Pixies se encuentran a punto de caramelo de publicar ‘Doggerel’, su octavo álbum de estudio, que sale a la venta el próximo viernes 30 de septiembre. Los autores de ‘Where is My Mind?’ emprenderán una gira europea para presentarlo, y esta gira pasará por España.
En concreto, Pixies actuarán el 9 de marzo en el Sant Jordi Club de Barcelona, el 10 de marzo en el WiZink Center de Madrid y el 11 de marzo en el Coliseum de A Coruña. Las entradas se ponen a la venta el día 30 de septiembre, con preventa habilitada para los conciertos de Barcelona y Madrid, el día 29.
Pixies son conocidos por sus intensos y generosos directos, donde generalmente tocan más de 30 canciones por noche, sin pruebas de sonido previas y un setlist improvisado para cada actuación hacen que ningún show se parezca a cualquiera de los anteriores.
En esta nueva gira, además de himnos generacionales como ‘Where Is My Mind’, ‘Here Comes Your Man’ o ‘Monkey Gone To Heaven’, Pixies efectivamente presentarán las canciones incluidas en su nuevo álbum, entre las cuales se incluyen cuatro que se han extraído como sencillos, estas son son, ‘There’s a Moon On‘, ‘Vault of Heaven’ y ‘Dregs of the Wine’.
Pixies es uno de los grupos más emblemáticos del indie-rock de los 80 y 90 gracias a los clásicos mencionados y a álbumes históricos como ‘Surfer Rosa’ (1988) y ‘Doolittle’ (1989). En 2019 el cuarteto editó el que hasta ahora es su último álbum de estudio publicado, ‘Beneath the Eyrie‘.
Santigold ha cancelado su gira ‘The Holified Tour’, que pasaba por 19 ciudades de Estados Unidos y empezó el pasado 10 de septiembre. La cantante presentaba su disco ‘Spirituals‘, pero dice que la realidad de la vida de artista después de la covid se ha complicado demasiado. Con su carta, Santigold abre al mundo a una realidad que no todos ven.
Explica: «Como artista que está de gira, creo que nadie anticipó la nueva realidad que nos aguardaba. Después de pasarme dos años sin poder tocar, todo aquel músico que pudo volvió rápido a la carretera, pero se encontró con el momento más álgido de la inflación (el precio del gas, los autobuses, los hoteles y los vuelos subieron por las nubes) y nos vimos incapaces de tocar en las salas de siempre debido a un mercado saturado de artistas que intentan reservar fechas en las mismas ciudades. Por no hablar de los resultados positivos de covid que continuamente interrumpen agendas con los devastadores resultados económicos que eso conlleva».
En el texto, Santigold asegura que ha intentado salvar la situación desde todos los ángulos posibles, pero que no ha encontrado la solución. Y explica que el estrés por no poder afrontar la gira le ha pasado factura a nivel de salud. En concreto, habla de sufrir «ansiedad, insomnio, fatiga, vértigo y dolor crónico» y de verse incapaz de «pasar tiempo de calidad con mis hijos».
Finalmente, Santigold apela a la honestidad de su música y, en concreto, a la espiritualidad de su último álbum, y proclama que está «orgullosa» de haber tomado la decisión de cancelar su gira, porque eso significa que «proclamo que yo, la persona que escribe las canciones, soy igual de importante que las canciones, y que no voy a continuar sacrificándome a mí misma por una industria que se ha tornado insostenible y que no está interesada en el bienestar de los artistas».
Santigold no es la única artista que ha hablado públicamente sobre las dificultades que está afrontando durante su gira debido a la covid. La cantante pakistaní Arooj Aftab, ganadora del Grammy por su álbum ‘Vulture Prince’, compartía recientemente una observación similar. Decía que, después del éxito de su gira, ella y su equipo siguen debiendo «decenas de miles», comentaba también los precios desorbitados de gas, vuelos y hoteles, apuntaba que a los promotores les da «miedo subir el precio de las entradas» y que al público «todavía le da miedo salir», y lamentaba que «aún así, se espera que los artistas paguen el precio de este desastre».
Robbie Williams añade segunda fecha en Barcelona, tras vender 15.000 entradas en media hora para su concierto en el Palau Sant Jordi del próximo 24 de marzo. Cuando estaba a punto de confirmarse el sold-out, Doctor Music añade un segundo concierto el sábado 25 de marzo, un día después. Será la única fecha adicional posible para el ‘XXV Tour 2023’ en nuestro país, sin posibilidad de añadir nuevos conciertos, por problemas de agenda.
Las entradas para este segundo concierto en Barcelona ya están a la venta a través de doctormusic.com y entradas.com. El precio es de 50, 70, 80, 110 y 128 Euros para las entradas de asiento reservado en grada y de 80 y 128 Euros para las entradas de pista (gastos de distribución no incluidos). Se puede adquirir un máximo de 6 entradas por compra.
Robbie Williams ha sido número 1 recientemente en Reino Unido con ‘XXV’, un disco de versiones de canciones propias en clave de orquesta. El artista presentará este disco en una gira de estadios que en España recalará en Barcelona. La nota de prensa recalca en cambio que su presentación será «eléctrica»: «‘Let Me Entertain You’, ‘Feel’, ‘No Regrets’, ‘Rock DJ’ o ‘Angels’ son solo algunos de los temas que Robbie Williams, acompañado de una potente banda eléctrica, revivirá en directo en cada uno de sus conciertos».
Desde su promotora Doctor Music, anuncian también que el tour llegará el lunes 27 de marzo al Altice Arena de Lisboa, por si os pilla más cerca.
Os dejamos con la gira al completo:
20 de enero – Unipol Arena, Bolonia
23 de enero – Hallenstadion, Zúrich
26 de enero – Sportpaleis, Amberes
28 de enero – Ziggo Dome, Ámsterdam
29 de enero – Ziggo Dome, Ámsterdam
1 de febrero – Barclays Arena, Hamburgo
5 de febrero – Lanxess Arena, Colonia
15 de febrero – Festhalle, Frankfurt
20 de febrero – Mercedes-Benz Arena, Berlín
26 de febrero – Jyske Bank Boxen, Herning
27 de febrero – Royal Arena, Copenhague
1 de marzo – Avicii Arena, Estocolmo
5 de marzo – Nokia Arena, Tampere
9 de marzo – Arena Riga, Riga
10 de marzo – Zalgirio Arena, Kaunas
12 de marzo – Tauron Arena, Cracovia
14 de marzo – Budapest Arena, Budapest
17 de marzo – Stadthalle, Viena
20 de marzo – Accor Arena, París
24 de marzo – Palau Sant Jordi, Barcelona
25 de marzo – Palau Sant Jordi, Barcelona
27 de marzo – Altice Arena, Lisboa
24 de junio – Telenor Arena, Oslo
Parece ser que esta es la semana de Feid, y es que el puertorriqueño ha conseguido superar a ‘MOTOMAMI’ de Rosalía y ya se ha colocado en el 2º puesto en la lista de discos española, solo por detrás del inamovible ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny. Al mismo tiempo, la mayor subida en número de puestos de la lista la protagonizan Hoke y Louis Amoeba con ‘BBO’, que se colocan justo detrás de Rosalía tras estar en el puesto 21 la semana pasada. Natos y Waor se mantienen en el Top 5 con ‘Luna Llena’.
En el número 6 del ranking están Sidecars, que representan la entrada más alta de la semana gracias a su nuevo disco, ‘Trece’, que además es número 1 en vinilos. Dos puestos más abajo, Eros Ramazzotti debuta en el número 8 con ‘Latido Infinito’, mientras que el ‘BORN PINK’ de ‘BLACKPINK se coloca en el 9.
Una de las sorpresas de la semana es Pink Floyd, que han entrado en el número 16 de la lista con el remix 5.1 Surround del clásico ‘Animals’. En esta primera mitad también han debutado Suede y Rina Sawayama, con ‘Autofiction‘ en el número 20 y ‘Hold The Girl‘ en el 41, respectivamente. Suede han conseguido ser top 5 de vinilos en España, y Rina, top 18.
