Este fin de semana ha estado en Saturday Night Live, donde ha hecho un monólogo riéndose de sí misma, ha protagonizado varios gags y ha interpretado dos canciones. Y después ha ofrecido una actuación sorpresa en Times Square, uno de los lugares más icónicos de Nueva York.
El setlist ha incluido ‘Training Season’, ‘Houdini’, ‘Happy for You’ y finalmente ‘Illusion’. Se ha tratado de una actuación con banda y coristas que ha acentuado el carácter pop-rock del álbum y el carácter épico de la canción de cierre del largo. Podéis verlo a partir del minuto 22 de esta cuenta de Youtube.
No solo Dua Lipa ha publicado disco esta semana. Sia es otra gran artista internacional que ha estrenado nuevo trabajo este viernes, ‘Reasonable Woman’. Es el primero en ocho años, aunque no lo parezca. Es cierto que, en todo este tiempo, Sia ha publicado un disco navideño, ‘Everyday is Christmas‘ (2017); un trabajo colaborativo con Diplo y Labrinth (2019) y una banda sonora, la de ‘Music‘ (2021). Sin embargo, su último álbum de estudio propiamente dicho, ‘This is Acting’, data de 2016.
En todo este tiempo, también, Sia ha visto viralizarse un tema contenido en aquel disco, ‘Unstoppable’, que, en su momento, solo fue lanzado como single promocional y, ahora mismo, es su tema más popular por delante de ‘Chandelier’. Y, también, ha logrado un modesto éxito con ‘Floating Through Space’, su última alianza con David Guetta, y, después, con ‘Gimme Love‘, el primer single de ‘Reasonable Woman’, que ha obtenido buen desempeño en radios.
Sin embargo, ninguno de estos éxitos parece estar arrastrando al público a escuchar el resto de ‘Reasonable Woman’. Las primeras cifras, en torno a las 200.000 o 300.000 escuchas por canción, a excepción de los singles; son asombrosamente modestas para una artista de su calibre. Solo ‘Immortal Queen’, un dueto con Chaka Khan, parece estar despertando algo de interés y sus escuchas están a punto de alcanzar el millón. Sin embargo, ni la firma de Rosalía en ‘I Had a Heart‘, ni el hecho que este es el primer disco de Sia Furler en casi una década, parece estar siendo suficiente para atraer a la masa.
Es verdad que el resto de singles de ‘Reasonable Woman’ exhiben escuchas dignas, aunque no espectaculares. El fanbase de Kylie Minogue ha contribuido a que ‘Dance Again‘ supere los 20 millones de escuchas. La colaboración con Paris Hilton en ‘Fame Won’t Love You’ ha suscitado cierta curiosidad. Y los fans de Sia han permanecido fieles a la artista escuchando su enésima colaboración Labrinth en ‘Incredible’, y también el baladón ‘I Forgive You’.
Sin embargo, también es cierto que las escuchas totales de ‘Reasonable Woman’ suman 2,3 millones en su día de lanzamiento. En contraste, hay que recordar que Sia viene de firmar exactamente el 10º disco más exitoso de todo 2016 en el mundo, el mencionado ‘This is Acting’. A todas luces, las cifras iniciales de ‘Reasonable Woman’ son decepcionantes.
Aunque quizá eran esperadas. Al fin y al cabo, el éxito de ‘Gimme Love’ ha sido minúsculo: en absoluto se trata del megahit que fue ‘Chandelier’ o ha sido recientemente ‘Unstoppable’, y el disco no ha producido nuevos singles de verdadero impacto. Las composiciones de Sia, ya algo repetitivas, y su fidelidad a la estética infantil, han podido desgastar a sus 60 millones de oyentes actuales. Además, la popularidad de Furler, después de sus polémicas relacionadas con el autismo, no se encuentra en su mejor momento. El frío recibimiento a ‘Reasonable Woman’ parece ajustarse a estas circunstancias.
«Declaramos que Charlie Puth debería ser un artista más famoso» es una de las frases más comentadas del nuevo disco de Taylor Swift, ‘The Tortured Poets Department‘. Otra artista nombrada en la letra, Patti Smith, ya había reaccionado públicamente ante la «emocionante» referencia de Swift. El autor de ‘Attention’ ha tardado un par de semanas en hacerlo.
Y lo ha hecho de manera velada y para promocionarse a sí mismo: «Estas últimas dos semanas han sido muy locas por las razones que ya os imagináis», ha escrito Puth en un vídeo de TikTok. «Pero quería compartir algo con vosotros». A continuación, Puth muestra el fragmento de una canción nueva, ‘Hero’, canción que ha mantenido «guardada en un cajón» durante meses.
En el vídeo, Puth explica que «a veces me pongo nervioso cuando saco canciones en las que me abro emocionalmente en exceso», pero que «alguien allá afuera» parece haberle «mandado una señal». Por eso, Puth ha decidido lanzar ‘Hero’ y que la canción sirva de primer single de su próximo disco. Se desconoce si ‘Hero’ está dedicada a Taylor Swift o no, pero que Swift ha sido decisiva en que Puth decida lanzarla, parece fuera de toda duda. El 24 de mayo se podrá escuchar.
Quien asiste a un festival, siempre tiene la oportunidad de vivir dos experiencias diferentes. Uno puede quedarse solo con la programación principal, normalmente dividida entre dos escenarios. Esta es la opción fácil y más común. También cabe la posibilidad de ir a la aventura y descubrir nuevos sonidos en los escenarios más pequeños. Si no te esperas nada, no existe la decepción. Es casi como un hack de los festivales. No ocurre lo mismo con los escenarios más grandes, que son los que suelen vender entradas y en los que está puesta la máxima expectación. En la segunda jornada de WARM UP, la más variada de esta sexta edición, la regla se confirma.
A las 20:25, más de una hora antes de la actuación, ya había una gran masa de gente esperando frente al escenario Estrella de Levante para ver a Viva Suecia. Celebrando su décimo aniversario como banda, los murcianos eran el plato fuerte junto a Editors y The Blaze. Qué decir de Viva Suecia. Los hemos reseñado tanto que en nada nos vamos a quedar sin cosas interesantes que contar. El concierto por su décimo cumpleaños fue casi como cualquier show de Viva Suecia: el público se dejó la voz, hubo fuegos artificiales y amasaron el público más inmenso del festival. Es difícil medir con la mirada si congregaron a más gente que Arde Bogotá o no. No me quiero imaginar lo que pasará en Murcia cuando estos dos grupos saquen una canción juntos.
Digo que fue como casi cualquier concierto suyo porque sí que trajeron algo nuevo al ruedo, en forma de grandes invitados y músicos. En un momento dado, en el stage no cabía ni un alfiler. Los murcianos se trajeron un coro, un trío de viento-metal (para la reciente ‘La Orilla’) e invitados de alto calibre como Rozalén, presentada por Rafa Val como “la hija pródiga”, Ginebras y Gabriel de Shinova. En cuanto a todo lo demás, fue un concierto de Viva Suecia como cualquier otro. Al terminar, muchos dejaron el recinto.
Editors fueron los siguientes en la programación del escenario grande. Pocas veces he visto un público más muerto que con la actuación de los de Birmingham, pero no les culpo. Después de la energía colectiva liberada con Cupido, que se resarcieron de su decepcionante estreno en el Wizink ofreciendo un directo a la altura de lo mejor del panorama nacional, lo que no apetecía era ver a unos señores tocar la música menos memorable del festival. Sí, suenan muy “épicos” y manejan buenas luces, pero no tienen alma ni buenas canciones. Sí, son muy “serios”, pero nunca serán capaces de hacer un freestyle como los de Pimp Flaco durante la kiss cam: “En Murcia un beso, el batería to’ tieso y yo sin la ESO, por eso beso”, aludiendo a la reciente rotura de pierna de Dannel, que tocó el bombo a pata cambiada.
