Poca broma el parecido entre la T de la portada de ‘Justice’, el disco de Justin Bieber que ha salido esta noche y el logo de Justice, cuya T en mayúscula es una cruz. Lejos de ser una coincidencia, el dúo francés ha enviado un «cease and desist» para que Justin Bieber deje de utilizar dicho logo en Estados Unidos y en el extranjero, pues Justice han actuado reiteradas veces en Estados Unidos (su segundo disco fue top 40 en el Billboard 200 pese a su origen francés), y tienen pruebas de que Bieber es perfectamente consciente de la coincidencia.
De hecho, según su testimonio, en mayo de 2020, el equipo de Justin Bieber los contactó vía mail para que el equipo de diseño gráfico de Justice «discutiera un logo». Indican: «Intentamos acordar una llamada entre el equipo de Bieber y nuestro diseñador, pero la llamada nunca pudo ser completada y la conversación terminó allí. Nadie mencionó ningún disco llamado ‘Justice’. La primera vez que vimos algo de eso fue el anuncio del disco».
En los documentos a que han accedido Rolling Stone y Pitchfork aparece la marca registrada en Francia en 2008 e indican a Bieber: «Tu uso de la marca es ilegal. No has recibido permiso de Justice para utilizar esa marca. El trabajo de Bieber no está asociado, apoyado ni patrocinado por Justice. Este uso de la marca no solo es ilegal sino que es probable que confunda a los consumidores».
Justin Bieber no se ha dejado amargar por todo esto y celebra el día de lanzamiento de ‘Justice’ con un vídeo para ‘Peaches’ -un tema de ritmo funky y guitarrita indie, a la moda- en el cual conduce un coche al cual se suben los colaboradores del tema Daniel Casear y Giveon. Además, ha colocado otro tema encabezando la codiciada playlist de Spotify “Today’s Top Hits”: ‘As I Am’ con Khalid.
Por lo que pudiera pasar, aquellos fans de Bieber que lleguéis aquí, compraos cuanto antes vuestra copia con esta portada de ‘JusTice’.
Este miércoles 17 de marzo ha fallecido a los 87 años Antón García Abril, rodeado de sus cuatro hijos. Así se ha comunicado a través de su canal de Facebook oficial. Suyas son algunas de las melodías televisivas y cinematográficas que tenemos grabadas a fuego en nuestra mente. Como han sugerido Los Pilotos en Instagram, bien podríamos considerarle nuestro Ennio Morricone particular.
Suyas fueron las bandas sonoras de ‘El hombre y la tierra’, icónica y agitadísima, de ritmo trepidante como ya hubiera querido ser la televisión de la época, una grabación que parece unos 30 años avanzada a su tiempo, como veis); o la maravillosa banda sonora de ‘Sor Citroën’. Precisamente le recordábamos cuando en 2008 fallecía el guionista de esta película, Pedro Masó.
Músico de conservatorio curtido en Madrid, Valencia y también en el extranjero, García Abril terminó siendo uno de los grandes defensores de la melodía y de la música popular, pese a su formación académica, como recuerda El País en su obituario. En su trabajo también encontramos las bandas sonoras de ‘Curro Jiménez’, ‘Los santos inocentes’, ‘La colmena’, ‘Fortunata y Jacinta’ o ‘Brigada Central’.
Entre los discos que os presentábamos en el último «Ready for the Weekend», está el segundo de The Anchoress. Muchos recordaréis que se trata del proyecto de Catherine Anne Davies, quien el otoño pasado sacó un disco junto a Bernard Butler, presentado por un pedazo de tema llamado ‘Sabotage’.
Su segundo álbum como The Anchoress se ha promocionado recientemente con un vídeo para el tema colaborativo junto a James Dean Bradfield (como veis, va de Brit Pop), una canción llamada ‘The Exchange’. Pero no es necesariamente la mejor que encontraremos en este álbum que se llama ‘The Art of Losing’. Una de sus composiciones se llama ‘Let It Hurt’ y en ella los golpes que recibimos («ouch») son representados por la voz de Catherine Anne Davies, aún muy próxima a la de Chrissie Hynde. Pero es el corte titular el que escogemos hoy como «Canción del Día».
Y lo es por varias razones. Si The Anchoress a veces se puede sumergir en el pop de cámara y el clasicismo de Kate Bush, en este caso lo hace en un medio tiempo de pop sintético, sonando próxima a gente tan interesante, rica y variada como Bat for Lashes, Florence o St Vincent. El modo en que se crece la canción recuerda en trucos a algunas producciones de New Order. En segundo lugar, la canción nos habla ciertamente de la «pérdida», apelando a muchas de sus formas: una violación, el alcohol, la muerte, el no perdonarse a uno mismo…
Y en tercero, todo este escenario se ha visto enriquecido por un curioso «lyric video» en forma de periódico que nos va revelando los entresijos de la creación de este disco en forma de noticia. En un momento, The Anchoress nos revela que mientras trabajaba en las guitarras de esta canción, la llamó su madre para decirle que su padre había muerto. En otro, nos explica que esta canción es temáticamente la que explica todo el álbum. La punta del iceberg de un disco con varias canciones que pueden doler.
Robe de Extremoduro comunica a través de su Facebook que el grupo cancela la que tenía que ser su gira de despedida, dadas las circunstancias por todos conocidas debido a la pandemia. En principio es un aplazamiento, pero después de dos aplazamientos, Robe se niega a un tercero, y considera que para cuando se puedan hacer los conciertos que había previsto, «quizá no tenga sentido». Por eso, espera que Live Nation devuelva el dinero: «Confiamos en que no os pongan ningún problema para recuperar el importe integro». Foto: Facebook.
El guitarrista del grupo, Iñaki Antón, asegura que desconocía esta decisión, a la que califica como «unilateral» del cantante, y asegura que tratará de retomar los conciertos. En esa línea se ha manifestado la citada promotora Live Nation, que ha respondido que la decisión de Robe es «unilateral» y que están trabajando para aclarar la situación: “Queremos manifestaros nuestra sorpresa e incredulidad ante el comunicado unilateral emitido por Robe frente a los compromisos firmes de Extremoduro y su representante, respecto a los conciertos programados para la gira de despedida, cuando en el mismo anuncia la publicación de su disco y conciertos en solitario. Estamos trabajando intensamente para aclarar la situación. Cuando conozcamos su alcance os informaremos”.
Robe explica en su texto que está a punto de sacar un disco en solitario esta primavera, que presentará este año en las circunstancias que nos vengan dadas en otoño, después de haberlo tenido guardado en un cajón mucho tiempo porque el álbum iba a salir tras la gira. Este es el texto íntegro de su Facebook: «Dije que tocaríamos por cojones, pero ahora ya no estoy tan seguro.
De momento, lo único seguro es que este año no va a poder ser.
Ya hemos aplazado dos veces. Primero aplazamos al otoño de 2020 y luego a la primavera de 2021. No tiene sentido volver a poner fechas para 2022 sin tener la más mínima seguridad de que se vaya a poder hacer.
No queda otra que adaptarse y hacer otro tipo de espectáculos más acorde con la situación que estamos atravesando.
Y cuando todo se arregle, reprogramaremos la gira si es que para entonces todavía sigue teniendo algún sentido.
Respecto a las entradas, confiamos en que la empresa promotora, Live Nation, no os ponga ningún problema para recuperar el importe integro».
Sobre su nuevo álbum, indica: «Tengo guardado en un cajón un disco de Robe. La idea era sacarlo después de la gira de Extremoduro. O sea, que deberíamos haberlo sacado en octubre del año pasado. ¿Hasta cuándo lo vamos a dejar guardado, otro año o quién sabe si más aún?
No puedo hacer eso. No puedo seguir parado indefinidamente hasta que nos dejen hacer conciertos de treinta mil personas. Es necesario adaptarse y hacer conciertos más pequeños que cumplan la normativa que nos impone el Covid en cada momento.
Estando así las cosas, sacaremos el disco esta primavera y empezaremos a hacer conciertos de Robe en otoño y seguiremos tocando durante el año que viene.
Besos y abrazos.
Robe».
The Parrots estrenan hoy un nuevo single llamado ‘Maldito’ en el que han colaborado con C. Tangana, lo cual era bastante imprevisible en los días en que Alex (también conocido por su trabajo como actor, por ejemplo en ‘Paquita Salas’) era novio de Carlota Cossials de Hinds, justo en los tiempos en que a Puchito le dio por cantar “Carlota Cossials, quiero casarme contigo”. ¿Nadie recuerda aquel mítico tuit «pasa del Álex»? Sigue online, si bien, por otro lado, en las entrevistas de la época, The Parrots reconocían que les gustaba C. Tangana.
