Rochelle Jordan nació en Londres, se crió en Toronto, ha vivido 15 años en Los Ángeles y tiene ascendencia jamaicana. Sus padres oían a Marvin Gaye y a Aretha Franklin y sus hermanos, UK garage. Ella, por su parte, estaba obsesionada con Janet, Spice Girls y Britney. Escuchando su música es evidente que tiene enorme buen gusto, no sé si innato o educado: se ha quedado con lo mejor de cada persona y de cada lugar.
Jordan se dedica al house más elegante posible, con grandes tintes de R&B de otra de sus ídolos, Mariah Carey, mientras las percusiones ochenteras podrían apuntar más a Whitney Houston. Escuchad los primeros instantes de ‘Sweet Sensation’. En cualquier caso, lávate la boca antes de comparar producciones como las de ‘Close 2 Me’ con gente como Disclosure porque la labor declarada de Rochelle Jordan es reivindicar la «black music».
En un álbum de estas características, lo primero que buscamos son los «bangers». El primero aparece pronto, exactamente después de la intro. ‘Ladida’ es un single por el que la Whigfield post-‘Saturday Night’ habría matado. Un tiro desde el principio y más aún desde que cambia de melodía y se transforma en un himno para el voguing. «Sueños de champagne», «vestidos de Donatella» y «bolsos de Prada» en una producción que es puro glamour.
Otros grandes singles son ‘Crave’, producido por la leyenda de Chicago Terry Hunter; ‘The Boy‘, con su colega Kaytranada detrás; o ‘Sum’, este último con ese pequeño toque brasileño que tuvieron muchos clásicos de la época. Si ‘Crave’ para mí se llama «touch it, touch it», ‘Sum’ por un momento pensé que decía algo de «samba».
‘Through the Wall’ se completa con un montón de temas de amor y desamor, que pueden contener pequeños desvíos hacia el deep house o incluso el northern soul (‘Doing it Too’), un falso drum&bass (‘Words 2 Say’), UK garage (‘Bite the Bait’), etcétera. Siempre sin que Rochelle Jordan descuide la unidad y el destino finales: el de un trabajo de música electrónica que suena 100% a los años 90. Parece mentira que se hayan implicado tantos productores en el largo, porque todo está tan bien hilvanado que parece que lo hubiera hecho ella completamente sola.
Ahí tiene mucho que ver su voz, a veces también un poquito Jessie Ware. Y ahí puede residir también un punto flaco de ‘Through the Wall’. Rochelle Jordan dice apuntar a las grandes figuras de la música, no se anda con chiquitas. Ella quiere ser tan grande como Whitney o Mariah. Y en algún punto después de ‘Sweet Sensation’, es claro que seguimos escuchando a una artista un tanto underground: todas las canciones siguen molando, pero con cierta sensación de monotonía. Un poquito más conciso y sobre todo «expansivo», y estaríamos hablando del trabajo más exquisito del género, realizado en años.
Entre las noticias del pop que ha dejado el verano, no podemos dejar de comentar el anunciado regreso de Hilary Duff a la música. Duff, que durante su carrera ha interpretado éxitos tan queridos por una generación como ‘Come Clean’ o ‘So Yesterday’, ambos por supuesto asociados a su etapa adolescente post-‘Lizzy McGuire’, no publica un disco desde hace nada menos que una década.
Por supuesto, los proyectos recientes de Duff han estado más relacionados con el cine y la televisión. Especialmente comentada fue su participación en ‘How I Met Your Father’, que duró dos temporadas. Actualmente se encuentra preparando la serie ‘Pretty Ugly’ para Hulu. El remake de ‘Lizzy McGuire’ se descartó a finales de 2020 por “diferencias creativas”.
Nunca fui fan de Hilary Duff como artista pop (sí de ‘Lizzy McGuire’, serie teen icónica), básicamente porque su fenómeno llegó algo tarde para mi edad. Digamos que, cuando ella lanzó su primer disco en 2003, Britney Spears ya iba por ‘In the Zone’. Y para cuando salió ‘Dignity’ (2007), yo empezaba a sumergirme en el mundo alternativo.
Sin embargo, ‘Breathe In. Breathe Out‘, el disco de Duff de 2015, era muy bueno en su estilo -mucho mejor de lo que se pintó-, y en estos diez años nunca he dejado de escuchar temas tan chulos como ‘Sparks’, ‘Tattoo’ (co-escrita por Ed Sheeran) o ‘Night Like This’. Fijaos que mi tema favorito era el bonus track ‘Belong’: lo habré escuchado miles de veces. Puede que, en años pop, el disco llegara algo tarde a algunas modas (el silbido, el banjo), pero las canciones eran irresistibles.
Por eso es una buena noticia que Duff haya fichado por Atlantic Records y se encuentre preparando nueva música. Además, rodará una docuserie sobre este regreso. En el mundo poptimista en el que vivimos, hasta Rolling Stone le ha dedicado un artículo a su comeback como si fuera, no sé, Frank Ocean. Pero lo cierto es que Duff tiene unos cuantos himnos pop en su haber y nunca fue tan mala (su voz de Valley girl siempre me encantó) ni tan prescindible como quisieron hacer creer tantos medios que la despreciaron o ignoraron.
Duff tiene deberes si quiere darse a conocer en el mundo tiktokero actual: recientemente, Doja Cat cantó ‘Come Clean’ en un concierto en Reino Unido y lamentó que nadie conociera la canción. Su cara era un poema.
No es que TikTok no la conozca en absoluto: sus graciosas coreografías virales, como aquella del Today Show que daba menos que Dua Lipa -y que la propia Duff recreó en TikTok-, o aquel vocal run de la película de ‘Lizzy McGuire’, han sido compartidos y parodiados decenas de veces durante los últimos años. Pero Duff debe demostrar que también es una artista a la que tomar en serio: bops como ‘Beat of My Heart’, ‘Fly’, ‘With Love’ o ‘Stranger’ no habrían sido lo mismo sin ella.
Desde hace unos años, la animación está salvando las salas de cine. En lo que llevamos de 2025, de las cinco películas más taquilleras a nivel mundial, tres son de animación: ‘Ne Zha 2’, ‘Lilo & Stitch’ y ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Y, al paso que va, la recién estrenada ‘Guardianes de la noche: La fortaleza infinita’, podría ser la cuarta. Pero la fuerza de la animación también ha llegado al streaming: ‘Las guerreras K-pop’, con el increíble dato (a día de hoy) de 325 millones de visualizaciones, se ha convertido en la película más vista en la historia de Netflix. Aprovechamos este furor por los “dibujos animados”, para recomendar algunas cintas recientes que se pueden ver en plataformas:
Memorias de un caracol (Adam Elliot)
Basta con echar un vistazo a las cinco nominadas a Mejor largometraje de animación en los Oscar de 2024, con la preciosa ‘Flow’ como ganadora, para comprobar el nivelazo que hubo el año pasado. Tres o cuatro de ellas podrían haber competido en la categoría de Mejor película sin desentonar nada. De las cinco, la que menos repercusión ha tenido es esta nueva maravilla del mago del stop-motion Adam Elliot (‘Mary and Max’). ‘Memorias de un caracol’ (mejor película en el festival de Annecy) es una poética, macabra y tierna fábula sobre la fatalidad, la depresión y las conexiones humanas más inesperadas, realizada con un grado de virtuosismo técnico y creatividad visual asombrosos. Destaca especialmente la composición de la extravagante y vitalista anciana Pinky, uno de los personajes más memorables del cine reciente. 8’5 Disponible: Movistar+, Filmin, Apple TV, Rakuten TV.
Suzume (Makoto Shinkai)
Ha tardado un poco en llegar a plataformas (se estrenó en Japón en 2022 y en España pasó por las salas sin pena ni gloria), pero desde hace unos meses ya está disponible este nuevo anime de Makoto Shinkai, el autor de la celebrada ‘Your Name’ (de la que Hollywood prepara un remake en acción real) y gran heredero actual de Miyazaki junto a Mamoru Hosoda. ‘Suzume’ es un extraordinario relato de aventuras, iniciación y amor adolescente. Una fantasía desbordante de imaginación (atención al partido cómico y dramático que saca de la idea de la silla), romanticismo exacerbado y vértigo narrativo (Shinkai firma también el guion), con un grado de sofisticación y espectacularidad en la animación asombroso. 8’2. Disponible: Netflix, Crunchyroll.
