Kelly Rowland lo petó cosa mala allá por 2010 gracias a los singles de David Guetta en los que ejerció de vocalista. ‘When Love Takes Over’ puede considerarse pionera de toda la ola de música pop eurodance que llegó después, pues, publicada en la primavera de 2009 (!!!), allanó el terreno para el éxito posterior de temas como ‘On the Floor’ de Jennifer Lopez, ‘Only Girl (In the World)’ de Rihanna o ‘DJ Got Us Fallin in Love’ de Usher. La propia Kelly Rowland se apuntaría otro single de éxito con Guetta llamado ‘Commander’ unos años después, aunque sin igualar el impacto de su primera colaboración. También editaría la ya olvidada ‘Forever and a Day’.
Hoy 14 de octubre, adelantándose al día oficial de lanzamientos quizá para que no se pierda en la montaña de singles que sale cada semana, Kelly estrena un tema nuevo en el que vuelve a la pista de baile, pero no tal y como la entendía esta Guetta hace 10 años (aunque el francés está ya a otras cosas), sino más bien en el estilo disco que están recuperando este año Dua Lipa, Kylie Minogue o Jessie Ware.
Mucho más americana que europea, por tanto, ‘Crazy’ empieza como una producción de Kanye West debido a su uso de cuerdas y la presencia de un sample de un tema de viejo soul, ‘I’ve Got it All With You’ de Lamont Dozier, para aterrizar en la pista con un ritmo disco de sonido marcadamente electrónico, bordeando el house. Las mencionadas cuerdas, así como el sample, atraviesan toda la producción mientras Kelly canta sobre la obsesión que un nuevo amor está produciendo en ella: «el amor engancha más que cualquier droga, cuando te vas, es como si se me fuera el aire de los pulmones, te necesito tanto que me asusta, estoy claramente enganchada a ti», clama la artista, antes de sentenciar: «no importa lo que haga, estoy jodida». ‘Crazy’ llega después de ‘COFFEE‘, que pasaba por nuestra sección «Canción Del Día».
‘American Head’ es el álbum más destacable que The Flaming Lips ha publicado en la última década. Quizás sea porque nos retorna a su época más célebre, la de ‘The Soft Bulletin’ y ‘Yoshimi Battles the Pink Robots’; quizás porque es un disco que rehuye las chaladuras y se centra en las canciones. Wayne Coyne nos guarda 25 minutos en su ajetreada agenda para contestar a nuestras preguntas, aunque hablar con él no ha sido fácil; el primer intento de entrevista fracasó por un cambio de horario de última hora. El segundo, afortunadamente, se salda con éxito, aunque su sello nos advierte que Wayne es muy estricto con el tiempo. A pesar de esta rigidez horaria, Wayne al teléfono es amable y hablando mantiene esa voz de duendecillo ronco que usa en sus canciones.
¿Qué es exactamente ‘American Head’? Para mí, es como una Ópera Rock, o una “Road Movie”.
Estoy de acuerdo, es fácil ver las historias, conectarlas. Incluso varias de las canciones suenan parecidas, porque comparten estado de ánimo. Creo que esto sucede mucho en los álbumes que están autoproducidos, al ser los autores de las canciones, los intérpretes, los mismos. Nos autoproducimos el disco, aunque Dave Fridmann estuvo ahí para ayudarnos. Creo que hay cierta atmósfera que quieres habitar durante una temporada. Eso es lo que ocurrió aquí; creo que cuando hacemos nuestros álbumes más satisfactorios es cuando somos capaces de llevar adelante una atmósfera, una línea argumental (pausa). No sé si es un álbum conceptual, todos los discos escritos, arreglados y producidos por los mismos intérpretes tienen algo de “concepto”, porque ya tienes una idea sobre lo que quieres hacer; no es un álbum conceptual, no es como si fuera un relato de ciencia ficción o algo así, pero sí que se puede ver como álbum conceptual porque mantiene cierta conexión dinámica entre sí.
El disco, además, parece situado a finales de los 60 o principios de los 70. Se crea una fantasía a partir de la historia de un adolescente que vive durante esa época. Hay múltiples referencias: la guerra de Vietnam, ciertas drogas como el LSD, etc ¿Era ese el punto de partida?
Lo es en un sentido. Steven [Drozd] y yo nunca hemos expresado del todo qué era ser un adolescente en EEUU, con drogas, suicidios, accidentes de coche… Nunca expresamos esa parte de Flaming Lips, ese punto de vista. Así que imaginamos el tipo de música agradable y adecuada para explicar esa experiencia. Y cuando lo conseguimos, hicimos algo más que sumergirnos en ello: nos anticipamos. Cuando empezamos, nos dijimos “hagamos un par de canciones y veremos dónde nos lleva”. Y, de alguna manera, algunas de las canciones aparecieron pidiendo más. [‘American Head] tiene un algo de brutalidad, de dureza. Sin embargo, la música y la cadencia de la música te hacen ver que las canciones son sobre el amor, que hay una profunda preocupación sobre el tema. No estamos tratando de ser irónicos o alternativos, no tratamos de burlarnos de nadie.
«Cuando hacemos nuestros álbumes más satisfactorios es cuando somos capaces de llevar adelante una atmósfera, una línea argumental»
Siempre os habéis caracterizado por la tendencia a hacer música experimental, bastante más acusada en vuestros últimos discos. Pero ‘American Head’ suena muy clásico, recuerda mucho a bandas como Pink Floyd, Beatles, Beach Boys. Unas bandas que, por eso, siempre os han influenciado. ¿Eso es lo que queríais? ¿Recuperar un sonido más clásico?
Sí, aunque nosotros ya somos algo así como una banda de rock clásico. Hay una tendencia a lo narrativo en el rock clásico. El disco sí que recuerda a la música de los sesenta-setenta, sí que está más basado en contar historias… pero no tienes razón del todo. Sí que ha habido momentos en que hemos hecho muchas cosas locas. Pero todo este estilo narrativo, como ‘American Head’, no está apareciendo de la nada. Cuando hablas de cosas “freakies”, y quieres resultar verosímil y pintar situaciones creíbles, no quieres meterte mucho en estas “zonas chifladas”. Y a Flaming Lips nos meten muy fácilmente en el saco de chaladuras raras/mierda experimental. Hemos hecho muchos discos y creo que lo más relevante en nosotros es que siempre estamos haciendo discos, siempre tratamos de hacer algo, de profundizar en las cosas. Y no creo que se trate de de hacer constantemente “el disco perfecto”, no creo que hayamos nunca tenido esa conciencia. Somos muy conscientes de qué frágiles son las canciones. Eres muy afortunado cuando tratas de escribir una canción de una manera determinada y te llega de una manera determinada. Steven y yo sentimos que somos esclavos al servicio de las canciones. Hacemos lo que pueda servir mejor a la canción. Cuando estás profundizando en asuntos personales y dolorosos no quieres resultar poco verosímil, quieres permanecer en una verdad auténtica. Y eso se refleja en cómo suenan la batería, los instrumentos, los reverbs, la voz…
«Somos algo así como una banda de rock clásico. Hay una tendencia a lo narrativo en el rock clásico»
Y entonces, estos temas, ¿están basados en alguno de vosotros? ¿O en alguna otra persona?
Sí… La mayoría de compositores escribimos sobre un montón de cosas diferentes. Pero a este tipo de melodías parece que solo puedes llegar si cantas sobre algo con lo que estás realmente luchando; melodías que muestren este tipo de duelo, de ensoñación, de recuerdo. Hay muchos estados de ánimo que puedes reflejar [en una canción], pero el estado de ánimo en ‘American Head’ es definitivamente nostálgico y melancólico. Es triste… pero una tristeza optimista.
Sin embargo, canciones como ‘Assassins of Youth’ o ‘My Religions Is You’ parecen apartadas de esta deriva narrativa-melancólica con respecto al resto del álbum. Quizás me equivoque, pero parecen más bien reflexiones vuestras actuales.
No, no, estoy de acuerdo contigo. ‘My Religion Is You’ es una canción que… no hemos acabado del todo. Pero es una muy buena versión de una canción que escribimos hace tres años. Y ‘Assassins of Youth’ es una canción en la que seguimos trabajando. Pero es verdad que parecen más abstractas que el resto. Son personales, pero menos. Intento que haya un espíritu de conocimiento, pero no trato de juzgarlas de una manera demasiado cerebral. Para mí si la canción suena guay ya es genial. Son evocadoras, aunque no soy siempre el mejor para juzgar cuando algo es “evocador” porque, como oyente, me puedo confundir.
Y ‘My Religion Is You’, quizás sea la canción más significativa del álbum. ¿Es una canción de amor, una declaración de principios, una canción protesta? ¿O es todo eso a la vez?
Creo que la mejor clase de canciones románticas son filosóficas también. Porque eso significa que se ha incidido más en la composición, más en lo universal, más en lo personal. Todo el mundo se puede ver identificado en amar a alguien, todo el mundo puede verse identificado en otra persona. Pero no he escuchado a mucha gente en la vida real diciendo “mi religión eres tú”. Religión es una palabra tan grande… Significa algo sagrado; significa diferentes formas de lo sagrado. Y me gusta porque es una frase potente de decir. Y en vez de lo típico de Dios, Jesús u otros tipos de imágenes icónicas y típicas de la religión, decir “Mi religión eres tú” es una manera divertida de expresar algo bastante fuerte. Estoy muy contento de haberlo podido expresar en la canción, porque no pensaba que fuera capaz de decirlo en la vida real (risas). ¡Es algo inmenso de decir! Pero en una canción tienes permiso para ser más extremo. Estoy de acuerdo contigo, creo que es una declaración. Pero puede ser a tu madre, tu mujer, tu hermano. Incluso puede referirse a los árboles de tu jardín, o al cielo. Cualquier cosa que te cuestiones y que esté muy dentro de ti, tú creas esa idea. Por eso digo “Mi religión eres tú”. Lo que tú estás admirando, lo has creado tú (en tu cabeza), por eso digo que puede ser tu madre, o el cielo. Pero también creo que es un buen ejemplo de canción romántica.
Cambiando de tema. Sobre la pandemia, en el vídeo de ‘Dinosaurs on the Mountain’ aparecéis dando un concierto. Tanto vosotros como el público estáis dentro de vuestra clásica burbuja de plástico. ¿Veis la burbuja como una predicción del futuro? ¿Cómo afectó la pandemia al proceso de grabación del disco?
Parte de lo malo de esta pandemia, desde el principio, es una enorme preocupación, porque hay gente muriendo. Y esto es una preocupación diaria. Al principio The Flaming Lips no estábamos considerando no hacer conciertos, no sacar discos. No piensas en ello, porque son los cimientos de tu vida. Durante un par de meses no fue tan serio, especialmente aquí en en Oklahoma; la población no vive amontonada como en Nueva York. En mi casa ni siquiera hay mucha gente, además está bastante apartada. Así que, al principio de todo, las cosas no eran muy diferentes, estábamos haciendo igualmente algunos conciertos, íbamos a tocar hasta finales de junio-julio. Y la burbuja espacial al principio la usé un poco como una broma, porque ninguno de nosotros pensaba que esto iba a durar seis meses o un año, creíamos que iba a ser un mes o así y que todo volvería a ser como antes. Pero a medida que el año ha avanzado, dudo que pueda ser como antes. Y me estoy preparando para que, sea lo que sea que vaya a ocurrir, en vez de estar esperando a que todo vuelva a ser como era antes, a empezar a hacerlo [todo] de una manera nueva. Cuando hablo de “conciertos en burbujas espaciales”, me pregunto “¿por qué no?”. Si solo hacemos uno, y todo vuelve luego a la normalidad, será fantástico. Pero si hacemos diez o cien [conciertos en burbujas], quizás vaya a ser esta la manera de dar conciertos. Realmente no lo sé. No sé cuánto tiempo tendremos que esperar hasta volver a la normalidad. Yo soy de la opinión de que lidiemos con la situación actual, en vez de suponer que va a ser diferente. La analogía que hago es que estamos en medio del océano y hay que alcanzar una orilla diferente, que tenemos que mover nuestro barco. No sé si vamos a volver a la normalidad. Y es por eso por lo que, cuando hablo de las “burbujas espaciales”, pienso que es una opción en el futuro. De alguna manera, todo el mundo está construyendo su futuro ahora mismo. Las cosas que hagamos ahora se reflejarán en el futuro. Y esta es la realidad para todo el mundo, si no haces nada, esperando a que el futuro vaya a ser como era el pasado, bien… Podría ser. Podría ser para ti, pero podría no ser para mí. Yo doy la bienvenida a un cambio; doy la bienvenida a una nueva manera de ver el mundo. Quizás no sea lo mismo, pero es la manera en que lo enfrento.
