Tras dos ediciones pospuestas después de la llegada de la pandemia de la COVID-19 por fin vuelve Coachella, uno de los festivales de música más importantes del mundo. Será el próximo año 2022, aunque parece que han decidido adelantarse mostrando al que será su cabeza de cartel para el 2023, Frank Ocean.
La pandemia global ha cambiado nuestras vidas en todos los ámbitos y la música no ha sido una excepción. Pero la situación, aunque lentamente, sigue mejorando y el festival ya ha anunciado su regreso a través de sus redes sociales: «Nos vemos en el desierto. Coachella regresa el 15-17 y 22-24 de abril de 2022», escribían en su perfil de Instagram.
Pero eso no es todo, su cofundador Paul Tollet ha revelado muchos más detalles para el festival de 2023, como Frank Ocean siendo el cabeza de cartel, justificando que los «fanáticos» y los artistas merecen algo de tranquilidad después de estos dos años de pandemia, según un artículo del Los Angeles Time: «Solo estoy tratando de ser lo más justo posible con los artistas y los fanáticos para asegurarme de que eventualmente puedan ver a todos de los que hablamos».
El festival afronta otros retos además de las actuaciones de sus artistas, como el aspecto económico, teniendo en cuenta que la edición de 2020 tuvo que suspenderse justo cuando se estaba preparando en marzo de ese año después de que el gobernador Garvin Newsom decretara la orden de quedarse en casa. Tras esto hubo montones de solicitudes de reembolso por parte de los compradores. Por el momento, las 125.000 de cada fin de semana tras su anuncio el pasado mes de junio se han vendido sin problema.
«Era un apellido que sonaba tan apetitoso, tan seductor…», así comienza el trailer de ‘House of Gucci’ (‘La Casa de Gucci’ en español), que se estrenó hace unos días y en el que también se revela la fecha oficial de estreno, 26 de noviembre de este año, dos días después que en Estados Unidos.
Dirigida por Ridley Scott, la película está basada en el libro ‘The House of Gucci: A Sensational Story of Murder, Madness, Glamour and Greed’, escrito Sara Gay Forden y que narra la historia de cómo fue asesinado el empresario Maurizio Gucci (interpretado por Adam Driver) a manos de un sicario contratado por su exesposa, Patrizia Reggiani, interpretada por Lady Gaga, que ya ha participado en otras películas como ‘Sin City: A Dame to Kill For’ o ‘A Star Is Born’, por la que ganó el Óscar a la Mejor Canción.
El trailer no deja indiferente a nadie, no solo por el propio caso Gucci, uno de los más icónicos del mundo de la moda y la cultura popular, sino por el papel que va a desempeñar la cantante en la película. Durante los dos breves minutos de duración del trailer vemos cómo consigue manejar el hilo conductor de la trama, las intenciones de su personaje y su fatal resultado. Todo ello acompañado al ritmo de ‘Heart of Glass’, de Blondie, un tema muy acertado teniendo en cuenta los adjetivos que describen la futura cinta, glamour, seducción, elegancia… Foto: Instagram.
La presentadora de ‘Deforme Semanal’ Isa Calderón ironizaba hace unas semanas en Twitter sobre los “señoros descubriendo ahora las emociones y la salud mental”, despertando la ira de gente como Soto Ivars, que lo interpretaba como “nos está llamando lloricas”, y como un ejemplo más de ese despiadado señalamiento al hombre blanco hetero. No puedo evitar pensar que si el tuit de Calderón hubiese llegado a Bo Burnham, seguramente se habría echado unas carcajadas en lugar de ofenderse. Tíos blancos heteros, Bo Burnham es el gurú que estáis buscando, y no un señor que lleva un condón en la cabeza.
En ‘Inside’, su último trabajo para Netflix, la gestión de las emociones y la salud mental ocupan un lugar privilegiado (jé), pero esto no es en absoluto nuevo si echamos un vistazo a su carrera. Ya dedicó parte de ‘Make Happy’ (su anterior especial) a esto, y precisamente ‘Inside’ supone su vuelta al ruedo tras retirarse de los escenarios durante cinco años por problemas de ansiedad. En este tiempo ha dirigido además la excelente ‘Eight Grade’, uno de los acercamientos más realistas (y cringey, por supuesto) a la incomodidad adolescente que puedan verse en el cine, y ha participado en la también excelente ‘Una joven prometedora’, que a punto estuvo de darle el Oscar a mejor directora a la debutante Emerald Fennell (sí se llevó el Oscar a mejor guión original). Pero vamos hacia atrás: ¿de dónde sale Bo Burnham?
El artista saltó a la fama con tan solo 16 años cuando ‘My whole family thinks I’m gay’, una cancioncilla que subió como coña a Youtube, se hizo tremendamente viral. Siguió subiendo vídeos, firmó con el sello Comedy Central (con quienes llegó a publicar cuatro álbumes), y en 2010 llegaría el primer especial, ‘Words Words Words’, la serie de MTV ‘Zach Stone Is Gonna Be Famous’ y el libro de poemas ‘Egghead’. En 2013 se suma otro especial donde además da el salto a la dirección, ‘what.’, algo que repetiría en 2016 en el mencionado ‘Make Happy’. Es éste último el más claro predecesor de ‘Inside’ en cuanto al uso de la música para sus shows, una de las principales señas de identidad de Burnham y la razón por la que hablamos hoy de él.
Influenciado por el trabajo de músicos/comediantes como Tom Lehrer, Burnham ha ido dando cada vez más importancia a la música en sus especiales, mezclando monólogos con canciones compuestas por él, hasta llegar a este ‘Inside’ en el que directamente TODO es música, y cuya idea nació en el confinamiento duro de 2020, cuando intentaba encontrar una alternativa a sus planes de volver a los escenarios. El título hace referencia tanto a esos meses de encierro (pasamos de verle super afeitadito a verle cual Tom Hanks en ‘Naúfrago’) como a lo que hay dentro de su mente, y cómo ese confinamiento afecta a una salud mental que ya de por sí no era muy estable. Y ojo, probablemente sea de las pocas piezas “hechas en confinamiento” o relacionadas con él que resista bien el paso del tiempo, y que ha tenido un gran éxito de audiencia en lugar de espantar al personal. Su popularidad no ha parado de crecer desde que Netflix lo estrenó, y la banda sonora está alcanzando unos números espectaculares en Spotify: por poner un ejemplo, ‘All Eyes on Me’ tiene casi el doble de reproducciones que el último single de Katy Perry. Vale, Katy no pasa por su mejor momento, pero me entendéis: es una burrada teniendo en cuenta que no hablamos de un disco al uso, ni siquiera de una banda sonora al uso.
¿Qué es ‘Inside’? ¿Es un show de stand-up comedy? No, aunque hay algo de eso. ¿Es un (auto)documental, una terapia vestida de sarcasmo como el ‘Nanette’ de Hannah Gadbsy? No, aunque hay bastante de eso. ¿Es un musical? No exactamente, pero hay muchísimo de eso, y por momentos su estructura y su intensidad llega a recordar -salvando las distancias- a una adaptación libre de ‘Jesucristo Superstar’. Porque ‘Inside’ no es exactamente el retrato de un “payaso triste”, de un cómico al que no le sale hacer comedia, etc, sino más bien el retrato de un creador incapaz de quedarse quieto, de por qué esto es así, y del modo en que eso se debe a su relación con el público. Que en su primera década de carrera ya se hubiese visto sobrepasado hasta el punto de retirarse es un buen ejemplo de cómo todo va cada vez más deprisa, y por eso, aún estando ahora en su mejor momento profesional, no sabemos cuánto tiempo durará este regreso. Bo no esconde lo mucho que necesita el cariño/atención/validación del público y lo mucho que le afecta ser un yonki del cariño ajeno (que diría Taylor Zahara), especialmente en un momento en que pasamos con mucha facilidad de idealizar a linchar, de los seres de luz, los “reina” y los “es mi hijo”, a los “le odio, ojalá se muera”. La fama es, ahora más que nunca, algo que podemos querer y a la vez temer, y ese análisis de las relaciones parasociales está muy presente en su obra, como explican en un interesante artículo de Polygon: el creador mantiene como rehén a su audiencia, y su audiencia le secuestra a él; el creador necesita a su audiencia, y a su vez necesita escapar de ella.