No se admiten perros ni italianos (Alain Ughetto)
A pesar de no ser una gran potencia industrial en el ámbito de la animación, Francia acoge el mayor festival de cine animado del mundo. Annecy se ha convertido en una referencia imprescindible para conocer lo mejor de su producción anual. Títulos como ‘¡Linda quiere pollo!’ (2023), ‘¿Dónde está mi cuerpo?’ (2019) o la reciente ‘Little Amélie’, que ha cautivado al público de San Sebastián (premio al Mejor Film Europeo), son una buena muestra. ‘No se admiten perros ni italianos’ fue uno de los grandes títulos de la edición de 2022, una obra maestra del stop motion a la altura del gran clásico franco-suizo ‘La vida de Calabacín’ (2016). En ella, Alain Ughetto ahonda en la memoria de su familia de emigrantes italianos mediante un fascinante juego metalingüístico en el que el propio autor entra en escena, dialoga con sus personajes y expone el proceso creativo del filme. 8. Disponible: Filmin
Tu color (Naoko Yamada)
El nuevo largometraje de la directora de ‘A Silent Voice’ (2016), realizado dentro del cada vez más prestigioso estudio Science SARU (‘Scott Pilgrim da el salto’, ‘Star Wars: Visions’), resulta visualmente asombroso. Su tratamiento de la luz y el color es magistral. Un trabajo preciosista, delicadísimo, que ilustra una melancólica historia de amistad adolescente y música pop en el marco de un internado católico. Yamada extrae un enorme potencial expresivo del personaje protagonista: una estudiante con sinestesia cromática, lo que le permite ver a los demás como colores. Una chica peculiar que se une a otros dos adolescentes inadaptados para construir un refugio común: la formación de una banda de rock, con (estupendas) canciones compuestas por el músico Kensuke Ushio. 8’1. Disponible: Movistar+, Rakuten TV.
Predator: Asesino de asesinos (Dan Trachtenberg)
Cuando parecía que la saga ‘Predator’ estaba más acabada que la carrera musical de Bertín Osborne, llegó una precuela tan insólita como ‘Predator: La presa’ (2022) para revitalizar la franquicia como nadie hubiera pensado. Y mientras esperábamos que llegara la nueva entrega dirigida por Dan Trachtenberg, ‘Predator: Badlands’ (prevista para el 7 de noviembre), Disney se sacó de la manga esta rareza animada, tan simplona y básica como enormemente atractiva y disfrutable. Compuesta por tres relatos independientes ambientados en épocas distintas (era vikinga, Japón feudal y Segunda Guerra Mundial), y con un estilo de animación tipo ‘Arcane’, ‘Predator: Asesino de asesinos’ es un festín de acción y brutalidad, que funciona muy bien como divertimento gore y suculento aperitivo para los fans de la saga. 7. Disponible: Disney+
Look Back (Kiyotaka Oshiyama)
Otra maravilla del anime reciente. La adaptación que ha realizado Kiyotaka Oshiyama del manga autobiográfico de Tatsuki Fujimoto (publicado en España por Norma), autor conocido por su exitosa serie ‘Chainsaw Man’, es sensacional. ‘Look Back’ es un emotivo melodrama sobre dos mangakas adolescentes: una muy popular y segura de sí misma, y otra muy tímida y encerrada en sí misma. La relación que establecen a lo largo de su proceso de maduración creativa y personal da lugar a una hermosa historia de amistad, entrelazada con agudas reflexiones sobre el oficio de dibujante. En el plano visual, ‘Look Back’ deslumbra por su inventiva, con una fusión de estilos que potencia la fuerza dramática y expresiva del relato. 8. Disponible: Prime Video
La casa (VV.AA.)
Enda Walsh, guionista de ‘Hunger (2008) y de la reciente ‘Die My Love’ (2025), es el firmante de las tres historias de animación stop motion que componen la antología de terror ‘La casa’. Como suele ocurrir en las películas de episodios, no todos funcionan igual de bien. El primero, ‘Y dentro se oye tejerse una mentira’ (Emma De Swaef, Marc James Roels), con voces de Mia Goth y Matthew Goode, es una maravilla: un evocador cuento de terror ambientado en un siniestro caserón rural en la Inglaterra eduardiana. El segundo, ‘La verdad que no se gana está perdida’ (Niki Lindroth von Bahr), es una terrorífica sátira sobre el mercado inmobiliario, con voz y canciones de Jarvis Cocker, y un estilo de animación que recuerda a ‘Fantástico Sr. Fox’ (2009). El último, ‘Vuelve a escuchar y al sol buscar’ (Paloma Baeza), es el que más desentona: una melancólica distopía climática a la que le falta fuerza visual y narrativa. 7. Disponible: Netflix
Efectos secundarios (Joseph Bennett, Steve Hely)
Ha sido la gran rival de ‘Arcane’ en los Emmy 2025. El nuevo trabajo del creador de la celebrada –e inédita en España- ‘Scavengers Reign’ (2023), es una de las mejores series de animación del año. Estrenada bajo el sello de Adult Swim (‘Rick y Morty’, ‘Primal’), ‘Efectos secundarios’ es una estupenda mezcla de thriller conspirativo, drama psicodélico y sátira negrísima sobre los tejemanejes de la industria farmacéutica en Estados Unidos. La serie parte de una pregunta provocadora: ¿qué pasaría si alguien descubriera un hongo milagroso capaz de curar todas las enfermedades? A partir de esa premisa, y con un estilo visual muy estilizado, se despliega un relato paranoico en el que científicos, corporaciones y gobiernos se enfrentan por controlar un hallazgo que podría cambiar la historia de la medicina. 8. Disponible: HBO
Si me pasara algo, os quiero (Will McCormack, Michael Govier)
Pocas veces un cortometraje logra trascender al gran público, y menos aún si se trata de animación. ‘Si me pasara algo, os quiero’ se convirtió en un pequeño fenómeno en Netflix, especialmente tras ganar el Óscar en 2021, llegando a ocupar el segundo puesto en su ranking mundial. Producida por la actriz Laura Dern y escrita y dirigida por Will McCormack (guionista de ‘Toy Story 4’) y Michael Govier, el filme aborda el duelo de unos padres tras perder a su hija en un tiroteo escolar. Su singularidad radica en la forma: prescinde del diálogo y recurre a un trazo minimalista en blanco y negro, donde las sombras encarnan el peso del dolor, y los destellos de color resaltan los recuerdos felices o los objetos impregnados de memoria. El montaje alterno entre presente y pasado intensifica la fractura emocional y la distancia que se abre en una pareja ante una pérdida tan dolorosa. 7’9. Disponible: Netflix
Samurái de ojos azules (Michael Green, Amber Noizumi)
Arrasó en los Annie y Emmy del año pasado. Y con razón. La serie creada por la pareja sentimental formada por Michael Green, guionista de ‘Logan’ (2017) y ‘Blade Runner 2049’ (2017), y la debutante Amber Noizumi, es una obra maestra, una inesperada maravilla sacada del (profundo) fondo de armario de Netflix. ‘Samurái de ojos azules’ es una mezcla extraordinaria de referentes estilísticos y narrativos –de Kurosawa y Kobayashi a Tarantino y el anime, pasando por el ‘Yentl’ (1983) de Barbra Streisand-, ambientada de forma exquisita y muy rigurosa históricamente durante el shogunato Tokugawa (en el Japón feudal), conjugados en una fabulosa y visualmente apabullante historia de venganza ultraviolenta, drama íntimo y aventura fantástica. Ya se ha publicado el avance de la segunda temporada. Cuento las horas… 9. Disponible: Netflix
JADE sostiene el número 1 en JENESAISPOP con el 35% de los votos, mientras Turista Sueca avanzan hacia el 2º lugar con el 29%. Taylor Swift entra al top 3 con ‘The Fate of Ophelia’. Otras entradas destacadas han sido Mónica Naranjo, Doja Cat y Tate McRae. Purity Ring y Olivia Dean llegan hacia la mitad de la tabla, mientras Rochell Jordan y Luna Ki logran colarse en los últimos puestos.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
¡Qué necesario es a veces un poco de caos ante el meticuloso orden establecido como norma! Sacudir, agitar, gritar, reorganizar, romper, tirar, reconfigurar. Geese no han dejado de hacerlo desde sus inicios y, más que nunca, vuelven a llevar el desorden por bandera en ‘Getting Killed’, un cuarto álbum que está permanentemente huyendo de cualquier estructura convencional, que se niega a caer en las fauces de los algoritmos y las modas.
