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Sinead O´Brien, la poeta que puede ser la gran esperanza del rock femenino

Por
Raúl Guillén
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En la efervescencia que viene mostrando el rock anglosajón más desafiante y aguerrido en las últimas temporadas, con nombres como IDLES, Shame, Girl Band o Fontaines D.C., se echaba en falta una figura femenina poderosa… hasta ahora. Porque en los últimos meses ha emergido una mujer irlandesa que, pese a provenir del mundo de la poesía, parece ser la gran esperanza del rock femenino. Se trata de Sinead O´Brien, una joven de Limerick (República de Irlanda) afincada en Londres que, en paralelo a la publicación de sus textos en prestigiosas revistas literarias, desarrolla una carrera musical que se atisba interesante, como poco.

Con su nombre propio y apoyada en el guitarrista Julian Hanson y el batería Oscar Robertson, O´Brien practica un spoken-word –al más puro estilo Mark E. Smith– en el que la musicalidad de las palabras cobra tanta importancia como su significado. Aunque The Slits, PJ Harvey o Patti Smith surgen como referentes probables, parece inevitable definirla como una Kate Tempest que emplea sonidos post-punk en lugar de hip hop. De hecho, la comparación con la autora de ‘The Book of Traps and Lessons‘ no es baladí, puesto que ambas tienen un nexo común en el productor Dan Carey: este ha producido y publicado en su sello (Speedy Wunderground) el single con el que Sinead ha emergido con fuerza este año, ‘Taking On Time’.

Se trata de una canción de inspiración kraut totalmente vibrante, en la que el dúo de músicos sostiene la tensión instrumental mientras O´Brien despliega con su particular estilo unos versos que se miran en la obra de Yeats, Rimbaud, Camus u O´Hara: en este caso, lanzando pensamientos desde la absoluta quietud, en los que todo se mueve para que nada cambie, como una forma de «dominar el tiempo». Aunque su primer EP, ‘A List of Normal Sins‘, ya la había llevado a telonear a The Brian Jonestown Massacre, sin duda ‘Taking On Time’, publicado a inicios de este verano, multiplicó la atención sobre ella, como ahora vuelve a ocurrir con su nuevo single, ‘A Thing You Call Joy’.

Producida esta vez por el trío y publicada ahora bajo el auspicio de Chess Club Records (MØ, Billie Marten, Sundara Karma), esta nueva pieza de art-rock muestra que la propuesta de Sinead O´Brien sigue en línea ascendente, de nuevo consiguiendo resultar magnética hablándonos de lo que podría ser una noche de excesos y su consiguiente resacón («¿Por qué estoy en permanente recuperación de algo que tú llamas gozo?»). Su imagen, elegante y dura, casa perfectamente en una propuesta estética que puede tener mucho futuro. Podría pensarse que su spoken-word rock podría llegar a gastarse pronto, pero observando la carrera de The Fall, ¿quién se atrevería a afirmar tal cosa?


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Sen Senra, alma solitaria (y ensangrentada) en el vídeo de ‘Como el fuego’

Por
Jordi Bardají
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Sen Senra continúa avanzando su próximo álbum, del que aún se desconoce la mayoría de detalles como título, portada y fecha de lanzamiento. Sí es público que el disco está acabado y que contará con 14 pistas, pues el mismo Christian Senra confirmaba esta información en una entrevista para este medio hace unos meses.

Del debut de Sen Senra en Sonido Muchacho (sello de Carolina Durante, Kokoshca o La Estrella de David) se habían dado a conocer el vocoderizado adelanto ‘Tienes reservado el cielo‘ y el R&B de ‘No me sueltes más‘, y en el estilo de este segundo tema se mueve el artista en el tercer sencillo oficial de su próximo trabajo. ‘Como el Fuego’ es incluso más sensual que el single anterior, destacando un ritmo de soul clásico que el artista va marcando con acentos de guitarra eléctrica, instrumento con el que concluye la canción, solo mediante. El vídeo muestra a Christian solo aparentemente en la habitación de un hotel, con botas de cowboy, bebiendo whisky y con la cara ensangrentada.

El concepto de ritmo ha sido esencial en el nuevo disco de Sen Senra como nos contaba en aquella entrevista: «No me ciño a ningún estilo, bebo de muchas fuentes, no es nada orquestado y ya viene de atrás de una forma natural. Me gusta jugar, a mi manera, y al final eso se nota sobretodo en la libertad de los temas. Pero hay un punto importante para mí, más que cualquier sonido, y es que sigo priorizando el “groove” y la verdad de la música en directo que es de donde yo vengo».

Julia Michaels: «No pienso en la influencia que puedo haber tenido en la música»

Por
Jordi Bardají
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Julia Michaels es autora de algunos de los mayores éxitos del pop reciente, tanto propios (‘Issues’) como para otros artistas (‘Sorry’ de Justin Bieber, ‘Hands to Myself’ de Selena Gomez). Su estilo es tan personal que es imposible no escuchar una canción compuesta por ella y no identificarla al momento, como sucede con ‘Bad Liar’ de Selena pese a su prominente sample de ‘Psycho Killer’ de Talking Heads. Este año, la cantante de Davenport, Iowa ha publicado dos mini álbumes, las partes 1 y 2 de ‘Inner Monologue’, y ha sumado otro hit a su repertorio con ‘Anxiety’, interpretado precisamente junto a Selena. Aunque si algo puede decirse de ambos es que cuentan la historia de Julia Michaels y solo de ella. Uno habla de salud mental y otro de inseguridades, pero siempre desde un punto de vista no exento de humor que los hacen muy personales.

«Si alguien me obligara a escribir canciones sin parar le diría que se fuera a la mierda»

La autora de ‘Apple’ acaba de presentar ambos discos en el Teatro Barceló de Madrid y JENESAISPOP ha tenido oportunidad de charlar con ella por teléfono sobre sus recientes proyectos. Descubrimos a una entrevistada con las ideas muy claras, con ánimo de contestar cada pregunta con la respuesta adecuada, sin irse por las ramas. Cuenta que a pesar de que aún no ha publicado un álbum propiamente dicho (‘Nervous System‘, su debut, contaba con 7 pistas), el típico de «18 canciones» que suelen hacerse hoy en día, la idea tampoco le preocupa demasiado. «Mis discos son cortos, pero lo que más me gusta de ellos es que cuentan una historia. Los dos presentan una narrativa concreta, y eso para mí es lo más importante». Y niega que la idea de publicar dos mini discos se deba a las nuevas fórmulas de la industria que obligan a los artistas a lanzar música constantemente, sin parar. Algo que los sellos parecen buscar de sus estrellas, pero que Michaels no puede decir haber vivido en sus carnes. «Yo no soy un sello así que no puedo hablar desde la perspectiva de uno», asegura, «solo puedo decir que si alguien me obligara a escribir canciones sin parar le diría que se fuera a la mierda».

No cabe duda, en cualquier caso, de que Michaels ha construido una narrativa muy personal en torno a sus canciones, pues las letras de ‘Inner Monologue’ parecen sacadas de su propio diario, especialmente temas como ‘Body’ que hablan sobre los complejos. «A veces, cuando te preparas para salir de fiesta, te miras en el espejo y no te gusta una parte de tu cuerpo, o te pones ropa y te sientes tan insegura que no sabes por qué te la has comprado en un primer momento. La inseguridad con mi cuerpo es algo con lo que lidio a diario». Es difícil no empatizar con las palabras de Michaels, cuyo mayor éxito hasta la fecha se llama precisamente ‘Issues’ y dice cosas como «yo tengo problemas, y tú también, así que no me juzgues, porque si lo haces yo también lo haré». En esta canción, Michaels encontró claramente un tesoro, pues la salud mental ha sido un tema recurrente en sus letras desde entonces. Dice que ‘Issues’ fue una «epifanía» porque, con ella, decidió que ya no quería existir en un segundo plano sino también ser una estrella por cuenta propia, y correr tal riesgo ha funcionado, pues cuando Michaels canta sobre sufrir «ansiedad», lo hace con credibilidad. Y precisamente ‘Anxiety’ es también una de sus mejores canciones. «‘Anxiety’ la escribí durante un periodo de mi vida en el que padecí muchísima ansiedad, hablo de un periodo de ocho meses más o menos», afirma, indicando que su composición fue terapéutica (la artista ha reconocido haber sufrido ataques de pánico durante las giras). La canción parece haber inspirado a otros artistas a cantar sobre el mismo tema. Este mismo año, Mabel ha publicado un tema llamado ‘Anxiety (It’s OK)’ y Austin Mahone otro titulado ‘Anxious’.

