Lorde no ha entusiasmado en las listas de éxitos con su nuevo single ‘Solar Power’, quedando fuera de todo el top 100 español y durando sólo 1 semana en el top 40 británico, pero sí ha gustado mucho entre nuestros lectores. El tema que tanto recuerda a George Michael y Primal Scream asciende al número 1 de JENESAISPOP. Es el 4º número 1 de Lorde en nuestra lista tras ‘Green Light’, que ocupó la cima durante 2 semanas, ‘Perfect Places’, que fue top 1 durante 9 semanas, y ‘Magnets’ junto a Disclosure, que lo fue durante 1 semana.
La entrada más fuerte es la housera de Mabel con ‘Let Them Know’, la única dentro del top 10. A las puertas del mismo quedan Diana Ross, Doja Cat y Christina Rosenvinge. En la zona media de la tabla hallamos a Izal y Laura Mvula.
La última vez que ‘No Scrubs‘ fue noticia (si es que no lo es todos los días visto su éxito actual en las plataformas de streaming), Ed Sheeran arrasaba con ‘Shape of You’ y la gente le sacó tanto parecido con el éxito de TLC de 1999 que el cantante británico se vio en la obligación de añadir a los autores de ‘No Scrubs’ a los créditos de su canción para evitar problemas. La propia Chilli, una de las dos integrantes de TLC, nos contó que no percibía el parecido.
Varios años después, ‘No Scrubs’ vuelve a la actualidad musical gracias a que acaba de ser versionada por la portorriqueña Mariah Angeliq, la catalana Bad Gyal y la argentina María Becerra. A lo largo de los años, ‘No Scrubs’ ha sido versionada decenas de veces por artistas como Weezer, Kacey Musgraves o incluso Scoutt Niblett, hasta el punto de que ya es imposible escribir una canción original llamada ‘No Scrubs’ porque a nadie se le ocurriría que no es un cover, pero el trío de artistas asociadas al pop urbano han tenido la idea de traducirla al español y aplicarla a un ritmo de reggaetón que, sorprendentemente o no tanto, le sienta como un guante. Era difícil fallar con una canción que ya era tan sumamente buena.
La traducción, aún con variaciones, respeta la original: De «A scrub is a guy that thinks he’s fly» pasamos a «un bobo se piensa que es genial», de «always talkin’ ‘bout what he wants / and just sits on his broke ass» pasamos a «siempre habla de lo que va a comprar y en el banco no tiene na’ y el estribillo es casi el mismo porque pasa de «I don’t want no scrub / A scrub is a guy that can’t get no love from me / Hangin’ out the passenger side of his best friend’s ride / Trying to holla at me» a «No quiero un bobo / Un bobo e’ alguien que jamá’ me hará feli’ / Porque no para de llamar ni de textear / Siempre atrás de mí».
Sobre la versión, Angeliq ha destacado que esté hecha por tres mujeres, algo no tan habitual en la industria: «Piensa en la última vez que has oído hablar de tres mujeres colaborando en una canción… no es tan común. La industria está llena de colaboraciones masculinas y normalmente nos vemos en la necesidad de colaborar con ellos. Esta canción es especial para mí porque, aparte de ser una nueva versión de No Scrubs, es uno de mis grupos favoritos – TLC, y siento que la canción es una declaración utilizada para empoderarse unas a otras”.
Corría el año 2017 cuando os hablamos por primera vez de The Marías, que no es un grupo de «mujeres» como da a entender el nombre de Mujeres, que tampoco son mujeres, sino un dúo compuesto por una chica que de hecho se llama María y se apellida Zardoya, y es de Puerto Rico, y por un músico de Los Ángeles que se llama Josh y se apellida Conway.
En todo este tiempo, The Marías han triunfado en las plataformas con singles como ‘I Don’t Know You’, ‘Cariño’ o ‘Only in My Dreams’ gracias a un sonido que, como contaba mi compañero Raúl Guillén su momento, «mezcla elementos como el jazz, el soul y el soft pop que evoca a The Cardigans, los primeros Phoenix o Lana del Rey, con algunos toques de psicodelia contemporánea a lo Tame Impala». Una pócima que este viernes se ha terminado de cristalizar por fin con ‘CINEMA’, su álbum debut, que por cierto incluye una aparente referencia a Almodóvar con el título del interludio orquestal ‘Hable con ella’.
Aunque el tema que promociona ‘CINEMA’ desde este viernes es ‘Calling U Back’, el cual puedes escuchar en la playlist de novedades actualizada, nosotros nos quedamos con el que es su mayor éxito hasta la fecha. ‘Hush’, hoy la Canción Del Día, es una de esas producciones post-todo que lo mismo te recuerdan a los días de gloria del electroclash como a la estética tétrica de Billie Eilish, pues de hecho el tratamiento de voces guarda similitudes con su éxito ‘Therefore I Am’.
Desde su título, ‘Hush’ desprende una vibra despreocupada, y como ha contado María, la canción va sobre no dar peso a las opiniones de los demás. «Siempre hay alguien que tiene algo que decir sobre lo que estás haciendo y esta canción habla sobre no darle importancia a sus palabras y sobre decirles que se callen la puta boca y se metan en sus asuntos».
Madonna se ha tomado un descanso de editar hasta lo imposible el documental de ‘Madame X‘ para celebrar el fin de semana del Orgullo en Nueva York. Esa semana, la artista ha preparado un vídeo-mensaje de apoyo a la comunidad LGBTQ+ llamado ‘No Fear, Courage, Resist’ que se ha proyectado en Times Square y después se ha ido al bar de un conocido hotel de Nueva York a ofrecer su primera actuación en directo post-pandemia. ¿No andaba por ahí Emilio Doménech?
En concreto, Madonna ha actuado en el Boom Boom, situado en la planta 18 del Standard Hotel, y donde ha interpretado sus éxitos ‘Hang Up’ y ‘Vogue’ y también ‘I Don’t Search I Find’, uno de los temas incluidos en ‘Madame X’. Después de dicha actuación, y como cuenta Interview, la artista ha seguido la fiesta en el bar Le Bain, también situado en dicho hotel, con sesiones de Kaytranada, que «ha pinchado Britney y funk y ha sampleado ‘If Madonna Calls’ de Junior Vasquez»; Honey Dijon y Eli Escobar. Entre el público se ha visto a celebrities como Indya Moore o Simone, ganadora de RuPaul’s Drag Race.
Que Madonna haya bailado un sample de ‘If Madonna Calls‘ de Junior Vasquez es especialmente llamativo. Como es sabido, Vasquez compuso esta producción de house que samplea una llamada telefónica de Madonna dejada en su buzón de voz después de que la cantante le dejara plantado en el hotel Tunnel de Nueva York donde supuestamente iba a actuar. Se sabe que Madonna nunca aprobó ‘If Madonna Calls’ y que el lanzamiento de esta canción en el año 1996 supuso el fin de su relación con el productor… hasta que este volvió a trabajar para ella en un remix de ‘Hollywood’ en 2003.
Además de todo esto, Madonna ha subastado una serie de polaroids de ella, tomadas por Ricardo Gomes, para recaudar fondos para las organizaciones The Ali Forney Center, Haus of Us y The Door, las cuales apoyan a la juventud LGQBT+ de la ciudad. Por lo que se puede leer por ahí ha sido una fiesta decadente llena de «club kids, drag queens y fashionistas» además de mucho voguing, es decir, puro Nueva York.
‘Days’, presentada en 2020 en la Berlinale, suponía el regreso a los grandes festivales de Tsai Ming-liang desde ‘Stray Dogs’ (2013). Aquella película significaría un punto de inflexión en su filmografía, reforzando, aún más si cabe, el carácter contemplativo de su cine (en ella había un plano de 18 minutos de un hombre mirando una pared), donde también sus tramas se volvían menos enrevesadas y más sencillas. Esto se ve igualmente reflejado en sus posteriores cortometrajes y mediometrajes, así como en la película que nos ocupa.
‘Days’ narra la vida de un hombre de unos cincuenta años que vive solo en una casa grande y de un joven que vive en un pequeño apartamento en Taipei. La soledad, la incomprensión y la incapacidad de conectar con el mundo -temas recurrentes en su autor- están representadas aquí también a través de los larguísimos planos que componen la película. Tsai deja que los actores se pierdan en sus propios cuerpos, que sus acciones mundanas no parezcan parte de una ficción, sino de una realidad a la que se nos da acceso.
El tiempo es un elemento fundamental en este trabajo, no solo por el dilatado fluir de este en sus imágenes, sino también por su paso por el personaje de Lee Kang-sheng, muso indiscutible del cineasta, que ha aparecido en todas sus películas y con el cual mantiene una relación prácticamente familiar en la vida real. Es difícil indicar si todos los personajes que ha interpretado el actor en su cine son la misma persona, pero sí hay en varias en las que queda confirmado, como en ‘¿Qué hora es?’ (2001), ‘The Skywalk Is Gone’ (2002) y ‘El sabor de la sandía’ (2005). Aquí es muy probable que el protagonista sea el mismo que el de la magnífica ‘The River’ (1997), pues además de que se puedan percibir similitudes en sus comportamientos, vuelve a padecer aquellos severos dolores de cuello (que Lee también los sufre en la realidad).