Lo cierto es que The Parrots fueron de los primeros grupos de rock en reivindicar algo “urbano” cuando versionaron ‘Soy peor’ de Bad Bunny, mucho antes de que a este le diera por sacar un disco cada 3 días. Este ‘Maldito’ que avanza nuevos disco y dirección para The Parrots es una canción de post punk, lo cual no es una novedad del todo para El Madrileño, pues este ya colaboró con sus colegas de ANTIFAN, pero viene a recordar que, por mucho que haya colaborado con Calamaro y Toquinho, no se olvida del underground: acabamos de averiguar que en una semana también le oiremos en el EP de Sen Senra, cuyo tracklist puedes consultar aquí.
Si ‘Maldito’ es una canción que habla de despecho (“No sé si estoy contento porque ya te has ido o triste por ser libre otra vez”) y muerte (“las flores se pudren y la juventud se me escapa”), el vídeo dirigido por Rogelio y producido por Canada, lleva las cosas al extremo. Entre Tivadar Kosztka (como apunta un comentarista de Youtube) y esos distintos escenarios de Madrid como retratados por Álex de la Iglesia, C. Tangana es una especie de mendigo-zombie “already dead” que persigue a un anciano Fernando Conde, rodeado de un predicador-ángel y un cantante-demonio, interpretados por el dúo formado por Álex y Diego.
Renovamos nuestra playlist de pop nacional o cantado en castellano, llamada «Sesión de Control», comenzando con el temazo que acaban de sacar Los Pilotos (algunos miembros de Los Planetas), junto con Pedrina; uno de los no-singles del nuevo disco de Axolotes Mexicanos; y el nuevo sencillo de Maren.
Olaya de Axolotes se ha encargado precisamente de hacer la portada del single debut del trío de Valdavida (León) Teleclub, que saca sencillo en la colección New Adventures In Pop de Elefant. En el mismo sello podemos escuchar al fin el nuevo single de Maria Rodés y La Estrella de David tras un problema en su subida a Spotify. ‘Zombi’ es la nueva entrega del dúo. Entre quienes también sacarán álbum pronto, el proyecto de la cantante Verde Prato, que está a punto de debutar con un proyecto basado en la tradición oral vasca, del que os presentamos la única canción en castellano de su disco, que es la que acaba de salir.
Mushroom ha fichado a la valenciana Jimena Amarillo (en la imagen), en algún lugar cercano de lo antiguamente conocido como música urbana; hablando de la cual hay nuevo tema de Ly Raine y por otro lado del actor ARON con Miqui Brightside. Tommy 3 balas tiene nuevo EP en ciernes y entre los artistas que tampoco quieren casarse con ningún género están Galgo Lento y Vic Mirallas.
El malagueño Sarria publica su debut el 21 de mayo y nos deja oír otro de los adelantos, un ‘Fundido a negro’ entre ecos a R.E.M., The La’s y los Beatles. Otro clásico referenciado parece el sonido Beach Boys en el single del madrileño Rothrigo. En esa línea preciosista, los mallorquines Da Souza continúan dando a conocer las canciones de su EP para abril. Núria Graham pone el punto solemne con el piano de ‘At Last’, mientras Sílvia Pérez Cruz canta en el tema que ha sacado Guillem Roma sobre el cambio climático.
Desde Sonido Muchacho, Depresión Sonora publica otro de sus singles de jangle pop y post punk. A la misma época, pero de una manera más sintética, nos lleva la castellonense Xenia, que ha sacado EP. Una década más adelante, la canción de Marta Movidas comienza como una producción de la era trip-hop de la era Neneh Cherry para luego irse hacia otra cosa.
El tercer single de la madrileña Jandry Palms suena como un cruce entre Linda Mirada y Tame Impala. También en la psicodelia se sumerge el sevillano Riverboy, que tiene nuevo single. Corea La Buena, ganadores del Concurso VodafoneYU nos traen un extra de su debut del año pasado, que podría haber sido un single principal del mismo.
Otros que han sacado EP son Colectivo Da Silva, y completamos la playlist con los gallegos Tulip, el dúo formado por Marta González (Wild Balbina) y Oscar Ranha (Dois, Seda); la exitosa Yarea; Terry vs Tori; Nurk, Emilia, Pardo y Bazán y el nuevo single del sexteto BRUNA. Cerramos con la canción de Kidd Keo, que acaba de lograr dar el salto del underground al top 100 en España.
La composición de Axolotes Mexicanos dice mucho de lo que están significando en el pop independiente español: lidera la banda la compositora e ilustradora Olaya Pedrayes; su hermano Juan toca la batería y es co-autor, a la par que miembro de Carolina Durante; también entre los autores de ‘Cayetano’ milita el guitarrista Mario del Valle, ahora también conocido por su temerario (sorry) proyecto «Temerario Mario»; el bajista es Stephen Please; y en los últimos tiempos también se ha hecho un nombre el guitarrista Lucas de la Iglesia, recientemente nominado al Premio Ruido a mejor disco del año, muy merecidamente, por su trabajo como Confeti de Odio. Podemos emperrarnos en verlos como un cruce entre Los Punsetes, Airbag y grupos de la hornada L Kan, pero aquí cada vez hay más tela que cortar, por si no había quedado claro en aquella portada en que escondían un puñal en la mano.
El sello Elefant, hogar de La Casa Azul, La Bien Querida y ahora Soleá Morente, presume sobre el lanzamiento de este disco: «no nos cansaremos de decirlo: Axolotes Mexicanos han sido y van a ser el germen de muchas cosas». ¿A qué pueden referirse? El grupo de los hermanos Pedrayes continúa utilizando el amor y el odio extremos casi sin medias tintas, siendo palpable el contraste nada más comenzar el disco con ‘Opening’, una canción sobre el «hate» más absoluto (“la chapa que me das no lo puedo soportar / me entran ganas de potar”)… tan solo para pasar a algo tan tierno y naíf como ‘Cara de idiota’. Es el mensaje desde la producción musical el que se va enrevesando.
Una vez escuchado este nuevo álbum, es difícil no ver a Axolotes Mexicanos cada vez más lejos del punk pop a lo Fresones (a los que aún recuerdan alguna vez, como por ejemplo en un pasaje de ‘Verano en espiral’), para situarse más bien en la estela de jóvenes creadores como PUTOCHINOMARICÓN o, en el plano internacional, gente como Poppy. Una parte del disco debe sus mejores ideas a su pasión por el pop japonés, y ahí podemos citar ‘Oshare Kei’, el vídeo de ‘Que te pires’ o los arreglos de ‘Quiero que vengas’. Y otra incluso se acerca al metal como las locas guitarras de ‘Que te pires’, canción en la cual la batería se permite el lujo de recrear un beat tipo reggaetón.
Como en la generación Z, lo más importante que hay en este disco son sus pocas ganas de casarse con alguien y eso hasta llegar más lejos que La Casa Azul. Si el proyecto de Guille Milkyway es una referencia obvia, ‘Vergüenza’ se acerca a la PC Music como ya hicieron en ‘Salu2’ (y un poquito al rap) como este no ha querido, con lo que le pegaba; mientras ‘Opening’ arranca el disco con una fanfarria que ni el primer disco de Manel. Con una melodía de canción tradicional, una que podría haber cantado Paloma San Basilio, la mencionada ‘Vergüenza’ es una de las mejores composiciones de Axolotes Mexicanos, con una Olaya que sabe hacer de su interpretación entregada cuasi ahogada un gancho, un recurso que también le funciona muy bien en la excelente ‘Te quiero (…)’.
Esa segunda mitad del disco en la que aparece este tema puede ser algo menos excitante que una primera en la que ‘Verano en espiral’ nos ha recordado lo mismo a Klaus&Kinski que a Triángulo de Amor Bizarro (Carlos Hernández ha mezclado y masterizado), y ‘Cuando_estoy_contigo.mp3’ a los primeros Planetas. ‘Gotelé’ como balada con cuerdas sintéticas es muy digna, pero rompe un poco el dinamismo de un álbum que parece estar terminando más o menos desde ‘No sé si llamarte’… pero no. Con todo, y dados los dos acercamientos y medios al género de la balada, es un acierto que el disco se cierre con la teatral ‘Ending’, entonada por Juan en este caso, con el encanto de la excepcionalidad que también tenía Santi Capote como vocalista muy ocasional de Ellos. Axolotes evolucionan y son cada vez más impredecibles: por favor, que lo haga el discurso de sus «haters».
La música de Laura Mvula está sufriendo un cambio radical. La conocimos y adoramos gracias a un debut que llegamos a comparar con los hermanos Gershwin, un ‘Sing to the Moon’ que al menos yo entendí como uno de los discos clave del siglo XXI, aunque fuera en letra pequeña. Podía ser una de las herederas de Amy Winehouse, pero en su versión clásica.
Tras un segundo disco también notable, ahora vuelve con un tercero llamado ‘Pink Noise’, que no sale hasta el 2 de julio, y cuyos adelantos están revelándose como una sorpresa. El primero era un acercamiento a Grace Jones que descolocaba llamado ‘Safe Passage‘; el nuevo que conocemos hoy es más inmediato.