«No pienso en la repercusión que puede haber tenido mi música, es algo que no está en mi cabeza»

Sin embargo, y aunque podría decirse que el minimalismo de ‘Issues’ y el compromiso artístico de Michaels con la salud mental ha sido bastante influyente en el pop reciente, la artista está demasiado ocupada trabajando y saliendo de gira como para darle vueltas al hecho de haber dejado su impronta en el mundo del pop. «No pienso en la repercusión que puede haber tenido mi música, es algo que no está en mi cabeza». Es obvio que Michaels, que habla de manera concisa y clara, sin titubeos pero con amabilidad, busca sobre todo epatar, resultar una compositora auténtica y capaz de mostrar sus vulnerabilidades en buenas canciones pop más que influir o ser popular. De hecho, sorprende descubrir que sus dos grandes heroínas son nada menos que Fiona Apple y Alanis Morissette, aunque visto los temas sobre los que escribe, quizá esto no sea tan sorprendente después de todo. «De ambas he aprendido a ser honesta», explica, y es obvio que esa autenticidad le ha llevado lejos.

Hit de ayer: ‘Do Anything You Wanna Do’ (1977) quedará como el gran clásico de Eddie and the Hot Rods

Por
Jaime Cristóbal
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El pasado 2 de octubre se conocía la noticia de que Barrie Masters (primero por la derecha en la foto de portada), cantante del grupo inglés Eddie and the Hot Rods, había fallecido. La banda, que durante un breve período fueron los competidores que de más cerca siguieron a los Sex Pistols en las aceleradas guerras del punk de 1976-77, acabaría sucumbiendo con la llegada del monumental ‘God Save The Queen’, pero rascaría su trocito de historia clasificando el primer single de su segundo disco en el Top 10 de las listas británicas a finales del 77.

Se trataba de ‘Do Anything You Wanna Do’, canción de power-pop y punk casi a partes iguales que ha quedado como su clásico más inmortal (casi no se habla de otra cosa en los obituarios de Masters estos días), y con razón: pocos singles en la historia del pop han expresado el grito eufórico de la individualidad adolescente de manera tan explosiva y a la vez tan melódica.

Compuesta entre el guitarrista de la banda y su manager Ed Hollis (hermano de Mark Hollis de Talk Talk), la canción se inspiraba en el célebre “Do what thou wilt shall be the whole of the law» del ocultista y provocador inglés Aleister Crowley (“Haz lo que tú quieras será toda la Ley”), pero acercando su filosófico concepto de libertad a la realidad más mundana de los adolescentes de finales de los 70: ansias de huida, alienación causada por trabajos de mierda y búsqueda de identidad propia:

“Voy a largarme de la ciudad, dejar a la gente atrás / Buscar aventuras es el tipo de vida que hay que buscar / Cansado de hacer trabajos para sobrevivir / En los que no me agradecen lo que hago / Sé que debo ser alguien, y ahora voy a averiguar quién”.

Versos muy poderosos y directos que venían envueltos desde el primer segundo en una cabalgata de redobles trepidantes, golpes de acorde muy power-pop y guitarras jangle, en una hermosa secuencia de acordes ascendentes y descendentes que son toda una lección magistral de pop de guitarras. El sonido seco y directo de finales de los 70 hizo el resto, cristalizando todos esos elementos en un puñetazo de cemento elástico que impacta como pocas canciones de aquella época:

‘Do Anything You Wanna Do’ nació en el momento perfecto de la banda, justo con la llegada del segundo guitarrista (Graeme Douglas de los Kursaal Flyers) que aportaba un estilo más Byrds y melódico, y que combinado con el sonido punk original de los Rods creaba un juego de guitarras muy interesante y sofisticado. Y, crucialmente, Douglas coescribió la canción con Hollis.

Añadiendo músculo punk a uno de los temas estrella del rock de los 70 (la huída de casa para encontrarse a uno mismo y encontrar un lugar mejor) Eddie and the Hot Rods se convirtieron de repente en algo parecido a unos Bruce Springsteen punk rock. A su vez, ese mensaje de esperanza los alejaba gradualmente de una escena (el punk) que pronto quedaría obsoleta y les haría sentir más coherentes con sus orígenes en el pub rock.

Pero además, inmerso en esa energía power-pop, se encerraba un diamante de pop. Ahora que se habla tanto de pre-estribillos y ganchos, ‘Do Anything You Wanna Do’ utiliza casi todos esos trucos: desde convertir el estribillo (sin voces) en la introducción instrumental de la canción para conseguir el máximo impacto inicial a la creación de sofisticados pre-estribillos (“You’ll get so lonely, maybe it’s better that way”) que a su vez conducen a segundos pre-estribillos tan brillantes que parecen el estribillo (“Why don’t you ask them / what they expect from you”)… hasta que llega el verdadero estribillo golpeándote en los morros con tres acordes y el mensaje de la canción destilado en forma de eslogan: “Do anything you wanna do” (y con extra de palmadas).

Y por encima de todo ese lienzo sonoro destaca la insustituible magia de Barrie Masters. Su interpretación vocal de los versos de Hollis los llenaba de verdad, de rabia y euforia adolescente, con esa forma de cantar en el punto medio perfecto entre la precisión melódica y el grito punk. Para la historia queda la anécdota que Masters solía contar divertido: ese toque angustiado de su interpretación tuvo parcialmente que ver con el dolor de muelas que sufría el día de la grabación.

La portada del single era un guiño a Aleister Crowley -su retrato adornado con unas orejas de ratón Mickey- y estaba extrañamente acreditado a los Rods, detalle que no evitó llevar a la banda al éxito. Un éxito que mantuvo al grupo en el recuerdo de los aficionados cuando se reformaron en los años 2000 y en las intermitentes giras de estos últimos años, la última de las cuales -llamada ‘Done Everything We Wanna Do’ en un guiño a su mayor éxito- colgó el cartel de sold-out en sus conciertos de este mismo año.

‘Do Anything You Wanna Do’ sonó en el número 224 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

Arthur Russell cautiva con ‘You Did It Yourself’, primer adelanto de la colección de maquetas ‘Iowa Dream’

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Jordi Bardají
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Arthur Russell dejó una ingente cantidad de material inédito (cerca de 1.000 cintas) antes de su muerte en 1992, abarcando estilos muy dispares pues el compositor, productor y cellista de Iowa era un experimentador nato. De hecho, al margen de ‘World of Echo’, lanzado en 1986, la mayoría de discos de Russell que han visto la luz, como los queridos ‘Calling Out of Context’ (2000) o ‘Love is Overtaking Me’ (2008), son póstumos.

A estos álbumes se sumará uno más este año, pues Audika Records ha anunciado la llegada de ‘Iowa Dream’ para el próximo 15 de noviembre. Se trata de una colección de 19 maquetas (Russell rara vez completó la música que había empezado), una buena parte de las cuales el artista compuso durante sus infructuosos intentos, a mediados de los años 70, por ser fichado por dos discográficas multinacionales, Mercury y Columbia. Lo que significa que podrían ser alguna de sus canciones más pop aunque entre sus artistas colaboradores se encuentren conocidos vanguardas como Ernie Brooks, Rhys Chatham, Henry Flynt, Jon Gibson o Steven Hall.

Al menos, el primer avance de ‘Iowa Dream’ es bastante pop, al menos en el sentido que lo entendía Russell. Y es que la melodía y las guitarras acústicas de ‘You Did it Yourself’, así como su agradable ritmo, no dejan de ser algo próximas a grupos como The Smiths o Aztec Camera, si bien la firma de Russell está muy presente en la base electrónica de la canción, que añade a ella un elemento extraño y más experimental. Os recordamos la interesantísima entrevista que Yago García de Perapertú nos concedió sobre el fascinante Arthur Russell, su gran obsesión musical.

Iowa Dream:
01 Wonder Boy
02 I Never Get Lonesome
03 Everybody Everybody
04 You Did It Yourself
05 Come to Life
06 Iowa Dream
07 Words of Love
08 I Still Love You
09 You Are My Love
10 Barefoot in New York
11 Just Regular People
12 I Wish I Had a Brother
13 I Felt
14 The Dogs Outside Are Barking
15 Sharper Eyes
16 Follow You
17 List of Boys
18 I Kissed the Girl From Outer Space
19 In Love With You for the Last Time

Rihanna anuncia nuevo libro, una «autobiografía visual» de más de 500 páginas

Por
Jordi Bardají
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Rihanna, que sigue triunfando con sus líneas de cosmética y lencería mientras trabaja en su próximo disco, anuncia su primera incursión en el mundo de los libros de sobremesa. Se trata de ‘Rihanna’, una «autobiografía» visual de 504 páginas, que incluye 1050 imágenes de la artista desde su infancia hasta la actualidad, pasando por distintas etapas de su vida y de su carrera como sus giras, su trabajo en el estudio, las galas MET o el carnaval de Barbados.