El director de ‘Rebeldes del Dios Neón’ (1992), quien confesó en el documental ‘Afternoon’ (2015) su preocupación por la muerte, muestra por primera vez el cuerpo de su actor fetiche como un símbolo del inevitable castigo de los años, en oposición a la juventud de su compañero de reparto Anong Houngheuangsy. Pero no es tanto el contraste de estos dos cuerpos lo que le interesa a Tsai, sino el desgaste físico y emocional que deja el paso de los días cuando no se tiene ningún motivo para seguir adelante. A esta horrible sensación se ven expuestos ambos hombres, perdidos en su propio dolor o en su propia incertidumbre, y que aliviarán encontrándose el uno con el otro en una de las escenas de sexo más bellas y conmovedoras que se pueden recordar.
A nivel formal, Tsai siempre ha sido extremadamente coherente, tanto individualmente en sus obras como en la totalidad de su carrera artística. Y en ‘Days’ encontramos la evolución natural de un cineasta que ha ido depurando su estilo hasta despojarse, prácticamente al completo, de la palabra, recurriendo únicamente a su minuciosa observación de los gestos para expresar sentimientos que no pueden ser expulsados de otra manera. Uno de los aspectos más desconcertantes –y brillantes- del film reside en la única vez en toda la película (y puede que en todo su cine) que la cámara sigue a Lee Kang-sheng, dolorido, por las bulliciosas calles de Taipei en un encuadre ligeramente torcido gran parte del tiempo. Es una propuesta arriesgada que choca directamente con el estatismo del resto, pero no derrumba en absoluto esa cohesión mencionada, sino que incluso la refuerza.
‘Days’ es, probablemente, la obra más emocionante de Tsai Ming-liang, y lo es desde la más aparente sencillez, sin necesidad de que ninguno de sus personajes diga una palabra. Es un trabajo de madurez, que también puede verse como la culminación de un estilo y como otra cumbre en la extraordinaria carrera de uno de los cineastas más apasionantes del cine contemporáneo.
Entre las decenas de novedades que es posible escuchar desde ya en la playlist de novedades actualizada «Ready for the Weekend» hay que destacar el nuevo single de Liz Forte, ‘Vestirte de Prada’. Liz Forte es el alias de Álex Forte, joven cantante madrileño cuyo estilo musical se engloba en el llamado pop urbano por su asociación a los ritmos del trap y el dancehall o a su gusto por los raps autotuneados. En su mayor éxito ‘Joven chulo triste’ canta que le gusta la fiesta y que «se está quedando Britney»… quizá no en el momento más oportuno, pero Forte tiene otras cosas que ofrecer.
‘Vestirte de Prada’ es uno de los temas nuevos que se han incluido en la reedición del primer disco de Forte, precisamente titulado ‘Joven chulo triste’ y editado hace unos meses por la comunidad de música independiente Acqustic, también tras Besmaya. Así lo presenta la nota de prensa, incluyendo declaraciones de su autor: “Vestirte de Prada” cuenta la historia de uno de esos amores de verano inolvidables. Es un hit cálido y bailable inspirado en la sensualidad del Dancehall y el Afrobeat. En palabras del autor: “Escribí este tema el verano pasado, que pasé encerrado en Madrid imaginando qué querría escuchar en una fiesta en una playa perdida por la noche”.
La nota añade que ‘Vestirte de prada’ «encaja perfectamente en el mood del pop de artistas como Rels B, Drake o Bad Gyal» y la música de la última viene a la mente desde el segundo cero, pues ‘Vestirte de Prada’ también es una estupenda producción de dancehall -la base es de mauvetrip- hecha en España… si es que este dato tiene alguna importancia. La canción empieza como grabada desde lejos, como a las puertas del antro donde Rihanna retozaba con Drake en el vídeo de ‘Work’, pero cuando arranca de verdad con la entrada de las percusiones suena igual de lustrosa y cara que la marca que menciona su título. Entre el sonido de xilófonos y percusiones agitadas tipo ‘Pon de Replay’, Liz Forte presenta en ‘Vestirte de Prada’ probablemente su canción más seductora.
La nueva escena del jazz londinense bulle: Nubya García, Ezra Collective, Kokoroko, Moses Boyd… Pero quizás una de las figuras más relevantes sea Shabaka Hutchings, saxo, clarinete y compositor principal de Sons of Kemet, además de The Comet Is Coming y Shabaka Hutchings and the Ancestors.
Sons of Kemet son un combo desenfrenado, con un pie en el jazz y otro en ritmos africanos y afrocaribeños. Su música es vitalista y de fuerte raigambre en lo popular, basada principalmente en los metales, piedra angular de su sonido. Aparte de Hutchings también destaca la figura de la tuba, Theon Cross, otro culo inquieto metido en miles de proyectos.
‘Your Queen Is a Reptile’ (2018), su anterior disco, dejó al colectivo arriba, muy arriba. Esta obra ya tenía una fuerte carga ideológica; por un lado, denunciar la racista monarquía británica (esa “reina reptil” del título), por otro ser una vindicación feminista en la que se glorificaba a las auténticas reinas: mujeres africanas o afrodescendientes significadas por la lucha en pro de los derechos de los suyos. Pero si en ‘Your Queen Is a Reptile’ parecían más preocupados en ser una imparable máquina del ritmo, en ‘Black to the Future’ amplían el campo de batalla, quieren que el mensaje llegue alto y claro. ‘Black To The Future’ contra ‘Back to the future’, en el doble sentido: futuro negro, negros para el futuro. Porque el álbum funciona como denuncia de las condiciones de los afrodescendientes y afrocaribeños en el mundo occidental en general y en su Inglaterra natal particularmente, donde son tratados como ciudadanos de segunda. Y, a la vez, es una reivindicación orgullosa de la propia negritud, del pasado, del presente, de toda su riqueza social y cultural; una proclama por un futuro que ha de ser suyo. Para que el mensaje cale, este disco cuenta con mucha más presencia vocal que el anterior, en que la palabra era anecdótica. Aquí la voz gana importante peso, especialmente en formato “spoken word”, un género que Hutchings ya había cultivado en The Comet Is Coming junto a Kae Tempest en ‘Blood of the Past’. Varios colaboradores e invitados ayudan a dar forma a esta empresa.
Toda esta protesta, por eso, no serviría de nada si fallara el entramado musical. Y aunque ahora Sons of Kemet suenan algo menos efusivos, más reflexivos, no dejan de ser una imparable máquina del ritmo. La calidad de sonido es estupenda, la atmósfera es viva, táctil, directa. Los metales se ocupan de casi todo: marcan el ritmo, ejercen de instrumentos solistas, prácticamente entierran a la percusión por momentos. La algarabía, la excitación y la rabia riegan sus 51 minutos, sin espacio al aburrimiento, al desarrollo hueco de virtuosismo.
El inicio del disco ya deja muy claro sus postulados. En ‘Field Negus’ el poeta Joshua Idehen recita histriónico, sincopado y amenazador entre las baterías y los vientos, clásicos y desafiantes, escupiendo rabia contra el supremacismo blanco, que convirtió a los africanos y a sus descendientes en esclavos, negando su cultura: “Me hiciste decir las oraciones en tu lengua, me hiciste olvidar mis dioses”, para pasar a ser maltratados en la metrópolis. Idehen llama a mostrar al enemigo su misma piedad. ‘Field Negus’ se concatena con la demencia de ‘Pick Up Your Burning Cross’, un poco klezmer, pero también repleta de africanismo, con los trombones marcando el ritmo, mientras el clarinete hace de voz solista, las flautas le replican y los timbales atacan. El título no deja lugar a dudas: «recoge tu cruz ardiente», en alusión al ku klux klan. En ‘Hustle’ el dolor colectivo se funde con el individual, pero también se muestran dispuestos a demostrar su coraje: “You can test my spirit, but don’t test my patience” (“puedes poner a prueba mi espíritu, pero no pongas a prueba mi paciencia”). Los versos son de Kojey Radical, otra de los artistas invitados, que recita duro en el tema más jamaicano, de dub oscuro y asfixiante pero pegadizo.
El centro del disco, por eso, son cinco temas instrumentales, pero que ejercen el mismo poder persuasivo y reivindicativo que las palabras. ‘To Never Forget The Source’, saltarina, a la que le sigue con lógica implacable ‘In Remembrance of those Fallen’, una maravillosa pieza instrumental que destila raíces y rabia. El clarinete de Shabaka Hutchings aquí tiene un papel más de jazz canónico, de instrumento solista; dibuja la melodía, la “canta”. También hay que destacar el momento más caótico y free jazz, que es ‘Let The Circle Be Unbroken’, en que los vientos acaban siendo gritos, sino ladridos, hasta que revienta al final en una amalgama de voces y vientos desquiciados.