Rafa Galán
Por otro lado, The Blaze hicieron realidad eso de lo que hablaban en el vídeo de ‘MADLY’: un lugar donde nadie pare de bailar. El dúo francés se encargó de construir un trance electrónico que terminó a la vez que el set. No hubo descanso, pero sí continuas subidas y bajadas. Montañas y valles sonoros. Especialmente estimulante fue ‘CLASH’, que suena infinitamente más redonda en directo que en la versión de estudio. Dado que tocaron sobre las 3 de la mañana, fue la perfecta banda sonora de despedida.
Al igual que Cupido, Black Lips tocaron en el escenario ElPozo King Upp, el segundo más grande. Estos fueron todo lo contrario a Editors. Solo tenían alma, y les faltaba todo lo demás. El garage rock guarrísimo de los de Atlanta fue recibido a mitad de tarde por un público modesto, pero fiel. En cambio, yo lo que más sentí durante su actuación fue confusión. Confusión cada vez que el cantante Cole Alexander hablaba, y también cada vez que cantaba, porque era imposible entender nada. Confusión porque en ese torbellino de guitarras ahogadas y riffs de blues había un saxofón. Lo veía, lo estaban tocando, y no se oía nada. Por último, confusión por los visuales, que mostraban lo que parecía un trozo de un documental de motos de nieve. En la nota de prensa del festival lo describen como un “refrescante paisaje invernal”. A mí simplemente me pareció random. Les daba igual ser malísimos, y por eso no me disgustaron tanto. De hecho, en una sala pequeña seguro que son un espectáculo muy superior.
Rafa Galán
Luces y sombras en los dos escenarios principales. Si me hubiera limitado a esa programación, la experiencia habría sido algo decepcionante. La verdadera magia estuvo tanto en el escenario ENAE, con Tommy Cash, como en el enanísimo Thunder Bitch, con vatocholo. Con Cash, directo desde Estonia hasta Murcia, ocurrió algo precioso. Nadie le conocía y todo el mundo flipó. Mientras Shinova hacían lo suyo en el recinto principal cantando sobre el “tono rojizo” de Lavapiés o sobre Berlín, Tommy Cash estaba dando una lección de control de masas, de hype colectivo y de performance que pocas veces he visto. Todo mientras cantaba sobre “dinero, coños y marihuana” o sobre “el único lugar de la Tierra donde Siri no puede ayudarte”.
En su set sonó desde glitch y trap hardcore hasta tecno y rave experimental. Era totalmente impredecible. Por si fuera poco, Cash no se saltaba ni una línea, pese a estar corriendo, saltando y tirándose al suelo todo el tiempo. En cuanto a control del público, Cash es un maestro. Es posible que me lo haya perdido en algún momento, pero no hubo muchos más pogos que los de Tommy en estos dos días de festival. El de Tallin consiguió que el público, pese a no conocerle, se abriese de par en par para una ristra final de tres brutales pogos en los que los más valientes debían recorrer el borde del círculo hasta romper todos juntos en el medio. Después, locura. La cara de satisfacción de Cash al ver el pogo final no tuvo precio.
Aunque haya nacido en Dinamarca, vatocholo es marca México. Fue recibido en el escenario Thunder Bitch, usado principalmente para sesiones de DJ de lo pequeño que es, por un público muy reducido que fue creciendo poco a poco. Vestido con unas gafas de esquí y una chaqueta de Lacoste fluorescente, lo último que te imaginarías de vatocholo es la belleza de sus canciones. En esencia, corridos tumbados. El resultado final, otra cosa. Lo primero que me llamó la atención fue su particular versión de ‘Creep’, ‘la del cretino’. “¿Qué chingadas hago aquí?”, cantaba el compositor y productor de 23 años.
Después de dos canciones y una cover de Peso Pluma, estaba totalmente atrapado en la música y no me había dado ni cuenta. Era desnuda, compuesta por dos guitarras acústicas y un bajo que también hacía el papel de percusión, pero no necesitaba absolutamente nada más. De vez en cuando, el DJ metía unos sonidos de águilas, serpientes o disparos. Puro México. Conquistó totalmente con la última canción, ‘un loquerón’, en la que se descolgó la guitarra y la cambió por una copa. En la otra mano, el micro. Fue el único tema en el que se apreció la mezcla de música popular mexicana y sonidos urbanos que hace el Vato normalmente, al ser cantada sobre una instrumental. “¡Que viva México hijo de tu puta madre!”, soltó al terminar. Con tan poco escenario, y lo tanto que hizo.
En Carlos Sadness ya no queda nada de “sadness”. En su nuevo álbum ‘Realismo mágico’ hay un tema llamado ‘Feliz feliz’. Otro celebra a dos personas que vienen del mismo ‘Big Bang’. Otro a una pareja que «vibra» en la misma frecuencia. Entendido como «salvavidas» para evitar «una crisis personal», el disco se recrea en «la ternura» consciente de que eso puede ser motivo de mofa. «He encontrado un lugar donde todavía existe la ternura, la ilusión, la bondad», ha afirmado el cantante en Los 40 Principales.
De ahí el optimismo que rezuma y de ahí el desvergonzado uso de diminutivos incluso en títulos como ‘Personita buena’, una canción tropicalilla para «la gente que como tú, casi ya no queda». ¿Necesitas más pistas y subrayados? Este corte termina con una locución que dice lo siguiente: «En este mundo que nos empuja a ser independientes, fuertes y fríos, la ternura es todo un acto de rebeldía».
Carlos Sadness tiene toda la razón del mundo. Matt Healy de 1975 ha sido otro de los artistas que han elevado su voz contra el exceso de cinismo que hay en la industria musical, en la prensa del mismo gremio y en las redes sociales. Las canciones y grabaciones de Carlos son encantadoras, aún amparadas en punteos de indie pop, y cada vez más decoradas por ambientaciones tropicales, aprendidas en sus viajes a Latinoamérica. Las tres colaboradoras del disco son artistas mexicanas.
Después, es cierto que el artista lleva las cosas un poco al límite. ‘Lo que fuera‘ con Ximena Sariñana, que contiene otro homenaje a Bad Bunny, rima «fuera» del verbo ir con «fueras» del verbo ser. ‘Morrita linda’ -otro título en diminutivo- con Melissa Robles expone fantasías como “con un beso me has vuelto mexicano”. Es muy difícil disfrutar de un pastel si no respetas la cantidad justa de azúcar. Y ser brillante a partir de sentimientos alegres. No todos los días sale un ‘Dreams’ como este, precisamente.
La segunda parte de ‘Realismo mágico’ aporta un necesario grado de variedad y diversidad, sin salirse nunca de los esquemas de disco veraniego y disfrutón. ‘Jugo de Guayaba’ es un dembow más bien tipo Drake, resultando algo más atrevido («si me vengo abajo, te pones encima»); ‘Fantasma bueno’ suena como a un C. Tangana -ejem- «bueno» de corazón; ‘Malandra’ un poco más oscura con su punto Western; y ‘Pequeño amor’ con Carla Morrison es, al final, la mejor colaboración chico-chica de esta era, quizá porque ya incluye «lágrimas» y «mentiras». Es este un mundo cruel, en el que el exceso de felicidad es ridiculizable, pero en esas estamos.