«Lidiemos con la situación actual, en vez de suponer que va a ser diferente»
Hablando de futuro, ahora viene la pregunta política (lo siento). En una entrevista que diste el año pasado a RollingStone sobre lo más significativo de la pasada década, escogiste como “el momento más «2010» la elección de Donald Trump. Decías que “ni siquiera me gusta hablar de él; nadie necesita mencionar su nombre”. Y remataste añadiendo “de todos modos no ganará las próximas elecciones”. ¿Cómo ves las elecciones ahora? ¿Sigues creyendo que no va a ser reelegido?
Bueno…. [Wayne para y empieza a reírse]. La verdad, ¡no lo sé! Ese es el dilema más extraño de la realidad en la que operan la política, el entretenimiento y los medios. Cuanta más gente razonable dice que no será reelegido, mejor se vuelve el argumento de que volverá a salir elegido. Cualquier cosa que digas un año puede no ser verdad al siguiente, porque habrá una reacción en contra (pausa). No lo sé (remarca mucho las palabras). Creo que tener un tarado horrible tipo dictador como líder, en algunos aspectos cambia la manera en que se comporta la población. Bajo el mandato de Donald Trump, en EEUU tenemos la necesidad de tener movimientos -tenemos movimientos fantásticos, como el Black Lives Matter-. Siento que ahora estos movimientos emergen más, son más fuertes y se comprenden mejor. Una parte de mí piensa que, mientras tengamos a Donald Trump, que es el peor ejemplo de ser humano, también la población tratará de ser más amable y de preocuparse más por el resto de gente. Quizás es lo que merecemos, lo que necesitamos. Que las noticias [los medios] sean tan horribles, que sean tan racistas, tan injustos, porque eso, quizás, nos hará ser personalmente menos racistas, más justos. No lo sé. La verdad, nunca me ha importado quién es el presidente. Me importa mi representante local de aquí, el que está ayudando a mi vecindario. No creo que el presidente de EEUU tenga mucho que decir sobre mi vida. No le pienso dar ese poder, no pienso esperar que me diga qué está bien o qué está mal. No pienso esperar a que Donald Trump guíe ese camino, no pienso esperar a que él me diga lo que debo hacer. Aunque hay mucha gente que sí espera eso del presidente, y trato de comprender la sociedad aún mayor en la que vivo, de la que estoy rodeado, y quiero ayudar también. Pero esto es cosa mía: no le quiero dar ese poder.
Hoy se cierra el plazo para presentar canciones desconocidas a la nueva edición del JNSP Song Contest de nuestros foros, el concurso mediante en el que los usuarios presentan regularmente temas de artistas noveles para ser valorados y votados por la comunidad. La última canción ganadora hace unos días fue ‘Close to You (Moonlightning)’ de Cosima, un tema presentado por el usuario Erasmusborracho aparentemente inofensivo que fue ganando enteros con las escuchas hasta convertirse en ganador en un «foto finish» muy ajustado en el que hizo falta recurrir al VAR y a la calculadora: tuvo que sortear un empate, haciéndose con el «premio» por número de 12s recibidos, como en Eurovisión, y número de votantes. En segundo lugar quedaba el remix de ‘Lluvia’ de Irepelusa con Veztalone y Cantamarta, presentado por el usuario Fdkum.
‘Close to You (Moonlightning)’, hoy nuestra «Canción del Día», es una de las composiciones más emblemáticas que de momento ha publicado la artista del sureste de Londres Cosima, cuya carismática voz puede atrapar tanto a los seguidores de fun. como Rhye o Sade, a los que recordaba en ‘Concubines Call’, una de las canciones incluidas en su EP de 2016, ‘South of Heaven’. Desde entonces han sido muchos los singles sueltos que ha venido editando, a destacar ‘Here from You’ junto a Branko de Buraka Som Sistema, ‘No New Lies’ junto a Kindness o este ‘Close to You’ que se editaba a finales del año pasado.
Más que a la «luz de la luna», ese «moonlightning» hace referencia a alguien «pluriempleado» o más bien «desdoblado», capaz de hacer al mismo tiempo el mal y el bien, de contener dentro de sí la «crueldad» y la «ternura». Cosima se postula a su vez como alguien que puede ser al mismo tiempo alguien «lista» y «estúpida», como alguien «que lo sabe todo» y como alguien que «no tiene ni idea» solo para «acercarse» al ser querido. Sencilla en su juego de opuestos, la producción se va creciendo con el añadido de arreglos de cuerda sobre el característico beat del tema, un medio tiempo como a punto de dejar atrás su poso R&B.
La cantante explicaba el tema así en Complex: «»‘You were something cruel moonlighting as something special’ fue una línea que escribí en mi bloc de notas cuando estaba manteniendo la relación que inspiró la canción. Hay cosas que no eres capaz de ver hasta que se han acabado. Esta canción es exactamente eso». Os dejamos con el vídeo del tema y un espectacular a capella realizado para COLORS.
Stevie Wonder ha publicado dos canciones nuevas. La funky ‘Can’t Put it In the Hands of Fate’ cuenta con la participación de Rapsody, Cordae, CHIKA y Busta Rhymes, mientras ‘Where is Our Love Song’ es una balada soul en la onda de Bill Withers en la que aparece como artista invitado el guitarrista Gary Clark Jr., a quien hace poco escuchábamos en la mejor canción del último disco de Macy Gray. Cerrando el círculo, Macy publicó en 2012 el álbum ‘Talking Book‘, una revisión del disco de Stevie Wonder del mismo nombre. Ambos temas sirven a Stevie para anunciar el nacimiento de su nuevo sello propio, So What the Fuss Music.
Como todo fan de Stevie recordará, ‘So What the Fuss’ fue el primer single de ‘A Time to Love’, el hasta ahora último álbum de estudio del músico hasta la fecha, publicado en 2005. Stevie, uno de los artistas de pop, funk y R&B más influyentes de todos los tiempos, ya solo publica música de uvas a brevas y su último lanzamiento fue un single con Ariana Grande llamado ‘Faith’ que pasó totalmente desapercibido. Antes, en 2015, el músico colaboró en un par de temas de ‘Uptown Special‘ de Mark Ronson y también en una versión de su propio tema ‘Overjoyed’ incluida en el álbum de Céline Dion de 2013, ‘Loved Me Back to Life’. ‘Can’t Put it In the Hands of Fate’ y ‘Where is Our Love Song’ son los primeros lanzamientos de Stevie fuera de Motown Records desde el año 1961.
A pesar de la sequía de lanzamientos largos en el universo de Stevie Wonder, el artista ha seguido grabando y de hecho se conocen hasta cuatro álbumes inéditos que él mismo ha confirmado. Los primeros los anunció en 2008 y se titulan ‘The Gospel Inspired By Lula’ y ‘Through The Eyes Of Wonder’, y los segundos, anunciados en 2013, llevan por título ‘When the World Began’ y ‘Ten Billion Hearts’. Por el momento, se desconoce si estos dos nuevos temas pertenecen a alguno de estos lanzamientos. ¿Será la llegada del nuevo sello una pista?
Demi Lovato estrena un nuevo tema nuevo con el que pretende animar a la población a votar en las inminentes elecciones. En ‘Commander in Chief’, Demi se dirige explícitamente al presidente de Estados Unidos, Donald Trump, para pedirle que rinda cuentas por su gestión de la pandemia. «¿Sabes acaso la verdad? Estamos en un estado de crisis, la gente está muriendo, mientras tú te llenas los bolsillos», canta la artista. «Señor presidente, ¿cómo se siente al poder seguir respirando?»
Como composición, ‘Commander in Chief’ es una balada extrañamente contenida para lo que suele cantar Demi Lovato, lo cual puede explicarse con el hecho que una de sus autoras es Julia Michaels, cuyo estilo melódico es inconfundible y, en la canción que nos ocupa, perceptible desde el segundo cero (especialmente en ese agudo «estamos en un estado de crisis» del estribillo). Por otro lado, si la sutil producción de ‘Commander in Chief’ recuerda a otra balada reciente, ‘Lose You to Love Me‘ de Selena Gomez, es porque ambas comparten a uno de sus productores principales, FINNEAS: inconfundibles también son el sonido de sus pianos y baterías así como la irrupción de un coro góspel que, hacia la mitad, eleva el drama de la canción sin estridencias.
En CNN, Demi ha explicado el origen de ‘Commander in Chief’: «Ha habido muchas veces que he querido escribir al presidente una carta o sentarme con él y hacerle unas cuantas preguntas, pero entonces pensé que realmente no quería hacer eso y que la mejor manera de dirigirme a él era escribirle una canción y lanzarla para que todo el mundo pudiera escucharla, para que así él tuviese que responder a esas preguntas delante de todo el mundo y no solo a mí».
Recientemente, Demi ha publicado el single de electropop ‘OK Not to Be OK’ con Marshmello. Antes, la cantante aparecía como artista invitada en ‘I’m Ready’ de Sam Smith. Su último disco de estudio, ‘Tell Me You Love Me‘, salió en 2017.
Kylie sube al puesto 1 con ‘Magic‘, el segundo single de su nuevo disco, desbancando a Lady Gaga, que pasa al número 2 con ‘911‘. Esta vez Dua Lipa no ha logrado el número 1 con ‘Levitating’ como sí lograra con ‘Don’t Start Now’, ‘Physical’ y ‘Break My Heart’, quizá por una cuestión de saturación o por cuánto nos ha mareado con diferentes remixes del tema, que no eran en absoluto necesarios en este caso. En cualquier caso, destacada entrada, mucho más que las de Nathy Peluso, Jónsi y Romy, quien sorprendentemente llega tan sólo por los pelos al número 40. Esta semana nos despedimos de ‘Who’s Laughing Now’, ‘exile’ y ‘My Future’, ya con 10 semanas en la tabla y en la mitad baja. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
El Ministerio de Cultura ha lanzado estos días su campaña Cultura Segura, con la que pretende «incentivar la afluencia de público a los espacios culturales» y defender que «los espacios culturales son seguros». Esta mañana ha tenido lugar en el Cine Doré de Madrid la presentación del vídeo central de la campaña, que ha contado con la participación de artistas como Alejandro Amenábar, Ana Belén, Ainhoa Arteta, Isabel Coixet, Antonio Canales, Luis García Montero, Joaquín de Luz, Manuela Velasco o Sergio Momo.
Alerta Roja, la plataforma formada por más de 200 asociaciones, sindicatos y profesionales del sector de los Espectáculos y los Eventos que se ha unido para exigir al Gobierno medidas que protejan a dicho sector, ha declinado acudir a la presentación de una campaña «en la que no ha participado el propio sector tal y como se comprometió el ministerio en la reunión mantenida». En su lugar, la plataforma defiende que existen «medidas más importantes» a las que atender que el lanzamiento de dicha campaña, las cuales lista en un comunicado.
— Ministerio de Cultura y Deporte (@culturagob) October 13, 2020
En el mismo comunicado, Alerta Roja lamenta: «No es el momento para presentar la campaña sin consenso previo y sin que se rectifique para encontrar el camino que realmente tenga el efecto que todxs lxs profesionales y demás componentes de la cultura y los eventos necesitamos. Estamos dispuestxs a participar desde ya en esa campaña, tal y como se indicó en la reunión, y estamos segurxs de que si el público conociese los cientos de profesionales que hay detrás de cualquier evento o espectáculo podrá concienciarse que cuando acude a los mismos está generando empleo para muchas personas, personas que ya han dejado de ser invisibles. Pero más seguros estamos de que la campaña solo será efectiva si se van cumpliendo los compromisos adquiridos durante las reuniones, y medidas que hace meses esperamos».
«El Ministerio tiene la oportunidad de hacer historia recuperando y construyendo un sector desde la base, con, primero las medidas más urgentes, para seguir con las también importantes», continúa el texto. «Sin embargo, se sigue dejando pasar el tiempo, y tiempo es lo que ya no tenemos. Lxs profesionales siguen cayendo y las empresas siguen cerrando, somos un sector que ya no tiene nada que perder».
Hace unas semanas, JNSP habló con diversas representantes políticas sobre la desatención por parte del Gobierno del sector cultural.