Todo este frenesí instrumental acaba abruptamente en el cierre con la breve ‘Black’, en que Joshua Idehen recupera su discurso inicial, aunque esta vez su voz está en segundo plano, con los vientos casi tapándole, enfadados, hasta que termina la canción y el disco con un categórico “Leave us alone!” (“¡dejadnos en paz!”). Un broche perfecto para un disco político que resitúa y da la importancia que se merece a su propia cultura.
Pedro Almodóvar ha anunciado que su nueva película, ‘Madres paralelas’, se estrenará el 10 de septiembre. La cinta, con guion escrito durante el confinamiento, se terminó de rodar a finales de mayo, por lo que se considera uno de los estrenos más rápidos en la carrera del director manchego. La première de ‘Madres paralelas’ coincidirá con la celebración del Festival de Venecia. La cinta estará protagonizada Penélope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalde y Aitana Sánchez-Gijón y contará con la participación de Rossy de Palma y Julieta Serrano.
Así ha anunciado el productor Agustín Almodovar la llegada de ‘Madres paralelas’: “Estoy feliz de poder anunciar la llegada a los cines españoles de la nueva película de Pedro Almodóvar, Madres paralelas. Dados los tiempos complejos e imprevisibles que nos toca vivir nos da mucha seguridad trabajar con una compañía como Sony Pictures, en cuyo equipo confiamos tras compartir una maravillosa experiencia con el lanzamiento de nuestra anterior película ‘Dolor y gloria‘”.
Según el sinospsis oficial de El Deseo, ‘Madres paralelas’ cuenta la historia de “dos mujeres, Janis y Ana, (que) coinciden en la habitación de un hospital donde van a dar a luz. Las dos son solteras y quedaron embarazadas accidentalmente. Janis, de mediana edad, no se arrepiente y en las horas previas al parto está pletórica; la otra, Ana, es una adolescente y está asustada, arrepentida y traumatizada. Janis intenta animarla mientras pasean como sonámbulas por el pasillo del hospital. Las pocas palabras que cruzan en esas horas crearán un vínculo muy estrecho entre las dos, que el azar se encargará de desarrollar y complicar de un modo tan rotundo que cambiará las vidas de ambas”.
El estreno de ‘Madres paralelas’ se producirá menos de un año después del de ‘La voz humana’, el interesante corto de Almodóvar protagonizado por Tilda Swinton, y su primer proyecto en inglés. De hecho, Almodóvar preparaba además de su primer largometraje en este idioma durante la pandemia, pero optó por escribir una nueva en español. La anterior, ‘Dolor y gloria’, fue una de las mejores películas de 2019.
Polo & Pan, el dúo de productores francés compuesto por Paul Armand-Delille (Polocorp) y Alexandre Grynszpan (Peter Pan), publica hoy su nuevo disco ‘Cyclorama’, el cual ha sido concebido como «una odisea musical a través de las fases de la existencia humana, del nacimiento a la vida adulta hasta la muerte… y la trascendencia». El grupo es muy querido por su sonido de electrónica bailable veraniega y tropical, expuesto en su primer álbum ‘Caravelle‘ y en sus dos mayores éxitos, ‘Nanã’ o ‘Canopée’, y ‘Cyclorama’ continúa la tendencia con más buenos temas como este ‘Magic’ que hoy es la Canción Del Día.
Festivalera a más no poder, perfecta para bailar cuando se pone el sol, ‘Magic’ es también la pista más larga de ‘Cyclorama’ pero puede que sea la mejor, aunque no es demasiado representativa del largo pues su composición es la que más se basa en samples. En una entrevista con Polo & Pan que publicaremos próximamente, Alexandre recuerda que de hecho ‘Magic’ no iba a formar parte del disco pero que, cuando en 2019 la tocaron en el Chambord x Cercle Festival, cuando aún era un simple «DJ edit» con el que rellenar su setlist y no una grabación de estudio como tal, la gente se volvió loca y su sello le empezó a preguntar por ese temazo desconocido que habían presentado en directo.
‘Magic’ nace de dos canciones de las que Alexandre es fan. Por un lado, la intrigante ‘Telescope’ de Pino Donaggio, una de las canciones que forman parte de la banda sonora de la película neo-noir de 1984 ‘Body Double‘ de Brian De Palma, pero la versión que fascina a Alexandre en realidad es el remix del DJ holandés Young Marco publicado en 2013. Por el otro, ‘Magic’, uno de los mayores éxitos de la banda de rock escocesa de los años 70 Pilot, del que Alexandre se enamora cuando lo escucha en la banda sonora de la película de 1996 ‘Happy Gilmore’, protagonizada por Adam Sandler.
Si parecía absolutamente imposible que un grupo de soft-rock como Pilot sonara bien integrado dentro de una producción synth-noir de Pino Dimaggio, Polo & Pan consiguen que estos mundos casen a la perfección en una canción ensoñadora que se postula desde ya como una de las mejores de su breve carrera.
Ana Torroja y Alaska han estrenado su single conjunto ‘Hora y cuarto’ para terminar de una vez por todas con la supuesta rivalidad (que ya nadie recuerda) que enfrentaba a las dos artistas en la época de Mecano y Alaska y Los Pegamoides. Una rivalidad que, en realidad, había sido «impuesta», según ha contado Ana Torroja esta noche en El Hormiguero, porque se decía que los integrantes de Mecano eran «gente de bien» y los de Alaska «venían del underground». Puedes comentar la noticia en nuestros foros.
Completamente ajeno a las necesidades de las playlists actuales, ‘Hora y cuarto’ llama la atención porque tarda 1 minuto y medio en llegar al estribillo, cuando algunos temas de hoy en día duran exactamente eso mismo. El single que une a Ana Torroja y Alaska ha sido compuesto por Oscar Ferrer de Varry Brava y producido por Henry Saiz, Luis M. Deltell y Miguel Barros y presenta un sonido más o menos elegante que puede recordar a La Prohibida o a Fangoria y que se sitúa a medio camino entre el electropop y el italo disco tan de moda estos días. Un tema apañado que confirma que los registros de Ana y Olvido funcionan bien juntos, pero en el que hay poco que rascar en lo musical. Por otro lado, el videoclip es un desfile de «looks» entre la ciencia ficción y los años 60 por el que Mario Vaquerizo hace un inevitable cameo.
Sin que se termine de detallar ese disco que Torroja se encuentra preparando desde hace un tiempo, tal y como nos contó en una entrevista en la que aseguró que tenía 8 temas hechos, ‘Hora y cuarto’ es el último de una serie de sencillos que ha publicado últimamente, entre los que también se cuentan ‘Paraíso’, ‘Punto muerto’ con Miss Caffeina, ‘Mapa’ con Siddhartha, ‘Cuando tú me bailas’, ‘Ya me cansé de mentir’, ‘Ya fue’, ‘Antes’ y ese interesante ‘Llama’ producido por El Guincho y Alizzz.
Hoy 25 de junio salen los nuevos discos de Doja Cat, Tyler the Creator, Polo & Pan, el disco de Beny Jr. producido por El Guincho, Rauw Alejandro, John Grant, Lucy Dacus, Modest Mouse, Faye Webster, The Mountain Goats, Pabllo Vitar, Spellling, The Marías o el nuevo trabajo de SAULT que estará 99 días online, además de los EPs beadaboobee o la revelación trashi. También ve la luz la reedición de ‘Born this Way’ con versiones de sus pistas por parte de Kylie Minogue, Years & Years u Orville Peck, y la reedición de ‘Blue’ de Joni Mitchell por su 50 aniversario.
Entre los temas que salen hoy, no está de más recordar que el disco de Doja Cat incluye sendos duetos con The Weeknd (en la playlist) y Ariana Grande, si bien el single internacional del día es por supuesto el de Ed Sheeran. En el plano nacional, Ana Torroja y Alaska estrenan single conjunto, Alizzz presenta ‘Salir’, co-escrita por C. Tangana, y Bad Gyal es una de las tres artistas que aparecen en ‘BOBO’ junto a Mariah Angeliq y María Becerra. Es una versión reggaetón y cantada en español de ‘No Scrubs’ de TLC. Otro single destacado es el regreso post-Eurovisión de Barbara Pravi con ‘Le jour se lève’.
A lo largo de la semana han salido varios singles a la luz, como el que presenta el esperado segundo álbum de estudio de Damon Albarn o la versión de Miley Cyrus, Elton John y compañía de ‘Nothing Else Matters’ de Metallica que aparecerá en la mastodóntica edición de ‘The Black Album’ por su 30 aniversario. También han anunciado nuevos trabajos discográficos Tirzah o Nite Jewel. En portada hemos destacado los nuevos singles de Low, Helado Negro y Novedades Carminha.