Impulsado por ese ferviente deseo de libertad creativa, las once canciones que componen el disco deambulan entre todo tipo de subgéneros rock, llevando sus referencias a lugares inexplorados. Lo que consigue la banda es un sonido nuevo y fresco, un derroche de talento y visión por parte de sus cuatro jovencísimos miembros (todos entre 22 y 23 años), quienes han sabido sacar a la música rock del mayoritariamente perezoso momento en el que se encuentra en la actualidad y jugar con sus infinitas posibilidades.
El álbum comienza con la extrañísima y excelente ‘Trinidad’, una canción que se construye sobre una base de blues-rock psicodélico en la que el vocalista Cameron Winter grita cosas como “hay una bomba en mi coche” o “mis hijas están muertas, mi mujer está en el cobertizo, mi marido está quemando plomo”. Lo que todo esto signifique da un poco igual, ya que lo importante es el estado de paranoia y fascinación que transmite, asentando desde el principio el tono surrealista que recorre a todo el proyecto.
Pese a lograr siempre una cohesión sonora, el eclecticismo -o, de nuevo, el desorden si se prefiere- es un aspecto fundamental para Geese. Desde la revitalización del sonido rock and roll clásico tipo Elvis Presley de ‘Cobra’, a la psicodelia del corte titular, o la balada romántica de ‘Half Real’, todo funciona como un despliegue sorprendente de madurez.
Hay una enorme lucidez para convertir en música las ideas más extravagantes que se les pudiera venir a la cabeza en el proceso creativo. La clave para ello es, evidentemente, un trabajo en equipo que no debe darse por sentado. El bajo de Dominic DiGesu, la guitarra de Emily Green, la batería de Max Bassin y, por supuesto, la voz de Cameron Winter, nunca han sonado con tanta fuerza como aquí. Han llegado a un nivel altísimo de conexión musical, reforzado por el gran hallazgo que ha sido contar con Kenneth Blume (previamente conocido como Kenny Beats) como productor, quien ha entendido perfectamente sus necesidades.
Todo lo que tocan se convierte en oro en ‘Getting Killed’, incluso en canciones que en manos de otros no funcionarían, como en el imaginativo indie rock de ‘Taxes’, quizá el mayor himno que encontramos aquí gracias a su épica progresión instrumental. Winter explora con ambigüedad y mucho humor negro lo que parece ser un desengaño, utilizando la metáfora de los impuestos como una deuda emocional del narrador. “Si quieres que pague mis impuestos, será mejor que vengas con un crucifijo, vas a tener que clavarme al suelo”, canta apasionadamente. La catarsis llega con el verso final, “me romperé el corazón yo mismo a partir de ahora”. Y en esa improbable mezcla de sátira, abstracción y emoción cruda consigue sumir al oyente en un estado de rebelión eufórica.
Lo mismo sucede en ‘100 Horses’, un corte que coquetea con el blues, el funk y el rock psicodélico de forma exquisita; o en la brillante jam de ‘Bow Down’, donde destaca la tensión que crea la percusión sugerente de Bassin junto con la interpretación vocal de Winter.
El tema final, ‘Long Island City Here I Come’ también es otro gran ejemplo de talento en bruto, de por qué Geese no creen en la pulcritud de las fórmulas. Son seis minutos para dejarse llevar, donde el grupo parece pasárselo en grande sin importarles muy bien qué dirección están tomando y quizá sin saber adónde te quieren llevar. Ahí reside la belleza de ‘Getting Killed’, un disco que no solamente es un soplo de aire fresco en el panorama musical actual, sino que despierta un gran interés por el futuro de una banda que es todo creatividad, riesgo y talento. Qué bonito cuando llega un álbum que te zarandea, que te recuerda que no está todo hecho, que lo único que hace falta es desmontar las piezas del rompecabezas y crear uno nuevo.
Según ha avanzado La Vanguardia, Enric Palau, Ricard Robles y Sergio Caballero, fundadores del Sónar, se han desvinculado totalmente del festival. El nuevo CEO se trata de François Jozic, fundador de Brunch Electronik y asociado desde hace tiempo con Superstruct.
La noticia llega unos meses después de la edición más polémica de la historia del evento. Al estar vinculado con la empresa Superstruct Entertainment, propiedad del fondo proisraelí KKR, más de 35 artistas del cartel desafiaron al propio festival y decidieron no participar en él. Entre ellos, Arca, La Élite o Juliana Huxtable.
Después de varios comunicados y de asegurar que «ni un solo euro» llegaba a las manos de KKR, el festival acabó cerrando una de sus ediciones más exitosas con alrededor de 161.000 asistentes. De esta forma, y tras la desvinculación de sus tres miembros fundadores, el festival Sónar quedaría totalmente en manos de Superstruct, que a la vez gestiona más de una treintena de festivales en nuestro país, como el Viña Rock, Resurrection Fest o Arenal Sound.
Poco más de una semana después de lanzar el EP ‘lechita’, en el que Bb trickz pedía… pues eso, lechita, la polémica rapera ha lanzado algo que se sitúa en el extremo contrario: tres canciones junto a Depresión Sonora. Absolutamente nadie se esperaba este dueto, pero tampoco nadie lo había pedido.
Es Bb trickz la que se mete en el sombrío mundo de markusiano, que parece haber desempolvado tres descartes de sus primeros EPs para este lanzamiento. Desde luego, es un paso atrás respecto a la solidez de sus últimos sencillos, entre los que se encuentran ‘Me Va La Vida En Esto’ y la reciente ‘Cómo Será Vivir en el Campo’. Esto, en cambio, suena a medio cocer.
‘Soy Lo Peor’ tiene un punto cute, en gran parte porque sorprende lo bien que le queda este estilo a Belize vocalmente, y hay una divertida química en el toma y daca de ambos artistas. «Soy lo peor», dice una. «Sí, sí que lo eres», responde el otro. Bb trickz también pone un pedacito de su mundo en la canción, y hace que funcione. Crespo le dice que es su «niña bonita», pero ella le corrige diciendo que es su «perrita».
Si el proyecto se hubiese quedado en esta canción, sería una buena anécdota, pero en los otros dos temas todo lo que podía estar bien en ‘Soy Lo Peor’ se va desvaneciendo. ‘Todo Da Igual’ es el cliché de los clichés, desde el propio título. Desde luego, el rollo nihilista no tiene ningún sentido viniendo de Bb trickz porque nadie se lo cree. ‘Es Verano y Qué’ no solo es tediosa, sino que además suena como la maqueta de la maqueta. Y no, no tiene nada que ver con ‘Ya no hay verano’.
Ya sabemos qué artistas concursarán en Benidorm Fest 2026. La organización se ha venido arriba y ha decidido que tenía tan buen material entre manos que los semifinalistas serán 18 en lugar de 16. Quedan más de 2 agónicos meses hasta que conozcamos las canciones aspirantes, pero nadie puede privarnos de la especulación. Se abre la veda. La veda de las expectativas que solo puede conducir hacia otro #Eurodrama… o esperad un momento, ¿quizá no?
La primera sensación es de cierta decepción. Benidorm Fest no termina de dar el salto de conseguir a una estrella de primerísimo nivel. Belén Aguilera había sonado como rumor, pero era 100% imposible imaginarla en ese plató de RTVE cuando pasado mañana afronta su primer Movistar Arena. Tampoco se ha conseguido a nadie del prestigio tamaño Primavera Sound de Maria Arnal. ¡Arnal, anímate, el festival no te devora si no te dejas!
La cuota «Azúcar Moreno»/»Sonia y Selena»/»esa persona que todo el mundo conoce pero no recordaba», no sé si termina de quedar cubierta con Ku Minerva, aunque solo por la emoción que mostró la mujer mereció la pena.
Después, la segunda sensación ya no es de decepción en absoluto. Hay nombres que incluso me entusiasman, otros que me generan curiosidad, y otros de los que no sé nada pero que parecen encajar 100% en un formato eurovisivo.