Continúa el beef entre Kendrick Lamar y Drake, con el tercer implicado, J. Cole, fuera de juego por voluntad propia. En los últimos días se han sucedido dos temas de Drake en respuesta a ambos, ‘Push Ups’ y ‘Taylor Made Freestyle’. Kendrick, por su parte, ha contraatacado con ‘euphoria’ y ‘6:16 in LA’. El origen de la contienda entre Kendrick y Aubrey se ubica en ‘Like That‘, el single número 1 de Kendrick y Metro Boomin, que, a su vez, contaba con otros precedentes.
Pero el asunto no ha acabado. Drake ha respondido a Kendrick publicando un tema llamado ‘Family Matters’ en el que pone a Kendrick de ser un «activista» de pega. Entre otras cosas, le acusa de haber mantenido relaciones sexuales con mujeres blancas para subir su autoestima y de colaborar con artistas blancos para darse a conocer. Drake también menciona a The Weeknd, Rick Ross, Metro Boomin y A$AP Rocky en esta tiraera que cuenta con Mark Ronson entre sus productores.
En respuesta, Kendrick ha deslizado ‘Meet the Grahams’, su diss track más duro hasta ahora. Kendrick escribe ‘Meet the Grahams’ en el estilo de una carta dirigida al hijo de Drake, Adonis; a su madre, Sandra, y una hija de Drake aparentemente inventada. En los stories de Instagram, Drake ha negado ser padre de una hija secreta.
Pero la carnicería viene después. En ‘Meet the Grahams’, Kendrick acusa a Drake de ser un «padre» incompetente y un «depredador» de «niñas» adicto al juego, y le compara con Harvey Weinstein, rapeando que tanto Harvey como Drake deberían «pudrirse en una celda el resto de su vida». Además, Kendrick acusa a Drake de «odiar a las mujeres negras» e «hipersexualizarlas», de tener a «abusadores sexuales» en nómina y de mentir sobre diversos aspectos de su vida y carrera.
Sin esperar a que Drake responda a su última apaleada, Kendrick ha estrenado un CUARTO diss track dirigido al cantante de ‘One Dance’. En ‘Not Like Us’, Lamar no se muerde la lengua y directamente llama «pedófilo» a Drake haciendo un juego de palabras con el título de uno de sus últimos discos, ‘Certified Lover Boy‘: «Certified lover boy? / Certified pedophile», rapea Lamar.
Ahora, el productor Metro Boomin, aliado de Kendrick, ha aparecido también en acción para desafiar a Drizzy en una serie de mensajes publicados en X: «Saca otra canción contando más mentiras porque los dos sabemos que no puedes explicar la verdadera razón por la que no te trago. No quedarías en muy buen lugar así que me ahorro la pena a los dos».
Kendrick Lamar ha publicado, con ‘euphoria’, ‘6:16 in LA’ y ‘Meet the Grahams’, sus primeros tres singles en solitario desde el lanzamiento, en 2022, de su último disco, ‘Mr. Morale & the Big Steppers‘. El último álbum de Drake, ‘For All the Dogs‘, data de 2023.
Chanel Beads es una de esas joyas procedentes del sello Jagjaguwar (Sharon von Etten, Unknown Mortal Orchestra, Angel Olsen). Se trata del grupo del neoyorquino Shane Lavers, que lleva un tiempo dándose a conocer en la escena local de Manhattan. Su disco de debut, ‘Your Day Will Come’, se ha puesto a la venta este mes y es muy recomendable.
En cortes destacados como ‘Embarrassed Dog’ o ‘Idea June’, Lavers obtiene un sonido a la vez onírico y sucio superponiendo instrumentos electrónicos y digitales. En algún punto el dream-pop y el post-punk se cruzan para convertirse en la música de Chanel Beads.
Es un deleite escuchar las experimentales producciones de Chanel Beads, por ejemplo, la mezcla de sonidos acústicos y de distorsión de ‘Urn’. Esa mezcla vuelve a darse en probablemente su tema más accesible.
En ‘Police Scanner’ -la Canción Del Día de hoy- la batería suena evocadora del post-punk. A la incesante percusión se añaden capas de guitarras acústicas que resplandecen como la luz del sol, mientras la voz adulterada de Lavers trata de hacerse paso a través del sonido. ‘Police Scanner’ suena como si en el imaginario de Porches se hubiera posado la oscuridad, pero no del todo.
La letra de ‘Police Scanner’ habla de «creer en algo más» y de «cambios» que «llegan». Cuando Lavers invoca «algo extraño, algo nuevo», parece referirse a su propia música. Exactamente así, extraño, pero también nuevo, suena la música de Chanel Beads.
Dua Lipa ha sido la artista invitada este sábado en Saturday Night Live. En promoción de su nuevo disco, ‘Radical Optimism‘, Dua Lipa ha interpretado en directo dos canciones, por un lado, ‘Illusion’ y, por el otro, ‘Happy for You’, la pista de cierre. En el primer caso ha sido presentada al escenario por Troye Sivan. En el segundo, por Jerry Seinfeld.
Además, Dua ha aparecido en hasta ocho gags en Saturday Night Live. En uno de ellos ha protagonizado la representación de una película ambientada en la época victoriana, ‘The Anomalous Man’, y en otro se ha puesto en la piel de una crítica cultural que investiga el actual beef entre Drake y Kendrick Lamar. Todos los gags están disponibles en Youtube.
En realidad, la noche de Dua Lipa en Saturday Night Live ha comenzado con la cantante británica afrontando el monólogo de apertura. Dua ha aprovechado el momento para reírse de los memes hechos a su costa que han circulado por internet desde el inicio de su carrera.
Madonna ha actuado para alrededor de 1,5 millones de personas en el concierto de fin de gira de ‘Celebration Tour’ celebrado en la playa de Copacabana, Río de Janeiro, al que el público ha podido asistir de manera gratuita. Se trata del mayor show de toda la carrera de Madonna. Completando 81 conciertos, ninguno cancelado, llega a a su fin, de esta manera, la primera gira retrospectiva de Madonna, una de las mejores en cuanto a realización y puesta en escena.
El concierto de Madonna en Copacabana ha sido fiel al resto de la gira, si bien se ha adaptado al contexto en algunos puntos. Madonna he llevado atuendos inspirados en la bandera de Brasil, y ‘Music’ ha sido interpretada en compañía de Pabllo Vittar y de un grupo de niños percusionistas de una escuela de samba.
Anitta -como se rumoreaba- ha estado presente en el concierto, pero no para cantar ‘Faz Gostoso’ con Madonna, sino para sentarse en el taburete de ‘Vogue’. La autora de ‘Funk Generation‘ ha sido la invitada final en el ‘Celebration Tour’ cogiendo el testigo de la actriz Salma Hayek, que apareció disfrazada de Frida Khalo en Ciudad de México hace unos días. Antes Wendy Guevara también en México, Honey Dijon en Austin, Kim Petras en Miami o David Harbour en Atlanta hicieron lo mismo.
El homenaje a Brasil de ‘Celebration Tour’ se ha exhibido también en las pantallas, que han proyectado imágenes del educador Paulo Freire, la futbolista Marta, la concejala asesinada Marielle Franco, el líder indígena Raoni o el cantante Cazuza, fallecido de sida. Diplo, gran seguidor del funk brasileiro durante toda su carrera, especialmente en Major Lazer, se ha encargado del pre-calentamiento.