En la playlist también es posible escuchar nuevas propuestas de Unknown Mortal Orchestra, Planningtorock (llamada ‘Gay Dreams Do Come True’), un remix de Sugababes por Blood Orange, WILLOW, Logic, Nao, Alfred García, Jazmine Sullivan, Nueve Desconocidos, LANY, Still Woozy, Viva Suecia o Semana Santa, entre otros.
A principios de julio, los días 1, 2, 3 y 4 se celebra en Mozota, Zaragoza el festival Bosque Sonoro con la presencia confirmada de artistas como Iván Ferreiro, Viva Suecia, La Habitación Roja, Iseo & Dodosound, Niños Mutantes, La Pegatina o Novedades Carminha. Los autores de ‘Ultraligero‘, uno de los mejores discos de 2019, publican precisamente hoy un pegadizo nuevo single llamado ‘Típica cara’ que es la Canción Del Día en estas páginas.
‘Típica cara’ es otro acierto de los Novedades Carminha más funky, pero en este caso para agregarle a la mezcla ciertos matices reggae que ya estaban presentes en ‘Jovan con la edad’, dentro de una instrumentación rica en percusiones y guitarras distorsionadas que remite directamente a la etapa ‘Ultraligero’, no tanto al sonido sintético tipo Awesome Tapes from Africa de ‘Mucho nivel’.
Igual de adictivo que tantos otros de sus singles, Carlangas cuenta a JENESAISPOP que, en ‘Típica cara’, han buscado indagar en la mezcla de reggae y funk de manera más profunda que nunca. «Buscábamos hacer una de esas canciones de verano que escuchar en la última hora de playa, cuando cae un poco el sol y te quedas de tranqui tomando cerveza con tus colegas». Aunque es una «continuación» del sonido de ‘Ultraligero’, también es un paso más allá.
La canción habla de esos encuentros con desconocidos a los que les suenas de algo, incluso con la mascarilla puesta. Cuenta Carlangas que esta situación ha afectado a la banda debido a su popularidad, pero que en realidad es «transversal». «Cuando el grupo empezó a salir en la prensa y a convocar a más gente, de repente muchas veces por la calle se nos quedaba la gente mirando, seguramente por habernos visto en alguna entrevista o en algún programa, y te decían que les sonabas de algo, como si fueras un primo lejano. La situación es absurda y queríamos reflejarlo en la canción». ‘Típica cara’ alude a estos encuentros desde el sentido del humor macarra que siempre ha caracterizado a la banda gallega. Carlangas canta, citando un posible encuentro: «La misma nariz, la mismas gafas, la misma actitud, la misma pinta de facha, eres igual y no te pareces nada, distingo a la gente con la cara tapada».
¿Estará ‘Típica cara’ en el próximo álbum de Novedades Carminha? No se sabe. Lo que sí es seguro es que la continuación de ‘Ultraligero’ está en el horno. «Estamos preparando un disco, estamos en proceso de grabación», señala Carlangas. «‘Típica cara’ parte de unas canciones que grabamos en marzo y todavía no sabemos si va a estar en el próximo disco o si va a ser un enlace entre el anterior, ‘Mucho nivel’ y el siguiente álbum. Tenemos que verlo en conjunto pero sí que hay una perspectiva de nuevo disco a la vista porque estamos en ello. Está muy avanzado».
A raíz de su nuevo single, Novedades Carminha han anunciado tres conciertos para 2022 en Santiago, Madrid y Barcelona, que se suman a los que realizará a lo largo de 2021.
2022
05/03/2022 – Multiusos Sar, Santiago de Compostela
12/03/2022 – WiZink Center, Madrid
19/03/2022 – Razzmatazz, Barcelona
2021
02/07/2021 – Las noches del Malecón, Murcia [SOLD OUT]
03/07/2021 – VESU, Oviedo
09/07/2021 – Crüilla Fest, Barcelona
10/07/2021 – Los veranos del Hípico, León
17/07/2021 Cultura es Vida, Palma de Mallorca
21/07/2021 – Turmalina, Cuidadela de Pamplona
29/07/2021 – Nits de Vivers, Valencia
05/08/2021 – Muelle 12, Alicante
06/08/2021 – Pop CAAC, Sevilla
04/09/2021 – Cranc Festival, Menorca
Estos días, La Fundación ha presentado la primera retrospectiva que se realiza en España sobre Bill Brandt, que se puede ver desde el 3 de junio hasta el 29 de agosto en la sala de exposiciones de la entidad, situada en la calle Recoletos 23, en Madrid, y Delaporte han sido los encargados de crear un tema en torno a su figura. Los autores de ‘Las Montañas’ presentan una composición casi instrumental, en la que Sandra tararea una melodía sobre una agitada base de electrónica que es posible emparentar a la obra de Atoms for Peace o Björk, pero que después se transforma en una producción bailable.
En el vídeo oficial de la canción, rodado en La Fundación, Sandra ejecuta una coreografía de danza interpretativa al tiempo que contempla las obras expuestas en la sala, para después encontrarse con un Sergio que se encuentra a los mandos de la música. A continuación, Sandra y Sergio intercambian roles: ella controla las máquinas y él se deja llevar por el éxtasis de la música mientras baila a través de la habitación. Finalmente ambos se reúnen frente a una de las obras más conocidas de Brandt, la cual muestra una figura que camina en un campo y se refleja en el agua de un lago, probablemente una metáfora de lo que son Delaporte: dos artistas que juntos forman una única fuerza.
Como explica La Fundación, la muestra de Bill Brandt «reúne 186 fotografías positivadas por el propio (fotógrafo), que a lo largo de casi cinco décadas abordó los principales géneros de la disciplina fotográfica: reportaje social, retrato, desnudo y paisaje. El recorrido, dividido en seis secciones, trata de mostrar cómo todos estos aspectos –en los que la identidad y el concepto de «lo siniestro» se convierten en protagonistas– confluyen en la obra de este ecléctico artista que fue considerado, ante todo, un flâneur. Un «paseante» en términos similares a los que lo fue su admirado Eugène Atget, a quien siempre consideró uno de sus maestros».
En la exposición, las fotografías exhibidas «se complementan con escritos, algunas de sus cámaras de fotos y distinta documentación, entre la que destaca una entrevista que ofreció al final de su vida al canal de televisión británico BBC en 1983, así como publicaciones ilustradas de la época».
Britney Spears ha comparecido este 23 de junio en un tribunal de Los Ángeles por vía telemática para hablar sobre su tutela. En su testimonio, de 24 minutos de duración, la cantante ha pedido el fin de dicha tutela con la garantía de que «no deba ser evaluada» como lo ha sido constantemente durante los últimos 13 años y ha asegurado que se siente «deprimida» y «traumatizada» por su situación y que quiere «recuperar su vida». Ha declarado que le gustaría casarse y tener un bebé pero que su equipo la ha obligado a implantarse un DIU en contra de su voluntad para evitar que se quede embarazada y ha manifestado que «desearía denunciar a toda su familia» y que «su padre y todas las personas que llevan su custodia deberían estar en la cárcel».
En la declaración, Britney relata que su equipo le obligó a emprender la residencia de conciertos ‘Domination’ en contra de su voluntad y que, cuando se negó a hacerla, se le sustituyó su medicación habitual por litio «de la nada». También asegura que realizó una gira de 2018 ante la amenaza de que si no la hacía iba a recibir una demanda. En otro punto, la cantante compara su situación de dependencia actual con la trata porque la custodia le obliga a «trabajar en contra de mi voluntad, quitándome mis pertenencias, mi tarjeta de crédito, mi dinero, el teléfono, mi pasaporte y poniéndome en una casa donde trabajo para las personas que viven conmigo». La transcripción completa del testimonio de Britney, aquí.
En redes, artistas como Justin Timberlake, Karol G, Halsey, Mariah Carey, Cher o Garbage, que han apelado a su single ‘The Men Who Rule the World’, han mandado su apoyo a la autora de ‘Blackout’.
Durante 13 años, el padre de la artista, Jamie Spears, ha sido el encargado de controlar sus finanzas y todos los aspectos de su vida, pero se desconocía si Britney había solicitado explícitamente el fin de dicha tutela. Una nueva exclusiva de The New York Times firmada, entre otras personas, por la directora de ‘Framing Britney Spears‘, ha confirmado que la cantante lleva años intentando salir de ella.
Los documentos obtenidos por el periódico estadounidense indican que Britney considera que la tutela se «ha convertido en una herramienta opresiva y controladora contra ella» y que está «harta de que se aprovechen de ella» porque «es quien trabaja y se gana el dinero pero todo el mundo está en su nómina», refiriéndose a que Britney paga con el dinero que gana no solo a sus propios abogados, sino también a los de su padre.
En dichos documentos, Britney defiende que Jamie nunca ha sido la persona adecuada para llevar su tutela debido a sus problemas de ira y con el alcohol y asegura que, con la excusa de la custodia, le ha forzado a trabajar en contra de su voluntad, incluso a actuar cuando tenía una fiebre de 40º, uno de los «momentos de vida donde más miedo he pasado»; e incluso que la obligó a entrar en un centro de rehabilitación «por motivos exagerados» para «castigarla por haberse defendido y haber protestado durante unos ensayos». La cantante asegura que cualquier error cometido dentro de la tutela «produce graves consecuencias» y que esto le hace tener «miedo».