En el nuevo single ‘Church Girl’, nuestra “Canción del Día”, la producción está revestida de trucos ochenteros. Prince podría ser una referencia y, de hecho, en un comunicado, Laura Mvula indica que nació en 1986 y que por eso quería rendir homenaje a la “era de las hombreras”; pero a su vez la canción no suena retro en el sentido de Dua Lipa o The Weeknd. En absoluto va por ahí. Puede haber algo en sus ambientaciones que nos sitúen más bien en el entorno de Santigold o de gente retrofuturista como Twin Shadow, pero también pervive algo muy clásico que nos hacen continuar pensando en los Gershwin. ¿Será alguno de los cambios melódicos?
Laura Mvula explica cómo la música de baile se ha convertido para ella en símbolo de libertad, y dice que cree que este es “el disco que siempre quiso hacer”. En ‘Church Girl’ explica cómo quiere diferenciar su propio “yo” de su “historia”: “yo no soy los pensamientos en mi cabeza, ni las cosas que consigo, ni la forma de mi peinado. Ya no bailo con «el demonio a mi espalda». Disfruto a la luz de mi verdadero yo, un yo más profundo”.
En sintonía con todo este cambio, Laura Mvula publicó recientemente un EP llamado ‘1/f Version’, en el que revisitaba canciones antiguas como ‘Sing to the Moon’, ‘Show Me Love’ y ‘Green Garden’.
Zahara publica el 30 de abril un nuevo disco, del que hemos ido conociendo temas como ‘MERICHANE‘, ‘canción de muerte y salvación‘ y ‘Taylor‘. La portada de estos singles era respectivamente una A, una T, y una U, de manera que muchos usuarios habían ido adivinando que lo que se estaba formando era la palabra PUTA al revés; y que por tanto este sería el título de la continuación de ‘Astronauta‘.
Así es confirmado por la propia cantante en Instagram, donde explica por qué tomó esta decisión (las negritas son nuestras): «Hace casi dos años ya sabía que mi próximo disco se llamaría PUTA y que cerraría la trilogía que empezó con Santa. Yo quería hacer un disco con el que, solo con leer su título, sintieras la incomodidad con la que tenemos que vivir nosotras. Quería hacer un disco que hablara de esas historias de dolor y culpa«.
Continúa: «Lo que no sabía ni esperaba es que acabaría contando la mía propia. Que al empezar a abrir y quitarme las capas de protección llegaría a algo terrible, a algo oscuro y dañado que mostrar al mundo. Que acabaría exorcizando mis demonios, exponiendo mis manchas negras a la luz, dejando que se vieran mis imperfecciones. En cada canción ahondaba más en las grietas, me sumergía más profundamente en ellas, vomitaba más rabia, más miedo y eso hacía que se alejara la vergüenza. Cada una me hacía más libre; como cuando escribía mis primeras canciones en la seguridad de mi cuarto y podía ser la niña que durante unos minutos no le tenía miedo a la vida.
PUTA está lleno de lugares incómodos. Desde su nombre a su portada, desde las propias canciones a cómo está cantado y producido. PUTA es mi historia, contada desde las heridas que supuran, desde la llaga y la carne abierta y PUTA es, también, parte de mi camino de sanación. Cuando tenía 12 años y me llamaban puta se me hundía el mundo. Sentía que todo lo que me pasaba era porque me lo merecía y solo quería desaparecer si alguien me atacaba con esas cuatro letras.
Escrito aquí, al lado de mi nombre, ha perdido todo su significado. Puedes decírmelo a la cara. Ese insulto que he recibido durante toda mi vida ya no me hace daño, está vacío de contenido. Esa incomodidad, ya no es mía.
Ahora tú que estás ahí, al otro lado, tendrás que decidir qué hacer con ella».
A través de la web oficial, se han puesto a la venta diferentes ediciones, algunas firmadas, por lo que además queda desvelado el tracklist del álbum.
1 flotante.
2 MERICHANE.
3 canción de muerte y salvación.
4 TAYLOR.
5 SANSA.
6 berlin U5.
7 RAMONA.
8 negronis y martinis.
9 médula.
10 joker.
11 DOLORES.
Demi Lovato es protagonista de una docu-serie de cuatro capítulos llamada ‘Demi Lovato: Bailando con el Diablo’ que se ha estrenado en la nueva edición del festival SXSW. En este relato afronta sus problemas con las drogas y el alcohol, y la bulimia, que han estado a punto de costarle la vida, y en ese marco cuenta que la noche en que sufrió la fatídica sobredosis, que le ha dejado secuelas como una ceguera parcial, sufrió una violación.
La artista acusa al camello que le proporcionó la droga. Al despertar en el hospital le preguntaron si había tenido sexo consentido, y aunque en un primer momento le vino un recuerdo confuso y dijo que sí, después se dio cuenta de que no estaba en estado mental para consentir nada. “No fue hasta un mes después de la sobredosis que caí en la cuenta”. A raíz de ello, Demi Lovato indica que no es la primera vez que ha tenido una experiencia así, pues su primera relación sexual también fue sin consentimiento.
“Perdí mi virginidad en una violación. Al cabo de un mes llamé a esa persona e intenté arreglarlo poniéndome al control de la situación, pero eso fue incluso peor (…) No tuve una primera vez romántica. Eso no fue para mí, eso fue una mierda. Y entonces tuve que ver a esta persona todo el rato hasta que dejé de comer y lo tuve que sobrellevar de otras maneras”, indica en el documental, como recoge el NME o todas las agencias internacionales, y por tanto la prensa generalista.
La cantante indica que estos hechos tuvieron lugar cuando formaba parte de “aquel personal de Disney que públicamente decía que estaba esperando hasta el matrimonio”, y cuenta que los hechos nunca produjeron que el autor de la violación perdiera su papel en la película en que participaban. Este es el tráiler de dicho documental.
Uribes, ministro de Cultura y Deportes y uno de los peor valorados del gobierno según el CIS, ha concedido una entrevista a Rockdelux, en persona y después de varias semanas de retrasos. El director de la revista Santi Carrillo se ha desplazado desde Barcelona al Ministerio sito en Chueca para charlar con él sobre cuestiones como el ansiado Estatuto del Artista (que espera que se ejecute en esta legislatura), la petición de bajar el IVA cultural (no es una opción rebajarlo, Uribes insiste en que «si bajamos el IVA hay menos recursos que entran al Estado») o las ayudas de los fondos europeos por la pandemia.
El ministro insiste en varias ocasiones en que España es el único país de Europa en que se ha logrado mantener en activo la música en vivo, aunque los eventos masivos lógicamente no hayan sido una opción, y cuenta que es habitual que atienda entrevistas internacionales para explicar esta cuestión. «Somos el único país de Europa que ha hecho eso. París tiene cerrados los cines, los teatros, los conciertos; nosotros no. Cuando dependía de mí, lo hice directamente, y cuando ya las Comunidades Autónomas tomaron el testigo después del primer estado de alarma, mis conversaciones con ellos siempre han reafirmado el hecho de que la cultura es un lugar seguro, un espacio seguro, y que, por tanto, hay que preservarla».
Cree que, al respecto, en Financial Times «casi le han acusado de imprudente»: «Somos la excepción cultural europea, por eso me llaman del ‘Financial Times’, o el otro día de una revista italiana de arte, también de una revista alemana, porque están sorprendidos de que España, que tiene índices de contagio similares a los de otros países, a la cultura se la ha protegido en los términos que le decía: cultura abierta y cultura de ayuda; ya sé que nunca es suficiente, pero todo lo que hemos podido hacer desde el gobierno lo hemos hecho. Y esa es la vía (…) El riesgo, lo tenemos ya todos claro, está en las fiestas que se hacen en las casas privadas o en algunos lugares donde la gente se relaja, se quita la mascarilla y donde, digamos, hay un contacto físico. Ahora, ¿un concierto se puede organizar siguiendo los protocolos? Claro que se puede. Yo, este pasado verano, asistí a algunos. No solo de música clásica, que he ido a muchos, sino también de ópera o de zarzuela».
Uribes cuenta en la larga entrevista que se han «triplicado las ayudas a la música con respecto a 2019, ya que el daño es muy grande»; y explica cómo se van a repartir los fondos europeos (900 millones de euros) en tres áreas: deporte, por un lado; teatro, danza, música, circo, Bellas Artes y el libro, por otro; y finalmente una parte audiovisual en la que Uribes subraya la importancia del videojuego, no solo las series y el cine.
Habla también de cómo ha charlado con Alejandro Sanz de las devoluciones de entradas para eventos que no se han podido realizar y se han pospuesto (que en el caso del autor de ‘Corazón partío’ solo han sido del 10 o 15%), y quizá una de las partes más curiosas de la entrevista es ver a Uribes hablar de música realmente. Para muchos parece más bien un ministro de Deportes, pero en un momento defiende que «no es un despropósito» que Cultura y Deportes formen parte del mismo ministerio. Cuenta Santi Carrillo que el ministro gana en las distancias cortas, el mismo Uribes reconoce en un momento que tiene un «problema de comunicación», y curiosamente termina contando algo de lo que rara vez habla: sus gustos musicales.
