No es exactamente una sorpresa que un grupo que tituló su anterior disco ‘Safari emocional’ se dedique en su nuevo single a los ritmos africanoides de Two Door Cinema Club, pero ‘El sitio perfecto’ sorprende gracias a un ritmo infeccioso y a unos “na na nas” irresistibles que resultan totalmente efectivos en su búsqueda de la euforia colectiva.
‘El sitio perfecto’ es el primer adelanto de ‘Furor’, el cuarto álbum del grupo murciano, que se publica el 16 de febrero. Es el primero de cuatro singles que conoceremos de ‘Furor’ cada viernes hasta la llegada del álbum, que según la nota de prensa “sigue la línea de diversión, vitalidad y naturalidad tan característica del grupo”, pero que a su vez “se aleja de lo lineal, introduciendo una gama variada de sonidos que van desde los más pop, pasando por ritmos ochenteros, sin dejar de lado los temas más electrónicos y guitarreros”, lo cual nos hace pensar por supuesto en canciones como ‘Momentos’.
Los chicos de Varry Brava han explicado sobre ‘Furor’: «No hemos tenido miedos a la hora de desarrollar las canciones. Había que ser valientes. Nos hemos dejado llevar por el primer impulso. Si a lo largo del proceso de composición y grabación nos salía una risa seguíamos adelante. Nos hemos fiado de lo que nos hacía sentir bien. Más de una tarde hemos acabado bailando en el estudio mientras repasábamos el trabajo que habíamos hecho a lo largo del día. Hacía tiempo que no lo pasábamos tan bien y eso se nota en las canciones. Es un disco frenético, divertido y con mucho furor desde el segundo en el que dijimos: adelante».
Desde Navarra, Melenas publicaban su esperado debut a finales del año pasado. Ahora toca presentarlo en Barcelona, en Razzmatazz este sábado 13 de enero, dentro de la programación de RazzClubs; y después en Madrid PopFest durante el primer fin de semana de marzo. Hablamos con ellas sobre su notable disco, que contiene los singles de adelanto ‘Volaremos’ y ‘Dónde estás’, y otras canciones tan magnéticas como ‘Mentiras’ y ‘Alfajarín’. Además, nos avanzan que lo pasearán también por el estadounidense SXSW el próximo mes de marzo.
Supongo que con las primeras críticas o comentarios sobre el disco, y como siempre pasa con los artistas debutantes, habréis recibido comparaciones con cosas que no os gustan o con las que os identificáis especialmente, ¿qué comparación os ha chocado más de momento?
¡¡¡El otro día nos llamaron Hinds de provincias!!! (risas) Y aunque nos hizo bastante gracia, la verdad que nos sorprendió, porque nuestras canciones en realidad no se parecen mucho a las suyas. Solo que somos chicas. Punto. Pero nosotras más viejas, que eso no lo dijeron pero lo decimos nosotras. Vie-hinds.
Entre vuestras influencias citáis Marine Girls, Sonny and the Sunsets, The Modern Lovers… artistas variados y de diferentes épocas, ¿os molesta cuando alguien os compara solo con grupos de chicas solo por ser chicas? Las referencias a Savages, Sleater-Kinney y sobre todo Hinds me parecen algo forzadas, pero igual hay algo en común en energía, voces…
Sí, es lo que decíamos. Hay veces que las comparaciones pueden tener sentido, que realmente podemos hacer música que, por lo que sea, esté en relación con la de algún grupo de chicas. Pero muchas veces hay comparaciones sistemáticas que vienen por el mero hecho de ser un grupo compuesto por chicas aunque no tengamos nada que ver musicalmente… Tampoco es que nos moleste pero es un poco… de verdad, ¿otra vez? ¿Qué pasa con la música?
Recordáis a Fresones Rebeldes o Pegamoides en ‘Tú me haces lo mismo’, pero no estoy muy seguro de que haya sido una súper referencia para vosotras…
Sí, somos conscientes de ello, en seguida nos dimos cuenta de que era una canción muy fresonera, ¡pero la verdad es que al hacerla no teníamos eso en mente para nada! ¡Salió así! A algunas de nosotras nos gustan los Fresones, pero no es un referente para la compositora (Oihana).
«De Pamplona podemos decir que para ser una ciudad no muy grande, y sin demasiados garitos para que se dé una escena musical importante, resulta que se ha dado y se sigue dando la existencia de gran número de bandas»
A quien sí citáis es a Exnovios. ¿Qué nos podéis destacar de la escena de Pamplona? Grupos favoritos, locales favoritos para salir, conciertos favoritos que os han marcado en la ciudad, cualquier cosa que se os ocurra al respecto…
De la escena de Pamplona podemos decir que para ser una ciudad no muy grande, y sin demasiados garitos para que se dé una escena musical importante, resulta que se ha dado y se sigue dando la existencia de gran número de bandas que aunque disten en estilos, pueden pertenecer al mismo universo, entre ellas pueden estar actualmente Exnovios, Kokoshca, Germán y la Alegría del Barrio, Rio Arga, Las Kasettes…
El bar donde nos encontramos habitualmente es el Nébula, cada semana pueden verse grandes conciertos en su pequeño sótano. O igualmente podemos tomarnos unas cervezas en el Toki-Leza, donde también se escucha muy buena música.
Conciertos que nos han marcado, como ya hemos dicho alguna vez.. aquel primer concierto de Holy Wave en el Nébula, donde, además de bucear en sus canciones a las dos del mediodía en la oscuridad del sótano, y salir de allí empapados de tanto bailar, surgió una amistad muy chula que dura hasta día de hoy. O tras ver un concierto de Sonny and the Sunsets (también un domingo al mediodía), acabar todo el bar haciendo la conga y bailando el Limbo mientras Sonny decía: «¡No puede estar pasando algo así!” y lo grababa con su videocámara.
Kid Congo Power, Zebra Hunt, The Pretty things, Cosmonauts, Terry Malts, The Intelligence, Shannon and the Clams… ¡hay unos cuantos que merecen más de un recuerdo!
¿Hay grandes diferencias en gustos musicales entre vosotras? Hemos leído que Leire canta Shakira en la furgoneta. ¿Pero etapa cantautora o etapa reggaetón? ¿Es un suplicio para el resto o es divertido?
Entre nosotras compartimos muchos grupos y estilos que nos gustan pero cada una después tiene sus gustos personales, muy distintos a veces, la verdad… Lauri nos canta Dellafuente y C. Tangana, María berrea Desechables o Hombres G… Leire, además de un gusto musical por lo general muy “sixties”, tiene su faceta de Shakira con distintas variantes: la Shakira de “loca con mi tigre” o “My hips don’t lie” de letra inventada y, la mejor, cantando nuestras propias canciones en versión Shakira, que ahí ya es de ataque de risa. A ver si la convencemos para que nos grabe un audio y lo podáis escuchar. A todas las demás nos encanta porque nos morimos de risa, de hecho no paramos de pedírselo.
Los teclados tienen un peso importante en canciones como ‘Mentiras’ o ‘Una tras otra’, ¿os veis desarrollando más esa faceta en el futuro, más electroniquilla o psicodélica o entendéis Melenas como un grupo de rock?
Sí que nos vemos haciendo que las teclas tengan más protagonismo en algunas de las canciones, nos gusta mucho ese punto, pero quizás no en todas, lo que pida cada una. En cuanto a los estilos, hasta el momento vamos haciendo lo que sale, no nos planteamos ir hacia un estilo u otro, pero de tirar hacia algún lado, nos tememos que tirarían más hacia la psicodelia, que nos gusta más que la electrónica.
«Las voces nos gustan así, más opacas, no tan destacadas, más ensoñadoras. Nos parecen más cálidas»
‘Una tras otra’ tiene un punto de canción navideña, ¿a qué creéis que se debe, técnicamente, aparte de a lo sugestionado que puedo estar por haberla descubierto en Navidad?
