Más de 1 millón de copias vendía en 1 semana ‘La mujer que soy’, las memorias de Britney Spears. Sólo en Estados Unidos. La tutela que ha tenido a la artista presa de su padre, con quien nunca tuvo buena relación, durante 13 interminables años, ha terminado encogiendo el corazón del público. De alguna manera involuntario reflejo de la evolución de la sociedad, la tutela parecía una opción lógica en algún momento de la historia que queremos olvidar. A la postre, se ha terminado viendo como una auténtica película de terror y, sobre todo, una injusticia social. Ese es más o menos el relato al que se agarra Britney en este libro tan ligero, al que dedicamos el nuevo capítulo de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP.
El título genérico de nuestro podcast nos viene como anillo al dedo para hablar de los enormes momentazos que nos da este volumen, así como de las decepciones tras casi 2 años de hype en torno al mismo. Todo aquel que no se esperara una obra de alta cultura, un desarrollo de todo esto tan turbio y sórdido como una novela de Ottessa Moshfegh, se habrá encontrado con una narración entretenida de la que ha sido una de las historias más comentadas de las celebridades de los últimos tiempos. Si estás aquí porque eres fan de la música pop, además habrás topado con multitud de anécdotas y crossover que desconocías. Los cameos de gente como Madonna, Christina Aguilera, Colin Farrell u Olivia Newton-John no van a decepcionar a nadie.
Por el contrario, uno de los handicaps, es que el libro ha aparecido en tal cantidad de medios, incluso antes de su lanzamiento, que todos sus highlights más escabrosos (el aborto del bebé de Justin Timberlake, especialmente) han aparecido en cientos de titulares. En estos ya se han desvelado todos los secretos del libro.
En esta hora de conversación llena por supuesto de SPOILERS, tratamos de rescatar otras citas interesantes que nos hablan de quién es Britney Spears. A través de estas casi 300 páginas -con letra muy gorda y un gran interlineado- escuchamos la visión de Britney sobre el machismo en la industria musical, el body-shaming, la salud mental, la exposición mediática y en redes. Lo hace con el tono naíf que siempre se le otorgó, bromeando sobre el cuelgue de quedarse en los 16 años para siempre, Y recordando que al fin y al cabo siempre será la intérprete de ‘I’m Not a Girl, Not Yet a Woman’.
Aunque no de manera tan profunda ni rigurosa como nos gustaría, ‘La mujer que soy’ es también ocasión de conocer la visión musical de Britney sobre su propia carrera discográfica. En este libro habla de sus discos, giras, vídeos y canciones favoritos -de ‘Blackout’ al ‘Dream Within a Dream Tour’-, si bien sin desvelar absolutamente nada sobre qué piensa sobre otras obras perdidas, como por ejemplo el polémico ‘Britney Jean’. ¿Será cierto que pusieron en él a cantar a otra persona?
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André 3000 de Outkast ha anunciado el lanzamiento de su primer disco en solitario. ‘New Blue Sun’ sale este viernes, pero no es lo que esperas.
‘New Blue Sun’ es un disco inspirado en «Laraaji, Brian Eno y Alice Coltrane» y centrado en el sonido de las flautas. Los títulos de las canciones son tan extensos que hay que frotarse los ojos para créerselos. El primero explica la razón misma del disco: «Os lo juro, quería hacer un disco de rap pero el viento literalmente me ha soplado por este lado esta vez».
Otra de las inspiraciones de ‘New Blue Sun’ ha sido un viaje de ayahuasca de André 3000 en el que el rapero «se convirtió en una pantera». Se trata ‘New Blue Sun’ de una colección de «improvisaciones a la flauta» que André 3000 ha trabajado con el percusionista Carlos Niño, el tecladista Surya Botofasina y el guitarrista Nate Mercereau.
‘New Blue Sun’ será el primer lanzamiento discográfico largo de André 3000 desde que el rapero publicara ‘Idlewild’ con Outkast en el año 2006. Hace 17 años de aquello. En los últimos tiempos, André ha lanzado singles sueltos, como ‘Me&My (To Bury Your Parents)’.
Tracklist de ‘New Blue Sun’:
01 I swear, I Really Wanted To Make A «Rap» Album But This Is Literally The Way The Wind Blew Me This Time
02 The Slang Word P(*)ssy Rolls Off The Tongue With Far Better Ease Than The Proper Word Vagina . Do You Agree?
03 That Night In Hawaii When I Turned Into A Panther And Started Making These Low Register Purring Tones That I Couldn’t Control … Sh¥t Was Wild
04 BuyPoloDisorder’s Daughter Wears A 3000™ Button Down Embroidered
05 Ninety Three ‘Til Infinity And Beyoncé
06 Ghandi, Dalai Lama, Your Lord & Savior J.C. / Bundy, Jeffrey Dahmer, And John Wayne Gacy
07 Ants To You, Gods To Who ?
08 Dreams Once Buried Beneath The Dungeon Floor Slowly Sprout Into Undying Gardens
P!nk repartirá 2.000 libros censurados en escuelas de Estados Unidos en sus conciertos de este martes y miércoles 14 y 15 de noviembre en el estado de Florida, en las ciudades de Miami y Sunrise. P!nk se ha aliado con el grupo PEN America, dedicado a promover la libertad de expresión, para llevar a cabo esta acción.
En concreto, P!nk regalará al público copias de cuatro libros cuya lectura se ha prohibido en escuelas estadounidenses. Estos son ‘Libro de la Familia’ de Todd Parr, ‘Beloved’ de Toni Morrison, ‘Girl Who Code’ de Resha Saujani y ‘The Hill We Climb’ de Amanda Gorman.
P!nk ha declarado que «es aberrante que las autoridades la tomen contra libros que hablan de raza y de racismo o que están escritos por autores LGBTQ+ o autores negros». También ha dicho que tanto ella como sus hijos son «lectores voraces» y ha señalado que «no me cabe en la cabeza que los padres les digan a sus hijos lo que pueden o leer, mucho menos que esto lo hagan padres de otros hijos, mucho menos que lo haga alguien que ni siquiera tiene hijos y que está decidiendo lo que los míos pueden leer».
Desafiando a sus seguidores en redes sociales, P!nk ha compartido una lista de libros censurados en colegios de Florida, entre los cuales se encuentran ‘Matar a un ruiseñor’, ‘El guardián entre el centeno’, ‘1984’, ‘El diario de Anna Frank’ o ‘Bajo la misma estrella’. «Decidme cuáles de estos libros son pornográficos», ha escrito la cantante.
La web de PEN America clasifica en orden alfabético los libros en Estados Unidos cuya lectura no se ha permitido durante el año académico. La lectura de estos libros ha podido ser «restringida» o directamente «prohibida» durante «periodos breves de tiempo o de manera indefinida». Algunos de estos textos vuelven a estar disponibles en las bibliotecas escolares.
P!nk se encuentra de gira presentando su último disco, ‘TRUSTFALL‘.
Sleaford Mods han vivido recientemente un desencuentro con su público español, el cual asistía a su concierto en La Riviera de Madrid. Uno de sus integrantes, Jason Williamson, denunció que una persona del público había estado lanzando reiteradamente una kufiya (el pañuelo palestino al escenario. Sleaford Mods decidieron cortar su set antes de tiempo.
Horas después, Williamson pidió a su público que «no me hagáis elegir un bando por algo de lo que no tengo idea» y señaló que «mi trabajo es cantar; lo único que sé de la guerra es que estoy harto de que la gente muera prematuramente».
Días después de la polémica, Williamson ha decidido aclarar sus palabras. «Hay que poner un poco de contexto a lo que pasó en Madrid. Estoy horrorizado por las atrocidades que se están cometiendo en Gaza y en Israel y estoy horrorizado por las atrocidades que se están cometiendo en otras partes del mundo y que no salen actualmente en las noticias. Me enfurece que los políticos, los medios, los agitadores de masas y las plataformas en redes sociales manipulen el duelo y la ira de los seres humanos para fomentar la separación, la deshumanización, la división y el odio».
A continuación, Williams explica su versión de los hechos ocurridos en Madrid. «En el concierto de Madrid, una persona me interrumpía constantemente gritando y arrojándome un pañuelo al escenario. Detuve el espectáculo para hacer un comentario, condené las muertes de civiles y pedí que no hubiera más muertes. Esto no fue suficiente, y la persona continuó interrumpiéndome. Así que después de 80 minutos de concierto, decidí retirarme del escenario porque solo me sentía distraído y frustrado».
