Bomba Estéreo visitará España a final de este año para tocar en Madrid y en Barcelona el 1 y el 3 de diciembre respectivamente. Tras deslumbrar en festivales como el Bilbao BBK Live y Cala Mijas, volverán para cerrar el año en un concierto en el WiZink Center de Madrid y otro en el Sant Jordi Club de Barcelona. JENESAISPOP será medio oficial de esta gira, como podéis observar en cartelería.
La banda viene de lanzar su último álbum ‘Deja‘, un disco en el que la naturaleza y el cambio climático tienen un peso importante, volviendo a sus raíces sonoras. Han sabido mantenerse fieles a su sonido pero sin dar un paso atrás, como han probado en su macrohit junto a Bad Bunny, ‘Ojitos lindos‘.
La música de Bomba Estéreo siempre ha sido muy característica y diferente a lo que más se consume de América Latina. De hecho, ellos mismos hablaron sobre cómo ven la música latina actual en una entrevista que nos ofrecieron el año pasado: «El ritmo está bueno pero el mayor problema son las letras».
«¿Cómo pueden estar mandando mensajes machistas en el momento en el que la mujer se abre paso o mensajes de materialismo cuando lo que estamos intentado es consumir menos para impactar menos el planeta?», planteaba Simón Mejía. «Es triste ver que hay gente casi sin recursos y talentosa y que hace su música y luego ver a esta gente con su música que no dice nada teniendo el poder de alcanzar a tantas personas».
Las entradas para sus conciertos en Madrid y Barcelona están a la venta a través de lasttour.org y seetickets.com/es.
Para aprovechar su buen momento comercial, Jack Harlow ha anunciado su nuevo disco. Se llama ‘Come Home The Kids Miss You’ y, además de contener ‘First Class’ y el single anterior ‘Nail Tech’, será más que generoso en colaboraciones.
Cuatro hombres tan populares como Pharrell, Drake, Justin Timberlake y Lil Wayne son los artistas invitados en las canciones del disco. Respectivamente interpretarán las composiciones tituladas ‘Movie Star’, ‘Churchill Downs’, ‘Parent Trap’ y ‘Poison’.
No habrá colaboraciones femeninas en el disco, no sabemos si por esa línea de ‘First Class’ en la que comenta que va a tomar zumo de piña para que el semen le sepa más dulce solo por su chica (qué considerado). Sin embargo, sí habrá una canción llamada ‘Dua Lipa’.
Por el momento se desconoce si ‘Dua Lipa’ será un track más o un single potencial, un buen homenaje, una ofensa voluntaria o involuntaria. Lo que sí sabemos es que para escuchar el álbum al completo tan solo hay que esperar unos días. ‘Come Home The Kids Miss You’ sale este mismo 6 de mayo, al igual que lo nuevo de Bad Bunny, Arcade Fire, Belle & Sebastian, !!!, Cariño, Warpaint y un larguísimo etcétera.
1.-Talk of the Town
2.-Young Harleezy
3.-I’d Do Anything to Make You Smile
4.-First Class
5.-Dua Lipa
6. “Side Piece”
7. “Movie Star” Feat. Pharrell Williams
8. “Lil Secret”
9. “I Got A Shot”
10. “Churchill Downs” Feat. Drake
11. “Like A Blade Of Grass”
12. “Parent Trap” Feat. Justin Timberlake
13. “Poison” Feat. Lil Wayne
14. “Nail Tech”
15. “State Fair”
Cuando el mundo todavía no se había recuperado del éxito de ‘MAMIII’, el dúo de Becky G con Karol G que arrasa en Spotify a nivel global, donde aún es top 13 varias semanas después, Karol G ha sacado un nuevo hit. Se trata de ‘Provenza’, que presentábamos hace unos días como una de sus canciones más melódicas.
La canción no ha dejado de ascender posiciones también a nivel global y es ya la 6ª canción más reproducida en todo el mundo, pese a estar enteramente entonada en castellano. Especialmente significativo es su número 1 en Spotify México, su top 6 en Spotify España y, atención, lo que está gustando en Estados Unidos. Ahora mismo en el puesto 24 de Spotify USA, se asegura un nuevo éxito en el país norteamericano.
Sin embargo, alguien ha decidido que Karol G no estaba en tan buen momento como indican los números. Hace unos días, la cantante colombiana indicaba que ofrecería una actuación gratuita en Provenza para celebrar que esta canción está dedicada al barrio de Medellín, sin dejar lugar a equívocos, pues también hay una Provenza en el Mar Mediterráneo.
Indicaba en redes sociales: “Hey Medallo, el Provenza del que yo hablo en mi canción es de Medellín. Caigan por allá, va a estar muy chimba, van a hacer tatuajes, me traje el carro del video, musiquita y chorrito ilimitado de cuenta de Karol G”.
El evento tenía lugar este fin de semana, en concreto el día 29 de mayo, con una enorme cantidad de gente como público asistente. Pero en el momento en que Karol G es sacada por su equipo de seguridad, por alguna razón, una mujer tiene a bien acercarse a Karol G y, en medio de sus fans y de su equipo de seguridad, lanzarle un vaso entero de lo que parece cerveza. Hasta en 2 ocasiones atina con su objetivo en lo que muchos han considerado una agresión en toda regla. «¿Qué habría pasado si el vaso contuviera ácido?», se preguntaba un usuario en las redes.
En Infobae aseguran haber localizado a la autora de la agresión, que niega que el vaso contuviera alcohol siquiera, asegurando que simplemente se trataba de agua. No lo parece, desde luego, si bien Karol G ha declinado comentar el incidente.
Keep Walking es el ciclo de conciertos organizado por Johnnie Walker en el que se celebra a artistas noveles y alternativos. Estos meses de mayo y junio se ha programado la tercera edición con conciertos programados en Madrid, Málaga y Sevilla.
Ya os contamos que entre los artistas que actúan están La La Love You, Veintiuno y Mafalda. Esta última estará el jueves 5 de mayo en Club Malasaña (entradas, aquí). Además, más artistas se han sumado al cartel recientemente, como El Momento Incómodo, Sarria, Coffee & Wine, etcétera. Marta Movidas está entre los nuevos confirmados. Actúa el miércoles 4 de mayo en Maddock y JENESAISPOP te invita a dicho concierto.
Es por eso que JENESAISPOP invita al concierto de este miércoles 4 de mayo a partir de las 19.30 en Madrid a los primeros que envíen un mail con su nombre y apellidos a jenesaispop@gmail.com. Las entradas son dobles, para que asistas con quien quieras.
A menos de 3 semanas de que se celebre una nueva edición de Tomavistas en IFEMA, el festival madrileño informa de cuáles van a ser los horarios a lo largo de las tres jornadas de jueves, viernes y sábado. Os recordamos que las entradas están disponibles en su web.
El jueves 19 de mayo actuarán a primera hora de la tarde Jimena Amarillo, Confeti de Odio, Rojuu y Cariño, mientras Cupido y Trashi lo harán a las 20.25. A las 21.30 será el turno de Rigoberta Bandini, que será sucedida por Alizzz y PUTOCHINOMARICÓN, ambos en horario coincidente. A nadie se le escapa que Rigoberta Bandini y Alizzz actúan el mismo día uno detrás de otro: ¿habrá colaboración en ‘Amanecer’? Cerrará la noche Sen Senra desde las 23.40.
El viernes 20 de mayo cerrarán la noche sin coincidir con nadie Suede y luego Slowdive. Antes de eso se podrá ver a artistas como Rolling Blackouts Coastal Fever, Carolina Durante, Kevin Morby y VVV Trippin’ You.
Por último, el sábado 21 de mayo, cerrarán la noche sin coincidencias Jarv Is… y JUNGLE; y coincidiendo entre sí Confidence Man y Le Boom. Durante la tarde se podrá ver a Kokoshca, Kings of Convenience, Shame y La Plata, entre muchos otros.
Os dejamos con los horarios a través del Instagram de Tomavistas, y también con nuestro podcast con PUTOCHINOMARICÓN en el que nos habla sobre sus próximos conciertos y su nueva forma de concebir el directo.