He tenido la suerte de escuchar varias de las próximas canciones de Luna Ki y me gustan todas (y hasta aquí podré leer hasta el 18 de diciembre). Miranda acuden al formato con 11 millones de oyentes mensuales: saludos a Aitana, pero sobre todo a Lola Indigo. Es verdad que casi todos los fans de Miranda están en Latinoamérica, pero aun así, hay que dar las gracias a los argentinos por el riesgo. Eso sí, no dejo de preguntarme por qué su canción requerirá de un tercer vocalista, Óscar de Varry Brava, primero que reincide en la historia del BenFest.
Otra pequeña estrella al menos en nuestros corazones es DORA. No sé de qué irá su colaboración con Marlon Collins, pero sola ha hecho cosas que molan tanto en el ámbito acústico y más vocal, como en el electrónico. Hubo un día en que se enamoró de alguien llamado Oxena, luego rompió con Oxena, le hizo una canción a Oxena, la llamó ‘Oxena’, Oxena le dio su aprobación… y así terminé un día sin poder parar de bailar una cosa llamada ‘Oxena’ sobre amor adolescente, «a mi edad».
No entiendo por qué no todos los ex aspirantes de Operación Triunfo se presentan a un formato tan goloso, rememorando cuando de hecho el ganador del concurso iba a Eurovisión. Lo de Amaia no lo quiere recordar ni ella, pero mirad a Bisbal. Fue a Tallin literalmente para dar una vuelta mientras cantaba Rosa y sigue siendo una estrella nacional. Quien da el paso es Mayo, que tiene dos opciones válidas sobre la mesa: llevarse al público de Troye Sivan definitivamente, o dejar el popper en casa y diferenciarse de una vez por todas de él. Las dos me apetecen 100%.
La participación de Funambulista es una buena noticia porque tiene un público fiel y un sentido de la canción pop muy variado. Él y el artista de bachata Dani J, ambos con más oyentes mensuales que Rayden, prueban que esta edición puede terminar pareciéndose muchísimo al nivel de la primera edición. En cuanto a Dani, además, va siendo hora de que probemos con una bachata en Europa. La de Manuel Turizo por ejemplo entró en listas suizas, italianas, portuguesas… Somos bobos si no lo intentamos por ahí.
No tenía el gusto de conocer al resto, pero veo varias cosas que no me desagradan: Kitai cumplen la necesaria cuota rock, muy difícil de lograr por el imperativo playback. Y sobre todo hay varios artistas que parecen enmarcados en un tipo de canción que más pronto que tarde tenemos que probar igualmente en Eurovisión. A falta de que Quevedo se arremangue rumbo a Europa, que tampoco le vendría mal abrir más y más camino por ahí, se presentan varios perfiles en el entorno latino / urban / dembow, que inunda las listas de éxitos.
Estoy seguro de algunos de estos temas nos van a horrorizar, pero no me creo que ni Asha, ni Atyat, ni Greg Taro, ni Kenneth… se vengan con un hit. ¿Y lo de María León con Julia Medina? ¿Pop, folclore mexicano… o AMBAS? Al menos uno de ellos o uno de los nepobabies –Mikel Herzog Jr., Izán Llunas– debería cumplir con sus dotes vocales o con algo. ¿Quizá Izán? ¿Habéis oído esta barbaridad? No está Guitarricadelafuente, pero está Izán Llunas.
Sumando la renovación del folclore o de la música de raíz de gente como Rosalinda Galán, The Quinquis o Tony Grox & LUCYCALYS , esto significa que entre los artistas en que confiamos, a poco que un par de las canciones de desconocidos sean medio dignas, y a poco que Sergio Jaén haga su magia, tendremos una buena final con los 9 mejores. Una edición puente que pueda lograr que, si España no compite en Eurovisión en 2026, deje los ánimos muy arriba para intentarlo en 2027.
Monkey Week SON Estrella Galicia desvela una nueva tanda de artistas que formarán parte de la 17ª edición del festival, que se celebrará del 20 al 22 de noviembre en El Puerto de Santa María. Sanguijuelas del Guadiana y TRISTÁN! & The Jazz Band Air encabezan los 21 nuevos nombres del cartel.
Çantamarta, Ku!, Karmento, Calequi y Las Panteras, Ashleys y Diamante Negro también están entre los artistas confirmados, además de otros como Blaya, Erin Memento, Idoipe, Jardín, J Battle, Los Chivatos, Madmess, Musgö, Them Flying Monkeys, Ultralágrima, Unsafe Space Garden, Vangoura y Ven’nus.
Estos se suman a un numeroso y variado cartel previamente anunciado y encabezado por Cupido. Entre sus filas encontramos a Teo Planell, Joe Crepúsculo, La Tania, Aiko el grupo, l0rna, nusar3000, Azuleja, Repion y Bernarda, entre muchos otros.
Monkey Week SON Estrella Galicia contará un año más con una amplia programación de showcases y sus habituales jornadas profesionales, entre las que figuran conferencias, mesas redondas, talleres, sesiones de networking y diferentes actividades que se darán a conocer en breve.
Los abonos para el público general, que permiten el acceso a conciertos y showcases, ya están disponibles. Ocurre lo mismo con los abonos profesionales, que facilitan el acceso a las jornadas Monkey PRO.
Hoy 10 de octubre salen nuevos discos de Viva Suecia, TRISTÁN, Jay Som, Álvaro Soler, Annalisa, Julia Amor, Khalid, The Antlers, CORTE! o LANY. Además, la reedición de PinkPantheress ya está disponible. Desde un día antes se puede escuchar el nuevo álbum de Lorena Álvarez, el primero en seis años.
El single destacado de la jornada lleva el nombre de Ana Mena, pero son notables también los nuevos lanzamientos de Oklou con FKA twigs (ambas preparan reediciones de sus últimos trabajo), Martin, Demi Lovato en plan Charli xcx o Nathy Peluso, que ha anunciado EP de salsa.
Siguen las colaboraciones sorprendentes con los estrenos de Depresión Sonora ft. bb trickz, JISOO con Zayn o Gorillaz con Trueno. El disco de Jay Som incluye colaboración de Hayley Williams y el de PinkPantheress reúne a Kylie, Zara Larsson, Sugababes, largo etcétera.
Destacan, por otro lado, dos esperados estrenos. Por un lado, el de Not for Radio, el proyecto de María Zardoya, de The Marías, en plan downtempo y trip-hop. Por otro, la puesta en marcha de la reedición de Madonna. En portada se come una granada la debutante londinense Serena Clara.
Además, hay nuevos e interesantes singles de Celeste, Allie X, Pipiolas, dexter in the newsagent, Alice Wonder, HAIM con Bon Iver, Madison Beer, Yves Jarvis, Austra… todos disponibles en la playlist «Ready for the Weekend» de Apple Music.
No Doubt ha anunciado que dará una serie de conciertos fijos -vale, lo llamamos «residencia»- en el Sphere de Las Vegas, aquel espectacular recinto inaugurado por U2 hace dos temporadas. Por supuesto, el regreso de No Doubt a los escenarios se producirá con Gwen Stefani al frente. En 2024, No Doubt ofreció su primer concierto en 19 años en el festival Coachella.
Como informa Billboard, No Doubt dará seis conciertos en el Sphere entre mayo y junio de 2026. Gwen es la primera frontwoman que toca en este recinto (recientemente se había rumoreado que Taylor Swift planeaba una residencia en el Sphere, pero esta información ha sido desmentida).
La noticia del regreso de No Doubt coincide con el 30º aniversario de ‘Tragic Kingdom’, su tercer álbum, que se lanzó tal día como hoy en 1995. Es el disco que contenía la eterna ‘Don’t Speak’.
Recientemente, Stefani ha recuperado ‘Don’t Speak’ en directo. Ha sido en el concierto que Dua Lipa acaba de ofrecer en Los Ángeles, dentro de la gira de ‘Radical Optimism‘. Casi, casi parece que el lanzamiento de ‘Bouquet‘ jamás sucedió…
Martin Urrutia lanzará su disco de debut a principios de 2026. El primer adelanto era ‘Nadadora‘, una sorprendente versión de Family. El segundo, ‘Nuevos recuerdos’, sigue la colaboración de Urrutia con el dúo barcelonés Hidrogenesse, que ha producido el disco al completo.