Williamson aclara que el tuit que publicó inicialmente «fue un intento de disculparme con aquellos que estuvieron en el concierto, no de comentar en general lo que está pasando». Además, señala que él está «tan sobrepasado por lo que está ocurriendo como ustedes» y que «no tengo todas las respuestas; lo único que sé es que todos somos humanos y debe haber un alto al fuego, y las matanzas deben parar».
Las midweeks británicas han dejado un resultado ligeramente decepcionante para ‘Houdini’ de Dua Lipa. El primer single de su tercer disco no va a ser, en principio, número 1 directo, ni tan siquiera tras el enorme éxito de ‘Future Nostalgia’ y sus múltiples reediciones. El tema aparece en el top 3 con 12.405 unidades despachadas durante el fin de semana. Sí, por detrás de Jack Harlow, con quien se la vinculaba el año pasado. Tan probable es que los Beatles, número 1 de momento, caigan, como que el tema de cassö, RAYE y D-Block Europe sobrepase a Dua. Así están las cosas de momento, según el foro de Buzzjack.
1 The Beatles – Now and Then (14,843)
2 Jack Harlow – Lovin On Me (14,660) *
3 Dua Lipa – Houdini (12,405) *
4 cassö, RAYE & D-Block Europe – Prada (12,046)
5 Tate McRae – greedy (9,952)
Eso sí, hay esperanza para ‘Houdini’. El tema se mantiene hoy en el top 7 de Spotify UK: no se desploma, tras haber alcanzado el número 2 el día de salida. Y sobre todo, su equipo tiene una suculenta promoción de CD singles, en la estela de lo visto recientemente a Billie Eilish o a The Beatles.
En su web hay toda una colección de cassettes y CD singles que se venderán esta semana para intentar asegurar que ‘Houdini’ despegue. Se pueden comprar por 1 y 2 libras y contabilizarán siempre y cuando sean enviados antes de que cierren las tiendas el jueves. Se comenta que su equipo está calculando cuántas copias necesitarán enviar para garantizar ese número 1.
Respecto al funcionamiento internacional de ‘Houdini’, el tema sube en su 4º día al número 8 del Global de Spotify, tras haber entrado al puesto 2, haber bajado al 6 y después al 10. Es decir, tras el entusiasmo inicial del viernes, el tema se desinfló sábado y domingo, pero retoma el vuelo en lunes.
Irlanda, Bélgica, Suiza y Australia están entre los países más entusiasmados, mientras en Estados Unidos el top 10 del Billboard Hot 100 parece difícil de alcanzar. En España el tema es número 35 en Spotify tras haber entrado en el puesto 23, por lo que al menos el top 40 parece posible.
Casi dos meses después del lanzamiento de ‘GUTS’, Olivia Rodrigo sorprende con un nuevo proyecto: su canción original para la banda sonora de la nueva película de ‘Los juegos del hambre’. Se titula ‘Can’t Catch Me Now’ y desde hoy tiene nuevo videoclip. Es nuestra Canción del Día para este martes.
El vídeo sirve para relanzar el tema cuando la película está a punto de llegar a todos los cines. En él, primero aparece Olivia tocando el tema intimista a la guitarra, y después asistimos a las típicas imágenes promocionales de la cinta. Justo cuando estábamos asumiendo definitivamente a Rodrigo como rockera dado el sonido de su segundo disco, nos presenta una faz alternativa, más acústica, en la que su voz encaja por completo. La letra es tan oscura como propone la melodía, con sus referencias a las sombras, a la nieve y a la sangre; y luego el puente final ejerciendo la misión de pasar a la ofensiva: «No puedes atraparme, soy una tormenta acechando tu ciudad».
Daniel Nigro, co-autor del tema, es el colaborador de confianza de la artista. De hecho, es el principal productor de sus dos discos publicados hasta la fecha: ‘SOUR’ y ‘GUTS’. Además, ‘Can’t Catch Me Now’ también recuerda ligeramente a ‘Safe & Sound’, canción que Taylor Swift escribiera hace justo una década para la primera película de la saga.
La saga de ‘Los Juegos del Hambre’ continúa, pues con una nueva entrega este 17 de noviembre, con el estreno de ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’ en todos los cines del mundo.
La banda sonora de ‘Balada de pájaros cantores y serpientes’ contará con hasta 17 temas, que incluirán a Rachel Zegler, Molly Tuttle, Billy Strings, Sierra Ferrell, Flatland Cavalry, Bella White y Charles Wesley Godwin. Saldrá, junto a la película, el 17 de noviembre.
A finales de la década de los 2000, los madrileños nudozurdo comandados por Leo Mateos se convirtieron en uno de los mayores revitalizadores del sonido new-wave y post-punk. Especialmente su álbum ‘Sintética’ es una especie de Biblia al respecto, reivindicando el legado de bandas de los 80 como Décima Víctima y Parálisis Permanente.
Publicaron más álbumes como ‘Tara motor hembra‘ o ‘Voyeur Amateur‘, hasta anunciar su separación en 2018. «Nos hemos vaciado por completo», indicaron antes de la pandemia. Desde hace unos días, han vuelto a tener cierta actividad, anunciando que hoy, 14 de noviembre, pasará algo en Madrid relacionado con ellos. La cuenta atrás de su web termina a las 20.00 horas, cuando se conocerá qué traman.
JENESAISPOP te invita hoy a este evento misterioso que se celebrará en Madrid y en el que ocurrirá algo relacionado con nudozurdo. Regalamos 5 entradas dobles a los primeros que escriban a jenesaispop@gmail.com indicando el título de su canción favorita del grupo, junto a su nombre y apellidos. Las primeras personas que escribáis seréis informadas a lo largo del día del lugar y la hora concretos.
Hace tan solo unos meses, Rels B actuó frente a 65.000 personas en el Foro Sol de México. Fue la hazaña más grande de un joven mallorquín que no ha dejado de ascender mundialmente gracias a la composición de sus canciones y su cada vez mayor impacto en el género urbano. Pero nada de aquello importó cuando, pese a que se encontraba ante una audiencia significativamente más reducida, anoche hizo su primer WiZink en la capital de su país con un lleno absoluto que definió como el “mejor concierto” de su vida.
La última parada de la gira de Rels B, que lo ha llevado a recorrer España, Latinoamérica y Estados Unidos, tenía reservado un gran espectáculo a la altura de la ocasión en Madrid. Desde el principio se podía intuir que el concierto sería una montaña rusa de emociones, intercalando momentos conmovedores con aquellos que eran de más júbilo y alboroto. No es para menos, pues el hecho de tratarse del cierre del tour hacía que el ambiente fuera festivo y melancólico a partes iguales.
“La gira más importante de mi vida termina aquí. No voy a negar que en algunos momentos ha sido muy duro, y que he echado de menos a mucha gente: amigos, hermanos, familia… Es lo que tiene luchar por tus sueños, ¿no? Y hoy puedo decir que todos mis sueños se han hecho realidad”, mostraba el rapero en una de las pantallas gigantes antes de aparecer encima del escenario. Cuando lo hizo, no había nadie que se quedara sin cantar ‘Afrolova’, pista con la que abre su último disco y que también sirve como bienvenida para el concierto.
Lo cierto es que el show es una clara demostración del brillante desarrollo que ha experimentado Rels B a lo largo de su carrera. Cuanto más se acerca al presente, mejor es el resultado de su interpretación. Esto quizás lo sabe el propio Rels, que confesó que “odia” ‘Lejos de Ti’ con “toda” su “alma”, tema perteneciente a su ‘Flakk Daniel’s’ de 2018. Esto, no obstante, apenas se apreciaba por el recibimiento del público, que estaba dispuesto a gritar lo que se le pusiera por delante. “Estamos cantando canciones muy viejas y están respondiendo con energía”, llegaría a reconocer el cantante.
Dara Chriss
Aun así, su no tan necesario repaso a los orígenes pero que la ocasión justificaba hacía que aumentara el aprecio por el Rels B más reciente. Las actuaciones de ‘La Última Canción’ o ‘Sonríe’ fueron, sin duda, de lo mejor del concierto, mientras que la interpretación a piano de ‘Shorty Que Te Vaya Bn’ hizo destacar su lado más profundo e intimista. Sin embargo, fue la entrega de los asistentes lo que elevó el espectáculo a otra dimensión. Ya sea porque el rapero callaba en partes de algunas canciones para que la audiencia las protagonizara, o porque el furor que causaban sus grandes himnos hacía que resultase difícil escucharle, fue ese impresionante entusiasmo el que dejaba patente cómo su música había conseguido conectar con toda una generación.