De todo esto nos habla Burnham a través de su manera de entender la música. En este artículo vamos a hacer un recorrido por sus canciones, analizando cómo en ellas se entremezcla la comedia con el drama porque para él ambas están relacionadas, y como la música puede estar también unida a nuestros mejores momentos y a los peores. Las propias relaciones parasociales son un ejemplo de cuestión que trata Bo, y en ‘Inside’ tenemos una vídeo-reacción a sí mismo hasta que es incapaz de verse más, un videojuego en el que puede/podemos manejarle y hacerle llorar, o las explícitas ‘Don’t Wanna Know’, ‘Comedy’ y ‘All Eyes on Me’. De ésta teníamos ya en ‘Make Happy’ una predecesora: la catártica ‘Can’t Handle This (Kanye Rant)’, donde dice a la audiencia que acuda “a ver a este flacucho con una salud mental deficiente / reíos mientras él intenta daros lo que no puede darse a sí mismo”. Y en ‘Repeat Stuff’ (de ‘what.’) ironizaba sobre cómo la industria musical genera continuamente canciones básicas y catchy y cómo “ganan dinero con la pubertad, la poca autoestima y la desesperada necesidad de las niñas para sentirse queridas”.
‘Content’ es también bastante clara sobre lo parasocial, tocando incluso el punto sexual que puede haber al respecto (“look, I made you some content / Daddy made you your favourite, open wide”), pero aquí su significado se amplía para aplicarse también a la productividad, sea o no de un creador de contenido, y al fracaso sentido cuando no se consigue. Burnham se pone cada vez más político, y de una más sutil crítica al sistema en ‘Unpaid Intern’ o una canción doble sobre Jeff Bezos (maravilloso este montaje), pasa a reflexionar sin filtro alguno sobre sus propios privilegios en ‘Comedy’ o ‘Problematic’. En ‘How the World Works’ acabará directamente hablando sobre ideas marxistas y anarquistas, o diciendo cosas como que el FBI asesinó a Luther King, que “los fascistas y neoliberales están destruyendo a la izquierda” o incluso que “políticos y policías protegen a una élite pedófila”, todo esto bajo la carta del álter ego y, más importante, todo esto bajo la carta del humor. Porque desde ‘Comedy’ y su “should I be joking on a time like this?” queda claro que no es que Bo no vaya a renunciar al humor, es que lo necesita para seguir adelante o, como él mismo diría con menos remilgos, para no pegarse un tiro.
No es lo mismo reírse del country (“hoping my Southern charm offsets all these rapey vibes I’m putting out” soltó en ‘Country Song’, de ‘Make Happy’) que reírse de uno mismo, pero el amigo no tiene problema alguno en hacer esto tanto con él como con ese angst generacional en el que muchos os veréis reflejados. El mejor ejemplo, claro, es la desternillante-y-desesperanzadora ’30’, que en el documental canta mientras cumple treinta años en confinamiento. No es casualidad que parezca un tema de fun. mientras describe el miedo al llegar a los 30 por parte de aquellos que cantábamos ese “tonight we are young”: “cuando tenía 27, mi abuelo luchó en Vietnam / cuando yo tenía 27, hice una jaula de pájaros con mi madre”, “solía reírme de los boomers -en retrospectiva quizás demasiado-, y ahora los zoomers me dicen que estoy fuera de onda” o “y ahora mis amigos estúpidos están teniendo bebés estúpidos” son algunos de sus lamentos aquí.
Se muestra desencantado también con la despersonalización y desrealización a la que nos lleva cada vez más un Internet que supuestamente nos iba a liberar de las cadenas… y que acaba cegándonos con “todo el contenido, todo el tiempo: desayunos saludables, pies de famosas, y porno de Harry Potter” (‘Welcome to the Internet’). Hay además espacio para la incomunicación con nuestros progenitores, especialmente la de los chicos con sus padres por ese corsé de masculinidad (cierta frase de ‘Facetime with My Mom Tonight’ es tan graciosa como demoledora), o el reverso que encontramos en ‘White Woman’s Instagram’. Aquí, Burnham no se queda en la crítica y el humor sobre el postureo (en lo cual es brillante, por otro lado), sino que, cual Cela en ‘La Colmena’, trata de entender y dar cariño a un personaje que finalmente resulta tierno.
‘White Woman’s Instagram’ recuerda en su composición (y no es por hacer la coña) a Taylor Swift, igual que ‘All Eyes On Me’ podría ser un baladón electrónico de Charli XCX, y el toque ochentero sienta genial a ‘Sexting’ y a ‘Problematic’. Porque esa es otra: Bo tiene un olfato pop increíble, y si sus canciones tienen esos números no es solo por su ingenio a la hora de analizar la realidad, sino porque encima muchas son TEMAZOS. Es imposible que no se te pegue ‘Problematic’ aunque la escuches de fondo. Con todas estas herramientas, Burnham consigue hablar de mil asuntos a la vez, siendo esta aparente falta de cohesión y este caos todo un acierto: ¡es el caos lo que le/nos rodea! ¡Es el caos de lo que huye, y lo que anhela! No es de extrañar que incluso las canciones que a priori estarían más limitadas al confinamiento sigan funcionando: el derecho a estar mal de ‘Shit’ sigue teniendo todo el sentido del mundo, en el patetismo de ‘Sexting’ seguimos identificándonos aunque no queramos, y la resignación ante el Apocalipsis de ‘That Funny Feeling’ está aún vigente, si no más: quizás, como en ‘The Suburbs’ de Arcade Fire, el Apocalipsis ya ha ocurrido. Como un musical clásico, ‘Inside’ tiene -aún sin serlo- una canción final a la altura: ‘Goodbye’ resume todas las temáticas tratadas por el artista a la vez que finaliza el viaje que le hemos visto hacer durante hora y media de metraje, un viaje cuya última outro parece sacada de una pesadilla. Porque, realmente, es una pesadilla.
Como Isa Calderón, yo también desconfío de lo que suele venir alrededor del concepto “nueva masculinidad”, de ese chaval que es el cuñado de siempre pero ahora se pinta las uñas y dice que llora con Bad Bunny. En general, creo que desconfío de quien necesita todo el rato demostrar lo sensible y woke que es, en lugar de entender que “deconstruirse” no es tanto llegar a una meta desde la que pontificar, sino más bien vivir y, con ello, cagarla. Y aprender cuando la cagas, e intentar hacerlo cada vez menos. Bo Burnham tiene bastante claro eso, y en ‘Inside’ no puede mostrarse más vulnerable y natural, no puede (casi que literalmente) desnudarse más. Probablemente esa sea otra de las razones que hace tan especiales a sus canciones, y que hace que tantos se vean reflejados en ellas: su naturalidad y ausencia de filtros demuestra esa máxima de “para llegar a lo universal, habla de lo personal”. Y este último trabajo supone la cumbre de lo que lleva haciendo desde que empezó su carrera… de momento. Porque él dirá que “ya tiene treinta”, pero también podemos verlo como que solo tiene treinta y ya ha hecho algo como ‘Inside’. ¿Qué vendrá ahora? No sabemos, pero tómate el tiempo que necesites para darnos tu “content”, Bo.
¿Se empiezan a amontonar los macrolanzamientos cuando en medio año no los ha habido? Eso parece: The Weeknd inicia «esta noche» su nueva era, Drake ha dicho que su nuevo disco está a la vuelta de la esquina y ahora Lizzo también prepara su «nueva era», como ha dicho en sus redes sociales. Su último post de Instagram, publicado este domingo, dio a entender que una noticia se avecina hoy mismo, y no era otra que la de su próximo single, ‘Rumors’, para el 13 de este mes.