Las medidas listadas por Alerta Roja:
1.- Para que esta campaña sea efectiva y llegue de verdad a las personas, tanto al público como a todxs lxs profesionales que formamos parte de la cadena de valor, creemos firmemente en el trabajo conjunto, colaborando desde el inicio, tal y como se contempló en la última reunión, y trabajando de manera consensuada, para que esta campaña cumpla los objetivos fijados en las reuniones. Es decir, sensibilizar y motivar al público para que vuelva a los espacios culturales en todos los ámbitos, y hacer pedagogía de las cientos de profesiones y disciplinas de todas las personas trabajadoras, unido, sin ninguna duda, al punto 2.
2.- Ninguna campaña puede arrancar si no hay medidas concretas que la acompañen y que se implementen con urgencia. Sobre todo, y como hemos trasladado en Cultura y en Trabajo, y el pasado jueves ante Presidencia de Gobierno también, el rescate de lxs muchxs profesionales que, por el carácter intermitente de la actividad se encontraban fuera del sistema de la seguridad social; o que tras los sucesivos Reales Decretos se han quedado fuera por no haber cotizado un período de tiempo mínimo, o que tienen problemas con los ERTE y los ingresos indebidos sin cartas de pago. También el rescate de todas las empresas que forman parte del tejido productivo que están viendo cómo los gastos siguen siendo los mismos, se terminan los tiempos de carencia de los créditos ICO, no hay manera de pagar las facturas… Personas que ya no tienen margen para seguir adelante, empresas que se van a la quiebra y un sector que se va hundiendo poco a poco sin contemplar medidas concretas para su rescate y recuperación.
TEMAS PENDIENTES DESDE LA REUNIÓN DEL 8 DE OCTUBRE
– Necesidad de un plan de medidas concretas para el rescate y reactivación del sector, a realizar conjuntamente con el Gobierno, con un fiel compromiso al tratarse de un sector especialmente perjudicado y afectado por la pandemia.
– La realización por parte del Gobierno de una gran campaña de #culturasegura, que sensibilice y motive al público a volver a los eventos y espectáculos, en colaboración con el sector. Especial atención a las salas de conciertos, que es donde nace el talento, y que están en riesgo de desaparecer, lo que supondría un escenario desierto de creación artística.
– Necesidad urgente de normativa específica y homogeneizada en las Comunidades y Ciudades Autónomas para la reactivación de la actividad del sector cultural en contexto Covid19 en un marco de seguridad jurídica para todos lxs implicadxs, incidiendo en las discrepancias de reajustes de aforos, especialmente sobre los porcentajes afectados dada la disparidad entre Comunidades y Ciudades Autónomas, quedando incluso, a la arbitrariedad del ente público que deba conceder la licencia en los considerados extraordinarios o multitudinarios.
– Regulación para los establecimientos que disponen de licencias con actuaciones musicales en directo (sala de fiesta, café espectáculo, bar especial con actuación musical en directo, restaurante espectáculo, café concierto, o asimilables según la regulación autonómica) o que en aquellos establecimientos o espacios que soliciten autorizaciones extraordinarias, que al menos las actuaciones musicales en directo puedan celebrase cumpliendo las medidas y limitaciones de manera unificada, al igual que se está permitiendo o autorizando en el resto de establecimientos y espacios tan solo por disponer de diferente tipo de licencia, teniendo en cuenta que los reajustes para adaptarse a las limitaciones de aforo al porcentaje establecido en la normativa de aplicación de los diferentes ámbitos territoriales, deberían realizarse en función del cálculo fijado para ello por el Código Técnico de la Edificación, Documento Básico SI3.
– Instar a las Comunidades y Ciudades Autónomas a que utilicen el presupuesto destinado a cultura y programen buscando alternativas sin cancelar espectáculos.
– Petición expresa de evitar comunicaciones que puedan malinterpretarse o dar una mala imagen del sector.
– La vuelta a la actividad en 2021 como única alternativa para la continuidad de la industria cultural, bajo las medidas de seguridad contempladas en la Guía “Directrices y Recomendaciones para la celebración de Eventos y Espectáculos en contexto Covid-19”.
– Revisión de la fiscalidad aplicable al sector, incluido el IVA.
– Situación del régimen y desprotección laboral de lxs trabajadores del sector. Creación de un fondo de compensación al no poder aplicarse el carácter retroactivo en los Reales Decretos aprobados para aquellas prestaciones o subsidios a los que no han podido tener acceso muchxs profesionales que se encuentran fuera del sistema de seguridad social en el momento de decretarse el Estado de Alarma el pasado 14 de marzo 2020.
– Consideración del sector como estratégico para la recuperación económica.
– Solicitud expresa de aclaración por parte del Gobierno sobre el “Pacto de la Cultura”, en términos de objetivos y entendiendo que ha de dotarse de presupuesto y que debe ser un crecimiento sostenible.
Si has estado atento/a esto días a la tele o a las redes sociales te habrás hartado de ver anuncios de ‘The Mask Singer: Adivina quién canta’, el nuevo programa de entretenimiento musical que está a punto de estrenarse en Antena 3. Dicho programa estará presentado por Arturo Valls y contará con un jurado compuesto por Javier Calvo, Javier Ambrossi (ambos Los Javis), Malú y José Mota.
¿En qué consistie ‘The Mask Singer’? Es una especie de mezcla entre ‘Tu cara me suena’ y ‘La voz’ pero llevada al extremo de lo estrambótico. Los concursantes serán celebridades conocidas por todos, desde «actores de Hollywood» a «aristócratas» pasando por «ganadores de premios Ondas» (¿un saludo a David Broncano?), pero su identidad tendrá que ser adivinada por el público y el jurado, ya que estas celebridades actuarán disfrazadas de varios animales o seres mitológicos. Y los disfraces no serán cualquier cosa: el mismo programa asegura que estos disfraces son su «eje central» y ha ideado un catálogo de «personajes» que parecen sacados de un videojuego y cuentan con su propio nombre y aspecto reconocible. Estos personajes son Gamba, Girasol, Caniche, Cuervo, Pulpo, León, Monstruo, Unicornio, Cerdita, Catrina, Camaleón y Pavo Real.
Sigue sin conocerse fecha de estreno de ‘The Mask Singer’, pero sí se sabe que Vanesa Martín ha sustituido a Malú en uno de los rodajes debido a una hernia discal que sufre. El programa llega ahora a España después de que la versión coreana haya sido un gran éxito, llegando a impulsar recreaciones igualmente exitosas tanto en Estados Unidos como en Tailandia, de donde procede el vídeo de dicho espectáculo más visto en Youtube (más de 300 millones de visualizaciones). El programa también ha triunfado en Australia, Francia, Alemania, Italia, Reino Unido, México y Países Bajos.
Los caminos del streaming son inescrutables, y si no que se lo digan a Jack Rutter, un muchacho de Salt Lake City de apenas 20 años que, después de publicar de manera independiente un modesto disco -el primero de su carrera- llamado ‘Me and All of Her Friends’, acaba de conseguir un contrato discográfico después de que su versión de ‘Put Your Records On’ de Corinne Bailey Rae esté arrasando en las plataformas de streaming.
Todos recordaréis el éxito de 2006 de Corinne Bailey Rae: el primer single de su exitoso debut era un dulce tema de pop-soul que sonaba tan plácido y veraniego como su videoclip rodado en medio de un campo de trigo. La primera frase de ‘Put Your Records On’, simple pero con un punto Disney adorable («tres pajaritos se posaron en mi ventana») era ultra memorable y la canción, que alcanzaba el top 2 de Reino Unido y lograba entrar en numerosas listas de éxitos de todo el mundo, se convertiría en el mayor éxito de su carrera cundo aún apenas nos sonaba una tal Amy Winehouse que ese año y el siguiente terminaría con el mundo a sus pies.
Otros éxitos de ‘Corinne Bailey Rae’ fueron ‘Like a Star’ o ‘Trouble Sleeping’, mientras ‘Enchantment’, ‘Choux Pasty Heart’ o »Til It Happens to You’ eran verdaderas preciosidades que nunca está de más volver a recordar, y desde entonces Corinne ha lanzado los álbumes ‘The Sea‘ y ‘The Heart Speaks in Whispers‘, ha sido nominada al Mercury Prize y ha ganado varios Grammys (entre ellos el de Álbum del año por su trabajo e ‘River: The Joni Letters’ de Herbie Hancock), sin igualar nunca el éxito de su primer single.
A todas luces, el trabajo de Corinne Bailey Rae siempre ha sido digno de reivindicación, y la versión de ‘Put Your Records On’ de Ritt Momney, mucho más oscura y lo-fi, tiene el potencial de revalorizarlo… o no. De momento, sus 53 millones de streamings en Spotify frente al millón que han solido sumar sus temas originales han logrado que el tema vuelva a entrar en listas oficiales como la estadounidense (top 98) gracias a la viralización de dicha versión en TikTok y después en las plataformas como Spotify, donde el tema aparece entre los 30 más escuchados en todo el mundo.
En una entrevista con Rolling Stone, Jack ha explicado que su versión de ‘Put Your Records On’ surgió de un «brote de depresión» que sufrió debido a la crisis del covid. «No podía soportar escribir una canción deprimente», ha indicado. «Empecé a coquetear con la idea de manifestar felicidad en lugar de proyectar mi propia tristeza». La cover es todo lo honesta que puede al haber sido hecha sin ningún tipo de expectativa comercial. Ahora que el disco de Curtis Waters ya ha salido, habrá que ver cómo se las ingenia Ritt Momney para que el éxito de una versión no condicione demasiado su carrera.
Ava Max ha publicado este año su primer disco después de triunfar con singles como ‘Sweet but Psycho’, ‘So Am I’, ‘Kings & Queens’ o, en menor medida, ‘Who’s Laughing Now’. ¿Cuál puede ser el as en la manga de Ava para evitar que ‘Heaven & Hell‘ siga bajando posiciones en las listas de éxitos (el álbum ha pasado del top 2 al top 35 en Reino Unido en su quinta semana, y en Estados Unidos ya bordea la salida del Billboard, siendo top 118)?
‘Naked’, el single de ‘Heaven & Hell’ que salía a la vez que el disco junto a un memorable videoclip más noventas que los propios años noventa, es una pequeña joya de pop new-wave que está funcionando bien por su cuenta sin tampoco haber entrado en ninguna lista oficial relevante de momento (solo ha sido top 38 en Nueva Zelanda), pero no es el más inmediato que ofrece un trabajo lleno de temas de «pop puro» como ‘Tattoo’, que sigue dando por buenas las comparaciones que Ava está recibiendo con todas esas «pop stars» que triunfaron a principios de la década pasada: la Katy Perry de ‘Teenage Dream‘, la Lady Gaga de ‘The Fame‘ y la Kesha de ‘Cannibal‘ parecen las referencias de esta composición que, no por nada, está producida por Cirkut, cuyo nombre aparece en los créditos de éxitos como ‘Part of Me’ o ‘Blow’.
Por sonido, ‘Tattoo’ remite efectivamente a las tres artistas mencionadas, pero la producción es más refinada sin dejar de ser absolutamente electrónica. Entre sus autores, además de a Ava, encontramos a Charlie Puth, lo cual puede ser una buena noticia (‘Harley’s in Hawaii‘ para Katy, su propia ‘Girlfriend‘) o no (‘I Warned Myself’). En este caso lo es al margen de que la melodía de ‘Tattoo’ ya la tuviera Ava enfilada antes de que Charlie aportara su parte. Ava empezó a escribir ‘Tattoo’ en Suecia, pero la canción se titulaba originalmente ‘Black Shoes’ porque hablaba sobre la afición de Ava de llevar «zapatos negros», lo cual «no hace tanta gente» (?). Más adelante, Ava y Charlie transformaron ‘Black Shoes’ en ‘Tattoo’ y el segundo «aportó unas melodías increíbles». Ella le considera a él un «genio creativo».
¿Y a quién recuerda Ava con tanta pasión en ‘Tattoo’ como si ese amor hubiera quedado «tatuado» en su corazón? De hecho, en ‘Tattoo’ es ella quien ha impresionado a otra persona hasta ese punto y quien interpreta una letra que plasma ese sentimiento de no poder dejar de pensar en una persona, llegando a la obsesión. Ella es «la típica amante que se queda en tu cabeza», a la que «ves allá por donde vas» y que deja «una marca permanente que no se borrará», y también un «tatuaje que está debajo de tu piel». La artista canta: «escribe mi nombre en cursiva porque no lo vas a olvidar». Y este hit en ciernes, tampoco.