A la fiesta también se unieron otros tres artistas: RVFV, Nicki Nicole y Dellafuente. Cada uno de ellos estuvo al lado de Rels B cuando tocó el turno de sus respectivas colaboraciones: RVFV durante la actuación de ‘Mi Luz’, Nicki Nicole para cantar ‘qué le pasa conmigo?’ y Dellafuente para hacer lo propio con ‘Buenos Genes’. No faltaron fuegos, cohetes o robots gigantes. Por faltar, no faltó ni el champán, del que Rels se sirvió una copa “por vosotros, por nosotros, por el sueño cumplido esta noche” para compartir después la botella con el resto de la pista.
El último concierto del rapero coincide con su llegada al estrellato internacional. Siendo testigo de su propia evolución artística, la gira ha acompañado al cantante durante tres años que han sido de auténtica escalada. En este 2023, Rels B ha llenado su primer estadio muy lejos del país que lo ha visto crecer. Pero su merecida coronación estaba esperándolo en Madrid, donde ya anoche logró consagrarse como una de nuestras voces más importantes.
Benidorm Fest ha movido ficha con el anuncio de sus 16 candidatos para la edición 2024. Se había dicho que el festival trataría de recuperar audiencia dedicándose al público más hetero, y a la mujer. Ninguna de las candidaturas de 2023 tuvo el impacto social de las propuestas de Rigoberta Bandini o Tanxugueiras en 2022. Solo el éxito comercial a posteriori de ‘Nochentera’ de Vicco, que ni siquiera ganó o quedó segunda, ha conseguido salvar la 2ª edición del festival del olvido.
Estos 16 nombres confirman que Benidorm Fest se resiste a convertirse en un reducto LGTB+, por mucho que hayan invitado a Miss Caffeina. La mayoría de propuestas es más pachanguera que entrar en un bar español de los 90 con ‘Salomé’ y ‘Chiquilla’ sonando a todo volumen. Huelga decir que para opinar hay que escuchar las 16 canciones y ver las 16 puestas en escena: la primera impresión que dejó Vicco y la definitiva no tienen nada que ver. Y no me refiero a sus memes pro-Ayuso y anti-Sánchez, sino a que se ha construido un nombre haciendo pop ochentero, cuando lo primero que vimos de ella fue una versión de ‘Memoria de pez’ en acústico. Lo que intuimos y lo que fue al final se parecían tanto como un huevo a una castaña. Pero solo por diversión, elucubremos con lo que podría ser este Benidorm Fest a tenor de lo que sabemos de estos 16 artistas.
Pop 80’s: Miss Caffeina, Nebulossa
Miss Caffeina son uno de los grupos clave del mundo festivalero español, sobre todo desde el éxito de ‘Mira cómo vuelo’. Con el álbum ‘Oh Long Johnson’ se superaron y últimamente han publicado un EP también notable, ‘Shangai Baby’. Habían anunciado una retirada temporal de los escenarios, tras 5 fechas repartidas por todo el país. Paradójicamente, su participación en Benidorm Fest podría suponer un reinicio para ellos, como lo fue para sus amigos de Varry Brava. Tienen muy buen directo, Alberto tiene buenos porte y voz, y si el tema que han escogido es de sus mejores, pueden ser una opción. Diría que tienen el pase a la final asegurado.
No es el caso de Nebulossa, porque no tienen un público tan fiel: antes de ser anunciados para el festival tenían 2.000 oyentes mensuales en Spotify. El dúo formado por María Bas y Mark Dasousa podría concurrir con ‘Me ha dado porno’, un simpático juego de palabras, pues en realidad debería llamarse «me ha dado por no», pero también recomendamos temas pasados como ‘GLAM’. Alguien en JENESAISPOP comentó que son «los reyes del Synthware retro en castellano». Ciertamente su participación puede ser un descubrimiento para los nostálgicos de aquellos años.
El flamenco: María Peláe
Entre los nombres que más están dando que hablar, el de María Peláe, que acaba de publicar su disco ‘Al baño María’, por lo que 2024 podría ser definitivamente su año. Antes había publicado otras obras como ‘Hipocondría’ y ‘La folcrónica’, fusionando géneros, y siendo reconocida por el Ministerio de Igualdad por su defensa de los derechos LGTBIQ+. ‘La Putukita’ y ‘Letra menúa’ están entre sus singles recientes. Tras el fracaso de Blanca Paloma en el televoto, no hay muchas ganas de mandar folclore a Eurovisión, pero al menos estos temas son más festivos.
Mundo latino: Almácor, Lérica, Dellacruz, St Pedro, Jorge González
Uno de los comentarios más habituales en el mundo eurofán es que es insólito que España casi no haya llevado a Eurovisión canciones de reggaeton o de corte latino. Al buen resultado de ‘Slomo’ de Chanel me remito. Una de las opciones de este año son Lérica, el dúo formado por Tony Mateo y Juan Carlos Arauzo, que ha colaborado con artistas como Gente de Zona, Belinda, Abraham Mateo, Beret, Mau y Ricky, Omar Montes, Juan Magán o Cali y El Dandee. La web de RTVE pone como ejemplo de su éxito ‘Flamenkito’, ‘De tranquilote’ e ‘Hijos contigo’, respectivamente colaboraciones con Belinda, Danny Romero y Mau y Ricky. ¿Se esconde detrás de esta candidatura un sonado featuring?
Entre los artistas que más están sonando, destaca Almácor, un joven de 26 años de Villena que te gustará si te gusta Quevedo. Parece que a falta de grandes nombres entre los aspirantes, debido a las condiciones leoninas que tienen que firmar los aspirantes, de cara a los compromisos con RTVE, alguien novel «que se parezca a» es la opción más realista. Almácor puede ser la gran sorpresa dada la pegada de temas como ‘Pop Tech’, que además ha salido en octubre, es decir, dentro del plazo permitido para representar a España en el festival.
Hablando de Quevedo, también son canarios Dellacruz, que acaba de lanzar un tema con Álvaro Hernández y Pepe Bernabé, y St. Pedro, un fichaje internacional de Interscope, por tanto una de las grandes apuestas de Universal. El tema ‘No es lo que toca’, que pasa de la bachata al reggaeton, ha sido editado a finales de octubre, por lo que también respetaría las normas de Eurovisión.
Más pachanguero es el sonido de Jorge González, que ha pasado por Operación Triunfo, La Voz y Tu Cara Me Suena. Te gustará si te gusta lo mismo Pablo Alborán que Chanel.
Pop-rock: Angy, Noan, Marlena, MANTRA, Yoly Saa, Roger Padrós
Cuesta imaginar el pop-rock típico español triunfar, hacerse entender en el festival. El Sueño de Morfeo quedaron en muy mala posición. Sin embargo, es una de las apuestas de Benidorm Fest con la presencia de Angy, que ha despertado la simpatía del público por ‘Física o química’ o recientemente con la extraña ‘Dualidad’; o Noan, claramente inspirados en el pop-rock de los años 2000. Queremos pensar que, guitarras mediante, puedan atraer al fan medio de Olivia Rodrigo y Måneskin, pero dependerá del tema y de la apuesta en concreto.
Inspiradas por una canción justamente de Måneskin, Ana Legazpi y Carolina Moyano decidieron llamar a su proyecto MARLENA. La épica ‘RED FLAGS’ es su nuevo single tras el pelotazo de ‘Me sabe mal’, que suma más de 35 millones de streamings en Spotify.
Algo más pop, pero en el sentido Morat de la palabra, es el trío MANTRA, formado por Carlos Marco (ex Auryn), Paula Pérez y Charly Weinberg. Tienen cortes más country, otros más electropop y otros más latinos, por lo que cualquier cosa podría pasar con su propuesta.
En este punto podemos hablar también de Roger Padrós, que canta sus temas a menudo en catalán. ‘El Buit’ es un tema de pop-rock que se va creciendo a medida que avanza.
Cercana al punto anterior por temas de corte latino como la balada ‘Mal de altura’, y más al punto siguiente por temas más R&B como ‘Todo contigo’, Yoly Saa es una cantautora gallega asentada en Madrid que ha escrito para gente como Luz Casal o Malú. Desconocemos si el tema tirará más hacia lo latino, la balada o el pop atemporal.