¿Quizás el ¾ a ritmo de vals junto con las voces superpuestas con reverb, más corales, y el canon final le da un punto dreamy navideño?
Siempre que hay reverb y/o distorsión, alguien se queja de que no se entienden las letras, ¿para vosotras era importante que se entendieran lo mejor posible y que lo mismo pase en directo o buscabais un punto más opaco, de misterio?
Nos gustan así, más opacas, no tan destacadas, más ensoñadoras. Nos parecen más cálidas.
‘Mentiras’ habla del autoengaño, ¿verdad? ¿Algo que podáis contarnos sobre esta canción?
Sí. Esta canción habla de esa sensación de decir “no, por favor, no me digas lo que veo venir, miénteme, no lo digas, que no lo puedo escuchar”. La melodía y la rítmica tienen ese punto triste y rabioso que acompañan a ese sentir. Una canción de desahogo post-ruptura, eso fue.
Mi canción favorita del disco junto a ‘Mentiras’ es ‘Alfajarín’, contadme algo sobre ella, ¿está siendo una favorita de momento de la gente, todo lo contrario? ¿Fue de las primeras que salió, de las últimas? ¿Qué o quién ha podido inspirarla?
Pues diríamos que no es de las favoritas de momento, pero la cosa está bastante repartida. ‘Alfajarín’ fue una de las canciones que se compusieron y se grabaron en la primera tanda (el disco lo hemos compuesto y grabado en dos partes, en una primera tanda 6 canciones y en una segunda las otras 4). Oihana recuerda haberla compuesto después de un concierto de Levitation Room y Canery Terror: «Me quedé con una secuencia de acordes de una canción que iba hacia delante y hacia atrás y pensé que quería hacerlo, aunque al final el resultado no tiene que ver en cuanto al estilo. Más tarde ya, su melodía y la rítmica nos sugería hablar de un viaje por algún paraje desértico, que es de lo que trataba en un comienzo, hablando del trayecto entre Barcelona y Pamplona y de su desierto particular, los Monegros, con su indispensable parada en Alfajarín. Finalmente la letra acabó hablando de otro tipo de viaje… pero el título de la canción sí que lo mantuvimos».
¿Y sobre ‘Una voz’? ¿Tuvisteis siempre claro que era la canción de cierre de este disco? ¿Deduzco entonces, que para vosotras sí era importante el disco como formato a diferencia de lo que pasa ya con muchos artistas debutantes?
‘Una voz’ fue una canción que salió unos días antes de entrar a grabar la segunda tanda de canciones. Llegamos al estudio con guitarra, voz y batería y finiquitamos el resto de instrumentos allí. Teníamos claro que la queríamos meter en este disco, nos gustaba mucho. La letra salió de tirón, fue fácil ponerse en situación: dejar una ciudad para marcharse a otra, con las emociones, recuerdos y dudas que surgen y se escuchan como una voz en tu cerebro estando a la espera del tren en la estación… Una vez acabada, cuando pensamos en el orden de escucha de las canciones en el disco, vimos claro que tenía que ser la canción de cierre, que te deja con ese punto nostálgico pero bonito para acabar. Y sí, pensamos en el disco como formato.
¿Por qué os decantasteis por ‘Volaremos’ como single, en lugar de ‘Mentiras’?
Como comentábamos antes grabamos las canciones en dos tandas, ‘Mentiras’ es una de las canciones de la segunda tanda (grabada después de haber sacado el primer single). De esa primera tanda ‘Volaremos’ fue la que nos pareció mejor carta de presentación de lo que estaba por llegar, contiene todos los ingredientes de la banda y tiene esos «aaaaa» fácilmente coreables que nos gustan. De hecho, es una de nuestras canciones preferidas ahora también.
Hay una temática muy escapista (‘Volaremos’, ‘Alfajarín’) en el disco, ¿qué otras historias son importantes líricamente en el disco? ¿Qué habéis querido contar?
El disco habla de vivencias, de sentimientos, de cosas que nos pasan. ‘Volaremos’ en concreto habla de la ilusión, más que de escapar, de volar cada vez más alto y ‘Alfajarín’ sí que es más escapista, habla de viajar sin moverse del sofá, de llegar a un lugar que no se sabe dónde está, pero sí se sabe cómo llegar… cada uno que lo interprete a su gusto.
«En facebook nos etiquetan de vez en cuando en cortes de pelo, tintes de coloringuis y demás que nos hace bastante gracia»
¿Qué planes tenéis al margen de Razz y algún festival? ¿Algún vídeo o colaboración en ciernes?
¡¡¡Pues esto es una primicia… en marzo vamos a Austin a tocar al SXSW!!! Bueno, emoción es poco, ¡un sueño! En cuanto a vídeos y colaboraciones las ha habido hace poco, Oihana canta en una preciosa canción del último LP de Exnovios, que es una versión de ‘Song for Shelley’ de Jonathan and Leigh y en la maravilla de villancicos compuestos por Tamu y J’aime que salieron este pasado diciembre en un 7″, ambos editados por El Nébula Recordings. Seguro que en un futuro saldrán más cosillas.
He buscado en Google entrevistas vuestras y aparte de la del Mondo he llegado a un artículo de VOGUE.es llamado «15 cortes para pelo liso». ¿Os han pasado cosas así de graciosas o curiosas relacionadas con el nombre del grupo?
En facebook nos etiquetan de vez en cuando en cortes de pelo, tintes de coloringuis y demás que nos hace bastante gracia. Ahí quedan, en nuestras fotos etiquetadas para quien necesite inspiración para esta temporada.
El domingo 14 de enero se celebra en Sala Apolo de Barcelona una nueva edición de Antichurros, una fiesta muy conocida también en Madrid y que busca hacerle la competencia a la fiesta principal Churros con Chocolate, celebrándose de hecho no en la sala principal sino en La [2], recientemente renovada.
El próximo Antichurros, que en el pasado ha albergado las actuaciones de Guille Milkyway, Mueveloreina o las sesiones de Pedro Marín, Dorian u Ojete Calor, contará con la presencia esta vez del DJ británico Alex Metric, conocido por canciones de electro bailable como ‘Hopes’ o ‘It Starts’. Metric se acompañará en la cabina de Mr.K!, Ley Dj y Hernán Lagos. El acceso al evento será gratuito hasta las 22.00. Después, serán 10 euros + consumición.
Apolo escribe: “Diversos colectivos, grupos, artistas y DJs han sido y serán los responsables mes a mes de pasar por la ANTICHURROS y demostrar si son capaces de eclipsar y robarle público y aportarle nuevos seguidores y adeptos a Churros con Chocolate. En esta fiesta paralela en la renovada sala de abajo del Apolo habrán directos, sesiones de lo más nuevo de la música electrónica local e incluso artistas internacionales”.
España ha sido uno de los bastiones fundamentales para Fifth Harmony, pero no cabe duda de que para parte del público no tan adolescente, Camila Cabello era poco más que la componente del grupo que decía «selfieee» en uno de los tronchantes vídeos de la youtuber Desahogada. Pero todo cambió cuando Cabello dejaba atrás los días de ‘Work from Home‘ para emprender carrera en solitario en diciembre de 2016. El punto de inflexión era -obvio- ‘Havana‘, una deliciosa e inteligente visita a sus raíces cubanas: lo primero porque el piano presenta evidentes raíces latinas y esa trompeta nostálgica nos lleva inequívocamente al sentir de Buenavista Social Club, lo cual era muy acorde además con la letra «llévame donde sea pero mi corazón está en La Habana». Lo segundo porque aprovechaba el tirón del imperio latino de ‘Despacito’ y ‘Mi gente’ pero en su estilo. No es una canción de son cubano, pero tampoco lo era desde luego de reggaetón, resultando a oídos del público mucho más refinada, clásica y atemporal, incluso con el añadido oportuno de Young Thug. Una de las mejores canciones de 2017, en resumen.
