muerte de D’Angelo o el increíble beef entre Roísin Murphy y Boy George. Pero sobre todo hablamos de las descomunales cifras de Taylor Swift incluso en su 2ª semana. En este punto tenemos que concluir que el éxito de ‘The Life of a Showgirl‘ no puede deberse solo a la fidelidad de sus fans de siempre.
Y es que las «swifties» no estuvieron ahí para convertir en macrohit mundial ‘Fortnight’ con Post Malone ni nada de «The Tortured Poets Department». Ni tampoco son solo sus interminables ediciones (de las que mi compañero Claudio M. de Prado hace una deliciosa parodia a lo largo de todo el podcast). Si el álbum sigue tan fuerte casi 3 semanas después de su edición, ha de ser porque tiene algo, o ha pasado algo que desconocíamos.
Quizá el «Eras Tour» ha marcado un punto de inflexión mayor del que podamos imaginar. Uno más grande del que fue el paso al pop de ‘Red’ y ‘1989’, y luego el paso a la alternativa de ‘folklore’. Debatimos sobre la calidad real de este nuevo álbum, sobre cómo le pueden estar pesando las expectativas o las comparaciones con las obras que Beyoncé o Madonna realizaron cerca de los 40 años; y negamos igualmente que el disco sea la catástrofe que algunos se empeñan en hacer ver. Ni Grammy a Álbum del Año, ni flop en absoluto, ¡gracias!
Finalmente, ahondamos en las temáticas del álbum, más allá del beef con Charli XCX, la fama a lo «Reputation (Taylor Version)» o la polla del novio de la artista. Alguien nos ha pedido que hagamos un podcast de canciones sobre pollas hechas por mujeres, pero también hablamos de la importancia de ser la hermana mayor de una familia (o la menor o el de en medio) o de la calidad de ‘Father Figure’, con su interpolación (que no plagio) de George Michael.
Lo primero que llama la atención del nuevo disco de Lorena Álvarez es su proporción repertorio-duración: con apenas 9 cortes, la cantautora asturiana logra un disco que dura exactamente lo mismo que el anterior, ‘Colección de canciones sencillas‘ (2019), que contenía casi el doble de pistas. Esto significa que las composiciones individuales de ‘El poder sobre una misma’ extienden su duración como nunca antes, dando a Álvarez la posibilidad de explorarlas más a fondo y enriquecerlas.
Las nuevas canciones de Álvarez ya no duran 1, 2 o 3 minutos, sino que algunos casos alcanzan los 5, 6 o 7. Es este último el caso de ‘Guíame’, una oración a saber amar mejor, de forma «más tierna y más sutil», que se colorea, sin prisa pero sin pausa, con la guitarra española de Víctor Herrero (esposo de la amiga de Álvarez, Josephine Foster), teclados espaciales y flautas.
La inquietante quietud de ‘Una mirada oscura’ se deja iluminar por el Coro de El Molino de Santa Isabel e hipnotizar por el sonido de un vaso de vino (el de Atardecer en el Patio, incluido en los créditos). ‘El poder sobre una misma’ está lleno de caramelos misteriosos por descubrir como estos o los de ‘Rezo en secreto’, que incluye la participación de la cantante palestina Miriam Toukan cantando en árabe una letra basada en ‘Ouda‘ (1987) de Hamid Al Shaeri (una de las canciones más bonitas del pop libanés, recientemente viral en TikTok)… y se cierra con una preciosa referencia a ‘Yo solo’ (1991) de Ray Heredia, adaptada al femenino. Pelos de punta.
El espacio sienta bien a las canciones de Lorena Álvarez, y ‘Los pensamientos’, con su sutil y meticuloso crescendo, acentuado con punteos de guitarra eléctrica de estilo maliense, compite por ser la mejor canción de toda su carrera. Como mínimo, es una de las más agradecidas y emocionantes. Un estudio sobre la naturaleza de los pensamientos y cómo influyen en la mente, conmueve especialmente tratando aquellas meditaciones que ciegan la claridad:
«Los pensamientos
No son semillas
Son como veleros
Los veo desde la orilla
Me están impidiendo observar el cielo que está detrás»
Trabajo que «narra el proceso de una mujer que se rompe y se recompone», tras haberse «entregado por entero» a una relación y haberse quedado «vacía», ‘El poder sobre una misma’ pasa del amor intenso en ‘Cuando el amor crece’, la contenta balada inicial, muy vagamente inspirada en la bossa, o quizá en el bolero, y que incorpora guitarra portuguesa; a la melancolía de ‘Se me daba cuidao’, que pone a Soleá Morente a jalear sobre unos sintetizadores muy Arthur Russell. Es evidente que Álvarez -que recientemente ha compuesto la banda sonora de un videojuego- evoluciona como compositora, instrumentista y como conceptualista de canciones en ‘El poder sobre una misma’, entregando un disco, de principio a fin, tan cuidado como emotivo.
A pesar del concepto de ‘El poder sobre una misma’, o quizá por ello, el disco no olvida divertir como lo ha hecho en el pasado la autora de ‘Soy un olmo’. ‘Increíble’ es una maja rumba de despecho, o más bien de orgullo, que juega con la literalidad de su título: «Haces bien en no creerme / Porque soy increíble / Y tú un poco cobarde / Por no atreverte a quererme / Haces bien en irte corriendo / Porque soy insoportable».
Y ‘El poder sobre una misma’, la pista final, merece ser comentada aparte. Es la canción más alegre del repertorio gracias a su galopante ritmo. ‘El poder sobre una misma’ recapitula las experiencias de Álvarez que la han llevado a escribir este disco; la de San Antolín de Ibias cuenta que estuvo de baja, tomando un «tratamiento temporal», manda un gracioso «saludo a la Seguridad Social», y canta que, durante este proceso de recuperación, se refugió en sus amistades y se dedicó a «pasear y meditar». Una de sus «lorenianas» composiciones, plasma cómo se siente al recuperar la «sonrisa» después de un periodo oscuro.
El fenómeno de ‘Golden’ no para. Después de haber alcanzado el número 1 en más de 25 países, la canción principal de la película ‘K-Pop Demon Hunters’, cantada por el grupo ficticio HUNTR/X, suma un número 1 en España. Escalando desde la séptima posición, ‘Golden’ se beneficia de la bajada de todos los temas de Taylor Swift, aunque ya estaba en ascenso.
Si la semana pasada destacábamos lo raro que era ver una canción cantada en inglés -‘The Fate of Ophelia’-, ocupando el número 1 de Singles España, esta vez lo reiteramos, añadiendo que ‘Golden’ es una co-creación estadounidense y surcoreana. Como el single de Swift, ‘Golden’ es, además, una producción de puro pop, ni urban ni latina.