Sonido anglo: Sofia Coll, Quique Niza
Entre las propuestas que ya habían tenido cabida en JENESAISPOP, el R&B de Sofia Coll, a quien conocíamos por canciones como ‘Tú mente y yo corazón’ o ‘The Way You Make Me Feel‘. Esta última tuvo un remix en el que colaboró Rakky Ripper.
Quique Niza, en Spotify Quique González, viene del mundo del teatro musical. De momento apenas conocemos un tema entre la balada y el medio tiempo llamado ‘Ardo’, con algunos arreglos electrónicos. Con su selección, Benidorm Fest ha de estar pensando en las canciones de Holanda que se han viralizado en los últimos años.
SZA es la artista más nominada de cara a los próximos Grammy que se celebrarán el 4 de febrero. Su equipo ha estado muy hábil jugando con las diferentes posibilidades que ofrecen las subcategorías de R&B y rap. Lo que han hecho es presentar hasta 5 canciones diferentes del disco a distintas categorías. Así, además de ‘Kill Bill’ en Canción y Grabación del Año y ‘SOS’ obviamente en Álbum del Año, han conseguido colar lo siguiente:
-‘Kill Bill’ en Mejor Actuación R&B
-‘Ghost in the Machine’ con Phoebe Bridgers en Mejor Dúo de Pop
-‘Love Language’ en Mejor R&B Tradicional
-’Snooze’ en Mejor Canción R&B
-‘Low’ en Mejor Rap Melódico
-’SOS’ en Mejor Disco R&B Progressive
Pese a esta hazaña, Taylor Swift se posiciona como favorita. Phoebe Bridgers, Serban Ghenea y Victoría Monét han conseguido 7 nominaciones, una más que Taylor, que aparece igualada con otros artistas como Olivia Rodrigo, Jon Batiste, boygenius, Miley Cyrus y Billie Eilish. Sin embargo, todas las miradas están puestas en Taylor porque de hecho ya es la única persona que ha ganado 3 veces el premio a Disco del Año. Lo consiguió con ‘Fearless‘ (2008), ‘1989‘ (2014) y ‘folklore‘ (2020). La Academia tiene que decidir si le otorgan el 4º, mientras otros artistas absolutamente fundamentales para la cultura pop estadounidense como Beyoncé, Kendrick Lamar o The Weeknd no tienen ninguno. De manera extraña, los Grammys se quitaron ese tufo racista reconociendo en cambio el amable ‘We Are’ de Jon Batiste.
Ahora, la Academia se enfrenta a una nueva disyuntiva. De un lado, los Grammys tienen el riesgo de empezar a parecer el club de fans de Taylor Swift. Lucir como una swiftie más. De otro, sí que ha sido un gran año para una artista que ya estaba en la cima, y ahora suma los récords de recaudación con ‘The Eras Tour‘ e incluso con la película en que se proyecta en cines sobre el concierto. ¿Aunque lo ha sido gracias a ‘Midnights’? Pues no tanto.
El disco ha sido un enorme éxito comercial y de crítica. Mediatraffic estima que ha vendido 9 millones de copias en todo el mundo, una salvajada para los estándares de 2022 o 2023. Es el álbum más vendido de 2023 en el globo terráqueo. Eso sí, si nos ceñimos a Estados Unidos, ‘SOS’ de SZA fue más semanas número 1 del Billboard 200 y ha vendido algo más en el país de los Grammy, si bien ambos discos lucen igualados en popularidad en EE UU. Hasta el momento ‘SOS’ ha despachado 2.831.000 copias y ‘Midnights’ 2.796.000 unidades. Ambos álbumes superados por ‘One Thing at a Time’ de Morgan Wallen, que se acerca a los 5 millones de copias. Si los Grammy fueran un concurso de popularidad -que no deberían serlo en absoluto- ese disco sería el verdadero Álbum del Año, pero por suerte ni siquiera está nominado, más allá de en Mejor Canción de Country (‘Last Night’).
Sin embargo, la campaña de ‘Midnights’ se ha visto algo entorpecida por el propio autoboicot de Taylor, que ha programado este año hasta dos «Taylor’s Version» de viejos álbumes: ‘Speak Now’ en verano, y ‘1989’ en otoño. Entre esto y el viral de un tema viejo como fue ‘Cruel Summer‘, no queda más que una canción del disco ‘Midnights’ entre las 10 más escuchadas de Swift ahora mismo: el primer single ‘Anti-Hero’. Da la sensación de que, incluso hablando siempre de números monstruosos, ha faltado que más temas del álbum conquisten las listas de éxito por sí mismos. A falta de que ‘You’re On On Your Own, Kid’ se viralice en 2042 en el TikTok del futuro, los streamings de ‘Lavender Hze’, ‘Midnight Rain’ o ‘Karma’ superan los 500 millones, pero ninguna parece haber igualado el impacto cultural de ‘Blank Space’ o ‘Style’. El disco en sí no era revolucionario precisamente, y el público swiftie parecía demasiado ocupado convirtiendo en un nuevo éxito ‘Cruel Summer’, ‘Is It Over Now?’ o viralizando por enésima vez ‘Blank Space’.
Con 85/100 en Metacritic, ‘Midnights’ también tendría el respaldo de la crítica pese a las reticencias de algunos medios. Pitchfork lo puntuó con un 7/10 -como The Line of Best Fit- y lo excluyó de sus listas de lo mejor de 2022. Nada menos que el New York Times le otorgó un 5/10 asegurando que era “una concesión a la vieja y segura idea de Taylor Swift”. La web Sputnikmusic incluso lo suspendió. De nuevo, ‘SOS’ sería el favorito de la crítica con un 90/100 en Metacritic. Aunque el álbum no se editó a tiempo de llegar a las listas de lo mejor del año, pues se publicó en diciembre del año pasado, la nota más baja que encontramos para ‘SOS’ es el 6/10 que le dio The Observer. Ningún medio lo ha suspendido.
No son, sin embargo, los Grammy un reflejo de la crítica especializada más exquisita, como muestra el reconocimiento el año pasado de ‘Harry’s House’ de Harry Styles, un álbum notable, pero no mejor que ‘Renaissance’ de Beyoncé, con el que competía. Lucen últimamente los premios muy interesados en acercarse al público joven y más popero, y de ahí quizá el reconocimiento hacia Harry Styles, Olivia Rodrigo o Billie Eilish en los últimos tiempos. Sería extraño que en este caso se decantaran por Miley Cyrus u Olivia Rodrigo, pues la primera ha despuntado sobre todo en Singles y la segunda no ha superado el impacto de su debut. También está la opción de reconocer el talento más underground de boygenius, en una jugada que recordaría a los años de Beck, Mumford and Sons y Arcade Fire -más que al año Daft Punk-; y a Lana del Rey. Ojalá este fuera el caso, pues Lana es una de esas artistas que duele ver sin un premio AOTY. Ahí va un dato: el 41% de los lectores de JENESAISPOP cree que Taylor Swift triunfará en los Grammys, pero el 45% cree que merecería ganar Lana. Sin embargo, si los premios no reconocieron ‘Norman Fucking Rockwell‘, sería raro que se decantaran ahora por ‘Did You Know…?‘.
Parece que los ojos están puestos en la batalla SZA-Taylor y las primeras casas de apuestas sitúan a Swift en cabeza. Debe de ser por probabilidad. Cuesta imaginar a ese tipo de miembros de la Academia que siempre la votan, votar ahora por SZA, dado el estatus actual de Taylor Swift. El 4 de febrero saldremos de dudas.
Sobre ‘Nothing Lasts Forever’, el último de Teenage Fanclub, iba a escribir que es otro bonito disco más de los escoceses, etc. Lo que suena bastante condescendiente, la verdad. Pero después de que la canción final, ‘I Will Love You’ haya decidido instalarse a vivir en mi cabeza estos últimos días, he tenido que replantearme la crítica. No es solo “otro bonito disco de Teenage Fanclub”. Es otro bonito y memorable disco de Teenage Fanclub, sin condescendencias y sin que tengamos que apelar a su brillante pasado para disfrutarlo.
Teenage Fanclub hablan en su bandcamp sobre los temas: el final del verano, el sonido Laurel Canyon… “Norman Blake y Raymond McGinley descubrieron que estaban tocando los mismos temas, fue mera coincidencia”. Otro asunto es envejecer: “No somos personas extraordinarias, y las personas normales envejecen. Hay mucho que escribir sobre lo mundano”, explica Norman.