Recientemente, Camila Cabello se apuntaba otro tantazo: de nuevo junto a Frank Dukes (Drake, Rihanna) presentaba una canción llamada ‘Never Be the Same’, esta vez haciendo un paralelismo entre la adicción al amor de un chico y a los narcóticos. Camila no tiene la voz de Ariana Grande y a veces su timbre es irreconocible en medio de la masa, pero su tono gatuno funciona perfectamente en el pre-estribillo, el puente final es precioso y cumple plenamente su función de elevarte como solo lo logra el recién descubierto amor, y esa batería tan Phil Spector pone el nombre de «clásico» de nuevo sobre este otro single. No en vano, abre y cierra en distintas versiones este disco llamado ‘Camila’ que se publica hoy.
Hay quien acusará de holgazana a Camila Cabello por la brevedad de este álbum, pero después de las tibias críticas que han recibido en general ‘reputation’ y ‘Witness’, y también después de lo largo que se hacen los discos de Dua Lipa y el infravalorado álbum de Zara Larsson, hay que elogiar lo conciso que es. Camila de hecho ha renunciado a incluir en el disco ‘Crying in the Club‘, dejando como bonus track para países remotos la interesante balada con cuerdas ‘I Have Questions’, quizá por su enumeración de 3 puntos a lo ‘New Rules’, quizá por estar dedicada a unas ex amigas que prefiere dejar en el pasado.
A pesar de la exclusión de pistas conocidas, la influencia más evidente en ‘Camila’ no es tanto la música latina como ‘Purpose’ de Justin Bieber. Si ya el adelanto promocional ‘Real Friends’ recordaba un pelín a ‘Love Yourself’, ‘All These Years’ es casi, casi la misma canción que la de Bieber. Igualmente ‘Something’s Gotta Give’, una balada a lo Emeli Sandé (hasta hay un «next to me») y Leona Lewis, y ‘Real Friends’ incorporan unas vocecillas tratadas que son puro BloodPop en ‘Sorry’.
Sin embargo, donde aparece su colega Skrillex es en la tercera pista, ‘She Loves Control’, un reggaetón con guitarra española sobre el empoderamiento femenino que nos puede remitir a Santana. La felicísima ‘Inside Out’, tropical en su percusión y calipso en su piano, nos confirma que la línea latina del disco tendría que haber sido la primordial, con solo la oscura ‘In the Dark’ (mínimamente Purity Ring) y sobre todo la muy Carly Rae Jepsen ‘Into It’ (de Ryan Tedder y Justin Tranter) haciendo algo de sombra desde diferentes estilos. «De Miami a México, esta cosa se prendió, baby».
Los sinsabores del desamor atormentan a Camila Cabello en los momentos lentos («pensé que podía confiar en ti, pero no importa», «que no haya razón para irse es que no hay razón para quedarse» son algunas de sus frases), dejando baladas más que potables como ‘Consequences’ («estoy pagando por todos los avisos que ignoré»). No hay aburrimiento en ‘Camila’ porque no da tiempo, y aunque el álbum fluye bien hilvanado y elegante pese a la variedad de estilos, no se puede dejar de apuntar que llega tres años después de ‘Purpose’ y que sus raíces latinas, dado el histórico momento que vivimos, quedan pelín desperdiciadas. Es el gran pero que se puede poner a este disco que, por lo demás, consolida a Cabello en el panorama pop como pocos esperamos.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Havana’, ‘Never Be the Same’, ‘Inside Out’, ‘Into It’ Te gustará si te gustan: Justin Bieber, Shakira, Emeli Sandé, Ariana Grande Escúchalo:Spotify
Los Lagos de Hinault, el proyecto de Carlos Ynduráin, sustituye a Matilde Tresca por Andrea Gasca, en este tercer disco tras ‘Vidas ejemplares‘ y ‘Flores de Europa‘, construido a partir de cajas de ritmos y producido por Cristian Pallejà. ‘Escenas de caza’ se compone de guitarras muy Aventuras de Kirlian (‘Aguas de Marte’), bajos y melancolía bastante Family (‘De novios’), alternados con números ligeramente más punkis (‘Vendo besos’, ‘Corcel colorado’) y otros con arreglos propios de La Buena Vida (‘Lágrimas de San Lorenzo‘).
Esta última canción, en su repetición celosa de «Yo sé que este verano te vas a enamorar», es una de las cumbres del disco, marcado por cierto carácter «loser» («Todos los regalos que quiero comprarte son tan exclusivos (…) que voy a tener que pedirle dinero a mi madre», ‘Aguas de marte’) y el deseo sexual frustrado más «creepy» en sintonía con el recuerdo de la juventud perdida. Dice ‘Clásicas de primavera’: «Huele a vestidito y huele a trenzas, huele a limpio y a día de fiesta… / Huele a Laura, huele a Teresa / No hay manera, no hay manera / el futuro ya no es lo que era / Porque ya no tengo quince años, y puede que ya nunca los tenga, disimulo, pero no cuela».
Sin embargo, también hay espacio para el sentido del humor y sus límites (‘Los límites’) y para el delirante retrato social de una chica de Chamberí («Se te transparenta, y mucho, la clase social / Será por tu piel tan blanca. ¡Qué fatalidad!», en ‘Chamberilera’), dejando un disco que podrían disfrutar los miles de nuevos seguidores de los agridulces Rusos Blancos. Quizá podría habérseles pedido un paso más en su tercer álbum, pero la combinación de temas agitados y contemplativos y la repetición de mantras («cierta arrogancia» en ‘La paradita’) construyen un disco de 23 minutos de lo más dinámico.
Los Lagos de Hinault tocan este viernes 12 de enero en la Sala Siroco de Madrid. Entradas, en Ticketea.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Las lágrimas de San Lorenzo’, ‘Poca policía’, ‘Chamberilera’, ‘Vendo besos’ Te gustará si te gustan: Casiotone for the Painfully Alone, Family, Aventuras de Kirlian, Rusos Blancos Escúchalo:Bandcamp
Sigrid es la ganadora de BBC Sound of 2018. Competía con promesas como Superorganism, Billie Eilish, Rex Orange County, IAMDDB o Khalid, este último en realidad ya consolidado. Sigrid se suma así a pasados ganadores de la apuesta como Adele, Sam Smith, Michael Kiwanuka, Jack Garratt o Ray BLK.
Entre los expertos en la industria que han votado en BBC Sound of encontramos antiguos nominados en la apuesta como Stormzy, Ellie Goulding y Olly Alexander de Years & Years. El top 5 de BBC Sound of 2018 ha quedado así:
1.- Sigrid
2.- Rex Orange County
3.- IAMDDB
4.- Khalid
5.- Pale Waves
Conocimos a Sigrid en la primavera de 2017, cuando Lorde incluyó ‘Don’t Kill My Vibe’ en su playlist “Homemade Dynamite”. La cantante noruega, de 21 años, es conocida por un pop belicoso presente también en ‘Plot Twist’, aunque recientemente ha sorprendido con el electro-pop de ‘Strangers’.
La gran baza de Sigrid es su voz rasgada, muy apta en realidad para el rock, y que puede apreciarse mucho mejor en la balada ‘Everybody Knows’, su contribución a la película ‘La liga de la justicia’. Una curiosidad que Sigrid tenga ya su propia canción para una película antes siquiera de haber publicado su álbum debut, que por cierto se espera para algún momento de 2018, como ella misma ha confirmado.