Por otro lado, Britney manifiesta que su padre limitó su paga a 2.000 dólares semanales pese a ganar millones gracias a su residencia en Las Vegas y denuncia que está «obsesionado» con ella hasta el punto de que no le permite «hacer amigos» sin su aprobación ni tampoco hacer cambios en su casa como «cambiar el color de la despensa de su cocina» porque los considera un gasto innecesario. Tampoco tiene acceso a su tarjeta de crédito. En un punto de los documentos obtenidos por The New York Times, Britney presenta una lista de sus «logros recientes», lo que incluye «giras y lanzamientos de discos», para defender que a ella «no le pasa nada».
En los últimos días, Britney ha manifestado en Instagram que «no tiene ni idea» de si volverá a actuar porque se encuentra en «un momento de transición en su vida». Su residencia en Las Vegas concluyó en 2017 y su última actuación en directo fue en 2018.
Poco antes de que ‘What’s Your Pleasure?‘ cumpla un año de vida, Jessie Ware ha decidido reeditarlo con una serie de canciones inéditas con las que recordar por qué este fue uno de los mejores discos de 2020, exactamente el segundo para la redacción de JENESAISPOP solo por detrás del de Dua Lipa. Es un paso acertado porque ‘What’s Your Pleasure?’ es uno de esos álbumes que han mejorado (más si cabe) con el paso del tiempo hasta confirmarse como una auténtica obra maestra del pop de nuestros tiempos. A veces hay que confiar en el tiempo para saber si un disco está hecho para perdurar en el ídem, y tiene toda la pinta de que ‘What’s Your Pleasure?’ lo va a hacer. Y más ahora que han abierto las discotecas, ese lugar donde se desarrolla todo este glamouroso álbum dedicado al hedonismo y a la noche.
Las canciones inéditas de este ‘What’s Your Pleasure? (The Platinum Pleasure Edition)’ son peores que las del disco principal, como es obvio pues sino habrían terminado en aquel. Sin embargo, y sin querer desmerecer a nadie, algunas de estas canciones en realidad son bastante buenas y serían verdaderos hitazos en el repertorio de ciertos artistas semi underground (o sin el semi) que alguna vez han coqueteado con la música disco, como Nite Jewel o Class Actress. ‘Please‘ da tal dosis de voguing que suena como la hermana pequeña de ‘What’s Your Pleasure?’, la canción, o quizá como su hermana gemela, ‘Impossible’ suma drama a la misma ecuación resultando igual de pegadiza y ‘Hot N’ Heavy’, producida por SG Lewis y no por James Ford aunque no lo parezca, es otro hit de disco-pop decadente cuyo gancho onomatopéyico (los «ooh ha ha ha») es todo un acierto. ‘Overtime’, canción favorita de los fans que data de 2018 (!!!), es de hecho el single que inició esta etapa disco en la carrera de Jessie Ware, y sus matices electro y acid siguen siendo los más agresivos de todos.
Bastante mejor que el álbum reeditado de Dua Lipa, pues el cribado de canciones ha sido muchísimo más exigente, pero muchísimo más, ‘What’s Your Pleasure? (The Platinum Pleasure Edition)’ incluye un corte bailable bastante menor llamado ‘Eyes Closed’ y un par de baladas de esas que nos recuerdan de dónde viene Jessie Ware, que es de renovar el R&B-pop gracias a maravillas como ‘Running’ o ‘Tough Love’. ‘Pale Blue Light’ es otro de esos baladones de soul-pop sofocantes y apasionados que tanto le gusta hacer, pero en este caso hay que esperar a que llegue su escalofriante puente góspel para que cale de verdad; y ‘0208’, producida por Kindness, llama la atención por su exquisita y envolvente producción, que remite a los tiempos de aquello que se llamaba «R&B alternativo», mientras la melodía podría ser de la Janet Jackson más seductora. El disco se cierra con un interesante remix de ‘Adore You’ por Bibi Zhou y Sihan, pero si para algo existe esta reedición es para que escuches la original si es que no lo habías hecho antes. Nunca es tarde pero ¿a qué demonios estás esperando?
Hace unos meses os hablamos de ‘Smiling with No Teeth‘, el sensacional debut largo de Genesis Owusu, que a pesar de ser lanzado en esta época tan extraña, está consiguiendo que el australiano llegue a oídos de cada vez más personas fuera de la isla. Hemos podido conversar con él sobre este disco, con el racismo y la depresión como temáticas principales, pero también sobre su camino hasta él, y sobre lo que viene a continuación.
En los créditos del álbum para producción encontramos a Andrew Klippel, Dave Hammer, Harvey Sutherland y Matt Corby. Pero he leído que esta vez querías producirlo de una manera más clásica, como con una banda, ¿no?
Sí, teníamos una banda, las únicas canciones que no se hicieron con la banda fueron ‘Black Dogs’ y ‘Easy’, pero el resto las hicimos con la banda, en un pequeño estudio en el que estuvimos juntos durante seis días, creando como 20 horas cada día… fue maravilloso.
Tus primeras canciones fueron las del EP ‘Cardrive‘, en 2017. ¿Cómo las ves ahora? ¿Te siguen representando?
Sí, sí. Soy consciente de que para mucha gente, especialmente de fuera de Australia, este álbum será lo primero que conozcan de mí, pero estoy muy contento de ‘Cardrive’. Lo escribí cuando estaba en el instituto.
Yo soy uno de los que te ha descubierto con este disco, pero después escuché ese EP, y me gustó mucho… estoy flipando con esto de que lo escribiste en el instituto.
(ríe) Muchas gracias. Lo escribí entero entre 2014 y 2015, aunque se lanzara en 2017, así que tenía como unos doce años. A ver, evidentemente no está tan refinado ni tan elaborado como este álbum, pero yo siento que consigue encapsular un momento en mi vida que fue muy importante. Sigo tocando canciones de ese EP porque siguen significando mucho para mí.
Hace dos años lanzaste ‘Good Times’, que sigue siendo tu mayor hit en plataformas de streaming. ¿Por qué crees que es?
Porque creo que es muy fácil de escuchar, y no necesita contexto ni nada. Tiene como una vibra muy positiva, este rollo chill de fiesta, no sé… yo creo que es por eso, básicamente cualquiera puede escucharla.
El hilo conductor del disco es ese uso de los “black dogs” como metáfora tanto del racismo como de la depresión, y del nexo entre ambos. He leído además que era un término que usaban para insultarte cuando eras pequeño. ¿Cómo fue el proceso hasta llegar a esa idea que unía todo esto?
Siempre me han gustado mucho los álbumes conceptuales, mis favoritos siempre eran los que tenían este tipo de historias o de hilos conductores, ¿sabes? Así que tenía claro que mi primer disco tenía que ser así. Pero no sabía de qué iba a ser exactamente… solo escribía, escribía y escribía. Escribía sobre depresión, escribía sobre racismo, y el término “black dog” aparecía una y otra vez. A medida que escribía más, el tema y el concepto alrededor del cual se vertebraba el disco se volvía más y más claro. Cuando llevaba como 2/3 del disco ya lo decidí.
Muchas veces la gente que sigue una religión la usa básicamente como excusa para ser racista
Has comentado que una inspiración para todo esto fue el estupendo ‘To Pimp a Butterfly‘ de Kendrick Lamar. ¿Cuál dirías que es tu tema favorito de ese disco?
Uf, es que es mi álbum favorito, es una pregunta muy difícil. Déjame pensar… ¿quizás ‘Wesley’s Theory’? También podría decirte ‘U’.
Hablemos de ‘I Don’t See Colour’. He leído que es el inicio del segundo capítulo del disco, ¿no?
Sí, digamos que es el puente entre el “black dog” de la depresión con el “black dog” del racismo; este último empieza en esa canción.
Me parecen brillantes los versos de la canción en los que se habla del nexo entre racismo y religión: “the burning of a bush told me I was great / but the burning of a cross told me to play it safe / cause somehow my actions represent a whole race” (“el fuego en un arbusto me dijo que yo era maravilloso / pero el fuego en una cruz me dijo que tuviese cuidado / porque de alguna forma mis acciones representan a toda una raza”).
Muchas gracias, la verdad es que a mí también me gustan bastante esas líneas. Para mí fue muy interesante hacerlas, quería contar cómo muchas veces la gente que sigue una religión la usa básicamente como excusa para ser racista. Subvierten estos textos y estas ideas que se supone que representan amor e igualdad… y las convierten estas nociones malvadas de odio.
Como has dicho, esta segunda parte del disco es muchísimo más directa y clara sobre la opresión y el racismo, y es mucho más política; se llegan a mencionar a los neonazis en ‘Whip Cracker’, que quizás sea mi favorita. Me gusta mucho cómo esta canción captura lo que supone ser una minoría en este sistema, y cómo decides aquí representar de forma sarcástica ese estereotipo que se te va a asignar igualmente.