El fin de gira de Madonna ha sido especialmente emotivo tras un inicio del ‘Celebration Tour’ -el pasado mes de octubre- marcado por la amenaza de posibles cancelaciones. Finalmente, después de haberse pospuesto las primeras fechas de la gira debido al ingreso de Madonna, no se ha cancelado una sola fecha. Qué viene después en la carrera de Madonna, es ahora la gran pregunta.
Dua Lipa acaba de publicar ‘Radical Optimism‘, su tercer disco, y las cifras iniciales son decepcionantes para un lanzamiento comercial de su calibre. Nada más y nada menos que el que sucede a ‘Future Nostalgia’ (2020) y a la era imperial de Dua Lipa.
Dua coloca siete de los once temas de ‘Radical Optimism’ en la tabla global de Spotify, si bien en posiciones discretas. ‘Illusion‘, el mejor debut, sube al puesto 34. ‘These Walls’ entra en el 40 y ‘Houdini‘ saluda desde el 41. Todos marcan en torno a tres millones de escuchas. ‘Training Season‘ en el 42 es el último tema de ‘Radical Optimism’ que aparece dentro del top 50 de Spotify Global registrando cerca de dos millones de streams.
Para encontrar los siguientes debuts de ‘Radical Optimism’ en el chart global de Spotify hay que bajar unas cuantas posiciones: ‘End of an Era’ -el tema inicial- entra en el 91, ‘Whatcha Doing’ en el 155 y ‘Falling Forever’ en el 184, los tres haciendo cerca de dos millones o millón y medio de escuchas. Son datos excepcionalmente discretos para lo que Dua acostumbra. En total, las cifras iniciales de ‘Radical Optimism’ suman 15,9 millones de escuchas.
En un momento en que titanes del pop como Taylor Swift, Beyoncé, Bad Bunny o Ariana Grande están logrando apoderarse de las posiciones más altas de Spotify con todos o casi todos los temas de su disco, en su día de estreno, no está siendo ese el caso con Dua Lipa. Llama especialmente la atención la tibia recepción del disco en Reino Unido: de los temas nuevos solo ‘These Walls’ marca un debut en el puesto 35. El resto de entradas -inferiores- pertenecen a los tres singles publicados anteriormente.
¿A qué se debe la tibia bienvenida a ‘Radical Optimism’? Puede que Dua Lipa haya dejado pasar demasiado tiempo entre el lanzamiento de ‘Houdini’ -el pasado noviembre- y el disco. Puede que el público haya llegado desgastado al lanzamiento de ‘Radical Optimism’ debido a que ni ‘Training Season’ ni ‘Illusion’ han tomado el mundo como ‘Houdini’. Puede que la etapa imperial de Dua Lipa haya acabado y nos encontramos, como ella canta, en el «final de una era». O puede que Dua vuelva a hacer carrera de fondo, como le pasó con ‘New Rules’ y después ‘Dance the Night’, y las primeras cifras no adivinen lo que viene. ‘Illusion’ puede ser el siguiente «grower» del álbum de cara al verano. ¿O está la cosa en el «cult favorite», ‘Falling Forever’?
Debuts globales de ‘Radical Optimism’ (via PopBase):
#34. Illusion — 2,9M
#40. These Walls — 2,77M
#41. Houdini — 2,74M
#42. Training Season — 2,72M
#91. End Of An Era — 1,79M
#155. Whatcha Doing — 1,46M
#184. Falling Forever — 1,38M
La generación de The Smiths y Los Planetas se juntó ayer en Murcia con la de La Paloma y Sen Senra, quedando ambas más que satisfechas. Con un cartel que oscilaba constantemente entre lo joven y lo no tan joven, Warm Up Festival presentó su sexta edición con un sold out absoluto en todos los abonos, tanto VIP como generales, y con un tiempo perfecto en el que el sol dio tregua a los 26.000 asistentes de la jornada.
Durante las primeras horas, las nuevas generaciones pudieron disfrutar de la eterna energía de La Paloma, que compartieron horario con el mismísimo Johnny Marr. Los de Tetuán dieron el show al que están acostumbrados todos sus seguidores: rápido, certero y furioso. “Tenemos que ir a toda hostia”, soltó Nico mientras repasaba con prisa los agradecimientos. Lo consiguieron. Todos pensábamos que iban a terminar con el himno de ’Bravo Murillo’, perfecto para despedir un set, pero les dio tiempo a meter otros dos temas para un final totalmente sing-along friendly. ‘Quejas célebres’ y ‘Palos’ se sucedieron entre la creciente euforia del público, que no paró de repetir los mantras de “Ya sé que no es para tanto” y “Quiero que me vuelvas a explicar lo que ha pasado” hasta que no quedó nadie en el escenario.
Rafa Galán
Al otro lado del recinto, costaba discernir quién estaba ahí por la esperanza de escuchar alguna canción de The Smiths en directo y quién por el propio repertorio de Johnny Marr. Juzgando por la intermitente energía de los presentes, la respuesta está clara. Pese a todo, Marr exhibió una energía muy jovial, y realmente parecía que le importaba lo que estaba haciendo. “Esto está yendo magníficamente”, soltó en un momento dado, justo antes de versionar (bastante fielmente) ‘The Passenger’. El tremendo solo de guitarra que se marcó fue uno de los muchos momentos en los que el británico lució su instrumento favorito. Y sí, todos aquellos asistentes que buscaban escuchar ‘This Charming Man’ o ‘There Is A Light That Never Goes Out’ en directo tuvieron lo que querían. Y de qué manera. Por un momento, The Smiths visitaron Murcia.
El mayor choque entre generaciones se produjo sobre las 21:30 de la noche, cuando se solaparon completamente el concierto de Rusowsky y el de Los Planetas. Surgieron dos festivales completamente diferentes, pero todo el mundo se sintió joven. Los que vieron a Rusowsky, porque es el sonido de su época (con un pie en el futuro). Los que vieron a Los Planetas, porque tuvieron 30 años menos durante una hora de concierto.
Rafa Galán
Se trataba del primer concierto especial de Los Planetas por el 30 aniversario de ‘Super 8’, de los tantos que tienen preparados para este verano. Me quedaron dos cosas claras, que los granadinos son capaces de convertir a un grupo de señores en adolescentes hormonados y que, si hubiesen surgido ahora, sus conciertos serían un pogo continuo. El sonido era un remolino de ruido, texturas y guitarras distorsionadas de una potencia pasmosa. Mirase donde mirase, no paraba de ver caras de ilusión y abrazos entre amigos con más de 30 años de amistad. La energía era contagiosa, incluso si la diferencia de edad me impedía sentir las mismas emociones. Lo mismo ocurría con la propia banda.
Pese a estar sumidos totalmente en la música, a veces J se encargaba de mandar un “especial recuerdo” a la formación original de la banda, completada con Paco Rodríguez y May, y de poner los pies en el suelo: “Estamos tocando canciones que escribimos Florent y yo hace 30 años”. Juntas todo con las nuevas visuales de Javier Aramburu y te queda una experiencia totalmente hipnótica. Es ese aspecto onírico del shoegaze que tanto se relaciona con el dream pop.