La autora de ‘ANTI‘ ha dicho que está «muy contenta» por poder publicar finalmente este libro en el que ella y sus artistas y fotógrafos colaboradores han trabajado «durante más de cinco años», y que resume sus facetas como «músico, performer, diseñadora y emprendedora». La editorial Phaidon publicará el libro, que además saldrá en otras tres ediciones especiales, en otoño.

¿Significa el anuncio de la salida de este libro que Rihanna está lista también para sumar novedades musicales a su carrera? Lo único que se sabe a ciencia cierta sobre su próximo trabajo es que estará centrado en el reggae, pero la artista revelaba hace unos meses que no sabía cuándo iba a salir. Aunque en sus redes sí confirmaba que sacaría música en 2019, y esto ya puede ser solo dentro de los próximos tres meses.

Kendrick Lamar, Robyn, Frank Ocean, Beyoncé, Rosalía… entre las mejores canciones de la década para Pitchfork

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Jordi Bardají
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Pitchfork, uno de los medios musicales más influyentes, ha publicado su lista con la 200 mejores canciones de la década, encabezada por ‘Alright‘ de Kendrick Lamar, de la que valoran que haya sido un éxito de crítica y público y a la vez capaz tanto de ganar Grammys como de haberse convertido en un himno moderno para la población negra en Estados Unidos.

A ‘Alright’ le suceden dentro del top 5, en este orden, ‘Oblivion’ de Grimes, ‘Dancing on My Own’ de Robyn, ‘Formation’ de Beyoncé y ‘Thinkin About You’ de Frank Ocean, y el resto del top 10 está conformado por ‘212’ de Azealia Banks, ‘Your Best American Girl’ de Mitski, ‘Cranes in the Sky’ de Solange, ‘Video Games’ de Lana Del Rey y ‘XO TOUR Llif3’ de Lil Uzi Vert.

A lo largo del top 200 encontramos grandes éxitos comerciales como ‘Work’ de Rihanna con Drake (15) o ‘Get Lucky’ de Daft Punk ft. Pharrell (114), fan favorites como ‘All To Well’ de Taylor Swift (57) o ‘The Louvre’ de Lorde (175), favoritos de Pitchfork o de la crítica en general como ‘Desire Lines’ de Deerhunter (83) o ‘Blackstar’ de David Bowie (59) y sobre todo muchísimo hip-hop, firmado por artistas o grupos como Rae Sremmurd, Playboi Carti, Young Thung o por supuesto Kanye West y Drake, que repiten en varias posiciones.

La lista, casi inabarcable por su amplitud, no deja incluir varias canciones publicadas en 2019. La que ocupa la posición más alta en este sentido es ‘Cellophane’ de FKA twigs, top 25 nada menos; pero en el resumen también aparecen ‘The greatest’ de Lana Del Rey (75), ‘Bags’ de Clairo (123) o ‘Gone’ de Charli XCX con Christine and the Queens (145). Rosalía, que hizo el mejor vídeo de 2018 para el gigante de Chicago con ‘Malamente’, aparece con esta misma canción en el número 23. ¿Y entre los grandes ausentes? Lady Gaga, Sufjan Stevens, ‘Uptown Funk’ o ‘Reflektor’.

Single anuncian nuevo single

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Jordi Bardají
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Había ganas de este titular: Single anuncian nuevo single. Se llama ‘El roce’ y sale el día 18 de octubre, dentro de dos viernes. La portada es obra de Javier Aramburu, que ya habían trabajado con Ibon y Teresa y recientemente ha firmado la cubierta del debut de Fuerza Nueva, la banda de Los Planetas y Niño De Elche.

Elefant volverá a publicar esta canción que podría ser o no el primer adelanto de un nuevo disco de Single. Desde 2014, el año en que vio la luz el recomendado ‘Rea‘, el dúo no ha publicado álbum largo, si bien este mismo año han aparecido en ‘Joterías bobas‘, el último disco de Hidrogenesse, y en ‘La deriva sentimental‘ de Parade.

Conocidos por canciones como ‘Tu perrito librepensador’ o ‘Algo raro’ y obviamente por el paso previo de sus integrantes por Le Mans y Aventuras de Kirlian, las novedades de Single han sido escasas en los últimos tiempos. A lo sumo, y además de las apariciones mencionadas, en 2016 Ibon y Teresa colaboraron precisamente con Hidrogenesse en una versión de ‘No hay nada más triste que lo tuyo’ para la banda sonora de ‘Distancias cortas’, la primera película de Alejandro Guzmán.

Fangoria versionarán a La Casa Azul, Marta Sánchez, Dorian, Camela, El Columpio Asesino… en su nuevo disco

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Jordi Bardají
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Fangoria han revelado portada y tracklist oficiales de ‘Extrapolaciones y dos respuestas’, la segunda parte de su proyecto de versiones, que en este caso abarcará temas publicados entre 2001 y 2019. El álbum contará además con dos canciones nuevas, la primera de las cuales, ‘Un boomerang‘, llegaba la semana pasada, dividiendo a nuestra redacción.

Por supuesto, la gran curiosidad en todo esto era averiguar qué canciones Fangoria habían decidido versionar esta vez, y un vistazo a la lista de temas descubre títulos muy conocidos de La Casa Azul (‘La revolución sexual’), Marta Sánchez (‘Soy yo’), Joe Crepúsculo (‘Mi fábrica de baile’), El Columpio Asesino (‘Toro’) o Chico y Chica (‘Supervaga’). El disco incluirá además temas de Astrud, Hidrogenesse, Dorian ft. Santi Balmes, Ríos de Gloria, Nancys Rubias y King Jedet ft. Ms. Nina (ambos presentes en una de las dos versiones oficiales de ‘¿De qué me culpas?’).

Estas son las versiones de las que se compondrá ‘Extrapolaciones y dos respuestas. La segunda canción inédita será ‘De todo y nada’:
Mentalismo (Astrud)
Dame tu cariño (Camela)
Supervagav (Chico y Chica)
Desafíame (Ríos de Gloria)
Soy yo (Marta Sánchez)
La revolución sexual (La Casa Azul)
Supertravesti (Nancys Rubias)
Disfraz de tigre (Hidrogenesse)
Toro (El Columpio Asesino)
Mi fábrica de baile (Joe Crepúsculo)
Los amigos que perdí (Dorian, Santi Balmes)
Eres tan travesti (La Prohibida)
Reinas (King Jedet, Ms. Nina)
Un boomerang
De todo y nada

James Blake trabaja ya en nueva música y habla sobre su inminente single, ‘You’re Too Precious’

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Jordi Bardají
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James Blake acaba de actuar en el festival Austin City Limits y allí ha hablado sobre el posible sucesor de ‘Assume Form‘, su último disco, lanzado tan solo el pasado mes de enero. El compositor y productor británico ha revelado a Billboard que se encuentra trabajando en «nuevo material» e incluso ha anunciado que publicará una canción nueva próximamente.

Se trata de una canción llamada ‘You’re Too Precious’ que Blake quiere publicar ya, aunque de momento no ha decidido la fecha exacta. «Quiero sacarla pronto, pero es cuestión de cómo voy a hacerlo. Tengo que averiguar eso antes». ¿Se refiere al lugar en el que la canción será publicada? En cualquier caso, el autor de ‘I’ll Come Too‘ ha explicado que ‘You’re Too Precious’ es una «canción de amor» sobre «querer liberar de carga a alguien y simplemente sobre querer a esa persona».

Como los fans de Blake sabrán, el artista ha solido publicar singles sueltos entre discos. Especialmente memorable fue aquel ‘If the Car Besides You Moves Ahead’ que finalmente no formó parte de ‘Assume Form’ quizá por ser demasiado electrónico. Recientemente, el británico lanzaba el videoclip para otro de los sencillos extraídos del álbum, ‘Can’t Believe the Way We Flow’.

Miss Caffeina y Varry Brava desvelan las 4 «únicas fechas» de su gira conjunta, ‘DANCETERÍA’

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Jordi Bardají
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Miss Caffeina y Varry Brava han desvelado qué hay detrás de su anunciado proyecto conjunto, DANCETERÍA. Se trata de una breve gira conjunta que los autores de ‘Oh Long Johnson‘ y los de ‘Furor‘ emprenderán el invierno que viene. Los primeros explican: «Dancetería es un show conjunto con nuestros amigos de Varry Brava en el que nos iremos entrelazando hasta convertirnos en una sola banda».

