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Drag Race España: las reinas y Los Javis salvan un primer programa algo amedrentado

Cuando algunos aún nos estamos recuperando del nivel de D-R-A-M-A televisivo visto en la segunda edición de Rupaul’s Drag Race UK se ha estrenado en Atresmedia Player la esperadísima primera edición española de la franquicia drag. El programa ha respetado el formato original al dedillo pero lo mejor siempre iba a ser la españolización que se fuera a hacer de todo lo visto en RuPaul’s: no estoy seguro de que la traducción escatológica de «don’t fuck it up» sea demasiado agradable de oír, aunque probablemente no podía haber sido otra; pero escuchar a la presentadora Supremme Deluxe espetar las coletillas de «shantay, te quedas» o «sashay, te vas» tiene cierta gracia. ¿Cuánto tardaré en incorporar estas frases a mi vocabulario? Probablemente ya lo haya hecho. Te invitamos a comentar el programa en nuestros foros.

Desde ya el programa de televisión donde más veces vas a escuchar la palabra «maricón» por cualquier cosa (¿dónde si no?), la sensación que está dejando Drag Race España horas después de su estreno es que el primer programa ha sido mejor de lo previsto. Admito que esperar la edición más cutre de la historia tenía su morbo, igual que Enrique Aparicio de Monterrosa nos contaba hace unos años que admira las galas de cine españolas porque suelen presumir de «ese glamour tan español que está todo el rato a punto de desmoronarse, dejando entrever o intuir la costuras»; pero Rupaul’s Drag Race no iba a lanzar edición española sin mantener el nivel de las últimas temporadas y, en ese sentido, ha aprobado el examen por varios motivos.

Sin acercarse a tener la gracia ni a la presencia de RuPaul, lo cual ya es difícil si no mides 2 metros y te rodeas de los mejores estilistas, Supremme Deluxe es una presentadora carismática e inteligente y ha conducido bien el programa, aunque le ha faltado cierta cercanía con los concursantes, pues en algunos momentos era ella quien parecía cohibida por hablar con ellos y no al revés. Por otro lado, el elenco de drag queens es estupendo hasta el punto de que ya nos podemos quejar de injusticia después de que The Macarena haya sido la primera eliminada: la más divertida de la edición ya está fuera. Claro que tampoco se lo merecía Dovima Nurmi, la reina «darks» de esta edición.

También es un elenco ultra variado: entre Killer Queen, Pupi Poisson, Arantxa Castilla La Mantxa, Hugáceo Crustáceo Crujiente, Carmen Farala, Sagittaria, Drag Vulcano, Inti, Dovima Nurmi y la expulsada The Macarena es posible encontrar todo lo que una persona necesita ver en RuPaul, y no me refiero a «charisma, uniqueness, nerve and talent», que también, sino a personajes bien definidos, cada uno con su propia personalidad y estilo drag, algunos más preparados para hacer tele que otros (la descripción de Inti de la razón de su estilo indígena-futurista, el que sería «si no nos hubieran matado», ya es icónica; el «shade» de Carmen Farala a Pupi Poisson nada más entrar); pero todos listos para competir con las temporadas previas de RuPaul’s sin tener necesariamente nada que envidiarlas.

Menos convincente ha sido el jurado… y no hablo de Los Javis. Por mucho que se diga que están «hasta en la sopa» se me ocurren pocas personas más aptas o que merezcan más asumir este papel que los creadores de ‘La Veneno’. Ambrossi podría haberse soltado más pero hizo buenas críticas y Calvo estuvo 100% en su salsa, apropiándose de chascarrillos del tipo «no es por nada pero vas en pelotas» dirigidos a una drag queen que iba parcamente vestida con un traje de burbujas de color negro. Sin embargo, desde luego no se ha buscado que Ana Locking sea la Michelle Visage española: la diseñadora sabe de lo que habla pero no es televisiva de primeras y tampoco sé de dónde ha sacado que Dovima Nurmi no está siendo ella misma cuando su estilo de drag es uno de los más peculiares; y Jon Kortajarena, el primer invitado, las ha pasado canutas para decir algo interesante hasta que ha acertado con su crítica al outfit de la primera expulsada.

Como es obvio, no será justo juzgar Drag Race España en su totalidad hasta que se hayan emitido todos los episodios. Entonces será posible decidir si la elección de presentadora y jurado es la correcta y si las concursantes están a la altura de lo que se espera de ellas. Los primeros programas suelen ser difíciles por lo que tienen de nuevo para todos los involucrados y la edición española de «RuPaul’s» será divertida de verdad cuando los veamos a todos florecer dentro de sus respectivos papeles. Estamos hablando de un reality, no de una serie de ficción, pero siempre hay algo de ficción cuando se trata de un programa de televisión guionizado y cuanto menos se le vean las «costuras» a esta ficción, mejor.

Disco de la Semana: Wolf Alice siguen clavando cualquier género en ‘Blue Weekend’

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Wolf Alice lanzan este viernes su tercer disco, un ‘Blue Weekend’ muy esperado pues es el primer trabajo que publica la banda británica desde que ganara el preciado Mercury Prize por su segundo disco ‘Visions of a Life’ a finales de 2018. ‘Blue Weekend’ iba a salir en realidad el 11 de junio, pero se ha decidido adelantar una semana con la consecuencia de que será el «Disco de la Semana» en estas páginas.

El álbum ha venido presentado por tres singles muy distintos entre sí: si ‘The Last Man on Earth’ apunta a la balada de los 70 por la vía psicodélica de Tame Impala, ‘Smile’ es básicamente el hitazo de Garbage que llevas años esperando -con perdón a este grupo que tan bien está sabiendo madurar– y ‘No Hard Feelings’ el más delicado e intimista.

Todos buenos singles que se crecen en el contexto de un álbum que incluye cortes estelares como el himno ‘Delicious Things’, que suena a un híbrido de Fleetwood Mac y Beach House; el homenaje 80s de ‘How Can I Make It OK?’ y no por la vía del synth-pop sino por la de lo «cheesy»; o la atemporal y folki ‘Safe From ‘Heartbreak (if you never fall in love)’.


‘Smile’, hoy la Canción Del Día, reúne elementos del rock electrónico de los mencionados Garbage con la potencia guitarrera de unos Skunk Anansie o del grunge que tan popular fue a mediados de los años 90, mientras el melódico puente «sun and the shine» suena inspirado en el shoegaze y parece sacado del repertorio de Cocteau Twins. Wolf Alice es uno de esos grupos que saben asimilar sus influencias y presentarlas frescas a una nueva audiencia y ‘Smile’ es una estupenda muestra de su talento.

De título algo irónico, la canción habla sobre la vulnerabilidad como signo de fortaleza y no de debilidad, una lección que nuestra generación está aprendiendo ahora gracias a las conversaciones sobre salud mental que están ya sobre la mesa. En ‘Smile’, Ellie Roswell afirma sentirse orgullosa de ser «sensible», palabra que considera «el adjetivo perfecto» y dice que prefiere eso a atiborrarse de pastillas. El estribillo no puede ser más claro: «no me llames histérica, la diferencia es que estoy enfadada, y tu elección de decirme que soy mona me ha ofendido, yo tengo poder, hay gente que depende de mí, ¿creías que soy una marioneta? Sacúdeme y esta abeja te va a picar».

Termina ‘Mare of Easttown’, el thriller que nos hace amar las series semanales

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¿Completa o semanal? ¿Atracón o paladeo escalonado? ¿Netflix o HBO? Es el eterno debate sobre la emisión de las series. ¿Cuál es mejor? Haciendo un símil, la primera sería la opción “neoliberal”: haz con la serie lo que te dé la gana, vela entera en un día o por partes en un año, compulsivamente o relajadamente. Eso sí, de forma individual, ya que, hasta que no la acabes, no vas a poder participar en el debate público si no quieres comerte spoilers. Pero date prisa, porque la semana que viene ya habrá empezado otra.

La segunda, sería la opción “socialdemócrata”: haz con la serie lo que yo te diga porque creo que es lo mejor para ti. Su emisión está planificada para que la consumas de la forma “correcta”, construyas una relación emocional con ella, y te permita participar en la conversación pública en igualdad de condiciones. Y si no estás de acuerdo, te esperas un par de meses y la ves como quieras.

Quizá la disyuntiva no sea “completa o semanal”, sino qué tipo de contenido se adapta mejor a una modalidad u otra. No es lo mismo una serie ligera como ‘El vecino’ que una compleja como ‘Mindhunter’, por poner dos ejemplos de Netflix. ¿No le hubiera ido mejor a la serie de David Fincher si se hubiera emitido semanalmente? Y al contrario, ‘Chernobyl’ era perfecta para verla de forma dosificada. Pero, ¿tiene sentido esperar una semana para ver un capítulo de media hora de ‘Silicon Valley’?