Procedentes de Norwich, una ciudad inglesa de 140.000 habitantes, Rosa Walton y Jenny Hollingworth son amigas desde los 4 años, cuando se conocieron en el parvulario. Desde los 13, hacen música juntas. Con su primer álbum, ‘I, Gemini’, captaron la atención de los medios. Para el segundo, el más accesible ‘I’m All Ears‘, contaron con producción adicional de SOPHIE y lograron su primer top 30 en Reino Unido.
Y sin embargo, las cosas se enfriaron entre ellas. Algo habitual en la vida en la carretera, que se vio agravado cuando Rosa Walton decidió mudarse temporalmente a Londres. En 2019 también marcaba el camino de Let’s Eat Grandma la muerte del novio de Jenny Hollingworth, el músico Billy Clayton, a los 22 años, debido a un cáncer poco común. ‘Two Ribbons’ se concibe como una «pregunta tras otra» sobre la vida, la amistad y el cambio, como han explicado. El dúo advierte que no tiene las respuestas para sus interrogantes, pero como suele ser habitual, el camino con las cuestiones es enriquecedor.
Uno de los instrumentales de este tercer disco de Let’s Eat Grandma recibe el nombre de ‘In the Cemetery’. ‘Watching You Go’ habla de la rabia que Jenny sintió por la muerte de su pareja y se dirigen a él algunos de los últimos versos del álbum, como «quiero encontrar la respuesta y quiero ser tu mejor amiga». Sin embargo, ‘Two Ribbons’ rara vez es un LP sombrío sobre el sentido de la vida. En sus mejores momentos, de hecho, es un álbum luminoso y exultante en el que el dúo expresa cuánto se quiere entre sí.
Mucho más pop que en los tiempos de ‘I, Gemini’, el disco se abre directamente con el estribillo del que es uno de sus singles más accesibles de toda su carrera. El ochentero ‘Happy New Year’ pretende ser un nuevo comienzo al tiempo que una celebración de la amistad («ya sabes que siempre serás mi mejor amigo/a (…) no hay nadie que me entienda como tú»). También entre el synth-pop y el electro suenan ‘Levitation’ e incluso la mencionada ‘Watching You Go’, esta última algo más intensa en sus teclados y en la vulnerabilidad de su temática.
El saxo de ‘Hall of Mirrors‘ y su ambientación ligeramente más Cut Copy vira hacia lo crepuscular. Poco a poco, el álbum va tornándose no más oscuro pero sí más contemplativo. Y lo hace de diferentes formas: ‘Insect Loop’ está dominada por un contagioso riff de guitarra eléctrica que será una de las cumbres de sus directos; por el contrario ‘Sunday’ es abiertamente folkie, sin renunciar a su característica electrónica.
Hacia el final, ‘Strange Conversations’ también tira de guitarras acústicas no tan lejos de algo que podrían haber compuesto incluso Radiohead y Nirvana, si bien la prueba viva de que este giro estilístico ha sentado bien a Let’s Eat Grandma es en última instancia la propia ‘Two Ribbons’. La canción titular cierra el largo al modo de aquellas composiciones acústicas que solían cerrar los discos alternativos de los años 90. Let’s Eat Grandma busca en definitiva la claridad en tiempos convulsos y el dúo resulta estar totalmente confortable tanto en la primera parte del álbum, más electropop, como en la segunda, más agridulce. Cuentan que ahora escriben por separado, sin revelar qué hace cada cual ni tampoco perder cohesión en una secuencia que resulta totalmente coherente.
Mira Paula es el nuevo proyecto de pop electrónico de Paula Ruiz, artista multidisciplinar nacida en Alicante y afincada en Madrid a la que quizás conozcas por sus proyectos previos. Ella no es otra que la artista antes conocida como Fatal Tiger, y es la misma Paula Ruiz que toca en los directos de Natalia Lacunza y Ganges y que integra la banda Violeta junto a Gabriela Casero y Cristina Manuela. En 2020, Fatal Tiger ofreció un concierto en Madrid como telonera de Bravo Fisher! que nos «quitó el hipo».
De vuelta a 2022, Ruiz abandona las guitarras y opta por un elegante sonido synth-pop en el primer single de su nuevo proyecto. La nota de prensa explica que, en sus canciones, Mira Paula «habla de lo cotidiano a través de extractos de diario y pequeños detalles de su día a día, pero expresado desde la inmensidad de la electrónica paisajística y con cierta influencia francesa». Y eso es lo que encontramos en ‘GODARD’, hoy la Canción Del Día.
‘GODARD’ presenta ese equilibrio de emoción y elegancia sintética que puede recordar Robyn, pero hay algo de «French Touch» en su sonido, a su vez. Por otro lado, el famoso director de la nouvelle vague Jean-Luc Godard sirve a Mira Paula de inspiración para que la artista narre, en su primera canción, una tumultuosa historia de amor marcada por la incertidumbre.
«Rebájate y asume que me quieres igual o más / no tengo pistas para entrar en tu coraza de animal» es una de las rimas que deja ‘GODARD’. La implicación es que Mira Paula afronta su relación con una persona emocionalmente distante. Les une mirar hablar sobre las películas de Godard mientras fuman cigarrillos, pero ella lamenta que ahora solo hablan «chorradas por WhatsApp», hasta el punto de avergonzarle el «estado mental» en el que esta relación le ha dejado.
El videoclip de ‘GODARD’ saca partido a dicha inspiración. Paula interpreta a una directora de cine que rueda su primera película. Los protagonistas son Teresa Gutiérrez aka Ganges y Martín Vallhonrat Waldren, bajista de Carolina Durante, y el vídeo reproduce escenas de filmes de Godard como ‘El desprecio‘ (1963) o ‘La chinoise‘ (1967). Dirigido por Juanjo Marbai, el vídeo «cuenta una historia de amor sin un final muy claro», devolviéndonos al significado de la canción.
La gala de la MET Gala vuelve a ser el tema del día. En portada hemos repasado los diferentes looks que los artistas musicales han paseado por la alfombra roja, de Rosalía a Bad Bunny pasando por Lily Allen. Pero la ceremonia dejó otros momentos curiosos dignos de comentar, además de multitud de looks extravagantes o inesperados que la gente no ha tardado en convertir en memes.
Rosalía conoce a Nicki
A Rosalía le ha podido la euforia cuando se ha encontrado con Nicki Minaj dentro del Met y ha interrumpido su entrevista a alaridos de «I love you, I love you». Nicki, por su parte, no parece muy entusiasmada. A Nicki no la interrumpe NADIE!
Al director creativo le han confundido con Jared Leto por su parecido físico con el actor. También han comparado su vestido con el aspecto de un bicho del polvo. No sé qué es peor.
El protagonista de ‘The Sound of Metal‘ ha rendido homenaje a los inmigrantes que levantaron Manhattan de la miseria. Uno de los pocos looks proletarios de la alfombra roja. ¿Las botas se las dejó prestadas Bob Esponja?
El autor de ‘Yonaguni’ ha pisado la alfombra roja con un atuendo que le ha hecho parecer un personaje de animación. Hay quien está de acuerdo. Por cierto, el portorriqueño ha confirmado que su nuevo disco sale este mismo viernes.
La estrella televisiva se ha enfundado el mismo vestido que llevó Marilyn Monroe cuando cantó ‘Happy Birthday’ al presidente Kennedy. El año es 1962, es decir, nada que ver con la temática, pero le sienta bien igualmente.
Met Gala — In America: An Anthology of Fashion
I am so honored to be wearing the iconic dress that Marilyn Monroe wore in 1962 to sing “Happy Birthday” to President John F. Kennedy. It is a stunning skintight gown adorned with more than 6,000 hand-sewn crystals by Jean Louis. pic.twitter.com/o9auAd2tF8
Por otro lado, no podían faltar los selfies y fotos de grupo llenos de famosos y famosas. En la primera posan juntas Cardi B, Megan Thee Stallion y Normani. En la segunda aparece risueñas Billie Eilish y Lizzo con las hermanas Hadid.
El autor de ‘First Class‘ atendía a una reportera de Vogue y cuando se iba le dice «te quiero». Ella se queda con cara de circunstancia. La surrealista escena termina con Harlow abrazando a Camila Cabello.
El colmo de internet es que las escenas de la vida real que producen memes ahora nos recuerden directamente a memes. Ejemplo: Deborra-Lee Furness, mujer de Hugh Jackman, y su (des)peinado a lo Bratz resacada.