Este jueves 15 de octubre comienza ‘Banana Split’, un programa de cocina y música que sólo podía presentar Mikel López Iturriaga, en los tiempos de Tentaciones muy conocido por su labor en el periodismo musical, y en los últimos años por el pelotazo dado por ‘El Comidista’: varios libros de enorme éxito avalan lo que comenzara como un pequeño blog gastronómico en El País. Tras una breve experiencia en laSexta, donde se intentó lanzar ‘El Comidista’ como programa televisivo, La 2 apuesta por un formato nuevo en el que varios artistas hablarán de música y cocina. Amaia, Javiera Mena, Miss Caffeina y Carolina Durante están entre los invitados que veremos desde este jueves.
¿Qué podemos esperar del programa? Por ejemplo, ¿qué tipo de invitados podremos ver? ¿Se ha seguido una línea editorial definida para elegirlos? Lo pregunto sobre todo por el programa de Broncano: se ha convertido en una referencia, contando con un montón de gente del underground o semi-underground que de otra manera nunca habría salido en TV. Y resulta que ha sido un éxito.
En cada programa me propongo hacer una playlist con un concepto determinado, y me voy encontrando con diferentes músicos y cocineros que me sugieren canciones suyas y de otros para incluirlos en ella. Casi siempre los encuentros tienen un contexto más o menos gastronómico: vamos a un restaurante que les guste, cocinamos algún plato juntos, probamos productos… Los artistas y chefs se han elegido en función de varios factores: que encajaran en el concepto de cada programa, que se prestaran al juego con la comida, y también que nos parecieran interesantes y divertidos como personajes. En cuanto a estilos y edades, el abanico no puede ser más amplio: lo mismo caben Hidrogenesse, Carolina Durante, Javiera Mena, Los Punsetes y Amaia que Camela, Betty Missiego, Omar Montes y Barón Rojo.
«Si el programa fuera para mí, lo habría llenado de indies, de modernas y de mariconeo, porque es lo que más me tira, pero Banana Split aspira a llegar a un público más amplio que yo y mis amigas»
De momento te hemos visto por redes con La Habitación Roja y Miss Caffeina, lo cual está guay, ¿pero hay alguien que te hubiera gustado llevar pero no ha sido posible porque no pegaba en este caso, por razones «televisivas»?
Si el programa fuera para mí, lo habría llenado de indies, de modernas y de mariconeo, porque es lo que más me tira. Pero Banana Split aspira a llegar a un público más amplio que yo y mis amigas, y por eso en esta primera temporada -soy muy optimista pensando que va a haber más- también hay artistas muy mainstream. Al final creo que ha quedado bastante equilibrado, pero sí, mucha gente que me habría gustado sacar por un motivo u otro no sale: La Bien Querida, Monterrosa, Cupido, Chico y Chica, Zahara, Rigoberta Bandini, Luna Ki, Chico Blanco, Nacho Canut, que me dijo que le horrorizaba que le entrevistaran en la tele, o la mismísima Raffaella Carrá, a la que intentamos visitar en Italia pero al final no cuajó.
¿El espectador aprenderá algo de cocina o de restaurantes o es más un programa de entretenimiento?
Siendo realistas, no creo que aprenda mucha cocina, pero sí descubrirá restaurantes, platos o productos que quizá no conozca. El objetivo del programa no es enseñar a guisar, sino mostrar lados poco conocidos de los músicos y los chefs llevando a unos al terreno de los otros. Y que el espectador se lo pase bien viéndolo, claro.
¿Qué programa o programas os han servido de referencia? Personalmente pensé enseguida en ‘Con Las Manos en la Masa’, que a veces te salta en Youtube o algún canal de estos de nostalgia o zapping y te quedas embobado viéndolo. No sé si recuerdas algún episodio en particular, pero hay varios que son para verlos: Alaska, Gran Wyoming…
Soy un gran fan de ‘Con las manos en la masa’, y como soy más vieja que el fax hay episodios que no me hace falta ver en YouTube porque me acuerdo de cuando se emitieron. Si alguien me dice que le recuerdo a Elena Santonja me hará el más grande de los piropos, pero la verdad es que ‘Banana Split’ no se parece mucho a su programa. Quizá en algunos momentos sí, cuando cocino a cuatro manos con un músico -un ketchup casero con Rebeca, por ejemplo-, pero son situaciones muy puntuales.
«En una televisión pública, por un lado, tienes que atender a cosas más minoritarias que no encuentran hueco en las cadenas privadas, y por otro, tampoco puedes hacer una programación pagada por todos que vean sólo cuatro friquis»
¿Qué opinas de la última oleada de programas musicales en La 2? Hay iniciativas que están guay, aunque percibo cierta presión a cagarla en cuanto a audiencias, incluso desde una TV tan pequeña: parece que se tiene cierto miedo a hacer algo underground o arriesgado, cuando la audiencia de la cadena es testimonial. En otras palabras, echo de menos un programa de culto de verdad. Creo que se ha avanzado algo desde que por ejemplo en Mapasonoro cortaban actuaciones en directo, no sé si por miedo al zapping, pero no sé…
¿Me estás pidiendo que critique a la cadena que me ha contratado? ¿Que me juegue el pan de mis hijos? Bueno, pues como no tengo hijos diré que sí, que me parecería fenomenal que La 2 apostara lo más posible por lo arriesgado. Para ser justos, me parece que ya se la están jugando un poco con un programa como ‘Banana Split’, sobre todo con un presentador tan amateur como yo. Supongo que no debe ser fácil llevar una televisión pública: por un lado, tienes que atender a cosas más minoritarias que no encuentran hueco en las cadenas privadas, y por otro, tampoco puedes hacer una programación pagada por todos que vean sólo cuatro friquis. Pero vamos, que sí: es bueno que haya un espacio para la cultura más independiente y underground en la tele, históricamente La 2 ha sido ese santuario, y en mi nada humilde opinión creo que debería seguir siéndolo. Si ‘Banana Split’ sigue, yo desde luego voy a hacer todo lo que esté en mi mano para que no solo salgan los de siempre, y demos cabida a músicos jóvenes con propuestas interesantes aunque sean menos conocidos.
¿Qué te parece el día y hora de emisión elegidos? ¿Tenías alguna preferencia? ¿Cuál ha sido la referencia al respecto?
Sinceramente, no tengo ni idea de si el horario es bueno o malo. En esto hay opiniones para todos los gustos: unos dicen que es tarde; otros, pronto, y otros, que está bien. Lo que sí me gusta muchísimo es la gente que me pide en redes sociales que se emita a otra hora porque las 11 de la noche ya se han metido a la cama, están haciéndose las uñas o cepillando al gato. ¡Hijas mías, que yo soy el presentador, no el director de RTVE! Además, el programa se podrá ver online a la hora que te salga del níspero.
Os preguntarán mucho por el nombre del programa y las múltiples referencias a la música pop que pueda contener, ¿es por algo tan improbable como la canción de Lio? ¿De quién fue la idea del nombre?
La idea del nombre es mía. ‘Banana Split’ de Lio es una de mis canciones favoritas sobre comida y habla de un postre más pop imposible, así que me vino rápidamente a la cabeza como título del programa. Además es un tema que juega con el doble sentido, un poco en la misma línea guarrilla que ‘Les sucettes’ de France Gall y Serge Gainsbourg, y eso es algo que también hacemos con los títulos de las playlists que vamos construyendo en el programa.
«‘El Comidista TV’ se emitió en pleno verano y en prime-time, y quizá ése no era su sitio»
El programa de laSexta no duró mucho, ¿qué errores has aprendido de aquello de cara al nuevo programa?
Sigo creyendo que El Comidista TV era un buen programa, y que a la larga podría haber funcionado. Pero se emitió en pleno verano y en prime-time, y quizá ése no era su sitio. Tampoco es que fuera un fiasco: no cumplió las expectativas de audiencia que tenía laSexta, que eran altas, pero lo vio mucha gente. Dicho esto, si lo volviera a hacer cambiaría muchas cosas, claro: le daría un ritmo más pausado y no metería tanta información.
Dado el pelotazo que has dado como El Comidista, mucha gente no sabe que dirigiste o fuiste redactor jefe en Tentaciones, o sea que fuiste un pez gordo del periodismo musical. Hay algunas cosas que nosotros hemos copiado de Tentaciones, pero recuerdo críticas espantosas de discos como La Casa Azul, Cardigans, Garbage… normalmente cosas de música pop, inspirando indirectamente JNSP como reacción. ¿Cuál crees que fue la labor del suplemento y qué recuerdas con más cariño?
Bueno, tanto como redactor jefe… llevé la sección de música del suplemento durante 7 años, pero no era más que redactor. El suplemento fue un éxito porque ningún periódico había hecho nada parecido a una revista de tendencias más o menos modernilla para jóvenes. Recuerdo con mucho cariño la incomprensión que causaba en muchos dinosaurios del periódico, que no entendían nada. No conocían a la gente que salía y desaprobaban el tipo de lenguaje que usábamos, que no era el del periodismo clásico y canónico de El País de aquel entonces. Fue una etapa muy divertida, bastante loca tanto en lo profesional como en lo personal, pero tampoco la añoro tanto. Soy antinostálgico por naturaleza, me carga la gente que suspira por los ochenta o los noventa y cree que ahora todo es peor, simplemente porque no se entera de lo que está pasando ahora mismo y lo desprecia por pura ignorancia. La música española, en concreto, ha sido mil veces más rica en los últimos 10 o 15 años que en aquellos tiempos. Stop «Añorar la EGB» y Stop idealización del pasado, de verdad. En cuanto a las críticas, pues dependía un poco de a qué crítico le tocara cada disco. Yo muchas veces no estaba de acuerdo, pero siempre respetábamos escrupulosamente las opiniones de los que firmaban.
«Recuerdo con mucho cariño la incomprensión que causaba Tentaciones en muchos dinosaurios de El País, que no entendían nada»
También estuviste en Lo Que Sea, o sea que de repente tuviste una oportunidad de ahondar en la cultura trash, ¿fue más divertido aquello que el periodismo estrictamente musical?
Fue diferente. Yo estaba hasta el toto del periodismo musical y de las entrevistas promocionales a gente que no tenía nada que decir, y me revivió meterme en internet a hacer cosas un poco delirantes como Loquesea.com. Aquello sí que era un desmadre en el que apenas había filtro, muy diferente a El País: publicábamos todas las majaradas que se nos ocurrían, y recuerdo con gran cariño artículos de la sección de sexo como “Los huevos, esos desconocidos” o uno que sacamos sobre ligar con extranjeros cuyo titular era “Fuck me, please”. Era como el Nuevo Vale pero más desmadrado y en internet. Además fue muy interesante porque técnicamente todo estaba en pañales: cuando empecé no había ni sistemas de publicación, teníamos que mandar los textos a un montador que hacía el HTML en plan artesanal y lo publicaba. Fue un poco pena que el pinchazo de la burbuja de internet acabara con el proyecto: estábamos desarrollando cosas como Linkeados, que fue una especie de Facebook antes de Facebook.
¿Qué te parece la deriva del periodismo musical desde que lo abandonaste? ¿Alguna vez lo has echado de menos?
No lo echo mucho de menos, estoy encantado haciendo periodismo gastronómico. El periodismo musical ha sufrido la crisis general del periodismo, con unos niveles de precariedad cercanos a lo insoportable, y también se ha visto afectado, creo, por la pérdida de relevancia social de la música en general. No hay más que comparar el espacio que se le prestaba en los grandes medios a este ámbito hace 30 años y el que tiene ahora. Pero insisto, me niego a ser nostálgico: por suerte ahora hay otros canales, y sigue habiendo buena música y buena información musical.
Echo un poco de menos la frescura y el desenfado de El Comidista en el periodismo musical. Pero por otro lado, la gente no te ve como algo medio «serio» si tomas cierto rumbo como aquella genialidad de las entrevistas falsas con platos viejunos. ¿Pasa lo mismo en la cocina, que hay gente que no te toma en serio si haces cierto tipo de cosas?