2018 será el año en que finalmente conozcamos ‘Fool’s Paradise’, el debut oficial de Kali Uchis, la joven colombiana que tanto nos ha sorprendido en los últimos tiempos gracias a canciones de dancehall cálido como ‘Tyrant’ o ‘Nuestro planeta’ o en otros temas notables como ‘Loner’ o ‘Melting’, estos dos más en la línea de la primera Amy Winehouse.
Uchis se está haciendo un nombre coqueteando con varios estilos, y en su nuevo single, ‘After the Storm’, ya disponible, la encontramos adentrándose en el R&B clásico de Minnie Riperton y Donny Hathaway de la mano de Tyler, the Creator, el grupo de jazz contemporáneo BADBADNOTGOOD (que produce el tema) y el mismísimo Bootsy Collins, bajista de James Brown y también colaborador de Parliament y Funkadelic. ‘After the Storm’ nos habla de la importancia de la valentía para ser feliz: “si necesitas un héroe, solo mírate en el espejo, nadie te va a salvar ahora, así que más te vale salvarte a ti mismo”.
Uchis de hecho ya aparecía en ‘Candy Coated Lover’, uno de los temas incluidos en ‘World Wide Funk’, el último disco de Bootsy Collins. Además, esta es la segunda colaboración de Uchis con Tyler, the Creator, pues ya apareció en un tema del último disco de este.
Pese a su (buscado) anonimato, Marshmello es uno de los productores EDM del momento gracias a éxitos como ‘Silence’ con Khalid, ‘Wolves’ con Selena Gomez o a canciones en solitario como ‘Alone’. Posteriormente a estas canciones, entorno a noviembre el músico tramaba otro posible éxito junto al rapero Lil Peep, una canción titulada ‘Spotlight’ que ambos no pudieron completar juntos, ya que el rapero fallecía tempranamente solo unas semanas después.
‘Spotlight’ es una canción que fusiona hip-hop (el ritmo) y pop (la melodía) y Marshmello ha querido compartirla póstumamente para recordar al joven Peep. “Peep traía una emoción a la música que no se podía comparar con la de nadie a quien yo haya conocido. Empezamos la idea juntos, pero desafortunadamente nunca pudimos terminarla juntos oficialmente. Cuando escucho esta canción ahora, me dan escalofríos pensar que él pudiera escucharla. Dedico esta canción a la madre de Peep, a su familia, a sus amigos y a sus fans. Gus vivirá para siempre a través de su música y eso es algo por lo que deberíamos estar tremendamente agradecidos”.
Por suerte Lil Peep sí dejó listo un prometedor disco debut en la estela de Post Malone y Lil Uzi Vert en el que, tal y como escribía mi compañero Raúl Guillén, convivían “trap, emo-rock a lo My Chemical Romance o Linkin Park, tatuaje extremo, estética acid y gótica a un tiempo y sexualidad desprejuiciada”.
El estadounidense BØRNS -conocido por canciones como ‘Electric Love’- ha sorprendido en los últimos días publicando un single junto a Lana Del Rey, un ‘God Save Our Young Blood’ en el que la autora de ‘Lust for Life’ hace coros y que suponía el cuarto avance de ‘Blue Madonna’, el segundo disco de BØRNS, que se publica precisamente hoy, 12 de enero.
Y con motivo del lanzamiento de ‘Blue Madonna’ descubrimos que Lana Del Rey está presente en otra canción del disco, nada menos que en la que lo titula. Una balada nocturna, movida por un hipnótico pulso electrónico en el estilo ‘Drive’, en el que BØRNS evoca la presencia de una angelical “triste Madonna” a la que quiere volver a hacer sentir “como cuando era virgen, una versión de ella misma que algún día conoció”. “Pero solo quiero observarte, como una vela a la luz de la luna, más caliente que la llama de un arándano”, canta.
La presencia de Lana Del Rey en ‘Blue Madonna’ es clara a lo largo de toda la canción, pero se intensifica al final, cuando asume todo el protagonismo para cantar: “Madonna triste en mi cabeza, Madonna triste en mi cama, Madonna triste del color rojo de las cerezas, bajo esta luz”. A pesar de ello, la cantante no aparece acreditada en el tema, como sí sucede en ‘God Save Our Young Blood’.
Según había confirmado ella misma por medio de su app ‘The Swift Life’, Taylor Swift estrenaba esta noche el clip oficial de ‘End Game’, la colaboración con Future y Ed Sheeran que se incluye en su nuevo disco ‘reputation’ y que es, para muchos, la mejor canción del mismo.
Como es habitual en su carrera reciente, el vídeo ha sido dirigido por Joseph Khan (que ya se encargara de esa parcela en ‘Look What You Made Me Do’ y ‘…Ready For It’, entre otros temas anteriores tipo ‘Bad Blood’) y cuenta con la participación, como en la canción, de Future y de Ed Sheeran. Con el rapero aparece a bordo de un lujoso yate en Miami bailando y bebiendo, además de en un coche futurista, y con Sheeran tomando chupitos en Tokio. Después, para el verso de Taylor en solitario, nos trasladamos a Londres con su séquito de bailarines y amigos y así descubrimos que este es el vídeo que la cantante rodó en la capital británica el pasado año. El alcohol vuelve a ser protagonista por tercera ciudad consecutiva, pero a pesar de esos planos en las calles y en un autobús de dos plantas, la fiesta de Taylor no tiene lugar precisamente en un kebab. Alto presupuesto en localizaciones, no tan alto «replay value».
Las imágenes filtradas del vídeo sugerían que Katy Perry o una doble podría aparecer en el vídeo, sellando la paz entre las dos artistas, pues Katy estaba en la misma ciudad de Miami durante el rodaje, con su actual tour. Sin embargo, no parecía lógico que, de ser ella, apareciera bailando al fondo de la escena, y finalmente, la chica rubia de pelo corto no tiene ningún protagonismo en el vídeo.
La justa reivindicación del catálogo de Fleetwood Mac continúa a través de las reediciones de lujo de Warner. Tras la publicación de rarezas y la remasterización de discos seminales como ‘Rumours’, ‘Tusk’ o ‘Tango in the Night‘, este 19 de enero se reedita el disco homónimo de Fleetwood Mac, el que editado en 1975 fue el primero con lo que conocemos como la formación clásica con Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, John McVie, Christine McVie y Mick Fleetwood.
Esta reedición contiene el disco original remasterizado, además de un sinfín de pistas extra con tomas alternativas y directos del que el pasado viernes conocimos la maqueta de la canción más hermosa del largo, ‘Landslide’, todavía recurrente en sus directos más de 40 años después. Hoy JENESAISPOP tiene el placer de estrenar para España la toma primigenia de ‘Monday Morning’, la canción que abría el álbum, y que en principio iba a pertenecer al segundo largo de Buckingham Nicks.
Esta «early take» de Lindsey Buckingham perfila perfectamente el espíritu final de la canción, si bien su voz y su propia guitarra tienen un carácter mucho más crudo. La batería suena directa, como si estuviera tocada en el salón de tu casa, y sin embargo, ya está aquí 100% visible ese algo que llevaría a este disco y por supuesto el siguiente -el que se abría con ‘Second Hand News’- a conectar con millones de personas.
‘Fleetwood Mac’ fue número 1 en Billboard, estuvo más de un año en el top 40 y vendió 5 millones de unidades en Estados Unidos gracias a temas como el mencionado ‘Landslide’ o ‘Rhiannon’. La reedición deluxe viene en una caja 12×12 con fotos inéditas, notas de David Wild y nuevas entrevistas con todos los miembros del grupo. Tras el audio de ‘Monday Morning’, podéis encontrar todos los detalles de esta reedición.