La expresividad no es el fuerte de Elon Musk, como ha reconocido él mismo, debido a que padece síndrome de Asperger. Curiosamente, el empresario ha acudido con su madre a la gala.
Recién entrados en el mes de Eurovisión y en plena cresta final de la promoción, Chanel ha visitado El Hormiguero. La cantante ha compartido con Pablo Motos y los telespectadores cómo vivió el «eurodrama» que le tocó vivir en primera persona.
Chanel contó cómo percibieron desde dentro el estallido de las críticas al Benidorm Fest en aquél final de enero: «Se percibió una energía muy rara cuando me metí en el autobús y noté que me cuidaban de más los de mi equipo. Pensé que estaban pasando cosas y no quería saber. Me dijeron que no hiciera caso a las redes, que los eurofans son muy pasionales, y eso me asustó. Entré en Twitter y el drama…».
La cantante ha vivido el triunfo del Benidorm Fest salpicado por la polémica, pero parece que ella sabe separar la realidad de estas críticas: «Soy súper positiva, no me amargaron pero fue una sensación agridulce. Fue un aprendizaje». Chanel describe el acoso de la siguiente manera: «Recibí amenazas, ataques verbales, hasta me dijeron ‘voy a ir a Turín con una metralleta’. Me quité la aplicación por mi salud mental para no seguir viendo eso, si hubieran sido críticas a mi actuación genial pero eran ataques racistas, de todo…».
La gala MET ha vuelto a celebrarse en mayo, tras suspenderse en 2020 y celebrarse en septiembre en 2021 debido a la pandemia. La temática de este año era la moda «gilded age» o «era dorada de Estados Unidos», periodo temporal que comprende las últimas décadas del siglo XIX, entre 1870 y 1900, consiguientes a la Guerra Civil, cuando el país vivió una época de expansión económica sin precedentes gracias a la industrialización. Mark Twain acuñó el término «gilded age» en un libro que satirizaba la avaricia y la corrupción de la época. Estos son algunos de los artistas musicales que han acudido a la gran noche de la moda neoyorquina.
Rosalía
La autor de ‘MOTOMAMI‘ ha optado por un vestido blanco de corte sirena, con transparencias y pedrería. Las gafas de sol futuristas han puesto el punto destacado. Una «motomami» de siglos atrás.
El portorriqueño ha llevado el look sartorial a su terreno. Ha llamado la atención especialmente su curioso peinado y los anteojos antiguos que llevaba para observar a la plebe.
La cantante y jueza de American Idol ha optado por un elegante vestido en blanco y negro con transparencias. Ella, que se dio a conocer con un look de pin-up, sabe llevar un look vintage.
Solana ha hecho su propia versión de la moda «gilded age», y ha pisado la alfombra roja con un look de vestido rosa fucsia con botas de látex y un gigante sombrero negro.
Mientras triunfa con ‘Envolver‘, la brasileña ha acudido a la gala de morado, como Olivia Rodrigo, pero ella ha añadido a su atuendo un collar y detalles de perlas.
La mejor presentadora de SNL en años ha escogido un look negro con detalles y accesorios dorados. Tampoco se ha olvidado de tocar la flauta en la alfombra roja.
Irónico lo de Sky Ferreira: hace tanto tiempo que anunció su single llamado ‘Don’t Forget’ que ya nos hemos olvidado de que tal cosa llegó a suceder. Sin embargo, Sky ha tenido tiempo de pasarse por la MET luciendo un bonto vestido blanco.
Representación «indie» en la MET. La autora de ‘Kyoto’ no ha querido llamar la atención y ha elegido un vestido con cristales bordados elegante y minimalista.
La rapera ha tenido un problemilla en la alfombra cuando sus pechos han amenazado con escapar de su vestido. «Disfrutad de estas tetas porque nos las vais a volver a ver», ha bromeado.
Era su deber apelar al futuro. Janelle, la «arcandoide» original, ha vuelto y ha llevado una especie de tocado-casco que ha destacado entre el resto de looks.
Otro artista que ha acudido de blanco a la gala ha sido Stormzy. El rapero británico ha destacado en la alfombra con su capa, que le hace parecer un rey. Por algo lleva una corona en la portada de su disco.
Con su atuendo, la autora de ‘KEYS‘ ha recordado su éxito ‘Empire State of Mind’ y ha llevado una capa con bordado del «skyline» de Nueva York, su ciudad.
¿Alguien nos puede explicar que lleva puesto el cantante de Silk Sonic? ¿Ese traje de chaqueta floral, camisa azul, corbata negra, pantalones negros y peinado retro tiene algún sentido?
La cantante ha acudido a la ceremonia con un vestido de diseño «patchwork» y su típico sombrero de 3 metros. A su bola. La están poniendo entre las peores vestidas. Yo digo sí.
Acostumbrada a ir divina de la muerte, Ciara ha dejado con un sabor agridulce en la MET: el vestido es bonito pero no tiene nada que ver con la temática.
Tampoco ha hecho muchísimo caso de la temática la cantante Chlöe. La autora de ‘Treat Me‘, eso sí, ha presumido un extravagante vestido con… ¿protuberancias? que, bueno, está destinado a dividir opiniones.
Los discos hijos de la pandemia siguen llegando. Kelly Lee Owens presenta ahora el suyo. En 2020, la gira de presentación de ‘Inner Song‘ se canceló debido a esta circunstancia, y la productora galesa decidió aprovechar el tiempo libre yéndose a Noruega a grabar un nuevo disco «sin prejuicios ni expectativas». En pleno confinamiento se encerró en un estudio de Oslo con el productor de avant-noise Lasse Marhaug, y el resultado de su trabajo colaborativo es el disco que nos ocupa.
‘LP.8’ es un trabajo que nace de cierta improvisación, a partir de unas pocas sesiones de estudio. Kelly huye radicalmente de emplear estructuras pop y persigue caminos más libres y fluidos que los explorados en sus dos discos previos. La intención es explorar sin miedo el «subconsciente creativo» y la escucha de ‘LP.8’ transmite esa libertad de experimentar sin temor a la opinión ajena.
Kelly sí trabaja bajo una una premisa: quiere cruzar los mundos de Throbbing Gristle y Enya. O eso comunica la nota de prensa. El álbum mezcla «sonidos duros e industriales» con otros «místicos y etéreos» inspirados en la música celta y los primeros adelantos que se dan a conocer, ‘Sonic 8’ y ‘Olga’, representan esas dos facetas. Sin embargo, ‘LP.8’ no es un trabajo ni tan industrial ni tan «celta», aunque las referencias citadas sirven para ponernos en situación. Y la situación es que ‘LP.8’ es el disco menos pop de la carrera de Kelly Lee Owens. Lo que no significa que sea menos interesante.
‘LP.8’ reemplaza el pop por patrones repetitivos. El drone y el ambient están muy presentes en las grabaciones, así como el noise. ‘Release’ abre el largo con una producción minimalista que cede todo el protagonismo a unos insistentes golpes de beat que asemejan los de una taquicardia. El paisaje sonoro de ‘Quickening’ es más rico, pero sigue en la vena fría e industrial que inaugura el álbum. Y la base glitch de ‘Sonic 8’ transmite la sensación de que te están tatuando el oído. Es incómoda.
Sin embargo, Kelly no abandona la melodía. Esta emerge sutilmente ya en la pista 2, ‘Voice’, aún fijada en ese tipo de beat seco que aparece en el álbum; la bucólica ‘Olga’ se eleva a los cielos mediante coros que parecen proceder de los ángeles, y ‘Nana Piano’ nos da un respiro entregándonos lo que promete su título. En este sentido, la composición más lograda es ‘Anadlu’, un viaje de ocho minutos que equilibra las dos caras de ‘LP.8’ mientras el sonido de lo que parece un carillón mecido por el viento nos invita a «respirar».
Lo que no significa que ‘LP.8’ sea un trabajo cómodo de escuchar. No lo es por el sonido que explora, pero también porque algunas de sus pistas nos hacen reflexionar. ‘Sonic 8’ deja un mensaje claramente político: «estamos cansados, queremos ser libres, juntos, ninguno de nosotros es libre hasta que todos los somos, esto es una emergencia». El hermoso conjuro de ‘One’ es más personal, pero ‘LP.8’ aún posee el poder de agitar mentes y de abrir oídos. Es el disco más libre de Kelly Lee Owens, y solo podemos agradecer que exista.