Ahora, dos cosas que debes saber si piensas ver a Los Planetas este verano:
– Tocan ‘Super 8’ de forma íntegra y exclusiva, desde ‘De Viaje’ hasta ‘Desorden’ (la cual J aseguró que estaban grabando justo cuando murió Kurt Cobain)
– No esperes ver a Eric en la batería, ya que le sustituye Roberto Escudero (trabajó con J en ‘Plena pausa’)
Diego Jurado
Sen Senra y Sleaford Mods tuvieron en común los bajos más profundos de la jornada. Despertó al público con un sonido de dron atronador que fue el preámbulo del mayor espectáculo de luces y sonido de este primer día, y eso que se trataba del escenario mediano. Especialmente emocionantes fueron ‘Da Igual Lo Que Opine La Gente’, con unas intensas luces rojas, verdes y azules que inundaban el escenario, y ‘Nos Dará Alas’, exhibidora de unas guitarras llenas de capas que nunca habían sonado tan bien. Senra se ha convertido en un imperdible de cualquier festival, ofreciendo una intensa experiencia sensorial con cada show. Sin embargo, a veces puede resultar demasiado ambicioso para su propio bien, poniéndoselo difícil a los técnicos de sonido a la hora de encontrar un hueco para cada sonido. Los de Nottingham fueron todo lo contrario. Williamson se dedicó a hacer lo suyo en el micro, mientras que Fearn se limitó a bailar por todo el escenario y a darle play a la instrumental de vez en cuando. Nada más, pero era suficiente.
Arde Bogotá jugaban en casa y fueron el único grupo que consiguió juntar a las dos generaciones de asistentes en el concierto más multitudinario del día. Esto ya es una constante. Veremos si Viva Suecia son capaces de superarlo. «Es una noche muy especial para nosotros por lo que significa este lugar», contó el vocalista Antonio García en un castellano perfecto. Aun estando en su casa, no hay ni rastro del acento. La potencia del directo ya es un hecho evidente e innegable, tanto en la inmensa cantidad de personas que consigue congregar como en el propio sonido, que se escuchaba perfectamente desde casi cualquier punto del recinto. Son el perfecto punto de unión entre la generación mayor y la pequeña, y una de las razones por las que el primer día del Warm Up ha funcionado tan bien.
St. Vincent acaba de publicar nuevo disco, ‘All Born Screaming‘, un trabajo de rock moderno como pocos se escuchan. La impronta de Annie Clark vuelve a estar presente en el nervio y músculo de las guitarras eléctricas, mientras el tono se oscurece esta vez, respecto a todos sus trabajos anteriores. El single ‘Broken Man‘ se encuentra entre los mejores del año.
Los singles siguientes de ‘All Born Screaming’ han sido igualmente recomendables: ‘Flea’ y, sobre todo, ‘Big Time Nothing’, la Canción Del Día de hoy.
Si ‘Flea’ elige un sonido de rock clasicote, ‘Big Time Nothing’ apuesta por el pisotón industrial dejándose influir por diferentes estilos. El funk de Prince -y también de Lenny Kravitz- está presente en punteos y en el ritmo funk de la base. Los sintetizadores, sin embargo, se adhieren a lo industrial y la parte vocal, casi al spoken word. Por ahí dicen que ‘Big Time Nothing’ suena como una mezcla entre ‘Army of Me’ de Björk y ‘Numb’ de U2. No andan desencaminados.
La producción de ‘Big Time Nothing’ es especialmente asombrosa. La propia Annie Clark ha producido el disco y en ‘Big Time Nothing’ ofrece una sobrada de creatividad a los mandos transformando la canción en un auténtico espectáculo sonoro. En torno al minuto 1.50, ‘Big Time Nothing’ se convierte en ese ejemplo de canción «psicótica» de la que Clark ha hablado en las entrevistas.
La letra, por su parte, es un listado de negativas: «no caigas en desgracia, compórtate», «no te caigas, desfila», «no te comportes acorde a tu edad», «no te cambies el nombre», «no te rías, pero sonríe». ‘Big Time Nothing’ está escrita desde la perspectiva de la depresión. «Es lo que la depresión te dice», ha explicado Clark. «Es como este bucle ansioso del interior de mi cabeza, que cada día me dice: espabila, estúpida, crees que eres algo y no eres una puta mierda, idiota». Poco más que añadir.
La primera semifinal de Eurovisión 2024 contará con tres artistas que protagonizarán el acto de apertura el día 7 de mayo en el recinto Malmö Arena, estos son, Chanel, Eric Saade y Eleni Foureira.
Eurovisión ha confirmado que Chanel (España 2022), Eric Saade (Suecia 2011) y Eleni Foureira (Chipre 2018) actuarán juntos en la primera semifinal de Eurovisión con un show llamado ‘United By Music’. Cada uno cantará su canción eurovisiva. En el caso de Chanel será por supuesto ‘SloMo’, tercera en la final de 2022. En el de Saade, ‘Popular’, tercera en 2011. Y, en el de Foureira, ‘Fuego’, segunda en 2018. En el escenario les acompañarán 24 bailarines.
Se cierra así la programación musical de las dos semifinales de Eurovisión, que, además del acto de apertura y de los países participantes que aspiran a llegar a la Gran Final del 11 de mayo, contará también con las actuaciones de los países del Big Five por primera vez.
En la primera semifinal del 7 de mayo actuará Olly Alexander por Reino Unido entre Irlanda y Ucrania; Isaak por Alemania entre Islandia y Eslovenia, y Marcus y Martinus por Suecia entre Moldavia y Azerbaiyán. Por otro lado, en la segunda semifinal del 9 de mayo Slimane actuará por Francia entre Chequia y Austria, Nebulossa por España entre Letonia y San Marino y Angelina Mango por Italia entre Estonia e Israel. La Gran Final tendrá lugar el sábado 11 de mayo.
En este orden actuarán los concursante de la primera semifinal (vía El Correo)
Primera Semifinal (7 de mayo)
Ucrania con alyona alyona & Jerry Heil
Chipre con Sília Kapsís
Serbia con Teya Dora
Lituania con Silvester Belt
Irlanda con Bambie Thug
Ucrania con Alyona Alyona & Jerry Heil
Polonia con Luna
Croacia con Baby Lasagna
Islandia con Hera Björk
Eslovenia con Raiven
Finlandia con Windows95man
Moldavia con Natalia Barbu
Azerbaiyán con FAHREE feat. Ilkin Dovlatov
Australia con Electric Fields
Portugal con Iolanda
Luxemburgo con Tali
Y así queda el orden de la segunda semifinal:
Malta con Sarah Bonnici
Albania con Besa Kokëdhima
Grecia con Marina Satti
Suiza con Nemo
Chequia con Aiko
Austria con Luna
Dinamarca con Saba
Armenia con Ladaniva
Letonia con Dons
San Marino con Megara
Georgia con Nutsa Buzaladze
Bélgica con Mustii
Estonia con 5miinust & Puuluup
Israel con Eden Golan
Noruega con Gåte
Países Bajos con Joost Klein
El nuevo disco de Anitta llega con un concepto claro y cristalino: dedicarse plenamente a los ritmos del baile funk brasileño. El título apela a una “generación del funk”, por lo que se presume al disco la aspiración de servir de referente, de tener un impacto generacional. Al fin y al cabo, el funk nunca ha estado tan presente en el pop mainstream y Anitta es una de las artistas que han contribuido a ello.
Por un lado, Anitta acierta dando a ‘Funk Generation’ un sonido global y cohesivo. De principio a fin es una fiesta. A la producción pueden aportar diferentes nombres, de Diplo a Tropkillaz, pero la línea funk prevalece. Es una producción atareada, maximalista, explosiva que, mezclando la calidez de Anitta y los guantazos metálicos de los beats, evoca el ambiente de la favela, donde Anitta se crió.
Por otro lado, las canciones cumplen, aunque no siempre. En el mejor de los casos devuelven a la Anitta más atrevida. Con Diplo, en ‘Funk Rave’ pide “desacato hasta la mañana” en una de las producciones más contundentes de su carrera. El buen equilibrio entre producción bruta y single potencial lo da ‘Joga pra lua’. Y, en la línea más melódica, ‘Fría’ y ‘Meme’ dan la nota través de percusiones y bocinas.