Las últimas dos entradas en lista son de Creedence Clearwater Revival con ‘Creedence At The Royal Albert Hall 1970’ en el puesto 54 y Hakuna Group Music con ‘Qaos’ en el 58. Este último es un grupo de música cristiana formado por jóvenes españoles que ha ganado bastante popularidad en redes sociales durante las últimas semanas. Acercándonos al último tercio del ranking encontramos a Lady Gaga, que ha regresado a la lista con ‘Chromatica’ en el puesto 73, y a Malú, que vuelve con ‘Mil Batallas’ al puesto 75.
Fuel Fandango y Love of Lesbian ocupan dos puestos consecutivos en su reentrada, con ‘Romances’ ocupando el número 89 y ‘Viaje Épico Hacia la Nada’ el 90. Por último, en los puestos 99 y 100 se posicionan Alizzz con ‘Tiene que haber algo más’ y Ayax y Prok ‘Juglar del Siglo XXI’.
Bizarrap y Quevedo lideran la lista de singles española una semana más, aunque han sido desbancados del número 1 de Spotify Global por lo nuevo de Sam Smith y Kim Petras. ‘DESPECHÁ’ baja al puesto 4 en España tras estar en segunda posición la semana pasada, ahora ocupada también por Quevedo, con su ‘Vista Al Mar’. Asimismo, asciende al número 3 el colombiano Manuel Turizo con ‘La Bachata’.
Feid, a quien parece haberle venido de perlas la filtración de su disco, protagoniza la entrada más fuerte en la lista de sencillos con ‘Prohibidox’, que se ha colado en el número 23. Y partir del puesto 50, otros tres singles de Feid entran en la lista. Estos son ‘XQ Te Pones Así’ con Yandel, ‘Lady Mi Amor’ y ‘Belixe’ en los puestos 53, 89 y 93, respectivamente. Además, otras canciones del artista continúan en el top 100, hasta sumar un total de 10 entre las nuevas y las viejas. La más popular es la colaboración ‘La inocente’ con Mora (top 9), si bien ‘Feliz cumpleaños Ferxxo’, que sí está en este disco nuevo, sube al puesto 21.
Hacia la mitad de la lista también han debutado Duki y Paulo Londra con ‘Party En El Barrio’ en el 30, y Rvfv y DELLAFUENTE en el 50 con ‘K alegría’. Además, ‘Brother’ de Anuel AA ha debutado en el número 79, BLACKPINK con ‘Shut Down’ en el 82, ‘Automático’ de María Becerra en el 90 y lo nuevo de Hoke y Louis Amoeba, ‘Desamparados’ junto con Ergo Pro e Ill Pekeño, en el 96. En el último puesto Becky G y Daviles de Novelda se cuelan con ‘AMANTES’.
El último reggaetón de Myke Towers, con el título de ‘Luces De Neón’, ha experimentado la mayor subida de la semana, pasando del número 56 al 32. Por otro lado, ‘Si Ella Supiera’ de Melendi e India Martínez regresa al ranking en la posición 74 y ‘Snap’ de Rosa Linn regresa en el número 98.
Parquesur es el nombre de un centro comercial sito en Leganés, Madrid. Se inauguró en 1989 adelantándose al fervor por los centros comerciales cuanto más grandes, mejor, presumiendo de ser uno de los más amplios de toda Europa. Actualmente es el 4º más grande de España, y es muy conocido entre el mundo de la modernidad por contener un Apple Store allí, en medio de la nada.
Como metáfora de lo que un día fue lo más y hoy es pura decadencia, Parquesvr también es un peculiar grupo de Madrid cuya máxima es precisamente parodiar el mundo de la modernidad. ‘Si no fuera por estos momentos, sería por otros’ es su segundo disco, tras haber dado la nota con el primero, donde el mayor hit era una cosa apocalíptica llamada ‘Lance Armstrong’ que duraba 7 minutazos.
Las canciones de Parquesvr tienen un sentido del humor parecido a las de Ojete Calor o Ladilla Rusa. La gracia es que ellos son un grupo de rock, y no es tan habitual escuchar a un grupo de rock cantar sobre tamañas tonterías como ‘¿Debo leer a Baudalaire?’. Cual ‘La más fané’ de L-kan, este nuevo single para el álbum promocionado el día de salida como “focus track”, parodia a aquellos que viven del postureo, a quienes van a los museos solo para subirlo a Instagram. King Crimson después del primero, Pink Floyd sin Syd Barrett y New Order después de Joy Division son algunos de los que reciben.
Otras veces están menos graciosos, como en la fallida ‘Almodóvor Amenábor’. La idea era buena, pero alguien debió avisar a Parquesvr de que ser gay no te hace un “icono del mundo gay” y desde luego las películas de Amenábar no apuntan en esa dirección. Son más bien iconos de lo heteronormativo.
La buena noticia es que cada canción en ‘Si no fuera por estos momentos, sería por otros’ posee una personalidad pasmosa. Es imposible confundir unas composiciones con otras, de lo que deduzco que se les viene una gira de lo más entretenida. ‘Zarzaquemada’, titulada en honor a su barrio, homenajea el hip hop primigenio que se escuchaba en nuestro país a finales de los 90 y principios de los 2000. ‘Muchas flores’ bebe tanto del folclore gitano como de la psicodelia, dando con un clímax absoluto. Tanto se vale ‘Los salvajes’ de un kraut como ‘Ansiedad’ de todas aquellas cosas que nos la generan, como el ayuno intermitente y otros estúpidos inventos del siglo XXI.
Sin evitar la política, pues ‘Arde, quema, duele’ -entre el synth-pop y el post-punk- habla con todo el desdén de la pandemia, burlándose de aquel “saldremos más fuertes”, y ‘Las nubes’ parafrasea nada menos que ‘Cara al sol’; Parquesvr no dejan indiferentes. Se venden a sí mismos alegando que el “rock español” está “pésimamente entendido” y este segundo disco es una valiente declaración de intenciones al respecto. Porque lo mejor es que su lista oficial de influencias no es una boutade: Beastie Boys, Triana, Sleaford Mods, Los Chichos, Rage Against the Machine, Rosendo, Ketama, Manolo Kabezabolo… Todo ello es perceptible en este segundo álbum.
La revista Rolling Stone ha publicado su lista de las 100 mejores series de televisión de la historia, que es una versión actualizada, y con bastantes cambios, de la lista que lanzaron en 2016. En el preámbulo de la lista se indica que esta ha sido elaborada con la ayuda de personalidades como Natasha Lyonne, Ben Stiller y Pamela Adlon; actores como Jon Hamm y Lizzy Caplan; y guionistas de series como ‘Expediente X’ o ‘Jane the Virgin’.
Todo el mundo quiere saber qué serie ha sido elegida como la mejor de la historia, y lo cierto es que han desechado el suspense y han mantenido en el codiciado puesto a la misma que colocaron en 2016: ‘Los Soprano’. El resto del Top 3 tampoco ha cambiado demasiado. ‘Breaking Bad’ sigue ocupando el tercer puesto. Sin embargo, han desplazado a ‘The Wire’ del puesto 2 al 4 y en su lugar han colocado a la serie de animación más famosa de la historia, ‘Los Simpson’. En la versión de 2016, la serie de Matt Groening ocupaba el sexto puesto. Sorprende que, pese a la evidente pérdida de calidad, la serie haya escalado cuatro puestos en el ranking, mientras que una serie como ‘Juego de Tronos’, cuyo decepcionante final se emitió en 2019, haya pasado del puesto 12 al 31.
Hablando de series animadas, solo hay otras tres en toda la lista. ‘Rick y Morty’ se cuela por poco en el puesto 96, ‘South Park’ se coloca a mitad de lista en el 63 y la magnífica ‘Bojack Horseman’ se clava en el número 41. Ni rastro de ‘Primal’, la serie creada por Genndy Tartakovsky sobre la amistad de un tiranosaurio y un cavernícola, ‘Invencible’, u otras más ligeras como ‘Hora de aventuras’.