Rigoberta Bandini estrenó este domingo el videoclip oficial de ‘Ay mamá’. En el Día de la Madre, Paula Ribó ponía imágenes a su gran éxito, en un vídeo dirigido por Salvador Sunyer que, inspirado en el cine de ciencia ficción, representa a la mujer madre en diferentes fases de la historia, de la prehistoria al futuro. En el vídeo aparece la famosa «tetamundi» aniquilando una nave con cara de Mark Zuckerberg, representando la censura que las redes aplican al pezón femenino.
El vídeo es ahora objeto de polémica a raíz de las declaraciones de Nazareth Dos Santos, ilustradora y activista que ha cuestionado la decisión de Sunyer de no incluir imágenes de pechos reales en dicho vídeo. Santos iba a aparecer en el vídeo junto a otras seis activistas, de hecho llegó a rodar escenas con el equipo de Rigoberta en la que se mostraban diversos tipos de pecho. Sin embargo, finalmente el director decidió que esas escenas no encajaban con la historia del vídeo y las descartó. Varias integrantes de la organización feminista FEMEN se encuentran entre las activistas que formaron parte del rodaje.
«Querían grabar escenas en las que enseñáramos nuestros pechos para luchar contra la censura tanto con la letra de la canción como con el videoclip», detalla Dos Santos en un hilo de Twitter que se ha viralizado. En las escenas se mostraban «pechos grandes y pequeños. Unos más caídos que otros. Estrías, cicatrices, pezones pequeños, medianos, grandes. Mujeres racializadas, mujeres con un solo pecho. Mujeres jóvenes y mujeres maduras. En resumen: DIVERSIDAD Y REALIDAD».
Dos Santos cuestiona que finalmente fuera un hombre quien decidiera por razones artísticas que esas escenas de pechos no encajaban en el vídeo, y denuncia que el equipo de rodaje del vídeo estuviera exclusivamente formado por hombres. «Si desde el primer momento nos dicen que las escenas podían salir o no, nos hubiéramos cuestionado si merecía la pena exponernos delante de un equipo que, para nuestra sorpresa, estaba formado solo por hombres», cuenta.
De hecho, la activista explica que el equipo de ‘Ay mamá’ aseguró a ella y a sus compañeras que al menos una parte de las escenas que habían rodado iban a ser incluidas en el vídeo sí o sí, cosa que finalmente no ha sucedido. «Un hombre ha decidido por nosotras cómo se hacen las cosas y, sorpresa, los pechos reales no le han cuadrado, no forman parte de su reivindicación. En resumen, quería un video bonito pero que no pique demasiado», argumenta. Además, opina que «si eres capaz de que una cara gigante de Mark Zuckerberg hecha en 3D regulero encaje en el videoclip, puedes hacer que escenas de pechos reales encajen en una canción que habla del miedo a los pechos reales».
En una entrevista con El País, Sunyer ha confirmado que la decisión de descartar las escenas de pechos ha sido de él y que dicha decisión ha respondido a motivos «puramente artísticos». El director apunta que las activistas de FEMEN querían aparecer como tal en el vídeo, y que esta idea no le encajaba con el tono visual que él buscaba. Senyer no descarta reciclar las imágenes descartadas en un futuro. Rigoberta, que ha declinado hacer declaraciones sobre el tema a El País, pudo hablar con las activistas en el estreno del vídeo en el cine PHENOMENA de Barcelona. «Nos dijo que lo sentía mucho, que no había sido decisión suya», cuenta la activista.
The Knocks es el dúo de música electrónica formado por Ben «B-Roc» Ruttner y James «JPatt» Patterson. Entre sus éxitos se encuentran ‘Classic’ con Powers, ‘Brazilian Soul’ con Sofi Tukker o ‘Ride or Die‘ con Foster the People y su nuevo disco acaba de ver la luz.
‘HISTORY’ vuelve a ser un álbum lleno de colaboraciones. En este caso, la lista de artistas invitados de ‘HISTORY’ incluye a MUNA, Mallrat, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Foster The People, Cold War Kids, Parson James o Dragonette. Estos nombres emergen en un álbum por el que pasean indistintamente ritmos de música house, funk o disco, y que gustará a fans de Purple Disco Machine. De hecho, The Knocks acaban de lograr el mayor éxito de su carrera gracias a su colaboración con Tino Piontek en ‘Fireworks’, que supera los 112 millones de streamings.
Recomendables también son otras pistas de ‘HISTORY’ como la que destacamos hoy en la Canción Del Día. Se trata de ‘Slow Song’. Es una de las piezas menos electrónicas de todo el álbum, lo cual no significa que sea una «canción lenta» de verdad. De hecho, su animadillo sonido disco-soft-rock recuerda mucho al de ‘Tango in the Night’ de Fleetwood Mac.
‘Slow Song’ es además la colaboración de The Knocks con los canadienses Dragonette, por lo que su parecido con el sonido de Fleetwood Mac no es casualidad. La cantante Martina Sorbara posee un timbre parecido al de Stevie Nicks, pero además, hace años la artista declaró que le hubiera encantado haber escrito ‘Everywhere’ de Fleetwood Mac. ‘Slow Song’ suena a que ha intentado hacer eso mismo, y le ha salido muy bien.
Por otro lado, ‘Slow Song’ es otra de esas canciones metamusicales que juegan con el sentido de la palabra «play» en inglés. La letra parece hablar de una noche de pasión, pero lo hace a través de palabras vinculadas a la reproducción musical y, entre referencias al giro de los vinilos o a la presión del botón de «play», ese mismo amor llega a su fin con un «fade out». La conocida drag queen Aquaria protagoniza el videoclip.
Régine Zylberberg, conocida magnate francesa a la que se atribuye la invención de la discoteca moderna, ha fallecido a los 92 años de edad. Ha confirmado la noticia su nieta, Daphne Rotcajg.
Nacida en 1929 en Bélgica, Régine es considerada la primera persona que abrió una discoteca en la que DJs pinchaban dos tocadiscos conectados en lugar de la gramola clásica. La discoteca en cuestión, Chez Régine, abrió en el año 1957. Antes, en 1953, Régine había probado su idea en la sala Whisky à Gogo de París, en la que trabajaba como gerente.
La propia Régine se proclamó inventora de la discoteca moderna y explicó así su idea: «Cuando la música paraba podías escuchar a gente besuqueándose en las esquinas. Cortaba totalmente el rollo, así que instalé dos tocadiscos para que no hubiera silencios en la música».
La idea de Régine fue enormemente exitosa y la empresaria se convirtió en una figura clave de la noche francesa. Con el tiempo pasó a ser propietaria de hasta 22 discotecas instauradas tanto en Francia como en otros territorios como Nueva York, Los Ángeles, Miami o Río de Janeiro.
En Nueva York, la discoteca de Régine se adelantó un año a la apertura de Studio 54. Por ella pasaron celebridades como Andy Warhol, Michael Jackson y Brigitte Bardot. El código de vestimenta de la sala impidió una vez entrar a Mick Jagger. Se considera que ‘Régine’s’ «predijo la mentalidad libertina, llena de sexo y drogas, de la era disco» antes de que Studio 54 superara su popularidad.
Además de dedicarse a la gerencia de discotecas, Régine probó suerte como cantante y grabó canciones como ‘La grande Zoa’, ‘Azzurro’, ‘Les p’tits papiers’ o ‘Patchouli Chinchilla’. Sin embargo, su primer y único éxito le llegó cuando adaptó al francés ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor. También hizo sus pinitos en el cine.
Tokischa es la artista dominicana a la que has escuchado rapear junto a Rosalía en ‘Linda’, una de las mejores canciones de 2021. “Las amigas que se besan son la mejor compañía” era la frase «lesbian chic» que dejaba la letra de aquella canción, y ese concepto sigue presente en el nuevo single de la artista.
‘ESTILAZO’ es el tema que reúne a Tokischa con el productor estadounidense Marshmello. Es el segundo single de este de 2022: antes llegó ‘Before U’. En 2021, Marshmello publicó colaboraciones con Jonas Brothers (‘Leave Before You Love Me’), Megan Thee Stallion (‘Bad Bitches’) o James Bay (‘Chasing Stars’).