Además de en España, ‘Golden’ –interpretada en la vida real por EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami- ha sido número 1 en Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Países Bajos, República Dominicana, Malasia, Grecia, Emiratos Árabes, Honduras… largo etcétera. Y ha alcanzado el top 10 de una treintena de países.
En cuanto a las entradas de la semana, la más exitosa la firma Ana Mena con una de sus mejores canciones, ‘Lárgate‘, que abre en el puesto 31. Viva Suecia, número 1 en Discos España, colocan ‘El bien’ en el 82 y ‘Sangre’ con Siloé en el 90.
El urban conforma el resto de entradas: Dei V y Luar La L se buscan un ‘Problema’ en el puesto 39, mientras Yan Block y Panda Black demuestran su ‘Talento’ desde el 74. ‘Scorpio’ de Jhayco completa las entradas de la semana, desde el 92.
Nicolas Sarkozy ha ingresado este martes en la prisión de la Santé, en París, convirtiéndose en el primer ex-Jefe de Estado de Francia que pierde el derecho a la libertad. Sarkozy cumple una condena de cinco años por asociación ilícita, tras recibir fondos ilegales del régimen de Gadafi para su campaña presidencial de 2007.
La cantante Carla Bruni, esposa de Sarkozy, ha acompañado al ex-mandatario a prisión vestida de sobrio negro, casi de luto, y ambos han accedido al centro penitenciario en coche y no a pie, informa El País. Los vídeos los muestran aparentemente tranquilos, seguidos por fotógrafos y curiosos.
Sarkozy vivirá aislado del resto de presos por motivos de protección. Según cuenta El País, Sarkozy tendrá acceso a gimnasio y biblioteca, aunque según su abogado podría estar libre en «tres semanas o un mes», ya que ha solicitado la libertad condicional.
Bruni, quien se casó con Sarkozy en 2008, ha continuado su carrera musical en los últimos años, con colaboraciones como ‘Malumore francese’ junto a Michele Bravi, lanzada en 2024. Sin embargo, su último álbum de estudio, ‘Carla Bruni‘, tiene ya cinco años. Para quien no lo recuerde, Bruni fue primera dama de Francia durante la presidencia de Sarkozy, entre 2008 y 2012.
Sarkozy, en sus redes, ha defendido su inocencia: “Quiero decirles a los frances, con la fuerza inquebrantable que tengo, que no es un expresidente de la República quien está encarcelado esta mañana, sino un hombre inocente”, ha declarado, en un mensaje compartido por su esposa.
Hace 4 años que La M.O.D.A. no publicaban disco. Fueron primero dos años de gira y luego algo más de un año de obligado descanso hasta que retomaron la composición de lo que ha terminado siendo ‘San Felices’. Fichados por una multinacional por primera vez, Universal, el grupo va a exprimir al máximo la inmediatez de unas canciones que ya habían resonado entre cientos de miles de personas.
Hablo con Jose (acordeón, tercero por la izquierda) y Nacho (guitarra, segundo por la izquierda) sobre el proceso creativo, sobre aquel día en que temieron que el grupo no siguiera adelante durante la pandemia y también sobre el escándalo WeGow. La M.O.D.A. han vendido miles de entradas para su próxima gira, cuyo dinero no van a ver en años debido al cierre de la compañía.
¿Cómo ha sido vuestra vida al margen del grupo este tiempo de parón?
Nacho: Hemos aprovechado para hacer las cosas que llevábamos años sin poder hacer, como ir a cumpleaños de familiares, volver a ver a los amigos. ¡Ya no tienes excusa para no ir a las bodas! (risas)
Jose: Hacer los viajes que no puedes hacer nunca porque siempre estás viajando con el grupo… Y sobre todo, en este tiempo hemos aprendido a valorar lo que hemos hecho con el grupo. Cuando estás muy metido en una gira, cada día en un sitio, no te das cuenta.
¿Os gusta la vida de carretera, la habéis echado de menos?
Jose: Sí, sí, lo que nos gusta es estar en la carretera. Pero también hemos disfrutado de dejar de estar a contracorriente. Mis amigos quedan los fines de semana, y yo nunca podía ir porque siempre tocábamos. Aunque nos encanta lo que hacemos y para nosotros es un milagro vivir de la música tocando el acordeón, el clarinete, el saxofón…
¿Creéis que el parón se refleja para bien en el disco?
Nacho: Yo creo que sí, al tener un poco más de tiempo. Siempre hacíamos los discos entre giras. Tocábamos el fin de semana e íbamos el lunes al local a hacer canciones. Y yo creo que se nota que ahora estamos más relajados, más a gusto, hemos disfrutado más del proceso de estar en el local y echar horas. No teníamos prisa ni nadie que nos pusiera ningún calendario. Y yo creo que se nota, el disco es un poco más vitalista. Tanto en las letras como en la música, sí hay un poco más de luminosidad.
El disco se llama ‘San Felices’. ¿Por qué un grupo manifiesta esta felicidad en un momento tan truculento de la historia?
Jose: Es el momento en el que estamos nosotros a nivel personal. Hemos cogido perspectiva para decir «joder, ¡he tocado en Colombia! ¡Guau, es brutal!”. Valoras las cosas mucho más y hemos recargado las pilas a saco. Tenemos la ilusión totalmente recargada. Es como que estamos sacando nuestro primer disco otra vez.
«Es un milagro, tocando el acordeón, el clarinete, el saxofón… vivir de la música»
Hace unos meses me encontré con Luis Fernández de Universal y me dijo: «quiero fichar a La M.O.D.A.» ¿Cómo ha sido para vosotros el fichaje tras toda una vida a vuestro rollo?
Jose: El paso no ha sido para nada una locura, ha sido bastante fácil. Hubo una propuesta por parte de Luis y Miguel de Universal. Ellos ya sabían a quién estaban fichando porque llevamos 14 o 15 años tocando. Siempre hemos hecho las cosas a nuestra manera y hay un respeto por las dos partes tanto en lo musical como en lo extramusical. No hay imposiciones ni movidas, y la verdad que de momento estamos muy contentos. Es muy natural, no hay nada raro.
¿Qué espera cada parte?
Nacho: Ellos no lo sé. Bueno, igual fichar a una banda. Porque antes no había tantas bandas. Ahora yo creo que eso está empezando a cambiar. Y nosotros, una mano. Muchas veces nos pasamos muchas horas haciendo cosas que no son tocar ni componer. Y hay veces que pesa porque, joder, hemos quedado para ensayar y solo de las cosas que tenemos que decidir y hablar, no hemos podido hacer nada más. Llevamos así 14 años y pesa porque hay cosas aburridas y nosotros… ¡es que tenemos que tocar!
¿Qué es tan aburrido?