La emisión de ‘Mare of Easttown’ ha sido semanal (termina el lunes 31). Y ha sido un acierto. Su tono sombrío, su atmósfera opresiva, su densidad dramática, la variedad de tramas y personajes, y su extraordinaria gestión de la intriga, hace que sea una historia perfecta para degustar poco a poco. Y para comentarla luego durante la semana. No es extraño que se haya convertido en una de las series del momento, sobre todo en Estados Unidos, donde HBO sí revela los datos de audiencia.

Escrita por Brad Ingelsby, autor de thrillers como ‘La ley del más fuerte’, ‘Una noche para sobrevivir’ o el reciente drama deportivo ‘The Way Back’, y dirigidos todos los episodios por el eficaz Craig Zobel (‘Compliance’, ‘La caza’), ‘Mare of Easttown’ destaca por el protagonismo de una espléndida Kate Winslet (¿el Emmy ya tiene dueña?), quien además se estrena como productora. Todo el drama –que es mucho- y toda la intriga, se articula a través de su personaje.

Winslet interpreta a una detective de un pequeño pueblo de Pensilvania, del “cinturón del óxido”, tan degradado como poderoso visualmente. Su personaje es algo así como la versión femenina del típico policía maduro, divorciado, desmañado y bebedor que hemos visto en muchos thrillers criminales. Una “vieja gloria” local llena de traumas, madre (y abuela) divorciada, que suple sus carencias emocionales y su cansancio existencial con el trabajo policial.

Easttown es el clásico pueblo pequeño donde todos se conocen y nunca pasa nada (hasta que pasa). Y Mare es un personaje que ya hemos visto otras veces. Sin ir más lejos, en series recientes como ‘Happy Valley’, ‘The Killing’ e incluso ‘Heridas abiertas’, de la propia HBO, cambiando la profesión de policía por la de periodista. ¿Qué hace que la serie funcione tan bien a pesar de su falta de originalidad?

La combinación de dos elementos: el drama de la Mare madre, abuela, ex esposa e hija (la tierna y divertida relación con su madre, interpretada por Jean Smart, es otro de los aciertos de la serie); y el suspense de la labor policial de la Mare investigadora. ‘Mare of Easttown’ es igual de interesante cuando vemos a Winslet charlando con su familia en la cocina o ahogando penas en la barra de un bar, que cuando la vemos interrogando a un sospechoso o persiguiendo a un criminal. Esa es la clave de la serie: que no importa tanto quién es el asesino, como quién es Mare Sheehan.

easy life / life’s a beach

No es verano en el calendario, sí en nuestros corazones, easy life lo saben y esta semana debutan con un disco veraniego llamado ‘life’s a beach’ en el que el agua no deja de aparecer en diferentes formas: playas, océanos y botes salvavidas sirven al grupo autor de un hit llamado ‘sangria’ con Arlo Parks como metáfora de sus emociones. ‘life’s a beach’ no es tampoco un disco de barbacoas y chiringuitos; hay un poso melancólico en las melodías y las letras tratan temas como la depresión y el desamor. En verdad, es uno de esos álbumes llamados a ser el «disco del verano» del sector alternativo que anteriormente ha tenido como discos de cabecera para esta estación lanzamientos de Hot Chip, Pet Shop Boys o Lo-fi-fnk.

A easy life, eso sí, les interesa mucho el rap, el R&B y el funky curtidos al otro lado del Atlántico. En ‘lifeboat’ de hecho querían referenciar abiertamente «las canciones «cheesy» de Outkast, en busca de la aprobación de André 3000″. Esta afirmación da buena cuenta también de su sentido del humor, y de lo divertido que puede llegar a ser el álbum, y ahí es donde hay que hablar del líder de la banda de Leicester, Murray Matravers. Su timbre es muy Alexis Taylor, su narrativa es más bien de la escuela de Mike Skinner y Lily Allen, y tan pronto te toca un saxo como se queda el principal gancho de la canción por encima de teclados y estribillos. En el mejor tema del álbum, ‘skeletons’, es adorable su pronunciación de frases tan tontas como «just rumours from losers» o «fasten your seatbelts, call the police». Esa cosa llamada carisma.

Es esta una canción bailable, sin que el pop electrónico ni llenar las pistas sean el objetivo principal de una banda en la que la sección de vientos parece fundamental -que no indispensable-. Cuando samplean el tema ‘Loved the Ocean’ de Emilia Ali en la preciosa ‘ocean view’, con las voces totalmente pitcheadas, son las virguerías vocales de Kanye West y Frank Ocean las que vienen a la cabeza. ‘daydreams’ samplea también un tema llamado casi igual de Aretha Franklin, siendo una de esas piezas bonitas entre el rap y el soul clásico que tanto se llevaban a principios de siglo. Podría haber sido una producción de Avalanches. El soul, de hecho, insufla vida a producciones tan constructivas como ‘a message to myself’ o la romántica ‘have a great day’.

En otros momentos falta algo de gas, como en esa segunda mitad inaugurada con ‘living strange’ y en la que sobre todo despiertas con el Autotune de ‘lifeboat’, las trompetillas del single ‘nightmares’ y finalmente ‘music to walk home to’. El álbum se cierra con esta improvisación en la que Murray narra todo lo que ve al volver a casa después de «una noche increíble». Jura que la escribió «muy, muy borracho con Fraser T. Smith, mientras escuchaba a Fela Kuti», y nos lo creemos, pues está más cerca de la broma interna que de la universalidad de un ‘Blinded by the Lights’. Aun así, por alguna razón funciona, bien sea el flow de Murray, la guitarra funky o las ganas de que se nos vayan los pies con una tontería como esta en un festival de pie. En algún lugar intermedio entre Mac De Marco y el indie hip hop, easy life parecen estar en el lugar adecuado en el momento adecuado.

Adiós a B.J. Thomas, intérprete de «Raindrops» y ‘Hooked on a Feeling’

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B.J. Thomas ha muerto a los 78 años como consecuencia de un cáncer de pulmón. El artista será recordado para siempre por haber sido el intérprete de ‘Raindrops Keep Falling On My Head’, la gran obra maestra de Burt Bacharach y una de las composiciones favoritas de la historia de nuestra redacción, desde siempre.

El tema logró hacerse con el Oscar a Mejor Canción tras haber sido editada a finales de los años 60, siendo número 1 durante un mes en el Billboard Hot 100 a principios de 1970. Su éxito también llegó a España y pudo alcanzar el puesto 17 de nuestra lista de singles en febrero de aquel año.

B.J. Thomas llegó a tener otros éxitos como ‘I’m So Lonesome I Could Cry’, ‘(Hey Won’t You Play) Another Somebody Done Somebody Wrong Song’ y la primera versión que se hizo de la célebre ‘Hooked on a Feeling’ en 1969, llevándose varios premios Grammy entre los años 1977 y 1981. Durante los 80 también continuó conquistando las listas country estadounidenses, incluso publicando música durante el siglo XXI, ya con menor repercusión.

Idoipe se entrega a la pista de baile, cargado de bandurrias

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En su intento de reivindicar el folclore patrio y tras fichajes como los de Vicente Navarro y Karmento, el sello El Tragaluz acaba de publicar el disco de debut del DJ y productor Javier Idoipe, conocido como Idoipe, a secas. Foto: Daniel Aguado.

El álbum ‘Cierzo lento’ viene presentado por el single ‘El jilguerillo’, reinterpreta una jota en ‘Las espigas de oro’, incluye una dulzaina de su pueblo Estercuel en ‘La encamisada’ y una canción cantada en aragonés de manera íntegra, ‘O sol espunta’. Pero es ‘Solombra’ la que hoy escogemos como «Canción del Día».

El folclore permanece en este tema a través de percusiones e instrumentación orgánica, está en los detalles, principalmente a través de la reivindicación de la bandurria local; pero es una de las canciones del álbum que se levanta para llamar también a la pista de baile, gracias a ese bombo que aparece enseguida, tras un sintetizador que conectamos instantáneamente con el dream pop.

No es esta en cambio una producción que pertenezca a este género, pero sí comparte con él la melancolía en su melodía principal.

Idoipe puede terminar muy agotado de comparaciones con nombres que han sonado tanto en la escena española en los últimos tiempos, como Baiuca o Rodrigo Cuevas, pero en esta composición apunta más bien a la épica de Jean-Michel Jarre, las inquietudes de The Field (que también se ha inspirado muchas veces en lo orgánico) o proyectos nacionales tan dispares como Henry Saiz o The Suicide of Western Culture.

Lo mejor del mes:

«No tiene coño»: ¿de verdad ‘Rocío: contar la verdad para seguir viva’ es un cambio de paradigma?