Que Marshmello trabaje con Tokischa significa que el resultado de su colaboración no va a pasar desapercibida en absoluto. Y así es. Él entrega una producción de house-pop facilona, sin demasiado interés, y es ella quien roba toda la atención con sus frases. «Ser perra está de moda, estilazo sexual» es el leit motiv de la canción, pero no la única línea que recordarás.
La letra de ‘ESTILAZO’ expresa que el «morbo es la nueva droga», celebra el «lesbianismo entre mujeres» y la «vida homosexual», presume de «dinero para drogas, pa’ comprar felicidad», invita a «orgías en la casa» y apela a la «música con letras sucias». Sexo, drogas y un grupo de «prostitutas en la esquina»: en la fiesta de Tokischa no falta nada ni nadie.
Si Tokischa es una artista conocida por afán provocador, no sorprende descubrir que ‘ESTILAZO’ ya ha ofendido a un sector del público que apela a la inocencia de los niños. Supongo que la apología de las drogas, el sexo en grupo y la prostitución nunca dejará de ser polémica.
Queidem es el proyecto musical de Raúl Martí, valenciano residente en Madrid que acaba de publicar su nuevo single bajo el paraguas de la agencia de managament Esquío, casa de artistas como El Hijo, Dotore o Caliza, entre otros.
La oscuridad impregna la estética de Queidem. El artista se gana la vida en un coro de iglesia, cuenta la agencia, y quizá este oficio le ha llevado a componer una canción al piano tan emotiva como ‘Niebla’, su primer single oficial. Por un lado, la melodía de piano nos lleva a las sombrías composiciones instrumentales de Library Tapes. Por otro, la presencia de guitarras acústicas y vocoders hace pensar en Bon Iver. Queidem canta con aflicción, pero sin bajar la cabeza al suelo.
Producida por Tórtel y Fffflashback, ‘Niebla’ parece hablar de una despedida. Entre referencias a sombras y un «humo gris», Queidem canta sobre el recuerdo de una persona que va creciendo en su mente. Un recuerdo que se torna complicado. «Fue triste que al final necesitara abrazarte / porque no sabía quién eras, ni sé si te quería», canta el valenciano, mientras el recuerdo de esta persona le «vigila al dormir».
Acorde a la temática de ‘Niebla’, el videoclip dirigido por África Muñoz sigue explorando su misma oscuridad. Vemos a Queidem solo en un set de rodaje, sentado en una cama vestida de sábanas blancas, mientras él lleva un traje de luto.
Esquío cuenta que «tras siete años en Madrid, el viaje de redención personal de Queidem) ha sido la excusa personal para enfrentarse a sus traumas de infancia y adolescencia». La «devastación emocional» vivida por el artista «le ha servido para vomitar a su hermano oscuro a través de un surtido de exorcismos pop marcados por la supervivencia a la sombra proyectada por uno mismo».
Por otro lado, Queidem -que ha versionado a James Blunt o Nino Bravo en Instagram- ya publicó un tema a través de Intromúsica. ‘Perdiendo amores’ capturaba la misma atmósfera oscura que ‘Niebla’ pero incorporaba un interesante ritmo breakbeat. El 30 de junio, Queidem actuará junto a GreenT (artista de Esquío) en la sala El Intruso de Madrid.
Natalia Lacunza ha hablado sobre su próximo disco en la revista ACERO Magazine. Ha sido parca en detalles, pero sí ha confirmado que se titula ‘Tiene que ser para mí’. Por su parte, la revista informa que el álbum se compondrá de un total de «12 canciones que no se ciñen a un único género musical».
Por otro lado, Lacunza ha confirmado que el próximo single de ‘Tiene que ser para mí’ verá la luz este viernes 6 de mayo. Se llama ‘Todo va a cambiar’ y es la última pista del disco «antes del bonus track». En Instagram, Lacunza ha explicado que ‘Todo va a cambiar’ es una de las canciones del disco que «más riesgo, matices y contraste» contienen y que su sonido representa «un final frenético» dentro del largo «que le sienta muy bien». En ACERO, Lacunza ha asegurado que ‘Todo va a cambiar’ es su canción favorita del disco porque es la que más le «divierte». ‘Todo va a cambiar’ iba a ser el título original del disco, pero Lacunza ha optado por uno más «optimista».
En el mismo post, Lacunza ha contado el significado de ‘Todo va a cambiar’: «Escribi esta canción pensando en algo muy simple pero a la vez complejo y costoso de asumir; todo cambia de forma lo quieras o no, el tiempo transforma nuestros pensamientos y nos cambia de lugar, nos da una nueva oportunidad y a la vez nos hace decir adiós al pasado constantemente. Eso puede sentar mal o bien, pero es inevitable, así que mejor hacernos a la idea lo antes posible y abrazar el hecho de que nada se queda como está nunca; lo quieras o no».
En la citada entrevista, la propia Natalia cuenta que el sonido de ‘Tiene que ser para mí’ presenta «ese toque de pop sintético, de medio pop electrónico, pero también guitarras y sonidos más organicos». Además, explica que la secuencia devanea entre «canciones más cañeras, como de bailar», y otras «súper delicadas y sensibles». El álbum incluye un «funk carioca».
‘Todo va a cambiar’ será el cuarto sencillo oficial extraído de ‘Tiene que ser para mí’. Los primeros han sido ‘Cuestión de suerte‘, ‘Todo lamento‘ y ‘Muchas cosas‘. ¿Será ‘Nuestro nombre‘ el bonus track del que habla Natalia?
Omar Apollo es uno de los artistas asociados al bedroom-pop que más popularidad han alcanzado. El artista de Indiana suma más de 5 millones de oyentes mensuales en Spotify, ha colaborado con gente tan dispar como Kali Uchis, Bootsy Collins o Pharrell Williams e incluso ha tenido tiempo de pasarse por la secuencia de uno de los discos españoles más importantes de los últimos tiempos, el de C. Tangana. Su debut oficial, ‘Ivory’, demuestra que el artista tiene tablas para desvincularse de esa etiqueta con éxito.
‘Ivory’ podía no haber sido el disco que es. Apollo compuso una primera versión hace años, pero la descartó y en su lugar lanzó la mixtape ‘Apolonio’. Enfocado en crear el mejor debut posible, el autor de ‘Ugotme’ incluso llegó a cancelar o posponer fechas de su gira para trabajar en la versión de ‘Ivory’ que hoy existe. El esfuerzo ha valido la pena.
A Apollo siempre le han perseguido las comparaciones con Frank Ocean, más ahora que el autor de ‘blonde’ está ausente de la actualidad musical. ‘Ivory’ no es un disco tan experimental como aquel, pero la paleta de sonidos (R&B con guitarras eléctricas, beats de hip-hop alternativo, baladas noctámbulas, voces apitufadas en algún interludio) es similar en ocasiones, y la voz de Apollo es muy parecida a la de Frank. Lo cual solo quiere decir que Apollo posee una voz preciosa y versátil que le permite acomodarse a los diferentes estilos que toca en ‘Ivory’. El disco nunca transmite que Apollo esté llevando un ejercicio de imitación. Más bien el camino que sigue es el suyo propio.
Así, en ‘Ivory’ escuchamos a Omar explorar diferentes registros que le sientan como un guante. El single ‘Invincible‘ se sitúa a medio camino entre el blues, el R&B alternativo y el pop lo-fi y su sonido reconforta. ‘Killing Me’ traslada las influencias R&B de Apollo a una canción que se queda muy cerca de ser perfecta. Las referencias a veces están a una galaxia de distancia. Por un lado, ‘Go Away’ presenta elegantes matices italo disco. Por otro, ‘Evergreen’ enternece con su sonido de Motown clásico.
De alguna manera, Apollo y sus productores consiguen que todo esto funcione en conjunto. Incluso cuando parece imposible. ‘Talk’ inaugura el disco haciendo uso de unas distorsiones absolutamente -perdón, lo voy a decir- deliciosas en guitarras y voces. Ojalá Apollo explora más este sonido en el futuro. La pista siguiente, ‘No Good Reason’, parece una modernización del ‘Touch My Body’ de Mariah Carey. En la secuencia más extraña, el disco pasa de un corrido mexicano (‘En el olvido’) a un trap latino producido por Pharrell (‘Tamagotchi’) que suenan juntos sin silencios.