‘DANCETERÍA’ se compondrá de «4 únicas fechas» y según Miss Caffeina, ambos grupos se encuentran preparando «un show de traca». Las fechas anunciadas son el 8 de febrero en la Sala Inn de A Coruña, el 14 de febrero en el IFEMA de Madrid, el 22 de febrero en la Sala Razzmatazz de Barcelona y el 7 de marzo en la Sala Gamma de Murcia. Las entradas para la gira salen a la venta el martes 8 de octubre a las 12 horas.

La nota de prensa explica: «Dos de los directos más enérgicos y bailables de los festivales patrios de dos bandas en plena ebullición creativa en la escena pop-rock nacional se suman en un mismo show. “Dancetería” es la apuesta de Miss Caffeina y Varry Brava por formar un conglomerado musical en el que las bandas presentarán una puesta en escena única con un repertorio especial donde los hits de ambos se intercalarán con colaboraciones alternas».

Y continúa: «La mutua admiración entre las bandas junto con su oficina de management les llevó a dar a luz la idea de gira combinada. “Dancetería es un lugar sin prejuicios ni etiquetas. Dancetería es pop, punk, glam, urban… Dancetería es pura fiesta”.

FKA twigs presenta ‘Home With You’, un nuevo delirio onírico-espiritual extraído de ‘Magdalene’

Por
Raúl Guillén
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FKA twigs comenzaba a desvelar la pasada primavera su esperado regreso discográfico con ‘Cellophane‘, una canción apasionante que se colaba entre lo mejor de la primera mitad de 2019 para nuestra redacción. Pero entonces aún desconocíamos los detalles sobre el sucesor de su alabado debut homónimo. Ha sido ya a principios de septiembre cuando hemos conocido que este trabajo lleva el título de ‘Magdalene’, que algunos de sus nueve cortes están producidos, entre otros, por Nicolas Jaar y que se publica ría el 25 de octubre… fecha que hoy sabemos ha sido pospuesta al 8 de noviembre, por cierto.

Todo aquello se dio a conocer cuando presentaba el segundo adelanto del álbum, una ‘Holy Terrain‘ que no solo contaba con una colaboración vocal del rapero Future sino que además incluía entre sus autores a Jack Antonoff (Taylor Swift, Lana Del Rey) y entre sus productores a Skrillex. No será ese el último avance de ‘Magdalene’ previo a su publicación, puesto que esta mañana se ha presentado otro más, ‘Home With You’.

Es la pista número dos del disco y en menos de 4 minutos confluyen dos facetas diferenciadas: una primera más lúgubre y trip hop, presente en los versos, mientras que el estribillo se desnuda primero con un piano y, ya hacia el final, con unos arreglos orquestales de viento más clásicos, aunque no ortodoxos –destaca la producción de Noah Goldstein, ingeniero de sonido predilecto de Kanye West–. En el vídeo oficial del tema, dirigido por la propia Tahliah Barnett, esa dualidad se transforma en imágenes: primero, con una cohorte de amigas con las que baila en un oscuro club hasta que deciden abandonarlo para, entre coreografías al volante, dirigirse a la campiña británica; y luego, ahondando en un carácter más onírico y espiritual, con una imaginería que recuerda a los rituales yoruba (recordemos que su padre es jamaicano) que también han empleado en su estética artistas como Princess Nokia o Ibeyi.

La Canción del Día: The Divine Comedy reflexionan sobre el sueño de un futuro sin trabajo precario… ni de ningún otro tipo

Por
Raúl Guillén
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«Nunca volverás a trabajar en esta ciudad» suena a tópica amenaza de un jefazo hacia un empleado insurrecto o ineficaz. Sin embargo, en ‘You’ll Never Work In This Town Again’, canción incluida en ‘Office Politics‘, reciente álbum de The Divine Comedy, la frase pasa de ser una amenaza a una realidad. Y es que Neil Hannon reflexiona en ella sobre cómo el sueño del empleo 100% eficiente y sencillo, asistido por la tecnología más moderna, puede convertirse en la peor pesadilla de la Humanidad.

Desde la revolución industrial, el hombre ha invertido ingentes recursos en aplicar las últimas tecnologías al entorno laboral, buscando principalmente una mejora de la productividad y la calidad. Hasta tal punto que los avances actuales hacen vislumbrar ya un futuro en el que los robots y la inteligencia artificial serán primordiales en todos los sectores laborales. Pero lo que no está tan claro es qué sucederá entonces con la mano de obra humana, que sobrará a espuertas. Sobre esto trata el nuevo doble single extraído del doceavo álbum en la carrera del músico irlandés, el tándem que ya en su tracklist conforman ‘Infernal Machines’ y la citada ‘You’ll Never Work In This Town Again’, nuestra Canción del Día, destacado ahora por un doble vídeo oficial animado que alude a las revoluciones tecnológicas del siglo XX.

Y es que si la primera, con ese insólito tono de rock industrial a lo Gary Numan, ya habla de las máquinas que «planean tomar el mundo» mientras fabrican juguetes, la segunda, con su tramposo tono festivo de latin-jazz, certifica que esa vida de facilidades y «libre de trabajo precario» esconde en realidad la absoluta insignificancia de la mano de obra humana de aquí unos años: «Ese loco algoritmo te tiene a su merced / Toma decisiones por ti cada día / Vives en una prisión que has diseñado tú mismo / Ese loco algoritmo te está convenciendo», canta apuntando a que eso hará que «no volvamos a trabajar en esta ciudad».

En esas, Hannon recupera la figura de Ned Ludd, inspirador y fundador de los Luditas: Ludd era un trabajador textil del siglo XIX que instigó la destrucción de unos telares automatizados que amenazaban su empleo y el de muchas familias. De manera furtiva, los Luditas atemorizaban a los empresarios e industriales del norte de Inglaterra con sus acciones y amenazas durante años, hasta que el Gobierno británico decidió emplear al ejército para sofocar la revuelta. Desde entonces al término «ludita» se le dio una cognotación peyorativa de alguien reaccionario, que rechaza la innovación y la tecnología. Pero hoy se reivindica a Ludd como una de las primeras figuras anticapitalistas de la Historia. Y por ahí le reivindica también Hannon en la letra de la canción: «Ned Ludd era un trabajador / Las cosas cambiaron y forzaron su mano / Él cogió un martillo y se rebeló».

The Divine Comedy es uno de los principales nombres confirmados en la edición 2019 de BIME, en Bilbao. Además, estará presentando ‘Office Politics’ en otras ciudades del país: el 3 de noviembre de 2019 en Valencia, La Rambleta; el 5 de noviembre de 2019 en Barcelona, Sala Apolo; y el 6 de noviembre de 2019 en Madrid, La Riviera.

Viva Suecia / El Milagro

Por
Sebas E. Alonso
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¿Alguien recuerda el cuarto de hora indie de la lista de Los 40 Principales? ¿Cuando entraban cosas como Miss Caffeina, Sidecars y Sidonie? En 2016 parecía que la emisora podía ser decisiva para bandas del tipo Viva Suecia. El grupo murciano liderado por Rafa Val tenía elementos de la vieja escuela del indie (su productor sigue siendo Carlos Hernández, tan vinculado a Los Planetas), pero también conectaba con la nueva generación de seguidores de bandas como Vetusta Morla o Izal, a los que unen sus letras pasionales y efectistas, no siempre muy claras.

Viva Suecia se han ido creciendo single a single en sus dos primeros discos, casi como si realmente la radiofórmula se hubiera sumado a lo que se llamaba «indiemainstream». Gracias al boca oreja, ‘Bien por ti’, ‘A dónde ir’, ‘Hemos ganado tiempo’ o ‘Permiso o perdón’ han ido sumando millones de reproducciones, llevándoles a actuar frente a 10.000 personas en diversos festivales del tipo Low. Y a llenar La Riviera de Madrid en diferentes ocasiones. Su tercer álbum, ‘El milagro’, no se ve afectado por la transversalidad de unos Novedades Carminha, y el éxito de su tema dance con ElyElla, ‘Todo lo que importa’, no les ha movido un pelo. Viva Suecia siguen entregados al pop-rock español de tintes muy levemente underground y también al Brit Pop de toda la vida, con algún guiño americano.

Así lo muestra el primer single y tema de inicio, ‘Lo que te mereces’, con algunas de sus ya clásicas sentidas frases sobre el amor y la vida, comenzando nada menos que con un «parece que hoy no ha muerto gente» y dejando conclusiones como «lo bueno es lo que nos pasa / lo demás es no estar vivo». Desde luego, ‘El milagro’, un disco cuyo diseño está lleno de simbología religiosa, es a menudo una lucha por mantenerse vivo frente a la adversidad, en general amorosa. “Tengo una fobia brutal al presente”, reconoce la mortificada ‘Necesitarnos tanto’, mientras ‘La fuerza mayor’ -con unos inaudibles coros de Ampara Llanos- indica: «deseo llegar a los cien y nunca me veo capaz».