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La hayas visto o no, está claro que la docuserie ‘Rocío: contar la verdad para seguir viva’ no necesita mucha presentación. Fue noticia ya desde antes de emitirse: Rocío Carrasco, la hija de la histórica cantante Rocío Jurado, rompía su silencio de décadas respecto a la relación con sus hijos y su exmarido.

Pero lo que en principio iba a ser otro contenido tipo ‘Cantora: La Herencia Envenenada’ para rellenar horas de la parrilla de Telecinco usando a una de las sagas familiares más conocidas de nuestro país, pronto pasó a ser algo más allá de la crónica rosa. Tan pronto como se emitió el primer episodio y Rocío Carrasco desveló que dos años atrás había intentado suicidarse, comenzando a detallar los motivos que la llevaron al límite, y denunciando todo un calvario de maltrato físico y especialmente psicológico por parte de Antonio David Flores. A lo largo de 12 episodios ha contado cómo el ex colaborador de ‘Sálvame’ habría además manipulado a sus hijos para romper cualquier vínculo maternofilial, llegando incluso a esa brutal paliza de hija a madre, que acabó con la hija condenada por maltrato continuado.

Digo que pasó a ser algo más allá de la crónica rosa no solo por la naturaleza del asunto o porque se colase en las conversaciones del día a día, sino por las reacciones que ha tenido en distintos sectores. Desde Mercedes Milá asegurando que “la daría entera en las facultades de Periodismo” a los tuits de Irene Montero y Rocío Monasterio sobre el asunto desde el primer día (la primera llegó a entrar en directo en ‘Sálvame’), pasando por el nada desdeñable aumento del 42% en las llamadas al 016, o ese surrealista momento de Pedro Sánchez pidiendo a María Teresa Campos el número de Rocío Carrasco. Desde luego, esto no ha sido solo una trama de ‘Supervivientes’.

A raíz de lo que comentamos, hay quienes han dado las gracias a la productora y a la propia cadena por la labor social realizada con esta docuserie, insistiendo que estábamos viviendo un momento histórico, solo comparable con el caso de Ana Orantes, y defendiendo que el programa ha sido un ejemplo de “ética en televisión”. Sin embargo, aspectos como la división de la docuserie en cada vez más semanas (algo criticado por el propio Jorge Javier) o el esperpento que fue aquella visita de Rocío a plató dan la sensación de que se ha querido exprimir al máximo, y que se ha querido convertir en memes y en un circo debatible aspectos que quizás no son tan debatibles… y que desde luego no son un circo (ojo, en otros contextos bienvenido sea el circo; me parece mucho más digno como programa de entretenimiento ‘Sálvame’ que ‘La Sexta Noche’).

‘Rocío: contar la verdad para seguir viva’ llega a su fin (de momento) dejando muchas preguntas en el aire, y no me refiero especialmente a las preguntas que tienen que ver con la vida de Rocío, sino sobre lo que ha supuesto todo esto. ¿Ha tenido el programa en muchas mujeres ese impacto tan positivo del que se habla, y ha contribuido a visibilizar la importancia del maltrato psicológico y del machismo cotidiano de conceptos como el de “mala madre”? Probablemente. ¿Hemos vivido un ejercicio de hipocresía enorme por parte de muchos de los colaboradores de la docuserie y los programas que la comentan, como denunciaba en directo Marc Giró? Pues probablemente también. Es muy posible que esta docuserie hubiese sido un testimonio más cuidado y realizado con más respeto en otras manos, pero también es muy posible que así no hubiese llegado a tanta gente. Ahora bien, ¿supondrá esta docuserie de verdad un cambio de paradigma respecto a los programas de corazón y al tratamiento que hacen de temas tan peliagudos, como tantos auguran? Ojalá, pero para eso haría falta levantar muchas alfombras. Y, como dijo la propia Rocío en una de las frases más recordadas de la docuserie (tras la que acompaña al titular), “perro no come perro”.

black midi / Schlagenheim

black midi se dan a conocer allá por 2017 pero es al año siguiente cuando un directo de la banda en el festival Iceland Airwaves de Reykjavík se convierte en una sensación en internet. Los chicos parecen pre-adolescentes pero tocan como si llevaran 40 años en la música y, a la vez, con la frescura de una banda novel que está descubriendo su sonido libre de cualquier expectativa. Su fórmula esquizofrénica de math-rock, avant-prog y post-punk la convierte en una de las bandas de rock más peculiares surgidas en los últimos tiempos en Reino Unido (ellos son de Croydon, Inglaterra) y ‘Schlagenheim’, su álbum debut, ve la luz a finales de 2018, llega a aparecer en varias listas de lo mejor de aquel año.

Escuchado después de ‘Cavalcade‘, el segundo álbum de black midi, se nota que el cuarteto ha dejado atrás un sonido más espontáneo, reflejado también en la producción de un Dan Carey que no se sienta en la mesa de mezclas precisamente para hacer sonar al grupo lo más nítido posible. La idea es que la esencia de sus tremendos directos no se pierda en el contexto de un estudio de grabación. ‘Schlagenheim’, cuyo título alude a una ciudad que no existe y, por lo tanto, supone un aviso de lo absurdo que es el sonido del disco, recibe una nominación a los Mercury y ‘Cavalcade’ seguramente es el mismo trabajo que habría entregado la banda de haber ganado el premio, pero ‘Schlagenheim’ sale reforzado por el hecho de ser su primer trabajo. El álbum desprende una frescura que es difícil de repetir, como la de todo debut.

Desde el inicio, ‘Schlagenheim’ no da tregua. Las guitarras y baterías de ‘953’ alternan las embestidas brutas con la calma para terminar sucumbiendo a la autodestrucción. La base rítmica entonces se acelera de repente, como si tuviera prisa por terminar, a la que se termina añadiendo la aparición de una mandolina, primer momento surrealista que deja el disco. Parece que el grupo se lo pasa bien buscando entre todas sus ideas una conclusión para la canción y opta por usarlas todas. Por contra, ‘Speedway’, que parece una crítica a la industria musical actual cuando habla de «nuevos edificios» que en realidad son el mismo, emplea un estilo de math-rock bastante comedido para sumergirse en un adictivo entramado de percusiones y vocoders (en serio) que van creando una tensión sutil poco a poco sin llegar a explotar.

La dinámica de ‘Schlagenheim’ es parecida a lo largo del disco, con el añadido de que las letras, que hablan de relaciones tóxicas o de sentirse insuficiente en comparación con los demás, esta vez no parecen sacadas de un pasaje random del ‘Finnegans Wake’ de James Joyce, como sucede a veces en ‘Cavalcade’. Las otras dos composiciones estelares de ‘Schlagenheim’ valen su peso en oro: ‘bmbmbm’ (se lee «boom boom boom»), el single estrella de black midi, es 100% maníaco en tanto mantiene un ritmo sincopado hecho para sacar de quicio hasta que parece ser engullido por un agujero negro, desatando el caos absoluto. El corte final, ‘Ducter’, asimila los ritmos del afrobeat para nuevamente volverse completamente chiflado hasta que Georgie decide concluir la grabación con unos chillidos que parecen sacados de aquel disco en el que Yoko Ono se pasaba media hora imitando el sonido de una mosca.

Si parece que todo ‘Schlagenheim’ es un delirio sin sentido, nada más lejos de la realidad. black midi saben hacer que todas sus ideas encajen dentro de su caos de ritmos dislocados y desarrollos que llegan a puntos de delirio alucinantes. El math-rock furioso de ‘Reggae’, que no es un reggae, contrasta sus bruscos cambios de ritmo con el exquisito sonido de un xilófono y ‘Western’ arranca en plan folk-rock para liarse en un remolino de math-rock y después optar por tomar la vía de un funky insospechado que suena como mal tocado a propósito. Ni siquiera un tema tan post-punk como ‘Near DT, MI’, que versa sobre la crisis del agua de Flint, suena fuera de lugar porque está claro que black midi saben muy bien cómo trabajar con sus eclécticas influencias. Un ejemplo inmejorable es ‘Years Ago’: por un lado el instrumental es rico y melódico, por el otro, el guitarrista se vuelve majara chillando sobre él en plan screamo un verso escrito en «polaco roto». Si alguien cree que lo de black midi es predecible, que escuche otra vez.