Las letras de ‘Ivory’ plasman los diferentes sentimientos que cualquier joven de la edad de Omar (24 años) experimenta. Hablan de amores intensos, a los que Omar se aferra imperiosamente; de los chutes de dopamina que provocan los besos, de atreverse a ser vulnerable, de la frustración que produce invertir energía en una relación sin recibir nada a cambio, pero también de la euforia que se siente cuando sucede lo contrario.
‘Ivory’ es un álbum variado, pero la firma de Omar se percibe sobre todo en sus canciones más vulnerables y taciturnas, como ‘Invincible’, ese ‘Petrified’ que incorpora sonidos de juguetes o ese bonito primer single llamado ‘Bad Life’ que, junto a Kali Uchis, promete poner banda sonora a incontables noches de verano venideras. Sin embargo, con una voz como la suya, hubiera sido un crimen que Omar no probara otras cosas. ‘Ivory’ resulta un estupendo debut, por parte de un artista al que seguir de muy cerca.
Tal ha sido el fenómeno social generado por ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini que ya casi habíamos olvidado que la canción todavía no cuenta con videoclip oficial. La actuación de Benidorm Fest, teta gigante mediante, es lo que la gente tiene grabado a fuego que es el visual de ‘Ay mamá’.
Sin embargo, el videoclip oficial de ‘Ay mamá’ existe y Rigoberta lo ha estrenado hoy en el Día de la Madre, como había prometido. El vídeo -producido por LAMP- incluye diversas referencias a la ciencia ficción, escenas en CGI y un cameo del famoso «globo tetáqueo» que Rigoberta visualiza durante una sesión de realidad virtual. Suspendido en la inmensidad del espacio exterior, el planeta descubre un volcán con forma de pezón que dispara rayos láser y que procede a fusilar un objeto espacial con forma de esfinge que reproduce el rostro de Mark Zuckerberg. De hecho, la escultura lleva grabado el símbolo de infinito que es, también, el logo de Meta. Una clara referencia a la censura de Facebook e Instagram, y también una posible metáfora del feminismo ganando la batalla al patriarcado.
El estreno del videoclip de ‘Ay mamá’ promete insuflar nueva vida a la canción, que resiste en la parte media de la lista de singles española, pero ya lejos de ese número 1 que conseguía a principios del mes de febrero, de manera totalmente autoeditada, y gracias a su paso por Benidorm Fest.
En una entrevista con El Diario, Paula Ribó ha afirmado que el videoclip de ‘Ay mamá’ «no es una historia» sino «un cúmulo de imágenes de mujeres en grupo, empoderadas». En una de las escenas, Rigoberta y un grupo de mujeres realizan una coreografía mientras sostienen bebés recién nacidos en los brazos.
En otra parte de la entrevista, Ribó ha hablado vagamente sobre su próxima canción. Asegura que será «bastante intimista» y muy diferente a todo lo que ha hecho antes. Explica: «No quiere decir que sea una balada, tiene su ritmillo, pero es una canción que habla de un tema totalmente diferente y muestra una parte mía que creo que nunca he enseñado».
En otro orden de cosas, Rigoberta Bandini está empezando este año su carrera de festivales, y está confirmada en Warm Up, Tomavistas o BBK Live, entre otros. Por otro lado, este Sant Jordi se la ha podido ver en Barcelona firmando ejemplares de ‘Vértigo‘, su primer libro.
Mientras llega el videoclip de ‘Ay mamá’, el público aguarda impaciente el siguiente paso de Rigoberta. La catalana seguirá publicando singles sueltos, pero también lanzará disco en algún momento. De momento, este año aparecerá como co-autora en el álbum de Amaia.
PUTOCHINOMARICÓN visita Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, no solo para promocionar su nuevo disco ‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ’. También hay tiempo para hablar de su estancia durante 2 años y medio en Taiwán, su identificación como persona no binarix, los diferentes discos que ha descartado y sus próximos conciertos. Podremos verle en pocas semanas tanto en Madrid, dentro de la programación de Tomavistas, como en Zaragoza junto a Samantha Hudson. Foto: Gonzalo Gallego.
Chenta Tsai nos cuenta que el subtítulo de «Distopía aburrida» para este disco salió de un hilo de reddit así llamado. En él se hablaba de que el fin del mundo iba a llegar de una manera aburrida, «haciendo un pan de plátano o algo así». El disco habla de ser felices en tiempos difíciles y PUTOCHINOMARICÓN reflexiona sobre «lo poco que se habla de la vulnerabilidad que viene después de la visibilidad».
Explica: «Desde la hegemonía heteropatriarcal, como que se nos exige a las personas disidentas exponer de manera extremadamente explícita nuestras experiencias vitales hasta un punto en que se nos anula como personas. Noto con este disco que la gente deslegitima mi música por el simple hecho de que yo he decidido no mostrarme tan vulnerable como antes. A mí me parece un problema porque no siempre hay que mostrar el sufrimiento y el drama para que la gente nos acepte. Y no es realista. Nuestras realidades son más ricas y tridimensionales, más allá del trauma y del sufrimiento. También hay que mostrar el deseo, el deseo de proyectar una futuridad en que se nos muestre felices, viviendo una vida como queramos. Ahí está el cambio de este álbum. He aparcado parte de la ira. La ira siempre va a estar ahí, pero no es el «main character» aquí. Es el deseo. Y eso molesta muchísimo a muchísima gente cishetero».
El disco también habla sobre la virtualidad y la legitimidad de estos espacios. «La extensión virtual es una parte más nuestra. En la pandemia se ha notado esa legitimidad», indica recordando que por ejemplo siempre había usado la tecnología para comunicarse con su familia online.
En una parte muy interesante de la conversación, Chenta Tsai explica cómo el colectivo LGTB+ está en constante tensión con su cuerpo y qué ha significado la estancia en Taiwán para elle. «Socializo como un español, pero allí no señalaban mi racialitud. No era racializado constantemente en la calle. Y por primera vez no estaba en resistencia. Al llegar allí descubrí lo que era ser «normal», entre comillas. Me marcó y me generó una crisis identitaria, más allá de la resistencia (…) sobre hasta qué punto somos aceptades y hasta qué punto nos hemos acomodado».
‘JÁJÁ ÉQÚÍSDÉ’ es un disco influido por PC Music, sí, y también hablamos de eso, pero es más curiosa la influencia que han ejercido en el álbum las compilaciones DO HITS, los arquitectos Pierre y Jacques o el autor Chi Ta-wei, a través de su novela ‘Membranas’, en la que habla del futuro de lo queer. En un momento del podcast, PUTOCHINOMARICÓN plantea: «Es genial que el matrimonio se haya legalizado, ¿pero realmente quién quiere casarse? ¿Eso nos va a hacer felices? ¿Hablamos el mismo idioma o tenemos que construir nuestras propias narrativas y enunciados, como decía Paco Vidarte sobre ‘La jiraba que pastaba‘?
Chenta cuenta que ha descartado un disco inspirado en lo que pensaba que era Taiwán: «he construido una falsa percepción de lo que es Taiwán. Al llegar allí me di una buena torta. Había construido una ficción con una perspectiva occidental y un poco fetiche de lo que era mi identidad». Y también ha descartado su proyecto paralelo llamado PRODUCTO, sobre una boyband/girlband, porque se estaba fijando «demasiado en la estética y no tanto en el concepto», cuando considera esto último su fuerte como artista.
En diferentes puntos de esta conversación hablamos sobre cómo PC Music, en su perspectiva de acelerar el pop para criticar el capitalismo acelerado se ha terminado convirtiendo en aquello que tanto había criticado. También sobre el gusto por el feísmo: «bella solo puedes ser de una manera, pero fea puedes ser de varias, no sé por qué no hay más artistas con esta fealdad. No sé por qué mezclamos todo el rato igual (…) la música de internet siempre ha sido feísta. Los artistas deberíamos desafiar la experiencia auditiva». Y por último sobre el concepto de concierto en 2022, post-pandémico, con cierta integración del playback e instrumentos llevables.