Sí, sí, totalmente, era mi intención… ‘Whip Cracker’ es quizás la canción más directa y más “in your face” del disco, básicamente lo que hace es tirar ese velo, esa cortina al suelo, eliminar la fachada, decir “esto es lo que hay, no hay escapatoria”. Es como un puñetazo en tu cara. Me alegro de que te guste porque en mi caso es una de mis favoritas del disco también.
Además de por la letra, por ese giro que hay a mitad de canción, donde se vuelve funk-rock sin dejar de ser bastante dura.
Es que es muy inesperado todo, como muy libre, ¿no?, y también muy “que te follen” (ríe) esos dos minutos finales que básicamente son locuras con ese fondo funk y punk… ‘Whip Cracker’ es una de mis canciones favoritas, pero además esa parte es una de mis partes favoritas del disco en sí.
Creo que en el disco se mezcla la honestidad de las letras al hablar de racismo y depresión, y una sensación de autenticidad, con un tono poético en muchos de los versos, como el que mencionábamos antes de ‘I Don’t See Colour’.
Siempre me ha encantado la poesía, pero me ha llevado un tiempo encontrar ese equilibrio, ¿sabes? Qué bien que se aprecie, porque me ha costado. Mis primeros trabajos creo que eran demasiado poéticos, como que la gente ni entendía de qué estaba hablando (ríe) y singles como ‘Good Times’ son demasiado directos, no hay ningún misterio a su alrededor. Pero creo que aquí he alcanzado ese equilibrio.
Hablábamos antes de lo político que se volvía el disco. ¿Cómo ves la situación política actual? No te hablo de Australia únicamente, sino en general; aunque poquito a poco hemos ido avanzando en derechos, ¿no parece que ahora nos acercamos, si es que no lo estamos ya, en una época de retroceso? No sé qué sensación tienes tú.
Sí, sí, entiendo a qué te refieres… y desde luego muchas veces parece que estamos en el fin del mundo (ríe) Y puede serlo, la verdad. Pero, ¿sabes qué te digo? Que no pienso rendirme, pienso disfrutar del viaje. Quizás estas cosas necesitan ocurrir, en cierto modo es como que tiene que haber explosiones para que la gente despierte, para que aparezcan nuevos valores o se afiancen valores y maneras de pensar. Creo que eso es lo que está pasando, estamos pasando por un momento muy violento y tumultuoso, pero la noche siempre es más oscura antes del amanecer (ríe) Estamos atravesando por lo peor para llegar a un lugar mejor, creo yo.
La salud mental sigue siendo tabú pero la única forma de romper con eso es hablar de ello
En nuestra web, cada día recomendamos una canción y hablamos del artista en cuestión, es una sección llamada “Canción del Día”. ‘The Other black Dog’ fue la canción elegida por nuestro director hace unas semanas. ¿Qué puedes contarnos de ella?
Fue muy emocionante, porque es la que introduce el “black dog” como personaje, también con su videoclip. Es una canción muy implacable, parece que nunca va a terminar, cogí mucha inspiración para ella a través de Outkast, en términos de energía sobre todo.
También has dicho sobre la canción que explora la lucha entre “un espíritu de resistencia y esperanza” y otro espíritu de vacío y fealdad, y que ambos espíritus son en realidad tú mismo. Me parece muy interesante eso, se suele hablar de manera muy simple cuando hablamos de alguien que tiene depresión, como que solo tiene uno de esos dos espíritus, no se entiende que tiene los dos.
Absolutamente. Una de las cosas que quería expresar en eesta canción, y en realidad en todo el álbum, es que hay niveles en esto, no es “oh, tiene depresión, todo es triste, todo tiene que ser totalmente triste todo el tiempo”. La gente que tiene depresión vive su día a día de forma “normal” la mayor parte del tiempo, y se ríen con chistes, y lloran con películas, etc. Todo eso quería expresarlo en el álbum, no solo en las letras, sino también a nivel musical, por eso estos sonidos tan agresivos que de repente son funky, y de repente son sexys, o más chill.
Cada vez más artistas hablan de salud mental en sus canciones, pero realmente sigue siendo un tabú en nuestra sociedad, ¿no? No sé qué opinas tú.
Sigue siendo un tabú, desde luego… pero creo que la única forma de romper eso es empujar y hablar de ello. Cuando estaba haciendo este álbum, y en general cuando hago música, intento quitarme cualquier cosa del exterior sobre lo que escribo, o cómo se va a recibir, sino concentrarme en lo que estoy haciendo y en de qué quiero hablar. Y si a la gente le gusta, guay; si no, pues no, pero yo estoy contento por haberlo hecho como yo quería.
Éste es posiblemente un punto de inflexión en tu carrera, al menos a nivel internacional. ¿Cuál es la mayor enseñanza que te llevas de estos primeros años?
Ser fiel a mí mismo. Parece un tópico, pero es que es así, me pongan en la radio o no, me escuche mucha gente o no, creo que he conseguido ser fiel a quien soy y a lo que quiero hacer, y eso es lo más importante y lo más beneficioso que me llevo. Al final, la gente valora la autenticidad en la música, y que no suenes como otro artista.
Por último, un clásico de este año: ¿cómo ha afectado la pandemia a este disco?
Pues mira, creo que la pandemia lo ha hecho mejor, aunque suene extraño. Se nos cancelaron muchos eventos internacionales, muchos conciertos, y eso fue horrible, pero también nos dio tiempo para sentarnos y mirar con detalle todo lo relacionado con el álbum.
Low han anunciado que su nuevo disco ‘HEY WHAT’ sale el 10 de septiembre vía Sub Pop Records/Popstock!. Es uno de los regresos más esperados en el ámbito del indie-rock ya que ‘Double Negative‘, su anterior trabajo, fue uno de los mejores discos de 2018 para numerosas publicaciones como la nuestra, e incluso ha sido considerado uno de los mejores álbumes de la pasada década. Lo cual es mucho decir teniendo en cuenta que el grupo de Duluth empezó en esto a principios de los años 90 y que lleva 25 años en activo… Y lo que significa, a su vez, que sigue en plena forma.
De hecho, ‘Double Negative’ parece haber marcado la dirección de este nuevo álbum porque el primer adelanto, ‘Days Like These’, suena como una versión más extrema y oscura de lo ofrecido en aquel disco. El tema arranca con una melodía a cappella, tan clara y tan sumamente pop que parece sacada de una de esas «songwriting camp» con las que se fabrican los hits de hoy en día. Casi puedes visualizar a Ryan Tedder grabando la maqueta para pasársela a los Jonas Brothers. Pero luego Low hacen de las suyas sumergiendo esta melodía en una capa de distorsión tremendamente incómoda y perturbadora. El tema concluye con una coda de sonidos celestiales que contrasta con lo escuchado previamente.
Si Low suenan más pop que nunca es a propósito: la nota de prensa subraya que cada una de las 10 pistas de su nuevo álbum ha sido compuesta «a partir de su propio gancho». Esta explica también que el disco, el tercero en ser producido por BJ Burton, «se centra en el método propio de artesanía de Low, moviéndose con la fe de encontrar nuevas formas de expresar la discordia y el placer que derivan de estar vivos con el propósito de convertir la dualidad de la existencia en himnos que compartir». A continuación os dejamos con el vídeo de ‘Days Like These’, dirigido por Carlos Rene Ayala, y con la secuencia de pistas del largo.
Tracklisting:
1. White Horses
2. I Can Wait
3. All Night
4. Disappearing
5. Hey
6. Days Like These
7. There’s a Comma After Still
8. Don’t Walk Away
9. More
10. The Price You Pay (It Must Be Wearing Off)
Entre las novedades nacionales destacadas que puedes escuchar en nuestra playlist de novedades se encuentra el nuevo single de La La Love You. ‘El Día de Huki Huki’ es el segundo adelanto del próximo álbum de la banda madrileña después de ‘La canción del verano’ y cuenta con la colaboración de la cantante gallega dani en la parte vocal y de Carlos Sadness en arreglos.
La presencia de «Tropical Jesus» en ‘El Día de Huki Huki’ tiene su sentido porque la canción, que samplea una diálogo de ‘Blue Hawaii‘, la película de 1961 protagonizada por Elvis Presley, apuesta por un sonido de pop-punk tropicalete perfectamente definido en el sonido serenamente rasgado de las guitarras eléctricas, tan propio del surf-rock. Por su parte, la autora de ‘veinte‘ y recientemente de la canción destacada ‘Me da igual’ se limita a hacer coros.
A pesar de que ‘El Día de Huki Huki’ es una canción compuesta en un formato de banda de rock, el pop veraniego de los 60 parece una referencia en ella no solo en la melodía, que no desentonaría en el cancionero de los primeros La Casa Azul, sino también en ciertas percusiones tipo palmas y sobre todo en la letra, poblada por referencias al «mar de la Polinesia», al «brillo turquesa del cielo» o a una frase 100% Dúo Dinámico como «toda la noche en vela bajo la luna llena, para decirte que yo te quiero, nena».