El disco de Lizzo no será el segundo aunque lo parezca: ‘Cuz I Love You‘ fue su debut en una multinacional pero antes llegaron varios singles sueltos, mixtapes y epés, de los cuales se extrajeron algunos de sus éxitos, como ‘Good as Hell’, ‘Boys’ o la bobalicona ‘Phone’. Sí será el álbum que la confirme -o no- como una de las grandes, pues el éxito de ‘Truth Hurts’, ‘Juice’ y la reeditada ‘Good as Hell’ -con remix de Ariana Grande- catapultaron su carrera hacia la cima en el momento más inesperado, para de repente darse de bruces con el coronavirus.
Qué sonido puede preparar Lizzo para su regreso es un misterio cuando ha terminado enemistada con los compositores de ‘Truth Hurts’ debido a la polémica de su autoría. A la espera de conocer si el productor de aquel éxito, Ricky Reed, ha vuelto a trabajar con Lizzo, la cantante se ha dejado ver en el estudio con nada menos que Mark Ronson, últimamente involucrado en proyectos de Vampire Weekend o Miley Cyrus o en el suyo propio; mientras Ian Kirkpatrick, productor de Dua Lipa, ha declarado durante una conexión en directo haber hecho unas «20 canciones» con Lizzo, de las cuales «tres formarán parte del álbum seguro».
Ya a principios de año, Lizzo había confirmado que su nuevo disco estaba en el horno. En concreto declaró que solo le faltaban un par de temas para completarlo, pero que ya tenía suficientes canciones para empezar a armarlo. Pasados varios meses, y tras ese post en Instagram, parece que ya ha preparado uno de esos temas para su regreso.
A todo esto hay que añadir que Lizzo parece haber adelantado su nuevo single en un TikTok reciente. En el audio se aprecia la voz autotuneada de Lizzo y algunos insiders apuntan a que el tema contará con la participación de un rapero o rapera megamoso. Se menciona a Cardi B pero también a Megan Thee Stallion. Parece que la colaboración con Justin Timberlake permanecerá guardada en un cajón por ahora. Pronto saldremos de dudas.
‘Happier than Ever‘ de Billie Eilish es el Disco de la Semana. La cantante presenta un trabajo menos oscuro pero más maduro en el que explora sonidos como el neo-soul, el tecno, el folk-pop, el R&B alternativo, la música religiosa (??) o el pop tétrico por el que es conocida. Uno de los estilos que mejor adapta es la bossa nova en un tema que ha decidido titular simplemente ‘Billie Bossa Nova’.
La «bossa nova de Billie», hoy la «Canción Del Día», es una de esas bossa novas más conmovedoras que simplemente alegres y relajadas. Si la refinada producción de FINNEAS, prominentemente electrónica, puede recordar a lo ofrecido por Róisín Murphy en ‘Gone Fishing‘, su bossa espacial de 2015, la melodía de ‘Billie Bossa Nova’ vuelve a tener común con aquella que desprende una profunda melancolía. Eso sí, la producción de ‘Billie Bossa Nova’ no busca ser «sci fi» ni futurista, más bien su atmósfera evoca una magia vespertina, de atardecer de verano. La preciosa coda, con esos destellos sintetizados que caen como gotas doradas sobre la base, refuerza su componente nostálgico.
En un disco de tonos pastel, cálido, ‘Billie Bossa Nova’ es uno de sus cortes más maravillosos, reconfortantes e intimistas, y de hecho el texto nos habla claramente de un íntimo encuentro sexual entre Billie y su pareja. No es explícito porque «ciertas cosas es mejor no decirlas», pero Billie sí comparte que le «encanta cuando sucede sin que lo esperes porque esperar es un rollo» y que la pasión que siente por su chico le hace «perder los estribos» y querer grabar un sex-tape (en concreto canta «me da ganas de hacerte fotos y de grabar un vídeo que tendríamos que esconder»).
Acompañada por poco más que una delicada melodía de guitarra punteada, un chasquido de dedos y la relajada base rítmica típica del género, Billie canta su bossa nova particular como con los ojos cerrados, haciéndonos soñar. Nos pide máxima atención («más te vale bloquear tu teléfono y mirarme cuando estás solo») y, desde el primer segundo al último, su voz es pura seducción, pero hay un fondo de tristeza en todo esto que es casi igual de obvio que el título de la canción. ¿Será lo que los alemanes llaman el «sehnsucht«, el anhelo profundo a algo indescriptible?
Sergio Dalma ha cerrado esta noche el ciclo de Las Noches del Malecón de Murcia pero su concierto no ha terminado como estaba previsto. De hecho, ha debido ser suspendido in situ después de que Dalma incitara a la audiencia a saltarse las normas anti-covid durante su actuación. En un vídeo del concierto subido por un asistente se le escucha decir que «vamos a interrumpir el concierto cada vez que les manden sentarse».
Las palabras de Dalma provocaban la indignación de Las Noches del Malecón, que decidía parar el concierto de manera abrupta. En un comunicado, el ciclo ha defendido su decisión: «No podemos permitir que nadie, sea quien sea, ponga en riesgo todo el esfuerzo realizado durante los más de sesenta shows que hemos celebrado en nuestra tercera edición. Estamos viviendo momentos muy difíciles y no le vemos ningún sentido a actitudes que inciten a saltarse las normas. No hemos tenido ningún incidente hasta esta última noche, hemos sido ejemplo del cumplimiento estricto de las normas y no podíamos dejar que fuera distinto en nuestra última noche».
En sus redes, Dalma ha pedido disculpas por su comportamiento. «Algunas personas estaban levantándose para bailar en su asiento y yo me excedí en mi ánimo de intentar que todos disfrutaran, desde su asiento, pero de pie y siempre con mascarilla», ha expresado. «Eso incumplió el protocolo del ciclo de conciertos, porque no se puede hacer, y por ello pido disculpas».
En otro pasaje de su comunicado, el cantante aclara que no es negacionista. «Soy un artista que ha retomado una gira tras casi dos años de parón por esta horrible situación, con un protocolo exhaustivo anti covid para todo el equipo y para mí mismo. Siempre he animado al público a ser responsable y prudente, y cuento con la pauta completa de la vacuna desde hace meses. Siempre llevo mascarilla y de hecho ayer dejé claro al público que no se la quitara durante mi concierto, ni de pie ni sentado».
Las Noches del Malecón es un ciclo de conciertos que tiene lugar en Murcia Río y que, este año, ha celebrado su tercera edición, con la presencia de artistas como Zahara, Carlos Sadness o Cepeda, entre otros.
"Vamos a interrumpir el concierto cada vez que les manden sentarse". Vergonzoso comportamiento de Sergio Dalma @SDalmaoficial que no empaña el gran trabajo de @nochesmalecon (especialmente de la gente de protocolo y seguridad). pic.twitter.com/O5BEuDj1pI
Algunos de los discos mejor considerados de todos los tiempos han tratado de una manera u otra la pérdida de un ser querido. Algunos lo han hecho de manera casi accidental, como ‘Funeral‘ de Arcade Fire, y otros consciente, como ‘The Soft Bulletin‘ de The Flaming Lips. Otros incluso han bordeado la pornografía emocional, como ‘A Crew Looked at Me‘ de Mount Eerie. Sin parecerse a ninguno de estos, ‘Vulture Prince’ de Arooj Aftab trata la muerte desde un lugar de serenidad, meditación e incluso aceptación, pero sin dejar de volcar en sus canciones unas emociones trascendentales y universales.
Esto no iba a ser así en un principio. Cuando Arooj Aftab empezó a componer ‘Vulture Prince’, la cantante y compositora pakistaní residente en Brooklyn perdió a su hermano pequeño. El que iba a ser un trabajo más animado y divertido, compuesto en contraposición al anterior, el ambiental ‘Siren Islands‘ (2018), se transformó en uno más solemne y meditativo, pero no exento de sus momentos de reposada alegría. Ahí está la transición de la penúltima pista, ‘Saans Lo’, a la pista final, ‘Suroor’: la primera, que casi podría ser una composición ambiental de Sigur Rós, es profundamente melancólica y nostálgica, y la última levanta levemente el vuelo, animada por el jubiloso sonido de arpas, guitarras y la entrada de las percusiones.