Pasa MUCHO. Si te descuidas, más que en la música. Ya puedes ser el periodista más riguroso del mundo, que si sales haciendo una broma, hay “entendidos” que te consideran automáticamente un cantamañanas. Pero qué quieres que te diga, a mí me la bufa. La solemnidad me parece un coñazo, y considero que el sentido del humor es un vehículo fantástico para conectar con el lector o el espectador, y que usarlo no implica por fuerza una pérdida de rigor. A ver, si es que no estamos inventando la pólvora: lo de “enseñar divirtiendo” es más viejo que la tos, y se puede aplicar perfectamente al mundo de la información. Vosotros mismos en Jenesaispop sois un ejemplo: a mí como lector me encanta cuando os ponéis perras y hacéis titulares y textos ácidos y divertidos.
«Ya puedes ser el periodista más riguroso del mundo, que si sales haciendo una broma, hay “entendidos” que te consideran automáticamente un cantamañanas. Me la bufa»
¿Cuál fue tu mejor momento o «highlight» como periodista musical? ¿Alguna entrevista que recuerdes con cariño o cualquier otra cosa?
Ser periodista musical en los noventa me permitió vivir bastantes momentos inolvidables: un concierto de Suede en la sala Revolver cuando sacaron su segundo disco, un encuentro con Donna Summer en Los Ángeles, una entrevista a medias con Alaska a los Pet Shop Boys, otra a George Michael después de su famosa detención en los retretes… más un montón de backstages de festivales en los que vi de todo. Ah, y al principio de mi carrera, cuando trabajaba en Canal +, entrevisté a Mecano después del último concierto que dieron en Madrid, en Las Ventas. Nunca volví a ver un mal rollazo semejante dentro de un grupo, y eso que me he enfrentado a Oasis: caras kilométricas, tensión máxima en el ambiente… ni se miraban entre ellos, y Jose y Nacho sólo se dirigieron la palabra para discutir porque Nacho estaba haciendo el tonto con una botellita de agua. Mientras tanto, Ana Torroja en medio como una esfinge, sin mover ni medio músculo de la cara, y encima yo allí haciéndoles preguntas estúpidas de principiante. Un cuadro flamenco.
«Entrevisté a Mecano después del último concierto que dieron en Madrid, en Las Ventas. Nunca volví a ver un mal rollazo semejante dentro de un grupo, y eso que me he enfrentado a Oasis»
¿Y alguno de los peores o más estrambóticos?
Creo que los peores entrevistados con los que me cruce fueron Joe Jackson, un absoluto y completo gilipollas, y Dave Gahan, de Depeche Mode, que no debía de tener su mejor día y estuvo megaborde conmigo. Aunque quizá mis preguntas no fueron las más apropiadas, también lo reconozco, porque me puse un poco María Patiño con él. Noel Gallagher también fue un hueso duro de roer, pero al final es un tipo que da titulares (y que tiene bastante más cerebro que su hermano Liam, cosa que tampoco es muy difícil).
Creo que muy pocos de nuestros lectores sabrán que fuiste mi primer jefe cuando estaba en 5º de Periodismo. Una de las frases que te recuerdo mucho decir, sobre cierta crisis que hubo es «las ratas son las primeras en abandonar el barco». ¿Cuál es tu consejo ahora mismo para los medios musicales teniendo en cuenta la crisis que vive el sector debido a la covid-19?
Es cierto que fui tu jefe, y aprovecho la ocasión para decir a todos los lectores de Jenesaispop lo magnánimo y benevolente que fui contigo cuando eras becario: nunca te humillé, ni te azoté, ni te pedí favores sexuales, ni te obligué a que me trajeras café con bollería industrial de la máquina. Supongo que eso de las ratas lo dije por mí mismo, que yo he sido muy de largarme de los sitios cuando las cosas se ponen feas… No sé, soy reacio a dar consejos a gente que las está pasando putas, porque quizá lo que menos necesitas en esos momentos es que te venga un chapas a dar sermones. Lo más que puedo ofrecer son mis ánimos y mi esperanza de que logremos resistir y capear este marrón y las cosas mejoren después. Ésa ha sido mi experiencia en crisis anteriores… pero bueno, tampoco puedo garantizar que ésta acabe convirtiendo el mundo en un asco en el que no valga la pena vivir. Qué mensaje tan alentador para acabar una entrevista, ¿verdad?
María Isabel es noticia después de denunciar públicamente el uso de su canción ‘Antes muerta que sencilla’ en una parodia de inclinación derechista. La parodia en cuestión se compone de una versión de dicha canción titulada ‘Antes facha que chavista’ en la que se expresan frases como «nos llaman fachas, como un insulto, y yo lo llevo a mucha honra, con orgullo» o «antes facha que chavista, que socialista, que marxista, que femiloca».
En Twitter, María Isabel ha dicho: «Tengo que deciros que estoy sorprendida por el uso de mi canción ‘Antes muerta que sencilla’ en una parodia musical ‘Antes facha que chavista’ que han realizado Los Meconios, InfoVlogger y Liuisvaya sin mi autorización. No sabía nada y por supuesto yo no tengo nada que ver con este asunto. Los que me conocéis, sabéis que respeto la libertad de expresión, por supuesto, pero no comparto el mensaje político con el que se ha instrumentalizado mi canción». Además, la cantante informa que ha recurrido a la SGAE para posiblemente denunciar la parodia: «He comunicado a la SGAE (Sociedad General de Autores y Editores) este hecho para que estudien el caso y tomen las medidas legales contra la difusión de este vídeo sin mi autorización».
En Instagram, Los Meconios, autores de canciones originales como ‘Somos españoles’ o ‘El machista no soy yo’, han respondido al mensaje de María Isabel: «Resulta que María Isabel ha emprendido acciones legales contra nuestra canción «Antes Facha que Chavista» (parodia de «Antes Muerta que Sencilla»). En el comunicado dice respetar la libertad de expresión, sin embargo, tengo serias dudas de si hubiese hecho lo mismo en el caso de que la canción se hubiese titulado «Antes Rojo que Fachita». Traducido al cristiano: «Respeto la libertad de expresión pero no la tuya».
¿Quién tiene razón? En su sección sobre derechos de autor, Youtube explica que «los creadores deben subir únicamente vídeos de su propia cosecha, salvo que estén autorizados a usar contenido de terceros» y que, a su vez, «no deben subir vídeos que no hayan creado ellos mismos ni utilizar contenido cuyos derechos de autor pertenezcan a otra persona si no cuentan con la autorización pertinente». Youtube señala que, en ciertas ocasiones, es posible hacer un «uso legítimo» de una composición concreta sin necesidad de reclamar autorización al autor, pero no indica si este uso permite la publicación de versiones o parodias, como es este caso. Las parodias suelen estar exentas de infracción, de la misma manera que Youtube no penaliza absolutamente todas las infracciones que detecta su rastreador automático, ya que estas se realizan en clave de burla o de crítica y suelen estar exentas de fines comerciales. Es improbable que la versión de Los Meconios esté monetizada, pues de hecho no existe como single en ninguna plataforma.
La parodia de ‘Antes muerta que sencilla’ se ha viralizado estos días en la red y sus autores quieren con ella denunciar la «corrección política» y el «uso inadecuado de la palabra «facha»». Por su parte, María Isabel ha publicado este verano ‘Esa carita’, un single con Juan Magán que suma a día de hoy cerca de 10 millones de streamings entre varias plataformas.
Ser el padre que nunca tuvo ha sido la prioridad para Fran Healy durante los últimos 14 años. Travis han continuado sacando álbumes cada 3, 4 o 5 años, e incluso Healy ha tenido ocasión de desarrollar una pequeña carrera en solitario, pero ha sido su propio hijo quien ha animado al artista a ir a por todas esta vez, con un nuevo álbum publicado en un sello nuevo, BMG. Simplemente titulado ’10 Songs’, busca ofrecer las mejores «canciones» posibles en este nuevo punto de partida, y la mejora respecto a ‘Everything At Once‘ (2016) es noticiable.
Cada composición viene acompañada de una pequeña historia en el «canción por canción» de Apple Music y estas notas a pie de página del propio Fran Healy sirven para hacernos llegar donde sus sencillos textos no siempre pueden. Así, nos vamos adentrando en un álbum que relata diferentes historias de su vida: ‘Butterflies’ trata sobre un tío suyo que se ahogó cazando mariposas; el buen single ‘A Ghost’ está dedicada al «fantasma» de Mickie Most, el productor de ‘House of the Rising Sun’ de The Animals y ‘You Sexy Thing’ de Hot Chocolate, que falleció en 2003 pero sigue en espíritu en su despacho de RAK Studios, de donde no se ha cambiado de sitio ni una silla; ‘Nina’s Song’ es una canción tan personal del cantante que por pudor casi no llega ni a sacarla, rememorando el día que le preguntó a su madre por qué no había tiendas de padres para comprarse uno; y así sucesivamente.
Excepto alguna canción del tramo medio que pasa más desapercibida, como ‘All Fall Down’, y cuando ‘A Million Hearts’ nos deja muchas ganas de recuperar ‘Stay’ de Rihanna, ’10 Songs’ logra ser un álbum sólido con varias pistas que -esta vez sí- podrán ser escuchadas dentro de 10 años con agrado: ‘The Only Thing’ incorpora a Susanna Hoffs de las Bangles, donde esta canta con maldad «eres el disco de la tienda de discos que nadie quiere comprar»; en ‘Valentine’ intuimos la vena rock de los autores de ‘All I Wanna Do Is Rock’ (Healy dice que Led Zeppelin y AC/DC han sido influencias muy importantes en Travis); el disco se cierra con una buena balada a piano, como está mandado; y hay que destacar que ’10 Songs’ ha sido presentado por varios singles durante los pasados meses y ninguno fue la mejor composición del álbum, que se ha reservado para la semana de salida. A veces basta un riff de piano para adentrarte en un disco y eso es lo que consiguen los autores de ‘Flowers In The Window’ con ‘Waving At The Window’, una canción que recuerda que la vida nunca va a dar una segunda oportunidad. Consciente de que nunca harán un disco con el impacto y la solidez de ‘The Man Who’, ’10 Songs’ consigue ser uno de sus más dignos herederos.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Waving at the Window’, ‘A Ghost’, ‘Nina’s Song’, ‘The Only Thing’ Te gustará si te gustan: La Buena Vida, los primeros Coldplay, el último de Cranberries, ellos mismos Youtube:vídeo de ‘Waving at the Window’
El festival Monkey Week de Sevilla celebrará una serie de conciertos presenciales en el Teatro Alameda entre el 17 y el 22 de noviembre. La programación es la siguiente: Maria Rodés actuará el día 17, Zulu Zulu el 18, Raúl Cantizano + Los Volubles el 19, Rebe y MOURN el 20, Dani (foto) y Lorena Álvarez el 21, e Isabel Do Diego el 22.
El mismo día domingo 22 tendrá lugar un segundo concierto llamado ‘Cruzando el charco: cantes de ida y vuelta’ cuyo propósito es «evidenciar la peculiar relación entre el Viejo y el Nuevo Mundo en el ideario flamenco». Los artistas que participarán en este concierto lo harán en parejas: por un lado, Álvaro Romero actuará junto a Bronquio: por el otro, Rosario La Tremendita lo hará junto al coreógrafo y músico Juan Luis Matilla «Mopa», y por el otro, Dandy Piranha de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba) junto al músico chileno Sebastián Orellana. Todas estas actuaciones serán retransmitidas también a través de Youtube.
Además de estos conciertos, Monkey Week ofrecerá a través de su programación online casi medio centenar de showcases exclusivos, entre los que ya han confirmado su presencia Adiós Amores, Ama Befana, Bronquio, Calva Louise, Chaqueta de Chándal, Colectivo Da Silva, El Lobo en tu Puerta, Fusion Bomb, Lasole, Laura LaMontagne & Pico Amperio, Los Mejillones Tigre, Lost Twin, Plágaros, Red Passenger, RomeroMartín, Shekuza, Sketches On Duality y Verde Prato. Pronto se sumarán nuevos nombres a esta lista y también se anunciarán los contenidos de las habituales jornadas profesionales, que contarán un año más con mesas redondas, conferencias, speed meetings y otras actividades destinadas a la industria musical. Las entradas para estos conciertos, en aforo reducido dadas las circunstancias actuales, ya están disponibles.