Warmi mira a Dellafuente y apunta a hit con ‘La herida’

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“Empecé cantando canciones de misa mientras estaba en el váter”. Eso contó Warmi en una entrevista reciente, aunque sus primeros fans los consiguió con las covers acústicas de Bad Gyal que subía a Youtube. Pasaría luego a material propio con el trap melódico de cortes como el divertido ‘Ese guiri es pa mí’ (2017), y viraría hacia el dancehall y el reggaeton en canciones como ‘Ya no pienso en él’, su tema más escuchado… hasta ahora. Porque su último single, ‘La Herida’, le ha robado el título, consiguiendo en solo una semana las mismas reproducciones que el anterior en tres años: ya roza las 25.000, y todo apunta a que seguirá subiendo, teniendo en cuenta que acaba de entrar en varias playlists oficiales de Spotify. En su propia cuenta de Twitter, el malagueño residente en Madrid compartía su shock al respecto, lógico teniendo en cuenta que se autoedita desde hace cinco años.

Con la fusión de flamenco y pop de Dellafuente como referente, ‘La Herida’ mezcla la nostalgia de una relación pasada con el empoderamiento al superar por fin la ruptura. El videoclip, con heridas que de supurar sangre pasan a supurar oro, y guiños a ‘Tusa‘ (y a su vez a ‘Pienso en tu mirá‘) en la coreografía, está dirigido por David Álvarez en localizaciones como el Palacio de Villa Sofía o el Museo Bibat, ambas en Vitoria. El equipo y localización vasco contrasta así con el aroma andaluz de la canción y del propio cantante, que se atreve por primera vez con algún que otro quejío.

En la nota de prensa, Warmi cuenta que con este tema comienza una nueva era tras su anterior EP, ‘Born 2 Luv U’ (donde hizo un homenaje al pop y r&b dosmilero que escuchaba de pequeño, samples de Nelly o Craig David incluidos), pero que éste no es aún el lead single del siguiente, y que en los próximos meses tiene pensado sacar nuevos singles en solitario y colaboraciones. ¿Cambiará sus planes si el crecimiento de ‘La Herida’ se vuelve -apunta maneras- exponencial?

Lo mejor del mes:

Chica Sobresalto, Soleá Morente, Bella Poarch, COBRAH, Parannoul… entran al top 40 de JNSP

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‘berlin u5’ de Zahara vuelve al número 1 de JENESAISPOP tras el paréntesis Anne Lukin. La entrada más alta es la de Chica Sobresalto con ‘Selección natural’, seguida por ‘Iba a decírtelo’ de Soleá Morente. En posiciones más modestas encontramos novedades de Bella Poarch, COBRAH, Parannoul, Fred again.. y GusGus. Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 3 1 4 berlin U5 Zahara Vota
2 4 2 2 Please Jessie Ware Vota
3 3 1 Selección natural Chica Sobresalto Vota
4 6 2 4 Your Power Billie Eilish Vota
5 1 1 3 V Anne Lukin Vota
6 6 1 Iba a decírtelo Soleá Morente Vota
7 11 5 6 Kiss Me More Doja Cat, SZA Vota
8 5 5 2 Me voy Miss Caffeina Vota
9 2 2 3 Veleno Baiuca, Rodrigo Cuevas Vota
10 14 2 6 Purge the Poison Marina Vota
11 8 8 2 Al final abrazos Mujeres, Cariño Vota
12 16 2 8 MONTERO (Call Me By Your Name) Lil Nas X Vota
13 9 9 3 Tiroteo Marc Seguí, Pol Granch Vota
14 18 1 9 White Dress Lana del Rey Vota
15 10 2 5 How Does It Feel London Grammar Vota
16 17 1 31 El encuentro Alizzz, Amaia Vota
17 23 1 7 Momentismo absoluto Fangoria Vota
18 24 1 19 MERICHANE Zahara Vota
19 25 1 34 Levitating Dua Lipa Vota
20 37 2 18 Perra Rigoberta Bandini Vota
21 12 12 2 Motorbike Leon Bridges Vota
22 13 13 2 No Gods No Masters Garbage Vota
23 20 9 6 You Stupid Bitch girl in red Vota
24 36 19 10 44 Bad Gyal Vota
25 39 10 7 Dance Foxes Vota
26 31 3 11 Taylor Zahara Vota
27 32 14 4 Rocky Trail Kings of Convenience Vota
28 22 8 6 Punk Lori Meyers Vota
29 29 1 Build a Bitch Bella Poarch Vota
30 30 1 GOOD PUSS COBRAH Vota
31 26 2 13 Ingobernable C. Tangana Vota
32 40 32 2 I Ain’t Dinosaur Jr Vota
33 21 21 3 From the Back of a Cab Rostam Vota
34 34 6 6 La mujer Mon Laferte, Gloria Trevi Vota
35 33 6 11 Ventura Maria Arnal i Marcel Bagès Vota
36 35 7 4 The Other Black Dog Genesis Owusu Vota
37 30 30 5 Nanana Ortiga Vota
38 38 1 Beautiful World Parannoul Vota
39 39 1 Julia (Deep Diving) Fred again.. Vota
40 40 1 Love Is Alone GusGus, John Grant Vota
Candidatos Canción Artista
Slow (Loud) black midi Vota
Are You Happy? Oscar Lang Vota
Regresando a la ciudad Kokoshca Vota
Don’t Forget Your Neighborhood Cola Boyy, The Avalanches Vota
Like I Used to Angel Olsen, Sharon van Etten Vota
Via Torino Cabiria Vota
Famoso en tres calles Carolina Durante Vota
The Wrong Place Hooverphonic Vota
Voilà Barbara Pravi Vota
deja vu Olivia Rodrigo Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

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Muere por covid-19 John Davis, co-líder de los verdaderos «Milli Vanilli»

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Milli Vanilli fue el gran timo de la industria musical a finales de los años 80: un dúo de modelos que no sabía cantar, que llegó a triunfar en los Grammy en la categoría de revelación y que quedó al descubierto tras un sonoro playback en la MTV.

A continuación, se publicó un disco bajo el nombre The Real Milli Vanilli formado por las verdaderas personas que habían cantado en los dos discos de Milli Vanilli junto a otros vocalistas, pero ya no tuvo tanto éxito por razones evidentes: ni eran tan guapos, ni había muchas ganas de escucharlos tras haber engañado a medio mundo (ni las canciones eran tan buenas). Esas personas sobre todo fueron Brad Howell y John Davis. Se acaba de confirmar la muerte de este último (a la derecha del todo, en la foto) por complicaciones surgidas tras contagiarse de covid-19 a los 66 años.

Así lo ha confirmado su hija Jasmin recordando que «hizo feliz a mucha gente con su risa y su sonrisa, su espíritu feliz, su amor y especialmente a través de su música». The Real Milli Vanilli solo tuvo un disco, ‘The Moment of Truth’, compuesto por temas del productor del grupo «original» Frank Farian y Diane Warren, pero la reedición del álbum en América contenía una canción escrita por el propio John Davis, ‘Who Do You Love’.

De The Real Milli Vanilli, también ha fallecido Michael Byron, mientras en cuanto al dúo de modelos que en principio identificamos como Milli Vanilli, sobrevive Fab Morvan (tiene 55 años). Rob Pilatus murió en 1998 a consecuencia de una sobredosis de alcohol y drogas con receta. Como curiosidad, los streamings Milli Vanilli son infinitamente más altos en Youtube que en Spotify: a la gente le gusta verlos, aunque sean de mentira.

Twenty One Pilots / Scaled and Icy

Twenty One Pilots nos han entregado estos días ‘Scaled and Icy’, uno de los discos más desconcertantes del año, para bien o para mal. Para bien, porque cuando el álbum comienza con ‘Good Day’, no sabes lo que está sucediendo. ¿Twenty One Pilots sonando a la década de los 70 por la vía de Elton John? ¿Acaso es ‘Scaled and Icy’ un musical como esos tan locos que trabajan Foxygen o The Lemon Twigs? Para mal, porque después el disco no es eso. Enseguida suena ‘Choker’, con una electrónica luminosa que hace pensar más bien en Mika, antes de evolucionar hacia el rap, para después ir sumando los géneros habituales que trabajan Tyler Joseph y Josh Dun. Para cuando llegan al final ‘No Chances’ y ‘Redecorate’, ya solo queda una palabra con la definir todo esto: pastiche.

La voluntad del largo ha sido constituir el álbum más optimista de la carrera de Twenty One Pilots, un grupo que ha tratado con un éxito absolutamente monstruoso temas tan espinosos como la depresión. ‘Scaled and Icy’ es el reverso de ‘Trench‘ hasta el punto de que su título es un anagrama de ‘Clancy Is Dead’, una referencia al personaje protagonista del disco anterior. Escrito y grabado en remoto durante el año 2020, el álbum del dúo pretende darnos el mensaje positivo que todos necesitamos después de tantísimos meses de aislamiento. El problema no es que hacer canciones alegres sea difícil o el resultado sea almibarado. El problema de Twenty One Pilots es que al bajarse al mundo de los grupos coloridos han dejado ver todas sus costuras como creadores.