Nacho: Gestión. Gestión y oficina, que seguimos haciéndola. Antes se nos ocurrían cosas que no podíamos hacer, esperamos que nos las faciliten o nos ayuden.
Cuando entrevistaba a Vetusta Morla o a Amaral cuando volvían a Sony, siempre salía el tema de ir más a Latinoamérica. Parece que hay muy poca ambición por exportar en España…
Jose: A nosotros nos encantaría ir más para allá, pero lógicamente si quieres crecer allí, tienes que hacer vida allí, no es cuestión de fichar por una multi y decir «quiero crecer allí, pero no quiero tocar allí». Tienes que hacer vida allí.
¿Te refieres a que ya tenéis hijos, etcétera?
Jose: Es un factor, claro. Nosotros encantados de ir, pero también te digo que es duro. Hemos ido, vamos a ir y seguiremos yendo, pero no es tan fácil.
Nacho: Igual nos ayudan con algo de logística, ¿no? Hemos viajado a veces cada uno con 10 vinilos en nuestra maleta. Igual nos ayudan a sacarlo allí. Cosas de infraestructuras.
Estrictamente en lo artístico, ¿qué significa este disco para La M.O.D.A.?
Nacho: Yo diría que es el mejor momento que hemos vivido. En la pandemia nos dimos cuenta que todo podía desaparecer, y creo que nos dimos cuenta de lo que teníamos. Se nota que es más luminoso, que estamos más tranquilos, y luego también que es el resultado de todos los discos y la experiencia anteriores. Más lo que ha añadido Carlos Raya, que la verdad es que ha sido un lujo, un control absoluto de la producción de las canciones. Teníamos ganas como de hacer un disco más grande, de poder tocar todo, de ir un poco menos a la letra, y de tocarlo en directo también.
«En pandemia sentimos que el oficio desaparecía»
¿El momento más bajo del grupo ha sido la pandemia?
Jose: Nuestro trabajo no se podía hacer, igual que muchos otros. Pero yo por lo menos sí que tuve miedo de que no se pudiera volver a hacer. Sentí que nuestro oficio desaparecía. Pero creo que luego nos vino bien, dentro de que fue duro porque tenemos mucha gente que trabaja con nosotros, muchos técnicos, y era mucha responsabilidad también. De hecho, en cuanto se pudo volver, volvimos. En el formato que fuera. Hicimos ocho Rivieras en cuatro días para poder tocar y que la gente tuviera ingresos y nosotros también. Es que se iba el grupo… Pero bueno, le pasó a todo el sector. Y yo creo que nos hizo valorarlo después.
¿No os da vértigo toda esta locura de 8 Rivieras, 4 Wizinks, nosecuántos Bernabéus? ¿No es una presión para cuando el buen momento se acabe?
Jose: Sí, o sea, nosotros… con que venga mucha gente a vernos, pues genial. Pero sí que ha pasado algo. Está pasando algo. Venimos de un año de parón y de repente vemos que ha cambiado todo muchísimo. Decimos: «joder, pero si ahora todo el mundo toca en el Movistar Arena, todo el mundo hace Rivieras a cascoporro». Nosotros estamos un poco al margen y tampoco estamos volviéndonos locos, venimos haciendo seis Rivieras. Igual podíamos haber hecho el WiZink, pero nos gustan las salas. Sí que vemos que los tiempos han cambiado, y todavía no hemos aterrizado muy bien… Está todo rarísimo y no sabemos muy bien qué ha pasado.
¿Qué creéis que ha cambiado?
Nacho: A veces lo hablamos. Yo creo que tiene que ver con la cultura de los festivales. La gente empezó a ir a festivales como una manera de ocio diferente. Y eso ahora se ha trasladado a los eventos más grandes, porque es verdad que luego, también seamos sinceros, las salas pequeñas no están llenas todos los días. Y eso igual también hay que reivindicarlo. Que en invierno y en las salas pequeñas hace mucho frío y los grupos no tienen tantos sitios donde tocar. Pero es verdad que ahora hay más gente yendo a conciertos y yo creo que eso es de celebrar. No sabemos si esto forma parte de una burbuja, pero también surgen grupos jóvenes y gente haciendo cosas interesantes y llenan. Yo creo que es un buen momento para la música en directo y viene arrastrado de los festivales.
Entre el inesperado éxito de Alcalá Norte, la barbaridad que han vendido Viva Suecia, el subidón de Sanguijuelas del Guadiana sí que hay también más grupos como decíais antes, ¿verdad?
Nacho: A mí me alegra mucho porque los grupos es con lo que hemos crecido nosotros también. Más que artistas en solitario, que igual también, pero menos. Yo creo que es todo muy cíclico. Ahora estamos en este momento pero hace unos años en la radio solo sonaban artistas en solitario, como Alejandro Sanz o David Bisbal. Y ahora como que los grupos están cogiendo más fuerza. De repente, hay un algo tan masivo como OT, y los artistas en solitario cogen fuerza y salen figuras nuevas. Luego desaparece eso y las bandas vuelven a surgir. Es como cíclico.
¿En algún momento os habéis visto como muy outsiders, entre el trap, lo latino, el bedroom pop?
Nacho: Yo en su momento con la pandemia sí que tuve miedo. Por lo menos de cómo hemos aprendido a hacer música, que es juntos en un local. Eso no se podía hacer. Entonces sí que decíamos que a lo mejor el futuro cambia porque ya no hay eso o en una sala no se puede tocar. Sentíamos que los conciertos de punk que hemos ido a ver, a lo mejor no volvían a aparecer. Sobre ser outsiders, desde el primer momento nos sentíamos un poco así porque tocamos el acordeón o el banjo. Eso siempre nos ha hecho ir a lo nuestro. Nos aceptaban aquí y allí, en festivales indies o de rock, salas si la gente viene… pero no nos hemos sentido parte de una escena tampoco.
Jose: Tocando la acordeón o el clarinete, ya automáticamente te ves fuera de todos los lados. Pero al final vas un poco donde el público te demanda.
En el neo-folclore tampoco os veíais, ¿verdad?
Jose: Es que es una propuesta muy rara la nuestra. Para nosotros es un milagro, macho.
¿Qué música os gusta a vosotros aparte de la que hacéis?
Jose: Con el tiempo vas aprendiendo a que te guste todo. A mí me gustaba el punk americano o el hardcore americano. ¡Y toco el acordeón! Entonces era como totalmente antagónico, ¿no? Al final escuchas de todo, realmente.
Nacho: Carlos Ares yo creo que es algo que hemos escuchado recientemente casi todos. Y Carlos es un ejemplo que mezcla de todo, cosas muy orgánicas con cosas electrónicas, produce muy moderno…
Jose: Nosotros también hemos pasado de trabajar con Santi García a Steve Albini en Chicago y luego el disco siguiente lo hicimos con Refree, que era una locura de mezcla.