El marco atemporal por el que se suelen mover las canciones de Teenage Fanclub esta vez está muy anclado en el pop de los 60 y es más atemporal que nunca: este álbum podría ser de 1973 o de 1993, perfectamente. Las voces de Norman Blake y Raymond McGinley se entrelazan y es muy difícil adivinar de quién es cada canción, a no ser que mires los créditos. ‘Foreign Land’, el primer tema, rememora a los Byrds psicodélicos, gracias al delicioso fuzz de la guitarra con un levísimo toque de órgano y las melodías vocales. En las siguientes canciones, de preciosa y precisa factura, como es habitual, se les nota la pesadumbre, aunque contengan estribillos estupendos, como ‘Tired of Being Alone’ o ‘I Left the Light On’.
Pero a partir de ‘See the Light’ (la luz es otro de los temas sobre los que gira el ‘Nothing Lasts Forever’) hay un cambio aparentemente leve, pero definitivo. A pesar de que las voces sigan sonando tristonas, la energía instrumental convierte ‘See the Light’ en otra cosa, sobre todo el saxo que dibuja la base rítmica en segundo plano, discreto pero efectivo. Y de repente, en la segunda parte de la canción, cambia la atmósfera: hay más reprise y las voces de Blake y McGinley se animan. Y es justo ese cambio positivo de humor lo que infusiona el resto del álbum. Aunque el título sea “nada dura para siempre”, precisamente lo que anima el disco a partir de su cuarto tema es el Carpe Diem.
‘Falling into Sun’ tiene una magia estival aparentemente sencilla y de hondo calado, y un muy disfrutable puente creado gracias a un efecto entre voces sintéticas, órganos y un riff de guitarra proveniente de algún verano californiano eterno. ‘Self-Sedation’, a pesar del título, es una beatleniana declaración de amor, alegre y soleada, en que se dibuja el negro panorama del que Norman Blake se ha salvado gracias a la persona amada. ‘Back to the Light’ es un subidón, por la alegría que desprende su melodía, la fuerza que vuelve a otorgarle el saxo y sus coros, tan tópicos y, a la vez, tan efectivos.
Y claro, ‘I Will Love You’, la pieza más larga del disco: siete minutos. Una introducción morosa nos lleva hasta un estribillo infalible, atemporal y estupendo, de canción de autor de los 70. Un estribillo que esconde muestras de humor (y reivindicación): “te querré hasta que los fanáticos desaparezcan / después de haber pedido perdón por todo el daño que han hecho”. Al final, reaparece la melancolía: “Te querré hasta que los planetas colisionen”. Y, poco a poco, la canción se va apagando. Pero no hay que estar tristes: precisamente, este ‘Nothing Lasts Forever’ habla de las alegrías de la madurez, de saber que aún hay mucho presente a pesar de tener tanto pasado, de saborear lo que se tiene. De vivir.
La canción final de los Beatles, ‘Now And Then’, no ha pasado desapercibida en la industria musical. El legendario grupo ha decidido despedir su carrera con el lanzamiento de una canción que tenían en un cajón y que han podido finalizar para publicarla. Y el impacto de su notable recibimiento se ha visto reflejado en las listas de éxitos mundialmente, donde destaca España con su debut en el puesto 54.
Rozando el top 50 con una canción en inglés en una lista donde es muy difícil posicionarse si no es en español, los Beatles hacen que su ‘Now And Then’ sea la segunda entrada más fuerte de la semana en nuestro país. En el resto del mundo, destaca su número 1 en Reino Unido, el que es el 18º del grupo y su primero en 54 años. Esta hazaña también la ha repetido, sorprendentemente, en Alemania, mientras que ha alcanzado el top 5 en Irlanda, Países Bajos y Suiza. En Estados Unidos logra el número 1 si se tratase únicamente de ventas digitales, así como la séptima posición en el Hot 100.
El tema que en nuestro país ha privado a ‘Now And Then’ de ser la entrada más fuerte es ‘La Original’, colaboración entre Emilia y TINI que ha tenido un buen recibimiento en TikTok en su semana de lanzamiento. Esto la ha llevado a debutar en el 14 en la lista de singles española.
Por otro lado, la inteligencia artificial también hace su aparición (y no nos referimos a la ayuda que recibió ‘Now And Then’). Pese a las quejas de Bad Bunny y su enfado ante quienes escuchaban ‘Nostalgia’ de la ficticia discográfica Flow GPT, la canción entra directa al puesto 56. El tema imita con la IA las voces de Bad Bunny, Justin Bieber y Daddy Yankee, fingiendo cómo sonaría una colaboración entre el trío de artistas.
Por último, Chayanne entra por los pelos en la lista con su debut en el top 100 con ‘Bailando Bachata’, canción que fue publicada el pasado verano pero que se ha empezado a popularizar de manera discreta recientemente.
Tras su disco debut en 2022, The Smile está preparado para escribir un nuevo capítulo con ‘Wall of Eyes’. El álbum que sigue a su anterior ‘A Light For Attract Attention’ verá la luz el 26 de enero del próximo año y estará compuesto por 8 canciones.
‘Wall of Eyes’ ha sido grabado entre Oxford y Abbey Road Studios. Además, ha sido producido y mezclado por su colaborador anterior Sam Petts-Davies y cuenta con arreglos de cuerdas de la London Contemporary Orchestra.
El grupo ha aprovechado el anuncio para lanzar ‘Wall of Eyes’, el tema que abre y pone título al disco y que, aunque se trata ya del segundo adelanto que escuchamos (pues la séptima pista, ‘Bending Hectic’, salió en junio), sirve como carta de presentación del nuevo proyecto del grupo.
En la canción, The Smile vuelve a optar por un instrumental tranquilo que trate de enfatizar la producción, aunque sin esta vez conducir a los sonidos inquietantes que ponían fin a ‘Bending Hectic’. Ambas, no obstante, guardan en común su larga duración: ‘Wall of Eyes’ alcanza los cinco minutos, mientras que ‘Bending Hectic’ llega hasta los ocho.
El grupo también ha compartido, junto al lanzamiento de la nueva canción, el videoclip de la misma, que ha sido digirido Paul Thomas Anderson. Asimismo, ha desvelado que prepara una gira europea para marzo de 2024, con fechas en Reino Unido que incluyen Londres, Manchester y Glasgow.
Este es el tracklist de ‘Wall of Eyes’:
1. Wall Of Eyes
2. Teleharmonic
3. Read The Room
4. Under Our Pillows
5. Friend Of A Friend
6. I Quit
7. Bending Hectic
8. You Know Me!
Rufus T. Firefly ya no es la única banda que conoces del madrileño pueblo de Aranjuez. Bum Motion Club han publicado este mes un debut llamado ‘Claridad y laureles’, tras dos EP’s previos amparados en estilos como el shoegaze, el dreampop y, en menor medida, el post-rock. ‘April’ del primero y ‘Niebla’ del segundo están entre sus primeros pequeños éxitos.
‘Claridad y laureles’ ha sido presentado por el single ‘Casi un buen día’, en el que hablaban de «la inestabilidad, la precariedad, la inmediatez de la información y los sentimientos plásticos de usar y tirar». Es decir, el tema podría ser una referencia al tema de Los Planetas, pero esta canción no habla de fútbol, drogas y desamor:
«Algo no funciona
está lejos de estar bien.
(…)
Quizá sea el miedo
la autoestima o la ansiedad,
todo el peso por la espalda
de esta trampa generacional».
Ahora nos ha llamado la atención otro de los temas del álbum. ‘La muerte del mañana’ es nuestra «Canción del Día» para este lunes. El tema que abre el álbum tiene un protagonismo mucho más decidido de los teclados, y además suma un puente con un punteo en el que la referencia parece el indie pop de los años 80. My Bloody Valentine y nudozurdo pueden venir a la mente, pero también bandas más aptas para las masas, como La Dama Se Esconde.
El tema presenta una temática oscura, más abstracta, conteniendo la pregunta sin respuesta que da título al álbum: «¿Quién me dará claridad y laureles en la eterna noche?». Una estrofa suena más pesimista («el futuro castiga cuando todo está oscuro») que la otra («si los puentes colapsan (…) volvería a casa»), de la misma manera que los teclados ofrecen una visión más esperanzada que las guitarras eléctricas distorsionadas.