No se puede hablar de ‘Vulture Prince’ sin hablar del debut de Arooj Aftab, un ‘Bird Under Water‘ publicado en 2014 que ya exponía muchas de las ideas musicales presentadas en este nuevo disco, hasta el punto de que una pista de aquel, ‘Baghon Main Pade Jhoole’, es recuperada aquí a modo de apertura. En ambos casos las canciones de Arooj se caracterizan por su belleza y solemnidad. Todas ellas se desarrollan sin prisa entre arreglos de guitarra acústica, violines y otros instrumentos orgánicos y electrónicos, pero donde ‘Bird Under Water’ vibraba gracias a la presencia de unos arreglos ricos y coloridos, ‘Vulture Prince’ es más minimalista y sombrío y pone en especial foco la preciosa e hipnótica voz de Arooj. Como canta en ‘Last Night’, la única pista del disco interpretada en inglés, «es tan hermoso como la luna, y lo demás es silencio».
Ante la circunstancia de tener que completar un disco durante el proceso de duelo por la muerte de su hermano, Arooj se apoyó en la tradición. Las canciones de ‘Vulture Prince’ se inspiran en la música clásica industaní y contemporánea, en el jazz y en el folk en cuanto a arreglos, incorporando de manera prominente arpas, violines, guitarras acústicas, violonchelos o vientos metal, entre otros; y en lo lírico se nutren de la poesía urdu, en concreto del gazal, por ejemplo en ‘Mohabbat’, una de las pistas destacadas por la profunda serenidad que evoca («la tristeza de esto es la tristeza de todo el mundo», dice la letra). Las canciones nunca buscan el gancho fácil sino que se pierden y profundizan en la magia de la música, y Arooj y su banda de músicos tocan como si la noche fuera a durar por todo la eternidad.
Hay en ‘Vulture Prince’ un corte que asimila un ritmo reggae dentro de su mundo taciturno mundo solo iluminado por la luz de la luna, ‘Last Night’, pero en general estamos ante un álbum sin percusiones en el que la voz de Arooj y los diversos instrumentos reclaman la atención. Las canciones, que divagan a su ritmo, sin prisa, embriagadas por sus propias emociones, suenan plañideras (‘Baghon Main’), cálidas (‘Inayaat’) o te perlan los ojos (‘Diya Hai’ es la última canción que el hermano de Arooj escuchó antes de morir) pero también suenan tranquilas y jubilosas, como la mencionada pista final. Compuesto durante un luto y además durante el confinamiento, ‘Vulture Prince’ trasciende toda etiqueta y contexto.
‘We’re All Alone In This Together‘ de Dave es nuestro «Disco de la Semana». El público británico ha recibido con entusiasmo ‘Clash’, el single junto a Stormzy, ‘Verdansk’ y también la compleja ‘In the Fire’. Todas han llegado al top 5 de las islas esta semana, pero en verdad el segundo single oficial es ‘System’ y parece también la mejor opción para que los neófitos se acerquen al mundo de Dave.
No es la canción más representativa del álbum, pues el piano no tiene ningún protagonismo, cuando es precisamente el instrumento clave en la carrera de Dave, pero si el artista no te resulta familiar o no tienes hoy tiempo de sumergirte en las letras del álbum, puede ser la mejor vía para una primera aproximación. ‘System’ es por tanto nuestra «Canción del Día» de hoy.
Ideada junto al artista nigeriano Wizkid, ‘System’ presenta un ritmo irresistible y bailable que lleva al oyente que ha conocido este álbum en pleno mes de julio directamente al chiringuito playero. Pero uno en el que se han cuidado los detalles al máximo. La sutileza de percusiones y punteos de guitarra sugiere la palabra «jazz», y es muy significativo el modo en que emergen tanto la sección de cuerdas -a punto de llevarnos a la música disco durante un segundo- y también ese saxo acreditado a Emmanuel Osei Asamoah.
Se trata de una canción ligera sobre el «millón de maneras de hacerse rico», sobre «dinero y fama» y sobre alguien que «lloriquea» mucho al que no obstante se trata con ternura y cariño, pero es necesario subrayar el cometido que cumple en la secuencia de ‘We’re All Alone In This Together’. Dave no es un rapero ostentoso; más bien ‘System’ es un contrapunto necesario, al surgir en la secuencia justo después de un tema tan duro como ‘Three Rivers’, uno de los cortes con mensaje duro sobre la política migratoria de Reino Unido durante las últimas décadas.
Tras escuchar varios testimonios de varias personas sampleados en esa ‘Three Rivers’, ‘System’ rebaja la tensión, sin que se pierda del todo de vista la conciencia social: «mi gente sabe lo que es luchar y sufrir», dice en uno de sus momentos.
En el nuevo episodio de «REVELACIÓN O TIMO: EL PODCAST DE JENESAISPOP», Sebas y Claudio hablamos de Britney Spears. Con motivo del fenómeno #FreeBritney y el estreno del documental realizado por el New York Times, Claudio repasa la vida de la cantante desde su año más tumultuoso (2007), hasta hoy. Cómo el asedio de blogs tipo Perez Hilton, la depresión de Britney y el impacto de su rapado al cero… llevaron a la tutela de su padre, de la cual todavía intenta deshacerse de manera penosa en pleno 2021, y cuando está a punto de cumplir 40 años de edad.
2007 también es el año de ‘Blackout’, uno de los discos clave del siglo XXI que encontraréis analizado en el libro editado por JENESAISPOP que solo hasta este 1 de agosto encontraréis con un 5% de descuento en nuestra tienda (hemos ampliado el plazo un día debido a la emisión de este podcast). Analizamos el impacto de este álbum que en su momento fue un fracaso comercial y tan sólo fue entendido en medios como The Guardian, pero que el tiempo ha puesto en su lugar.
Esta conversación de 1 hora, animada por nuestras canciones favoritas de ‘Blackout’ en la versión ivoox, es también momento de hablar de Max Martin, la primera imagen blanca de Britney Spears, Chris Crocker como visionario, o los aciertos comerciales y artísticos de esta última década de Britney.
The Zephyr Bones, el grupo de rock psicodélico cuyo excelente single ‘Black Lips’ se viralizara allá por 2016, ha anunciado que su nuevo disco sale el 22 de octubre. ‘Neon Body’ será el segundo trabajo discográfico de la banda formada por Jossip, Brian, Marc, Carlos y Albert y el primero desde 2017, pues es en este año cuando se edita su debut ‘Secret Place’. La Castanya volverá a editar este segundo álbum que ya está disponible para reservar en Bandcamp.
Cuatro año después de aquello el sonido de The Zephyr Bones claramente ha evolucionado. El primer single de ‘Neon Body’ lo demuestra con creces. ‘Verneda Lights’ mantiene las guitarras playeras de antaño pero se sujeta en una base rítmica próxima a la música disco, marcada también por el sonido de una gorda línea de bajo casi funk.
Sumando a todo esto la presencia en ‘Verneda Lights’ de unos sintetizadores de cariz psicodélico y casi cósmico, el tema por momentos parece hablar un lenguaje parecido al de grupos coétaneos como Tame Impala o Novedades Carminha. El tema se pierde en un outro final de improvisaciones a los teclados hechas con mucho gusto, a las que se añade el sonido de unos vientos metales que gritan «son los 90» por los cuatro costados, y para bien.
01 So High
02 Verneda Lights
03 No One
04 Afterglow
05 Sparks
06 Neon Eyes
07 Plastic Freedom
08 Rocksteady
09 Velvet
10 Celeste V
Tommy Genesis, la rapera de Vancouver autora de trallazos como ‘Tommy‘ o ‘100 Bad’, ha anunciado que su nuevo disco verá la luz el 10 de septiembre bajo el título de ‘goldilocks x’. El tracklist oficial del álbum presenta 11 pistas, entre las cuales se incluyen los recientes singles ‘peppermint’ y ‘a woman is a god’, que has podido escuchar en la playlist de novedades «Ready for the Weekend».