El resto del Top 10 se ha modernizado bastante, pero manteniendo algunas de las elecciones de 2016. En el puesto 5 encontramos a ‘Fleabag’, que ocupa el puesto que pertenecía a ‘Seinfeld’ en la lista original, ahora en el número 6. ‘Mad Men’ se desplaza al número 7 tras ocupar la cuarta posición en 2016 y es seguida por ‘Cheers’ en el 8, ‘Atlanta’ en el 9 y ‘The Mary Tyler Moore Show’ en el décimo puesto. Respecto a 2016, ‘The Twilight Zone’, ‘Saturday Night Live’, ‘Todo en familia’ y ‘The Daily Show’ han abandonado el Top 10.
En los últimos años la televisión ha evolucionado en gran medida y han salido muchas series después de 2016 que ya ocupan altos puestos en la lista. Algunos ejemplos son ‘Succession’, una de las series más laureadas en los Emmy de este año y que ocupa el puesto 11 del ranking, y ‘Watchmen’, la miniserie sobre el cómic del mismo nombre que se lanzó en 2019 y que ya se ha colocado en el número 23. ‘Fleabag’ y ‘Atlanta’, sobre la cual publicamos un artículo recientemente, son las únicas dos series de nueva creación que han conseguido colarse en el Top 10, en los puestos quinto y noveno, respectivamente.
Top 10 de las mejores series de la historia, según Rolling Stone:
1. ‘Los Soprano’ (1999-2007)
2. ‘Los Simpson’ (1989-presente)
3. ‘Breaking Bad’ (2008-2013)
4. ‘The Wire’ (2002-2008)
5. ‘Fleabag’ (2016-2019)
6. ‘Seinfeld’ (1989-1998)
7. ‘Mad Men’ (2007-2015)
8. ‘Cheers’ (1982-1993)
9. ‘Atlanta’ (2016-presente)
10. ‘The Mary Tyler Moore Show’ (1970-1977)
Esta semana Sam Smith lanzó su esperada colaboración con Kim Petras, ‘Unholy’, la cual llevaban adelantando en redes desde hace semanas. ‘Unholy’ ha sido un éxito instantáneo y ya es número 1 mundial en Spotify por tercer día consecutivo. Y no solo eso, sino que también ocupa el primer puesto en las listas de 15 países.
Si bien es cierto que en nuestro país la canción no ha calado demasiado, ocupando el puesto 56 en la lista de Spotify, el primer adelanto del próximo disco de Sam Smith es número 1 en Reino Unido, Estados Unidos, Ucrania, Eslovaquia, Rumanía, Nueva Zelanda, Lituania, Letonia, Irlanda, Hungría, Estonia, República Checa, Canadá, Bulgaria y Australia. En países como Alemania y Polonia, ‘Unholy’ se acerca a la cima, pero no pasa de la segunda posición.
De esta manera, el Top 5 Global de Spotify es ocupado por ‘Me Porto Bonito’ en quinta posición, ‘I’m Good (Blue)’ de David Guetta y Bebe Rexha en la cuarta, ‘As It Was’ en la posición de bronce, Quevedo y Bizarrap en el segundo puesto y ‘Unholy’ coronando. El equipo de producción del nuevo hit mundial de Sam Smith y Kim Petras está formado por ILYA, Blake Slatkin, Cirkut, Omer Fendi y Jimmy Napes, el colaborador de siempre del británico.
Entre las novedades que os presentábamos el pasado viernes en «Ready for the Weekend«, destaca el regreso de Natalia Lafourcade. ‘De todas las flores’ adelanta el nuevo disco homónimo de la cantante, que saldrá el próximo 28 de octubre, es decir, en poco más de un mes.
‘De todas las flores’, hoy nuestra «Canción del Día», es una deliciosa composición acústica, con cierto ritmo de bossa y exquisitos arreglos de piano y guitarra, que recuerda también a la canción melódica de los años 60 y 70. Sobre todo por los coros, que tienen su explicación conceptual. El tema retrata con nostalgia un amor que se estropeó como las flores que dan título a la grabación. «De todas las flores que sembramos, solo quedan unas encendidas», comienza diciendo la letra, antes de empatizar con todo aquel que se haya enamorado un poquito en la capital de nuestro país: «Cuando nos reímos, cuando nos tuvimos / En las calles de Madrid borrachos fuimos sin un rumbo fijo».
El nuevo disco de Natalia Lafourcade retrata una relación frustrada. Así lo ha explicado ella misma hablando del germen del largo, como recoge la web argentina Página 12: «Fue en 2018, después de una ruptura amorosa. Una relación que empezó con pasión y fuegos artificiales y se deterioró hasta convertirse en agonía y autodestrucción. A veces tenemos que experimentar esos momentos para entender que el amor está más conectado a la relación que tenemos con nosotros mismos».
También ha hablado sobre volver a crear al margen de sus conocidas versiones y del coro de mujeres que escuchamos en este tema, según La Higuera: «Un amigo me recordó que hace mucho no escuchaba algo puramente mío. Eso me hizo tomar conciencia de que tal vez me estaba escondiendo de lo inevitable: de encontrarme conmigo misma. Esa toma de conciencia que nació con ‘De todas las flores’ me hizo emprender un viaje súper profundo. Busqué reflejarlo en la letra y en la dirección del coro de mujeres que se escucha; es como la energía de la mujer volcán, la energía de la mujer curandera con el canto que limpia, el canto que alivia. Llegué a ese jardín que se había quedado abandonado y vi nuevas flores nacer».
Así quedará el tracklist del álbum:
1.Vine solita
2.De todas las flores
3.Pasa los días
4.Llévame viento
5.El lugar correcto
6.Pajarito colibrí
7.María la Curandera
8.Caminar bonito
9.Mi manera de querer
10.Muerte
11.Canta la arena
12.Que te vaya bonito
Un año más marineros, soldados, solteros, casados el Festival de San Sebastián ha supuesto el mayor punto de encuentro de la industria audiovisual española, y uno de los mayores puntos de encuentro internacionales. El palmarés se conoció este fin de semana: el jurado compuesto por Matías Mosteirín (sustituyendo a Glenn Close), Antoinette Boulat, Tea Lindeburg, Rosa Montero, Lemohang Jeremiah Mosese y Hlynur Palmason decidió alzar como inesperada ganadora de la Concha de Oro a ‘Los Reyes del Mundo’.
Sonaban ‘Winter Boy’ y ‘La Maternal’ como favoritas, y desde luego no se fueron de vacío: el Premio a la Mejor Interpretación fue un ex-aequo para sus jóvenes protagonistas: Paul Kircher y la niña Carla Quilés. Curiosamente, otra niña fue quien se llevó el Premio a Interpretación de Reparto, Renata Lerman por ‘El Suplente’, mientras que el Premio Especial del Jurado recayó en ‘Runner’, Mejor Guión en ‘A Woman’, Mejor Dirección en ‘A Hundred Flowers’ y el cuestionado premio de Mejor Fotografía fue para Manuel Abramovich por ‘Pornomelancolía’.
JENESAISPOP estuvo presente durante todo el Zinemaldia 2022 y, como es costumbre, os ofrecemos una mini reseña de las películas y series que pudimos ver, y próximamente publicaremos reseñas más detalladas de algunas de ellas cuando se vaya acercando el estreno. Os recordamos que ya están en cines ‘Modelo 77‘ y ‘No te preocupes querida‘.
Las propuestas españolas han tenido un especial protagonismo este año. La mayor expectación estaba alrededor de ‘La Maternal‘: Pilar Palomero había puesto indirectamente el hype por las nubes tras recibir el Goya a la Mejor Película con su ópera prima hace dos años… y este segundo paso no solo ha estado a la altura sino que lo supera. Personalmente ‘Las Niñas‘ no me chifló, pero ‘La Maternal’ sí que me parece una dignísima ganadora a Mejor Película del año, y con toda la emoción que me faltaba en aquella. La debutante Carla Quílez y Ángela Cervantes deberían estar en las nominaciones de interpretación este año (aunque Quílez, por edad, sabemos ya que no), y en realidad todo su reparto, con personas reales casi interpretándose a sí mismas, está maravilloso.