El grupo no sabe aportar gran cosa a grupos muchísimo menos populares que ellos, como Two Door Cinema Club, los últimos Paramore o Phoenix, a los que fusilan sin ningún tipo de reparo en el single ‘Shy Away’. ¿Es una canción graciosa? Por supuesto. ¿Es lo que esperábamos de uno de los grupos más populares del mundo ahora mismo? Se les podía exigir un poquito más por los medios que tienen, comenzando por Greg Kurstin, que se pasa para nada por otro de los singles, ‘Saturday’. Entendiendo por «nada» un tema que podría haberse clasificado para la final de Eurovisión, presentado por Grecia… o haberse quedado en una semifinal de Melodifestivalen. ¿Qué decir de cosas como ‘Bounce Man’? ¿Te gustará si crees que ‘Fantastic Shine‘ es la mejor canción de Love of Lesbian?

A pesar de eso, el disco se podría disfrutar de alguna manera como lo que pretende ser: un álbum medio disfrutón de pop, a lo que contribuye la simpática ‘Mulberry Street’, sobre su primer viaje fuera de Ohio, a Nueva York, y en concreto a Little Italy, barrio por cierto de David Bowie; o canciones tan tontas como ‘Formidable’, guiada por un buen riff de guitarra eléctrica. En algún lugar de ‘Scaled and Icy’ está ese disco agradable, colorido, variado y kitsch, no tan alejado de la versatilidad de The 1975, solo que con menos autoparodia y más afectación. Lo que sucede es que igual que a veces se pasan de frenada en el camino del color, otras terminan tendiendo a lo grave. En ‘The Outside’ critican la monotonía del mainstream. En la muy Dandy Warhols ‘Never Take It’ cuestionan los medios de comunicación. Al final parece que les puede la pompa, rematando el álbum finalmente con dos canciones intensas de las suyas, como sobrantes de eras anteriores.

Bad Bunny estrena single que suena a descarte a la vez que se filtra un tema suyo con Rosalía

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No contento con haber publicado tres discos a lo largo de 2020, entre ellos el histórico ‘YHLQMDLG‘, y el último de ellos hace apenas unos meses, Bad Bunny tiene nueva música que ofrecer. ‘100 MILLONES’ es su primer single de 2021 y es una colaboración con el rapero portorriqueño Luar La L que ya puedes escuchar en la playlist de novedades que actualizamos cada viernes.

‘100 MILLONES’ es el típico tema de trap habitual de Bad Bunny que podría triunfar a lo Drake o pasar completamente desapercibido, en el que de hecho Benito declara que está «en su peak», exactamente como en su reciente single ‘BOOKER T’. De primeras, suena a descarte de ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO‘, lo cual no es decir mucho, pero el estribillo «un saludo pa’ los haters, ¿cómo están? / Que me odien, eso es parte de mi plan» tiene cierta gracia y el puente de Luar La L sorprende por la adición del sonido de unos disparos.

A la vez que Bad Bunny ha publicado nuevo single ha llegado a la red un tema suyo con Rosalía que permanece inédito. Bajo el extraño título de ‘Tagliatelle Santeria’ el portorriqueño y la catalana cantan sobre una base de dancehall adornada con palmas que en el estribillo se rompe en un drop a lo Major Lazer, sonando a 2015. «Te voy a hacer santería / tu boca contra la mía» es el gancho de esta producción cuyo origen y destino se desconocen por el momento.

El tema tiene cierto interés puesto que Bad Bunny y Rosalía han arrasado juntos este año con ‘LA NOCHE DE ANOCHE’, que incluso han llegado a presentar en Saturday Night Live. El tema se ha convertido en el mayor éxito de toda la carrera de Rosalía solo por detrás de ‘Con altura’ y, escuchada junto a la grabación filtrada, está claro cuál tenía más potencial de primeras… y no es la segunda.

Lady Gaga anuncia reedición de ‘Born this Way’ con una loca versión bounce de ‘Judas’ por Big Freedia

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Este 23 de mayo se han cumplido 10 años desde el lanzamiento de ‘Born this Way‘, el segundo álbum de Lady Gaga (o tercero si se entiende ‘The Fame Monster’ como un proyecto por separado). ‘Born this Way’ vendió menos que ‘The Fame’ pero dejó un primer single histórico que se ha convertido en un emblema de la lucha por los derechos LGBTQ+, fue el segundo disco más vendido de todo 2011 solo por detrás del huracán Adele y hoy es considerado por muchos el mejor disco de la artista o, por lo menos, el que mejor representa al icono.

«‘Born this Way’ es la sublimación de Lady Gaga en su obra magna: un disco que cruza dance-pop y electrónica con su pasión por el rock duro de Metallica o Judas Priest, tan excesivo como su propia autora, dotado de una producción guarrísima que le está enseñando la peineta a las convenciones de la industria, y estéticamente siniestro, oscuro y asqueroso en el mejor de los sentidos» es la valoración que dejaba quien esto escribe sobre ‘Born this Way’ en nuestra búsqueda del mejor disco de la artista. «Es el disco en el que Lady Gaga se convirtió en el «monstruo» sobre el que había estado cantando».

El 18 de junio, Lady Gaga celebrará el décimo aniversario de ‘Born this Way’ con una reedición que incluirá el álbum estándar (si te gustaban los bonus tracks, sorry pero no estarán) y un segundo CD con versiones de sus pistas que han hecho otros artistas. De momento se puede escuchar la revisión de ‘Judas’ realizada por Big Freedia… o «perpetrada», dirán algunos, porque la canción está hecha para dividir. Una versión 100% sui generis y loquísima con la que la reina del bounce transforma ‘Judas’ en eso mismo, una locura de bounce para quemar zapatilla en los carnavales.

En contraste, Lady Gaga también ha sido noticia en las últimas horas por aparecer en la reunión de ‘Friends’, como estaba anunciado. Germanotta se ha transformado en la amiga hippy de Phoebe para cantar juntas su mítico ‘Smelly Cat’. Por poco se queda atascada en el umbral de la puerta de la cafetería por culpa de su guitarra pero la cantante sale airosa.


Cabiria te hace bailar italo disco bajo la lluvia en la melancólica ‘Via Torino’

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Cabiria, protagonista de uno de los artículos más bizarros en el buen sentido jamás publicados en JENESAISPOP, en el que la barcelonesa Eva Valero repasaba sus formas favoritas ilustrando cada una de ellas con una foto tomada para la ocasión, estrena hoy su nuevo disco ‘Ciudad de las dos lunas’ a través de El Volcán Música, cuatro años después de que su debut ‘C’est Lindy On’ la diera a conocer en el underground.

El álbum de 11 pistas ha venido presentado por singles de synth-pop e italo disco estelares como ‘DISCO-CAFÉ’ o ‘Después de medianoche’ y hoy es el momento de descubrir otro de sus cortes destacados, el que de hecho puede escucharse desde hoy en la playlist de novedades de Spotify España -seguida por 222.000 personas- o en nuestra playlist de novedades.

‘Via Torino’ recibe su nombre -al parecer- de una calle de Milán y esta ciudad italiana es mencionada en la letra junto a otras como Florencia, por si había alguna duda de la influencia de la música italo disco en el proyecto de Cabiria. No obstante, la artista cuenta que ha terminado empapándose de italo solo después de leer las comparaciones que se han hecho de su música con este género a lo largo de los años.

Cabiria dice que tampoco ha dejado de inspirarse para su nuevo trabajo en las melodías de la canción italiana de Mina o del recientemente fallecido Franco Battiato y ‘Via Torino’ es una estupenda canción de synth-pop construida desde ese mimo por la melodía, hasta el punto de que su momento culminante se produce cuando Valero superpone dos melodías diferentes al estilo del «canon» musical. Antes, la artista ha dejado crecer la melancolía de esta canción que nos habla de un amor que ya forma parte del pasado.

En ‘Via Torino’, Cabiria se encuentra «fantaseando» con esa persona hasta que recuerda que ya no quiere «ser su amigo» y recuerda aquella vez en que le enseñó «un paso de baile en el Disco-Café». Con nostalgia, Valero recuerda que «todas las canciones que planeamos hacer se quedaron flotando en aquel andén». La épica composición de ‘Via Torino’ es adornada con sonido de lluvia y con una delicada percusión de xilófono, enriqueciendo su agridulce historia.

Cierra clubbingspain.com

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Clubbingspain.com, la web española de cabecera de los amantes de la música electrónica desde hace más de 20 años, ha anunciado su cierre. El director de la web David Sánchez atribuye la decisión a la «pérdida de muchos de los ingresos que teníamos hace una década» debido al «éxito de las redes sociales y de la publicidad gestionada por google», así como «el parón del ocio nocturno y de los festivales ha sido la puntilla, dejándonos prácticamente sin ingresos desde hace 14 meses».