Aunque la cohesión es un acierto de ‘Funk Generation’, no siempre se traduce en decisiones igual de acertadas. No se entiende que Anitta llame a Sam Smith para grabar la simpática ‘Ahí’ y coloque esta canción en penúltimo lugar de la secuencia. Es como invitar a tu amigo a casa y echarlo a los diez minutos. Menos comprensible es que ‘Mil veces’, uno de los singles más inmediatos del disco, sea el que cierre el largo. Antes el camino de ‘Funk Generation’ se ha embarrado con composiciones tan lineales como ‘Savage Funk’ o ‘Puta Cara’, mejores ejercicios de estilo que canciones.
El componente hedonista de ‘Funk Generation’ puede ir a lugares realmente extremos, como en ‘Aceita’, otra (c)producción de Diplo, una de las más ambiciosas y espectaculares del álbum; o en esa ‘Double Team’ donde la palabra “puta” se repite ad nauseam con la colaboración de Bad Gyal y Brray. Sin embargo, en ocasiones ‘Funk Generation’ transmite una energía desmedida en contraste con una evidente falta de ganchos melódicos, lo cual logra el efecto contrario a conseguir ese disco de impacto generacional que Anitta parece buscar.
‘Funk Generation’, que, curiosamente, abre con dos pistas que no se inspiran exactamente en el funk brasileiro, sino más bien en el hip-hop de colores chillones de los ochenta, agrega un puñado de buenos singles al repertorio de Anitta y se no olvida de ofrecer un producto cohesionado, conceptual y bien cerrado, pero echa en falta un mayor ajuste de sus tuercas compositivas. Sin embargo, ‘Funk Generation’ se parece -más que en ningún otro caso- a ese disco que siempre le hemos pedido a Anitta. Aquel ‘Versions of Me‘ (2022) disociado en mil personalidades, era el que se parecía menos.
Dua Lipa sigue siendo lo más votado de JENESAISPOP con ‘Illusion’, el tercer single de ‘Radical Optimism‘. Vuelve a dejar en el top 2 por segunda semana consecutiva ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter. Esta vez el porcentaje en X ha sido de 43% versus 27%.
La entrada más fuerte es la de Jamie xx con Honey Dijon, seguidos de Nilüfer Yanya. Sofia Coll y El Último Vecino completan la lista de novedades de la semana.
A lo largo de toda su filmografía, Luca Guadagnino ha indagado, de una forma u otra, en los impulsos del deseo, en cómo este mueve a las personas y cómo prácticamente todo gira alrededor de él. En sus últimas obras, el cineasta italiano proponía historias iniciáticas sobre el despertar al placer, ya fuera mediante un adolescente en una base militar estadounidense en Italia (‘We Are Who We Are’) o a través del romance entre dos caníbales en los áridos paisajes de la América profunda (‘Hasta los Huesos’).
En ‘Rivales’, no se centra tanto en esos primeros descubrimientos -aunque también están presentes-, como en explorar las dinámicas de poder que se establecen en un triángulo amoroso entre tres tenistas a lo largo de los años. Guadagnino plantea la película desde un partido de tenis, concretamente en la final de un torneo challenger (una categoría inferior del circuito ATP), donde el ganador de seis grand slams Art Donaldson (Mike Faist), participa para volver a ganar confianza de cara al US Open, ya que está pasando por una mala racha deportiva, enfrentándose a Patrick Zweig (Josh O’Connor), a quien conoce muy bien. En medio de todo esto está la entrenadora de Art, Tashi Duncan (Zendaya), quien fue una prometedora estrella del tenis junior que tuvo que retirarse por culpa de una lesión.
A través de ese partido, el cineasta y su guionista Justin Kuritzkes, van construyendo los enigmas sobre la relación entre los tres, utilizando flashbacks desordenados en distintos momentos de sus respectivas carreras profesionales. El concepto es realmente brillante, pues esquiva a toda costa el molde de película deportiva y de superación personal que uno podría esperarse para convertirse en algo que solo su autor podría filmar. El mundo del tenis es el escenario perfecto para que Guadagnino dé rienda suelta a todas sus obsesiones temáticas y a explorar las relaciones amorosas y sexuales desde un prisma de máxima competitividad en el que se establecen dinámicas tóxicas y donde se vuelcan todas las frustraciones profesionales.
Como en todo su cine, los personajes no son personas particularmente admirables, sino más bien lo contrario: son antipáticos y se comportan de forma poco ética. Es precisamente en esa descripción con tan pocos filtros donde Guadagnino extrae oro no posicionándose nunca a favor de ninguno de los tres, dejando que sea el espectador quien saque sus propias conclusiones y quien decida cuál de los tres está en el lado bueno de la historia, si es que hay lado bueno de la historia. Si dichos personajes ya sobre el papel son jugosos, la perfecta elección de casting los convierte en puro carisma. Zendaya -que también es productora- nunca ha estado mejor, interpretando a una tenista destrozada por dentro porque nunca tuvo la oportunidad de cumplir su sueño pero que de cara a la galería se muestra implacable. Mike Faist y Josh O’Connor, además de su química explosiva, también muestran su enorme talento interpretativo.
El ritmo endiablado de la narración y la tensión sexual que sobrevuela todo el metraje hacen de ‘Rivales’ una película entretenidísima para el gran público sin dejar nunca de ser una obra completamente de autor. Por si todo lo anterior no hubiera sido ya de por sí un recital de diversión, erotismo e intrigas sentimentales, el director se reserva para el final un clímax absolutamente original y memorable acompañado de la frenética música electrónica de Trent Reznor y Atticus Ross, que deja al espectador clavado a la butaca y sin tiempo de reaccionar. Juego, set y partido, Guadagnino.
Dua Lipa publica hoy su nuevo disco, ‘Radical Optimism‘, que será presentado en Mad Cool. El sucesor de ‘Future Nostalgia‘ (2020) se ha hecho esperar cuatro años y, lógicamente, ofrece un sonido diferente al de aquel, aunque no tan diferente en ciertos puntos. Ni tan radical: en ‘Radical Optimism’ es «optimismo» la palabra clave.
Dua ha disputado las afirmaciones que ubicaban el primer single del álbum, ‘Houdini‘, en el terreno de la música disco. Ella no se ha juntado con Kevin Parker de Tame Impala y Danny L. Harle para que la gente diga que está haciendo lo mismo de antes. Dua tiene razón: ‘Houdini’ es una producción electro, más dura y oscura que cualquiera de las incluidas en ‘Future Nostalgia’. En sonido, ‘Houdini’ plantea una evolución y, como single, el tiempo le ha dado la razón: su paso por listas no ha terminado meses después de su estreno.
Las supuestas influencias de la psicodelia, del britpop y de grupos como Massive Attack, Oasis o Primal Scream no se han hecho notar tanto en los siguientes sencillos. En esas coordenadas es localizable -más o menos- el segundo single, ‘Training Season‘, ya más disco, pero también más sesentero en el plano melódico. Sin embargo, el tercer adelanto, ‘Illusion‘, no disimula su proximidad al sonido ‘Future Nostalgia’. Es hermana de ‘Hallucinate’ hasta en nombre.
Pero el sonido de ‘Houdini’ era eso, una «ilusión». En realidad, ‘Radical Optimism’ no suena tan contundente en ninguno de sus puntos. La propuesta es más amable que «radical». ‘These Walls’, el «focus track» de hoy, es directamente indie-pop y las aproximaciones a la música disco son varias a lo largo del álbum y se suceden entre el día (‘End of an Era’) y la noche (‘Whatcha Doin’). Indecisa, ‘Anything for Love’ no sabe si ser interludio o canción.