Habladme de la producción de este disco. ¿De qué estáis más orgullosos?
Nacho: Hemos trabajado mucho antes de ir con Carlos Raya. Hemos trabajado el disco más meses que nunca. Lo teníamos bastante enfocado, pero luego Carlos lo ha hecho mucho más grande. Tiene esa capacidad de hacer las canciones como grandes. Controla el sonido a un nivel de locos. Es muy bestia cómo hila con cada cosa que graba, buscando el mejor sonido posible. Yo creo que no he conocido a nadie con tanto conocimiento, además. Ya no solo tanta obsesión sino tanto conocimiento. Y luego ha habido canciones que sí que ha propuesto muchos cambios, como ‘La vida en rosa’. El arreglo de cuerdas es suyo y yo creo que ha sido bastante diferenciador. La finura en cada sonido…
Ese arreglo es un poco ‘Whatever’ de Oasis.
Nacho: Sí es verdad que tenemos como varias canciones que han ido hacia ese sitio, que nos gusta también. Y sí, luego las guitarras suenan muy grandes, la batería… cosas que a lo mejor no habíamos conseguido que sonaran así hasta ahora. Toda la parte folk suena muy bien. Ha sido todo muy de tocar juntos.
¿Veis el disco tan alegre? ¿Cuál sería vuestra canción favorita?
Nacho: Aunque es menos nostálgico que otros, menos pesimista, al final hay letras de todo. Hay nostalgia de tiempos que fueron mejores y no lo sabíamos. ‘Días difíciles’ me está emocionando estos días cuando nos la ponen durante la promo. Lo cual es difícil después de haberle dado tantas vueltas.
Jose: Yo te diría ‘Desde Marte’, porque quizá no abordamos nunca las letras así.
«Nos han robado el dinero pero no la ilusión»
Finalmente, no puedo eludir la pregunta: ¿os habéis recuperado del tema de WeGow?
Jose: No, la verdad es que estamos jodidos, aunque nos ves aquí bien… Nos han robado el dinero pero no la ilusión. Estamos un poco a ver qué pasa, se supone que ahora les ha comprado una empresa…
Nacho: Como un fondo cultural de Granada. Estamos a la espera, no sabemos mucho, la verdad. Es como que parece que sí que hay una luz ahí al final del túnel. Pero está muy lejos. La vemos lejos. Hay días que se acerca y al día siguiente se vuelve a alejar.
La situación es que habéis vendido unas entradas de la gira, pero no tenéis el dinero, ¿no?
Jose: Eso es. Vamos a dar los conciertos y vamos a ir con el mismo despliegue que pensábamos llevar antes de que pasara esto asumiendo todas las consecuencias que supone, pero bueno.
Entiendo que recuperaréis la pasta algún día.
Nacho: Esto puede ser un proceso larguísimo, en cien mil plazos.
Jose: Somos el grupo más afectado. Puede ir para bastantes años. O sea, que no es en plan de «te devuelven la pasta el año que viene». No sabemos muy bien.
Víctor Monte es un artista almeriense que lleva desde 2020 compartiendo sus composiciones, pero no ha sido hasta principios de este año cuando ha publicado su primer EP, ‘vestigios del querer’. Comenzó de niño estudiando piano en el conservatorio, pero la relación con los profesores le desmotivó y se apartó de la música hasta que, tiempo después, comenzó a subir a sus redes sociales primero covers de otras canciones y luego, como decimos, sus propios temas. Ahora, da un golpe en la mesa publicando dos adelantos del que será su primer largo, con el que ha entrado definitivamente en nuestro radar. Llaman la atención estas nuevas canciones por su voz, una composición especialmente poética y la cuidada producción (elaborada junto a STEGA) pero también por su temática: aborda la historia de amor entre Federico García Lorca y Salvador Dalí.
Y la aborda de manera muy distinta en estos dos cortes: ‘Alma Rota (Capítulo V: Soledad)’ es una producción mutante entre Bajocero X y Ralphie Choo que cierra con drum&bass, mientras que ‘Todo este amor (Capítulo IV: Huida)’ -la Canción Del Día de hoy- es una atípica bachata junto a nosoymeri, cantante con quien ya había colaborado en cortes como ‘Si supieras’ o ‘cómo pude?’. No son de extrañar estas mezclas si tenemos en cuenta que en su catálogo cabe del minimalismo de ‘salir de aquí’ a bops como ‘ARREBATA’ y ‘EL TRISTE‘, que llega a recordar a Arca.
En declaraciones a JENESAISPOP, Víctor nos cuenta que ha estado mucho tiempo documentándose sobre la relación amorosa entre Lorca y Dalí, leyéndose por ejemplo un epistolario que reúne las cartas que se mandaron, del cual ha sacado muchas referencias. Las canciones están cantadas desde el punto de vista de Lorca; por ejemplo, en ‘Todo este amor’ se supone que es el poeta granadino quien lamenta “y dime si ha acabado / aquella nit que em vas jurar ha sido en vano / tengo un hueco con tu nombre en el costado”, y en ‘Alma Rota’ le expresa a Dalí “que yo a ti te daba / en pañicos mi arte”.
En una industria donde los chicos que cantan abiertamente a otros chicos no abundan (de lo que hablamos largo y tendido con el propio Bajocero X), se agradecen propuestas así, más con la originalidad del tema concreto que trata Víctor en este disco, pero más aún cuando funciona tan bien. Quizás de esto último tenga bastante culpa su madre: Víctor le agradece haberle inculcado desde siempre el amor por todo tipo de música, comentando que el disco (que constará de 14 canciones) será un popurrí de todas ellas, y nombrando a Enrique Morente, Rosalía, rusowsky y el mencionado Ralphie Choo, Judeline, Belén Aguilera o ¡Extremoduro!
Gabriel Rufián ha sido esta noche uno de los invitados de La Revuelta (junto a, por ejemplo, Javián) y se ha convertido en el primer político español en activo que acude al programa de David Broncano. El portavoz de Esquerra Republicana de Catalunya en el Congreso ha hablado poco de política (sí ha reivindicado el derecho a la vivienda) pero ha ejercido su profesión de otra manera, por ejemplo, poniendo en valor la cultura y, en concreto, la música.
Rufián ha llegado al plató cargado de curiosos regalos, entre ellos, un pantalón chándal de botones con el que le pillaron entrando en el Congreso el año pasado. Y también ha traído CDs de música catalana. «Me piden que traigas grupos en catalán», añade. Broncano recuerda que a La Revuelta han acudido diversos artistas catalanes, así como gallegos o vascos, pero lo que pide Rufián es que estas lenguas co-oficiales suenen más en el programa a través de la música.