Palomero mima además la historia con una excelente composición de planos y una cuidada banda sonora en la que vuelven a aparecer sus adorados Estopa: quién hubiese dicho que se nos iba a encoger el corazón con ‘Tu Calorro’. Comparte también el punto coming of age, aunque sin mamás adolescentes de por medio, ‘El Agua‘, una de las grandes joyas de esta edición, debut de Elena López Riera con el que fue seleccionada nada más y nada menos que en el Festival de Cannes.
La directora teje una historia que rebosa autenticidad por los cuatro costados, y que acierta al contar en todo momento con los “personajes” de la historia real que se quiere contar: López Riera planteó un casting en su Orihuela natal y de ahí salió la magia natural entre Luna Pamiés y Marcos Olmo (amadrinados por Bárbara Lennie y Nieve de Medina), que con toda probabilidad van a estar en los Goya a Actor/Actriz Revelación.
Precisamente Bárbara Lennie aparece también en ‘El Suplente’ y es la absoluta protagonista de ‘Los Renglones Torcidos de Dios‘, la dificilísima adaptación de Oriol Paulo del libro de Torcuato Luca de Tena. Cuesta pensar qué otra actriz de nuestra país que no sea Bárbara Lennie podría interpretar a Alice Gould y salir indemne. Porque aquí sí ocurre. ¿Y Oriol Paulo sale indemne? Depende. Si vemos la película teniendo en cuenta que el libro solo es material de partida y que los complejos análisis psicológicos de allí se ven aquí sustituidos por un thriller serio-petardo marca de la casa, cuyas dos horas y media se pasan volando entre mil giros de guión por minuto, nos divertiremos mucho.
Otro thriller marca de la casa, pero radicalmente distinto en esa marca, fue ‘As Bestas‘, el regreso de Rodrigo Sorogoyen al cine tras su incursión en la pequeña pantalla con ‘Antidisturbios‘. Luis Zahera, salvo catástrofe, será el próximo ganador del Goya a Actor de Reparto por la bestialidad (no pun intended) que hace aquí, sin ensombrecer por ello a Denis Ménochet (‘Malditos Bastardos’) y Marina Foïs, protagonistas de una historia que por momentos parece una metáfora sobre la situación política de nuestro país tras la irrupción de VOX, y por momentos una historia amarga de amor, devoción y constancia.
Otra historia de amor, en este caso a una misma, es la que trata ‘Mi Vacío y Yo‘, que ya pudimos ver anteriormente en el Festival de Málaga. Se trata del nuevo proyecto de ficción de Adrián Silvestre tras la excelente ‘Sedimentos’, que precisamente se presentó hace justo un año en la anterior edición del Festival de San Sebastián. Silvestre vuelve a acertar jugando con la ficción y la realidad de la vida de su protagonista, una entregadísima Raphaëlle Pérez con la que es imposible no empatizar. Una historia íntima y (a priori) sencilla como es también el caso de ‘La Consagración de la Primavera‘, magnífico regreso de Fernando Franco (‘La Herida’) que seguramente traiga cola al tratar la asistencia sexual, aunque realmente el centro de la historia es el juego de espejos entre dos protagonistas (geniales Valéria Sorolla y Telmo Irureta, acompañados por Emma Suárez) que querrían disfrutar de su sexualidad pero, por razones distintas, no pueden hacerlo.
En cuanto a la sección de Horizontes Latinos, además de la ganadora ‘Tengo Sueños Eléctricos’ de Valentina Maurel, recomendamos especialmente ‘La Jauría‘, un descarnado drama de Andrés Ramírez Repulido que compara la jaula de la masculinidad tóxica con la jaula real a la que se ven condenados unos criminales adolescentes, y ‘Sublime‘ de Mariano Biasín que es todo lo contrario: una tierna historia argentina de amor adolescente que puede ser una mezcla entre ‘Heartstopper’ y ‘Tormenta de Verano’.
Todo esto sin olvidarnos de ‘Historias para no contar‘, la nueva película de Cesc Gay con un repartazo que incluye a Maribel Verdú, Alexandra Jiménez, José Coronado, Antonio de la Torre, Chino Darín, Anna Castillo, Quim Gutiérrez, Álex Brendemuhl, María León o Brays Efe; ‘Bardo‘, el nuevo más-difícil-todavía de Alejandro Iñárritu (dato curioso: cortó 20 minutos desde Venecia hasta Donosti, y parece que va a seguir cortando) o ‘Modelo 77’, el regreso de Alberto Rodríguez del que ya os hemos hablado.
Yéndonos ya al panorama internacional, había muchas ganas de saber qué llevó al jurado de Cannes a conceder el máximo premio a ‘Triangle of Sadness‘ de Ruben Ostlund, y por fin pudimos salir de dudas. Cannes sigue en su línea de premiar películas excesivas, divertidas (entiendo que este adjetivo para ‘Titane‘ pueda ser discutible) y, en definitiva, loquísimas. Precisamente ‘Triangle of Sadness’ puede recordar en ciertos aspectos a ‘Parásitos‘ en el viaje que plantea durante casi tres horas que, especialmente a partir del segundo acto, pasan con mucha facilidad.
Quizás la única capaz de hacerle competencia en cuanto a expectación era ‘Blonde‘, el esperadísimo biopic sobre Marilyn de Andrew Dominik, en nuestro país doblemente esperado al estar Ana de Armas interpretando a la que seguramente sea la mayor estrella de cine de la Historia. ‘Blonde’ no es una película en la que sea fácil entrar, y está llena de “decisiones”, pero, incluso cuando estas decisiones no terminan de funcionar, contribuyen a un viaje que te dejará el cuerpo revuelto unos días cuando pienses en ella. La visceralidad en la magnífica interpretación de Ana y el carácter antipático de la película no son nada Oscar-friendly, pero ojalá haya sorpresas.
Dos grandes directores que elegían la Sección Oficial del Zinemaldia para presentar sus nuevas propuestas fueron Christophe Honoré y Sebastián Lelio, con desigual resultado y suerte. El director de ‘Vivir deprisa, amar despacio’ ha acertado de pleno con ‘Winter Boy (Le Lycéen)‘, quizás su mejor película hasta el momento. Honoré vuelve a contar con Vincent Lacoste y con alguien del estatus de Juliette Binoche para acompañar al debutante Paul Kircher, pero casi se diría que no le hace falta. Porque el chaval se come la pantalla con una interpretación tremendamente complicada, que consigue que un personaje que puede caer muy mal se convierta para nosotros en un “protect at all costs”. En la BSO, además, Robert Palmer y Orchestral Manoeuvres In The Dark, que suenan en una secuencia 100% Dolan. Por otro lado, el director de ‘Una Mujer Fantástica’ o ‘Disobedience’ pincha con ‘The Wonder‘ pese a la entrega de Florence Pugh: tanto ella como la fotografía y la banda sonora de la película están muy por encima de su guión, su ritmo y, en general, el alma que debería tener una historia como ésta.
Menos ambiciosos son otros dos títulos que se han podido ver en el Festival y que coinciden en ser agridulces pero con un regusto final de feel-good movie: ‘Un Beau Matin‘, la nueva de Mia Hansen-Love en la que Léa Seydoux se ayuda de Mevil Poupaud (‘Laurence Anwyays’) a tirar para adelante en una vida donde pocos pueden ayudarla, y ‘Living‘, remake de Kurosawa en el que la extraña pareja formada por Bill Nighy y Aimee Lou Wood (‘Sex Education’) conquistará el corazoncito del más cínico. Oliver Hermanus (director de ‘Moffie’) imprime un aroma de cine clásico y de peli navideña que sienta muy bien a esta historia. Todo esto sin olvidarnos del extrañísimo debut de Ann Oren ‘Piaffe’, el descacharrante cortometraje erótico de Peter Strickland (‘In Fabric’) ‘Black Narcissus: Passion of the Swamp’ que proyectaron justo antes, y ‘Don’t Worry Darling‘, la película de Olivia Wilde de la que ya os hemos hablado.