Especial atención merece ‘peppermint’, hoy la Canción Del Día. Es una de esas composiciones de hip-hop duras y malvadas de Tommy Genesis en la que la artista se celebra a sí misma para anunciar que te «robará el dinero y el alma». La artista «sale en las portadas de las revistas» sin esforzarse porque es a la vez «underground y mainstream», es la reina del «fetish rap» a la que todas «copian» y te pide que le «lamas la polla en círculos» porque a ella la llaman «Adán, Eva y Genesis». Tommy es la creación misma.
Similar en estilo a ‘Slumber Party’, el éxito de Ashnikko y Princess Nokia, pero más siniestra, es decir, más próxima a la obra de Junglepussy, ‘peppermint’ cuenta con una producción espectacular de Lil Rich y Good Times Ahead que incorpora sintes pesados y gritos de susto. Tommy Genesis surfea sobre la base sin despeinarse y ofrece un momento melódico en el puente, donde es visitada por unas visiones de «cosas que solo vivo en mis recuerdos».
1. peppermint
2. kamikaze
3. a woman is a god
4. manifesto
5. wet
6. mmm
7. wild child
8. men
9. average
10. baby
11. fuck u u know u can’t make me cry
12. hurricane
Sonó la campana y en vez del fin de semana lo que se deja ver es un nuevo curso en Las Encinas. Guzmán, Ander, Samu y Rebeka han repetido curso este año y esta vez comparten clase con unos nuevos alumnos. Como viene siendo costumbre en este universo de ficción, al principio las cosas son muy bonitas pero antes de que parpadees, todo se tuerce.
Por lo que a la estructura se refiere, nada parecía indicar que fuese a ser diferente a las anteriores temporadas. Aunque, en cierto modo, es uno de los elementos principales de la esencia de ‘Élite’: empezar el primer capítulo con el flashforward del también clásico quién mató a quién y desarrollar la trama entre interrogatorios y los orígenes del terrible accidente al estilo de ‘Por Trece Razones’ o, más reciente, ‘Sky Rojo‘. Un estilo muy Netflix.
La primera pregunta que hay que hacerse es qué hay más allá del argumento de quién mató a quién. ¿Qué nos ofrece esta nueva etapa de ‘Élite’ aparte de un torrente de sexo desenfrenado más propio de estudiantes universitarios experimentados que de adolescentes en época prePAU/EBAU? Lo cierto es que en una serie resulta poco emocionante estar más pendiente de quién se liará con quién en la próxima escena o cuánto tardará ese personaje en volver a salir desnudo en la ducha que de la propia acción, que más allá de unos pocos problemas académicos y familiares tampoco había demasiada.
‘Élite’ ha sido definido muchas veces como «el nuevo ‘Física o Química'», ya que comparten creador (Carlos Montero). Yo mismo la he definido así alguna que otra vez, como una oportunidad para remendar los viejos errores. Por ejemplo, más representación LGTB, más sororidad y menos competitividad entre mujeres, menos toxicidad en las relaciones… Que no estoy diciendo que ‘FoQ’ pecase gravemente de estos errores, pero tenía sus cositas, como todo.
Nos han concedido el ítem de la representación LGTB, una relación lésbica más allá del clásico chico conoce a chico entre muchas dudas. ¿Sororidad? Ya desde la primera temporada había rivalidad entre dos personajes, que seguro recordaréis, por asuntos académicos pero también y sobre todo, no podía faltar, por un chico. La historia se repite en esta temporada, pero sin el chico, solo con ese toque clasista por parte de Ari (Carla Díaz) hacia Cayetana (Georgina Amorós), que al final terminó en amistad al estilo de Nadia (Mina El Hammani) y Lu (Danna Paola) en la anterior temporada. Y en cuanto a la toxicidad de las relaciones… Esto se merece un párrafo individual.
¿Disfraza ‘Élite’ temas como los problemas en las relaciones o el empoderamiento femenino de toxicidad y sexualización? Las relaciones no son complicadas, se hacen complicadas porque es lo que vende. Por una parte tenemos la relación Ari-Guzmán, una chica que describen como muy liberada y empoderada que sin embargo soporta una y otra vez las actitudes controladoras de su novio. Y por otra tenemos el caso de Mencía, que se prostituye para obtener recursos económicos y no depender de su padre, pero ¿es realmente la prostitución una forma de empoderamiento de la mujer o solo se modifican los viejos mitos?
Esta temporada nos deja un sabor muy espeso y amargo, dejando a un lado buenos momentos y experiencias como a una Cayetana que por fin antepone su dignidad y su orgullo a los deseos de los demás, la incorporación de Diego Martín al reparto con un estilo muy similar al personaje de Enrique (Fernando Andina) en la última temporada de ‘FoQ’ y, todo un clásico, el almanaque de nuevas frases de Rebeka (Claudia Salas). Y nos deja también con la salida de otros dos clásicos, Ander (Aron Piper) y Guzmán (Miguel Bernardeau). La pregunta es si los nuevos alumnos estarán a la altura de esos clásicos o si la siguiente temporada que está en camino, ya veremos si la última, será otro Pornhub «suave suavecito».
Camila Cabello entra en el número 1 de la lista de JENESAISPOP con ese bombazo llamado ‘Don’t Go Yet’, que no está entrando muy alto en las listas oficiales pero que en los últimos días ha ido escalando posiciones en Spotify y con razón. Es la primera vez que Camila es top 1 en JNSP. ‘Havana’ llegó a ser número 5 en nuestra lista.
La segunda entrada más fuerte es para Lil Nas X, que tampoco llegó a ser lo más votado de JENESAISPOP con ‘Montero’. En todo caso, nada desdeñable el número 3 conseguido por ‘INDUSTRY BABY’, que en verdad está funcionando en el plano internacional mucho mejor que el tema de Camila.
James Blake y Azealia Banks también logran entradas excelentes en torno al top 10, e igualmente meritorias son las entradas de artistas más minoritarios como Koreless y The War on Drugs.
Lo anunció hace unos días y fue ayer cuando el rapero Skepta lanzó junto a J Balvin ‘Nirvana’, el primer sencillo su nuevo EP ‘All In’, que se ha estrenado hoy. Producido por JAE5, el videoclip está dirigido por KLVRD, que también ha trabajado con artistas como Young T & Bugsey y Headie One en ‘Don’t Rush’, MHD & Wizkid en ‘Bella’ o Fredo y Headie One en ‘Wandsworth a Bullingdon’.
Resultan muy curiosas las breves mezclas de español que ha incluido en el tema, al igual que los guiños a series o películas como ‘Narcos‘ o ‘El Padrino’ en una trama en la que Skepta ingresa como mayordomo en una lujosa mansión y empieza a tener una aventura con la dueña de la casa. Aunque todo se tuerce en un final bastante sangriento y desconcertante junto con su otro protagonista, J Balvin.
En cuanto al propio EP, ‘All In’ es el primer proyecto en solitario de Skepta desde su último álbum lanzando en 2019, ‘Ignorance is Bliss‘. Además de J Balvin, Kid Cudi y Teeze también han colaborado con otro tema, ‘Peace of Mind’. El título del EP está inspirado en el interés del rapero por el poker, que el artista define como una metáfora de la vida: «Te pueden repartir cartas buenas o cartas malas, pero si no obtienes cartas buenas, aún puedes fanfarronear, apresurarte y ganar». Este es su tracklist:
Bellator
Peace of Mind
Nirvana
Lit Like This
Eyes on Me
Dentro de unos meses, concretamente en octubre, el rapero actuará en No Merci x Skepta en Ibiza. Puedes consultar información de las entradas aquí.
Blas Cantó ha presentado su esperada colaboración con Sydney Sierota, la vocalista de la banda Echosmith, y que ha recibido el nombre de ‘Americana’, algo muy acertado teniendo en cuenta la estética del videoclip.