‘Nuevos recuerdos’ es la primera composición original que presenta el proyecto y la introducción a un disco «bastante variado, que tiene un poco de todo, canciones más lentas y otras bailongas», y que seguirá una estética «digital y de videojuego», según ha contado Urrutia en una entrevista en Cadena Ser.
Ese estilo de videojuego inspira el sonido de ‘Nuevos recuerdos’, que utiliza efectos tipo 8bit, e informa también el concepto de la canción. En ‘Nuevos recuerdos’, Martin captura recuerdos en forma de «amuletos» que va acumulando para mantenerse con vida. Esos recuerdos tienen forma de objetos cotidianos -moras, toallas, heridas- que Martin convierte en tesoros emocionales. Pero no son recuerdos permanentes, sino que van cambiando, como quien pasa de una pantalla de videojuego, a la siguiente.
‘Nuevos recuerdos’ es 100% Hidrogenesse, también un poco Mecano, los de los primeros tres discos, en su estilo musical optimista y de ritmo alegre, y sobre todo recuerda al estilo de los autores de ‘Animalitos‘ (2007) o de la música de Stella Maris (2024) su meticulosa composición melódica y, sobre todo, su lírica narrativa y cotidiana, casi de corriente de pensamiento, libre pero más meditada de lo que parece. Toca el bajo en la canción Laura Antolín de Doble Pletina.
El concepto de ‘Nuevos recuerdos’ se ha llevado al siguiente nivel con la creación de un avatar digital que representa a Martin, llamado MUNO, y que sirve de «mascota» del proyecto.
Ana Mena ha anunciado recientemente que su nuevo disco, el sucesor del exitoso ‘Bellodrama‘ (2023), verá la luz en 2026. Mena prometía «desnudarse» en este álbum y de hecho aparecía en bolas en la primera imagen promocional de esta nueva era, que ha resultado ser una captura del videoclip de su nuevo single, ‘Lárgate’.
El clip transcurre en un entorno rural y campestre, pero pronto deriva en un divertido pastiche de folk horror y comedia sexual, con una Ana Mena convertida en homicida del hombre que la ha hecho daño. Puro camp rural para la nueva era de Ana Mena… que busca fulminar de un disparo la anterior: atención al final del vídeo.
‘Lárgate’ es una canción de desamor que recurre al humor negro para canalizar la rabia hacia un “infeliz” del que Mena ha tenido la desgracia de enamorarse. La artista aparece armada con “veneno” y un “hacha”, dispuesta a usar cualquier recurso a su alcance para borrar a esa persona de su vida. Incluso se tomará la justicia por su mano: “tengo diez mil maneras para matarte”, canta.
‘Lárgate’ es de inmediato una de las mejores canciones de Ana Mena. Co-escrita por Andrés Torres y Mauricio Rengifo (‘Despacito’, Aitana), se adscribe a su faceta clásica y melódica, la de ‘Música ligera’. Pero ‘Lárgate’ no es una versión aunque lo parezca, sino una composición original cuya preciosa melodía evoca la obra de Jeanette, en concreto, el drama melancólico de piezas como ‘Ojitos tristes‘. La producción, sin embargo, se actualiza con sutiles efectos electrónicos.
En un año en que Jeanette ha sido reivindicada por artistas como Selena Gomez, cuando la propia Jeanette ha vuelto lanzando un tema con Lucas Bun, Ana Mena entrega su apuesta. Esta vez, salpicada de sangre.
Raül Refree y Niño de Elche llevan 4 años presentando por el mundo un espectáculo de ambient e improvisación. Cuando al fin decidieron llevar al estudio algunas de las piezas que venían desarrollando, se encontraron con otras totalmente nuevas ligeramente más accesibles o «pop». «Pop» en el sentido de que aquí no hay pistas que duren 15 minutos, no de que haya estribillos, porque en absoluto los hay.
Los discos míticos de Brian Eno, por supuesto Sakamoto, proyectos de experimentación como Low o Arthur Russell y obviamente su propio bagaje creativo tras décadas en esto de formas tan diversas, han nutrido a los artistas en esta aventura que no acaba como creían. Particularmente les ha atraído la idea de acercarse a la espiritualidad y a la religión, e incluso a la música sacra, lo cual se siente en títulos como ‘Cruz’ o en el final de ‘Mi amén’.
Esta última también puede recordar a Angelo Badalamenti en sus últimos teclados, pues hay una enorme voluntad cinética en el desarrollo de estas pistas. Para muestra, la teatral ‘Salmo XXI’, que es casi como asistir a una obra protagonizada por Paco Contreras. Y ahí es donde hay que hablar de su expresiva voz y de su desgarrada interpretación vocal.
Desde luego no todas las obras que se consideren «ambient» han podido contar con una personalidad tan arrolladora liderando como la de Niño de Elche, en esta pista hablándonos de cámaras de tórtura, orfelinatos, psiquiátricos. La canción logra ser terrorífica, como luego lo será también ‘La escalera’, pero a su vez atrapa por completo y encoge el corazón, como hay álbumes de música experimental que jamás lo lograrán.
‘Salmo XXI’ se inspira en los salmos de Ernesto Cardenal; otras composiciones adaptan de manera muy libre -sin ser literales-, textos de Rilke (‘La escalera’), Peter Nadás (‘Nadás’) o Yannis Ritsos (el single ‘Antes de’). Respecto a esta última, es muy llamativo cómo en un álbum que se define como electrónico, es un elemento orgánico como un riff o un punteo el que produce el efecto más emotivo.
Sucede en la preciosa ‘Antes de’, también en ‘Tu voluntad’ e igualmente en las dos partes de ‘Salmo XXI’. Aunque para constatar la intención electrónica de ‘Cru+es’ tenemos la rotunda ‘Senescente mundo’. Podría haber sido arreglada por la Björk de ‘Homogenic’, pero son estos dos espíritus totalmente inquietos y libres quienes siguen dignificando la historia de la música de este país.
Ya conocemos los 18 participantes de la próxima edición de Benidorm Fest. Los nombres de los artistas han sido revelados en una rueda de prensa celebrada en las instalaciones de RTVE y entre ellos se encuentran Luna Ki, Miranda & Bailamamá, MAYO, Ku Minerva o Funambulista. El festival se celebrará los próximos 10 y 12 de febrero, mientras que la final tendrá lugar el día 14.
ASHA, Atyat, Dani J, DORA & Marlon Collins, Funambulista, Greg Taro, Izan Llunas, Kenneth, Kitai, Ku Minerva, Luna Ki, Julia Medina & María León, Mayo, Mikel Herzog Jr, Miranda! & Bailamamá, Rosalinda Galán, The Quinquis y Tony Grox & Lucycalys son los 18 artistas que competirán por el gran premio de 150.000 euros. La candidatura a Eurovisión, por otro lado, se decidirá cuando se lleve a cabo la reunión de la UER para determinar la participación de Israel.
Entre ellos hay exconcursantes de Operación Triunfo, como Julia Medina y MAYO; la hija de Bimba Bosé y sobrina de Miguel Bosé, Dora; y también exparticipantes del propio Benidorm Fest, como son Luna Ki, Óscar de Varry Brava (Bailamamá) y Sergio de Miss Caffeína (The Quinquis). Para escuchar las nuevas canciones, habrá que esperar hasta el 18 de diciembre. De momento, aquí un repaso a los temas de cada aspirante de Benidorm Fest. Al final del artículo encontrarás una playlist de Apple Music recopilando todas las canciones.
Debido a la altísima demanda, The Weeknd también visitará Barcelona en su gira europea. En un principio, esta iba a terminar en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid con tres conciertos consecutivos los días 28, 29 y 30 de agosto de 2026. Finalmente, la superestrella canadiense también estará en el gran estadio de Barcelona el próximo 1 de septiembre de 2026. La gira se cerrará después en Lisboa.
La preventas de esta nueva fecha del tour será en Live Nation – S.SMUSIC el 14 de octubre a las 12h, y en Live Nation el 16 de octubre a las 12h. Las entradas de manera general salen a la venta el 17 de octubre a las 12h en Live Nation.
En un nuevo comunicado se explica que la grandísima demanda del público es lo que ha provocado que el autor de ‘After Hours’, ‘Dawn Fm’ y ‘Hurry Up Tomorrow’ sume más fechas en Europa, que podéis ver bajo estas líneas.