En cuanto a series, no pudimos ver el estreno de la ambiciosa ‘Apagón’ de Movistar, pero sí el piloto de ‘La Ruta‘, la serie de Atresplayer que aborda el paso de un grupo de amigos (Ricardo Gómes, Álex Monner, Claudia Salas, Elisabet Casanovas y Guillem Barbosa) por la Ruta del Bakalao, y la temporada completa de ‘Fácil‘, la controvertida serie de Anna R. Costa tras ‘Arde Madrid‘ que, con Anna Castillo y Natalia de Molina como principales reclamos, adapta el Premio Nacional de Narrativa ‘Lectura Fácil’ de Cristina Morales, para disgusto de la propia escritora en un beef que poco tiene que envidiar al de ‘No te preocupes querida’. También TCM aprovechó para estrenar su documental ‘El Crítico’, sobre la figura de Carlos Boyero, que por supuesto dejó mil momentazos tanto en el propio docu (quizás demasiado benevolente) como en el pequeño coloquio posterior.
‘Born Pink’ de BLACKPINK no ha logrado ser número 1 en Australia, donde ha quedado en el puesto 2; ni tampoco en Francia o Alemania, donde ha quedado en el puesto 3. En Italia a duras penas ha llegado al top 20.
Sin embargo, sí ha conseguido ser número 1 en dos territorios tan importantes como son el Reino Unido y Estados Unidos. En Estados Unidos es la primera vez que un grupo de k-pop femenino es número 1 del Billboard 200 y la primera vez que un grupo de chicas llega al número 1 desde 2008, cuando lo consiguieron Danity Kane. BLACKPINK lo han logrado con 102.000 copias, de las cuales el 75% son ventas reales del álbum. Es decir, para ellas el streaming no es tan importante.
Algo que certifican los datos de Reino Unido. En este país, BLACKPINK han conseguido dejar ‘Autofiction’ de Suede en el número 2, y ‘Hold The Girl’ de Rina Sawayama en el número 3. BLACKPINK han vendido 21.000 copias en 7 días en UK, por 14.000 de Suede y Rina, estos últimos separados por menos de 100 copias.
De esas 21.000 copias, casi 12.000 han sido CD’s de ‘Born Pink’, 5.000 son cassettes y 3.000 puntos de streaming. Los 800 puntos restantes son de descargas tipo iTunes.
Todo esto, por supuesto, son migajas en comparación a lo conseguido en su Corea del Sur natal. Allí se han certificado 2,1 millones de unidades vendidas de ‘Born Pink’ tan sólo durante estos primeros días.
Post Malone se encuentra de gira por Estados Unidos presentando su disco ‘Twelve Carat Toothache‘, pero los conciertos se han visto al menos momentáneamente interrumpidos. El artista tenía que actuar este sábado 24 de septiembre en Boston, cuando decidió dirigirse a sus seguidores en Twitter para explicar por qué el concierto no era posible.
El artista sufrió una grave caída en St Louis durante el show del pasado 17 de septiembre. El vídeo, por supuesto, está en las redes. Aunque en principio pudo continuar con el tour, pues fue hospitalizado y luego dado de alta con unos analgésicos, su lesión en las costillas ha vuelto a manifestarse. Ha explicado Post Malone: «anoche me encontraba perfectamente, pero hoy la sensación es completamente diferente. Tengo serias dificultades para respirar, y tengo un dolor similar a una puñalada cuando respiro o me muevo. Estamos en el hospital ahora, pero con este dolor, no podré hacer el concierto de esta noche. Puto lo siento».
La gira de Post Malone debería retomarse este martes 27 de septiembre, extendiéndose durante todo el mes de octubre y noviembre por Norteamérica. Y eso incluye dos fechas importantes en el Madison Square Garden de Nueva York, entre muchísimas otras. En enero tenía que ir a Australia y Nueva Zelanda. Veremos qué de todo esto es posible.
‘Twelve Carat Toothache’ está sudando tinta para llegar al millón de copias vendidas a nivel global, cuando otros discos del artista como ‘Stoney‘ (2017), ‘Beerbongs & Bentleys‘ (2018) y ‘Hollywood Bleeding‘ (2019) se mueven entre los 7 y los 9 millones según las estimaciones de Mediatraffic.
Eso sí, ‘I Like You‘ con Doja Cat ha sido muy bien acogida por las radios estadounidenses y esta semana continúa en el top 5 del Billboard Hot 100. El problema es que otras pistas del disco se han quedado estancadas entre los 10 y los 20 millones de reproducciones, algo insólito para sus estándares.
Instantes después de que TMZ informara de que Rihanna estaba en conversaciones con la Liga Nacional de Fútbol Americano para actuar en el intermedio de la Super Bowl de 2023, la cantante ha parecido confirmar que será ella quien actuará. Al menos eso es lo que interpretamos de la imagen que ha compartido en Instagram con una pelota de la NFL.
Rihanna rechazó en el pasado actuar en el intermedio de la Super Bowl, pero en esta ocasión parece la ocasión perfecta para que la cantante exhiba sus grandes éxitos y sobre todo, protagonice su ansiado regreso a la música. Para febrero del año que viene, ya habrán pasado 7 años desde la edición del maravilloso ‘ANTI’.
La intérprete de hits como ‘We Found Love’, ‘Umbrella’ o ‘Work’ -es complicado adivinar por cuáles se decantará para el intermedio entre todos los que tiene- ha declarado recientemente que se tomaría su regreso a la música con calma. Dejaba caer que no sacaría finalmente los 2 discos en que había estado trabajando, uno jamaicano y otro pop: «Veo mi próximo proyecto de manera completamente diferente a como había querido sacarlo antes. Creo que de esta otra manera me pega más, mucho más. Es auténtico. Va a ser divertido para mí y me quitará mucha presión de encima».
Freddie Gibbs puede presumir de tener no uno, ni dos, sino tres clásicos modernos del hip hop en su discografía: ‘Piñata’ (2014), ‘Bandana’ (2019) y ‘Alfredo’ (2020). Los dos primeros están producidos íntegramente por el legendario Madlib y el último de estos, que además le valió a Gibbs una nominación en los Grammys a Mejor álbum de rap, lo produce The Alchemist, uno de los productores más longevos y venerados del género.
El próximo disco de Gibbs saldrá el próximo 30 de septiembre bajo el nombre de ‘$oul $old $eparately’ y el rollout del disco comenzó en 2021 con el lanzamiento del single ‘Gang Signs’ junto a ScHoolboy Q, en el cual ya presentó a su nuevo álter ego, un adorable conejo gangster. Pese a haber lanzado algunos temas entremedias para seguir manteniendo el hype, ha sido a principios de este mes cuando hemos podido escuchar el primer single oficial de ‘$$$’, titulado ‘Too Much’.
Ahora Gangsta Gibbs ha lanzado ‘Dark Hearted’, un tema en el que adopta un estilo melódico de rap, sin dejar de lado la dureza de sus palabras, bajo un etéreo beat confeccionado por James Blake. «Rezo por que el arma nunca se me atasque / Rezo por que el Señor ponga sus manos sobre mí», sentencia Gibbs antes de comenzar a fluir rápidamente y sin parar sobre la elegante y sutil producción de Blake, que hace que la voz y las barras del rapero de Indiana estén en primer plano y que nada las eclipse. Los versos y los estribillos se suceden sin aviso alguno y, de hecho, los dos versos que hay son muy similares, pero Gibbs cambia las palabras justas para dar nuevos significados a las mismas rimas.