Nuestro representante en Eurovisión nos dio una primera pista a través de un vídeo publicado en su perfil de Instagram en el que lo veíamos junto a Sierota y en el que añadió: «Viene algo nuevo que os va a encantar… Está increíbleeeeeeeeeee y no puedo dejar de escucharlooooooooo». Y hace unos días ambos artistas nos dieron más pistas de lo que íbamos a ver en este tema con un par de vídeos al estilo de la película ‘Love Actually’, mostrando una serie de carteles con la letra de la canción, agradecimientos…
«Me tienes loco, me tienes mal. Este amor es como una película americana», se escucha en el tema. Este es el primer sencillo que el cantante lanza desde el final de Eurovisión. El videoclip entremezcla las apariciones de Blas y Sydney interpretando el tema con la historia de dos jóvenes que se conocen y viven su amor con gran intensidad y con un estilo muy clásico de películas de comedia romántica americanas.
Pero hay nuevos matices que no pasan desapercibidos, como las rupturas de estereotipos relacionados con la masculinidad que muestran a un chico sensible que vive su amor sin tabúes ni complejos o la segunda historia que narra el videoclip entre Blas Cantó y el actor Nacho González. ¿Amor o amistad? Poco importa, pues la narración del videoclip los muestra a ambos felices el uno con el otro, también sin tabúes y pasando un rato estupendo en una cafetería entre risas, bailes y batidos.
No es nada nueva la defensa de Blas de los derechos LGTB. De echo, en una reciente entrevista en el programa ‘Este es el mood’ el artista ha condenado los ataques al colectivo durante las últimas semanas: «No podemos bajar la guardia porque yo creo que hay gente que intenta politizar el tema y hablar de la bandera LGTBI como si fuera un partido político, pero es que es la bandera de la libertad, de los derechos humanos. Y con eso solo estamos diciendo vive y deja vivir».
Los discos que nos hicieron reír en 2001 también están de 20º aniversario, no todo puede ser sufrir o, peor, pensar. Antes de que cantáramos aquello de «no quiero más dramas en mi vida» hubo una música hedonista que parecía ya tenerlo por lema. Eran los tiempos en que nacía el Ochoymedio en Madrid, Barcelona bailaba en Mond Club, y la gente se disfrazaba de Jarvis Cocker y Heidi para posar en Fotolog. El germen de Chico y Chica, el dúo compuesto por José Luis Rebollo y Alicia San Juan, hay que situarlo a mediados de los 90, si bien es en el nuevo siglo, y después de pasar por el recopilatorio ‘Lujo y miseria’, cuando el grupo publicaba su debut en Austrohúngaro.
Su título, tan asertivo, es tan cómico como las propias canciones. José Luis había funcionado como Madelman en los 90, solía aparecer en las listas de lo mejor del año de Rockdelux y le llamaban para pinchar en el Sónar, pero él necesitaba un proyecto que no tuviera «el peso de la música electrónica» ni la presión del sello Cosmos por hacer un disco “serio”. Buscaba abiertamente hacer «canciones más intrascendentes». Paradójicamente, el público también necesitaba un disco «menos serio» con el que olvidarse de su vida, de las eras Bush y Aznar, del 11-S et al, por lo que ciertos proyectos lograron «trascender» -más desde luego que Madelman- sin habérselo propuesto. Como fuera teníamos a Felix Da Housecat, Miss Kittin, Ladytron y Stereo Total, en España teníamos a McNamara (esta semana reivindicados en un reportaje de ICON), a Astrud, a Ellos y a Chico y Chica.
Incluso enmarcados en un sello familiar como Austrohúngaro, una especie de «House of Pop» por la que sólo desfilan amigos y artistas afines a Genís Segarra y Carlos Ballesteros, Chico y Chica son totalmente sui generis. Los artistas españoles próximos al electroclash internacional tienen en común el DIY, la falta de pretensiones, el amor por el pop sintético de los años 80 y el rechazo de las normas del mercado. Si esto daba lugar a letras tan irreverentes como ‘Frank Sinatra’, Chico y Chica se burlaban de la industria musical a su manera, una nunca oída: con una suerte de radionovela, 4 en Alicante, en la que el grupo ficticio protagonista tiene que devolver el disco de oro que ha obtenido con las malas artes propias de aquellos tiempos.
No ha cabido el capítulo correspondiente de ‘4 en Alicante’ en la reedición de este vinilo de aniversario, pero da igual, porque los interesados ya nos sabemos toda la saga de memoria, y nadie está aquí para escucharla en 12″, ni tampoco por el cuidado del sonido en el mismo. Más bien para reencontrarse con las letras impresas de ‘Perdona que te diga’ («vas por la vida de guay, pero te lo montas fatal / si sigues así, te vas a quedar sin amigas») o ‘Es lo suyo’ («saca del armario ropa ultracañera / lo que menos te imaginas NO se lleva»). Costumbrismo cool, heredero directo de Carlos Berlanga -sobre todo de los relatos que escribió-, marcado también por la experiencia de Alicia como actriz y locutora en Radio Popular de Bilbao, que aporta un matiz muy cómico. Sólo ella pudo grabar aquella parodia de Moët Chandon en la que convertía a los clientes de la marca de champagne en un esperpento wannabe.
Inspirados menos en el techno y el electro y más en Saint Etienne, Madonna, Pet Shop Boys y en España metiendo en el mismo saco a enemigos como Dinarama y Mecano indistintamente (muy evidente en ‘De cintura para arriba’ y en ‘Aburrida de la vida’), Chico y Chica dieron con tres singles mayúsculos para este disco, quizá demasiado marcados (el segundo, ‘Status’, sería un álbum mejor equilibrado). En cualquier caso, fueron pincharrajeados hasta la saciedad: ‘Supervaga’, el gran himno que nadie había querido hacer a los holgazanes y a los muy mentirosos consigo mismos; la discoquetera ‘No me preguntes la hora’ y sobre todo ‘Tú, lo que tienes que hacer’. Esta surgió por accidente para la fiesta de cumpleaños de un amigo (Félix Daniel), y se inspiró demasiado abiertamente en ‘Who Do You Think You Are’ de Saint Etienne. Pero de su voluntad autoafirmativa («lo que tenemos que hacer es tener estilo propio, no dejar de hacer las cosas por lo que digan de nosotros»), de su repulsa de los consejos ajenos («tus consejos no me sirven para nada», «a mí los tuyos tampoco»), salió una pequeña gran tonada por la libertad, con parodia y todo.
SPOILER: Chico y Chica, que preparan nuevo disco, no marcaron el rumbo del pop español como los grupos «serios». Y sin embargo, cuesta pensar que las carreras de Las Bistecs, Ojete Calor, Rigoberta Bandini o Joe Crepúsculo hubieran sido las mismas sin ellos.
Quedan menos de dos meses para que arranque el Festival Brillante, que tendrá lugar en Chapinería (Sierra Oeste de Madrid) durante los días 24, 25 y 26 de septiembre, del que ya conocemos el cartel con sus actuaciones nacionales e internacionales y del que tenemos dos abonos simples que puedes conseguir gracias a que JENESAISPOP es medio colaborador del festival. Este se define como «un evento perfecto para celebrar un final de verano Brillante, rodeado de música, amigos y amigas, diseño y gastronomía en un marco incomparable». Nada de extrañar, porque habrá comida local, artesanía y deporte al aire libre.
El festival arrancará el viernes 24 de septiembre con los siguientes artistas: Sen Senra, Ed Maverick, Bratty, Mujeres, Axolotes Mexicanos, Capricornio Uno, Chavales, Depresión Sonora y Yana Zafiro.
El sábado será el turno para: Los Planetas, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Soleá Morente, El Último Vecino, Aiko el grupo, Alondra Bentley, Las Dianas, Marcelo Criminal, Marta Knight, MILC, Morreo, SIMONA, Tarik Rahim y The Zephyr Bones.
Y el último día, domingo 26, los protagonistas serán: Panda Bear, Maria Arnal i Marcel Bagés, Oklou, Rojuu, 9ckles, Bikôkô, Chill Magia, Crblx, El Buen Hijo, Ikram Bouloum, La Paloma, Pinpilinpussies, Tarta Relena y Tronco.
Y ahora lo que seguro que más te interesa, los abonos. Debes saber que ya no hay abonos a la venta, solo entradas de día. Pero en JENESAISPOP regalamos un par de abonos simples que puedes conseguir si respondes a la siguiente pregunta a través de un correo electrónico a jenesaispop@gmail.com antes del próximo lunes 2 de agosto. Las respuestas más divertidas obtendrán la victoria.