FLEETWOOD MAC: DELUXE EDITION
Disc One: Original Album Remastered and Singles
1. “Monday Morning”
2. “Warm Ways”
3. “Blue Letter”
4. “Rhiannon”
5. “Over My Head”
6. “Crystal”
7. “Say You Love Me”
8. “Landslide”
9. “World Turning”
10. “Sugar Daddy”
11. “I’m So Afraid”
12. “Over My Head” – Single Version
13. “Rhiannon” – Single Version
14. “Say You Love Me” – Single Version
15. “Blue Letter” – Single Version *
Disc Two: Alternates and Live
1. “Monday Morning” – Early Take *
2. “Warm Ways” – Early Take *
3. “Blue Letter” – Early Take *
4. “Rhiannon” – Early Take *
5. “Over My Head” – Early Take *
6. “Crystal” – Early Take *
7. “Say You Love Me” – Early Version *
8. “Landslide” – Early Version *
9. “World Turning” – Early Version *
10. “Sugar Daddy” – Early Take *
11. “I’m So Afraid” – Early Version *
12. “Over My Head” – Live *
13. “Rhiannon” – Live *
14. “Why” – Live *
15. “World Turning” – Live *
16. Jam #2
17. “I’m So Afraid” – Early Take Instrumental *
Disc Three: Live
1. “Get Like You Used To Be” *
2. “Station Man” *
3. “Spare Me A Little” *
4. “Rhiannon” *
5. “Why” *
6. “Landslide” *
7. “Over My Head” *
8. “I’m So Afraid” *
9. “Oh Well” *
10. “The Green Manalishi (With The Two Pronged Crown)” *
11. “World Turning” *
12. “Blue Letter” *
13. “Don’t Let Me Down Again”
14. “Hypnotized” *
DVD: 5.1 Surround Mix and 24/96 Stereo Audio of Original Album plus four single mixes
FLEETWOOD MAC: EXPANDED EDITION
Disc One: Original Album Remastered and Singles
1. “Monday Morning”
2. “Warm Ways”
3. “Blue Letter”
4. “Rhiannon”
5. “Over My Head”
6. “Crystal”
7. “Say You Love Me”
8. “Landslide”
9. “World Turning”
10. “Sugar Daddy”
11. “I’m So Afraid”
12. “Over My Head” – Single Version
13. “Rhiannon” – Single Version
14. “Say You Love Me” – Single Version
15. “Blue Letter” – Single Version *
Disc Two: Alternates and Live
1. “Monday Morning” – Early Take *
2. “Warm Ways” – Early Take *
3. “Blue Letter” – Early Take *
4. “Rhiannon” – Early Take *
5. “Over My Head” – Early Take *
6. “Crystal” – Early Take *
7. “Say You Love Me” – Early Version *
8. “Landslide” – Early Version *
9. “World Turning” – Early Version *
10. “Sugar Daddy” – Early Take *
11. “I’m So Afraid” – Early Version *
12. “Over My Head” – Live *
13. “Rhiannon” – Live *
14. “Why” – Live *
15. “World Turning” – Live *
16. Jam #2
17. “I’m So Afraid” – Early Take Instrumental *
LP
Side One
1. “Monday Morning”
2. “Warm Ways”
3. “Blue Letter”
4. “Rhiannon”
5. “Over My Head”
6. “Crystal”
Side Two
1. “Say You Love Me”
2. “Landslide”
3. “World Turning”
4. “Sugar Daddy”
5. “I’m So Afraid
MØ y Diplo continúan colaborando tras el exitazo de ‘Lean On’ en 2015. Les hemos escuchado juntos desde entonces en ‘Cold Water’ y ‘Kamikaze’ y más recientemente en ‘Get it Right’, que firma Diplo a solas junto a la cantante danesa. Por cierto, ambos ya trabajaron juntos en una canción de 2013 aunque nadie se acuerde, ‘XXX 88’, incluida en el debut de ella.
Hoy se publica el videoclip de ‘Get it Right’, toda una curiosidad, pues presenta a MØ y a Diplo ejecutando una coreografía juntos, sin parar, durante tres minutos en una habitación. No es la coreografía que verás a continuación la más complicada del mundo, pero sirve para ver a Diplo -y su nueva melena- bailar mucho más de lo que le veíamos hacerlo en el videoclip de ‘Lean On’, realizando además movimientos junto a MØ entre lo adorable y lo ridículo.
Curiosamente, Diplo no ha firmado ninguna producción en el último EP de MØ, ‘When I Was Young‘. Ha estado ocupado, claro, con su propio proyecto Major Lazer, del que hemos conocido también un EP recientemente, ‘Know No Better’, que ha producido un hit en streaming -el tema titular- junto a Camila Cabello, Travis Scott y Quavo, ya por los 222 millones de reproducciones.
Hace ya casi dos años escribimos aquí sobre Iris DeMent y su ‘Infamous Angel’, ese sublime álbum que empezó a explotar la veta del revivalismo del country rural en los 90. Aunque contemporánea, Gillian Welch se podría considerar en cierto modo discípula de DeMent: su debut de 1996 no dejaba lugar a dudas ni en su envoltorio estético (la cantante fotografiada en blanco y negro, vestida estilo Gran Depresión) ni en el obvio título (‘Revival’). Lo que la diferenciaba era un aire menos country y más folk-blues, la presencia en la sombra de David Rawlings -coescritor de muchas de las canciones y acompañante permanente a la guitarra y armonías- y en general un aire más fantasmagórico, más gótico sureño.
‘Ophan Girl’ ya era conocida por ser una de las más bonitas piezas del ‘Wrecking Ball’ de Emmylou Harris (1995), quien con su habitual olfato para descubrir nuevos talentos había escogido la canción para grabarla junto al productor Daniel Lanois. Pero quedaba la duda de escucharla en voz de su autora, conocer el origen, lo que fue posible un año después, con la publicación de ‘Revival’. Igual que DeMent concibió su debut bajo el ala de John Prine, en el caso de Gillian Welch fue el reputado T-Bone Burnett quien produjo las diez canciones, y su propósito fue desde el principio recoger la inmediatez y mágica compenetración del dúo Welch-Rawlings en directo, con su crudeza acústica adornada con añadidos muy sutiles. El disco lo abría, precisamente, ‘Orphan Girl’, cuatro minutos de pura magia:
Registrada con la ayuda del veterano ingeniero de sonido Rik Pekkonen (experto en grabaciones monoaurales en cinta) y unos cuantos micrófonos antiguos, se aprecia sin embargo el añadido de guitarras eléctricas, especialmente en esa rúbrica final con distorsión: en el revivalismo de Gillian Welch había pues espacio para sonidos algo más contemporáneos. Quizá no tanto en las letras, que frente a la bella universalidad de esta ‘Huerfana’ (“Soy una huérfana en la autopista de Dios / Pero compartiré mis tribulaciones contigo si vas en mi dirección (…) / He tenido amistades puras y doradas / pero los lazos de la familia no los he conocido / No tengo madre ni padre, ni hermana ni hermano / Soy una huérfana”) tendían a la ficción revivalista, con sus historias de destiladores ilegales, personajes y parajes del pasado, aspecto que le granjeó críticas de parte de algunos medios, cuestionando su “autenticidad”.
La conexión con T-Bone Burnett haría que éste llamase a Gillian cuatro años después, cuando preparaba la banda sonora de la película ‘O Brother, Where Art Thou?’, cuyo inesperado éxito (Pitchfork lo declaró “el Big Bang del sonido Americana”) ayudó mucho a la popularidad de la cantante, quien siguió una pausada secuencia de brillantes discos (mención especial para ‘Time (The Revelator)’ de 2001). Secuencia que, por cierto, lleva detenida sin material nuevo desde hace once años. Hace poco más de un año se publicó con motivo de su 20 aniversario – y quizá también para aplacar la impaciencia de los fans- un fabuloso disco de demos y tomas alternativas de ‘Revival’. Incluía una deliciosa maqueta casera y una interesante toma descartada de ‘Orphan Girl’, pistas que sin embargo no superan en emoción, oscuridad y atemporalidad a la versión definitiva.