En ‘Dark Hearted’ Gibbs rapea sobre temas que ya ha tratado en todos sus proyectos anteriores, pero siempre deja un par de frases refrescantes. Precisamente, uno de los puntos fuertes de Freddie Gibbs, además de su impecable flow y crudeza lírica, es que puede contarte lo mismo de mil formas diferentes. Similar a lo que ocurre con Pusha T. Gibbs habla sobre amigos traidores, sobre la posibilidad de morir a manos de la policía, sobre traficar con drogas y sobre buscarse la vida haciendo lo que haga falta («Dime qué sabe la gente sobre tiempos difíciles / Un estómago vacío te da el valor para cometer un homicidio»).
Desde que anunció la salida de ‘$oul $old $eparately’ Freddie Gibbs no ha parado de repetir que tiene el álbum del año en sus manos. Este reveló en noviembre de 2021 la lista de productores acreditados en el álbum y, junto a los prometedores singles que hemos podido escuchar, cada vez es más plausible la idea de que Freddie Gibbs podría tener realmente en sus manos el disco de rap del año.
Madlib, Alchemist, Boi 1da, Pharrell, Jake One, DJ Paul, Justice League, Working On Dying, Seven Thomas, Tay Keith, Kaytranada, Bizness Boi… I got the best album of the year. #SSS
Viendo el comienzo de ‘Ungrateful’ –Megan Thee Stallion en lencería y tacones revolcándose en la cama de una habitación soleada y calurosa- nada hace pensar que el plan de Megan para ese día no sea otro que “recibir visita”. Pero no. La rapera coge las llaves de la mesilla y atraviesa un pasillo ataviada provocadoramente para asistir a un peculiar funeral nocturno.
El pasillo, largo, hipnótico e iluminado con luces que suben y bajan de intensidad, parece funcionar como recurso onírico, como símbolo del paso de un mundo real a otro mental. Las imágenes del extraño entierro subrayan ese carácter onírico y abren la puerta a todo tipo de interpretaciones sobre su significado: enterramientos metafóricos, renacimientos alegóricos…
De repente se pone a llover (como buen funeral cinematográfico) y Megan se desdobla como en un sueño o como en la imagen de portada de ‘Traumazine’. Ya no es una mujer vestida de negro, sino una dama de blanco con una espectacular pamela digna de las carreras de Ascot.
Bajo la tromba de agua, Megan va en busca de Key Glock, quien le espera en el porche como un adolescente nervioso preparado para ir al baile de fin de curso. Los movimientos de cámara lentos, casi ceremoniosos, agudizan esa sensación de irrealidad, de ensoñación. Una sensación acrecentada por la aparición en una casa de una cruz iluminada que de nuevo deja abierta la puerta para la especulación hermenéutica.
Mura Masa casi deja la música durante la pandemia. Grabó un disco deprimente, lo tiró a la basura y se compró un torno alfarero. El productor británico volvió a entrar en razón cuando escuchó el hit de pop chicle de 2004 ‘Baby Cakes‘ de 3 of a Kind y recordó que la música podía ser divertida sin necesariamente tener que «decir algo profundo sobre la condición humana».
Se agradece que haya artistas cuyo propósito sea hacerlo pasar bien al público sin más, y en estas se encuentra Alex Crossan, hasta el punto que el título de ‘demon time’ hace alusión a la «hora traviesa» de la noche que abarca desde la 1 hasta las 5 de la mañana. Es un disco divertido y simpático, lleno de sonidos coloridos e hiperenfocados, que garantiza un rato de diversión pop.
‘bbaycakes’ es el génesis de ‘demon time’. El tema basa en el estribillo del citado hit y, con la ayuda de Lil Uzi Vert, Shygirl y PinkPantheress, lo recontextualiza en una producción de hyperpop bubblegum adictiva como el azúcar. La canción, llena de efectos especiales, es fantástica, pero no es la única del disco igual de imaginativa. Ahí está el hip-hop hipervitaminado del corte titular, los soniditos de videojuego de ‘slomo’ o ‘2gether’, todo un batiburrillo que mezcla guitarras grunge con voces robóticas y un beat atropelladísimo típico de future bass… pero no tan típico.
Por si no ha quedado claro, ‘demon time’ es básicamente el disco hyperpop de Mura Masa, y funciona mejor cuando se entrega al caos de los cortes mencionados o cuando recuerda a la mejor Azealia Banks en el house latino e ‘hollaback bitch’ con Shygirl y Channel Tres. El disco convence menos cuando rebaja los efectos especiales: el beat disco lo-fi de ‘prada (i like it)’ sería interesante si la canción no sonara a descarte de Calvin Harris, y Clean Bandit son capaces de escribir ‘blush’ con los ojos cerrados aunque seguramente no tendrían la imaginación de citar, en la letra, el ‘Blow Your Mind’ de Dua Lipa. La referencia sale de la boca de LEILAH, una de las varias artistas invitadas en el disco.
Porque sí, ‘demon time’ es otro trabajo de Mura Masa que no sería nada sin sus colaboradores. slowthai vuelve a sonar en su salsa en el electropunk de ‘up all week’, aunque sus colaboraciones previas son mucho mejores; Erika de Casier arriesga poco en ‘e-motions’ aunque el tema es cuco, y el talento tiktokero se hace notar en ‘slomo’ de la mano de Tohji & Midas The Jagaban. Todos ellos contribuyen a la fiesta que ofrece ‘demon time’, que no es histórica, pero tampoco necesita serlo. En ‘demon time’, Mura Masa divierte con un disco deliberadamente intrascendente, pero lleno de producciones coloridas e imaginatiivas.
Se estaba haciendo de rogar Alberto Rodríguez. El director de ‘La isla mínima’ o ‘Grupo 7’ no estrenaba película desde 2016, cuando contó los entresijos de Paesa/Roldán en ‘El hombre de las mil caras’, basada en el libro de Manuel Cerdán. Las dos temporadas de ‘La Peste’ (2018-2019) supusieron un proceso tan agotador para él que prefirió alejarse un tiempo y buscar una historia que le motivase a volver por todo lo alto. Y parece que la ha encontrado, a tenor de lo visto estos días en el Festival de San Sebastián en ‘Modelo 77’, encarnada de inaugurar la 70ª edición del Zinemaldia.
‘Modelo 77’ usa las desventuras de su protagonista para narrar la historia de la Copel (Cooperativa de Presos en Lucha), asociación de presos que en 1977 se organizaron con el objetivo de conseguir desde condiciones mínimamente dignas hasta la amnistía general. Pero, aunque los presos políticos salieron -dentro de lo que cabe- mejor parados, para los comunes no fue así, ni para los condenados por motivos de orientación sexual o identidad de género (uno de los grandes fallos de la película es lo ausente que está esto, y, cuando aparece, cómo se trata). Rodríguez intenta hacer además un paralelismo entre la cárcel y el exterior en cuanto al régimen político, y cómo la democracia se supone que empieza a estar presente dentro y fuera, pero it was a perfect illusion.
Miguel Herrán es el encargado de dar vida al protagonista y símbolo de la historia, un chico honrado al que cargan un delito que no ha cometido, y que en la cárcel sobrevive como puede a los abusos de los guardias mientras hace migas con los personajes de Javier Gutiérrez, Jesús Carroza, Xavi Sáez y -a medias- Fernando Tejero. Si bien le queda mucho que mejorar como actor, Herrán demuestra tener la solvencia necesaria para capitanear la cinta, mientras en el reparto destacan especialmente Gutiérrez y Tejero en dos personajes con mucho riesgo de caer en la parodia, Xavi Sáez aunque el film no le deje brillar del todo y, ojo con la sorpresa, el debutante Polo Camino. Seguramente le veremos en muchos sitios a partir de ahora, porque se come la cámara en los minutos contados en los que sale, defendiendo con maestría el arco de su personaje, aportándole dignidad y aprovechando cada segundo de los que tiene.