Si pudieras tener un bolsillo mágico estilo Doraemon, ¿qué llevarías contigo a un festival?
Solo respuestas absurdas. ¡Mucha suerte!
DaBaby probablemente creía que sus comentarios homófobos y serófobos durante un concierto iban a pasar desapercibidos… o no porque, inmediatamente después de que se levantara la polémica, estrenaba un nuevo videoclip sospechosamente relacionado con la misma que solo podía haber sido rodado mucho tiempo antes. En cualquier caso, sus palabras han dado la vuelta al mundo y le están costando varios disgustos profesionales. Además, su compañera Dua Lipa en el remix de ‘Levitating’ se ha mostrado «horrorizada» por sus palabras y asegurado «no reconocer» a esa persona con la que trabajó.
Cuando queda por ver hasta qué punto la polémica perjudica la carrera de DaBaby, quien solo se ha disculpado a su manera, comparando su supuesto derecho a expresar lo que quiera con el del colectivo LGBTQ+ a existir (?), y sin que haya dado signos todavía de haber entendido de qué va todo este asunto, dos titanes de la música pop no han querido quedarse callados. Por un lado, Elton John y, por el otro, Madonna, dos artistas que, desde hace décadas, han estado profundamente involucrados en la lucha contra el sida y contra el estigma social que históricamente han sufrido y sufren las personas que conviven con el VIH, han acudido a las redes sociales para informar a DaBaby sobre VIH/sida e infecciones de transmisión sexual, algo que ni los amigos ni el management del rapero parecen estar haciendo.
En primer lugar, el autor de ‘Rocket Man’ y su equipo se han mostrado «escandalizados» por las declaraciones de DaBaby y enumerado una serie de puntos informativos acerca del VIH con el que derribar algún mito propagado por el rapero, como que el virus «ha afectado a 70 millones de personas alrededor del mundo, tanto hombres como mujeres y niños, además de a las personas más vulnerables de nuestras comunidades».
El texto señala que comentarios como los de DaBaby ayudan a «alimentar el estigma» en lugar de derrumbarlo. Elton recuerda también que «se puede vivir una vida larga y sana con VIH» y que el «tratamiento está tan avanzado que, con una pastilla al día, el virus puede ser indetectable». Elton concluye: «Las falsedades homófobas y sobre el VIH no tienen lugar en nuestra sociedad y en la industria en la que participamos como músicos. Debemos extender la compasión y el amor a las personas más marginalizadas de nuestras comunidades. El trabajo de un músico es unir a la gente».
Por otro lado, Madonna, que directamente etiqueta a DaBaby en su publicación, se dirige al rapero para explicarle que «existen medicinas al acceso de niños que han nacido con VIH y para la gente que ha contraído el virus a través de transfusiones de sangre, agujas usadas o a través del intercambio de fluidos corporales», añadiendo que estos «estos antirretrovirales permiten mantener viva a una persona que tiene sida durante el resto de su vida».
En cuanto a los comentarios machistas de DaBaby, Madonna le dirige que «tus comentarios contribuyen a la discriminación hacia las mujeres que luchan diariamente contra la opresión que resulta de vivir bajo los límites de la mirada masculina. Personas como tú sois la razón por la cual el mundo sigue viviendo dividido por el miedo. Todos los seres humanos deberían ser tratados con dignidad y respeto más allá de su raza, género, orientación sexual o creencias religiosas».
Entre las novedades que deja la música pop hoy viernes 30 de julio se encuentra ‘YaMeFui’, el nuevo single de Nicki Nicole y Duki producido por Bizarrap. El productor argentino, que, en los últimos tiempos, ha arrasado con sus singles con Nathy Peluso y Nicky Jam, el segundo de los cuales presentó hace poco en La Resistencia; ya había colaborado con Nicole en ‘Mamichula‘ de Trueno y con Duki en ‘Malbec’.
Por si había alguna duda de que estamos ante uno de los productores con más estrella de su generación, Bizarrap presenta en ‘YaMeFui’ un ritmo de dancehall que se diferencia por su sonido futurista gracias a a su capa de sonido pulsante, hipnótica y «glitchy», la cual se repite en bucle a lo largo de la grabación. Duki es el primero en volcar sus versos bañados en autotune, recordando cuando canta a Bad Bunny, y Nicole le sigue mostrando un registro muy similar al de Doja Cat.
El vídeo de ‘YaMeFui’ es una elevada producción donde vemos a Duki en una mansión o a Nicki levitando cual Missy Elliott. Bizarrap les acompaña en sus respectivas escenas siempre desde esa distancia que le caracteriza. El vídeo se ha colocado inmediatamente en el número 1 de tendencias en Youtube, signo de que, quizá, nos encontremos ante un hit.
Hoy 30 de julio llega al mercado ‘Happier than Ever‘, el nuevo álbum de Billie Eilish. La sensación que deja en las primeras escuchas es que es un trabajo más maduro que el anterior, más estilizado, con producciones más experimentales y aventuradas, como la de ‘Oxytocin’, todo un trallazo, o la de ‘Happier than Ever’ que presenta un cambio inesperado hacia la mitad.
El álbum arranca con dos pistas secuenciadas magistralmente, ‘Getting Older’ y ‘I Didn’t Change My Number’, y después suma aciertos y desaciertos. Entre los primeros, además de las canciones mencionadas, hay que destacar la preciosa bossa nova ‘Billie Bossa Nova’, el «groove» arranca-cráneos de ‘Oxytocin’ o la sorpresa del tema titular. Entre los segundos, la presencia de un single tan viejo como ‘my future’ y, sobre todo, de una serie de pistas que parecen innecesarias dentro del conjunto, como el «spoken word» de ‘Not My Responsibility’ (avanzada en un vídeo de la gira anterior que hubo de ser cancelada) o alguna que otra balada redundante como ‘Halley’s Comet’ con posibilidades de crecer con las escuchas.
Sin ser, en principio, uno de esos segundos discos perfectos a los que no se pueden poner ningún pero, ‘Happier than Ever’ confirma que Billie Eilish está aquí para quedarse. Pocas artistas actuales, mucho menos de su edad, tienen un sonido tan sumamente experimental y arriesgado aunque nunca alcance la categoría de vanguardista. La madurez en sonido y composiciones es evidente desde la primera pista a la última y, aunque Billie puede abusar por momentos de su registro más arrastrado, el contraste entre la dulzura de su voz y la agresividad de las producciones alcanza en este disco varios extremos muy interesantes.
Unas horas antes el disco ya estaba disponible en Australia y Nueva Zelanda lógicamente debido a la diferencia horaria, por lo que las primeras reacciones ante el segundo trabajo de la artista no se hacían haciendo esperar y coinciden en varias cosas. En primer lugar, la elección de singles no parece haber sido la adecuada, lo cual afecta especialmente a ‘Lost Cause‘, que probablemente pasará a la historia por ser un «grower» incomprendido. Por otro lado, ‘Your Power‘ no es una balada que haya gustado de manera unánime como ‘when the party’s over’ y su paso por las listas ha sido anecdótico, y tanto ‘my future‘ como ‘Therefore I Am‘ las conocemos desde el año pasado. ‘NDA‘ sí ha salido mejor parado en este sentido.
En lo que a las canciones inéditas se refiere, se destaca muy por encima ‘Happier than Ever’ como la mejor e incluso como la mejor canción de la carrera de Billie Eilish. Será el próximo single y algunos argumentan que, de hecho, debería haber sido el primero, hasta el punto de que debería «sentar las bases» de lo que Billie haga en el futuro. ¿A qué suena? Curiosamente se la compara con Olivia Rodrigo por su derrape grunge en la segunda mitad.
Y en un trabajo plagado de canciones «hermosas», «celestiales», «hipnóticas» y en realidad también nostálgicas como ‘Billie Bossa Nova’; ‘OverHeated’, ‘Everybody Dies’ o ‘GOLDWING’ está dejando huella muy especialmente ‘Oxytocin’ porque es lo único parecido a un «bop» en todo el disco. De producción salvaje, próxima al tecno, el tema nos lleva a las noches locas de Disclosure o Róisín Murphy y no está de más recordar Billie ha contado que la escribió específicamente para tocarla en directo.