El título del tema no es que albergue mucha esperanza, pero la melodía claramente sí o, como mínimo, logra que esa «muerte del mañana» suene resignada y poética. También podría caber alguna connotación político-social: «antes morir que ser parte, que ser uno de ellos».
Bum Motion Club actúan el 17 de noviembre en Palma, y el 22 en la Sala El Sol de Madrid. En diciembre estarán en Santander (día 1), en Oviedo (día). El año que viene aguardan Vic, Barcelona, Zaragoza, Pamplona, Bilbao y Salamanca, de momento. Detalles, aquí.
Pedro Almodóvar ha escrito una nueva columna para El Diario. Esta vez ha elegido como tema la manifestación del PP convocada en cada plaza de capital de provincia del país, contra la inminente ley de Amnistía que previsiblemente aprobará el nuevo gobierno. La columna de Almodóvar versa sobre un paseo por la ciudad este domingo, con tintes por momento terroríficos («Y respiro a fondo, cuando estoy dentro de mi portal») y con cierto toque de humor (la señora que le sonríe y le dice «ten cuidado»).
Pero lo más llamativo es su párrafo dedicado a la presidenta de la Comunidad de Madrid, que ha declarado que España es «una dictadura». Critica Pedro el «estilo delirante y monótono de Isabel Díaz Ayuso, en el que además insiste en su idea “estrella” de que vivimos en una dictadura (ella no cae en que en una dictadura era imposible salir a las calles y llenar las plazas, a no ser que la manifestación fuera convocada por el poder franquista)».
Continúa Almodóvar: «En el barullo de su soliloquio he creído entender algo como que “devolveremos golpe por golpe”. ¿A qué golpes se refería Ayuso? No he llegado a entenderlo. Creo que Ayuso necesita un profesor de dicción, que sepa colocarle la voz para que sus discursos transmitan la épica tremendista que yace en sus palabras, de momento las palabras se le amontonan en la boca, de un modo caótico y monótono».
Pedro considera «masiva» la respuesta a la llamada del Partido Popular y califica a las personas que ve por la calle como «gente normal, enfadada pero no violenta». También apostilla: «Si tuviera que rodar una película que ocurriera durante los disturbios de los últimos nueve días en el cruce de la calle Ferraz y Marqués de Urquijo empezaría por un plano general de unos energúmenos lanzándole contenedores a la policía antidisturbios, entre bombas de gases lacrimógenos, que le daría a la escena un aire estilizado y onírico, movería hacia atrás la cámara para mostrar que la imagen está siendo vista a través de un agujero elíptico y al final del plano descubres que se trata de una bandera rojigualda, a la que le falta el contenido de ese agujero».
En la frase que da título al artículo, Almodóvar cuestiona la apropiación de esa bandera por una mitad de la población: «es mi calle. Y mi bandera».
La jornada del sábado en MIRA ha contado con dos nombres destacados: Mura Masa y Evian Christ. Los dos productores británicos han venido a presentar sus recientes lanzamientos discográficos, aunque con resultados desiguales.
A eso de las 19.30 arranca el set de Lanark Artefax, cuya mezcla de borrascas digitales y visuales estroboscópicos me recuerda vagamente a lo que suele ofrecer Alva Noto (o cualquier artista ligado al sello Noton) en sus directos. El set es por otro lado un viaje mucho más emocional de lo que parece en un primer momento.
A continuación, Aisha Devi ofrece un set de vocales y sonidos programados desde el ordenador que destaca por el componente extraño de sus visuales, que juegan con símbolos del hinduísmo tanto como exploran la idea misma de lo grotesco. La música de Aisha Devi puede sonar tan amenazante que sus violentas ráfagas de sonido reflejan el efecto del fuego y sus percusiones parecen golpeadas por auténticas bestias.
Alba Rupérez
El colorido ‘demon time’ de Mura Masa es un espectáculo de producción, pero Mura Masa no logra trasladarlo al directo de la manera más emocionante. A pesar de los esfuerzos de la cantante Fliss por animar el ambiente de todas las formas posibles, bailando, haciendo twerking, marcándose unas sentadillas cósmicas que ni Madonna o dejándose los pulmones, en momentos contados, como si fuera Whitney Houston, el set de Alex Crossan no termina de despegar.
Por un lado, el público no está demasiado familiarizado ni siquiera con las canciones más populares de Mura Masa, como ‘Firefly’. Es inevitable pensar que en Reino Unido la situación sería diferente. Allí, ‘Boy’s a liar’ habría hecho colapsar el recinto. Aquí, la emoción es menor. A duras penas una fan que tengo al lado canta ‘bbycakes’ con el entusiasmo que merece. Crossan, extremadamente reservado, desaparece detrás de las máquinas. Una segunda vocalista emerje y pide un aplauso para este “chico tan tímido y talentoso”.
‘Hollaback bitch’ insufla una necesaria energía en el ambiente, pero ‘tonto’ demuestra que los ganchos de Mura Masa pueden ser eso mismo, demasiado “ton ton tontos”, como dice la letra de la canción. La verdad que revela el concierto de Mura Masa en MIRA es que el festival parece ser otra cosa. Las sesiones electrónicas más libres de MIRA funcionan mejor porque no se apoyan en canciones de pop ajustadas a una fórmula y duración determinados.
Alba Rupérez
Por eso, el set de Evian Christ convence. Presentando ‘Revanchist’, su debut oficial después de 10 años de espera, Evian ofrece un set épico por las razones que no esperas: su sesión está marcada por la promesa continua de una liberación, una explosión, que nunca ocurre.
Las ráfagas de sintetizador de Evian Christ, tan afiladas, se dedican a construir tensión… y a dejarla en el aire en el momento en que parece va a explotar. Las bases rítmicas son muy escasas y, cuando aparecen, Christ les pone la zancadilla, las rompe, para que bailar de manera convencional nunca sea una opción ni una posibilidad.
El set de Evian Christ está marcado por la continua expresión de una promesa no cumplida. Es el trance como medio y como fin. Y funciona, deja al público de MIRA flotando, en suspensión. Y, de paso, se sale de la norma de lo que una sesión de tecno debe ser.
Hoy os traemos una de esas historias complicadas con final feliz que tanto gustan en el pop. Chappell Roan, una chica de Alcobendas una pequeña ciudad de Missouri, toca el piano desde los diez años, luego empieza a subir a Youtube versiones de otras canciones, empieza a escribir sus propios temas, y con 17 llama la atención de Atlantic Records tras lanzar el single ‘Die Young’, firmando con ellos y sacando el EP ‘School Nights’. Se muda a Los Ángeles, llega a telonear a Vance Joy o Declan McKenna… pero aquello no termina de despegar, desde luego no en lo que a las expectativas del sello se refiere, y Atlantic se la quita de en medio antes de que la fruta empiece a ponerse marrón. They only want you when you’re seventeen.
La pandemia pilló a Chappell trabajando en una cafetería, ya de vuelta en Missouri. Pero, quizás por esa cercanía de la muerte que tenemos todos en 2020, decide darle un último intento a su sueño de ser cantante: vuelve a Los Ángeles, y se saca dinero en una tienda de donuts porque, como repetía en el último single con Atlantic, ‘Pink Pony Club’, “I’m gonna keep on dancing”. Poco a poco, su fanbase va creciendo, a lo que también ayuda el boom de Olivia Rodrigo: Dan Nigro, con quien escribe ‘Pink Pony Club’, es quien luego produce ‘driver’s license’ (y ‘SOUR‘ en sí), así que Chappell acaba abriendo para ella en varios conciertos (ahora es, de hecho, su telonera oficial en Estados Unidos). Todo esto lleva a que por fin debute en el largo este otoño, a pesar de que, según cuenta, “estuve muy cerca de rendirme, volver a Missouri y trabajar de esteticién o de drag queen”. Menos mal que no lo hizo, porque ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess’ (saludos a Bowie) es uno de esos debuts realmente prometedores que vemos muy de tarde en tarde.