Por otro lado, Playboi Carti seguirá acompañando al cantante durante todas sus fechas en Europa y Reino Unido, mientras que Anitta se encargará de telonear los conciertos anunciados en México y Brasil.
Lun 20 de abril – Ciudad de México, México – Estadio GNP Seguros
Mar 21 de abril – Ciudad de México, México – Estadio GNP Seguros
Mié 22 de abril – Ciudad de México, México – Estadio GNP Seguros
Dom 26 de abril – Río de Janeiro, Brasil – Estadio Nilton Santos
Jue 30 de abril – São Paulo, Brasil – Estadio MorumBIS
Vie 1 de mayo – São Paulo, Brasil – Estadio MorumBIS Jue 11 de junio – Mánchester, Reino Unido – Etihad Stadium (NUEVA FECHA)
Vie 19 de junio – Copenhague, Dinamarca – Parken (NUEVA FECHA)
Jue 25 de junio – Múnich, Alemania – Allianz Arena (NUEVA FECHA)
Vie 3 de julio – Lille, Francia – Stade Pierre Mauroy (NUEVA FECHA)
Mié 8 de julio – París, Francia – Stade de France (NUEVA FECHA)
Vie 10 de julio – París, Francia – Stade de France
Sáb 11 de julio – París, Francia – Stade de France
Dom 12 de julio – París, Francia – Stade de France
Jue 16 de julio – Ámsterdam, Países Bajos – Johan Cruijff ArenA
Vie 17 de julio – Ámsterdam, Países Bajos – Johan Cruijff ArenA
Sáb 18 de julio – Ámsterdam, Países Bajos – Johan Cruijff ArenA
Mar 21 de julio – Niza, Francia – Allianz Riviera
Mié 22 de julio – Niza, Francia – Allianz Riviera
Vie 24 de julio – Milán, Italia – Estadio San Siro
Sáb 25 de julio – Milán, Italia – Estadio San Siro
Dom 26 de julio – Milán, Italia – Estadio San Siro
Jue 30 de julio – Fráncfort, Alemania – Deutsche Bank Park
Vie 31 de julio – Fráncfort, Alemania – Deutsche Bank Park
Sáb 1 de agosto – Fráncfort, Alemania – Deutsche Bank Park
Mar 4 de agosto – Varsovia, Polonia – PGE Narodowy
Mié 5 de agosto – Varsovia, Polonia – PGE Narodowy
Sáb 8 de agosto – Estocolmo, Suecia – Strawberry Arena
Dom 9 de agosto – Estocolmo, Suecia – Strawberry Arena
Lun 10 de agosto – Estocolmo, Suecia – Strawberry Arena
Vie 14 de agosto – Londres, Reino Unido – Wembley Stadium
Sáb 15 de agosto – Londres, Reino Unido – Wembley Stadium
Dom 16 de agosto – Londres, Reino Unido – Wembley Stadium
Mar 18 de agosto – Londres, Reino Unido – Wembley Stadium
Mié 19 de agosto – Londres, Reino Unido – Wembley Stadium
Sáb 22 de agosto – Dublín, Irlanda – Croke Park
Dom 23 de agosto – Dublín, Irlanda – Croke Park
Vie 28 de agosto – Madrid, España – Riyadh Air Metropolitano
Sáb 29 de agosto – Madrid, España – Riyadh Air Metropolitano
Dom 30 de agosto – Madrid, España – Riyadh Air Metropolitano Mar 1 de septiembre – Barcelona, España – Estadi Olímpic Lluís Companys (NUEVA FECHA)
Sáb 5 de septiembre – Lisboa, Portugal – Estadio do Restelo (NUEVA FECHA)
Varias canciones con «zombie» en su título han hecho las delicias del pop este 2025. Tenemos ‘Zombie’ de YUNGBLUD, homónima total al hit de Cranberries que se acerca a 2.000 millones de streams.
Luego tenemos ‘Zombieboy’, una de las canciones favoritas de los «little monsters» de ‘MAYHEM’ de Lady Gaga: ya solo hay que ver su título. Tenemos su canción-pareja, ‘Zombie Lady’, también una de las canciones favoritas del disco de Damiano David… Y desde esta semana sumamos ‘Zombie Love’ de Victoria Justice.
Victoria Justice es una cantante y actriz conocida por su papel de Lola Martínez en ‘Zoey 101’ (2005-2008) y el de Tori Vega en ‘Victorious’ (2010-2013). También por el musical ‘Spectacular!’. De manera paralela, cuenta con una discreta carrera discográfica, a menudo vinculada a su carrera como actriz.
De hecho, este ‘Love Zombie’ que ahora se edita es una filtración que circulaba por la red y que sus seguidores reclamaban en plataformas de streaming oficiales. Parece que se llegó a grabar en 2010 y se filtró en 2023. De hecho, una persona escribe en Reddit: «La demo de esta canción fue triple platino en mi habitación todo el verano y esto es la guinda del pastel para mí». Es nuestra «Canción del Día» hoy.
No es de extrañar que se reclamara su edición. Sin inventar la rueda, es un pepinazo de electropop que Dannii Minogue podría haber incluido en aquel disco tan chulo que hizo en los 2000… y su hermana un poco también. Versando sobre un «amor zombie», es decir, que resucita y «te vuelve loca», ni que decir tiene llega a tiempo para Halloween.
Han pasado 9 años desde su último disco. Han aparecido tantos rumores, filtraciones, reediciones y deepfakes entre medias que es difícil decir si realmente echamos de menos a Frank Ocean o, más bien, a la idea de Frank Ocean. A estas alturas, y después de dos trabajos tan encumbrados como ‘Channel Orange’ y ‘Blonde’, es imposible que su próximo trabajo esté a la altura de las expectativas. Eso, si alguna vez regresa.
¿Os acordáis del vídeo de Frank y Rosalía que se filtró hace más de dos años? Se llamaba ‘Changes’ y abría la puerta a la esperanza para los fans del escurridizo artista. Aquello parecía muy real, pero muy antiguo también. Es muy posible que perteneciese a los tiempos del supuesto tercer disco de Ocean, también supuestamente titulado ‘Look At Us, We’re In Love’. Cuando se habla de Frank Ocean, todo es una suposición.
Se rumoreaba con que iba a ser lanzado a finales de 2019 junto con los singles de ‘DHL’, ‘In My Room’, ‘Dear April’ o ‘Cayendo’. Sin duda, a juzgar por el diseño de los sencillos, existía un proyecto real que fue descartado. Es por eso que los fans más locos del estadounidense han ido recopilando cualquier resquicio que pudiese quedar del hipotético LP a lo largo de los años. De vez en cuando, si te adentras lo suficiente en el agujero de Instagram, puedes encontrar publicaciones que juntan toda esta colección de snippets y fragmentos.
Hace exactamente 17 días, el propio Frank Ocean publicó un comentario aleatorio en una sección de comentarios aleatoria de una de estas recopilaciones, en el que desmentía prácticamente todo:
– ‘Look At Us We’re In Love’ no era el nombre de su disco, sino «un intento de título temprano para mis noches de club en Nueva York». Esto se convirtió en PrEP+.
– En cuanto a las filtraciones, «muchas son o bien generadas por IA o agujeros en mi memoria».
– La mayoría tampoco son de 2019, ya que «los trabajos más antiguos aquí son de hace 12 o 13 años».
«Bocetos extraviados con colaboradores extraviados subidos por personas impacientes». Así, de un plumazo, Frank desmiente todo el trabajo hecho por sus fans durante 6 años. El fragmento más legítimo de esta etapa podría venir del luchador de MMA Payton Talbott, quien se rumorea que sería la pareja de Ocean. Por lo menos, son amigos. Sería extraño que este subiese un fragmento de Frank hecho por IA a su cuenta oficial, pero ya ni de eso podemos estar seguros. Al menos, sirve para combatir el mono.
El hueco que Frank Ocean ha dejado en la música no ha sido fácil de llenar. The Weeknd y Frank comenzaron su carrera en torno a la misma época, allá por 2010. En un universo alternativo, el artista californiano podría haber tenido los mismos streams milmillonarios del canadiense y, de hecho, 15 años después y con solo dos discos publicados, es el único del género con el que se le podría comparar en cuestión de números.