Madonna ha actuado con Maluma esta noche en Medellín. Maluma ofrecía ‘Medallo en el mapa’, el «concierto más importante de su carrera», que ha tenido lugar en el estadio Atanasio Gigardot y ha podido verse a través de Amazon Prime Video.
Madonna ha cantado dos canciones con Maluma. La primera ha sido ‘Medellín’, su single con el colombiano, y la segunda ha sido ‘Music’. Se rumoreaba que ‘Hung Up’ y ‘Bitch I’m Loca’ también formarían parte del repertorio, pero finalmente no ha sido así. En 2019, Madonna y Maluma interpretaron ‘Medellín’ juntos en la gala de los Billboard Music Awards.
La actuación de Madonna ha dejado cierta sensación de improvisación. La coreografía de ‘Medellín’ ha quedado correcta, pero Madonna ha empezado a cantar ‘Music’ antes de tiempo, y el mismo error ha sucedido antes de la llegada del estribillo. Madonna parecía improvisar movimientos in situ, y por momentos se la ha visto desorientada encima del escenario.
La autora de ‘Madame X’ ha conseguido estos días un viral gracias al remix de ‘Frozen’ por el productor Sickick. La artista ha querido exprimir el éxito del remix lanzando dos remixes más, uno junto al rapero Fireboy DML y otro con la rapera 070 Shake.
Hace dos años que Adiós Amores irrumpió en la escena musical con ese precioso ‘Charlotte‘, pero este viernes 29 de abril el dúo ha cerrado un ciclo con ‘Noche Iluminada’. Esta canción es el último single de los ocho que conforman un recopilatorio también publicado este viernes, ‘Sus Mejores Canciones’. El disco incluye las ocho canciones que han lanzado hasta la fecha, en un esfuerzo por plantar una semilla única en el panorama nacional a la que le han puesto como guinda ‘Noche Iluminada’, uno de sus mejores temas.
Los singles de Adiós Amores empezaron muy influenciados por The Brian Jonestown Massacre, The Flaming Lips, The Shadows, Beach Boys y el pop sesentero que tanto les gusta. Sin embargo, a medida que ha ido pasando el tiempo se han vuelto más siniestras, misteriosas e hipnotizantes. ‘Noche Iluminada’ es el culmen de este viaje, la canción en la que por fin sueltan las guitarras y agarran el sintetizador y las castañuelas. Las guitarras no desaparecen, pero entre palmas y cuerdas que reproducen acordes clásicos andaluces, se impone una base techno arrolladora como recientemente ha hecho Joe Crepúsculo en ‘Trovador Tecno‘.
‘Noche Iluminada’ es la evolución quema pistas de ‘Doce Navajas‘ y ‘Luna Plateada’, otro de los singles donde también abundan castañuelas y una atmósfera casi de brujería. «Me encantaría poder subir al cielo para ver la luz» dice el estribillo de ‘Noche Iluminada’, pero mientras suene este tema no habrá quien quiera que amanezca. Sin embargo, lo que la canción nos cuenta es «cómo de diferente habría sido la historia de España si Fernando el Católico, en vez de conquistar La Alhambra, hubiese conquistado el corazón de Boabdil», dice la nota de prensa.
Al más puro estilo pegamoide, Adiós Amores ha llamado a su primer disco ‘Sus Mejores Canciones’. La portada del álbum es la misma que la de este single, creada por la artista Anita de la Cuadra. El disco recopilatorio se ha lanzado en digital, pero existe una edición vinilo limitada que se puede conseguir aquí.
Esta semana se han cumplido 10 años de la publicación de ‘Electra Heart’, el segundo disco de la artista anteriormente conocida como Marina and the Diamonds. La cantante galesa ha celebrado la efeméride con el lanzamiento de una edición «10 aniversario» que incluye pistas antes inéditas como ‘E.V.O.L.’ o ‘Electra Heart’ (sí, la pista titular permanecía inédita).
‘Electra Heart’ no fue uno de los discos más importantes de 2012 a nivel comercial. Alcanzó el número 1 en Reino Unido en su semana de salida y sigue siendo, a día de hoy, el único número 1 de álbumes logrado por Marina en su mercado principal. Sin embargo, ‘Electra Heart’ es conocido por ser uno de los discos número 1 menos vendidos del siglo XXI en las islas.
El impacto de ‘Electra Heart’ se mide mejor con otros parámetros. Los números tampoco estuvieron fatal y, a la larga, el disco puede presumir de haber producido tres macrohits: ‘Primadonna’, ‘How to Be a Heartbreaker’ y ‘Bubblegum Bitch’, el tercero de los cuales se ha viralizado últimamente en TikTok. Pero donde ‘Electra Heart’ dejó huella fue en internet. En concreto, en Tumblr.
‘Electra Heart’ es uno de los discos clave de la era Tumblr. De hecho, el personaje de Electra Heart emergió por primera vez en esta plataforma. Esto no significará absolutamente nada para el oyente medio, pero significa que es probablemente uno de los discos más importantes salidos en la era de internet. Su público principal fueron adolescentes tristes enganchadas a la red. Especialmente chicas adolescentes que se sintieron identificadas con la mezcla de sonidos pastel y letras trágicas que incluía el álbum. En una entrevista con Los 40 Principales, Billie Eilish afirmó que ‘Teen Idle’ es «la mejor canción en el puto mundo». Una canción cuyo estribillo expresa la frase «tengo ganas de suicidarme» como si lo cantara un grupo de cheerleaders.
Esa mezcla de «pop de chicle salpicado de sangre», como lo describe Stereogum, representa el sonido y la temática de ‘Electra Heart’. Marina lo describió con el término «Britney Spears gótica». El disco traía un concepto más o menos sólido. Electra Heart es el alias de Marina, un personaje que representa, a su vez, cuatro arquetipos femeninos asociados a la cultura americana: la ama de casa, la reina de la belleza, la destrozahogares y la adolescente vanidosa. En palabras de la propia Marina, Electra Heart es la «antítesis de todo lo que soy». En otras palabras, ‘Electra Heart’ es una reflexión sobre el engaño del sueño americano. «Quería explorar el lado de Estados Unidos que no tiene nada que ver con el glamour. Quería enfocarme en el fracaso». Y Marina tenía sus razones para explorar este concepto.
Marina se dio a conocer en 2010 con ‘The Family Jewels‘, un estupendo debut en el que desplegó su personalidad como autora de música pop. Su peculiar voz operística, y sus interesantes letras, le valieron una sólida base de fans que amaban su estilo de pop alternativo demasiado pop para los indies y demasiado indie para los poperos. En una entrevista que concedió ese mismo año, Marina habló negativamente sobre el sonido «mierdoso» del pop americano. Mencionaba explícitamente la «fábrica de hits» de Dr. Luke: «no tengo nada en contra de él, solo está haciendo su trabajo, pero las producciones me parecen aburridas. Y las canciones de Kesha, Katy Perry, Rihanna… no me parece que haya nada original en ellas». Marina tenía razón, pero dos años después estaba trabajando con Dr. Luke en Los Ángeles. La fábrica de hits de la que echaba pestes le había absorbido.
‘Electra Heart’ nace de una dicotomía: Marina odia el pop americano pero, presionada por su sello, aprovecha la oportunidad de convertirse en una estrella del pop tan grande como Katy Perry, con la que se va de gira. El personaje de Electra Heart representa su manera de disociarse de esa realidad. En una entrevista de 2016 recuerda aquella época con extrañeza. Asegura que no se sentía identificada con el sonido comercial de ‘Electra Heart’ y que tiene la sensación que el disco lo escribió otra persona. Dice que para ella fue como «actuar en una obra de teatro». Irónicamente, ‘Electra Heart’ es, a su vez, su disco más popular, y lo bueno es que tampoco dejó de sonar tantísimo a ella. Es cierto que las peculiaridades de ‘The Family Jewels’ desaparecieron y que ‘Electra Heart’ sonaba más genérico, pero también lo es que la voz y la firma de Marina seguían estando muy presentes en las canciones. En 2015, Marina se desquitó de las presiones de hacer un disco comercial lanzado ‘Froot‘, su álbum más autoral. Y también el mejor.