Además de tener un hijo de 23 años aficionado a la electrónica, recuerda sus tiempos como seguidor de U2, Depeche Mode, Talking Heads, los Smiths, Immaculate Fools y La Dama Se Esconde, entre otros. Preguntado por algo actual, cita a Vetusta Morla; y en cuanto a series se declara fan de ‘Antidisturbios‘. Ahora está viendo ‘The Crown‘. La entrevista completa, aquí.
Había muchos grandes nombres entre las actuaciones de los Grammy 2021, y aunque no hubo sorpresa tamaño Adele, y a pesar de que estaba el impedimento de organizar una ceremonia normal a causa de la pandemia; varias actuaciones sí podrán pasar a la historia.
Rápida en subir su vídeo de manera oficial a Youtube, y acumulando casi 10 millones de visualizaciones en el primer día, la reina de la noche parece Dua Lipa, que se hizo además con el premio a Disco de Pop del Año. La cantante hizo un popurrí de su single actual (‘Levitating’ con DaBaby) y su mayor hit de esta era (‘Don’t Start Now’), apegado a la estética fitness que tantas alegrías nos ha dado… pese a lo que pareció en un principio.
En el show de Dua Lipa vemos atendiendo a Bad Bunny, tan decidido que parece va a entrar de un momento a otro. En la actuación de Billie Eilish, hay planos de Harry Styles, con una boa de plumas, y Haim, pegadas a sus instrumentos. Una tontería que aportó bastante dinamismo mientras Eilish cuidaba su rasgo distintivo: la preciosidad minimalista. Billie subida en un coche, susurrando; Finneas en la oscuridad, soltando unas bases. Una batería que se incorpora poco a poco y da cuerpo a la canción. Otro gran set de Billie.
Taylor Swift, ganadora del Grammy a Álbum del Año por tercera vez, ofreció un bonito medley comenzando con ‘cardigan’ tumbada en la casa de la pradera, y pasando a ‘august’ y ‘willow’, ya dentro de dicha casita, y acompañada de Aaron Desner de The National y su actual mano derecha, Jack Antonoff.
Perjudicadas porque no se ha subido su set a ningún lado de manera oficial, Megan Thee Stallion y Cardi B sí se han llevado unos cuantos titulares por la cantidad de fotazas y memes que ha dejado su presentación de ‘WAP’, tan sexualizada y de piernas abiertas como la propia canción, una celebración del sexo femenino en toda su expresión, como podéis observar. Sonó algo enlatada, ¿pero a alguien le importó? También sonaron el remix de ‘Savage’ aunque Beyoncé no se subió al escenario para su parte y ‘Up’.
Bad Bunny y Jhay Cortez optaron por un escenario con forma de ojo (un símbolo en la discografía de Bad Bunny), de neón, laberíntico y minimalista. Muy modernete y oscuro como la base de ‘Dákiti’: nada de lo que hace unos años hubiéramos asociado a una fiesta latina.
Bad Bunny, el artista más importante en español del último año, interpretó junto a Jhay Cortez el tema 'DÁKITI'. #GRAMMY's pic.twitter.com/SCnoPIhIaz
Entre los diversos homenajes de la noche (hubo uno a Marvin Gaye en la pre-ceremonia, por el que apareció hasta Camilo), Bruno Mars se calzó el disfraz de rockero junto a Anderson .Paak (su colega en ‘Leave the Door Open’, que también sonó), y se mostró totalmente a gusto en un popurrí de Little Richard, ‘Tall Sally’ y ‘Good Golly Miss Molly’. Haim dieron esa visión de crudeza y rugidos destartalados haciendo ‘The Steps’ en un hipnotizante formato circular.
— No Instante – A informação agora (@NoInstante_n10_) March 15, 2021
Finalmente, cuando la gala estaba ya próxima a expirar, BTS ofrecieron una actuación muy dinámica, con bastante edición, coreografiada, y situada en las distintas partes de un edificio. Así lució ‘Dynamite’.
A juzgar por la temática y los personajes de sus últimos vídeos, Justin Bieber parece empeñado en demostrar dos cosas: 1) que sigue siendo un chico “normal”, que en el fondo es el mismo joven de origen humilde que cumplió el “sueño americano” hace diez años, que no reniega de sus orígenes proletarios, que sí, que él también vivió en una VPO y sus padres no llegaban a fin de mes… Y 2) que no es racista, que no es como la realeza británica, que sus parejas pueden ser afroamericanas, asiáticas, hispanas… A él le da igual.
En el dramón romanticón ‘Hold On’, como en ‘Holy’, Bieber vuelve a interpretar a un obrero. Llega a casa con su mono de obrero, y le pasan cosas de obrero (estadounidense): su pareja (interpretada por Christine Ko, conocida por series como ‘Dave’ y ‘Upload’) está enferma y no pueden pagar los gastos médicos.
Eso sí, la solución que encuentra es muy poco obrera. Nada de asociarse ni luchar para intentar cambiar un sistema sanitario injusto. Mejor pinto de negro una pistolilla de juguete, apunto a la cámara como Travis Bickle en ‘Taxi Driver’, e intento robar un banco como un forajido en el salvaje oeste.
‘El Madrileño’ de C. Tangana se mantiene en el número 1 de la lista de discos más populares en España, ahora sí certificado como disco de oro por la venta a lo equivalente a 20.000 unidades.
Camilo es entrada directa al puesto 2 con el digno ‘Mis manos’ tras su promoción en ‘El Hormiguero’ y la buena aceptación de singles como ‘Ropa cara’, ‘BEBÉ’, ‘Vida de rico’ o ‘Machu Picchu’, que entra al puesto 20 de singles (más abajo lo hacen otros temas del álbum). Maria Arnal i Marcel Bagés logran una muy meritoria entrada al puesto 3 con el excelente ‘Clamor’, tras haber llegado al puesto 22 con el disco anterior y haberlo convertido en un sleeper. Además, este álbum es número 1 en la lista de vinilos más vendidos del país, desplazando a Shinova.
De esta lucha por el podio han quedado descolgados David Otero con ‘Otero y yo’, que ha de conformarse con el puesto 6; y Kings of Leon, que no aparecen hasta el puesto 13 con ‘When You See Yourself’ pese a ser el disco más vendido de la semana en Reino Unido. Zara Larsson llega al número 59 con el notable ‘Poster Girl’, disco que ha conseguido colocar en el puesto 12 en Reino Unido y en el número 3 en Suecia.
Otras entradas son las de ‘Shake Your Money Maker’ de Black Crowes en el puesto 32, ‘Road to the Sun’ de Pat Metheny en el puesto 48, ‘Retumban2’ de OVI en el número 79, y ‘Let’s Dance’ de Bowie en el 87 debido al buen funcionamiento de su vinilo.
El remix de ‘Ella no es tuya’ de Rochy RD vuelve al número 1 oficial de singles en España tras el paréntesis de ‘Ingobernable’ de C. Tangana, que baja del número 1 al número 2 ya certificada como disco de oro. Las 14 pistas de ‘El Madrileño’ continúan entre los 50 primeros puestos del top 100 oficial de nuestro país.
El movimiento más destacado de la semana es la subida de ‘911’ de SECH del puesto 18 al puesto 5, dispuesta a convertirse en una de las canciones del verano. Marca un nuevo máximo y es la subida más fuerte, aunque también marca un nuevo máximo ‘Solo’ de Omar Montes, Ana Mena y MAFFIO, que llega al número 7.
Camilo es la entrada más fuerte con ‘Machu Picchu’ (puesto 20), una de las canciones contenidas en su disco ‘Mis manos’, que es top 2 en España. El cantante colombiano también vuelve a subir al número 11 con ‘Vida de rico’ (ya fue top 7) y sitúa otras canciones de su disco en el top 100: ‘Bebé’ está en el 22, ‘Ropa cara’ en el 42, ‘Millones’ en el 79, ‘Kesi’ en el 84… y un par de temas más colaborativos que ya no están en el disco. En total, Camilo ocupa 9 de los 100 puestos.
Bad Gyal llega al número 50 con ‘Pussy’ acompañada de El Guincho, una entrada modesta si tenemos en cuenta que ‘Zorra’ sigue en el top 30 tras haber sido número 2, y certificada como triple platino. Modestas también son las entradas de artistas anglosajones como Bruno Mars con Anderson .Paak, que ha de conformarse con el puesto 90 en España (‘Leave the Door Open‘ ha logrado ser número 4 en Estados Unidos y número 20 en Reino Unido); y ‘Hold On’ de Justin Bieber, que llega al número 100 muy por los pelos.