Hay un deseo de engañarse a uno mismo en temas como ‘Algunos tenemos fe’ («y hacemos memoria en favor de la historia que nos queremos creer») y ‘Será’ («que solo exista el pasado si está de nuestro lado»), pero no va acompañado de un eterno pesimismo. Al contrario, el grupo que durante los últimos tiempos termina sus conciertos haciendo sonar un tema disco de Abba, ha decidido incorporar campanas a ‘Qué querías ser de mayor’, referenciando explícitamente a Blondie y a Texas; introducir algún bajo disco mirándose en gente tipo Danger Mouse; y sobre todo cerrar este largo quitando hierro al asunto.

Si bien habría cabido esperar que alguna balada con cuerdas fuera lo último que encontráramos en este álbum, no es el caso. ‘Días amables’, que tras un inicio muy Coldplay, incorpora una sección de cuerdas que mira tanto a La Buena Vida como a Los Planetas, aparece en la primera mitad del álbum; y ‘El milagro’, entre Travis, Vetusta Morla y Broken Bells, en la segunda. Pero el grupo decide culminar no con ella sino con ‘Será’, algo así como el reverso positivo de ‘Pesadilla en el parque de atracciones’ («espero verte atando cabos saliendo alegre de los lavabos / será increíble, será un infierno / Eso demuestra que nos queremos»), y un tema bastante uptempo que no va a pasar desapercibido. Se llama ‘Fóllame’, Joe Crepúsculo ha metido mano en sus sintetizadores y es otro ejemplo más de que Viva Suecia cuentan con buenos terceros, cuartos, quintos singles. No todo el mundo puede decir lo mismo en un «difícil-tercer-disco», ¿verdad, Oasis, Cranberries, Garbage…?

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Algunos tenemos fe’, ‘Será’, ‘Qué querías ser de mayor’, ‘Días amables’, ‘El milagro’
Te gustará si te gustan: Coldplay, Los Planetas, Travis, Foals
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10 fotos que no debiste perderte: Taylor Swift «drogada», Rosalía habla de su disco, SOPHIE en problemas, Sade con su hijo…

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JNSP
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Nueva edición de nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que, si no lo hiciste ya, te gustará ver. Hoy, recogemos a Taylor Swift «drogada», Rosalía hablando de su próximo disco, SOPHIE en problemas, Sade con su hijo…

Taylor Swift, «drogada»

He aquí Taylor Swift hasta arriba de tranquilizantes después de someterse a una cirugía de láser ocular, intentando comerse como puede un plátano. El vídeo, como veis totalmente privado, no debería haber visto la luz, pero ha sido Jimmy Fallon quien, con el permiso de la madre de Swift, ha emitido este vídeo delante de millones de espectadores… y con la misma Swift delante, pues era en ese momento la artista invitada a su programa. Swift no da crédito y el vídeo en el que empieza a dar cuenta de lo que va a ocurrir es imperdible. Por supuesto, los memes se han ido sucediendo sin parar.


Breve encuentro de estrellas urbanas

En esta reunión de estrellas de la música urbana en España, Mala Rodríguez, Lola Indigo, C. Tangana, Alizzz, Recycled J y Rels B posan juntos en las oficinas de Spotify. Desconocemos cuál ha sido el motivo de este encuentro, pero desde luego pocas imágenes pueden darnos una idea más clara lo que es el pop actual en nuestro país. Un verdadero «quién es quién» perfecto para el hilo de breves encuentros en nuestros foros.

La Roux, de vuelta al estudio

La autora de ‘Bulletproof’ ultima ya su tercer disco como revelaba hace unos meses. Se conocen exactamente cero detalles sobre el proyecto por el momento, pero al menos Elly Jackson ha tenido el detalle de actualizar sus redes sociales subiendo una foto de ella en el estudio. «He vuelto», escribe. La artista acaba de colaborar con Tyler, the Creator en su último disco, ¿estará el rapero involucrado en el de ella?

Sade posa junto a su hijo

Sade no suele aparecer en lo medios, pero en este caso ha sido su propio hijo Izaak Theo Adu quien, en sus redes, ha colgado una foto de él junto a ella para agradecer a su madre el apoyo que le ha brindado durante su transición (Izaah ha pasado meses recuperándose de su cirugía de reasignación de sexo). Y le ha dedicado un tierno mensaje: «Ha sido un camino arduo pero lo hemos conseguido, ¡ya estamos en casa! Gracias por estar a mi lado durante estos últimos seis meses, gracias por luchar conmigo para completar el hombre que soy. Eres el corazón más puro, la reina de reinas».

SOPHIE, echada de un Airbnb

La autora de ‘FACESHOPPING’ acaba de participar en un desfile de Louis Vuitton en París. Y parece -solo parece- que es en la capital francesa donde se ha producido esta imagen que misteriosamente ha llegado a manos de una cuenta de fans de la productora en Twitter. Según esta cuenta, en la foto SOPHIE está siendo echada de su piso alquilado en Airbnb, y la cara de ella es un absoluto prado de pena. Con la de máquinas y cachivaches que debe tener por ahí tirados…

Rosalía saca su disco en 2020

La autora de ‘El mal querer’ acaba de ser entrevistada por W Magazine y el texto incluye noticias sobre su nuevo disco. Dice que este saldrá en 2020 y que volverá a fusionar flamenco con sonidos contemporáneos, lo cual ya era de esperar, aunque quizá no tanto por quienes pensaran que Rosalía había se había entregado ya para siempre al reggaetón tras el éxito de sus colaboraciones con J Balvin y Ozuna.

Charli, su mejor crítica

‘Charli’ es uno de los mejores discos de 2019 y su autora lo sabe. Así que, en lugar de compartir críticas del disco escritas por otro, Charli XCX ha decidido escribirse las suyas propias y ha tenido la generosidad de compartirlas con sus fans. «Los Beatles de mi generación», «adelantada a mi tiempo», «si tienes oídos te encantará», «este album confirma que soy una puta genia», «realmente me he superado esta vez»… Desde luego no habrá nadie que esté más de acuerdo con que ‘Charli’ es excelente que la propia Charli, y pocas artistas hay también que tengan la capacidad de ella para reírse de sí misma.

Post Malone lo flipa

Y así es cómo nace un meme: durante un concierto, una fan de Post Malone se subió la camiseta para enseñarle las tetas y la reacción del rapero se ha hecho viral entre su «fandom», provocando la creación de memes como los que os dejamos.

Mariah Carey celebra el 3 de octubre

El 3 de octubre es el día oficial de ‘Mean Girls’ y Mariah Carey lo ha celebrado reproduciendo en sus redes sociales una de sus escenas más míticas, la misma que ha dado lugar a este día «festivo». La curiosidad es que ha sido el mismísim Joseph Khan quien ha grabado el vídeo ya que pasaba por casa de Mariah, parece que para otros menesteres. La reacción de Perfume Genius al vídeo también es imperdible.

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Happy Mean Girls Day! 💖💖💖 #oct3

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Greta Thunberg se pasa al death metal

Seguro que quien no conociera ya a la jovencísima activista por el medio ambiente Greta Thunberg, lo habrá hecho ya después de que medios de todo el mundo hayan reproducido su aparición en la ONU en la última cumbre mundial sobre el clima y liderara manifestaciones de protesta. Es ya casi una estrella del pop y, de hecho, hay quien la ha ofrecido una alternativa musical a su activismo, dada su voz rasgada: ser cantante de death metal. Ella se lo ha tomado muy bien.

El Justin Bieber más romántico gana la partida a Ed Sheeran, Camila Cabello y Cardi B como espías patosos

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Raúl Guillén
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La montaña de estrenos de singles de cada viernes –que recogemos en nuestra sección y playlist Ready for the Weekend– viene acompañada de nuevos vídeos, a veces de esas canciones recién presentadas y, a veces, de temas que ya conocíamos y que son destacados. En el mundo del pop destacaban los nuevos clips de dos colegas como Justin Bieber y Ed Sheeran, que hace unos meses colaboraban juntos en ‘I Don’t Care‘, tema estrella de ‘No. 6 Collaborations Project‘, álbum de colaboraciones con el que el británico sorprendía este año.

Precisamente una de sus canciones más llamativas, una ‘South of the Border’ que unía al autor de ‘Shape of You’ con Camila Cabello y Cardi B, tiene al fin vídeo oficial. Y cuenta con las dos estrellas femeninas del pop y el rap, respectivamente, en él. Se trata de una suerte de aventura/comedia de espías en la que la persecución de una joya desencadena una retahíla de alianzas en la que dos modelos random son casi más protagonistas que sus estrellas. Todo culmina con la intervención final, totalmente metida con calzador, de Cardi B, que pone la guinda cómica a esta historia de espías patosos. Aunque lo que queda claro es que, si este trío es patoso para algo, es para la interpretación.