En ‘Radical Optimism’ también la nostalgia está presente, aunque pone la mirada no en los setenta y ochenta, sino en los dosmiles. La producción es rica en matices y texturas y, en ciertos puntos, como ‘French Exit’ o la latina ‘Maria’, se pone sobre la mesa la inspiración mediterránea del álbum, expuesta ya en su portada. Pero quizá no era el sonido All Saints de ‘Happy for You’ lo que el público esperaba encontrar en el álbum después de las influencias citadas ene entrevistas.
Dua está riendo última visto el rendimiento comercial de ‘Houdini’ y ‘Training Season’. Dos temas que, sin haber alcanzado el número 1 de las listas globales, están demostrando una longevidad que contradice los señalamientos de supuesto «flop», infundados. Es posible que la magia de ‘Radical Optimism’ también florezca con el tiempo. De momento, la portada no puede ser más simbólica: Dua se moja, sí, aunque permanece alejada del peligro.
Cuando Pet Shop Boys cuestionaron la carrera de hits de Taylor Swift, preguntándose cuál sería “su Billie Jean” y descartando que pudiera serlo ‘Shake It Off’, seguramente ya intuían esta noticia.
El nuevo disco de Pet Shop Boys, ‘Nonetheless’, se ha publicado solo una semana después de ‘The Tortured Poets Department’, así que tenía muy pocas opciones, por no decir ninguna, de ser número 1 en Reino Unido. Y así ha sido: el álbum de Neil Tennant y Chris Lowe queda en el puesto 2, por detrás del de Taylor Swift.
La noticia es especialmente triste, porque en otra semana y con unas cifras por encima de las 22.000 unidades, ‘Nonetheless’ podría haber sido número 1 en Reino Unido. Pet Shop Boys han vendido de su nuevo lanzamiento 11.000 CD’s, 8.000 vinilos, 500 cintas, 1.200 blu-rays, 1.300 descargas y además suman 800 puntos de streaming. Pero no son suficientes para igualar las 50.000 copias que Taylor ha vendido esta semana de su disco doble en su segunda semana de vida.
Lo peor es que habría sido tan solo el segundo top 1 en las listas de álbumes para Pet Shop Boys, el primero desde ‘Very’ (1993), pues tradicionalmente, Pet Shop Boys han tenido muy mala suerte en la lista de álbumes.
‘Actually’ (1987), que fue triple platino, también quedó en el top 2. También fue el caso de ‘Introspective’ (1988) y ‘Behaviour’ (1990). Por tanto este es el 4º número 2 en Álbumes para Pet Shop Boys en la tierra que les vio nacer.
Pero es que además han sido top 3 en Reino Unido otras 4 veces: con ‘Please’ (1986), ‘Electric’ (2013), ‘Super’ (2016) y ‘Hotspot’ (2020). También fue top 2 el recopilatorio ‘Alternative’ (1995) y top 3 el recopilatorio ‘Discography’ (1991).
Aunque solo sea por una semana, ‘Nonetheless’ mejora el dato de los últimos discos de Pet Shop Boys en UK. Además, puede presumir de ser top 3 en Australia, Alemania y de haber llegado al top 20 en Holanda, Finlanda e Irlanda. El dato español se conocerá la semana que viene.
El festival Viña Rock se celebra estos días en Villarobledo, Albacete con una programación que incluye figuras del rock nacional como Magö de Oz o Mojinos Escozíos. Entre las actividades paralelas un anunciado taller sobre salud sexual había llamado la atención de los medios de comunicación por su nombre, ‘Si nos organizamos follamos todes’, y por el uso de la palabra «orgía» en el cartel.
El taller pretendía concienciar sobre salud sexual, «abrir el melón de las relaciones sexuales en entornos ludicofestivos, los riesgos y las prácticas», especialmente en relación al consentimiento, y su agenda se componía de un primer encuentro, del taller en sí, dedicado a la «iniciación a primeros contactos en una orgía»; y de una comida conjunta.
Aunque el motivo del taller ha sido reunir en la plazoleta de Villarobledo «grupos reducidos» para «hacer debates en torno al sexo y a las relaciones afectivas», la viralización de su cartel en Telegram ha llevado a algunos medios a informar que en Viña Rock se anunciaba la celebración de una «orgía» a la que había «7.000 personas convocadas», información que tanto Sexiliades, el colectivo organizador de la quedada, como el Ayuntamiento de Villarobledo, han tenido que desmentir, tildándola de «bulo».
Especialmente el encuentro entre la persona altavoz de Sexiliades, Barëh, con Ana Rosa Quintana, a la que llama directamente «manipuladora», ha circulado en redes durante toda la mañana.
En la entrevista, Ana Rosa Quintana se confronta a Barëh, reproduce la información de la supuesta orgía de 7.000 personas, a pesar de proceder de una serie de titulares fabricados en medios y de haber sido desmentida, y culpa a los organizadores del taller de «crear una falsa expectativa» al supuestamente sugerir de manera implícita en el cartel que se anunciaba una «orgía multitudinaria». Barëh disputa las afirmaciones de Ana Rosa explicando que la idea del taller desde su concepción ha sido concienciar a los asistentes en torno a la sexualidad y el consentimiento, y acusa a la periodista de contribuir a la desinformación en torno a la intención de la quedada, movida por su sed de «morbo» mediático.
Bueno, pues ya sabemos quién ha sido la primera persona a la que se han follao con el tema de la orgía del viñarock. Ha sido a la Ana Rosa y ha sido en directo en su propio programa XDD pic.twitter.com/QSqK517BZd
Era cuestión de tiempo que Purple Disco Machine, adalides de la música disco actual, y Nile Rodgers, icono de la disco music desde los tiempos de Chic hasta la actualidad, pasando por su histórica intervención en ‘Get Lucky’ de Daft Punk, colaboraran en una canción.
En ‘Honey Boy’, Purple Disco Machine y Nile Rodgers se juntan en el «oh ma ma» más pegadizo desde el de ‘Poker Face’ de Lady Gaga… el cual ya se inspiraba en el «oh ma ma» más pegadizo de la historia, el de ‘Ma Baker’ de Boney M.
En la Canción Del Día de hoy, Purple Disco Machine despliega su típica base de nu-disco cubierta de papel brillante, mientras Nile Rodgers aporta sus clásicos punteos, y ambos son asistidos a las voces, por un lado, por la cantante jamaicana Shenseea, conocida por su éxito ‘Shen Yeng Anthem’ y, por el otro, por el también productor sueco Benjamin Ingrosso.
Todos juntos entregan este infalible «party track» que ya compite con ‘Espresso‘ de Sabrina Carpenter por agenciarse el título de canción del verano, y que se posiciona de inmediato entre los mejores momentos de la carrera de Purple Disco Machine.
Y, para rematar, el videoclip de ‘Honey Boy’ lleva el título de la canción a la literalidad al estar protagonizado por un hombre cubierto de miel. Él también siente la «magia» del «baile».
En este mundo loco de publicaciones y colaboraciones, no sé si somos conscientes de la excepcionalidad de lo de Alizzz. Un productor que consigue instalar su propia voz en el imaginario colectivo, y haciendo una música muy diferente a aquella por la que era conocido. El co-autor y productor de ese clásico del siglo XXI llamado ‘Antes de morirme‘ y de discos de urban tan definitivos como ‘Ídolo‘, en solitario se dedica más bien a bucear en los estilos que mamó de adolescente.