Alberto Rodríguez, a quien también hemos visto en el Festival de San Sebastián con el capítulo que ha dirigido para ‘Apagón’, sabe moverse con soltura en el thriller aderezado con drama, como ya nos ha demostrado en numerosas ocasiones. ‘Modelo 77’ no es una excepción y, aunque algo de tijera no le vendría mal, sus dos horas de duración se pasan volando gracias a un ritmo de montaje que nos va llevando a lo largo de la historia para meternos en el cuerpo la esperanza-y-desesperación que sus personajes sienten a medida que pasa el tiempo. A veces lo consigue y a veces no tanto, cayendo más en cierta frialdad común en esta clase de propuestas. En cualquier caso, aunque esté lejos de ser la mejor muestra de cine español que se ha podido ver en San Sebastián este año, la presencia de Herrán y Gutiérrez, el tipo de cinta y el buen hacer de Rodríguez seguramente haga de ‘Modelo 77’ un taquillazo de los que a nuestra maltrecha industria le vienen tan bien.
Pharaoh Sanders, legendario saxofonista de jazz, ha fallecido a los 81 años en Los Ángeles, pero no se conoce una causa específica. Sanders era venerado dentro del mundo del jazz por la espiritualidad de su trabajo y por incorporar elementos de la música india y africana en sus proyectos. En los años 60 colaboró extensamente con John Coltrane y lanzó su último disco el año pasado junto a Floating Points bajo el nombre de ‘Promises’, uno de nuestros Discos del Año en 2021.
Sanders nació en Little Rock, Arkansas, en 1940 y empezó a involucrarse en el jazz en California, a partir de 1959. Sanders comenzó tocando el clarinete en la orquesta de su colegio y solía parar por los clubs de blues de su ciudad. Ya en California integró varios grupos de rhythm and blues y de esta manera conoció a su ídolo, John Coltrane, que tocó en su ciudad con el quinteto de Miles Davis. En ese momento, Sanders se propuso ir a Nueva York, donde sobrevivió como pudo hasta que conoció al pianista, compositor y poeta Sun Ra.
Años más tarde adoptó el nombre de Pharoah (nació como Farrell Sanders) y se unió a la banda de Coltrane junto a Sun Ra hasta la prematura muerte de Coltrane en 1967, momento en el que se centró en su mística carrera en solitario. Una de sus piezas más conocidas fue ‘The Creator Has A Master Plan’, lanzada en 1969 e incluida en el álbum ‘Karma’.
Sanders se inspiró en las tradiciones indias y africanas para llevar su música a un nivel espiritual y contribuyó a ampliar las fronteras del free jazz. Durante la década de los 70 se consagró como uno de los maestros del jazz espiritual, una corriente centrada en predicar la paz y la felicidad y disminuir las tensiones políticas y raciales de la sociedad del momento.
«Estamos devastados de compartir que Pharoah Sanders ha fallecido. Murió pacíficamente rodeado de sus seres queridos y amigos esta mañana en Los Ángeles. Por siempre y para siempre el más bello ser humano, que descanse en paz», escribía su discográfica Luaka Bop en Twitter para anunciar su fallecimiento.
Después de que esta semana hayan estado circulando rumores de la posibilidad de una actuación de Taylor Swift en el descanso de la Super Bowl del año que viene, fuentes cercanas a la artista han confirmado a People y a TMZ que no ocurrirá. Según TMZ, a Swift le ofrecieron encabezar la Super Bowl, pero lo rechazó porque primero quiere acabar de regrabar sus primeros seis discos.
Las especulaciones comenzaron a partir de un informe publicado por Variety en el que fuentes cercanas a la artista confirmaban su actuación en el evento deportivo del año. El lanzamiento próximo de su nuevo álbum ‘Midnights’ y la asociación entre Apple Music y la NFL fueron tomados como posibles evidencias. Además, debido al hecho de que Pepsi ya no es patrocinador de la Super Bowl y que Swift tiene una colaboración con Coca-Cola, la conexión estaba clara. Sin embargo, parece que tendremos que esperar a que Taylor regrabe los cuatro discos que le faltan.
Taylor Swift lanzará ‘Midnights’ el 21 de octubre, del cual ya se han confirmado dos nombres de la tracklist a través de la serie de vídeos de TikTok de la artista, ‘Mastermind’ y ‘Vigilante Shit’. Aparte de la portada del disco, también se conoce que Jack Antonoff estará involucrado una vez más en el apartado de producción.
La familia de Louise Fletcher, conocida por interpretar el papel de la enfermera Ratched en ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, ha revelado que la actriz ha fallecido hoy a los 88 años debido a causas naturales mientras dormía en su casa de Montdurausse, en Francia, acompañada de sus seres queridos. En sus últimos años interpretó a la madre del personaje de William H. Macy en ‘Shameless’, obtuvo papeles secundarios para la serie ‘Girlboss’ y para la película ‘Un marido perfecto’, la cuál sería su última aparición en el cine.
Nacida en 1934 en Alabama, Fletcher comenzó su carrera en televisión con series como ‘Maverick’ o ‘Perry Mason’, con considerables dificultades para encontrar trabajo debido a su altura de 1,78 metros. Sus pasos en el cine empezaron a partir de un pequeño papel en la película de 1974 ‘Ladrones como nosotros’. Solamente un año después, Milos Forman la fichó para ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, en la que compartiría pantalla con Jack Nicholson. El film arrasó en los Óscar, obteniendo una estatuilla en todas las categorías principales. Entre ellas, el Óscar a la Mejor actriz para Fletcher. El personaje de Ratched pasó a la historia del cine como una de las villanas más icónicas.
En el resto de su carrera no llegó a repetir el apabullante éxito de la cinta de Milos Forman, pero tampoco le faltaron grandes títulos. Trabajó en la segunda entrega de ‘El exorcista’, en la película ‘Ojos de fuego’ junto a Drew Barrymore, en ‘Invasores de Marte’ de Tobe Hopper y en 1987 volvió a destacar con otro personaje diabólico en ‘Flores en el ático’. En los 90 apareció en ‘Acero azul’ de Kathryn Bigelow y se interpretó a sí misma en ‘El juego de Hollywood’. Su último personaje memorable fue el de la líder alienígena Kai Winn en la serie de televisión ‘Star Trek: Espacio Profundo 9’.
La carrera cinematográfica de Harry Styles (más allá de sus pequeñas apariciones en ‘Dunkerque’ y ‘Eternals’) no parece haber empezado con buen pie. Sus declaraciones sobre el sexo entre hombres en ‘My Policeman’ no han sido recibidas entre vítores precisamente, y lo de ‘No te preocupes querida’ ha sido directamente surrealista. El despido de Shia Labeouf se ha quedado en anécdota cuando lo comparamos con el tremendo mal rollo existente entre su directora Olivia Wilde y su protagonista Florence Pugh, al parecer fruto de que la actriz se sintió abandonada por Wilde mientras ella le dedicaba mucho más tiempo a Styles porque, redoble de tambores, ¡empezaron a salir durante el rodaje de la peli!
Los desplantes de Florence en presentaciones de la película y el loquísimo episodio del escupitajo de Harry Styles a Chris Pine han sido ya la guinda del pastel para una película que ha aparecido muchísimo en prensa, pero prácticamente nunca por la película en sí. ¿Le ha perjudicado? Por supuesto. Pero también es cierto que la sensación de circo ha contribuido a bajar el hype a temperaturas siberianas, con lo que en cierta manera le “ayuda” a la hora de que un espectador se enfrente a ella. Porque no, ésta no es la parábola inteligentísima y novedosa que Olivia Wilde cree que es. Tampoco es justo reducirla al trío de Olivia, Florence y Harry y todo ese beef: hay más chicha de la que podría parecer.