‘Orphan Girl’ sonó en el episodio #279 de Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.
Lady Gaga actúa los días 14 y 16 de enero en Barcelona en el que será el inicio de su gira europea, pero la cantante es puntual y ya está en la capital catalana, como se recoge en Twitter. Gaga ha aterrizado esta tarde en el Aeropuerto del Prat vestida con un traje rosa pastel y ha saludado a los fans que la esperaban en el exterior, con los que además se ha sacado fotos.
Gaga descansará en los dos días previos a su visita a Barcelona y también el día 15 de enero, que separa ambas fechas. Algunos fans ya bromean con que el viernes 12 de enero, Gaga pueda visitar la Academia de Operación Triunfo -situada en Terrassa-, ya que la cantante no actúa ese día. Improbable en cualquier caso: los días en que Gaga actuaba en Fama ¡a bailar! quedan ya muy lejos.
La autora de ‘Joanne‘ hubo de cancelar las fechas originales de su gira europea debido a la fibromialgia que padece, a la que dedica una gran parte de su documental para Netflix ‘Five Foot Two’. La gira concluye el 23 de febrero en Berlín.
Las pamplonesas Melenas han publicado un debut de lo más disfrutable dentro del mundo underground de nuestro país. Este sábado 13 de enero lo presentan en Razzmatazz, Barcelona, y en marzo lo harán en Madrid PopFest y SXSW. Entre las canciones más escuchadas del álbum están ‘Gira’, tras aparecer en una playlist de Indie Español de Spotify, o el single ‘Volaremos’, pero mis favoritas son ‘Mentiras’ y ‘Alfajarín’, ambas destacadas por mi compañera Mireia Pería en la correspondiente crítica del álbum.
Mientras la primera es una canción sobre el autoengaño que en cualquier momento podría explotar como hit, la segunda puede permanecer como una joya perdida para sus fans, gracias a su ritmo trotón, hipnotizante y obsesionado que puede atraer tanto a los seguidores de Astrid (¿recordáis ‘Zoo’?) como a otras formaciones inspiradas por los sesenteros Love. Se da la circunstancia de que Alfajarín es una localidad zaragozana, pero su letra plantea un viaje que sin duda llega mucho más allá. Lo dice muy claramente el estribillo (“ven y llévame hasta ese lugar / no sé dónde está pero sí cómo llegar” (…) “vamos a viajar, sin movernos del sofá”) y también las estrofas (“no tengo ningún destino ni hora para volver / sólo sé que en el camino, pronto me voy a perder / no me importa porque eso es lo que quiero hacer / vámonos juntos de viaje de aquí hasta el amanecer”).
Mañana publicaremos una entrevista con Melenas en la que hablan sobre esta canción. Os avanzamos la respuesta de su compositora principal, Oihana, que la escribió tras un show de Levitation Room y Canery Terror: «Me quedé con una secuencia de acordes de una canción que iba hacia delante y hacia atrás y pensé que quería hacerlo, aunque al final el resultado no tiene que ver en cuanto al estilo. Más tarde ya, su melodía y la rítmica nos sugería hablar de un viaje por algún paraje desértico, que es de lo que trataba en un comienzo, hablando del trayecto entre Barcelona y Pamplona y de su desierto particular, los Monegros, con su indispensable parada en Alfajarín. Finalmente la letra acabó hablando de otro tipo de viaje… pero el título de la canción sí que lo mantuvimos».
Millie Bobby Brown ha empezado ya a rodar la tercera temporada de ‘Stranger Things‘ junto a sus compañeros de reparto, pero debido a que es una de las actrices del momento (si no la actriz del momento) su carrera profesional no se limita a la serie estrella de Netflix y la actriz va asomando la cabeza también por diversos proyectos, entre ellos la película ‘Godzilla: Rey de los Monstruos’, que se espera para 2019.
Aunque el proyecto de mayor envergadura en el que se acaba de embarcar Millie Bobby Brown es otro: tal y como confirma Deadline, la intérprete inglesa protagonizará una nueva franquicia de Legendary Productions basada en ‘The Enola Holmes Mysteries’, la saga novelística de Nancy Springer sobre la hermana detective de Sherlock Holmes, de 14 años (Bobby Brown cumple 14 años el próximo 19 de febrero). Además, Bobby Brown producirá la franquicia a través de su propia productora PCMA Productions.
La saga de ‘Los misterios de Enola Holmes’ se compone de seis novelas en total publicadas entre 2006 y 2010, y ya se habla de que el proyecto podría suponer un nuevo fenómeno cinematográfico en la estela de Harry Potter, que también se basaba en una saga de novelas, en este caso de J.K. Rowling.
Frankie Cosmos anuncian su debut en Sub Pop para el próximo 30 de marzo bajo el nombre de ‘Vessel’. Será un disco de 18 canciones de Greta Kline y su banda. De momento los autores de ‘Zentropy’ y ‘Next Thing’ han compartido una monada de canción de indie pop llamada ‘Jesse’. Según la nota de prensa, la propia Kline explica que la composición habla sobre sentirse «fuera de lugar» y tratar de estar «más en contacto consigo misma». El vídeo que acompaña está protagonizado por un perrete, en sintonía con la iconografía de la banda (un perro era la portada de ‘Zentropy’, su disco de 10 canciones y 17 minutos).
En este álbum que dura el doble, grabado inicialmente en 3 días en Nueva York en compañía de Hunter Davidsohn, han querido dejar tal cual las primeras o segundas tomas instrumentales, en pos de preservar su energía inicial. Después se han grabado más capas con Carlos Hernández y Julian Fader. Mientras otro de los singles ‘Apathy’ hablará de la inseguridad sobre los cambios personales y el sentirte distanciado de la gente que te ha importado, ‘Caramelize’ hablará de la dependencia y madurar, y ‘Accommodate’ será sobre la complejidad de encajar en una comunidad (‘Being Alive’ se recuperará de su era Bandcamp en una nueva grabación). Como veis, una larga lista de clichés en el indie (inseguridad, no encajar en un grupo, sentirse fuera de lugar) que veremos si resiste al superarse la media hora de minutaje.
01 Caramelize
02 Apathy
03 As Often as I Can
04 This Stuff
05 Jesse
06 Duet
07 Accommodate
08 I’m Fried
09 Hereby
10 Ballad of R & J
11 Ur Up
12 Being Alive
13 Bus Bus Train Train
14 My Phone
15 Cafeteria
16 The End
17 Same Thing
18 Vessel
Este viernes 12 de enero se celebra en Razzmatazz, Barcelona, el ya casi tradicional concierto homenaje a David Bowie que coincide con la semana de su nacimiento y también de su muerte desde hace 2 años. En esta ocasión, el show llamado ‘The Stars Look Very Different Today’ contará con las versiones en directo de GERARD QUINTANA (SOPA DE CABRA) + OEST TRIP, NACHO CAMPILLO (TAM TAM GO), ERIC VINAIXA, JOSE BARTLETT, COTI, SIGMUND WILDER, NICO ROIG, VIRTUDES (MiNE! + FALCIOTS NINJA), RAMON ARAGALL, TORI SPARKS, MARION HARPER, STEVEN MUNAR and THE BRIGHTSTARS, BRIGHTON 64, THE SLINGSHOTS, ALEX TORIO & FRIENDS & EMPAR MOLINER, NÚRIA GRAHAM, BABY’S ON FIRE y MARTA DELMONT.
El show será posible gracias a la participación y el apoyo de todos los artistas, Estrella Damm y Notikumi en este homenaje. La recaudación de la taquilla se donará íntegramente a la Fundació per a la Recerca en Oncologia i Immunología, FROI. Más información, aquí.