El resto de entradas son ‘Además de mí’ de Rusherking en el 52, ‘Aloha’ de Maluma y un montón de gente más en el 64, ‘No toy en gente’ de Nickzzy en el 78, ‘Mi niña (remix) de Wisin, Myke Towers, Maluma, Anitta y Los Legendarios en el 84 y ‘Olvídate’ de Kidd Keo en el 92, este último siendo uno de los mayores éxitos de Youtube últimamente.
‘A todos los chicos: P.D.: Todavía te quiero’, ese título de película nivel ‘Soñando soñando, triunfé patinando’, será para Ashe una obra maestra. Porque gracias a que la segunda parte de la exitosa trilogía teen de Netflix incluyó su canción ‘Moral of the Story’, la estadounidense ha empezado a hacerse un hueco en el pop. Creció escuchando solo música cristiana, y fue después de que su abuelo le descubriese a Dylan o a Jefferson Airplane cuando su interés en la música empezó a crecer. En 2015 finalizó sus estudios sobre composición contemporánea y producción en el Berklee College of Music, y poco después empezó a recibir propuestas para poner su voz en temas house como ‘Sleep Alone’. Acabó girando con Louis the Child o The Chainsmokers, mientras componía para gente como Demi Lovato y buscaba la forma de dar salida a su propio material.
Es en 2018 cuando saca su primer EP, ‘The Rabbit Hole’, al que sucederían un año después las dos partes de ‘Moral of the Story’, producidas por FINNEAS, el hermano de Billie Eilish. Y precisamente el tema homónimo, con más de 300 millones de streams en Spotify, es el que le ha empezado a dar fama mundial… por ahora. Porque hace unos días Ashe lanzaba nuevo single de un debut largo que posiblemente llegue este año, ‘Till Forever Falls Apart’, que no solo está producida por FINNEAS (junto a Big Taste), sino que es un dueto con él.
La canción usa metáforas apocalípticas para hablar sobre un amor o una amistad (o ambas) que permanece unido a pesar de los obstáculos, hasta el punto de morir junto al otro: “if the tide takes California, I’m so glad I got to hold ya / if the Sky falls from Heaven above, oh I know I had the best time fallin’ into love” cantan ambos en esta actualización zeta de ese “and if a ten-tonne truck kills the both of us / to die by your side is such a heavenly way to die” que cantaba Morrisey. Todo esto se acompaña de un bonito vídeo para el que Ashe dice haberse inspirado en los bailes de Fred Astaire y Ginger Rogers. ‘Till Forever Falls Apart’ está funcionando muy bien, pero ¿será su trampolín definitivo, ya sin peli de por medio?
Nick Jonas llega a su cuarto álbum en solitario (el tercero realmente relevante si recordamos que tenía 12 años cuando grabó el primero), con un perfil algo más bajo de lo esperado. Hace ya casi 5 años desde que saliera ‘Last Year Was Complicated‘ -que para «año complicado», el pasado- y de alguna manera el exitazo del regreso de Jonas Brothers en 2019 con ‘Happiness Begins‘, incluyendo aquel absoluto macrohit desde el punto de vista comercial llamado ‘Sucker’, parece haberle quitado «punch» a lo que estaba siendo una digna carrera en solitario. ‘Spaceman’ llega al mercado sin singles de éxito ni grandes ideas promocionales, casi sin hacer ruido. Y es una pena porque artísticamente es un pequeño paso adelante para el artista.
‘Spaceman’ es un disco cohesionado y concentrado: se nota que está firmado por muy pocas manos. Y sin featurings. Obviando esa rocambolesca «Classics Editions» con viejos hits que se ha subido a plataformas para tratar de arañar a la desesperada puntos de streaming en OCC y Billboard, para nosotros la edición realmente «clásica» es la que cuenta con 11 temas hilvanados y dura 35 minutos.
Nick Jonas se ha hecho un pequeño lío dividiéndolo en 4 partes llamadas, como informa Universal España, «distancia», «indulgencia», «euforia» y «compromiso», pero eso eran ganas de complicarse la vida en vano: esos movimientos se le dan muchísimo mejor a su amiga Tove Lo. Lo relevante aquí es que las canciones fluyen unidas unas a otras, formando un buen todo, inspirándose en todo momento en las bandas sonoras y el pop más atmosférico de los años 80 y su revival reciente. Phil Collins, George Michael y Prince son referencias, pero también vienen a la cabeza en ocasiones Haim, M83 y la banda sonora de ‘Drive’, como se aprecia muy bien en ‘If I Fall’. ‘Delicious’ recuerda a ‘You Sexy Thing’; tremenda es la fantasía de falsetes que ha cabido en ‘Sexual’.
En ocasiones, Nick Jonas se ha quedado muy corto en la búsqueda del hit o patina en el intento. Uno tiene que frotarse los oídos al comprobar que la primera frase del tema titular y single principal es «Houston, tenemos problemas», dotando al tema de una comicidad que contrasta con la intensidad que pretendían transmitir los teclados iniciales y las cuerdas finales. E inmediatamente después suena ‘2Drunk’, un tema incompleto por diversas razones: le falta gasolina para ser un petardazo como los de Justin Timberlake con Timbaland y, si bien te parecía estar escuchando un nuevo intento de ‘I Want Your Sex’, lo que oímos en realidad desde el punto de vista lírico es una historia tristísima sobre alcoholismo en la que Nick Jonas concluye cosas tan insólitas para una persona de 28 años como que «nada bueno pasa a las 4 de la mañana». Respetando su visión, no se comprende cómo una letra tan torturada puede ir acompañada de una música esperanzadora, casi alegre.
El artista se ha sentado con Greg Kurstin (Adele, Sia, Lily Allen) y Mozella (‘Wrecking Ball’, la Madonna de ‘Rebel Heart’), y con casi nadie más, para escribir este disco y, aparte de ofrecer buenas canciones como el excelente single ochentero ‘This Is Heaven’ aderezado con un estupendo solo de saxo, quizá haya dado con un resumen de todo esto en una línea de ‘Death Do Us Part’. «Esto es caviar con algunas Pringles», dice en este tema de amor dedicado a su esposa, haciendo una metáfora medio involuntaria sobre la exquisitez de este álbum en algunos de sus puntos, pero también de su circunstancial brocha gorda.
Drake ha publicado recientemente un EP de tres canciones llamado ‘Scary Hours 2’. Si la primera parte ‘Scary Hours’ contenía uno de sus mayores éxitos, ‘God’s Plan’, este nuevo está siendo igualmente exitoso.
Pero además, Drake bate un récord nuevo por el camino, pues las otras 2 canciones de su EP debutan en los puestos 2 y 3 en la misma lista. Y es la primera vez en la historia que un artista debuta en el top 1, en el top 2 y en el top 3 a la vez. Son ‘Wants and Needs’ con Lil Baby en el puesto 2 y ‘Lemon Pepper Freestyle’ con Rick Ross en el puesto 3. Eso sí, no es la primera vez que un artista ocupa el top 3 del Billboard Hot 100 al completo, pues eso sí lo consiguieron antes que él los Beatles y Ariana Grande en la primavera de 1964 y en el invierno de 2019, respectivamente.
Asimismo, Drake también extiende su título de artistas con más top 10 de la historia de Estados Unidos, pues ya van 45 hits; y ya es el 4º artista de la historia que más semanas ha estado en la cima solo por detrás de Mariah Carey (84), Rihanna (60) y The Beatles (59).
En Reino Unido estos 3 nuevos temas han corrido algo de peor suerte, pero también han llegado al top 10: ‘What’s Next’ es número 4, ‘Lemon Pepper Freestyle’ es número 6 y ‘Wants and Needs’, número 10. Eso sí, se espera una segunda semana bastante mala en Reino Unido, con todos los temas bajando entre 13 y 24 puestos según las midweeks.
JENESAISPOP celebraba recientemente su 15º aniversario con un podcast conmemorativo. Debido a su «éxito» y tras la aclamación popular (unas 7 personas), dicho podcast pasa a ser regular, en concreto quincenal, bajo el nombre de REVELACIÓN O TIMO, analizando temas relacionados con la cultura pop. En este segundo episodio, el director del site Sebas E. Alonso y el co-fundador Claudio M. de Prado hablan sobre el alcance del fenómeno Rosalía y C. Tangana. Algunos de los temas que aparecen en este podcast son los siguientes:
-¿Por qué Rosalía y C. Tangana pueden ser considerados los actuales reyes del pop?
-¿Por qué generan tal animadversión?
-¿Puede ser ‘El mal querer’ el mejor disco en español de todos los tiempos?
-El vídeo explicativo de Jaime Altozano (aunque se nos olvida mencionarle)
-Los discos más vendidos de la historia de España: Alejandro Sanz, La Oreja de Van Gogh, Mecano…
-Los mejores discos de la historia de España: ‘Mediterráneo’, ‘Omega’, ‘Deseo carnal’…
-¿Es necesario recurrir a la tradición para hacer la obra maestra de tu vida?
-La importancia de ‘Antes de morirme’ y otros puntos de inflexión en su carrera.