Curiosamente, Rita Payés, autora de ‘Corsé’ (2023), uno de los discos que Rufián regala a Broncano, actuó en La Revuelta el año pasado… pero cantó en español. Rufián regala también CDs de Buhos, La Fúmiga y el exitoso ‘Fruit del deliri‘ (2024) de Oques Grasses, un disco muy popular a escala nacional. Oques Grasses es el típico grupo que esperarías ver en La Revuelta pero que, por alguna razón, todavía no ha ido. Broncano, por su lado, menciona a Manel entre sus grupos catalanes favoritos.
La Revuelta, desde su estreno, ha dado cierto espacio a música cantada en lenguas co-oficiales: este año ÍZARO, junto a Baiuca, cantó ‘Xorieri’ en euskera. O en el caso de Abraham Cupeiro, a la música tradicional gallega.
Una pequeña queja dentro de todo lo mucho que valoramos que La Revuelta siga siendo uno de los pocos programas que apuestan por la música en directo y por entrevistar a artistas muy interesantes, a los que no siempre es fácil ver en otros espacios.
Rosalía visitó ayer por la noche el centro de Madrid para presentar su nuevo disco, ‘LUX’, lo cual provocó la congestión de la plaza por el elevadísimo número de personas que estaban esperando a la artista catalana.
El Ayuntamiento de Madrid ha confirmado este lunes que la artista catalana no solicitó los permisos pertinentes y que su evento fue improvisado, tal y como había adelantado la Policía Nacional. Ahora, el consistorio estudia la posibilidad de sancionarla, aunque la decisión aún no es definitiva y se desconoce tanto el importe de la posible multa como la infracción concreta que se le imputaría.
Inma Sanz, vicealcaldesa de Madrid, había declarado esta mañana a los medios que se estaría investigando si Rosalía tenía el permiso para evento. De lo contrario, «se actuaría en consonancia», aseguró Sanz. Esta insistió en que «no parece que hubiera autorización expresa».
El Ayuntamiento ha revisado, área por área, si la celebración del evento fue comunicada de alguna manera. Borja Carabante, delegado de Urbanismo, Medio Ambiente y Movilidad, asegura que «no consta» ninguna solicitud de permiso, pero aclara que se encuentran «revisando todas las oficinas de atención al ciudadano para comprobar si se había comunicado este evento».
Respecto a la sanción que recibiría Rosalía de demostrarse la falta de autorización, será necesario determinar la gravedad de la infracción. Carabante añade que, como no se montó ningún escenario ni había emisión de ruidos, «entiendo que no será muy grave»: «Debemos iniciar el expediente sancionador que conllevará, en su caso, la sanción correspondiente», concluyó.
Primavera Sound ha publicado el esperado cartel por días de su edición de 2026, que se celebrará en Barcelona del 3 al 7 de junio. Doja Cat y Massive Attack, The Cure y Addison Rae y, finalmente, The xx y Gorillax son los cabeza de cartel de las tres jornadas principales, juntando el presente y el pasado de la música pop. JENESAISPOP es media partner.
El anuncio llega con novedades en el cartel, con TV Girl y Sudan Archives sumándose a los 150 nombres ya anunciados. Por otro lado, la tradicional Jornada Inaugural del 3 de junio incluirá las actuaciones de Wet Leg, Guitarricadelafuente, Yard Act y Quineta.
El 4 de junio, los amantes de la música alternativa estarán de celebración con los conciertos de Mac DeMarco, Alex G, Blood Orange y Geese, entre otros. Cameron Winter, vocalista de la banda neoyorquina, también actuará ese mismo día junto a los nombres más grandes de la jornada: Doja Cat, Massive Attack y Bad Gyal.
The Cure, Addison Rae y Skrillex compartirán el día 5 con PinkPantheress, Ethel Caina, JADE y Amaarae, entre otros, como Slowdive o Water From Your Eyes. Finalmente, el día 6 de junio The xx, Gorillaz y my bloody valentine presentarán una variada jornada que también incluye a Big Thief, Dijon, KNEECAP, MARINA y Little Simz.
Por último, la fiesta electrónica Primavera Bits del domingo 7 despedirá el festival con las sesiones de Carl Cox, Joseph Capriati, BLOND:ISH y Greta, que convertirán el Parc del Fòrum en una gran pista de baile al aire libre.
Las entradas de día estarán a la venta en Fever a partir del jueves 23 de octubre a las 11h. La entrada de día general tendrá un precio de 135€ (más gastos de distribución) y la entrada de día VIP tendrá un precio de 195€ (más gastos de distribución) hasta agotar existencias.
Siempre me ha parecido un bajón que no pudiese meter mi propia comida a los festivales. En la gran mayoría de estos, o cenas unas míseras patatas fritas, que suele ser lo más barato de la carta, o estás obligado a pagar 15 euros por una hamburguesa en el mejor de los casos. Ahora, gracias a la nueva acción del Ministerio de Consumo contra una de las grandes promotoras de nuestro país estamos un poco más cerca de erradicar todo esto.
¿Por qué los festivales no dejan meter comida de fuera? Seguro que muchos lo achacan a un tema de seguridad, por todo lo que puedes envolver en papel de aluminio. La realidad, como casi todo en este tipo de negocios, es que detrás hay una razón monetaria. El periodista Nando Cruz cuenta en su libro ‘Macrofestivales: El agujero negro de la música’ que las ventas en barra suelen suponer alrededor de un 40% de los ingresos de un festival.
No es una locura imaginar que el porcentaje de ingresos proveniente de la comida es también elevado. Sobre todo, por las grandísimas colas que se forman en algunos eventos y los amplios espacios habilitados para los diferentes ‘food trucks’. Hay quien simplemente sale del recinto para comer algo por ahí. Es probable que lo que encuentre sea más barato, pero, ¿qué pasa cuando ni siquiera puedes salir del festival?
Esta es una de las «prácticas abusivas» por las que el Ministerio de Derechos Sociales, Consumo y Agenda 2030 ha abierto un expediente a «una gran promotora de festivales» de nuestro país. Todo, a raíz de una denuncia de Facua. Solo el año pasado, la asociación de consumidores denunció a los organizadores de 28 festivales y conciertos.
El ministerio de Pablo Bustinduy arremete contra aquellos festivales que prohíben el acceso al recinto con comida y bebida del exterior, los que impiden salir y entrar libremente del espacio y los que no admiten la devolución del reembolso de la cantidad sobran de las pulseras cashless, utilizadas en prácticamente todos los eventos. Facua también señala como irregularidad que este sea el único método de pago disponible en la mayoría de casos.