Si hablamos de innovación y calidad musical en el ámbito del R&B, algunos de los nombres que se nos vienen a la cabeza son Dijon, que lanzó su debut en 2021, y Blood Orange, que empezó a despuntar realmente en 2016 con ‘Freetown Sound’. Este año, ‘Baby’ y ‘Essex Honey’, respectivamente, han probado ser dignos herederos del legado de Ocean. ¿Creéis que Frank está escuchando estos proyectos y pensando que ha dejado todo en buenas manos?
Lo que sí está claro es que la leyenda de Frank es tan amplia y tan llena de misticismo que, independientemente de cómo sea la música, su próximo proyecto apunta a ser percibido como una decepción en rasgos generales. Es una cuestión de hype acumulado, y la inmensa dificultad de estar a la altura. No es que Frank no sea capaz de ello, claro, pero hay que preguntarse algo: ¿El público quiere otro disco de Frank Ocean o un ‘Blonde 2’?
Si Ocean apuesta por el pop más comercial, dirán que está poco inspirado. Si hace algo demasiado loco, los oyentes se preguntarán por qué han estado esperando tanto tiempo para algo que no entienden. Lo que sentimos con ‘Channel Orange’ o ‘Blonde’ es irrepetible, y quizás él lo sepa. Es por eso que la mejor opción de Frank en este aspecto es seguir haciendo lo que está haciendo. Desaparecer. Por nuestro bien, espero equivocarme.
No hay más noticias sobre el próximo álbum de Madonna, la segunda parte de ‘Confessions on a Dance Floor’. Si sirve de pista, ‘Hung Up’ cumplirá 20 años la semana que viene. Mientras tanto, la artista retoma su relación con Warner publicando la primera de las reediciones que se anunciaron hace 4 años, cuando se pensaba que un biopic sobre Madonna se encaminaba.
El 28 de noviembre se publicará un disco llamado ‘Bedtime Stories: The Untold Chapter’, que Madonna llegó a promocionar en su Instagram. El álbum original cumplió 30 años hace justo un año e incluía el macrohit ‘Take a Bow’, el single ‘Secret’, la personal favorita de la artista ‘Human Nature’ y la colaboración con Björk ‘Bedtime Story’.
Stuart Price se ha encargado de restaurar estas canciones a partir de los archivos de Warner. El disco no incluye la demo de ‘Rather Be Your Lover’ con 2PAC, y a cambio incluye un tema jamás escuchado por nadie ni filtrado llamado ‘Right on Time’, que se estrena hoy.
El disco incluye remixes y demos desconocidas, pero no las esperadas demos de Shep Pettibone. Da la sensación de que este proyecto se ha retrasado por problemas de derechos con los herederos de 2PAC: ¿alguien prefiere que la colaboración esté tirada de mala manera en Youtube, desde hace 15 años, sin que nadie se moleste en borrarla?
También habrá un doble CD incluyendo ‘Bedtime Stories’ y este ‘The Untold Chapter’. Además, este viernes 10 de octubre llega también la edición física del disco de remezclas ‘Veronica Electronica‘.
1.-Survival (Quiet Storm Demo Remix) (Previously Unreleased from *Redemption sessions)
2.-Secret (Allstar New Single Mix) (Original Single Mix released on the UK 2CD edition of the Redemption single)
3.-Right On Time (Original Demo Edit) (Previously Unreleased from Redemption sessions)
4.-Don’t Stop (Original Demo Edit) (Previously Unreleased from Redemption sessions)
5.-Freedom (Short Mix) (Previously Unreleased Version)
6.-Human Nature (Howie Tee New Clean Remix Edit) (Original mix taken from Promo Maxi Single)
7.-Let Down Your Guard (Rough Single Mix) (Previously Unreleased Version)
8.-Love Won’t Wait (Original Demo Edit)
Era un secreto a voces, pero durante las últimas semanas Liam Gallagher lo ha hecho todavía más claro tanto en sus redes sociales como encima del escenario. Lo más probable es que la gira de Oasis continúe en 2026.
La primera señal ocurrió en su último concierto en Wembley. Al terminar, de la emoción se le escapó que tendríamos noticias de Oasis en 2026: «‘Champagne Supernova’, os vemos el año que viene», soltó, despertando los gritos de los fanáticos.
Hoy mismo, mientras respondía a un tweet que preguntaba por qué la canción ‘The Hindu Times’ no estaba en el setlist, Liam declaró que ni siquiera habían llegado al «descanso» de lo que tienen preparado: «Es una gira de dos partes», publicó abiertamente. No está claro si esto se refiere a una gira al uso o a conciertos especiales. Knebworth es una fecha muy comentada entre los fans de la banda.
Por último, la semana pasada Chris Evans, presentador de The Breakfast Show, también prometió a los fans de la banda que tendríamos «grandes noticias para 2026». Esto hizo que la web de Oasis se cayera completamente, al jurar que la noticia llegaría ese día. Esto no ocurrió. Poco después, Liam compartió un tweet con lo que parecía una fecha misteriosa: «MMXXV11». Fue eliminado al poco tiempo. Parece que todavía tenemos Oasis para rato.
Chill Winston it’s not even HALF TIME yet it’s a tour of 2 half’s
Rolling Stone ha vuelto a publicar una de sus comentadas listas recopilando la mejor música del siglo XXI. Si, a principios de año se lanzaba la lista de 250 mejores discos, encabezada por Beyoncé, esta vez se repasan las 250 mejores canciones.
La lista está liderada por ‘Get Ur Freak On’ de Missy Elliott, una opción merecida aunque inesperada, y el podio se completa con ‘Maps’ de Yeah Yeah Yeahs en el 2 y ‘Crazy in Love’ de Beyoncé en el 3.
Top 10 raro
El top 10 deja las primeras sorpresas: ‘Toxic‘ de Britney Spears, en el 9, es seguida por nada menos que ‘Idioteque’ de Radiohead, en el 8, y ‘All Too Well‘ es el tema de Taylor Swift que más alto aparece, en el 5, por encima de, por ejemplo, ‘Blank Space’ (114).
El tema más reciente dentro del top 10 es ‘Alright’ de Kendrick Lamar, publicado en 2015 y que figura en el puesto 7 (esto sin contar la versión de 10 minutos de ‘All Too Well’, publicada oficialmente en 2021, pero cuya grabación data de 2012). Sin embargo, la apuesta por la música reciente de Rolling Stone se extiende dentro del top 20, con sorprendentes apariciones de ‘Bad Habit’ de Steve Lacy en el 20, ‘Bad Guy’ de Billie Eilish en el 18, ‘Snooze‘ de SZA en el 13 o ‘Safaera’ de Bad Bunny en el 11. Precisamente, Bad Bunny cuela el tema más reciente de todos: ‘Baile inolvidable‘, lanzado este mismo año, que araña un puesto 81. ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter llega al 167.
Clásicos muy abajo
Todos estos temas aparecen por encima de decenas de clásicos que probablemente esperabas encontrar más arriba. El puesto 107 para ‘Can’t Get You Out of My Head’ de Kylie Minogue constituye delito. El 48 para ‘Paper Planes‘ de M.I.A. (¿no debería ser número 1?) también. El debate está asegurado con el puesto 82 de ‘Hey Ya’ de Outkast, el 31 de ‘Since U Been Gone’ de Kelly Clarkson o el 26 de ‘Mr. Brightside‘ de los Killers, el gran clásico del rock del siglo XXI; todos temas dignos de top 10. ¿Y no es indigno para ‘Blinding Lights’ de The Weeknd aparecer en un bajo puesto 41, cuando es el mayor éxito de la era streaming?
Y ya puestos a disputar la lista, ¿de verdad ‘Someone Like You’ de Adele (puesto 19) es mejor que ‘Back to Black’ de Amy Winehouse (puesto 46)?
Rolling Stone considera mejores ‘Pink Pony Club’ de Chappell Roan (23) o ‘Hotline Bling’ de Drake (17), aunque al menos aparecen en lista en lugar de haber sido ignorados, como nuevamente sucede con temas de Beach House, Sufjan Stevens o Lykke Li (‘I Follow Rivers’ no está). Evidentemente, Rolling Stone es un medio estadounidense especializado en rock y música comercial, no en indie.