En un par de días ‘South of the Border’ ha sumado ya 9 millones de reproducciones en Youtube, que no está mal pero no tiene nada que hacer con los más de 15 que ha logrado Bieber con el vídeo de ‘10.000 Hours’, el single junto al dúo country-pop Dan + Shay que se lanzaba la pasada semana. En este caso, el canadiense y los artistas de Nashville recurren a su vena romántica para esta baladita acústica, invitando a sus respectivas parejas al vídeo para dedicarse carantoñas íntimas entre flores. Quizá instigado por el hecho de que Justin se casaba por segunda vez con su mujer Hailey Baldwin hace apenas unos días, vídeo y tema parecen un éxito rotundo.

Amaia arranca su gira versionando a La Buena Vida, Cecilia y Natalia de OT1, que responde encantada

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Jordi Bardají
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Amaia ha estrenado en el recinto de Baluarte de Pamplona la gira de ‘Pero no pasa nada‘, reciente top 1 de ventas y streaming en España, dejando varias sorpresas. En primer lugar, la bonita puesta de escena floral de su concierto no ha pasado desapercibida, y en segundo, la cantante ha vuelto a sorprender versionando una canción más o menos inesperada.

Se trata de ‘Vas a volverme loca’ de Natalia, el gran éxito de su debut de 2002, ‘No soy un ángel’. Como muchos recordarán, Natalia fue, como Amaia, concursante de Operación Triunfo, en concreto de la primera edición, y no ha parado de lanzar singles y álbumes en todo este tiempo, el último de ellos el pasado mes de mayo (‘De nada’). En Instagram, Natalia ha afirmado haberle «encantado» que Amaia haya versionado su canción y en Twitter ha dicho que la ha visto «muy linda».

Como puede comprobarse en Setlist.fm, Amaia también ha vuelto durante su concierto a versionar ‘Medio drogados’ de Los Fresones Rebeldes, y además ha recuperado ‘Desde que tú te has ido’ de Cecilia, canción que versionaba hace unos días en su paso por Sesiones Movistar+. También ha interpretado ‘Qué nos va a pasar’ de La Buena Vida. En cuanto a material propio, Amaia ha presentado en el estreno de la gira de ‘Pero no pasa nada’ la totalidad de este trabajo que, al fin y al cabo, dura media hora de reloj; y un par de pistas que aunque ya había cantado en vivo, permanecen inéditas, estas son ‘Javier’ y ‘Me gusta bailar’. Además, ha hecho una versión extendida de ‘Un nuevo lugar’ y se ha lucido al piano tocando ‘El puerto’ de Isaac Albéniz.

Lorena Álvarez interroga la condición humana en ‘Persona’ con un artesano vídeo

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Jordi Bardají
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Lorena Álvarez ha publicado nuevo vídeo con motivo de su gira de octubre, que le llevará el día 8 al Teatro Lara de Madrid, el 11 a las Fiestas del Pilar de Zaragoza, el 17 a la Sala Apolo de Barcelona, el 19 al Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de Móstoles dentro del festival Autoplacer; el 25 al recinto de La Mutant. Espai d’arts vives. de Valencia dentro del feestival Truenorayo, y ya en noviembre, el día 9, al festival WOMAD de Las Palmas de Gran Canaria.

La canción escogida por la cantautora asturiana para seguir promocionando su fantástica ‘Colección de canciones sencillas‘ es ‘Persona’, una de las más animadas y alegres dentro de este trabajo lleno de melodías y arreglos que remiten a la más pura canción tradicional española. En esta composición marcada por la guitarra acústica y varias formas de percusión, Lorena reflexiona sobre su condición de ser humano y se pregunta por qué no ha acabado siendo otro tipo de organismo en la vida que le ha tocado vivir en lugar de una persona. En un nuevo texto lleno de referencias al mundo animal y al vegetal, la artista canta que «podría haber tenido el cuerpo cubierto de escamas» y «haber tenido en vez de brazos, un par de patas», pero que le ha tocado ser «persona». E incluso en el pasaje más filosófico de la canción, la autora de ‘Anónimos’ apunta que «podría no habérseme dado el entendimiento, ni la memoria, ni el sentimiento» sino simplemente «haber nacido en una higuera» o «vivir en silencio como una piedra», pero que en «en este reparto tan azaroso» le ha caído la fortuna -y la desgracia, según se mire- de ser persona.

El vídeo de ‘Persona’ es una pequeña joya de la artesanía audiovisual más DIY (Alvárez estudió Bellas Artes), en este caso rodada en la isla gallega de Sálvora y realizada con técnica en stop-motion por Gloria Vilches, amiga de la artista. Lorena ha explicado que es un vídeo «muy especial» para ella y vale la pena conocer el motivo: “Gloria me invitó un verano a visitar a su tío Julio, el farero de la desierta isla gallega de Sálvora. Llegamos a la isla en un barco manejado por un patrón y un marinero de lo más simpáticos, el marinero había sido de joven el primer bajista de Golpes Bajos, aunque si mal no recuerdo, antes de que se llamaran Golpes Bajos y ahora a parte de ser marinero, se dedicaba a tocar en orquestas, con el inconveniente de que según nos contó, no solía dar el perfil, porque buscaban chicos más altos y musculosos que él…»

Continúa: «Nos recibió en Sálvora una sirena de piedra, en el embarcadero, con una gaviota posada sobre su pelo de piedra. Y el tío Julio que nos esperaba a la orilla del mar para llevarnos en su tractor por los senderos de la isla hasta el faro, donde pasamos unos días inolvidables y aprovechamos para grabar este vídeo que hoy os enseñamos. Curiosamente, también fue durante esos días en los que mi amiga Gloria andaba detrás de publicar las memorias que su tío Julio había estado escribiendo durante toda su vida, pero no sabía muy bien cómo, y de repente mientras comíamos una lata de mejillones, se me ocurrió que el mejor sitio para publicarlas, debería ser la editorial Hoja de Lata Editorial, y los puse en contacto quedando ambas partes encantadas con la idea, que finalmente llegó a buen puerto, nunca mejor dicho, en forma del libro «Sálvora. Diario de un farero» de Julio Vilches, que podéis encontrar en cualquier librería. Sin duda un documento curioso ahora que ese trabajo se está mecanizando y desapareciendo el oficio de farero. En fin, los recuerdos de esos días los tenía bien guardados en mi corazón, pero ahora, con este vídeo, también los tengo bien guardados en el ordenador».

Fallece a los 80 años Ginger Baker de Cream, uno de los baterías más influyentes de la historia

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Jordi Bardají
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Ginger Baker, batería de Cream (izquierda en la foto), ha fallecido a los 80 años después que a finales de septiembre trascendiera que se encontraba hospitalizado en estado grave. La causa de su muerte no ha llegado a los medios. La familia de Baker ha anunciado la noticia en sus redes sociales: «nos apena decir que Ginger ha fallecido tranquilamente en el hospital esta mañana. Gracias a todos por vuestras amables palabras durante las últimas semanas».

Compañero en Cream de Eric Clapton y de Jack Bruce, fallecido en 2014, Baker fue uno de los baterías más influyentes de la historia del rock. El músico era conocido por usar dos bombos en lugar de uno solo y sobre todo por su estilo musical, que fusionaba ritmos africanos con los aprendidos durante su formación jazz (de adolescente, Baker fue alumno del batería de jazz Eric Seaman). El carisma y la energía de Baker encima del escenario le convirtieron además en uno de los primeros baterías del rock considerados también superestrellas por cuenta propia.

Junto a Cream, Baker publicó cuatro álbumes de estudio en un periodo de dos años: ‘Fresh Cream’y ‘Disraeli Gears’ fueron lanzados entre 1966 y 1967, mientras ‘Wheels of Fire’ y ‘Goodbye’ llegaron al mercado en 1968. Los discos de Cream fueron enormemente influyentes en el desarrollo y evolución del hard rock y el heavy metal, siendo ‘White Room’ y ‘Sunshine for Your Love’ dos de sus mayores éxitos. Tras la disolución de Cream en 1968, Baker formó Blind Faith junto a Eric Clapton y Steve Winwood, aunque el grupo duró un solo disco. A lo largo de su trayectoria, el batería formó más bandas, como Ginger Baker’s Air Force, y trabajó extensamente junto al cantautor nigeriano Fela Kuti. También siguió sacando discos en solitario, el último de los cuales, ‘Why?’, fue publicado en 2014.