Por otro lado, con motivo de su cumpleaños y el aniversario de su muerte, se ha compartido una nueva demo de ‘Let’s Dance’ y Spotify compartía un extraño estudio en el que aseguraban qué ciudades escuchan más a David Bowie en España. Aunque la nota de prensa no lo indica, entendemos que quieren decir proporcionalmente a su número de habitantes. En el top 10 y casi exclusivamente, pueblos catalanes, gallegos y vascos, con Ripollet a la cabeza.
Top de ciudades que escuchan a David Bowie en Spotify (España)
Ripollet, Cataluña
Granollers, Cataluña
El Prat De Llobregat, Cataluña
Irún, País Vasco
Santiago de Compostela, Galicia
Castelldefels, Cataluña
A Coruña, Galicia
Pontevedra, Galicia
Collado-Villalba, Madrid
Barcelona, Cataluña
Top de canciones de David Bowie en Spotify (España)
Heroes
Starman
Life On Mars?
Space Oddity
Rebel Rebel
Let’s Dance
Moonage Daydream
Under Pressure
Ziggy Stardust
The Man Who Sold The World
Yeah Yeah Yeahs volverán este 2018, aunque no sabemos aún si en forma de disco o solo de directo, pero lo seguro es que estarán en el festival americano Governors Ball durante el mes de junio.
De momento nos tenemos que conformar con una canción que el mundo no esperaba: un tema conjunto entre su líder Karen O y el adorado Michael Kiwanuka, que tanto nos sedujera hace un par de años con el excelente ‘Love & Hate‘. Ambos son los intérpretes de ‘YO! MY SAINT’, una bonita canción ideada para una campaña de primavera/verano de KENZO, pero que a través de sus diferentes pasajes, oníricas etapas y la entregada y cruda toma vocal de los dos, no se queda en la anécdota publicitaria. Al contrario, pretende ser un corto, una canción y moda, todo a la vez.
Existe un vídeo donde suena la canción dirigido por Ana Lily Amirpour (‘A Girl Walks Home Alone’), con Alex Zhang Hungtai de Dirty Beaches enamorado de dos modelos, Jessica Henwick y Kiko Mizuhara. La inspiración oficial de todo esto son el compositor Ryuichi Sakamoto y la modelo Sayoko Yamaguchi. Por el contrario, Karen O quería que la canción sonara «romántica y melodramática como un culebrón coreano».
Para coleccionistas, habrá 7″ con esta canción, 250 en la web de Karen O y 1000 en las tiendas Kenzo a partir del 22 de enero.
A veces puede dar la sensación de que el panorama independiente nacional está muy boyante, con grupos que anuncian salas llenas por todo el país, que encabezan o nutren carteles de festivales multitudinarios… Sin embargo, también es cierto que a menudo hay mucho de espejismo en ello, y también que se premia la uniformidad estilística, patrones conocidos que no entrañen demasiado riesgo para el público. Así, las cosas no están fáciles para grupos como Joe La Reina que optan por el camino difícil, pese a que cuando publicaron su debut –el más-inconformista-de-lo-que-aparentaba ‘Bailamos por miedo’– en 2014 no lo parecía.
‘Esas nuevas modas’ va aún más lejos en cuanto a osadía. Autoproducido por el cuarteto donostiarra, sus canciones laten en constantes giros, partiendo de un rock setentero a lo Can/Neu! –la etapa berlinesa de Bowie es un eco manifiesto en todo el disco, no solo en ‘Leonor’– en el que se van integrando corrientes de jazz, hip hop, electrónica –retro y contemporánea– y dub con bastante naturalidad, empleando a menudo el silencio –ese demonio en el pop moderno– como herramienta para las transiciones. No, no es ‘Esas nuevas modas’ un disco fácil y esa es, curiosamente, su gran virtud.
Hay cierta rabia en su inconformismo, una especie de desahogo que retroalimenta el hecho de verse ignorados al no encajar en los cánones estéticos más comerciales del indie, y no da respiro ni un solo segundo desde que arranca el ritmo roto de ‘Nadie me representa’ hasta que termina la sintética ‘Neón’. Pese al éxito (diría que impredecible) de ‘Leonor’ –el single se acerca ya a 370.000 escuchas en Spotify– y del fantástico reggae-pop-rock melancólico de ‘Otro día’, ‘Esas nuevas modas’ no está compuesto por canciones que destaquen claramente. Más bien nos introduce en un viaje completo en el que circulamos por pasajes que nos hacen vibrar –la pseudo-cumbia central de ‘Neón’, el evocador crescendo de la segunda mitad de ‘Nadie me representa’ tras el puente que canta con voz extrema el título de la canción, el arrebato bailable de ‘Sitios bajos’, el fantástico encuentro entre el folk-pop de sus inicios y una chisporroteante base futurista de ‘No me temas’– o estremecer con cierta aridez –’Nada me falta’–. Si alguna vez se habló de Fleet Foxes para hablar de su música, ese referente es ya tan inasible como su nuevo estilo: solo podríamos citar a los Radiohead de ‘Kid A’, a King Krule, a alt-J, a Everything Everything y hasta a Franco Battiato (‘Chico’) para acercarnos a dar una pista.
Otro de los aspectos singulares de ‘Esas nuevas modas’ está en el aspecto lírico, donde también Joe La Reina muestran los dientes, en varios sentidos. Si la voz de Lucas Malcorra ya es en sí algo polémica –aquí voy a lanzar un sonoro “una suerte de punto medio entre Antonio Vega y Yung Beef”–, muchos se llevarán las manos a la cabeza al emplear una dicción callejera (esos estaos, esos chaveas) en sus textos. Además de –intuyo yo– un guiño a los héroes del pseudo trap nacional que parece una influencia no muy obvia pero patente en todo el álbum, es una buena manera de dotar de honestidad a su discurso. Un discurso que plasma el profundo desencanto del que, como él, emigró buscando algo mejor de lo que nuestro país le ofrecía y encontró soledad e incomprensión tanto allá como acá.
Porque si, como el propio Lucas nos contó, ‘Leonor’ o ‘Chaveas’ hablan de sentirse mal en Londres –la oscuridad de ‘The Good The Bad and The Queen’ es un referente expreso–, las cosas no se presentan mejor en su propio país, donde tiene que oír cosas como “somos más libres que nunca, no hables así” (‘Nadie me representa’), o “chico, en serio, deja de hablar de tus sueños, empieza a nadar que tienes el agua al cuello” (la cruda ‘Chico’). La inseguridad derivada de esa diálectica, un castigo para los que luchan por no resignarse a ser otra “cara cansada”, otra “calva incipiente bajo esa luz blanca” (‘Chaveas’), y la furia silenciosa contra su menosprecio subyace en todo este álbum al que puede que le falten ganchos de esos que te empujan a escucharlo una y otra vez, pero que supone un desafío del que no se sale indemne y que (se) crece con las escuchas. Joe La Reina no deberían dejar que la falta de aceptación inmediata les haga mella, porque su potencial se antoja, ya sí, enorme.
Joe La Reina presentan ‘Esas nuevas modas’ esta noche (11 de enero) en la Sala El Sol de Madrid. Mañana, 12 de enero, estarán en Pamplona (Txintxarri) y el próximo 27 de enero en Zamora (La Cueva del Jazz).
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Otro día’, ‘Leonor’, ‘Chaveas’, ‘Chico’, ‘Sitios bajos’ Te gustará si te gustan: King Krule, alt-J, Oso Leone Escúchalo:Spotify
Sky Ferreira ha compartido la primera imagen promocional de su próximo “lanzamiento musical”. La autora de la imagen, que retrata a Ferreira posando con un bikini rojo, es Sandy Kim, la misma persona que fotografió a Ferreira para Playboy en 2016, por lo que la instantánea podría no ser exactamente nueva, sino pertenecer a aquella sesión.