Pero lo mejor de ‘El Día de Huki Huki’ es el que el grupo es capaz de salir completamente airoso de dos rimas como «la luna llena nos dice «Aloha» / ay cuidadito cómo te coja» y «nada es más guay / que tú y yo aquí en Hawaii». Otro grupo no lo haría, pero La La Love You consigue que suenen encantadoras o, como mínimo, posmodernas en su asimilación de ese habla seductor pero naíf que hoy en día suena anacrónico.
El tercer álbum de La La Love You, que editará Subterfuge pero que del que se desconocen los detalles, es muy esperado después del éxito de su single ‘El fin del mundo’, que se anticipó por pocos meses a la pandemia y ha obtenido el Disco de Oro, una hazaña nada fácil para un grupo de dicho sello. En 2020, La La Love You ganaron el Premio MTV a Mejor Artista Español. El grupo actúa el 11 de julio en el Monumental Club de Barcelona y el 17 de julio en el IFEMA de Madrid, entre otras muchas fechas.
Olivia Rodrigo ha alcanzado el número 1 mundial con dos de los sencillos del notable ‘SOUR‘, primero ‘drivers license’ en los primeros días del año, y últimamente con ‘good 4 u’, que también ha sido top 1 global gracias a sus millonarias cifras en Estados Unidos, Reino Unido y también muchos otros territorios como Australia, Austria, Canadá, Alemania, Holanda… Entre los mercados grandes a su bola, como siempre los países europeos herederos del latín: España (top 13), Francia (top 21) e Italia (top 29).
Aprovechando que estamos en un mercado reggaetonero, donde ‘good 4 u’ solo puede tener un alcance limitado, preguntamos a varios miembros de la redacción si ‘good 4 u’ es realmente la canción más interesante que incluye ‘SOUR’.
«Que ‘good 4 u’ está siendo un éxito absoluto en todo el mundo está claro, pero también me parece claro el motivo por el que Olivia Rodrigo lanzó ‘driver’s license’ y no esta canción para presentarse e iniciar todo este fenómeno: ‘driver’s license’ tenía ese “algo” que ‘good 4 u’ no tiene. Y, aunque ‘deja vu’ seguía a la sombra de su predecesora, no llegaba a sonar genérica… porque ‘good 4 u’ es un temazo, pero un temazo genérico, exceptuando momentos más inspirados como el de la terapeuta. ‘traitor’ podrá gustar más o menos (a mí me encanta), pero es 100% honesta, y representativa de ese “mi verdad” de Olivia, y quizás por eso se está colando en muchos tops sin ser single. A Olivia Rodrigo se le han sacado mil comparaciones con otras artistas, algunas más justas y otras menos. Pero en el caso de ‘good 4 u’ me parecen completamente lógicas, porque suena más a refrito que a una personalidad propia». Pablo N. Tocino.
«Siento un poco de vergüenza cuando alguien que no es un verdadero rockero se presenta como tal ante el público, me da igual que se llame Olivia Rodrigo o The 1975, y a la abominable ‘People’ me remito. Miley Cyrus lleva en la sangre a Fleetwood Mac, a Blondie y a Billy Idol, y por eso su último álbum mola tanto. Y por eso ‘good 4 u’ y el primer corte de ‘SOUR’, ‘brutal’, no pueden ser lo mejor que Rodrigo tiene que ofrecernos. Si ‘drivers license’ era una canción demasiado Billie Eilish y demasiado Lorde al mismo tiempo como para marcar su terreno, donde percibo a Olivia Rodrigo mejor equilibrada es en ‘deja vu’, por mucho que no haya alcanzado el mismo éxito. ‘déjà vu’ es una canción de despecho sobre un ataque de celos, en la que entre teorías sobre lo que hace su ex pareja con su nueva novia, se cuelan referencias a ‘Uptown Girl’ de Billy Joel y a ‘Glee’. Y lo bueno es que la producción tipo popurrí, propia de la mencionada serie, acompaña a ese grado de locura, pasando de lo onírico, con unas estrofas que casi juegan con el dream pop, a la histeria máxima, entre maravillosas guitarras distorsionadas que parecen sintes o al revés, y esa batería grabada deliberadamente de mala manera. Junto a la cincuentera ‘happier’ e ‘enough for you’, representa la vertiente más interesante en lo musical de Olivia Rodrigo». Sebas E. Alonso.
«Respondiendo a la pregunta del titular, no, ‘good 4 u’ no merece ser el mayor éxito de Olivia Rodrigo porque la artista ha presentado temas mucho más interesantes que este corte de pop-punk blandurrio que hace sonar a Avril Lavigne como Marilyn Manson. ‘brutal’ también es rockera, pero tiene mucha más garra, ‘deja vu’ musicalmente tiene más matices y el sonido Fiona Apple de ‘jealousy, jealousy’ está muy bien traído, mientras ‘drivers license’ es un baladón incontestable sean cuales sean sus influencias. El disfraz rockero le sienta muy bien a Olivia Rodrigo para expresar toda esa rabia adolescente que hay en su interior, pero no se puede pasar por alto lo que está ofreciendo como autora, que son unos textos llenos de autoconsciencia y patetismo mucho más honestos de lo que jamás ofrecieron los primeros cuentos de hada de Taylor Swift. Me queda un poco lejos el drama teen de una balada como ‘traitor’, que convierte en tragedia griega el hecho de que su ex se haya ido con otra en dos días, a lo que solo puedo responder «chica, get over it: está claro que te mereces algo mucho mejor». No se sabe si Olivia va a evolucionar en una cosa súper comercial o en otra más honesta y alternativa, pero me muero de ganas por averiguarlo». Jordi Bardají.
SanSan ha anunciado que su próxima edición, la de este año, se celebra los días 29, 30 y 31 de octubre en Benicàssim. Eso sí, de momento se pondrán a la venta unas 10.000 entradas a la espera de la evolución sanitaria, aunque se espera que de aquí a octubre la ocupación se vaya ampliando hasta llegar a un máximo de 25.000 asistentes, la mitad de la capacidad del recinto.
Quedan confirmados en el cartel de SanSan Vetusta Morla, Amaral, Love of Lesbian, Dorian, Xoel López, La M.O.D.A, Sen Senra, Rayden, Carlos Sadness, Elyella, La La Love You, Varry Brava, Travis Birds, Cala vento, Delaporte, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Arco, Tu Otra Bonita, Ginebras, Mujeres, Chucho, Cariño, Arde Bogotá, The Niftys, Axolotes Mexicanos, Karavana, Repion, Tú no existes, Maren, Rocío Saiz o Cora Yako (foto), entre otros.
El próximo 1 de julio se anunciará otra gran incorporación y la programación de Djs, y en septiembre se revelará el artista sorpresa de esta sexta edición. También se sumará al cartel el grupo ganador del concurso musical “Groc Talent” que organiza SanSan Festival en colaboración con el Villarreal CF con el objetivo de apoyar el talento emergente.
Damon Albarn ha estrenado ‘The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows’, el primer single de su segundo álbum de estudio, que el sello Trangsressive Records editará el 12 de noviembre bajo el mismo título. El primer avance es el corte titular, que no puede quedar más lejos de la adictiva ‘Mr. Tempo’. Albarn presenta, en este caso, una composición ambiental, oceánica, en el estilo de unos Sigur Rós, y en el que Damon canta acompañado de arreglos de cuerda y piano de corte neoclásico, por los que también asoma una voz femenina que acompaña a la principal.
La última noticia que se tenía relacionada con la carrera de Damon Albarn en solitario era precisamente que el artista preparaba un proyecto de directo llamado ‘The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows’ que iba a empezar en 2020, pero todos sabemos cómo acabó aquello. Las fechas de este concierto inspirado en la naturaleza, también materializado en disco, finalmente han sido pospuestas a 2022.
01 The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows
02 The Cormorant
03 Royal Morning Blue
04 Combustion
05 Daft Wader
06 Darkness to Light
07 Esja
08 The Tower of Montevideo
09 Giraffe Trumpet Sea
10 Polaris
11 Particles
‘Don’t Forget Your Neighborbood‘ de Cola Boyy es una de las mejores canciones del verano. Producida por The Avalanches es una de esas canciones de neo-disco que elevan el alma gracias a su capacidad para capturar una nostalgia serena y feliz. Es también una oda a los pequeños barrios en la que el californiano Matthew Urango aboga por no dejar que las ambiciones te hagan olvidar tus raíces: «lucha por tu pueblo, no lo dejes ir, haz que sea más que un simple recuerdo». Esta frase, acompañada por un acorde de piano house que podría durar horas, convierten esta grabación en una de las pequeñas obras maestras que ha dejado 2021 por ahora.