Michael Stipe publica la electrónica ‘Your Capricious Soul’ solo como descarga en su página web

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Jordi Bardají
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Michael Stipe ha lanzado al fin su primer single oficial tras la disolución de R.E.M. en 2011. ‘Your Capricious Soul’ es una canción de ritmos electrónicos áridos próximos al trabajo de Thom Yorke en solitario, y de momento solo está disponible como descarga en la web del artista. La descarga de ‘Your Capricious Soul’ en la web de Stipe incluye la canción en alta calidad de audio, su videoclip, las letras y un póster, entre otra cosas.

Con ‘Your Capricious Soul’, Stipe anima a sus fans a donar a la organización Extinction Rebellion, aprovechando que esta semana arrancan sus protestas internacionales por el clima. Todas los beneficios obtenidos por la canción irán dirigidos a esta organización durante el próximo año.

‘Your Capricious Soul’ es una de dos canciones originales que Stipe estrenó hace unos meses durante un concierto sorpresa como telonero de Patti Smith. La otra fue ‘Drive to the Ocean’. Este verano, el músico anunció que se encontraba componiendo su primer álbum en solitario, detallando que ya tenía 18 canciones escritas. En 2017, Stipe compuso música para una instalación en Moogfest, y en 2018 estrenó la pieza ‘Future, if Future’ en apoyo al movimiento anti-armas. Sin embargo, ‘Your Capricious Soul’ es su single de debut de verdad y parece que también el primer adelanto de este disco con el que el autor de ‘Losing My Religion’ planea volver a la música tras 8 años.

Miki Núñez / Amuza

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Jordi Bardají
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Una vez pasada la decepción de Eurovisión, donde no obstante Miki Núñez hizo un buen trabajo, si bien la puesta en escena de ‘La venda’ no ayudó demasiado, el cantante catalán y sexto finalista de Operación Triunfo 2018 ha publicado su álbum debut, ‘Amuza’, que ha dejado sin el top 1 de ventas a León Benavente. La palabra significa «diversión» en esperanto y Miki explica que es un título irónico: «pensé en el gran fracaso que supuso intentar que todo el mundo hablara la misma lengua», pues «mi disco es plurilingüe».

Compuesto mayormente por el simpático Miki a excepción de ‘La venda’ y ‘Nadie se salva’, las dos propuestas que grabó para Eurovisión, quedándose como es sabido con la primera; ‘Amuza’ es un disco que nos habla sobre superar las adversidades, mantenernos unidos en nuestras diferencias y sobre ser F-E-L-I-Z ante todo, pero su feo título no termina de estar justificado pues las dos canciones del disco cantadas en catalán no es que aporten demasiado al conjunto. La reggae-pop ‘Per tu’ se queda a una vuelta de sonar a politono y ‘Escriurem’ es una anodina balada que además suena seguida, al final del disco, por su versión en español. No, no necesitábamos esta canción dos veces en nuestras vidas.

El buenrollismo© de ‘Amuza’ es apto para fans de artistas como Nil Moliner, Arnau Gris o La Pegatina, y de hecho los tres están involucrados en el álbum. El primero co-escribe, entre otros, el animado single ‘Celébrate’, efectivo en tanto busca ser una nueva ‘La venda’ sin que realmente lo parezca demasiado, mientras los segundos aparecen en ‘Eterno verano’, como es evidente en su estribillo cantado a coro, marca Morat; no tanto en ese espantoso autotune extremo tipo Cher metido con calzador en el puente, que suena más bien a Rebecca Black. Y los terceros están por supuesto en ‘La venda’, cuya posición en el álbum -es la pista 8- puede parecer random, pero está bien traída en realidad, pues es en torno a esta canción cuando la alegría elevada al cubo de ‘Amuza’ empieza a resultar un pelín agotadora.

Y es que la amalgama de estribillos coreables, trompetas y letras tipo “encontré mi felicidad dentro de un café”, además de un autotune en la voz de Miki muy mal disimulado como se está percibiendo en muchas de las canciones salidas de las últimas ediciones de OT, se hace cuesta arriba debido a la poca variedad de los sonidos utilizados y sobre todo a la familiaridad de las melodías. A duras penas destaca el pegadizo estribillo de ‘Coral del arrecife’ junto a Sofia Ellar (habría jurado que era Conchita quien cantaba) o la olvidable ‘Tanto tiempo’, en este caso únicamente por su ritmillo disco. Aunque lo que termina agotando de ‘Amuza’ al final son por supuesto sus letras llenas de mensajes de esperanza. «Hoy mi rumbo es mi corazón», “quiero acariciar la vida”, «entre todos construiremos esperanza, un abrazo y destruiremos la arrogancia”… Pensábamos que solo Melendi y Pablo Alborán eran capaces de este tipo de letras, pero no. Las entradas para la gira de ‘Amuza’ están disponibles en Ticketmaster.

Calificación: 4/10
Lo mejor: ‘Celébrate’, ‘La venda’, ‘Coral del arrefice’
Te gustará si te gusta: La Pegatina, Arnau Griso, Nil Moliner
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‘Transparent’ se despide sin «MaPa» y con un extraño y paupérrimo musical

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Sebas E. Alonso
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Durante cuatro temporadas ‘Transparent’ fue una de las series favoritas de crítica y público, sin duda uno de los grandes tantos que se había apuntado Amazon en cuanto a contenidos audiovisuales. Creada por Jill Solloway, que había escrito para series imprescindibles como ‘A dos metros bajo tierra’, inspirada por su propio padre/madre («MaPa»), contribuyó a normalizar a las personas transgénero que deciden dar el paso incluso cuando tienen cónyuge cisgénero de toda la vida y tres hijos adultos.

Jill Solloway escogió a un actor cisgénero para interpretar el personaje principal de Maura, lo cual en 2014 no fue el escándalo que habría sido en 2019, pero finalmente ha tenido que precipitar el final de la serie después de que Jeffrey Tambor haya sido acusado de acoso sexual por dos mujeres trans del equipo de la serie, propiciando el despido de Amazon. A decir verdad, y contra todo pronóstico, la serie podría haber subsistido sin el mismísimo «trans-parent» protagonista: el encanto de toda la familia Pfefferman ha sido probado a lo largo de estos cuatro años. Judith Light, interpretando a la ex mujer de Maura, tiene una vis cómica que se come la cámara en cada plano, y hemos de querer a los tres hijos de ambos, Sarah, Ali y Josh, en su camino por ser ellos mismos, por defender sus relaciones abiertas, su bisexualidad, sus relaciones no heteronormativas o sus géneros no binarios.

‘Transparent’ ha sacudido los cimientos de aquello que muchos entendían como «familia disfuncional», ofreciendo capítulos para la reflexión para la propia comunidad LGTB+ y el propio feminismo, como ese en el que Maura es expulsada de un campamento feminista porque no la consideran una verdadera mujer. Lamentablemente, Solloway no ha aprovechado la fuerza de sus personajes secundarios para ofrecer un desenlace a la altura, optando por un extraño musical de ínfulas arty (esa escena en el bosque, esa especie de parodia de ‘La tribu de los Brady’) que no va a ningún sitio.

Este ‘Musicale Finale’ se extiende hasta los 100 minutos de duración cuando una de las gracias de la serie era su brevedad, y no logra acercarse en su pretensión musical al entretenimiento kitsch, erótico-festivo y glam de, por ejemplo, John Cameron Mitchell. Jill Solloway, cual alcaldesa de Móstoles, ha cometido la torpeza de enchufar a su hermana Faith Solloway para escribir todos los números musicales, dando como resultado una serie de canciones totalmente inanes y de escenas que pululan entre lo extraño y lo sonrojante, como ese número por el “Joyocaust”, en el que esta familia de judíos intenta convertir en «alegría» el Holocausto. ¿En serio?

Como un mal vídeo en formato largo de Le Tigre, Stuart Murdoch o Adam Green, el final de ‘Transparent’ no sabe aprovechar la desaparición de Maura para generar dramatismo (esa escena en la que los tres hijos huelen su cama pasa demasiado rápido), ni tampoco para extraer humor como lo habrían conseguido Los Javis. Este ‘Musicale Finale’ se apunta el tanto de sumar a los doppelgängers de los personajes principales, lo que incluye a la Maura que siempre debió ser; así como la recuperación del personaje de Raquel, que se queda la mejor parte del guión («el dolor es como el océano»), pero en realidad uno pasa esta hora y media más que nada sufriendo al imaginar cómo los actores han tenido que enfrentarse con sus pobres voces a este desaguisado. 5.