Dan Nigro es, de hecho, principal productor de este disco, junto a gente como Jonah Shy (que ha trabajado para FLETCHER o Camila Cabello), Mike Wise (Allie X, Charli XCX) o Noah Conrad (Ashe, BTS). Y, ya que hablamos de Olivia Rodrigo, ‘Femininomenon’ (encargada de abrir el disco) es como si Olivia hiciese una de esas canciones sin vergüenza ninguna que tan bien le salían a Kesha en ‘Animal‘ y ‘Warrior‘ (¡ese estribillo!). Y no es ninguna excepción, porque la afición de Chappell por lo camp, que recuerda a la de Gaga, está presente en muchos momentos del disco. Por ejemplo, para ‘Red Wine Supernova’, otro temazo, quería una canción de dos tías ligando “pero con energía camp”, y lo ha conseguido. Pero es que no hay más que ver su portada, la mencionada declaración sobre ser drag queen, o las implicaciones de su propio personaje artístico, una versión drag de Kayleigh Rose Amstutz (su odiado nombre de nacimiento) que es “más divertida, pero agotadora, yo soy mucho más introvertida… me gusta estar sola en casa, fumarme un porro y jugar al Mario o a Fortnite”. Esta ambivalencia se palpaba mirando sus primeros pasos (mucho más baladistas) y también se refleja en el disco.
El enfoque teatral y uptempo está en bops como ‘Super Graphic Ultra Modern Girl’, que no puede ser más marica tanto en temática como en sonido; ‘Naked in Manhattan’, donde ansía su primera vez con una chica entre referencias a ‘Mulholland Drive’, Lana del Rey y Regina George; ‘HOT TO GO!’ y su personaje de animadora buenorra, el recuperado himno ‘Pink Pony Club’ o la vengativa ‘My Kink is Karma’ (cuyos efectos vocales nos hacen acordarnos de Allie X), donde suelta cositas como “verte sufrir me sirve de preliminares”. Pero también hay álter egos en las baladas, adoptando un punto naíf a lo Taylor en ‘Picture You’ (“I’m scared to say half of the things I do when I picture you”), ‘Coffee’ (sobre los riesgos cuando queda “para un cafelito” con alguien con quien hay tensión sexual) o ‘Casual’.
‘Casual’ es sin duda la joya de la corona de las baladas. En ella, Chappell habla de cómo se entera de que al parecer su novio realmente no es tal, porque lo que el chaval va diciendo es que no tiene “nada serio”. Empieza con un perfil inocente, llamándose “estúpida” a sí misma, para ser cada vez más pasivoagresiva (“it’s hard being casual when my favourite bra lives in your dresser / it’s hard being casual while I’m in the phone talking down your sister”) y cerrar con un “I hate that I let this drag on so long, you can go to hell”. Canciones más downtempo como ésta o la preciosa ‘Kaleidoscope’ (“if you ever find someone who could write a better song for you… well, I’d love to see them try”) no están reñidas con una colección de bangers que ya quisieran para sí muchas popstars que no están precisamente con su álbum debut. Quizás temas como ‘After Midnight’ o las dos finales, sin ser un “skip”, bajan un poco el listón, pero ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess’ está a la altura de su título, y escuchándolo no puedes evitar sentir que estás viendo nacer a una princesa pop y, sí, a una estrella. Muy mal tendría que seguir haciendo las cosas para no serlo.
La historia del pop está llena de encuentros imposibles de creer, pero que ocurrieron, como cuando Beyoncé conoció a Selena Quintanilla unos años antes de que se formase Destiny’s Child, o cuando una adolescente Gwen Stefani se personó delante de Sting y le pidió un autógrafo.
Otra de esas historias es la protagonizada por Britney Spears y Taylor Swift. En 2003, Spears organizó un campamento de artes escénicas para niños y adolescentes desfavorecidos. Una jovencísima Taylor Swift, que entonces contaba unos 13 o 14 años, empezaba a hacer sus primeros pinitos en el escenario, y fue una de las invitadas especiales en el campamento.
Taylor se reunió con Spears en el campamento, que tuvo lugar en el verano de 2003 en una zona rural de Massachussets, y ambas se tomaron una foto juntas, hoy muy conocida por los seguidores de ambas cantantes. En ese momento, Spears todavía no había publicado ‘Me Against the Music‘, el primer single de ‘In the Zone’ (2003), y a Swift le quedaban tres años para lanzar su disco de debut.
Rememorando viejos tiempos, Spears ha colgado la conocida foto en la que posa junto a una adolescente Swift pero, además, ha desvelado un dato hasta ahora desconocido: Spears cuenta que conoció a Swift incluso antes de aquella foto, durante la gira de ‘Oops!…I Did it Again’ en el año 2000, cuando Taylor entró en su camerino para tocarle una canción.
«Durante la gira de «Oops» en el año 2000, alguien llamó a mi puerta y mi asistente me dijo que traía a una chica llamada Taylor que quería conocerme y cantar para mí», ha relatado Spears en un post de Instagram. «Taylor y mi asistente entraron y ella cantó una hermosa canción con su guitarra. Pensé que era increíble. Nos tomamos una foto juntas y ella pasó a convertirse en la mujer del pop más icónica de nuestra generación». Spears añade que le gusta que Swift «toque en estadios» y cuenta que prefiere «ver los videoclips de Taylor que cualquier película».
La foto a la que alude Spears es lógicamente diferente a la de 2003, por lo que existirían fotos de ellas juntas en al menos tres años diferentes. En 2008, Spears y Swift volvieron a encontrarse (y a posar juntas) durante la gala de los MTV Video Music Awards de ese año. En cuanto a Swift, ella ha homenajeado a Spears en alguna ocasión, por ejemplo, versionando ‘Lucky’ en directo.
El poder de Jung Kook es tal que ‘Standing Next to You’, su último single, se ha posicionado en el primer puesto de los más escuchados en el top 50 global de Spotify horas después de salir. Actualmente, ‘Standing Next to You’ saluda desde el número 3, adelantado por ‘greedy’ y ‘Si no estás’.
Jung Kook, que sigue triunfando con ‘Seven’ (puesto 8), acaba de publicar su disco ‘GOLDEN‘, y ‘Standing Next to You’ es uno de sus sencillos destacados.
La Canción Del Día es una producción de Andrew Watt (Foo Fighters, Elton John) y Cirkut (Ava Max, Kim Petras) arraigada en la música disco. El fondo instrumental de ‘Standing Next to You’ evoca la etapa ‘Off the Wall’ de Michael Jackson, sobre todo el single ‘Rock with You’, pero la producción es marcadamente electrónica. Los Bee Gees también han podido ser una referencia en el tipo de melodías y armonías empleadas en la canción.
El homenaje a Michael no es imaginado, pues Jung Kook hace el «catwalk» en el videoclip de ‘Standing Next to You’. En realidad, toda la coreografía, e incluso el vestuario, parece un homenaje al Rey del Pop. En el vídeo, una impresionante superproducción dirigida por Tanu Muino, Jung Kook imagina un mundo en el que no existe el amor, pero en el que él no puede evitar enamorarse.
«Ellos no pueden negar nuestro amor, no nos pueden dividir, sobreviviremos el pasado del tiempo» es uno de los mensajes que deja la letra de ‘Standing Next to You’. El «nosotros contra el mundo» de Jung Kook se crece con una explosión de trompetas en el final.
boygenius ha sido la última banda invitada a Saturday Night Live. El programa, que este otoño celebra su 49ª edición, ha contado con Timothée Chalamet en el papel de anfitrión.
La visita de boygenius al plató de Saturday Night Live ha sido la primera para Lucy Dacus y Julien Baker, pero no para Phoebe Bridgers, que ya actuó sola hace dos temporadas. Bridgers se llevó unos cuantos titulares después de romper su guitarra en directo.
En su doble actuación musical, boygenius ha presentado dos temas de su disco ‘the record‘, ‘not strong enough’ y ‘satanist’. El vestuario de boygenius ha imitado el que llevaron los Beatles durante su primera aparición en un programa estadounidense, en el Ed Sullivan Show, en 1964.
Aunque, para vestuario, el que han llevado boygenius después en un sketch, en el que junto a Chalamet se han disfrazado de Troye Sivan en el videoclip de ‘Got Me Started‘.
Durante la actual temporada, Saturday Night Live ha contado con actuaciones de Foo Fighters, Bad Bunny y Ice Spice. Después de la aparición de boygenius será el turno de cerrar temporada con Tate McRae, el próximo 18 de noviembre.
boygenius acaba de recibir varias nominaciones a los Grammy, entre ellas a Disco del año y Grabación del año.
RTVE ha presentado hoy, en el Teatro Alameda de Sevilla, los 16 artistas que participarán en el Benidorm Fest 2024 y que optarán a representar a España en el próximo Festival de Eurovisión, que se celebra en Malmö, Suecia el próximo mes de mayo.