El “lanzamiento musical” al que se refiere Ferreira es un EP, que saldrá entre febrero y marzo, como reveló la cantante a The FADER en una entrevista reciente. No será, por tanto, el segundo disco oficial de Ferreira, aparentemente titulado ‘Masochism’ y que se lleva retrasando años. La cantante ha explicado que sufre una enfermedad que le fue mal diagnosticada en el pasado, y que debido a esta enfermedad no ha publicado material nuevo, ya que no se hubiera encontrado con fuerzas para promocionarlo.
En cuanto al EP, Ferreira ha dicho que será experimental y que en su composición ha trabajado “con un montón de chicas”, y lo ha definido como “una serie de canciones que se funden entre sí como jabón”. Además, ha asegurado que será “muy visual”. “Todos los vídeos del EP estarán conectados de manera abstracta. El componente visual no es necesariamente un concepto, más bien me ha servido de excusa para hacer vídeos para todas las canciones”, ha afirmado.
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The only reason I can’t put a ton of new music all at once is because I’m ill & have been for a while. I have to get completely better so I can tour & actually promote it. I was misdiagnosed for a long time & I’m now just starting to actually recover.
Apenas un mes después de que salieran a la venta, y a falta de 6 meses para su celebración, Mad Cool 2018 cuelga el cartel de “sold out” para sus abonos de tres días. El festival tendrá lugar los días 12, 12 y 14 en el Espacio Mad Cool, ubicado en la zona Valdebebas – Ifema y con un aforo de 80.000 personas.
La tercera edición del festival reunirá en Madrid a grupos como Pearl Jam, Depeche Mode, Queens Of The Stone Age, Tame Impala, Nine Inch Nails, Massive Attack, Franz Ferdinand, Kasabian, Justice, Snow Patrol, Alice In Chains, Fleet Foxes, MGMT, At The Drive-In, Portugal. The Man, Maga, Modelo de Respuesta Polar, Frankie Cosmos, FIDLAR, Jain, Núria Graham y muchos otros artistas que se irán desvelando en las próximas semanas.
A partir de este momento ya sólo están a la venta las últimas existencias de abonos y entradas VIP, así como las entradas de día (hasta completar aforo) y el Mad Cool Ticket Pack de venta exclusiva en tiendas Fnac y fnac.es, que incluyen entrada para los tres días del festival, pero sus unidades son limitadas.
Ed Sheeran es uno de los artistas que más discos vende actualmente, pero a este paso, será también uno de los que más demandas por plagio acumule, porque después de la controversia de ‘Shape of You’ y su supuesto parecido con ‘No Scrubs’ de TLC, y la del caso de ‘Photograph’, el cantante inglés se enfrenta a una nueva demanda de plagio, aunque no por una canción propia sino por una co-autoría.
Como informa The Hollywood Reporter, dos compositores australianos, Sean Carey y Beau Golden, han interpuesto una demanda de plagio a Sheeran, Johnny McDaid, Steve Mac y Amy Wadge por ‘The Rest of Our Lives’, una canción interpretada por Tim McGraw y Faith Hill que los australianos defienden es un plagio “calcado, prácticamente nota por nota” de su canción ‘When I Found You’, interpretada por Jasmine Rae. Los compositores piden 5 millones de dólares por daños y perjuicios y un bloqueo permanente a ‘The Rest of Our Lives’.
Sheeran y sus compañeros de composición tienen el asunto muy complicado, pues la defensa de Sean Carey y Beau Golden es nada menos que Richard Busch, el abogado que ganó el caso de Marvin Gaye contra ‘Blurred Lines’ de Robin Thicke, un caso que sin duda ha supuesto un antes y un después en la historia de los plagios en el pop, y al que recientemente podría sumarse también el caso que enfrenta a Radiohead y Lana Del Rey.
Pablo López hace tiempo que dejó de ser simplemente un finalista de Operación Triunfo (edición 2008, la que ganó Virginia Maestro) para situarse como uno de los cantantes más exitosos del país. Su tercer disco, ‘Camino, fuego y libertad’, publicado a mediados de diciembre para pillar todo el cacho posible de la tarta navideña, no ha decepcionado en el ámbito comercial, tras haberse presentado con ‘El camino’, de la banda sonora de ‘Thi Mai: rumbo a Vietnam’, y sobre todo con ‘El patio‘, un single sorprendente en su acercamiento al sonido Coldplay, en el que la repetición de los «solo quiero que te vayas», su voz en los momentos agudos o el buen uso de los contrastes entre los momentos intimistas y los explosivos lo convertían en todo un himno de karaoke para bien.
¿Qué encontramos en el resto del álbum? No podemos decir que el sencillo principal del álbum no fuera indicativo. Al contrario, ‘Camino, fuego y libertad’ desarrolla las ideas que algunos hemos disfrutado y elogiado en ‘El patio’. El problema es que Pablo López se ha concentrado más bien en potenciar los momentos grandilocuentes, premiando lo rimbombante y dejando muy poco espacio para la sutileza, la sugerencia o la imaginación. Los arreglos suelen aparecer en las canciones como un elefante en una cacharrería, en ocasiones llevándoselas por delante, y terminando por dejar al oyente agotado entre tanta intensidad.
La primera canción es la mencionada ‘El camino’, combinando cuerdas, pianos, silencios y explosión de guitarras post-rock, al tiempo que López expone su disposición a buscarte «sin descansar» («no dejaré de caminar / He llegado hasta aquí porque nunca dejé de buscarte»)… como tampoco deja descansar la adición de más y más arreglos. Aparece, eso sí, bien hilvanada con la siguiente pista, ‘El niño’, cuyo piano inicial parece su continuación. Sin embargo, luego deriva hacia el pop-rock ramplón, presentando un estribillo que podría pertenecer a Sergio Dalma, y el disco se va convirtiendo poco a poco en una suma sin medida de «ooooh ooooh oooooh», baterías y arreglos que se tensan y destensan sacados del mundo del rock de estadios (‘La dobleuve’); crescendos non stop (‘El incendio’) y pianos que atosigan sin necesidad desde el segundo 1 (en ‘Lo imposible’ sobra claramente, pues la canción sería medio mona simplemente con su base electrónica). Parafraseando ‘El teléfono’ (un tema algo Calamaro, Sabina, Coque Malla), de «becario» en «la oficina del derroche», Pablo López no tiene nada: él derrocha como el auténtico jefazo.
A esto hay que sumar la afectación de su voz, que termina de dar un acabado rococó a las ya sobrecargadas canciones, a menudo a su vez con un punto kitsch en las letras. Es el caso de ‘El gato’ (todas las canciones se titulan con sintagmas nominales de dos palabras), que nos deja la frase más chanante escuchada en el último año (La Oreja de Van Gogh no han sacado álbum): «Mi gato es mucho mejor persona que yo» (sic). Me quedo con el gato de Rosario, gracias.
Podemos destacar la intencionalidad pop de la muy Keane ‘La libertad’ y de ‘El futuro’ –en la que se encuentra el jevi con una suerte de vocoder– y asimismo la balada final ‘Las 17.00’, que presenta un arreglo de cuerda que podría haber ideado Damien Rice; pero, en general, parece que Pablo López ha querido ser Pablo Honey y se ha quedado en un Pablo Alborán venido a más.
Calificación: 4,2/10 Lo mejor: ‘El patio’, ‘El futuro’, ‘Las 17.00’ Te gustará si te gustan: Alejandro Sanz, Queen, Luis Miguel, Coldplay, Sergio Dalma y los musicales de la Gran Vía Escúchalo:Spotify