-El contrapunto entre femenino y masculino en ‘El mal querer’ y ‘El Madrileño’.
-La inspiración atípica de ‘El Madrileño’: sabinismo y calamarismo.
-C. Tangana y Rosalía como «marca España».
-Pablo Tocino recuerda su entrevista con Rosalía para JENESAISPOP.
-Rosalía y C. Tangana aparecen en el libro editado por JENESAISPOP, ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘.
‘Te arrepentirás’ comienza con unos golpes de batería que remiten al ‘You Know I’m No Good’ de Amy Winehouse, y un diálogo extraído de ‘Kika’ entre Rossy de Palma y su hermano violador. El director Pedro Artola (autor de clips para Guitarricadelafuente o Sen Senra), recoge estas dos referencias y las traduce visualmente: Jedet con un peinado a lo Amy cantando por una Barcelona de aire retro que podría haber filmado Almodóvar.
Jedet pasea su desamor y amargura por un estiloso mundo decadente de colores pastel. El director utiliza una estética -sobre todo en la escena de la oficina- que parece inspirada en el cine de Aki Kaurismaki. Incluso el personaje que habla por teléfono recuerda a los actores de las películas del autor finlandés.
Justo a mitad del vídeo, la historia da un vuelco. La cantante aparece muerta en un ataúd tras ser… ¿apuñalada por un lanzador de cuchillos? Jedet sube a un cielo de ambientación grecolatina que está habitado por varias mujeres trans vestidas con los colores de la bandera transgénero. Un paraíso de sororidad que se rompe con una escena llena de simbolismo: la cantante aparece atada (oprimida) por unas figurillas que representan el canon occidental, de herencia grecolatina, de la belleza femenina.
En esta semana holgazana en que parece que nadie quería sacar gran cosa por si acaso a Adele le daba por pasarse por los Grammy y estrenar algo -lo cual no ha sido el caso-, vamos a recuperar uno de nuestros Discos Recomendados de 2021 para hacerlo «Disco de la Semana». En este caso se tratará de ‘Spare Ribs‘, aprovechando que hemos podido mantener una charla telefónica con Sleaford Mods, que publicaremos estos días. De momento el single ‘Nudge It’ es nuestra «Canción del Día».
‘Nudge IT’ es el típico tiro 100% Sleaford Mods, a medio camino entre The Clash, Blur y el fraseo de un Mike Skinner de The Streets, en el que en este caso han colaborado con Amy Taylor de Amyl & the Sniffers. Se trata de un tema de vocación punk y callejera que el dúo pasea por esas calles británicas a las que constantemente apelan en su música.
Jason Williamson se burla en este tema de alguien a quien llama «mimo» por estar jugando «mierdas», mientras Amy Taylor se suma para decir que no va a dar nombres pero que sí va a meter baza por «placer, fama y dinero». En el NME, contaba Jason con humor: «Me ha dicho Andrew sobre el final, que cuando Amy y yo cantamos juntos, le recuerda a ‘Grease'». Y aunque obviamente está de broma, lo cierto es que es una de sus canciones más accesibles.
No son pocos quienes intuyen en ‘Nudge It’ una canción de beef contra IDLES, a quienes se ha acusado de apropiarse del discurso de la clase obrera. En la citada entrevista se niegan a dar nombres, pero sí reconocen que esta canción es para ese tipo de grupos que se hacen fotos «en vaqueros a media asta contra pilares de hormigón» para parecer obreros. Sleaford Mods dicen que no tienen problema con la gente que se apropia de un discurso obrero con respeto, pero creen que hay artistas que llegan a ese discurso sin siquiera darse cuenta o ser conscientes de que lo están haciendo. Un tema que ha sido llamado por Gigwise el ‘Common People’ del siglo XXI, pero que además funciona melódicamente desprovisto de significado.
Está previsto que Sleafor Mods actúen el 23 de octubre en Madrid y el 24 de octubre en Barcelona.
Taylor Swift ha vuelto a ganar el Grammy a Álbum del Año por ‘folklore‘. Se trata de la tercera vez que se hace con el premio después de haberlo conseguido con ‘Fearless’ y ‘1989’. Aunque lo perdió de manera muy visible contra Daft Punk el año de ‘Red’, y llevaba unos años sin hacerse con el premio (los de ‘Lover’ y ‘reputation’), es la primera vez que una cantante femenina gana 3 veces el Grammy a Álbum del Año. Iguala a gente como Stevie Wonder o Frank Sinatra, y deja atrás a Adele. Sólo ingenieros y mezcladores han ganado este premio 4 veces: Tom Coyne, Serban Ghenea y John Hanes.
Taylor no ha sido la gran ganadora de la noche porque no se ha hecho con más galardón que este. ‘everything i wanted’ de Billie Eilish fue la grabación del año mientras la olvidada -si bien escalofriante- ‘I Can’t Breath’ de H.E.R. fue la canción del año. El disco de pop de la temporada 2020 fue ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, derrotando al propio ‘folklore’. Aunque todo esto pueda parecer una mala noticia para Beyoncé, la cantante sumó 4 Grammys menores, llegando a 28 en el total de su carrera y batiendo un récord histórico para una mujer.
Entre estas sonadas victorias y otras bajo estas líneas, todo esto implica que fue una noche eminentemente femenina, pues hay que buscar las excepciones en categorías como la latina (donde ganó Bad Bunny) o el rock, a medias. The Strokes han ganado el mejor disco de rock del año por ‘The New Abnormal’. ¿A quién derrotaban? A Fontaines D.C y Michael Kiwanuka, entre otros. Pero la mejor canción de rock no era de Phoebe Bridgers, ni Tame Impala, ni Big Thief (?) ni la reconocida Fiona Apple, sino ’Stay High’ de Britanny Howard, que ya en otras ocasiones se había revelado como una de las favoritas de la academia.
Fiona Apple estaba entre las primeras ganadoras de los Grammy al hacerse con el premio a Mejor Álbum Alternativo por ‘Fetch the Bolt Cutters’, derrotando a Beck, Phoebe Bridgers, Britanny Howard y Tame Impala. Además, la cantante también ha podido ganar la mejor actuación de rock con ‘Shameika’. Beck se queda el consuelo del mejor ingeniero por ‘Hyperspace’.
El mejor disco de rap ha sido ‘King’s Disease’ de Nas, mientras la mejor actuación de rap ha sido para ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé, quien también ha ganado el mejor videoclip por ‘Brown Skin Girl’ y el mejor R&B por ‘BLACK PARADE’. Kanye West se hizo con el mejor disco cristiano por ‘Jesus Is King’.
La mejor actuación de pop de un dúo o grupo ha sido ‘Rain on Me’ de Gaga con Ariana Grande; mientras en la remozada categoría de Progressive R&B, Thundercart ha ganado con ‘It Is What It Is’. La mejor canción para una película o similar ha sido ‘No Time to Die’ de Billie Eilish, para la peli no estrenada de James Bond. En las categorías electrónicas/dance, este año el gran ganador ha sido Kaytranada con ‘Bubba’ y ’10%’ junto a Kali Uchis.
Grabación del año: Everything I wanted – Billie Eilish
Álbum del año: Folklore – Taylor Swift
Canción del año: I Can’t Breathe – H.E.R y Tiara Thomas
Artista revelación: Megan Thee Stallion
Mejor álbum pop: Future Nostalgia – Dua Lipa
Mejor actuación pop en solitario: Watermelon Sugar – Harry Styles
Mejor actuación pop en dúo o grupo: Rain on Me – Lady Gaga con Ariana Grande
Mejor álbum de rap: King’s Disease – Nas
Mejor canción de rap: Savage (Remix) – Megan Thee Stallion ft Beyoncé
Mejor actuación de rap: Savage (Remix) – Megan Thee Stallion ft Beyoncé
Mejor video musical: Brown Skin Girl – Beyoncé
Mejor álbum pop tradicional:American Standard – James Taylor
Mejor álbum de pop latino o urbano: YHLQMDLG – Bad Bunny
Mejor álbum de rock latino o alternativo: «La conquista del espacio» – Fito Páez
Mejor álbum de música regional mexicana (incluida tejano): «Un Canto Por México, Vol. 1» – Natalia Lafourcade
Mejor álbum tropical latino: «40» – Grupo Niche
Mejor álbum de R&B:Bigger Love – John Legend
Mejor actuación de R&B: Black Parade – Beyoncé
Mejor canción de R&B: Better Than I Imagined – Robert Glasper, Meshell Ndegeocello & Gabriella Wilson
Mejor álbum de rock: The New Abnormal – The Strokes
Mejor canción de rock: Stay High – Brittany Howard
Mejor actuación de rock: Shameika – Fiona Apple
Mejor álbum de música alternativa: Fetch the Bolt Cutters – Fiona Apple
Mejor álbum de música country: Wildcard – Miranda Lambert
Mejor actuación de country en solitario: When My Army Prays – Vince Gill
Mejor actuación de country en dúo o grupo: 10,000 Hours – Dan + Shay & Justin Bieber
Mejor banda sonora original para medio visual: Joker – Hildur Guðnadóttir
Mejor canción original para medio visual: No Time to Die («Sin tiempo para morir»)- Billie Eilish y Finneas
Mejor grabación dance: «10%» – Kaytranada ft Kali Uchis
Mejor álbum dance/electrónica: Bubba – Kaytranada
Mejor actuación de metal: Bodycount – Bum Rush
‘Clamor’ es el segundo disco de Maria Arnal i Marcel Bagés, que llega cuatro años más tarde que el fundamental ’45 cerebros y 1 corazón’. Pero lejos de cualquier atisbo de continuismo, ‘Clamor’ es una muestra del universo rico y denso del dúo. Un disco hermoso y complejo que genera sensaciones y preguntas infinitas… Aunque el tiempo de la entrevista no lo sea, lamentablemente. Pillo a Arnal i Bagés en mitad de la vorágine promocional de ‘Clamor’, saliendo de una televisión y camino de otra entrevista. Marcel bromea, está preocupado por su coche. «Se me ha pasado el tíquet», me explica, en referencia al aparcamiento de la zona azul. Y todos sabemos que, en Barcelona, el control de los tíquets de aparcamiento es implacable… El cansancio del dúo es palpable, pero aun así se muestran locuaces.