Está por ver cómo de grave se consideran estas prácticas, que podrían suponer unas sanciones que oscilan entre los 100.000 y el millón de euros. Tendremos más noticias dentro de nueve meses, periodo en el que se deberá resolver el expediente de la entidad pública. Hasta entonces, cuidado con llevar un bocadillo a ese festival.
Daniel Lopatin, uno de los artistas más vanguardistas de la electrónica actual, ha anunciado su nuevo álbum. ‘Tranquilizer’ estará disponible a partir del 17 de noviembre y será el sucesor de ‘Again’, lanzado en 2023. A la vez, presentará algunas canciones inéditas del LP en su concierto de Madrid, el próximo 7 de noviembre.
El director musical de la Super Bowl de The Weeknd y colaborador de decenas de artistas, Oneohtrix Point Never, describe su nuevo disco como «un regreso a una forma de hacer música orientada al proceso que yo sentía que evocaba una cierta locura». Las tres primeras canciones del álbum han salido en forma de un EP, titulado ‘tra’.
Por otro lado, el artista estadounidense también ha anunciado su regreso a la capital española con un concierto el próximo 7 de noviembre en el Teatro Barceló. Las entradas para la velada, que contará con la participación de la productora y vocalista Evita Manji, ya están disponibles.
Tracklist de ‘Tranquilizer’:
01 For Residue
02 Bumpy
03 Lifeworld
04 Measuring Ruins
05 Modern Lust
06 Fear of Symmetry
07 Vestigel
08 Cherry Blue
09 Bell Scanner
10 D.I.S.
11 Tranquilizer
12 Storm Show
13 Petro
14 Rodl Glue
15 Waterfalls
Una serie de canciones amanecen este martes fuera del Billboard Hot 100 por sorpresa. Hasta ahora la influyente lista estadounidense eliminaba las canciones que superaban las 20 semanas y aparecían por debajo del puesto 50. Esa norma se mantiene, pero se añaden otras nuevas.
Con el objetivo de favorecer la entrada de canciones nuevas y huir del ostracismo de las emisoras de radio, que cada vez pinchan más y más solamente éxitos consolidados, ahora serán eliminadas semanalmente:
-las canciones por debajo del top 5 que lleven más de 78 semanas
-las canciones por debajo del top 10 que lleven más de 52 semanas
-las canciones por debajo del top 25 que lleven más de 26 semanas
-las canciones por debajo del top 50 que lleven más de 20 semanas
Las normas, que no aplicarán a los villancicos que lleguen por encima del top 50, se han aplicado de manera inmediata. ¿Cuáles son las primeras víctimas?
‘Lose Control’ de Teddy Swims desaparece de la lista después de un récord de 112 semanas, es decir, 2 años. ‘Beautiful Things’ de Benson Boone se va del top después de 89 semanas y ‘Die With a Smile‘ de Lady Gaga y Bruno Mars se va del Hot 100 tras 60 semanas.
Es loable que Billboard luche contra el ostracismo de sus propias listas en tiempos de streaming y ya solo queda que atajen el desaguisado que tienen liado hace una década en el Billboard 200. En la lista de álbumes, nadie está evitando que la reproducción de canciones sueltas a través de playlists cuente para la elaboración del top, produciendo que el Billboard 200 sea un cúmulo interminable de «greatest hits» y discos de éxito de lo más aburrido.
En un estresante lunes en el que la preventa de la gira de La Oreja de Van Gogh ha sido pospuesta por un fallo técnico y aplazada hasta la tarde, y Rosalía ha anunciado su disco practicando la “conducción temeraria” hacia Callao mientras sonaba Mozart de fondo y los fans la asediaban, una nueva gala de Operación Triunfo se ha emitido en Prime Video para terminar de subirnos el cortisol antes de ir a dormir.
La expulsión de Judit ha sido dramática, pero ella ha encontrado la manera de abandonar el plató con una sonrisa. Su ‘Ciudad de papel’ ha sido correcta, pero Judit no es la mejor Malú ni Pastora Soler de Operación Triunfo 2025, ya que ese título se lo lleva Laura con creces. Precisamente, Laura ha bordado su versión de Soler, cantando con el brío que requería ‘La mala costumbre’, mientras su compañera Cristina ha sido propuesta para nominación y salvada por el profesorado (no lo merecía).
Lucía se ha tomado peor su segunda nominación de lo que probablemente se habría tomado su expulsión. Ha acabado la gala llorando a lágrima viva. Su ‘Creo en mí’ ha sido irónicamente dubitativa, y personalmente yo veía a Casani fuera, pero los votos han estado extremadamente reñidos: casi un 50/50.
Lucía competirá por seguir en la Academia con Max, quien también sabe lo que es estar nominado. Su ‘I Was Born to Love You’ junto a Guille Toledano ha sido un buen homenaje a Freddie Mercury, si bien Toledano ha demostrado ser un intérprete sorprendentemente versátil, la voz pop perfecta de esta edición (un poco como Aitana), mientras que a Max se le ha visto constreñido en su papel musical.
La Gala 5 tenía morbo por el hecho de ver a Leire Martínez cantando ‘Mi nombre‘ junto a los concursantes, justo la semana en que Amaia Montero ha anunciado su regreso oficial a La Oreja de Van Gogh. Nada es casual en esta vida, y Leire ha sido lista pidiendo a sus compañeros de jurado que, justo esta noche, no la hicieran nominar a nadie. Se ha librado de ser villana, así que estamos deseando verla el lunes que viene.
El jarro de agua fría se lo ha llevado Crespo, quien, inmediatamente después de haber sido elegido favorito, ha sido informado por Guille Milkyway de que, de no haber sido por esta circunstancia, habría sido nominado. Su ‘Nada valgo sin tu amor’ junto a Claudia ha aprobado, aunque ella ha ofrecido una interpretación más convincente y el jurado la ha propuesto para nominación.
Guillo Rist ha vuelto a protagonizar la mejor actuación de la noche, esta vez junto a Tinho; ambos han hecho con ‘I Wanna Be Your Slave’ exactamente lo que tenían que hacer. Tinho ha sorprendido especialmente: él insiste en que su público son “las señoras y las abuelas”, como si a sus 21 años fuera Bertín Osborne, así que en principio no terminaba de convencer haciendo de Damiano David (porque de Iggy Pop, ya ni hablamos). Pero ha callado bocas.
María Cruz, que en cada gala da un paso de gigante hacia la final, pues su confianza y seguridad en sí misma traspasan la pantalla,, ha sostenido prácticamente por sí sola la actuación de ‘Yes, and?’, mientras a Olivia se le ha visto luchando con todas su fuerzas por transmitir algo. Olivia ha estado a punto de ser nominada, y creo que lo merecía más que Cristina, pero así se han dado las cosas.