Nuestro «Disco de la Semana» será ‘American Head‘, uno de los álbumes más convencionales -para bien- de Flaming Lips, como comentaba nuestra compañera Mireia Pería en su crítica. En los próximos días publicaremos la entrevista que Pería realizaba a Wayne Coyne vía telefónica, pero mientras recomendamos una de las composiciones más cercanas de dicho álbum. ‘American Head’ se presentaba a lo largo de este año con temas como ‘My Religion Is You‘ o ‘Flowers of Neptune 6’; también circulaba bastante su colaboración con Kacey Musgraves, ‘God and the Policemen’, tras haberse hecho ella con el Grammy a Mejor Álbum en 2019, pero ‘Mother Please Don’t Be Sad’ es una canción perfecta para aproximarte al álbum, pues es una de las canciones más accesibles y comprensibles de Flaming Lips de los últimos años.
Publicada a finales de verano como 6º adelanto del álbum, ‘Mother Please Don’t Be Sad’ nos remite musicalmente a los Beatles de ‘Let It Be’ en cuanto a melodía, y a «Sgt. Pepper’s» en cuanto a arreglos. A nadie se le puede escapar el detalle después de que la banda de Wayne Coyne haya versionado ‘Lucy In The Sky With Diamonds’ junto al mismísimo hijo de John Lennon, Sean Lennon; por no hablar del día que de hecho versionaron ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ enterito en compañía de gente como Miley Cyrus o Phantogram.
En el contexto social de ‘American Head’, ‘Mother Please Don’t Be Sad’ es una canción relevante, pues se pone en boca de un hijo disculpándose con su madre por haber muerto. Además, la anima a salir adelante. La canción narra una pelea con unos «ladrones que fueron demasiado rápido» e iban armados. La espectacular sección de cuerdas que se suma sobre todo en el estribillo recuerda a la maravillosa ‘Eleanor Rigby’ mientras Wayne Coyne nos continúa cantando sobre la muerte en una producción en la que caben ligerísimos toques de country y unos perros ladrando cuando se les llama («recuerda dejar salir a los perros, porque yo ya no estaré ahí»). Al final, la producción se une a la siguiente pista del disco, la casi instrumental ‘When We Die When We’re High’.
Aunque la temática suena algo a ‘In the Ghetto’, Wayne Coyne ha contado en Apple Music que la canción se inspira en un atraco que él mismo sufrió a los 17 años en un restaurante en el que trabajaba y pensó que iba a ser asesinado «pero seguro». En la canción muere, aunque en la vida real pudo escapar ileso de tan horrible situación. «Estaba tirado en el suelo y pensé lo horrible que iba a ser para mi madre. Era yo quien iba a morir, pero pensé que estaría muerto en solo un segundo y en lo horrible que sería para ella. Quería que supiera que no había hecho nada peligroso o no es que estuviera haciendo el tonto. Solo estaba en el trabajo y esto pasó, así que quería transmitirle que no se preocupara. Este es el caos del mundo. A veces no hay nada que puedas hacer, simplemente estás en el lugar equivocado en el momento equivocado».
Desde la primera escucha ‘In Spain We Call It Soledad‘ se ha transformado en una de las canciones del año. Antes, vinieron otras pistas como ‘Too Many Drugs’, ganadora de una de las ediciones del JNSP Song Contest, el concurso cazatalentos de nuestros foros. Con apenas 4 canciones en el mercado, se hacía urgente mantener una breve charla con Rigoberta Bandini, el proyecto de la barcelonesa Paula Ribó, que también ha trabajado como actriz de doblaje y es escritora. De dónde viene su toque folclórico o cuáles son sus siguientes pasos son algunas de las cuestiones que tratamos con ella.
Tus canciones están teniendo muy buena acogida, tienes un montón de streamings sin el apoyo de ni una sola de las playlists de moda en Spotify. Por favor, ¡dinos que al menos 2020 ha sido bueno para alguien! ¿Cómo lo estás viviendo?
Sí, ¡para mí está siendo un año muy bonito! Peculiar, pero muy bonito. He tenido un hijo y, de alguna manera, también he parido a Rigoberta Bandini. Es cierto que siento que la energía colectiva está por los suelos y me hace feliz que mi música esté llegando a tanta gente porque, si a través de ella puedo conseguir que estén un poco más contentos, pues al final de eso se trata.
En tus canciones hay una mezcla de electrónica y folclore, esto último se ve en el tipo de palabras y campos semánticos que introduces, como «amargura» o «muy poco espíritu», que es una cosa que dicen mucho nuestros padres y abuelos. ¿Lo podemos considerar parte de tu idiosincrasia? ¿Te parece indicativo de lo que está por venir?
Ya, es que creo que igual tengo un alma un poco viejuna (risas). No sé, me gusta expresar las cosas de la manera más natural posible y me vienen esas palabras a la cabeza. Creo que es bastante interesante apoyarse en la cotidianidad para generar mensajes universales. Supongo que sí que formará parte de mi identidad siempre, pero tampoco lo hago de manera consciente. Me gusta que cada canción tenga su propio ecosistema léxico y musical según la emoción que quiera expresar con cada una.
Una de mis canciones favoritas es ‘Fiesta’, ¿qué nos puedes contar sobre esta canción? Desde el modo en que surgió, hasta el cuándo, pasando por si el synth-pop o el italo ha sido para ti un estilo de cabecera.
Pues recuerdo perfectamente el momento en que la compuse. La compuse el 2 de abril, lo acabo de chequear en las notas de voz del móvil. Estábamos confinados y habíamos estado viendo la tele en el salón y estaba inquieta, lo típico que ya no sabes qué hacer. De repente me encerré en el estudio un rato con el piano. Hacía muchos meses que no componía y salió como si nada. Fue como si alguien me dijera «ahora ve, compón esta canción y vuelve al comedor» porque ¡es que fue muy rápido! En una hora o así abrí la puerta del comedor y se la canté a Esteban, mi pareja. Le encantó y se puso a trabajar en la base. Nuestro referente era Franco Battiato, que para mí es Dios. Lo recuerdo todo en un marco espacio-tiempo rarísimo: sin poder salir de casa, yo embarazada de 7 meses… No sé, sentí como que se paró el tiempo para hacer este tema. En una semana estaba listo y ya lo subí.
¿Qué significa para ti ‘In Spain We Call It Soledad’ desde el punto de vista artístico? ¿Está siendo un punto de inflexión o es una canción más? ¿Crees que será una canción emblemática para ti, tu himno… o lo es otro tema por llegar?
Pues no lo sé. Al final eso lo decide el público. «In Spain» fue una de las primeras canciones que compuse como Rigoberta Bandini y le tengo un cariño especial. Sí que he notado un punto de inflexión desde que la lancé. Las otras canciones ya estaban funcionando, pero con esta he notado una subida de escuchas importante y muchos más mensajes de gente que no conozco. Me hace muy feliz que haya calado tan bien porque la siento muy fiel a mí misma, pero es curioso porque yo aún siento más himno ‘Too Many Drugs’. Igual es porque es la primera que saqué y me emociona de una manera especial.
¿Realmente nadie pensó en presentar la canción a Mónica Naranjo, ahora que todo está tan accesible en las redes sociales? ¿Imaginas un remix de esos que se hacen ahora, con ella?
¡Pues la verdad es que no! (risas) Es que a ver… eso salió en el estudio como una idea que decidimos dejar, pero no estaba planificado. Y la verdad es que no me imaginaba que le llegaría a Mónica Naranjo tan pronto. Pero oye quién sabe…¿igual en un tiempo un remix cantando con ella? ¡¡Me muero!!
La canción está co-producida por Stefano Macarrone de Mendetz, ¿pero qué nos puedes contar sobre otros productores con los que has trabajado? ¿Esteban Navarro y Santos & Fluren estarán en las canciones nuevas?
¡Todos ellos son un pilar importantísimo porque sin ellos no habría podido levantar estas canciones! Fluren me ayudó mucho a encontrar mi identidad musical con ‘Too Many Drugs’, Esteban Navarro está conmigo en el proceso de pre-producción de todos los temas, es mi mano derecha. Me ayuda en la estructura, a enriquecer melódicamente las transiciones, a la coherencia del tema, etcétera. ¡Y Stefano Macarrone es un crack! Propone cosas bastante visionarias como esos dibujos rítmicos del estribillo de ‘In Spain We Call It Soledad’ que al principio me costaron muchísimo de ver, pero ahora no me imagino el tema sin ellos.
¿Qué será lo siguiente que sabremos de Rigoberta Bandini? ¿Eres de EP/mini LP o más bien de canción suelta? Si es esto último, ¿será de la facción balada tipo ‘Que Cristo baje’ o algo bailable?
Pues ahora mismo hay dos singles en camino. Uno es un cover de Beethoven y el otro es un tema mío. Creo que en las dos canciones podréis mover un poco el esqueleto, pero el cover será más bailable. ¡Tengo muchísimas ganas de que salgan!
En JNSP tu canción ‘Too Many Drugs’ ganó un concurso que tenemos en los foros para descubrir canciones noveles, el JNSP Song Contest. ¿En algún momento te llegó la información o ni idea de lo que hablamos?
Ostras, ¡no me enteré! ¡Pues qué ilusión! ¡Muchas gracias!
Fue el fenómeno cinematográfico mexicano del año pasado. ‘Ya no estoy aquí’ arrasó en los premios Ariel, los más importantes de México, y la compró Netflix para distribuirla en el resto del mundo. La película, dirigida por Fernando Frías –autor de la serie ‘Los Espookys’ (HBO)-, es un relato de iniciación y desarraigo adolescente narrado en un contexto social muy singular: el de la subcultura urbana “kolombia”, un movimiento sincrético surgido a principios de siglo en los barrios pobres de Monterrey, caracterizado por su orgullo indígena, su estética híbrida entre el hip hop y la tradición azteca, y su gusto por la cumbia “rebajada”, ralentizada, que da lugar a una forma de baile muy peculiar, con reminiscencias de las danzas tribales. El director documenta este movimiento (la mayoría de los actores no son profesionales) a la vez que construye un potente discurso sobre la violencia narco, el desamparo del inmigrante forzoso y el poder de la música como tabla de salvación existencial. 8’5
The Vast of Night (Amazon Prime Video)
Una pequeña joya del fantástico que ha alumbrado a un nuevo talento (con seguidores ilustres como Guillermo del Toro, J.A. Bayona o Nacho Vigalondo). El debut de Andrew Patterson (director, escritor, productor y montador de la película) es una evocadora historia de ciencia ficción que rinde homenaje a los clásicos del género (hay muchas citas para iniciados) pero sin caer en la simple imitación nostálgica. De hecho, hay más ideas, mirada y personalidad en los largos planos secuencia que componen ‘The Vast of Night’ que en la mayoría de filmes y series recientes que intentan emular este tipo de relatos fantásticos del pasado. La película es algo así como un capítulo muy estilizado y parlanchín de ‘La dimensión desconocida’ (hay un juego intertextual con la televisión de los 50, época en la que está ambientada la historia). Un atmosférico cuento de misterio, que utiliza el fetichismo tecnológico y la capacidad de sugerencia de la palabra y el sonido (los protagonistas son dos friquis de la radio) para crear desasosiego, lirismo retro y reivindicar el placer de la narración oral. 8
La estafa (Bad Education) (HBO)
El spoiler ya viene con el título en español, así que no vamos a andarnos con muchos rodeos: ‘La estafa (Bad Education)’ cuenta la historia del mayor desfalco educativo -11 millones de dólares- ocurrido en Estados Unidos. El joven director Cory Finley, conocido por la comedia negra ‘Purasangre’ (2017), narra este caso centrándose en la figura del gerente escolar Frank Tassone, un hombre de una personalidad fascinante, lleno de contradicciones y secretos, que interpreta un sensacional Hugh Jackman, nominado con todo merecimiento en los recientes Emmy. El estupendo guión de Mike Makowsky, un antiguo alumno de Tassone, pone en paralelo el gradual descubrimiento de la estafa con el progresivo descubrimiento de la verdadera personalidad del estafador. El resultado de esta habilidosa estrategia narrativa es un telefilme que trasciende su poco prometedora premisa de “historia basada en hechos reales” para transformarse en una película visualmente muy ligera pero de gran peso dramático y psicológico. 7’5
Crímenes de familia (Netflix)
Tras una década dedicado al documental (es el autor de ‘¡Que sea rock!’, sobre la escena musical argentina), Sebastián Schindel irrumpió en el cine de ficción con la galardonada ‘El patrón, radiografía de un crimen’ (2014). La repercusión del filme hizo que sus siguientes películas, ‘El hijo’ (2019) y la reciente ‘Crímenes de familia’, hayan sido distribuidas por Netflix. Su último trabajo es un estupendo drama judicial con toques de thriller y denuncia social. El director pone sobre el estrado varios temas –la corrupción judicial, los conflictos familiares, las diferencias de clase, la violencia de género- y los va combinando con mucha sutileza y habilidad, desafiando las expectativas del espectador y añadiendo cada vez más capas de espesura dramática a la historia. Mención aparte merece la interpretación de Cecilia Roth, fabulosa en su papel de señorona y madre coraje, que recorrerá un doloroso pero necesario camino hacia la sororidad y la toma de conciencia moral. ‘Crímenes de familia’ será la representante argentina en los Goya. 8’5
Asako I & II (Filmin)
Ryûsuke Hamaguchi es uno de los grandes talentos emergentes del cine japonés (Bong Joon-ho lo incluyó en su lista de los “20 directores del futuro”). Tras la monumental ‘Happy Hour’ (2015), con la que se dio a conocer internacionalmente, el director saltó directamente a la sección oficial de Cannes con ‘Asako I & II’. La película es una adaptación de la novela ‘Netemo Sametemo’ de Tomoka Shibasaki, conocida en España por la reciente ‘El jardín de primavera’ (Quaterni, 2019). La película empieza como un anime romántico adolescente, con la visión de un flechazo a cámara lenta mientras estallan petardos alrededor de la pareja, y avanza como un doloroso melodrama que reflexiona sobre el peso psicológico que tienen las heridas amorosas no cicatrizadas en la construcción de una futura vida sentimental. ‘Asako I & II’ es como una versión femenina y teen de ‘Vértigo’, un melodrama que bajo su apariencia cursilona y liviana esconde un poderoso discurso sobre los misterios de la pasión amorosa. 7’5
FKA twigs ha informado durante una entrevista por videollamada que ha compuesto un disco entero en cuarentena y que su productor principal es El Guincho, conocido por todos por ser productor de ‘El mal querer‘ y otras canciones de Rosalía, desde ‘Aute Cuture’ hasta ‘Dolerme’. Apenas hace un par de meses, la autora de ‘MAGDALENE‘ aparecía como artista invitada en el extraño single ‘Sum Bout You’ del rapero 654AR, en el que Pablo Díaz-Reixa es listado como co-productor.