¿Cómo o de dónde surge el concepto de ‘Clamor’? Porque detrás de ’45 cerebros y 1 corazón’, el punto de partida fue la noticia sobre el descubrimiento de la fosa común de la Pedraja. Pero, ¿hay algún hecho concreto que disparara ‘Clamor’?
Maria Arnal: «En el caso de ’45 cerebros…’, el proceso fue muy diferente. Habíamos estado dos años y pico recopilando canciones que tocábamos en directo. Algunas sabíamos seguro que irían en el disco, otras eran las que teníamos que crear. Y sabíamos muy claro que el concepto era cómo nos relacionamos con la memoria, qué es la memoria, qué es la tradición, cómo se expande, cómo se explora, cómo se experimenta con ella. Trabajar con los archivos [de voz], pero no reproducir, no hacer arreglos «típicos». Era esta especie de caldo al que le hacía falta historias que lo juntaran. Y ’45 cerebros…’ era una muy buena historia para entrar en todas estas ideas, porque hablaba al final del silencio, del tabú y de una lucha social que no se había explicado. Y queríamos, de alguna manera, aprovechar y hablar de ella. Era una manera determinada de hacer memoria.
En este segundo disco es muy diferente. ¿Por qué? Porque se acabó la gira y se acabó el disco y tuvimos que inventarnos historias nuevas. Entonces, el punto de partida es más personal. Yo me encontraba en una situación de separación, de cambio de vida y de etapa muy grande, y me interesaba mucho, en aquel momento, trabajar sobre la idea de incertidumbre que hay en esos momentos de limbo que hay en la vida, en que todavía no estás renaciendo de una situación de pérdida, pero sientes que te tendrás que crear una nueva realidad. Y en este espacio intermedio, me parecía que había cosas… La intuición del disco era muy clara: que las historias del disco tenían que explicar el sentir que hay en este espacio de limbo. Pasa que en 2018 se para todo porque la gira es muy intensa, y no hay tiempo para parar ni para «pensar en», y se ha de aprovechar la visibilidad y la posibilidad de tocar en EEUU, Lima, diferentes sitios…»
Marcel Bagés: «¡Kazajistán!».
Arnal: «En 2019 nos encontramos que, tras descansar, hemos de empezar a trabajar en el disco. Y la idea de punto de partida conceptual ya está clara: hablar de estos espacios entre el final y el principio a diferentes escalas: a nivel personal, a través de las letras sin decirlo claramente. A nivel de sonido, cambiando esta sonoridad. Y después, a nivel colectivo -o global- en un mundo que está cambiando radicalmente, que de alguna manera también está en un limbo. Lo que pasa es que, con la pandemia, muchas de estas emociones, que al final ya las hemos sentido en nuestra vida, no de manera tan generalizada, que ya las hemos sentido -de incertidumbre, de cambio, de inseguridad, de vulnerabilidad…- pues ahora están a flor de piel; pero a flor de piel de todo. Incluso de los pájaros (risas). Todos nos sentimos en un momento de cambio muy fuerte…»
Pero aparte de la temática, encuentro una evolución muy grande en cuanto a sonido. Mientras el anterior estaba más basado en la guitarra, era más acústico, más enraizado en el canto popular. Y ahora hay mucha electrónica, y mucha música basada en la voz. ¿Era la idea?
Arnal: «Totalmente. Esos eran los dos puntos de partida sólidos».
Bagés: «Teníamos claro que queríamos trabajar mucho el tema de las voces. Así como en el primer disco en algunos temas hay recursos guitarrísticos, de manipulación de la guitarra con el ordenador, en este queríamos trabajar mucho las voces en esta línea; es decir, que no sólo hubiera una voz solista y un coro acompañando, sino ir mucho más allá: coger las voces, procesarlas, manipularlas, para que tengan funciones muy diferentes de las que hasta ahora habíamos trabajado. Por otro lado, también queríamos trabajar el aspecto rítmico. En el disco anterior hicimos ‘Tú que vienes a rondarme’, nos sentimos muy cómodos, nos gustó mucho y queríamos explorar en esta dirección. Y tan pronto como nos pusimos a trabajar cogimos cajas de ritmos, sintetizadores, samplers, etc etc, y trabajamos mucho en esta vertiente. Enriquecimos mucho más el universo sónico del grupo».
Escuchándolo, hay un par de nombres que me vienen a la cabeza, que son Björk, especialmente en ‘Medúlla’, disco basado en voces…
Arnal: «Totalmente referencia. ‘Medúlla’ y hasta ‘Biophilia’, porque en ‘Biophilia’ ella intenta hacer una cosa muy difícil. Creo que es uno de sus discos menos valorados, porque es muy visionario. Intentaba hacer lo que era un proyecto educativo, de divulgación científica, pero a través de la música, y un poco de amor a la vida, que es lo que quiere decir el título ‘Biophilia’, que es esta patología o como le quieras decir (risas). El caso es que en ‘Medúlla’, muchas ideas de arreglos de voces, vienen de allá. Y también de otros personajes que no sé si eran referentes de Björk, que son muy antiguas, como Hildegarda de Bingen, que es esta compositora, botánica y monja visionaria del s. XI, que también tiene unas composiciones vocales increíbles. A nivel de voces, hay muchas otras referencias; Holly Herndon, con quien ha sido increíble colaborar. Como no podíamos colaborar con Hildegarda (risas). Ni con Björk…
Y sobre Holly, que tiene este proyecto, Spawn, que es un software de I.A aplicado a la voz…
A: «¡Es que el Spawn es una de las voces del disco! ¡Está en la Sibila!».
¿Cómo surgió la colaboración con ella?
A: «Este es un disco en que todas las intuiciones que hubo desde el principio, todas se han acabado cumpliendo, aunque no de manera fácil. Con la pandemia, algunas han pasado por muchas curvas. Con Holly fue porque una de las colaboraciones «raritas» del disco fue con Jose Luis de Vicente, que es comisario e investigador cultural. Él monta un festival llamado «Tentacular» en El Matadero, y en 2019 invitó a Holly. Con Jose Luis empezamos a trabajar cuando teníamos claro hacia donde queríamos llevar el punto conceptual [del disco]. Él había comisariado una exposición llamada «Després de la Fi del Món» («Después del fin del mundo»). Me pareció muy guay la sensibilidad que había, me gustó mucho cómo se había planteado. Así que le dije a Jose Luis de quedar una vez al mes, explicarle mis ideas, las letras que tenía a medias… y así fueron surgiendo esas ideas que acabarían apareciendo en ‘Clamor’ -que, entonces, no sabíamos que sería ‘Clamor’ -. Pero él ya tenía una intuición, porque me decía que en ‘Tú que vienes a rondarme’, las ideas que quería explicar yo, ya estaban en este verso: «todas las voces del universo con nosotros»… A veces la gente que está contigo, lo ve más claro que tú mismo…
En cualquier caso, Jose Luis le dijo a Holly que estaba trabajando en un proyecto musical que igual le interesaba. Así que enviamos a Holly un e-mail super currado sobre ‘El cant de la Sibil·la’, quién es la Sibila, el planteamiento que teníamos del disco. Y ella nos dijo: «vale, enviadme lo que tengáis». Así que el trabajo era concretarlo. Grabamos una maqueta en estudio para intentar seducirla al máximo (risas). La adaptación de la letra la hice con Eduard Escoffet, que es un gran conocedor de ‘El cant de la Sibil·la’. Quitamos la parte más moralista y católica. Y la usamos como una metáfora, certidumbres en el momento en que tienes una revelación. Eso es lo que quiere decir Apocalipsis en griego, «revelación». Holly conectó al máximo con esta visión. Su idea era coger la Sibila, sacarla de la iglesia y llevarla a un campo de cabras. Nos fuimos a buscar las cabras a Badalona, pasamos un día en Ripoll, grabamos dentro de un río…
La versión de ‘El cant de la Sibil·la’ se basa mucho en la de Maria del Mar Bonet. Pero la versión que teníamos era demasiado horizontal. Necesitábamos verticalidad y pensé que se tenía que conseguir con los coros. Contacté con las Tarta Relena y cogí de inspiración la ‘Sibil·la galaica’ de Jordi Savall. Así que es una especie de esqueje mutante de Sibilas. La idea era hacer una Sibila visionaria en forma y sonido, para poder contribuir a la tradición milenaria».