Téyou, la favorita de la semana pasada, ha actuado sola interpretando ‘Papaoutai’ de Stromae en un fluido francés. Personalmente, no me ha transmitido nada, pero la puesta en escena ha sido probablemente la mejor de la noche, así como la llamativa coreografía ejecutada por hasta nueve bailarines.
El cuerpo de baile ha elevado también la actuación de MAYO, el artista invitado de la noche. Ex-concursante de Operación Triunfo 2023 y actual participante de Benidorm Fest, Álvaro Mayo ha sacado lo mejor del Troye Sivan que lleva dentro interpretando ‘Contigo’ junto a una desubicada Elettra Lamborghini, que ha tardado unos ocho años en irrumpir en el escenario, solo para cantar en riguroso pregrabado, casi playback.
MAYO no ha ofrecido el tema que haga despegar su carrera, pero quizá se lo reserva para Benidorm Fest. De momento, asume con entereza el papel de pop star que ha elegido. Más de esto y de ‘I Wanna Be Your Slave’ y menos homofobia en la industria, gracias.
La campaña del 4º disco de Rosalía ha venido optando por el misterio. En lugar de ofrecer fechas, portada o título del proyecto de manera determinada, la cantante ha ido colgando partituras en las redes sociales o anuncios en las calles madrileñas. Está siendo precioso y también muy divertido escuchar a jóvenes tocar el supuesto nuevo tema llamado ‘BERGHAIN’. Si sabemos cómo suena es gracias a todos esos chavales y chavalas.
El asunto ha dejado de ser tan misterioso esta tarde-noche. Rosalía ha convocado a sus seguidores a las 20.45 horas en TikTok. En el directo, la hemos visto terminar de maquillarse y arreglarse para dirigirse hacia un lugar por determinar, que luego revelaba que era Callao.
Conduciendo por sí misma un coche con el volante en la derecha, a la inglesa, acompañada de 4 personas de su equipo y otras tantas en otro vehículo que la guiaban, ha retransmitido el viaje desde un punto de Madrid hacia Callao durante 20 largos minutos de interrupciones por mala conexión, cambios de plataforma (de TikTok a Instagram), semáforos en rojo, conversaciones con transeúntes a través de una ventanilla abierta, y calada y calada de un cigarro. Por el camino Rosalía ha pinchado y tarareado música de los Strokes y Guitarricadelafuente.
En las inmediaciones de Plaza de España, y cuando ya todo Madrid sabía que algo iba a suceder en Callao, se han vivido momentos angustiosos cuando fans temerarios se han lanzado hacia su coche en busca de una selfie o un autógrafo. Algunos lo han conseguido pese a la reticencia de los acompañantes de la artista. «No puede firmar, está conduciendo».
A la altura de San Bernardo y el Hotel Emperador, el caos ya ha sido absoluto sin que interviniera la policía ni nadie de Sony pareciera haber preparado más dispositivo de seguridad que un guardaespaldas en las inmediaciones de Callao. Allí, Rosalía ha abandonado el coche entregando las llaves a otra persona.
La llegada a pie al Hotel Vincci Capitol, donde se realizan numerosas entrevistas musicales, con Rosalía corriendo rodeada de fans gritándole «¡reina!», es uno de los mejores inicios de campaña que se recuerdan. En la plaza, el gran número de teléfonos móviles concentrado impidió retransmisión alguna, pero sabemos que allí se ha revelado finalmente entre corte y corte por falta de cobertura, que ‘Lux’, el nuevo álbum de Rosalía, saldrá a la venta el 7 de noviembre. En realidad ya se sabía porque un tablón se había precipitado en Times Square, Nueva York, pero anda que el rollout no está siendo entretenido.
La preventa ha quedado activada en la web oficial de Rosalía, donde se define el disco como «su lanzamiento más innovador y global hasta la fecha». Y atención a las colaboraciones porque no son las que esperabas: «El álbum se ha grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Londres e incluye voces de artistas como Björk, Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, la Escolania de Montserrat, el Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, Yahritza e Yves Tumor.». Oficialmente, «Rosalía explora temas de la mística femenina, la transformación y la espiritualidad trazando el arco entre la ilusión y la pérdida, la fe y la individualidad».
🚨Rosalía da like y utiliza el audio de una seguidora interpretando las partituras que ella misma subió con el titulo de “Berghain” pic.twitter.com/cHC86WufAq
El debut de The Last Dinner Party nos presentó a una banda que rápidamente conseguía transmitir una personalidad propia y que, a priori, no aspiraba a un éxito mainstream, a juzgar por lo barroco de muchas de sus composiciones. En cambio no, que diría Laura Pausini. Menos de dos años después, tenemos una secuela de ese ‘Prelude to Ecstasy‘. Y, lejos de volverse más poperas o simplemente más accesibles, aquí tenemos algo aún más barroco y más teatral, un “pues toma dos tazas” al estilo de lo que hizo Ethel Cain para dar continuación a ‘Preacher’s Daughter‘ (bueno, justo así no, pero para que me entendáis).
Abigail, Lizzie, Emily, Georgia y Aurora empezaron a trabajar de nuevo con James Ford, pero éste tuvo que abandonar al ser diagnosticado con leucemia, y la banda eligió a Markus Dravs, que ha trabajado para gente tan distinta como Coldplay, Arcade Fire o Frank Ocean. Con él, arman un trabajo que, según ellas mismas cuentan, “es una colección de historias unidas por el concepto de álbum como mito; La Pira es un lugar alegórico del que surgen estos relatos, un sitio de violencia y destrucción, pero también de regeneración, pasión y luz”.
Así, las chicas afianzan y amplían su universo contando, por ejemplo, la historia de una madre cuyo hijo se ha ido a la guerra en la operística ‘Rifle’, que se acerca a terrenos como de Anna von Hausswolff y donde llegan a cantar en francés. La atmósfera del disco, por momentos, hace pensar que quizás ésta era la BSO que merecía la nueva adaptación de ‘Cumbres Borrascosas’, con permiso de Charli XCX.
Como decíamos, a las chicas les gusta más el barroquismo que a Manuela Trasobares, y lo demuestran cantando nada más empezar “oh, here comes the apocalypse / and I can’t get enough of it (…) one kiss and I was disembowelled”. Esto ocurre en ‘Agnus Dei’, canción donde el amor y la fama se mezclan (“all I can give is your name in lights forever / and ain’t that so much better / than a ring on my finger?”) y que cuenta con un magnífico solo final. Casi parece que estamos en un ritual, aunque luego llegará ‘Woman is A Tree’ para reclamar aún más esa comparación.