Nacido en 1984, es decir, algo mayor que Rosalía y C. Tangana, Cristian Quirante se empapó de Brit Pop e indie nacional a finales de los años 90. ‘Beetlebum’ de Blur, ‘Una semana en el motor de un autobús’ y Extremoduro eran algunas de sus debilidades antes de adentrarse en la electrónica. Por eso su primer disco ‘Tiene que haber algo más‘ conectó igualmente con el público que le conocía gracias a temas como ‘Llorando en la limo’ y con otro más talludito.
Su sucesor tras el EP ‘Boicot’ es continuista, aunque con matices. Alizzz sigue la máxima «si no está roto, no lo arregles», solo que ahora dotando de mayor protagonismo a las guitarras eléctricas de Ferran Gisbert. Son un tipo de guitarras que no empujan el disco hacia el noise, hacia el metal o hacia el grunge, como en los últimos tiempos han hecho Grimes, Poppy u Olivia Rodrigo. Distorsionadas, adulteradas y tratadas hasta la extenuación, se confunden con sintetizadores, más en la línea del sello DFA.
Así, tiene guasa que el single ‘Despertar’ cuente con una de las voces más hermosas de la escena, la de Maria Arnal, y sea el riff lo que realmente te termine martilleando el cerebro. Es una canción que en un momento dado recuerda a ‘Kiss’ de Prince, pero que en verdad se llena de interferencias, como ese amor que tanto duele: «He vuelto a despertar en mitad de la noche, pensando que aún estás, gritando tu nombre».
Pocas veces un single representó tan bien lo que después encontramos en el álbum. El mismo truco de guitarras tratadas volverá a aparecer constantemente en otros puntos, como en el nuevo single ‘Dónde estás’, cuyo vídeo se ha estrenado en exclusiva en Filmin; o en ‘Destellos’. Incluso cuando las canciones viran hacia otros estilos, contienen guiños que recuerdan dicho leit motiv, como se ve en los dos temas finales. ‘Solos tú y yo’ era una balada doo wop junto a Cuco hasta que se rasga. «Baby, estoy loco, y medio roto», termina diciendo la letra, mientras la producción expresa exactamente lo mismo. Y después ‘Vuelve a disparar’, típica balada de cierre épica y ambiental, incorpora igualmente un desvarío de elementos sintéticos emparentados con Kraftwerk y OMD.
La cohesión la hallamos también en unas letras totalmente pasionales y coloquiales. «Me cago en todo» y «me fumo uno y después me enciendo otro» son algunos de los ganchos de la muy Strokes ‘Mirando al techo’. «Hoy vivimos y mañana nos vamos» y «no me importa el futuro ni el banco», los de ‘Destellos’. En ‘No ho sé’ con Renaldo i Clara, esta interpreta la parte más sucia de la canción, en contraste con su voz naíf.
Si todo el disco se ha orquestado en torno a la idea de la «Conducción temeraria» porque el artista dice vivir «de un modo un poco temerario en lo personal y lo personal», gran parte de la imaginería del disco gira en torno a esa misma idea. Un intermitente construye el ritmo de ‘Carretera perdida’, una referencia a David Lynch solo que aquí con cierto aire de rumbita y bossa. En ‘Destellos’ estampa el coche que vemos en la portada contra una pared. En ‘Vuelve a disparar’ le oímos suplicar «Vuelve a disparar y remátame», como si fuera un cervatillo atropellado. Alizzz sí que sabe cómo 1) conectar con la gente y 2) redondear un buen disco.
Hoy 3 de mayo sale dos esperados discos internacionales, los de Sia y Dua Lipa, también un esperado disco nacional, el de Alizzz y, además, la jornada de lanzamientos de hoy recibe nuevos trabajos de Jessica Pratt, Camera Obscura, The Lemon Twigs o Mdou Moctar.
Otros álbumes interesantes que salen en este primer viernes de mayo son los de Kamashi Washington, Hana Vu, Ibibio Sound Machine, Charlotte Day Wilson o Las Nenas.
En materia de singles, Kendrick Lamar firma una nueva respuesta a Drake, Caroline Polachek estrena el tema de la película ‘I Saw the TV Glow’. El tercer single del disco de Alizzz se había podido escuchar dos días antes en Filmin.
Además, Mueveloreina samplea ‘Born Slippy’ de Underworld, DORA se pone jazzy en ‘Cuando no estás’, Albert Pla y Alfred García ponen ‘Bombas en Madrid’, Purple Disco Machine se alían con Nile Rodgers, Isabella Lovestory se pincha ‘Botoxxx’ y Axolotes Mexicanos publica un nuevo adelanto de su próximo álbum.
Nuevos singles llegan a la playlist hoy también de Cage the Elephant, Lola Young, Daga Valadora, LA Priest, Nenazas, Danny Ocean, Fusa Nocta, Sofi Tukker, Leigh Anne, Rachel Chinouriri, La Zowi, Xenia, Bien et toi, Revyn Lenae, L’Impératrice, Charly Bliss, Grasias, Angus & Julia Stone, GAZZI o Illuminati Hotties.
Nebulossa ha realizado este jueves el primer ensayo de ‘Zorra‘ en el Malmö Arena, recinto que acogerá la próxima edición de Eurovisión los días 7, 9 y 11 de mayo de 2024.
Las primeras fotos y vídeos del ensayo de Nebulossa publicados por RTVE revela que la puesta en escena es fiel a la del Benidorm Fest, si bien ha tenido que ser ajustada a las dimensiones del recinto. Aún así, Mery Bas y Mark Dasousa dicen sentirse «muy seguros» sobre el escenario y «contentos» con el resultado del primer ensayo. El segundo tendrá lugar este sábado a las 14.50 horas.
Entre las novedades destacadas en la puesta en escena de Nebulossa hay que mencionar el uso del «big cube» central para proyectar la palabra «ZORRA», también vista en pantallas.
Habrá un «tercer» pase de ‘Zorra’ antes de la Gran Final dado que España actuará por primera vez en la segunda semi de Eurovisión, el día 9 de mayo, a pesar de ser uno de los países del Big Five que pasan directos a la final.
Nathy Peluso ha anunciado que su nuevo disco, ‘Grasa’, sale este mes, el 24 de mayo. Cuatro años después, por fin ‘Calambre‘, álbum debut de Nathy Peluso, conocerá una continuación.
Publicado en octubre de 2020, en plena pandemia, ‘Calambre’ elevó a Peluso a primera línea comercial gracias al éxito de ‘Delito’ y ‘Puro Veneno’. Contenedor de otros hits como ‘Buenos Aires’ o ‘Sana Sana’, ‘Calambre’ fue uno de los mejores discos de ese año.
Lo que ha venido después ha sido una montaña de singles propios o colaborativos prácticamente inabarcable. Desde la colaboración con Bizarrap hasta la reciente ‘Ella tiene’ con Tiago PZK los lanzamientos sueltos de Nathy Peluso se han sucedido sin prisa pero sin pausa. Se desconoce si algunos formarán parte de ‘Grasa’ o no. Por antigüedad, ‘Mafiosa’ o ‘Emergencia’ quedarían descartados. Se podrían quedar en el tintero, también, ‘Estás buenísimo’, ‘Tonta’ o ‘Salvaje‘.
Nathy Peluso acaba de visitar Argentina para cantar en directo otra de sus colaboraciones, ‘Gato Malo’ con Karol G, durante el paso del ‘Mañana Será Bonito Tour’ por Buenos Aires.
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