Entre los 16 confirmados, destacan tres nombres: Miss Caffeina, María Pelae y Angy.
Otros confirmados han sido Sofía Coll, DELLACRUZ, Quique Niza, Roger Padrós, Nebulossa, MARLENA, Mantra, Dellacruz, Jorge González y Almácor. Las canciones que presentará cada artista se desvelarán en semanas venideras. Estos son los candidatos presentados en la web de RTVE, en orden alfabético:
Almácor
Angy Fernández
Sofía Coll
Dellacruz
Jorge González
Lérica
Mantra
María Peláe
Marlena
Miss Caffeina
Nebulossa
Quique Niza
Noan
Roger Padrós
St. Pedro
Yoly Saa
El anuncio de los 16 participantes del Benidorm Fest 2024 ha contado con la presencia de la ganadora de la edición anterior, Blanca Paloma, así como con Agoney, Alice Wonder, Alfred García, Gonzalo Hermida, Karmento, Megara, Sharonne, Tanxugueiras, Varry Brava y Vicco.
La última vez que asistí a MIRA Festival, uno de los mejores festivales de músicas avanzadas y artes digitales de Barcelona, el evento tenía lugar en el recinto de Fabra i Coats, en el barrio de Sant Andreu. Conocidos han sido los problemas que ha enfrentado este recinto para cobijar el festival en los últimos años, hasta el punto de que una de sus recientes ediciones estuvo a punto de ser cancelada. Desde 2022, MIRA Festival se celebra en la Fira de Montjuïc, el mismo espacio que acoge el Sónar de Día desde hace décadas.
Fabra i Coats tenía en su encanto. Era un recinto diferente, pequeño-pero-acogedor, idóneo para la propuesta artística que ofrece un festival como MIRA. Sin embargo, su reducido tamaño también presentaba desventajas, pues las instalaciones más populares generaban largas colas. Desde que MIRA se celebra en la Fira de Montjuïc todo son virtudes: el espacio es más grande, el horario más amplio y la oferta es igual de interesante. Solo el año pasado pasaron por el festival nombres como Orbital, Loraine James o la exquisita Kali Malone. Y lo mejor es que la masificación de Sónar (o de cualquier otro festival grande) no se produce en absoluto.
Así que es un placer llegar a la Fira y empezar a pasearse tranquilamente por las instalaciones artísticas, antes de acercarse al concierto que esté a mano en ese momento, sin que el aforo sea intratable en ningún caso. Las instalaciones, que reciben nombres como ‘INFINITE ACID MACHINE’ o ‘1v14C1111vE. F2R ARTIFACTS’, utilizan proyecciones, combinaciones de música y luces o pueden ser interactivas, y son, como es de esperar, un placer para los sentidos.
La misma sensación produce el set de James Holden. El productor británico pincha un tecno salvaje acompañado de varios músicos que tocan instrumentos en directo: su saxofonista directamente actúa sentado, cruzado de piernas. El sonido de este instrumento, y de las maracas por otro lado, combinado con la electrónica que emerge de las máquinas de James Holden, convierte el set en una especie de ritual chamánico insertado en un contexto industrial. El público, cada vez más concurrido, responde con entusiasmo.
En otra onda, la sesión de Johnny Jewel es fina como la seda. Su synthwave atmosférico inyecta una tremenda intriga en el ambiente. Llego al set cuando ya ha empezado y escucho a alguien decir que Jewel ha pinchado un tema de la banda sonora de ‘Twin Peaks’, algo que constato después observando las fotos oficiales. Después, las imágenes de ‘Drive’ de rigor decoran una actuación que va aumentando la tensión, hasta que llega la gloria con los primeros tictacs de la legendaria ‘Tick of the Clock’, que debería haber durado los 16 minutos de la versión original.
Xarlene
La amabilidad del recinto invita a seguir descubriendo las instalaciones a medida que avanza el festival. Tampoco se forman grandes colas para comprar bebida o comida. Con la energía cambiada en el ambiente empieza el set de Overmono, un bombardeo de breakbeats y ritmos garage que da al público exactamente lo que necesita en ese momento, sobre todo cuando suena ‘So U Know’ y la gente grita de emoción. Los ritmos sincopados y asalvajados de Overmono, combinados con sus pegadizas melodías, invitan a dejarse llevar y a entregarse al frenesí de la música…
…y me hacen olvidar que Tirzah está actuando en ese mismo momento. Puedo acercarme y apreciar el final de su set. Tirzah, que actúa sola bajo una luz tenue, transmite todo el misterio que su música ofrece. En directo, hay algo que invita a dejarse hipnotizar: serán su voz o sus sonidos desencajados y turbios, será que la sesión previa de Overmono nos ha dejado desarmados, listos para mecernos con Tirzah y su pop brumoso.
Pasada la medianoche, en otra dimensión diferente a Tirzah, el tecno duro de Sandwell District sume al MIRA Festival en la oscuridad y nos hace comprender que el festival ha entrado definitivamente en su siguiente fase. Hoy sábado, la fiesta continúa.
Sufjan Stevens se hace con su tercer número 1 en JENESAISPOP con ‘A Running Start’, la canción extraída de ‘Javelin‘ que recuerda el nacimiento del amor. Otros cortes del mismo disco son más pesimistas o truculentos en torno a temáticas parecidas. Anteriormente votasteis como número 1 ‘Too Much’ y ‘So You Are Tired’. Sufjan ha superado por poco a ‘Dang’ de Caroline Polachek en el reto final de X: 40% frente al 35% de los votos.
El Buen Hijo logra entrar por delante de los mismísimos Beatles en el top 10, mientras Ana Frango Elétrico aparece en el puesto 15. En la segunda miatad de la tabla encontramos de nuevas a Taylor Swift, OMD, Júlia Colom y Bombaby Bicycle Club.
Es una tradición de la historia del pop que las bandas de guitarras propongan una evolución en su sonido entregándose a los sintetizadores. Melenas es el enésimo caso. La banda de Pamplona debutó con un sonido de pop guitarrero fresco y espontáneo, en ‘Días raros’ los elementos electrónicos emergieron de manera sutil, aunque el fuzz de las guitarras todavía mandaba, y en ‘Ahora’ la evolución se completa.
La sorpresa es el tipo de electrónica que Melenas han decidido apropiarse. ‘Ahora’ es un disco completamente influido por el sonido de Stereolab y Broadcast, dos bandas que ellas mismas citan en las entrevistas, y también por Neu! y por el krautrock en general. El ritmo motorik da impulso a casi todas las canciones, que, ahora, se entregan a los sintetizadores e incorporan secuenciadores y cajas de ritmo, por primera vez en la carrera de Melenas.
A Oihana, Leire, María y Lauri, la evolución les funciona porque sus canciones no han perdido ninguna chispa. Ni siquiera cuando buscan la hipnosis total, como ‘Ahora’, en un disco donde los sintetizadores emprenden viajes que se pueden tildar de psicotrópicos, las nuevas composiciones de Melenas pierden el poder de captar tu atención. Solo cuando pecan de redundantes, como ‘Tú y yo’, el nuevo sonido de la banda se desinfla un poco.
Como en ‘Días raros’, el paso del tiempo sigue siendo una de las preocupaciones de Melenas, por ejemplo, en la canción destacada ‘K2’, que, agarrada a un implacable ritmo, mira al pasado y reflexiona sobre el tiempo compartido (o malgastado) con los demás; o en la gráficamente titulada ‘1986’, que habla de no poder obedecer las normas desde el mismo día de nacimiento.
La fórmula de Melenas es aún mejor cuando las chicas agregan un elemento de humor a las letras. Es un humor seco, “deadpan”, muy apto para las melodías y patrones repetitivos que usan esta vez. El estribillo “no no no me interesa, no no no vale la pena” de ‘Bang’, el primer single, es sonoro y pegadizo hasta rabiar, ‘Mal’ es una divertida reflexión sobre el trabajo (“paremos de trabajar, algo está yendo mal”) y ‘Promesas’ es un irónico retrato de la vida adulta, plaga de planes (promesas) que nunca se cumplen.
La entrega de Melenas a los sintetizadores en ‘Ahora’ puede ir tan lejos que en ‘Flor de la frontera’ suenan directamente a Suicide. Melenas nunca suenan tan turbadas como El Columpio Asesino, pues sus canciones conservan una magia anclada en el indie-pop, pero a ellos remite la búsqueda de nuevas texturas que emprenden el cuarteto pamplonense en este tercer disco.
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