La sensual ‘Count the Ways’ gustaría por momentos a los fans de Arctic Monkeys, con un punto extra de glam rock. ‘This is the Killer Speaking‘ empieza también recordando a los Arctic, pero rápidamente vemos que estamos ante una murder ballad de toda la vida, uno de los temazos del disco, y que además incluye un guiño al ‘Here Comes your Man’ de los Pixies. ‘Second Best’, por su parte, se acerca más a Siouxsie y consigue trasladar la frustración y la desesperación de esa relación-bucle donde nos infravaloramos a nosotros mismos y somos incapaces de verlo (la manera en que el paisaje ideal se rompe con “let us walk by the shore / by the hand, by the hair / I don’t care anymore” es bastante llamativa).
Tanto barroquismo puede dar la sensación de opacar la melodía, pero no es así, sobresaliendo en ese sentido el trío formado por ‘I Hold Your Anger’, ‘Sail Away’ y ‘The Scythe’. En la primera, Aurora toma el testigo para cantar sobre el rol materno con frases como “I’ve never known where others begin and I end”. ‘Sail Away’, con un fantástico final, podría estar cantada por MARINA, con quien acertadamente comparaba al grupo mi compañero Jordi en la reseña de su debut. Y yo percibo además en canciones como ‘The Scythe’ un eco a Arcade Fire. Ésta es mi favorita del largo, un precioso pasaje sobre el amor que sobrevive al tiempo e incluso a las reencarnaciones (“don’t cry, we’re bound together / each life runs its course / I’ll see you in the next one / next time I know you’ll call”), una mezcla de tristeza y alegría que incluye una frase tan genial como “let me die on the street where you live”.
Extraña elección luego la de terminar el disco con uno de los temas más accesibles, ‘Inferno’, que, pese a lo que pueda sugerir su título, es mucho menos opresivo que lo que hemos oído en la primera mitad del disco. En definitiva, pese a todas las referencias mencionadas, The Last Dinner Party se las vuelven a apañar para que identifiquemos un sonido propio, un universo personal desde el que contar historias. Ganas de ver cómo trasladan todo esto a los directos.
Conan Gray anuncia una nueva fecha en nuestro país, ahora como parte de su gira mundial «Wishbone World Tour 2026», en la que le acompañará Esha Tewari como artista invitada. Conan Gray presenta su cuarto álbum de estudio, el notable ‘Wishbone’ (Republic Records), publicado este verano, llegando al top 3 del Billboard 200. Es decir, sus fans ya son legión. De él destacábamos temas como ‘Vodka Cranberry’, ‘Care’, ‘This Song’, ‘Caramel’ o ‘Actor’, que suceden al exitazo logrado por un tema suyo de 2020, ‘Heather’. Este supera ya los 2.000 millones de streams en Spotify.
La gira mundial de Conan Gray recorrerá 42 ciudades, comenzando el 19 de febrero en el Target Center de Minneapolis. En España la única ciudad afortunada será Madrid. Visitará el Palacio Vistalegre el 6 de junio antes de saltar a Lisboa. En Live Nation tenéis toda la información.
Las entradas salen a la venta el 24 de octubre a las 9 horas en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés, aunque hay una preventa el miércoles 22 de octubre a las 9 en Live Nation-S.SMusic. El jueves 23 de octubre hay otra preventa en Live Nation a partir de las 9 horas. Las entradas costarán desde 50 € más gastos de distribución.
Os dejamos con todo el calendario de su gira, dividida en 3 continentes y conduciendo hasta el mes de octubre: Norteamérica
Jueves 19 de febrero – Minneapolis, Minnesota – Target Center
Sábado 21 de febrero – Fishers, Indiana – Fishers Event Center
Lunes 23 de febrero – Toronto, Ontario – Scotiabank Arena
Miércoles 25 de febrero – Boston, Massachusetts – TD Garden
Viernes 27 de febrero: Newark, Nueva Jersey, Prudential Center.
Sábado 28 de febrero: Belmont Park, Nueva York, UBS Arena.
Lunes 2 de marzo: Filadelfia, Pensilvania, Xfinity Mobile Arena.
Miércoles 4 de marzo: Raleigh, Carolina del Norte, Lenovo Center.
Viernes 6 de marzo: Atlanta, Georgia, State Farm Arena.
Sábado 7 de marzo: Orlando, Florida, Kia Center.
Martes 10 de marzo – Fort Worth, Texas – Dickies Arena
Miércoles 11 de marzo – Houston, Texas – Toyota Center
Viernes 13 de marzo – Glendale, Arizona – Desert Diamond Arena
Lunes 16 de marzo – Seattle, Washington – Climate Pledge Arena
Miércoles 18 de marzo – Sacramento, California – Golden 1 Center
Viernes 20 de marzo – Los Ángeles, California – Kia Forum
Europa
Martes 5 de mayo – Dublín, Irlanda – 3Arena
Jueves 7 de mayo – Birmingham, Reino Unido – bp Pulse LIVE
Sábado 9 de mayo – Mánchester, Reino Unido – AO Arena
Domingo 10 de mayo – Glasgow, Reino Unido – OVO Hydro
Martes 12 de mayo – Londres, Reino Unido – O2 Arena
Jueves 14 de mayo – Ámsterdam, Países Bajos – Ziggo Dome
Viernes 15 de mayo – Amberes, Bélgica – AFAS Dome
Sábado 16 de mayo – Düsseldorf, Alemania – Mitsubishi Electric Halle
Lunes 18 de mayo – París, Francia – Adidas Arena
Jueves 21 de mayo – Hamburgo, Alemania – Sporthalle
Sábado 23 de mayo – Oslo, Noruega – Unity Arena
Lunes 25 de mayo – Estocolmo, Suecia – Avicii Arena
Martes 26 de mayo – Copenhague, Dinamarca – Royal Arena
Jueves 28 de mayo – Berlín, Alemania – Max-Schmeling-Halle
Viernes 29 de mayo – Cracovia, Polonia – Tauron Arena
Domingo 31 de mayo – Praga, República Checa – O2 Universum
Lunes 1 de junio – Viena, Austria – Wiener Stadthalle
Miércoles 3 de junio – Bérgamo, Italia – ChorusLife Arena
Sábado 6 de junio – Madrid, España – Palacio Vistalegre
Domingo 7 de junio – Lisboa, Portugal – MEO Arena
Australia
Sábado 26 de septiembre – Auckland, Nueva Zelanda – Spark Arena
Martes 29 de septiembre – Brisbane, Australia – Brisbane Entertainment Centre
Jueves 1 de octubre – Sídney, Australia – Qudos Bank Arena
Sábado 3 de octubre – Melbourne, Australia – Rod Laver Arena
Lunes 5 de octubre – Adelaida, Australia – Adelaide Entertainment Centre
Jueves 8 de octubre – Perth, Australia – RAC Arena