La decepción de ‘Prosthetic Boombox’, el debut de Cola Boyy, es que ninguna canción iguala el impacto de la primera, lo cual en el mundo del pop es de todo menos una novedad. Los singles están para captar la atención y este lo ha conseguido con creces. ¿Para cuándo un disco entero producido por los australianos? La buena noticia es que el álbum ofrece otras cosas a las que vale la pena prestar atención. Con ‘Prosthetic Boombox’, Urango ha querido hacer un disco variado, que sonase como una emisión de radio donde la música disco, el funk, el R&B y el soul son los estilos principales, y ha logrado hacer un trabajo que, dentro de los sonidos que toca, suena personal y honesto.
La meta de ‘Prosthetic Boombox’ es el escapismo, lo cual queda muy reflejado en cortes tan divertidos como ‘Mailbox’, 100% Prince, o el desenfadado ‘You Can Do It’. Como canta Urango en el escalofriante single de soul psicodélico ‘Kids Born in Space’ con Andrew VanWyngarden de MGMT, el artista se basta de la música para «soñar» y escapar del mundo real, que tan hostil le ha sido pues Urango nació con espina bífida y escoliosis y ha conocido de primera mano la discriminación de la sociedad. En este tema, Urango relata las dificultades que ha vivido desde pequeño debido a su discapacidad («no tienes que caminar, no tienes que hablar, ellos ya te están mirando fijamente, cada día es lo mismo») pero solo para declarar que él sigue adelante y que «no vivirá en la sombra de nadie».
Vuelve a haber un sentimiento de no querer rendirse por nada del mundo en ‘Song for the Mister’, una canción de soul-pop tan elegante, tan exquisita, que solo podía haberla producido Nicolas Godin de Air (productor también de la maravillosa ‘Back to Your Heart‘ con Kate NV), y en la que Urango captura esa sensación de no ser aún lo suficientemente maduro para la vida adulta («pagaré todas las facturas, nos alimentaré, me la ganaré de vuelta, no me rendiré»). Muchas veces las letras ponen sobre la mesa que la oscuridad no se ha ido a ninguna parte, como cuando, en la acongojante balada funk ‘Got the Mile’ Cola Boyy recuerda los tiempos en que, sentado en las gradas de un pabellón, «soñaba con aquello que nunca podrá ser»; pero la música claramente busca expresar otra cosa, canalizar ese dolor a través de la música.
Así, ‘Mailbox’ es claramente el corte más hedonista del largo y ‘Don’t Forget Your Neighborhood’ el más eufórico y emocionante, pero Cola Boyy se permite también coquetear con el french house en ‘Roses’ u, otra vez, con la música disco en ‘Mink’, mientras el R&B-pop de ‘For the Last Time’ es otro ejercicio retro estupendamente resuelto. Era de esperar que un álbum llamado ‘Prosthetic Boombox’, en cuya portada se pueden ver dos cosas muy a simple vista, por un lado, a Cola Boyy tocando su guitarra acústica y, por el otro, una pierna prostética colocada en una mesa, presentara una visión colorida de este mundo que no ha sido fácil para su autor. Aparte de lo personal que suena ‘Prosthetic Boombox’, el hecho de que este disco exista es revolucionario en sí mismo.
Mientras C. Tangana vuelve al número 1 de la lista de álbumes española con ‘El Madrileño‘ y Olivia Rodrigo queda en el puesto 2 con ‘SOUR‘, el artista de rap, flamenco y reggaetón de Valencia Nyno Vargas firma la entrada más importante de la semana con ‘El efecto Nyno… Continuará’, que aparece en el número 9.
A continuación, Maroon 5 colocan ‘JORDI‘ en el número 11, una de las mejores posiciones logradas por el disco en las listas, pues no queda tan lejos del resultado obtenido en su mercado principal, Estados Unidos, donde ha entrado en el número 8; y es mejor dato incluso que el británico (19). ‘JORDI’ de hecho debuta más arriba que ‘Red Pill Blues‘ (14) pero más abajo que ‘Overexposed‘ (5). Ni cabe decir que ‘Beautiful Mistakes’ con Megan Thee Stallion está cargando con todo el peso del disco, pues es una de las canciones más escuchadas actualmente a nivel global.
‘No Gods No Masters‘ de Garbage entra en el número 35 de la lista de álbumes española. Sin acercarse ni de lejos a su top 5 en Reino Unido (y top 2 en Escocia), es curiosamente el mejor dato obtenido por el disco en la Europa continental con la excepción de Suiza (13). En Francia no ha pasado del número 40 y en torno a esta posición ha quedado el álbum en Italia (63) o, volviendo a las islas, Irlanda (42).
Otra entrada destacada en lista, aunque para mal, es la del disco de Marina, que aparece en el número 54, dos puestos por debajo que el de Migos (52). El paso de ‘Ancient Dreams in a Modern Land‘ por las listas de éxitos está siendo modesto: su tope en Reino Unido ha sido un número 17 y en Estados Unidos ha entrado por los pelos (92), mientras en territorio como Alemania (43), Finlandia (33) o Irlanda (27) ha quedado muy lejos del top 10. No ha ayudado que no se haya lanzado vinilo al mercado de este trabajo.
Metallica, la gran confirmación que ha dejado el nuevo (y polémico) cartel de Mad Cool 2022, celebrarán el 30 aniversario de ‘The Black Album’ lanzando un álbum de versiones en el que han invitado a decenas de artistas a versionar las 12 pistas que incluye su mítico trabajo de 1991. ‘The Metallica Blacklist’ sale el 10 de septiembre en formato digital y el 1 de octubre en formato físico e incluye hasta 12 versiones de ‘Nothing Else Matters’ y un total de 52 pistas nada menos.
Entre los artistas invitados en ‘The Metallica Blacklist’ se encuentra Miley Cyrus, que ya trabajaba en su propio álbum de versiones de Metallica, y quien interpreta ‘Nothing Else Matters’ junto a Elton John, entre otros artistas, en una cover que ya puede escucharse y que, en principio, pertenecía a su proyecto, pero que ha terminado en este.
Entre los artistas invitados hay que mencionar algunos tan improbables (en principio) como J Balvin, The Neptunes (el grupo de Pharrell Williams y Chad Hugo), Mon Laferte, Juanes o el saxofonista Kamasi Washington, así como a St. Vincent, Royal Blood, Alessia Cara, Phoebe Bridgers, My Morning Jacket, Dave Gahan de Depeche Mode, Weezer (que también publicaron su «black album»), Mac DeMarco, Cage the Elephant, Portugal. the Man, IDLES, Rodrigo y Gabriela o Moses Sumney, entre muchísimos otros.
Este es el tracklist completo de ‘The Metallica Blacklist’:
Alessia Cara & the Warning – Enter Sandman
Mac Demarco – Enter Sandman
Ghost – Enter Sandman
Juanes – Enter Sandman
Rina Sawayama – Enter Sandman
Weezer – Enter Sandman
Sam Fender – Sad but True (Live)
Jason Isbell and the 400 Unit – Sad but True
Mexican Institute of Sound Feat. La Perla & Gera Mx – Sad but True
Royal Blood – Sad but True
St. Vincent – Sad but True
White Reaper – Sad but True
Yb – Sad but True
Biffy Clyro – Holier Than Thou
The Chats – Holier Than Thou
Off! – Holier Than Thou
Pup – Holier Than Thou
Corey Taylor – Holier Than Thou
Cage the Elephant – the Unforgiven
Vishal Dadlani, Divine, Shor Police – the Unforgiven
Diet Cig – the Unforgiven
Flatbush Zombies Feat. Dj Scratch – the Unforgiven
Ha*ash – The Unforgiven
José Madero – The Unforgiven
Moses Sumney – The Unforgiven
J Balvin – Wherever I May Roam
Chase & Status Feat. Backroad Gee – Wherever I May Roam
The Neptunes – Wherever I May Roam
Jon Pardi – Wherever I May Roam
Sebastian – Don’t Tread on Else Matters
Portugal. The Man Feat. Aaron Beam – Don’t Tread on Me
Volbeat – Don’t Tread on Me
The Hu – Through the Never
Tomi Owó – Through the Never
Phoebe Bridgers – Nothing Else Matters
Miley Cyrus Feat. Watt, Elton John, Yo-yo Ma, Robert Trujillo, Chad Smith – Nothing Else Matters
Dave Gahan – Nothing Else Matters
Mickey Guyton – Nothing Else Matters
Dermot Kennedy – Nothing Else Matters
Mon Laferte – Nothing Else Matters
Igor Levit – Nothing Else Matters
My Morning Jacket – Nothing Else Matters
Pg Roxette – Nothing Else Matters
Darius Rucker – Nothing Else Matters
Chris Stapleton – Nothing Else Matters
Tresor – Nothing Else Matters
Goodnight, Texas – of Wolf and Man
Idles – The God That Failed
Imelda May – The God That Failed
Cherry Glazerr – My Friend of Misery
Izïa – My Friend of Misery
Kamasi Washington – My Friend of Misery
Rodrigo Y Gabriela – the Struggle Within
Cargando ...