En un comunicado, Sánchez recuerda que «no han sido años fáciles ya que en internet todo ha ido evolucionando muy rápidamente y hemos intentado adaptarnos a los nuevos avances lo mejor que hemos podido», recordando «aquella famosa y recordada lista de correo desde la que se organizó la infame R01 de Barajas a finales de junio de 2001» y sin dejar de mencionar el «popular foro de la web que sirvió durante años de punto de encuentro de muchos amantes de este sector que luego han seguido canalizando esa pasión tanto como djs como gestionando sellos discográficos u organizando eventos hasta llegar al éxito de las redes sociales que parece no tener un fin cercano».

Sánchez indica que la web permanecerá abierta al menos de momento «y seguirá sirviendo de fuente de información para quien la necesite consultar», por lo que «quedarán registrados casi 400.000 eventos en nuestra agenda, más de 4500 clubes, casi 7000 artistas, 13.000 dj charts, 900 entrevistas, 1800 especiales, 42.000 noticias, y 4200 sonoramas». No obstante, anuncia que «todos los mixes alojados en el servidor van a desaparecer» debido a «su coste extra de mantenimiento».

SOS Racismo condena la «desafortunada» campaña antirracista de Correos

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Correos, la querida empresa de reparto de paquetes española, es noticia por haber emprendido una iniciativa antirracista que le ha salido el tiro por la culata, con perdón de la expresión. ¿Recordáis aquel anuncio de Dove en el que una mujer negra se «convertía» en blanca después de lavarse con uno de sus productos y que hubo de ser retirado? Esto es más o menos igual de inverosímil pero ha sucedido y por ello Correo está siendo uno de los temas más comentados de la tarde.

En un mensaje publicado en sus redes, Correos ha dado a conocer la iniciativa, basada en el lanzamiento de una serie de sellos: «En Correos creemos que el valor de una persona no debería tener color, por eso lanzamos #EqualityStamps: una colección de sellos en la que cuanto más oscuro sea el color del sello, menor valor tendrá. Reflejando así una injusta y dolorosa realidad que no debería existir». Se entiende el concepto… más o menos, pero ¿seguro que equiparar «oscuro» con «menos valor» era la mejor idea que se les podría haber ocurrido para denunciar la elevada cota de racismo que sufre España a día de hoy?

Como se puede ver en la imagen promocional, los sellos más claros tienen un precio más elevado que los sellos más oscuros, y en Twitter la gente se pregunta si no hubiera sido mejor idea ponerlos todos al mismo precio si la idea era defender la igualdad o, en las propias palabras de Correos, «hacer de cada carta y cada envío un mensaje contra la desigualdad racial». La campaña ha sido lanzada supuestamente «en colaboración» con SOS Racismo pero, si ya resultaba difícil creer que tal organización hubiera aprobado una campaña con un mensaje tan confuso, hasta el punto de que parece defender lo contrario de lo que pretende, SOS Racismo han aclarado que no han sido «consultades ni hemos participado en la elaboración» de dicha iniciativa.

«Desde SOS Racismo Madrid queremos dejar clara nuestra postura sobre la campaña de @correos que estos días se ha hecho pública. Consideramos que es desafortunada y que hace evidente la necesidad de crear mayor conciencia antirracista», ha comunicado SOS Racismo en sus redes sociales. La organización indica que «la desafortunada campaña de Correos pone de relieve que es necesario crear mayor conciencia antirracista en España» y subraya la construcción dentro de la estructura racista de una «escala racial en la que se asigna un mayor o menor valor a las personas según el tono de color de su piel», o lo que se conoce como colorismo. SOS Racismo argumenta que campañas como la de Correos «invisibilizan el carácter estructural del racismo y perpetúan imaginarios coloristas que asignan un valor inferior a las vidas negras».

Pese a las buenas intenciones de Correos, pues es evidente que la campaña busca poner sobre la mesa el racismo que existe a día de hoy en España y en el mundo, tan invisible que de hecho forma parte del propio lenguaje que se usa en el día a día, la iniciativa ha sido recibida en las redes con críticas y burlas por su extraña ambigüedad. Toca esperar si Correos hará una rápida retirada de la campaña o, por el contrario, optará por explicar su intención con ella, que obviamente no ha sabido trasladar demasiado bien a la audiencia, siempre tan ávida de algo a lo que «cancelar»… aunque en este caso tenga razón.

RFTW: Bad Bunny, Andrés Calamaro, Texas, easy life, Maika Makovski, Cabiria, Big Freedia…

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Hoy 28 de mayo ve la luz ‘Cavalcade‘ de black midi, el Disco de la Semana en estas páginas, así como los nuevos trabajos discográficos de easy life, Maika Makovski, Cabiria, La Habitación Roja, Natalia Lafourcade, Bachelor, Queralt Lahoz, Calamaro, Texas, DMX (póstumo), Juanes y Oques Grasses. Entre los EPs que salen hoy se encuentran los nuevos de Javiera Mena, que hemos destacado en Sesión de control, y Depresión Sonora.

En cuanto a temas sueltos, hoy vuelve la cantante danesa MØ con su primer single en varios años, ‘Live to Survive’, y Big Freedia entrega una loca versión de ‘Judas’ de Lady Gaga por la reedición de ‘Born this Way‘ por su 10º aniversario que sale el 18 de junio. Además, en portada hemos destacado los regresos de Carolina Durante, Sigrid y Ladyhawke, así como el estupendo nuevo single de Cola Boyy producido por The Avalanches.

Entre las novedades del viernes o de la semana, Bad Bunny lanza single trapero, Kings of Convenience siguen avanzando su nuevo disco, Sexy Zebras vuelven con ‘O todos o ninguno’, Girl Ray presentan single producido por Hot Chip, ionnalee vuelve con un tema cantado en sueco, la amiga de Ariana Grande Victoria Justice regresa con un tema en la onda de Carly Rae Jepsen, Poppy sigue dándole al metal y, por supuesto, J Balvin tiene nuevo single, no se le fuera a olvidar una semana sacar algo.

Aparte de todo lo mencionado, también puedes escuchar en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» los nuevos temas de FRYARS con Rae Morris, Foxing, Albany, Aya Nakamura, Recycled J (otro éxito en Youtube), Koreless, Fatal Tiger, Nina Cobham, Yarea, Ralph, JoJo, Ozuna, DePedro con Leiva, 혜진 Hye Jin con Clams Casino y Take a Daytrip, Perdón…

Omar Ayuso se lo monta con todo Dios y consigo mismo para Carolina Durante

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Carolina Durante vuelven con un nuevo disco que publicarán «a la vuelta del verano» según informa su sello Sonido Muchacho. En los últimos tiempos, el grupo madrileño ha lanzado singles sueltos como ‘No tan jóvenes‘, ‘La canción que creo que no te mereces‘ con Jota de Los Planetas o una versión de ‘Espacio vacío’ de Séptimo Sello con Él Mató a Un Policía Motorizado, pero de momento se desconoce si estas canciones formarán parte del proyecto o no tendrán nada que ver con él.

La canción que sí aparecerá en el esperado segundo disco de Carolina Durante es la que el grupo estrena hoy a modo de primer avance oficial. ‘Famoso en tres calles’ es el típico tema de pop-rock épico pero desmoronado de Carolina Durante que sirve a la banda para hacer un retrato sobre la absurdez de la fama.

Lo hace a través de un personaje que «tiene mogollón de fieles» que estarían dispuestos a hacer «lo que fuera por él» y del que se rumorea que «consiguió la máxima puntuación en el molómetro del dragón». Por si no había quedado claro que para Carolina Durante la fama es una cuestión de ego, incluso si eso significa que tu popularidad alcanza los límites de tu barrio y poco más.

En el vídeo de ‘Famoso en tres calles’, el famoso de pacotilla sobre el que canta la banda en su nuevo single está interpretado por Omar Ayuso, actor de ‘Élite’ que a principios del año pasado aparecía en el videoclip de ‘Juro que‘ de Rosalía.

Omar se lo monta con todo Dios en el vídeo hasta que se revela -o eso parece- que todo forma parte de su imaginación, y el vídeo concluye con una escena de Omar liándose consigo mismo frente al espejo, un «reflejo» inequívoco de las alturas a la que ha llegado su egocentrismo.

Rina Sawayama debutará como actriz junto a Keanu Reeves en ‘John Wick: Chapter 4’

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Rina Sawayama llega a la gran pantalla. La cantante británica, que el año pasado lanzaba su primer álbum de estudio, uno de los mejores de 2020, debutará como actriz en la cuarta entrega de la saga de ciencia ficción ‘John Wick’ junto a Keanu Reeves, confirma Deadline. Su papel permanece en secreto pero se sabe que la película estará dirigida por Chad Stahelski con guion de Shay Hatten y Michael Finch y que se empezará a rodar este verano en ubicaciones de Francia, Alemania y Japón. La fecha provisional de estreno de ‘John Wick: Chapter 4’ es el 27 de mayo de 2022.