Aunque al indie sí se le da cierto espacio, con inclusiones de ‘Tiger Mountain Peasant Song’ de Fleet Foxes en el 248, ‘Heartbeat’ de The Knife en el 224, ‘Cellophane’ de FKA twigs en el 200, ‘Stoned and Starving’ de Parquet Courts en el 193, ‘Oblivion’ de Grimes en el 189, ‘Kids’ de MGMT en el 187 o ‘Rebellion (Lies)’ de Arcade Fire en el 69. Algunos de estos artistas, como Grimes, ni siquiera aparecían en la lista de discos.
Inclusiones raras
Coldplay, que tampoco figuraba en discos, pueden estar contentos porque ‘The Scientist’ se cuela en el puesto 141. Otras inclusiones son un poco raras: soy el primero que defiende que ‘Deja Vu’ de Beyoncé es un temazo infravalorado, pero no para aparecer en el puesto 138, cuando otros han quedado fuera. Y que de Justin Timberlake se reivindique ‘Mirrors’ (89) pero no ‘Cry Me a River’, que queda fuera, es extraño, ya que ‘Mirrors’ no dejaba de ser una copia de ‘Cry Me a River’.
Otras ausencias
Vale que no cabe todo, pero duele no ver en lista temas enormes como ‘Pagan Poetry’ de Björk, ‘The Mess We’re In’ de PJ Harvey y Thom Yorke o ‘Hope There’s Someone’ de Anohni and the Johnsons, ni tampoco megaéxitos del calibre de ‘Hips Don’t Lie’ de Shakira (quien sí aparece con ‘La Tortura’ en el 56), el atemporal ‘Unwritten’ de Natasha Bedingfield o dos clásicos modernos como son ‘Die with a Smile‘ de Lady Gaga y Bruno Mars y ‘Messy’ de Lola Young. Se les habrán quedado en los puestos 251, 252…
Top 20
1.- Missy Elliott, Get Ur Freak On
2.- Yeah Yeah Yeahs, Maps
3.- Beyoncé, Jay-Z, Crazy in Love
4.- The White Stripes, Seven Nation Army
5.- Taylor Swift, All Too Well
6.- Robyn, Dancing On My Own
7.- Kendrick Lamar, Alright
8.- Radiohead, Idioteque
9.- Britney Spears, Toxic
10.- Frank Ocean, Thinking About You
11.- Bad Bunny, Safaera
12.- The Strokes, Last Nite
13.- SZA, Snooze
14.- Daddy Yankee, Gasolina
15.- Outkast, B.O.B.
16.- Mariah Carey, We Belong Together
17.- Drake, Hotline Bling
18.- Billie Eilish, bad guy
19.- Adele, Someone Like You
20.- Steve Lacy, Bad Habit
Billboard informa de que ‘The Life of a Showgirl‘ de Taylor Swift ha logrado 3,5 millones de unidades equivalentes en su primera semana en Estados Unidos, según Luminate. De ese total, 3,2 millones corresponden a ventas tradicionales -formato físico y digital-, mientras que las 300.000 unidades restantes provienen del consumo por streaming de las canciones del disco.
¿Ha superado Taylor Swift el récord de ‘25‘ de Adele, hasta ahora el disco más vendido en su primera semana de la historia? Sí, pero con matices.
Taylor rompe el récord de ’25’ de Adele por unidades equivalentes, pero no por ventas puras. En su primera semana, ’25’ vendió 3,378 millones de copias físicas y digitales, una cifra que todavía nadie ha superado. Swift necesitaría vender 178.000 copias más para superar el récord de ventas tradicionales de Adele, y podría hacerlo, ya que la semana de recuento todavía no ha acabado: quedaría por sumar ventas de hoy, y probablemente de ayer (el tracking week va de viernes a jueves). En los próximos días lo veremos.
En cuanto a las cifras globales de Adele, ’25’ acumuló 3,482 millones de unidades equivalentes al incluir, además de ventas tradicionales, compras de pistas y reproducciones. En el caso de ‘The Life of a Showgirl’, todas las unidades equivalentes adicionales provienen del streaming, ya que sus canciones no están disponibles para compra individual.
Estos datos demuestran que la industria de 2025 no es la misma que la de 2015: las cifras de Taylor Swift en streaming son especialmente relevantes en este caso, ya que la cifra de suscritos Premium a Spotify ha aumentado de manera estratosférica durante la última década. Cabe recordar que ’25’ no estuvo disponible en Spotify durante los primeros siete meses desde su lanzamiento: para escucharlo, básicamente había que comprar el disco en tiendas. Pero también es cierto que la influencia del streaming hoy es mucho mayor que hace diez años.
Para romper el récord de Adele, Swift se ha ayudado de un generoso surtido de ediciones especiales de ‘The Life of a Showgirl’ lanzados durante la semana a través de su página web, exactamente 29 ediciones. Antes del lanzamiento del 3 de octubre, ya existían 23 versiones físicas diferentes, incluyendo CD, vinilo y casete. A estas se han sumado cuatro nuevas variantes de CD -cada una con portadas diferentes y canciones adicionales- y dos ediciones digitales, una estándar y otra exclusiva de iTunes con un video extra. ¿Tendrá algún otro as en la manga?
Sala Apolo inaugura AFERS, un ciclo de conciertos en colaboración con la asociación de salas Liveurope que unirá a dos talentos emergentes con propuestas musicales afines: un artista local y una voz europea que compartirán escenario «en un formato cercano e íntimo». La cita será un viernes al mes, a las 19:30, en LA CINC de la Sala Apolo, y las tres primeras fechas ya se han revelado.
El 10 de octubre inaugurará el ciclo AFERS el concierto protagonizado por la catalana Cabiria y la italiana Anna and Vulkan. Ambas exploran los ritmos del pop-disco y el italo-disco en sus respectivas obras artísticas. Cabiria presentará su disco ‘RADIO CORAL’ y Anna and Vulkan, un colorido repertorio que incluye el EP ‘Andare, tornare’ y su reciente single ‘Quanta lacrima’, lanzado hace pocos días.
Después, el viernes 14 de noviembre será el turno de dos artistas unidas por su vínculo con la música folk. Laaza (Laura Aznar Grau), de Barcelona, y A Sul, de Lisboa, se subirán al escenario de la Sala Apolo para presentar sus respectivos nuevos trabajos: Laaza acaba de lanzar el alegre single ‘De ciudad’ y A Sul prepara la salida de su disco ‘QUER QUER QUER’.
La tercera cita, el 12 de diciembre, reunirá a una artista local aún por anunciar con la cantante danesa-japonesa Mina Okabe. Conocida por su pop alternativo, Okabe ha trabajado con Leroy Clampitt (Dua Lipa, Madison Beer, Justin Bieber), y su mayor éxito, ‘Every Second’, suma 68 millones de reproducciones en Spotify. Su álbum debut, ‘Papaya’, se lanzó la pasada primavera.
AFERS A LA CINC – 19:30h
10 d’octubre – Cabiria & Anna and Vulkan
14 de novembre – Laaza & A Sul
12 de desembre – Artista local sorpresa & Mina Okabe
Sucediendo al éxito de ‘tu vas sin (FAV)’, número 1 en España y la que ha sido una de las canciones del verano, y previamente al del álbum ‘a new star (1 9 9 3)’, Rels B cerrará gira a lo grande.
El show que cierre A NEW STAR WORLD TOUR, la gira más importante de su carrera, será el próximo 4 de julio en el Estadio Metropolitano de Madrid. Actuará ante más de 50.000 personas, algo que no le será ajeno, pues actuó en Ciudad de México para un público similar.
El artista repasará temas de ‘a new star (1 9 9 3)’, ‘Nostalgia EP’ o ‘afroLOVA’25’, además de los grandes éxitos de su carrera. Según Live Nation, se trata de la gira más grande de su vida, y el paso definitivo para consagrarse como uno de los artistas más grandes de su generación.
Rels B ha actuado este verano en Buenos Aires, Tijuana, San Salvador, Quito o Bogotá. ‘tu vas sin (FAV)’ sigue puesto 74 a nivel Global en Spotify, incluso teniendo en cuenta el huracán Taylor Swift.
La preventa de las entradas para el Metropolitano tendrá lugar en Live Nation el jueves 9 de octubre a las 12:00h. La venta general será el viernes 10 de octubre a las 12:00h en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. Las entradas son 55 € + gastos de distribución.
Cargando ...