La estrategia de hacer un disco «conceptual» sobre la figura de la popstar para disimular que te has vendido no es nueva. Este mismo año Charli XCX ha hecho algo parecido. Y por mucho que Marina dijera que ‘Electra Heart’ es un disco conceptual, realmente no lo es. O solo lo es vagamente. Las letras exploran el lado oscuro de la figura femenina. Hablan de engañarse ante la realidad de un fracaso amoroso (‘Lies’), de sentirse vacía y amargada (‘Fear and Loathing’), de obsesionarse con una persona hasta lo enfermizo (‘Starring Role’), de sentirse desesperadamente sola (‘Homewrecker’). ‘Primadonna’, el single más exitoso del disco, dice «estoy triste hasta las entrañas / cada día se me hace un mundo». Marina no huye de los clichés («puede que mi vida sea un desastre, pero sigo estando guapa con este vestido», canta en ‘Homewrecker’) y su investigación sobre la figura femenina trágica no es especialmente profunda u original. En otras palabras, ‘Electra Heart’ es un álbum conceptual solo muy a duras penas.
Sin embargo, 10 años después ‘Electra Heart’ es objeto de análisis en los medios por lo que representó brevemente en un momento de la historia del pop. Y esto solo puede explicarse porque el disco sigue funcionando a día de hoy. Principalmente gracias a las canciones. ‘Primadonna’ era tan adictiva como cualquier hit de Katy Perry, pero sonaba a Marina. ‘Bubblegum Bitch’ se adelantaba por 10 años a la reivindicación de Avril Lavigne. ‘Homewrecker’ traía al pop los ritmos machacones de unos Depeche Mode con mucho poderío. ‘The State of Dreaming’ era un estupendo homenaje al pop alternativo de los 90. ‘Teen Idle’ podía glamurizar el suicidio, pero era pegadiza. Las canciones más melodramáticas, como ‘Lies’, ‘Starring Role’ o la maravillosa ‘Valley of the Dolls’, representaban muy bien el talento de Marina como compositora. Y Marina consiguió que ‘How to Be a Heartbreaker’, un bonus track, se convirtiera en uno de los mayores éxitos de su carrera.
‘Electra Heart’ no fue un disco bien recibido por la crítica en su momento. Como ‘Born to Die‘ de Lana Del Rey, un trabajo con el que comparte muchos elementos en común, su exploración de la estética retro americana, de los ideales de un Hollywood vacío de alma, no terminó de calar en los medios especializados. Y aunque Marina llegó a declarar que odiaba el pop americano y que las producciones de Dr. Luke le aburrían, no consiguió que ‘Electra Heart’ sonara mucho mejor. Es verdad que Dr. Luke no aparecía en tantas canciones, y que gente como Greg Kurstin ya había trabajado en ‘The Family Jewels’. Sin embargo, la producción de ‘Electra Heart’ sonaba… vacía. Comercialoide. Aún así, las canciones tenían tanta fuerza que a día de hoy las seguimos escuchando.
Puede que ‘Electra Heart’ no convirtiera a Marina en una popstar, pero ella ya dudaba que tal cosa fuera a ocurrir jamás. Como nos contó en una entrevista: «En un momento dado, que parece ser este, voy a estar durante un tiempo en el mundo del pop, pero no sé si tendré un sitio ahí». Puede que ‘Electra Heart’ haya prosperado más como disco de culto que como éxito comercial, pero no cabe duda que ha sellado a Marina para siempre en el «mundo del pop».
Un viejo cuento alemán narra la historia de cuatro animales domésticos que, tras toda una vida de servidumbre cruel a sus dueños, y despreciados ahora por estos, huyen de sus respectivas granjas con la esperanza de llegar a Bremen y dedicarse a tocar música en las calles. Durante su travesía, el grupo de animales, compuesto por un burro, un perro, un gato y un gallo, atracan a un grupo de ladrones y consiguen instalarse en su casa. Los animales nunca llegan a Bremen pese a que era su destino principal.
El relato que publicaron por primera vez los hermanos Grimm en el año 1819, sirve a Álvaro, Jorge, Pablo y Milky para reflexionar sobre el futuro. ‘Bremen no existe’ es el título de su nuevo disco, y Bremen es sinónimo de ese futuro que, para muchísimos jóvenes españoles, simplemente no se ha materializado. Es un futuro «cancelado», como canta el grupo en ‘Líneas de sombra’, la pista de apertura. De hecho, el subtítulo del disco anuncia que este contiene «música para otra generación perdida». En la final ‘Una historia de fantasmas’, eso sí, el futuro pasa a estar «postergado». Queda un rayo de esperanza al que aferrarse.
Ese rayo de esperanza, por fino que sea, atraviesa todo el disco de diversas maneras. Pablo Garnelo (guitarra), Jorge Martínez (batería), Jorge Navarro (bajo) y Álvaro García (voz y guitarra) han querido hacer un trabajo más luminoso que el anterior, menos ansioso y crudo, que se abriera más al mundo. El sonido de ‘Bremen no existe’ responde también al encierro del confinamiento. El cuarteto cuenta que le apetecía «calle», y algunas de sus nuevas canciones aspiran definitivamente a la categoría de himno generacional. Sin dejar de ser punk, son a su vez mucho más pop al incorporar influencias del guitar pop y el rock alternativo de los 80 y 90, de gente como R.E.M. o The Cure. Una de las pistas, ‘La escuela nocturna’, habla de «jóvenes que crecen como espectros», pero te hará bailar como si estuviéramos en 2007.
Entre los himnos claros que deja el álbum se encuentra ‘Contra mi generación’, una canción dedicada a «toda esa gente en edad de pirarse a un PAU / O de tirarse de un puente sin decir ni ciao», y también a «toda esa gente que duerme poco y mal / la precarizada y la aspiracional». ‘Espíritu el 92’ apela a esa gente que ha cumplido los 30 años y no tiene futuro al que agarrarse, y su potente estribillo clama: «¿el futuro era esto? no, por favor». Más pesimista, ‘Domingo especialmente triste’ habla de una juventud empobrecida pero servida de internet y teléfono móvil, que vive «seis meses de curro y seis de subsidio». En contraposición, el estribillo cantado por Isa de Triángulo es luminoso, bello incluso.
En su tercer álbum, los autores de ‘Sentido del espectáculo’ siguen demostrando que el suyo es uno de los discursos más sólidos del punk actual. Y que no tiene miedo de apelar a diversas generaciones que puedan sentirse representadas por sus textos. No tantos grupos citan en sus canciones lo mismo a Jacques Derrida que a C. Tangana, y esto sucede en ‘Filósofxs intempestivxs’, otra canción dedicada al pensamiento de baratillo que quizá ya no necesitábamos a estas alturas. ‘Líneas de sombra’, una de las pistas más garage-punk, incluye referencias a TikTok y a la música pop, y ‘Madrid nos pertenece’ llama a manifestarse invitándonos a dejar de decir «joder, no sé» como hicieron aquella vez Carolina Durante.
Por un lado, el mensaje de Biznaga puede sonar decididamente populista, como cuando en ‘Todas las pandemias del mañana’ cantan que «nosotros somos el puto virus, nosotros somos el puto cáncer, somos el bicho que hay que erradicar». Por otro lado, el grupo sigue destacando por sus cultas y eruditas reflexiones -en discos y entrevistas- sobre el mundo actual, y los futuros cancelados de los que habla recurrentemente ‘Bremen no existe’ son los mismos sobre los que escribió Mark Fisher. Biznaga transmiten su mensaje con confianza y seguridad. No tienen miedo a agitar al populacho. De hecho, lo buscan. Y les sale bien.
Entre referencias a personas «atrapadas en el ascensor social» o que siguen trayendo bebés a un mundo ya demasiado idiotizado, ‘Contra mi generación’ aún encierra un atisbo de esperanza cuando anuncia que «lo que no pudimos hacer / aún es posible tal vez». De hecho, el grupo explica que ‘Bremen no existe’ «no es un disco optimista, pero tampoco cenizo ni agorero», sino que más bien «es idealista y arrogante» porque cree que aún «hay futuros que nos esperan». ‘Bremen no existe’ vuelve a ser un disco lleno de angustia y desazón que refleja el sentir de una generación «perdida» en los dos sentidos: una generación que no sabe adónde ir, y también una que ya no se va a recuperar. Sin embargo, la esperanza es una de las cosas más importantes en esta vida, Biznaga lo saben y no renuncian a ella.