La participación de Sawayama en la saga de ‘John Wick’ puede suponer un enorme paso adelante de la artista en cuanto a popularidad internacional ya que se estima que las películas han generado en torno a 600 millones de dólares en ganancias en todo el mundo. A pesar de iniciarse con una película rodada con bajo presupuesto que apenas ningún estudio quería producir, la saga se ha convertido en un éxito de taquilla que ahora llega a su cuarta entrega.

Por su parte, Rina también ha empezado desde abajo, cultivando una base de fans en internet para terminar tocando con Elton John, inspirando un cambio de normas en el Mercury Prize y ahora dando el salto al cine.

SAWAYAMA‘, su primer disco, era además un éxito de crítica en el que la artista «consolidaba su espacio propio a base de extremar su propuesta: por un lado, ofreciendo un amplio abanico de sonidos propios del pop de radiofórmula de los años 2000 para construir su espacio musical, y por otro, con un contenido lírico que exhibe sin filtros sus posicionamientos sobre medio ambiente, capitalismo, machismo, racismo o acoso escolar mientras desnudaba su dramática historia familiar». ‘Bad Friend‘ también era una de las mejores canciones de 2020.

John Grant subtitula en español el vídeo de ‘Billy’, su single 70s sobre la masculinidad tóxica

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John Grant, que acaba de colaborar con los islandeses GusGus en un tema llamado ‘Love is Alone’ cuyo videoclip hemos estrenado en estas páginas, publica su nuevo disco ‘Boy from Michigan’ el 25 de junio. Los tres sencillos extraídos del largo hasta la fecha no han podido ser más diferentes: del «spoken word» de ‘Boy from Michigan‘ hemos pasado a la pizpireta ‘Rethorical Figure’ 100% inspirada en sus admirados Devo; y de esta a la melódica y setentera ‘Billy’.

‘Billy’ ha sido una de las canciones que has podido escuchar recientemente en nuestra playlist de novedades, y su videoclip dirigido por Casey e Ewan (colaboradores habituales del compositor estadounidense) alterna imágenes animadas con otras reales de John desde Reykjavík y el homónimo Billy, protagonista de la composición, desde Denver, ciudad en la que John vive unos años muy importantes para su carrera, pues es sede de su primera banda, los Czars.

Como es sabido, Grant habla fluidamente español, ruso alemán e islandés además de inglés y el artista ha tenido la idea de subtitular el videoclip de ‘Billy’ en español, en una versión «alternativa» (solo por los subtítulos) del vídeo que estrenamos en JENESAISPOP. ‘Billy’ denuncia la «cultura prevalente del hiper-machismo que nos prepara a todos para el fracaso» y, como se puede apreciar en el vídeo recién estrenado, el tema habla de la experiencia de Grant con la masculinidad tóxica, en el contexto de su relación con esta persona.

«Somos tan diferentes pero creo que estarás de acuerdo / que no pudimos soportar el peso de la expectativa que nos puso de rodillas / y nos llevó a la autodestrucción / como los miembros de una secta de masculinidad» es el mensaje que deja esta dramática composición de pop en la estela de la Brill Building o de artistas como Todd Rundgren, Carole King o Gilbert O’Sullivan, que cerrará el largo.

black midi / Cavalcade

No todo es post-punk y black midi lo han dejado muy claro con su primer disco. Puede que la prensa los meta en el mismo saco que a Fontaines D.C. o shame, pero lo de black midi tiene que ver con un tipo de rock mucho más «arty» que el de los artistas mencionados. Los de Croydon combinan el nervio del math-rock con las improvisaciones laberínticas del jazz para crear composiciones imprevisibles capaces de volarte la cabeza cuando alcanzan su punto de ebullición. En el caos controlado de black midi caben instrumentos como órganos o sintetizadores que enriquecen unas grabaciones igual de mimadas en el estudio que espectaculares de presenciar en directo.

‘Cavalcade’, el segundo álbum de black midi, ha sido grabado durante el confinamiento y esta circunstancia ha influido en el proceso de composición de la banda, que según la nota de prensa «hubo de abandonar su manera de componer basada en la improvisación por otra más cuidada y deliberada». ‘Cavalcade’ sigue sonando a ellos en tanto las canciones más potentes contienen un elevado nivel de aparente improvisación, pues el grupo ha sumado a la banda a un saxofonista y sus partes son 100% free-jazz, como demuestra el single ‘Slow’; sin embargo, el disco sorprende por lo relajado y melódico que suena en comparación con el anterior. Es como si, a causa de la pandemia, a black midi no le haya quedado otra que madurar de golpe.

Esta madurez se manifiesta en un sonido mucho más refinado y compacto que el de su debut, además de en una instrumentación diversa que incluye buzoukis o arpas, pero sobre todo en unas composiciones que en algunos casos son todo lo contrario a continuistas. El delirante primer single ‘John L‘, sobre un rey destronado, apunta al prog-rock dadaísta de finales de los 60 para incorporar su composición más sustos que un capítulo de ‘Pesadillas’, y el tema siguiente es radicalmente opuesto, una bonita oda a ‘Marlene Dietrich’ que se pavonea con el ritmo de la bossa nova pero conmueve con el dramatismo de una balada de Morrissey o Paddy McAloon: «Bajo suaves luces, con la cara estirada con cinta adhesiva, nuestra reina de habla dulce se sube al escenario» es la presentación que hacen black midi de la glamourosa actriz.

Llevamos 2 pistas de ‘Cavalcades’ y black midi ya han trastocado cualquier expectativa que se pueda tener sobre ellos. A partir de la 3 sí se puede decir que las canciones de ‘Cavalcades’ parten de lo explorado en ‘Schanengeim’ aunque haciendo gala de ese caos «deliberado», meditado, maduro, del que habla la nota de prensa. ‘Chondromalacia Patella’, que en español se traduce como «condromalacia rotuliana» y hace alusión a una enfermedad de la rótula, es otra locura de math-rock y prog-rock en la que caben influencias del free-jazz y en la que black midi buscan concentrar todo el sonido como si fuera materia a punto de estallar. Después llega otro giro inesperado con ‘Diamond Stuff’, una composición ambiental, medievalista, que debe su título a una novela de Isabel Waidner y por la que pasan diversos instrumentos de cuerda como cellos, bouzukis, pianos, flautas… para imaginar un mundo místico en el que el cantante se tiende «en un campo de antracita» mientras un «taladro de diamante me quita los pies».

Si ‘Cavalcade’ satisface como obra de gran técnica musical, en la que el vocalista y guitarrista Geordie Greep, el también vocalista y guitarrista Matt Kwasniewski-Kelvin, el vocalista, bajista y tecladista Cameron Pictor y el batería Morgan Simpson se lucen cada uno en lo suyo, también sorprende por la claridad de algunas de sus melodías, que en el enésimo caos controlado de ‘Dethroned’ obliga a pensar en bandas con las que de hecho black midi tienen mucho que ver como los infravalorados These New Puritans o Wild Beasts. Después de volverse locos una vez más con ‘Hogwash and Balderdash’, cuyo título alude a formas de escribir bobas o absurdas, como las que presume esta misma canción, el disco se cierra con una emotiva balada de «crooner» que podría ser de Scott Walker. ‘Ascending Forth’ imagina una vida «sin preocupaciones» y lo cierto es que black midi han hecho un disco lleno de distracciones en el mejor de los sentidos.

Meister of the Week: dani habla de musicales, de ‘Mamma Mia’ a ‘God Help the Girl’

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‘veinte’ de dani acaba de ser nominado al Premio MIN a Mejor Álbum de Pop del Año, lo que confirma, como veníamos comentando, que fue uno de los grandes debuts de 2020 en nuestro país. La cantante de Vigo asentada en Madrid presentaba un tipo de pop sintético de ambientaciones playeras y vaporosas, y ritmos R&B y sensuales, que nos ha dejado pequeños éxitos como ‘Si te vas’ -recientemente convertido en dúo con La Casa Azul-, ‘Mira’… y joyas perdidas con un pie en los años 60 como ‘Fui yo’. A la espera de nueva música, dani es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic, en la que los artistas hablan de algo que en general no tiene nada que ver con su carrera. Los musicales es su elección.

¿Por qué has elegido hablar de musicales?
No soy experta en ningún tema concreto y pensé que sería original. Llevo consumiéndolos desde súper pequeña y todo el mundo que me conoce sabe que soy muy pesada con esto (risas) Cuando voy a dormir a casa de alguien, soy la típica que quiere volver a ver ‘Mamma Mia’.