A pesar de que ‘El cant de la Sibil·la’ es la única canción tradicional del disco, sí que veo que hay mucha estructura de canción popular, como en ‘Ventura’, ‘Jaque’, ‘Tras de ti’…
Bagés: «Hombre, forma parte de nuestro imaginario. Y al haber trabajado tanto tiempo con esa línea, también te impregna en el momento de hacer canciones».
A: «Estaba muy claro que queríamos hacer canciones originales. Pero no rechazar lo que habíamos hecho hasta entonces, sino experimentar por algún lado en que no lo hubiéramos hecho aún».
¿Cómo encarasteis el reto de empezar los temas desde cero?
A: «Tenía claras muchas ideas. Por ejemplo, en ‘Milagro’, tenía claro que fueran décimas, que es un tipo de composición que Violeta Parra utilizaba mucho. Las canciones siempre tienen este elemento más cósmico, más poético. Algunas me costaron mucho. He quedado muy contenta. Y con ganas de escribir más. He cogido más seguridad en el tema de las letras. Hasta pienso en empezar a escribir para otra gente».
¿Hay alguien en concreto que te gustaría mucho que cantara una canción tuya?
A: «Mmmm… sí. Voces muy diferentes a la mía. (pausa) Ahora no se me ocurre nadie pero… ¡me encantaría!».
«Un microorganismo puede poner en jaque toda nuestra existencia»
’45 cerebros y 1 corazón’ tiene un trasfondo político muy fuerte, pero aquí queda más escondido, más sutil.
A: «A mí me gusta, porque este disco no habla de política desde la lucha más, digamos, mundana, sino desde el punto de vista interior y desde la pregunta, que ahora es súper radical, que es: «¿Cómo cuidamos?». Y cómo no ponernos en el centro del mundo, sino en la piel de algo tan radical como… una hormiga, o un árbol. Porque ya sabemos que incluso algo que no vemos, como un microorganismo, puede poner en jaque toda nuestra existencia. Y esta es la idea del disco, pero explicada desde la vulnerabilidad, de dejar el pedestal. Y eso explicado desde muchas escalas. Como músicos, poniéndonos en un sitio distinto al habitual».
B: «Es igual de político al final, porque es cómo entendemos la relación con todo lo que nos rodea».
«Este disco habla de política desde el punto de vista interior»
Es un disco que da sensación de atemporalidad. No parece anclado en este tiempo. Sin embargo, está grabado durante la pandemia, aunque no parezca un disco «pandémico». ¿Cómo os afectó?
B: «Bueno, comenzó antes y acabó después de la pandemia…»
A: «La idea era hablar de inicios y principios, que hemos vividos muchos en nuestras vidas, que esas emociones nos han de servir para los años que vienen. Que viviremos crisis [a nivel global] muy fuertes, ojo».
Volvamos a las voces. También hay mucho uso y referencias a las voces no humanas.
A: «Nos preguntábamos, ¿quiénes son los Alan Lomax de las voces no humanas? Fuimos encontrando archivos increíbles. Hay un tipo que ha creado un «macrófono», un micro para grabar los sonidos de la Tierra geológica. O un ingeniero muy importante, llamado Bernie Krause, que se obsesionó en grabar los sonidos de la Tierra; grabó el sonido de un bosque antes y después de ser talado, o de un arrecife de coral antes y después de morir. Y hay mucho más silencio. Y una manera de medir cómo el mundo está cambiando y se están extinguiendo muchas voces, es a través del silencio progresivo de los bosques. Hay una canción que habla de esto, que es como el revés de ‘Clamor’, que es ‘El gran silencio’. Que es el silencio del universo».
A mí ‘El gran silencio’ me parece el reverso de ‘Tú que vienes a rondarme’. Parten de las referencias al universo, (la sonda Voyager en una, el telescopio de Arecibo en otra). Pero en lo que ‘Tú que vienes a rondarme’ es euforia, en ‘El gran silencio’ es todo lo contrario.
A. ‘Tú que vienes a rondarme’ es más de cortejo y ‘El gran silencio’ es más ciencia-ficción. Está basada en un relato de Ted Chiang. Es una historia explicada desde el punto de vista de un loro que vive al lado del telescopio de Arecibo, que lo destruyeron hace dos meses. Y quería una canción que hablara de esto, ya que todo el disco habla de ponernos en el lugar de otras formas de vida. Lo hicimos desde el punto de vista de ese loro.
«El mundo está cambiando y se están extinguiendo muchas voces»
El impacto de ’45 cerebros y 1 corazón’ fue enorme a nivel crítico y popular. ¿Pensáis que el disco anterior fue una losa en el momento de grabar este?
Los dos: «¡¡Qué va!!».
B: No, ha sido una suerte; sacar un disco sabiendo que hay mucha gente esperándolo, es mucho mejor que tener que llamar a un montón de puertas sin que te hagan caso».
En tiempos de covid-19, qué mejor que recordar y rendir tributo a nuestros mayores. ‘Revelación’ es un EP de 7 canciones cuyos 20 minutos de duración están principalmente entonados en castellano, la lengua de los abuelos paternos de Selena Gomez, a los que ha visitado regularmente al menos hasta que empezó la pandemia. La cantante cuenta que hablaba español con fluidez hasta los 7 años, pero que perdió el hábito cuando empezó a ir al colegio, y que ahora está utilizando sus raíces para llevar su voz a otro sitio, y «sentir que no está siendo juzgada».
¿Quizá porque no sabe muy bien lo que está diciendo? En ‘Revelación’ Selena Gomez se ha calzado el disfraz de ‘La Isla Bonita‘; ha sacado la chequera para rodearse del productor estrella de Bad Bunny y J Balvin, Tainy; y se ha puesto un profesor de español y otro de canto para ejercitar la voz una hora cada día antes de la grabación. Pero la sensación es más de «Timo» que de «Revelación».
Dos son los problemas de este disco. Por un lado, la pobreza del español de Selena Gomez. La cantante suena involuntariamente cómica cuando suelta proclamas random como ‘Dámelo to’, parece argentina sin querer cuando convierte en llana la palabra «bésame» y definitivamente suena sin alma en canciones como ‘Buscando amor’. En esta, cada frase parece haber sido grabada en una sesión aparte, desproveyendo al tema de cualquier tipo de «flow». Extrañamente desubicada al principio de la secuencia, ‘De una vez‘, que ya ni parece un single, termina sin que aciertes a comprender por qué una canción sobre empoderamiento puede sonar tan desinflada y tristona. En lugar de animar, deprime.
Por otro, Tainy no ha aportado al disco su versión más imaginativa: sus beats son conservadores y manidos en un momento en el que las modas están virando hacia otro lado. El último disco de Bad Bunny es más pop-rock. Ya hace 2 años que Cardi B bailó salsa acercándose a la tradición, o lo hizo Camila Cabello cantando ‘Havana’, provocando una pequeña oleada de acercamientos al son cubano, la bossa, la bachata, y un excitante etcétera. ‘Revelación’ llega tarde en ese sentido, aportando prácticamente nada, y menos cuando decide cerrarse con una colaboración de DJ Snake, por mucho que las trompetas destaquen.
Salva los muebles ‘Baila conmigo‘, un divertido diálogo con Rauw Alejandro que está siendo un merecido hit: es una canción pimpinelesca y teatrera en la que ambos saben sacar partido al hecho de que Selena Gomez de hecho no hable español. Más del humor «no entiendo mucho, pero baila conmigo» es lo que se echa de menos en este EP que no nos termina de mostrar a esa Selena Gomez de discurso centrado e interesante, más adulto, que intuimos en exitazos como ‘Lose You To Love Me’, y que estamos leyendo en las entrevistas. Desconocemos si será cierto que se va a retirar en pocos años, como ha sugerido en el reportaje en profundidad de Vogue, pero sí hemos visto en dicha entrevista a una artista que se arrepiente de no haber votado hasta 2020, que tiene un discurso político, que dice que no habla de su fe porque trae mala prensa, que no tiene miedo de contar que se ha pasado toda la pandemia llorando. ¿Dónde está esa Selena Gomez en este desaguisado?
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