Tal parece haber sido el impacto de ‘bad guy’ que hay quienes están mostrando decepción ante ‘Happier than Ever’ por que no incluya más hitazos en su estilo… pero parece que Billie ha evitado también hacer un ‘bury a friend‘ o incluso un ‘you should see me in a crown‘. Las primeras sensaciones hablan de un trabajo excepcionalmente maduro y creativo tanto en la parte vocal como en la parte de producción, pero hay quien lo dejaría en 10 pistas en lugar de 16. En cualquier caso parece que Billie y FINNEAS han vuelto a hacer lo que mejor se les da, es decir, lo que les ha dado la real gana.
Silk Sonic han arrasado este año -y lo siguen haciendo- con ‘Leave the Door Open’, un baladón retro soul de las que se hacían antes, muy deudor del sonido Motown pero también de las baladas de soul y R&B más recargadas y «cheesy» de los 80. ‘Leave the Door Open’ es el primer avance de un nuevo disco que existe y que Bruno Mars y Anderson .Paak no se cansan de tentar en sus redes sociales sin que termine de materializarse.
Cuando estos días ha persistido un rumor en redes (surgido en los stories de la cuenta de rumores Deuxmoi) según el cual Silk Sonic preparan una nueva canción con Beyoncé llamada ‘Sweet Thing’, el grupo ha decidido publicar otra. Sin «featurings» ha llegado esta noche a las plataformas de streaming ‘Skate’, su segundo single oficial, que puedes escuchar en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» y promete ser otro éxito.
Otro ejercicio 100% retro y pastiche, nada contemporáneo ni un poquito apegado a los sonidos actuales, pero igualmente acertado en su revisionismo del pop de los años 70, ‘Skate’ es un tema de R&B y disco vintage que remite a los momentos más bailables de Sly & the Family Stone o los Jackson 5. Eso sí, los arreglos son una verdadera delicia que encantará a los seguidores de Marvin Gaye. Y, por supuesto, tanto Bruno como Anderson están pletóricos en lo vocal.
Entre referencias a «rodar», «deslizarse» o por supuesto «patinar», ‘Skate’ es otro tema seductor en el que Bruno y Anderson bañan en piropos a su persona favorita, con frases ya un poco pasadas de rosca o directamente extrañas como «puedo oler tu dulce perfume, hueles mejor que una barbacoa» o «en una habitación llena de monedas de diez centavos, tú serías un billete de cien dólares».
Y huyendo de los típicos videoclips de gran prespuesto que narran historias, el de ‘Skate’ vuelve a centrarse en una interpretación en directo de la canción. Esta vez, Silk Sonic dejan el estudio de grabación para plantarse delante de una casa situada en los suburbios, donde tocan baterías y percusiones acompañados de un grupo de fans patinadoras.
Carmelo Martínez ha fallecido a los 64 años como consecuencia de un cáncer de pulmón, como informa La Vanguardia. El cantante era conocido como miembro de La Década Prodigiosa, un grupo de versiones de formación cambiante en el que Carmelo fue uno de los integrantes más identificables, pues estuvo en la época dorada de la banda entre 1985 y 1989.
No en vano estuvo en el exitoso álbum de la banda ‘Los años 80 por… La Década Prodigiosa’ y puso la voz principal en ‘Made In Spain (La chica que yo quiero)’, el tema original del grupo que España presentó al Festival de Eurovisión en 1988. Lograron bordear con esta canción el top 10 del certamen (quedaron en el nº 11), algo a lo que no estamos demasiado acostumbrados. «Made in Spain» alternaba la producción típica del pop electrónico de finales de los 80 -casi principios de los 90- con algunos toques identificativos del folclore nacional, como unas castañuelas.
Pese a que su repertorio se componía de popurrís, La Década Prodigiosa fue uno de los grupos más exitosos en España a finales de los años 80. Tanto «Made in Spain» como ‘Los Años 80’ fueron top 5 en España en 1988 y el grupo terminó entre los 10 más exitosos del año según el libro editado por la SGAE ‘Sólo Éxitos’.
Después, hubieron de editar una segunda parte de «Los Años 80» y el grupo, con diversas formaciones, continuó interpretando sus hits durante años en fiestas populares y el Orgullo.
Por su parte, Carmelo Martínez emprendió una carrera en solitario, formando finalmente una banda llamada El Guateque de la Década junto a otros integrantes de «La Década», como Paco Morales. En años recientes, también se le vio participar en congresos y conferencias sobre la industria musical.
Hoy 30 de julio sale el esperado nuevo disco de Billie Eilish, que te invitamos a comentar en el site. También publican disco Jack Antonoff a través de su proyecto Bleachers, LUMP (Laura Marling y Mike Lindsay), TORRES, Dâm-Funk, Yola (producido por Dan Auerbach), Isaiah Rashad o Son Volt y se editan sendos álbumes póstumos de Prince y Alan Vega y una reedición de ‘True Blue’ de Madonna por su 35 aniversario.
Como de costumbre, el viernes viene cargado de nueva música y, entre los singles que salen hoy, hay que destacar el nuevo de Silk Sonic, el proyecto de Bruno Mars y Anderson .Paak que, después de arrasar con el baladón ‘Leave the Door Open’, buscan hacerte bailar con ‘Skate’. MØ lanza hoy además un tema menos ochentero que el anterior, Skepta y J Balvin colaboran en ‘Nirvana’ y también presentan temas Aluna, Ganges, bonitx, Kora, Medianoche, Silvana Estrada o Rosa López.
Por otro lado, artistas como Saint Etienne, Bomba Estéreo, Parcels y Nao siguen avanzando sus próximos álbumes, The Zephyr Bones y Grouper anuncian el suyo, Matt Berninger estrena otro tema del disco tributo de Velvet Underground & Nico que se acaba de anunciar y Angel Olsen otro de su inminente EP de versiones.
Saint Etienne, uno de los grupos históricos en esto de la música pop, sacarán nuevo disco el próximo 10 de septiembre, bajo el nombre de ‘I’ve Been Trying To Tell You’. No es habitual que la banda se prodigue demasiado, pues recordemos que pasaron 7 años entre ‘Tales From Turnpike House’ (2005) y ‘Words and Music by Saint Etienne‘ (2012), pero esta vez, tan sólo 4 años después de ‘Home Counties’ (2017), tendremos nuevo lanzamiento entre manos.
La newsletter oficial -un clásico de la banda- asegura que la gente que lo ha oído define su sonido como de «ensimismamiento» y «onírico» y eso es algo que podemos intuir de qué va en el teaser que se ha compartido, con una de las clásicas locuciones del grupo; y también en su nuevo single. ‘Pond House’ es una producción electrónica de 4 minutos que samplea un tema de Natalie Imbruglia de 2001, ‘Beauty on the Fire’, siendo el single final del álbum que contenía ‘That Day’ y ‘Wrong Impression’.
En cuanto a Saint Etienne, este afán experimental conecta con su disco de aquellos mismos tiempos, ‘Sound of Water’ (2000), donde el sencillo ‘How We Used to Live’ sobrepasaba los 9 minutos de duración. Aunque Sarah habla más bien de ‘So Tough’ (1993) como referencia.
Bob ha dicho que para él el disco va «de optimismo y de los 90, y de cómo la memoria es un narrador nada fiable»; Sarah revela que este es el primer álbum de samples que hacen desde ‘So Tough’ y Pete añade que han «profundizado tanto en los samples», que el «concepto de sus interpretaciones lo ha hecho sonar muy especial».
El fotógrafo Alasdair McLellan ha hecho una película que acompañará al álbum que se estrenará el día 3 de septiembre en Southbank (Londres), y además este verano se podrán ver en el mismo sitio las diferentes películas que se han hecho de Saint Etienne desde ‘Finisterre’ hasta ‘Holderness’. Habrá Q&A con ellos mismos y además se anuncia una gira para el próximo mes de noviembre, como siempre, en Reino Unido.
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