Sin entrar en demasiados detalles, FKA twigs ha dicho: «He terminado haciendo un disco entero en cuarentena. Un día decidí que iba a hacerlo y lo hice. He trabajado principalmente con un talentoso artista y productor llamado El Guincho, y en general he trabajado con personas a las que no he visto en mi vida, todo a través de FaceTime. Durante el día escribía melodías con Pablo y por la noche llamaba a mis amigos músicos que viven en Estados Unidos, me sentaba a beberme una copa de vino y escribíamos letras y hablábamos sobre de qué iba cierta canción, así que he podido trabajar durante el día y también durante la noche, todo a través del teléfono».
Confluyen así en lo profesional la autora del mejor disco de 2019 y el productor principal del mejor disco de 2018, de lo que suponemos que solo puede haber salido algo bueno. ¿Más coincidencias? Arca aparecía en los créditos de ‘MAGDALENE’ (en concreto en el single ‘holy terrain’ con Future) y este año Rosalía lo ha hecho como artista invitada en el disco de la cantante y productora venezolana. Y puestos a rizar el rizo, es sabido que El Guincho ha trabajado con Björk, cuyos dos últimos discos están co-producidos por Arca.
Parte de la redacción evalúa ‘Mood’ de 24kGldn e iann dior, en estos momentos la canción más escuchada en el mundo:
«‘Mood’ es fresquita, blandita, justibieberea un poco, y resulta inofensiva… musicalmente. Porque a pesar de su juventud (24kGoldn aún no ha cumplido 20 años, Iann Dior tiene 21), el mensaje de la canción no puede ser más rancio; chica-siempre-estás-de mala-leche, estoy harto de tus vaivenes y bla bla bla. Ya sabéis; mujeres: ¡todas locas! 24kGoldn y Iann Dior son muy jóvenes, sí. Pero siguen emanando el mismo viejo aroma anticuado (y machista). Por agradable que pueda parecer la tonada, su contenido sí que me pone realmente “in a mood” (y me echa de la canción)». Mireia Pería
«Tiene cierta gracia que 24kGoldn y iann dior, dos jovencitos estadounidenses que han triunfado con sus canciones de trap con guitarrita eléctrica, triunfen ahora juntos con una canción de trap con guitarrita eléctrica. ¿Son el mismo artista y no lo saben? ¿Se estarán planteando unirse en un dúo? En cualquier caso, ‘Mood’ es la canción más escuchada en el mundo porque no puede estar más desprovista de expectativas y prejuicios. Como todo buen hit que se precie, el trap-pop a lo Post Malone-pero-bien-escrito de ‘Mood’ suena fresco y desenfadado y se pega sin que puedas hacer nada para remediarlo. Sin ser su producción precisamente una alegría para los oídos, el estribillo «why you always in a mood» está hecho para clavarse en el cerebro y los dos artistas se complementan bien. La típica letra ultra-adolescente sobre un muchacho que no puede comprometerse con su chica por inmadurez pero hace ver que la mala es ella, pura misoginia disfrazada de despreocupación «teenager») incluso deja una frase lapidaria que no ves venir: «jugamos a juegos del amor para esquivar la depresión». ¡Bum! Himno millennial al canto». Jordi Bardají
En ‘Blue Hearts’ Bob Mould pone las cosas claras. Trece temas, 35 minutos, directos al hipotálamo (y a la yugular de Trump y su podredumbre política y moral). Si en el anterior álbum ‘Sunshine Rock’ ya asomaba el punk, aunque la sombra de Sugar era más alargada, aquí Mould recupera, del todo y sin ambages, a los Hüsker Dü de ‘New Day Rising’. Pero no sólo hay ira y energía; también euforia. ‘Blue Hearts’ emana una rara alegría que sobrevuela el conjunto, a pesar de su condición de puñetazo-en-la-mesa; parece haber poca premeditación y mucha necesidad de sacar mierda fuera. Bob se encarga de la producción, como viene siendo habitual, y se enfrenta al mundo solo con su guitarra, un bajo y una batería. Quizás esa urgencia redunda en una calidad de sonido no muy buena, pero precisamente esto, el aire a pieza urgente grabada casi de una tacada, subraya su frescura. ‘Blue Hearts’ es un disco que se enfrenta a tiempos duros, pero sin asomo de pena o depresión.
Que no engañe el inicio, breve, y solo con guitarra acústica, de ‘Heart on My Sleeve’, aunque Bob ya deja asomar cierta rabia: “The Left Coast is covered in ash and flames/Keep denying the winds of climate change”. A partir de aquí, todo son pepinazos acelerados de puro hardcore punk. En ‘Next Generation’ reinan las inflexiones melódicas marca de la casa, feroces y pegadizas a la vez, mientras Bob grita fiero: “No celebration!”. Y resopla, brama, en ‘American Crisis’, que contiene unas filigranas a la guitarra que quitan el sentido: aceleran, frenan en seco y se enlazan con las de la espídica (¡1:40 minutos!) ‘Fireball’. Mould encadena temas sin respiro, aunque levanta el pie del acelerador en ‘Forecast of Rain’, un hermoso estribillo mecido por el ruido noventero, en que Bob denuncia la hipocresía de la religión institucionalizada. Estos tres temas forman algo así como el meollo del disco.
Luego el conjunto se desinfla un poquito, en comparación a su fulgurante arranque, pero sigue repleto de destellos memorables. Los riffs que dibuja en ‘When You Left’ vuelan la cabeza; también lo hace el embrujo a base de guitarrazos con el que abre ‘Little Pieces’. En el tramo final, algo más virado al pop, Bob baja un poco la velocidad. No mucho, lo suficiente para que recuperemos el aliento, aunque aún guarda petardazos como ‘Password of My Soul’. Pero nos aterriza suave en ‘The Ocean’, donde brilla el Bob más tierno (aunque sin pasarse).
‘Blue Hearts’ está repleto de canciones y sonidos aparentemente trillados de punk-rock alternativo de los 80 y 90, muy fácilmente reconocibles por cualquier conocedor de la obra de Bob Mould. Pero, ay, qué bien los hace y cómo sigue tocando la fibra. Ahora que IDLES están recuperando el punk para las nuevas generaciones, ahora que demuestran que lucha y música están indisolublemente unidos, qué mejor que acudir a una de de las figuras más emblemáticas del género en su disco más político y fiero.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘American Crisis’, ‘Fireball, ‘Forecast of Rain’, ‘When You Left’ Te gustará si te gusta: Hüsker Dü, el hardcore-punk, el rock alternativo americano de los 80-90, IDLE Youtube:vídeo de ‘Siberian Butterfly’
Annie publica el próximo viernes su nuevo disco, ‘Dark Hearts’, el primero en 11 años. La autora de ‘Anniemal’ ha ido presentando el álbum con singles de lo más variopintos, desde el synth-pop escuela ‘Drive’ de ‘American Cars’ hasta el trance de ‘The Bomb’ pasando por el posible homenaje a Julee Cruise de ‘Corridors of Time’. Pero el mejor single de todos puede ser ‘The Streets Where I Belong’ . Al menos, es el que más pinta tiene de terminar convertido en un clásico del repertorio de la artista noruega, debido a su melodía atemporal.
‘The Streets Where I Belong’ es una balada inspirada en el pop-rock de radiofórmula de los 80, un poco ‘Every Breath You Take’ but make it ‘Twin Peaks’, que Annie dedica al «amor de su vida», Erot, el muchacho con quien la cantante escribió aquel temazo de su primer disco que sampleaba ‘Everybody’ de Madonna, ‘Greatest Hit’. Erot falleció muy joven, a los 23 años, cuando Annie y él salían juntos, debido a un problema cardiovascular congénito que padecía, y la cantante recuerda su relación y los buenos momentos de su juventud en Bergen en una canción que, por su componente nostálgico, llega a poner los pelos de punta.
La canción no puede conmover más desde su inicio, en que Annie cita al propio Erot («Annie, están pinchando nuestra canción») para empezar a relatar el origen de su relación: «por un momento viajo al lugar de donde soy, amantes adolescentes, cuando éramos jóvenes, íbamos a todas las fiestas bajo el sol de medianoche, ahi es donde conocí al amor de mi vida, él era DJ y bailamos toda la noche», canta la noruega, antes de reflexionar: «dime, ¿adónde has ido? Todavía puedo escuchar nuestras canciones en la radio». Para cuando llega el estribillo es posible que ya estés llorando a mares. «¿Qué nos ha pasado?» se pregunta Annie, que recuerda con suma nostalgia las noches de verano de su juventud. A continuación aparece en la historia un tal Johnny que «viajaba por todo el mundo, se enamoraba de las chicas de pelo corto y se fue de la ciudad siendo un tipo solitario para volver convertido en una estrella». Este Johnny no puede ser otro que Jonas Pettersson, quien aparece listado en los créditos de ‘The Streets Where I Belong’ y a quien la misma Annie reclama en la canción para tocar un solo de guitarra eléctrica. Más adelante en el tema llega el relato de «una reina de la belleza» que «murió en el suelo de un motel» y que fue muy importante en la vida de Annie. «Ella me solía decir: Annie, no te quedes aquí, vete a cantar tus canciones o sino desaparecerás».
En un medio noruego, Annie ha profundizado en la historia de su relación con Erot. Su debut iba a ser un trabajo enteramente producido por él, pero consciente de su situación, el productor recomendó a Annie que empezara a trabajar con otras personas. Era la primavera del año 2000: «Teníamos un contrato con Loaded Records y el plan era hacer un álbum juntos, y justo después de asentar el acuerdo, Erot se puso muy enfermo y tuvo que ir al hospital, lugar del que no dejó de entrar y salir en el último año de su vida». La artista detalla: «Al final me dijo: «Anne, ahora tienes que empezar a trabajar con otros productores, para que puedas llegar un poco más lejos». Entonces preferiremos retomarlo cuando mejorase, pero fui muy terca con esto, no quería trabajar con nadie más que con él. Fue duro cuando me di cuenta de que probablemente no sucedería».
Para Annie, ‘The Streets Where I Belong’ es una de sus canciones más personales, y también la que de manera más directa habla sobre su relación con Erot y también sobre «la alegría y la tristeza de volver a Bergen». La artista indica: «Estuvimos juntos mucho tiempo, teniendo en cuenta lo jóvenes que éramos. Estábamos muy unidos y compartimos mucho debido a nuestros intereses en común y a nuestro amor por la música. Pienso en él más o menos todos los días. El siempre está conmigo. Era una persona absolutamente hermosa». En 1999, Erot publicó un doble single con dos canciones instrumentales dedicadas a Annie por su cumpleaños, y la noruega dice que ‘The Streets Where I Belong’ es su regalo de cumpleaños a él, 21 años después.