¿Cuáles te marcaron tan de pequeña?
Recuerdo que el primero que vi en DVD fue ‘Sonrisas y lágrimas’, sin contar los típicos de Disney.
Siempre me llamó la atención de ‘Sonrisas y lágrimas’ que vaya película para niños… De repente, se transforma en un drama histórico.
No, no en verdad no es para niños. El trasfondo es jevi. Pero tú lo ves de pequeño, las canciones son tan bonitas, con todos los hermanos… Si lo ves de mayor, lo ves de una forma completamente diferente.

Has mencionado Disney como muy de pasada, pero hay gente mayor que reivindica Disney…
De mis favoritas es ‘El libro de la selva’, aún a día de hoy, la vi hace poco. Y también la que hicieron hace un par de años, más moderna. Me van a matar, la gente se va a tomar fatal esto (risas), pero no soy una gran fan de la animación. De pequeña sí veía pero cada vez me cuesta más. Me parece increíble y todo, ¿eh? Pero no puedo profundizar ahí porque no soy una gran seguidora.

¿Te aprendías las canciones, después? ¿Has hecho versiones, aunque sean privadas?
Esa era mi parte favorita. Comprarme el disco cuando era pequeña y cantar en todos los viajes. Cuando vi ‘Hairspray’, teníamos el disco en el coche y cantaba todas las canciones todo el rato. De los musicales que me encantan, me sé todo. Hace unos 3 o 4 años vi uno que se llamaba ‘God Help the Girl’.

Sí, de Belle & Sebastian.
Ese me gustaba más con la guitarra y tal, no tanto el karaoke. Soy la típica pesada que se sabe todas las canciones.

«Soy la típica pesada que se sabe todas las canciones de los musicales»

‘Hairspray’ es también público adulto, pero esta otra película, que a mí me gustó mucho, tuvo sus críticas por ser demasiado naíf. ¿Te gustaba como espectáculo naíf o para ti no lo era?
Sí es ingenua, tipo años 60, es más blanco. ‘Hairspray’ es una peli que entra muy bien y de primeras, a toda la gente, salvo a la gente que no soporta los musicales y todo lo que vean le va a parecer una mierda (risas). Y la otra es más lentita, puedo entender lo de naíf, pero me gusta mucho y me sorprendió un montón. Alguien me la había recomendado, tampoco había profundizado con Belle & Sebastian y me gustó un montón cuando la vi.

Dices que la gente te dice que eres una pesada con los musicales como con un poco de trauma… ¿Qué pasa, que a tus amigos no les gusta?
Sí. Bueno, no a todos. Pero a mi familia un montón, con mi madre (NdE: Rosa Costas de Aerolíneas Federales) he visto un montón. Ella me compraba de pequeña el DVD de ‘Sonrisas y lágrimas’, el de ‘Grease’, el de ‘Grease 2’. Nadie sabe que hay ‘Grease 2’, pero yo la tenía (risas).

Recuerdo que era un poco mala…
Sí, es un poco mala (risas)

Intentaron hacer una cosa moderna con los géneros ahí, pero la recuerdo regular.
Yo la veía bastante. Hace mucho que no la veo, como desde los 15 años. Tenía canciones guays, tampoco me disgusta del todo. Pero bueno, pasó un poco desapercibida y con razón (risas).

«Nadie sabe que hay ‘Grease 2’, pero yo la tenía»

Tengo entendido que ‘Mamma Mia’ era tu favorito, háblame sobre él.
ABBA es de mis grupos favoritos. No sé si mi favoritísimo, pero yo creo que sí. Entre que ABBA me lo han puesto un montón en casa, y luego fui descubriendo canciones… Y ‘Mamma Mia’, lo mismo. La peli la vi en el cine y fue mi récord de veces que he ido al cine a ver la misma película.

¿De cuántas veces hablamos?
Estaba en el insti, yo tenía 14 años o así cuando salió. La vi con mi madre y luego quería verla con todo el mundo: mis hermanos, mis amigas… Celebré un cumple y la vimos también. Quedó esa broma de a ver cuántas veces había ido, creo que la vi como 6 o 7 veces.

¿Pero qué le han echado? ¿Por qué crees que es tan adictiva?
El ritmo es increíble, las canciones son increíbles y está todo súper bien ejecutado y con bastante gusto. No es fácil coger canciones de ABBA, podía haber quedado hortera y tiene ese punto, pero para mí es un 10. Con la (parte) 2 tenía mucho miedo porque como la 1 me gustaba tanto… Pero me gustó tanto que no sabía decir cuál prefería cuando la gente me preguntaba (risas).

¿Después, has ido al teatro a ver musicales?
Sí que he ido algunas veces. Años antes de ir al cine, hace mucho, vine con mi padre (NdE: Silvino Díaz de Aerolíneas Federales) a Madrid porque soy de Vigo y crecí en Vigo. Y vinimos a ver ‘Mamma Mia’, el musical, cuando salió hace años ya. Y sí que fui a ver un par de musicales en Galicia que iban sobre la Movida de los 80. Me hubiera encantado ir muchísimo más. En Vigo había cosas de vez en cuando, pero tampoco un montón. En Madrid siempre hablamos de ir al teatro pero no tenemos esa costumbre. De hecho hace dos semanas fui a ver la obra de Ana Rujas con una amiga (NdE: ‘La mujer más fea del mundo’) y me encantó, me pareció increíble. Y pensé que teníamos que ir más al teatro.

Mucha gente viene a Madrid a ver musicales, es una actividad.
Sí, totalmente. Habíamos venido porque alguien nos había regalado las entradas, y nos volvimos a Galicia.

¿Recuerdas si te gustó?
Recuerdo alguna escena, algún flash… ¡era bastante pequeña!

Claro, quién te iba a decir que un periodista te iba a pedir una reseña tantos años después.
Ya, ya, ya… (risas)

¿Hay alguna etapa de ABBA que sea tu favorita? ¿Algún disco favorito o canción favorita que no sean los típicos?
Casi todas son bastante greatest hits, mi favorita es ‘Our Last Summer’, que es de la época final del grupo. No la última, pero que tampoco es del principio. Y otra que tampoco es greatest hit es la de ‘Angel Eyes’. Toda su discografía me encanta. Si tuviera que elegir sus dos mejores canciones, diría ‘Thank You for the Music’ y ‘Dancing Queen’. Superar esos temazos… Y en general en casa tenía varios discos y siempre los he escuchado un montón, de todas sus épocas.

Toda esta fascinación no se refleja en tu música, ¿verdad? ¿Quizá melódicamente?
No, yo creo que no demasiado y en otros sentidos, no. Sí que es verdad que a nivel composición no es justo lo que yo quiero hacer para mi proyecto, pero es música con la que crecí. De manera inconsciente está ahí pero no es una referencia que yo coja en plan «quiero hacer algo como esto».

Muere a los 25 años Søren Holm, cantante de la banda danesa LISS

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Søren Holm, líder de la banda de R&B-pop e indie-pop danesa LISS que pasara por nuestra sección «Revelación o timo» en el año 2016 con motivo de su single ‘Sorry’ y de su fichaje por el sello XL, ha muerto a los 25 años tal y como ha informado la formación a través de las redes sociales. Se desconoce, por el momento, la causa del fallecimiento.

«Con el corazón en pedazos os informamos de que nuestro querido Søren murió el martes. Søren era la persona más dulce, divertida y hermosa que hemos conocido, una persona que siempre cuidaba de los suyos. Estamos devastados», firman los integrantes de LISS Villads, Vilhelm y Tobias, que piden «paz y tranquilidad» mientras lloran la muerte de su compañero de grupo.

LISS publicaron su primer EP ‘First’ en 2016 después de trabajar con el productor de The xx Rodaidh McDonald en su single doble ‘Try/Always’. Nunca llegaron a lanzar un álbum pero en el último par de años han publicado su segundo EP ‘Second’, el tercero ‘Third’ y han ido estrenando otros sencillos como ‘Only Kisses’, ‘Another Window’ con Bullion con Vera o el doble ‘Precious / Leave Me On the Floor’. En 2019, LISS telonearon a Vampire Weekend en una serie de fechas de su gira europea.

En sus inicios comentábamos que «sus melodías son cálidas como la chillwave, han reconocido en las entrevistas que les obsesiona la idea de lo que es el soul en 2015 -lo que inmediatamente les vincula con James Blake- y también es necesario al hablar de ellos mencionar la influencia del nuevo R&B (Rhye, AlunaGeorge) y el viejo (Terence Trent D’Arby)». Os dejamos con algunos de sus singles, algunos lanzados este mismo año.