‘No te preocupes querida’ gana enteros cuando más se entrega al petardeo, y por ello una de las mejores secuencias (y no solo por el fanservice que habrá provocado desmayos en chicas y chicos de todo el mundo) es la comida de coño de Harry Styles a Florence Pugh, rompiendo un poco con la imagen que tenemos de Styles. Cuanto menos se toma en serio la peli a sí misma, y cuanto menos se toma en serio Styles a sí mismo, es cuando más brillan ambos. El cantante de ‘Watermelon Sugar’ está bastante mejor de lo que podíamos pensar, y Olivia Wilde se defiende bastante bien con la arriesgada decisión de, además de dirigir, interpretar el que seguramente sea el papel con más peso después de la pareja protagonista.
Pero aquí la mayor estrella (lo siento, Harry) y la que saca hacia adelante todo esto es Florence Pugh, a quien, como de costumbre en esta promo, no vimos en el Festival de San Sebastián (donde pudimos ver la película en la sección Perlak). Florence se pone en la piel de un ama de casa de los años cincuenta de la que inmediatamente sabemos que su vida no es tan perfecta – la cosa es esperar a que ella se de cuenta, y averiguar qué es lo que ocurre exactamente. Es una pena que el misterio no funcione muy allá, pese a la fantasía de la resolución, porque avanza a trompicones entre momentos reiterativos, recursos oníricos y lentas investigaciones que hacen que el interés baje bastante durante el segundo acto, y parte del primero. También es complicado no hacerse una idea de lo que está pasando cuando tenemos tantas películas con ideas parecidas (no diré títulos para evitar spoilers).
Sí que ayudan al misterio las inquietantes partituras compuestas por John Powell para la banda sonora, y algún que otro momento en que la película da timidos pasos hacia el terror. Ojalá terminase de adentrarse en él, o de abrazar el petardeo como hace al final, y no se empeñase tanto en ser ese drama de ciencia ficción con toque social donde navega bastante peor. Puede que el enrarecido ambiente de rodaje haya contribuido a este resultado en tierra de nadie en el que no nos encontramos ante una mala película, pero sí ante una que podría ser mucho mejor y cree que lo es. En ese sentido, ‘Booksmart’, el debut en la dirección de Olivia Wilde, es un ejemplo de cómo la estadounidense sí puede hacer bien las cosas cuando no se va por los cerros de Úbeda. Veremos si hay más suerte en su tercer paso por la dirección.
Björk es el nuevo top 1 en JNSP con ‘Atopos’. Se trata del 6º número 1 para la cantante en nuestra lista tras ‘Moon’, ‘Stonemilker’, ‘Lionsong’, ‘Black Lake’ y ‘The Gate’. Ninguno de estos temas de ‘Biophilia’ (2011), ‘Vulnicura’ (2015) y ‘Utopia’ (2017) permanece entre lo más escuchado de Björk. Esperemos que ‘Atopos’ corra mejor suerte a la larga.
Las entradas más fuertes de la semana, directas al top 10, corresponden a Weyes Blood y Alizzz, pero también hay que destacar la llegada de nuevos valores como Amor Butano, Fred again.. o Jockstrap. La lista de novedades se completa con WILLOW.
Definitivamente los nombres de grupo se han acabado, pero no la imaginación en el mundo del pop. Jockstrap es ejemplo de ello. El dúo de Londres, formado por la cantante y violinista Georgia Ellery (también integrante de Black Country, New Road) y el productor Taylor Skye, lleva todo lo lejos posible su discurso de “todo vale”. Sus trabajos ofrecen una escucha hiperactiva donde de la banda sonora Disney pasa a la bossa, y la bossa al dubstep, y este a la Motown, y este al tecno, y este a mil cosas más, y así sucesivamente, sin que nadie pueda esperar qué será lo siguiente.
Sí existe un hilo conductor en la música de Jockstrap, y ese es la ruptura de la expectativa. Sus canciones pueden sonar familiares y clásicas, sobre todo cuando incorporan arreglos orquestales, pero en ellas siempre ocurre algo que perturba esa familiaridad. En ‘I Love You Jennifer B’, su debut oficial, la sensación de sorpresa, de que se está ante una obra impredecible, es constante.
Ahí está la inicial ‘Neon’, que empieza como una canción acústica de Scoutt Niblett y termina engullida por una brutal maraña de beats y distorsión electrónicos. O la canción-viaje ‘Concrete Over Water’, que pasa de la cancioncilla de Audrey Hepburn (a la que no cuesta nada imaginar cantando su romántica letra) al terror circense, y de ahí de vuelta a lo de antes. Pero la sorpresa también se encuentra en los detalles, en un órgano que suena ebrio y mal tocado, en una producción lo-fi que no debería ser tal, en una voz “pitcheada” y acelerada sin sentido aparente, en unas percusiones que se enrarecen porque les da la gana. La música de Jockstrap va por libre, ofrece la otra cara de la moneda, o la parte negativa de la foto. Sabes que está mal, pero lo gozas porque es diferente.
El lenguaje sonoro de Jockstrap implica una intención disruptiva. Así, la cacelorada de ‘Greatest Hits’, un festín de influencias que van del hip-hop de los 80 al bloghouse pasando por ‘Borderline’ de Madonna, suena producida como si proviniera literalmente de un “boombox” de la época. El sonido es sucio pero, a su vez, tremendamente exquisito. Se puede decir lo mismo del banghra lo-fi de ‘Jennifer B’, que invita a hacer “striptease”… más o menos; y desde luego la secuencia no puede contener más sorpresas, cuando de la virtuosa balada a lo Skeeter Davis de ‘What’s It All About’ , dedicada a una amistad, pasa al lamento al arpa de ‘Angst’, y de este al pepinazo Bollywood de ‘Debra’, y de ahí al folk pastoral de ‘Lancaster Court’, y de ahí al remix extendido de ’50/50′, la producción más tecno de Jockstrap.
Cuando el dúo londinense afirma que ‘I Love You Jennifer B’ es una recopilación de canciones más que un álbum per se, es imposible no asentir. De hecho, muchas de sus pistas están ordenadas cronológicamente según su fecha de composición, y ‘Glasgow’, el hit más accesible del disco por su sonido chamber pop a lo Belle and Sebastian, guiado por unos guitarrazos maravillosos, aparece hacia el final de la secuencia cuando debería estar al principio. Pero incluso una secuencia absurda puede tener sentido en el universo de Jockstrap. ¿Cómo unificar tal batiburrillo de estilos e influencias? No estoy seguro que Jockstrap lo haya conseguido, pero que el disco contiene un considerable grado de talento e imaginación… de eso no cabe ninguna duda.
Después de publicar uno de los mejores discos de 2022 y promocionarlo con algunas de sus canciones más vistosas, Fontaines D.C. se detienen en la anécdota. O lo que parecía la misma. Si ‘I Love You’ o ‘Jackie Down the Line’ van a formar parte probablemente durante décadas de su repertorio, esta semana han publicado un vídeo para ‘The Couple Across the Way’. Es la «Canción del Día» que nos acompañará hoy.
Pese al carácter sociopolítico de ‘Skinty Fia‘, ‘The Couple Across the Way’ era un tema en el que Grian Chatten se detenía en una relación de pareja. Al escuchar a unos vecinos mayores discutir en North London, se preguntaba qué sería de él y de su chica con el paso de los años, de las décadas. De ese pensamiento tan íntimo surgía un tema mucho más íntimo y menos post-punk que el resto del disco.
El mismo Grian Chatten tocaba el acordeón en esta canción que habla de una discusión («siento lo de esta mañana, por el daño pagaré»), que celebra que las cosas importen tanto como para todavía «levantar la voz» y que termina efectivamente con un párrafo que mira a los vecinos. Grian lo comparaba con Hitchcock, refiriéndose a ‘La ventana indiscreta’.
Para su videoclip, se ha recurrido a la literalidad en este caso. Vemos a Grian tocar el acordeón, apoyado en una ventana cual Audrey Hepburn en ‘Desayuno con diamantes’. Y vemos también a los vecinos de los que nos hablaba la letra. El tema promociona una gira que tendrá lugar durante los meses de noviembre y diciembre recorriendo todo el Reino Unido de punta a punta y después su Irlanda natal.
Seems like he’s okay, and back performing. 
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