Róisín Murphy ha firmado esta semana nuestro «Disco de la Semana»: ‘Róisín Machine‘ es una gran obra de pop bailable e inmersivo que además acaba de dar a su autora la mejor posición comercial de su carrera en Reino Unido: un top 14. La propia Róisín nos ha detallado en una entrevista cómo sonará su siguiente trabajo con DJ Koze, pero aprovechamos el buen momento actual en su carrera para hacer un listado a las que consideramos sus mejores canciones en solitario, cuya discografía abarca algunas de las producciones más aventuradas, modernas y exquisitas que se han oído en la música pop.
La discografía de Róisín en solitario puede dividirse en un repertorio bailable y en otro más «arty». ‘Overpowered‘, su segundo disco, es además su gran obra comercial, un trabajo hecho mano a mano con decenas de compositores y productores, y es por tanto la excepción de la regla, pues como nos ha contado también Róisín en dicha entrevista, ella «ama a los hombres» y durante su carrera se ha caracterizado por trabajar codo con codo con un solo productor: Mark Brydon en Moloko y después Matthew Herbert en ‘Ruby Blue‘, Eddie Stevens en ‘Hairless Toys‘ y ‘Take Her Up to Monto‘, DJ Parrot en ‘Róisín Machine’ y ahora DJ Koze en el siguiente son los hombres que han marcado su trayectoria profesional.
Muy lejos en el tiempo queda especialmente ‘Ruby Blue’, el álbum más «orgánico» de la discografía de Róisín a pesar de ser una verdadera obra de artesanía sonora en su mezcla de pop, funk, free jazz, ritmos tribales, viento metales, guitarras eléctricas más secas que un desierto y los cachivaches de Matthew Herbert (relojes, cadenas de bicicleta, etc.) que sigue sonando tan fascinante como hace 15 años. Incluimos ‘Ramalama (Bang Bang)’, que no fue uno de los dos singles extraídos del disco, pero alcanzó mayor popularidad que ‘Sow into You’ y ‘If We’re in Love’ debido a su aparición en un episodio de ‘Anatomía de Grey’; la hipnótica ‘Through Time’, el single ‘Sow into You’ y cerrando, cómo no, la preciosa ‘The Closing of the Doors’, probablemente su mejor balada.
Como habéis visto, no nos hemos quedado con las ganas de preguntarle a Róisín si es «consciente de que ‘Let Me Know’ es una de las mejores canciones de pop de todos los tiempos», a lo que he ella ha asentido. ‘Overpowered’ es la gran superproducción de la discografía de Róisín con la que EMI intentó llevarla a la liga de las Madonnas y las Kylies, y aunque funcionó mucho peor de lo esperado, sí funcionó a modo de «sleeper» vendiendo unas 60.000 copias y ha envejecido estupendamente: sigue sonando moderno. ‘Let Me Know’ es la gran canción disco de Róisín, pero no por nada la muy Daft Punk ‘Overpowered’ es la más escuchada en Spotify, mientras el épico dance-pop de ‘You Know Me Better‘ dejaba un estupendo videoclip.
8 años después de ‘Overpowered’ llegó ‘Hairless Toys’, a todas luces el verdadero sucesor de ‘Ruby Blue’ dada la obvia influencia del jazz y la música de cabaret en muchas de sus canciones. El disco, nominado a un Mercury Prize, se caracteriza por su sonido elegante y refinado, también oscuro y melancólico, quedándose cerca de crear un género nuevo por momentos, como en el single ‘Gone Fishing’, que suena como un tema de lounge-pop hecho por alienígenas (preciosa su letra inspirada en ‘Paris is Burning’); o la épica ‘Exploitation’, una obra maestra de electro-jazz moderno, ultra sintético, aparentemente improvisado en su hipnótico tramo final, que solo vale la pena degustar en sus 9 minutos de duración originales. El último single del álbum fue ‘House of Glass’, aunque Róisín decidió usar para el vídeo un remix de Maurice Faulton en lugar de la maravillosa versión original, la cual retuerce sonidos de deep-house y jazz para llevarlos a una especie de guerra interestelar.
‘Take Her Up to Monto’, publicado un año después de ‘Hairless Toys’ y de nuevo producido por Eddie Stevens, aunque aquí dejando un sonido electrónico más bruto y sucio inspirado por el brutalismo, técnica arquitectónica de la que Róisín es una gran aficionada, es posiblemente el disco de la irlandesa peor valorado por el público, pero aún así tiene temas tan reivindicables como el estupendo single synth-pop ‘Mastermind’, el electro-pop deslizado de ‘Romantic Comedy’, de alucinante final; o el piano-pop electrónico y abstracto de ‘Thoughts Wasted’, que sería una gran canción de Jenny Hval y se cierra con un spoken word de Róisín recitando un poema de la poetisa inglesa Zadie Smith que pone los pelos de punta.
Finalmente de ‘Róisín Machine’ incluimos en la playlist la «monstruosidad» de ‘Kingdom of Ends’, una ‘Shellfish Mademoiselle‘ que acerca a Róisín a los terrenos de Janet Jackson y Gwen Guthrie, los singles ‘Murphy’s Law’, ‘Incapable’ y ‘Narcissus’ en sus versiones extendidas, y ‘Simulation’ en su versión original de 11 minutazos, para que no se pierda esa bonita melodía de guitarra eléctrica que irrumpe hacia la mitad, y que ha sido omitida en la nueva mezcla. De los singles con Maurice Faulton suena ‘Plaything’. ¿Cuál es tu favorita? ¿Falta alguna? ¡Cuéntanos en lo comments!
El Meister puede ser el hombre en España que lo hace todo. No contento con su labor en Arizona Baby y también en Corizonas -aquel proyecto paralelo junto a Los Coronas cuyo éxito a punto estuvo de salirse de madre-, ni con ejercer de productor de gente como Ángel Stanich o The Levitants; desarrolla sin prisa pero sin pausa una carrera en solitario. En 2014 publicó en Subterfuge su disco ‘Bestiario’, un álbum de fábulas sobre el ser humano «en clave zoológica» (sic), y en 2018 ‘Fantasmagoría’, un EP que incluía el que era su mayor éxito hasta ahora, un ‘Autómata’ que sonaba en la estela de Aviador Dro. ‘Fuego en Castilla’ no sigue esa línea particularmente sino la máxima de la actualidad de que ya no tiene por qué haber un solo género en un disco. El álbum es una locura en la que caben ritmos tradicionales españoles, referencias líricas a Valle-Inclán y sonoras a Gary Numan. Ora te toco una jota, ora me acerco al kraut.
‘Fuego en Castilla’ se abre y se cierra con sendos instrumentales -uno se llama ‘Castilla Medieval’, el otro ‘Viernes Santo’-, que van del ambient a la marcha de dichos fastos, y se presentaba con un single llamado ‘Max Estrella’ en referencia al personaje principal de esa obra creada hace 100 años pero que parece actual llamada ‘Luces de bohemia’. En ella el proyecto de Javier Vielba proclama que no quiere terminar «como un Max Estrella más, tirado en un portal» en referencia al -SPOILER- final del libro -FIN DEL SPOILER-, todo ello sobre un fondo folkie, el violonchelo invitado de Rocío Navarro y una melodía que podía haber escrito Nino Bravo.
El modo de ser de los españoles es un tema también en el corte que precede en la secuencia, ‘Estafas tradicionales’, en el que se habla de la «picaresca» para concluir irónicamente: «es todo tan nuestro que se hace sin querer». Es como si El Meister hubiera tomado la tradición y a autores como Cervantes, Zorrilla y Manuel Machado, para construir un relato sobre la vida, la muerte y la libertad (‘El curioso impertinente’) y los males de la política (‘En la chopera negra’ nos habla de «cráneos de hombres fusilados» y de un «alcalde que se ha ahorcado»).
El artista podía haber ofrecido su discurso sobre melodías setenteras de cantautor y ese ritmo de jotas que tanto engancha en pistas como ‘Loco mundo’, sobre «tontos que se hacen los listos y listos que se hacen los tontos», o ‘La copla’, una canción sobre el poder de la música popular: «hasta que el pueblo las canta / las coplas, coplas no son / y cuando las canta el pueblo / ya nadie sabe el autor». Sin embargo, las referencias en producción han sido más bien Brian Eno y Kraftwerk, y también el indie pop. Si ‘Estafas tradicionales’ es como un imposible encuentro entre The Doors y B-52’s, la excelente ‘Doce de cada diez’ tiene un riff de guitarra tan cristalino que ni The La’s.
El Meister hace honor a su nombre alemán haciendo funcionar esta amalgama de cosas que hasta incluye el electro-rock de ‘En la chopera negra’ y a Vicente Castro realizando un speech en la mitad del disco, un corte muy apropiadamente llamado ‘Discurso histérico’. Por poner una pega, cuando llega algo como ‘Convidado de piedra’ no es que añada mucho a lo que ya hemos oído: por algo los discos de los también versátiles León Benavente tienen solo 9 o 10 canciones. Por lo demás, podemos estar fácilmente ante su proyecto más interesante y atrevido.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Doce de cada diez’, ‘Estafas tradicionales’, ‘Max Estrella’, ‘El curioso impertinente’ Te gustará si te gustan: Eric Montefusco, León Benavente, Lorena Álvarez Youtube:Doce de cada diez
Fleet Foxes están volviendo a cosechar grandes críticas con ‘Shore‘, su nuevo disco anunciado por sorpresa y publicado durante el equinoccio de otoño. ‘Shore’ no ha pasado por nuestra sección de «Discos Recomendados» debido a cierta falta de canciones históricas -de las que el grupo de Robin Pecknold ha escrito varias- pero eso no significa que no cuente con composiciones tan estupendas y dignas de mención como ‘Can I Believe You’, hoy nuestra «Canción Del Día».
Una de las canciones más accesibles del disco más accesible de Fleet Foxes, se da la circunstancia que ‘Can I Believe You’ es también la primera canción del disco que Robin compuso, en concreto durante un descanso de su gira anterior. La melodía es luminosa y clara como el sol y en cuanto a la instrumentación, manda un diálogo de guitarras acústicas y eléctricas además de un ritmo de batería intenso pero tocado a medio tiempo. Aunque el dato más curioso de ‘Can I Believe You’ es que contiene coros proporcionados por los propios fans de Fleet Foxes, que el año pasado enviaron sus pistas a Robin a través de Instagram. Son «unas 400» personas escondidas las que cantan en esta grabación de folk-pop que, por cierto, cuenta con su propio videoclip desde hace solo unos días, como es lógico pues es la que mejor ha funcionado de todo el disco con diferencia en Spotify, sumando ya cerca de 3 millones de reproducciones.
En un análisis del disco canción-por-canción, Robin ha contado que la estructura de ‘Can I Believe You’ refleja su temática -problemas de confianza en la pareja- de manera involuntaria: «lo primero que escribí fue la frase de «can I believe you» con la melodía y la progresión de acordes, sin saber si eso era el verso o el estribillo o cuál sería la función de esa parte en la canción. A medida que la canción se fue desarrollando se volvió en un temazo sobre problemas de confianza, lo cual me hacía gracia pues es una canción muy divertida. Tenía sentido que una canción que habla sobre problemas de confianza tuviera un verso que funciona como un estribillo y un estribillo que funciona como un puente. La canción entera está un poco del revés».
El caos mental de Robin está plasmado también en la letra de ‘Can I Believe You’, en la que el artista parece señalar las dificultades que sufre para confiar… en que su persona amada confía en él. «¿Puedo creerte cuando me dices que estás bien? No necesitaba hacerlo cuando esperaba que lo hicieras» es una de varias cuestiones que se hace a sí mismo Robin en la canción, antes de que unos espeluznantes coros como venidos de los años 40 -un saludo a la ingeniera de Robin que produjo los coros de la canción, y la a que el artista traía «la comida y chocolates para agradecerle tal ardua labor»- le acompañan en la parte de la composición que correspondería al puente: «últimamente me estoy preguntando qué tipo de deseo puedo romper, cuando estoy con ellos por un lado y por otro contigo, ¿cuál es la mitad de mí que he remediado?»