Los Punsetes: «Todo el mundo piensa en el dinero más de lo que le gustaría»

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Sebas E. Alonso
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‘Una persona sospechosa’, ‘Idiota’ o ‘Vas hablando mal de mí’ son los tres singles de «oro» con los que Los Punsetes han continuado ampliando su ya inabarcable repertorio de «greatest hits». ¿Quién habría adivinado que ‘Dos policías’ ni siquiera sería una de las canciones más escuchadas o reivindicadas de su repertorio? ¿Que podrían enfrentarse a un concierto sin interpretarla y que nadie la echaría de menos? El guitarrista Jorge García, uno de los compositores principales, atiende a la prensa en una céntrica y ruidosa cafetería madrileña. Como los demás miembros del grupo, algo parco en palabras, nos ofrece algunos de los detalles de este disco. Los Punsetes presentan ‘Aniquilación’ en una amplísima gira desde este mismo mes, para la que las entradas están disponibles en Ticketea.

¿Qué significa este disco para vosotros?
Tampoco tanto, es un disco más, sin más. Llevamos dinámicas parecidas, hemos conseguido hacer otro disco. Y con el que estamos contentos.

Mi sensación es que siempre intentáis hacer como un debut, se mantiene esa pegada como adolescente.
Nunca lo hemos dicho así pero no es una mala manera de describirlo. Hemos hecho un montón de cosas, pero lo que intentamos es que cada canción funcione. Tratamos de hacer canciones individualmente. No, «como esta es así, esta otra hagámosla diferente», que me parece que puede llevar a perder frescura. Si cambiásemos los discos de orden, no se notaría muchísimo. Quizá habría matices en cuanto a letras, pero no mucho más. Tenemos un poco la cosa de reaccionar al disco anterior, pero no pensamos en los discos como conjuntos cerrados. Cada vez intentamos más que tengan coherencia, pero cuando estamos en el local estamos pensando en la canción, no en la canción respecto al disco. Si llevas 4 canciones y estás con la 5ª, no sabes siquiera si esta va a sobrevivir. Intentamos que cada canción «suba» lo máximo posible en su estilo, y esto puede dar lugar a lo que tú dices.

Cuando empieza el álbum con ‘Seres humanos’ sí tenía la sensación de que habíais buscado algo diferente, con esos teclados. Como sucede con ‘Lo dejo’ y en fragmentos de canciones sueltas.
‘Estela plateada’ o ‘Miguel de Molinos’, ¿no? Una cosa que sí queríamos hacer es que como los discos anteriores eran cerrados en cuanto a canciones de 3 minutos, queríamos actuar un poquito más, con partes instrumentales y abrirlo un poquito. El tercero tenía cosas así. Yo insistí un poco más en abrirnos un poco después de 2 discos cerrados. Creo que ha funcionado bien, hay variedad y cosas que llaman la atención sin perder que la canción esté muy arriba. Da más cosas al oyente.

¿Tú eres el que tira más del carro en ese sentido? ¿Y el más reticente?
Soy un poco el más pesao. Reticente no hay nadie, somos de «vamos a hacer lo que sea, mientras funcione».

¿Qué hace ‘Miguel de Molinos’ como a mitad del disco? Es un tema muy de final de disco, aunque el final de verdad, también…
Bueno, a ver, es muy punky, lo que pasa es que tiene la intro… Pero si estás metido en la canción… Es lo que te decía que queríamos hacer. Esa parte instrumental estaba flotando cuando la empezamos a hacer, pero no está ahí por algo especial. La otra (‘Estela plateada’) ha encajado más al final.

«Sería como muy jodido soltar esas cosas y no incluirse. En «A lo mejor soy idiota» estás metido. No puedes tener el morro de soltar esas movidas y pretender salir limpio»

Los singles nuevos siguen la estela de ‘Opinión de mierda’, que ha terminado siendo un pelotazo para vosotros, vuestra canción más oída. No sé si lo esperabais.
Qué va, esas cosas nunca las sabes. Cuando sacamos el disco no fue siquiera single… Fue single la tercera, cuando vimos que había que aprovechar: «chicos, hay que hacer un vídeo, está tirando mucho». Puede ser que ‘Idiota’ y ‘Persona sospechosa’ tengan esa misma perspectiva. La letra funciona de manera parecida, en plan «mira cómo somos». No me gustaba mucho sacar estas dos de single porque funcionan en un plano parecido, pero musicalmente son muy distintas, así que dijimos «sacamos las dos». Pero bueno, sí que ha dado rabia que funcionen en un plano parecido.

Este retrato social que hacéis, ¿alguien ha intentado analizarlo desde un punto de vista filosófico, antropológico…?
No, algo como serio no. Se podrían coger las letras y hacer algo. Alguien que escribió algo que estaba bastante bien fue el editor de la nota de prensa del tercer disco, Julián Rodríguez, que además ha muerto hace poco. Iba en ese sentido, pilló unas cuantas cosas bastante bien. ¿Pero alguien se ha molestado en escribir un buen trozo…? No.

¿Hay autocrítica en este tipo de letras?
Sería como muy jodido soltar esas cosas y no incluirse. En «A lo mejor soy idiota» estás metido. No puedes tener el morro de soltar esas movidas y pretender salir limpio. Ni de coña.

¿De quién fue la idea de hacer un «revelación o timo» para vuestro nuevo vídeo?
Nacho (Vigalondo).

¿La de llamar a periodistas también?
Sí, cuando pasó el guión estaba definido lo de Pedro Ruiz, lo de Víctor Lenore y el Revelación o Timo. Nos metimos en la dinámica de buscar cameos, pero casi todos fueron cosa suya. Lo que hacemos con los vídeos y las portadas es discutir bien a quién llamamos y luego dejarles libertad. Como Los Ganglios cuando hicieron ‘Opinión de mierda’, fue como: «haced lo que queráis».

¿Fue a propósito que entre los periodistas musicales no hubiera ninguna mujer?
No. (…) También es verdad que no hay muchas.

«Pensamos que Pedro Ruiz nos iba a mandar a tomar por culo. Pero fue majísimo, y yo creo que se lo pasó muy bien»

Me ha llamado la atención, pero no sé si veo más punto común entre Julio Ruiz y Víctor Lenore.
Lo de Víctor Lenore era un poco por las risas y luego lo demás, gente que teníamos a mano. O colegas o gente que podría salir. Llimoo es amigo de Nacho, David Pareja es amigo de Nacho, Noel Ceballos es amigo de Nacho, Lenore fue una coña de Nacho…

Y luego está lo de Pedro Ruiz…
Eso es una puta ida de olla. Pensamos que nos iba a mandar a tomar por culo. Pero fue majísimo, y yo creo que se lo pasó muy bien.

¿Conocía el grupo?
No, no, no… Pero Manuel se lo explicó por teléfono y fue guay.

Podría haber sido. El nombre del grupo es muy fácil de recordar…
Es un señor de 70 años, que vete tú a saber qué hace en su casa con su tiempo libre, que ahora mismo me imagino que será bastante… Es que no sé qué escuchará ahora mismo Pedro Ruiz.

Patxi López era fan vuestro. De vez en cuando han salido cosas así…
De vez en cuando…

«Mi sensación es que el grupo tiene un punto demasiado rebuscado, como para que esto se termine de megaexpandir»

Estáis siempre a punto de pegar un pelotazo…
Sí, siempre estamos ahí, pero no sé. Mi sensación es que el grupo tiene un punto demasiado rebuscado, como para que esto se termine de megaexpandir. No sé… Es más fácil en unas cuantas cosas, quizá sí, pero no termina de serlo, y no creo que vaya a ser.

Bruno de Mushroom Pillow me decía que pegasteis un pequeño salto con el disco anterior, estáis en las playlists de Spotify, sois un grupo recurrente en festivales…
El grupo fue mejor con el cuarto que con el tercero, el quinto mejor que con el cuarto… y este creemos que irá un poco mejor. Pero luego ya veremos…

A nivel estructural, ¿habéis notado un cambio en Mushroom o estáis igual?
No, estamos igual.

La nota de prensa habla de influencias hardcore en este disco, no sé si las veo. Lo que sí veo son guitarras indie pop de finales de los 80, como en la primera canción y en alguna otra…
Sí, ‘La gran bestia’, que es un poco más poperilla. Siempre nos ha gustado un montón. Que ahora se haya notado un poquito más, puede ser, son referentes clásicos. Una amiga nos dijo esto mismo, que le sonaba al indie inglés de finales de los 80. No lo había pensado pero sí, está ahí. Siempre ha estado. Igual es por esto que decía de que cada canción es un poco más diferente en tratamiento. Puede que las cosas estén un poco más extremadas.

Tenemos en este álbum ‘Dinero’, ‘Oro’ y ‘Atraco perfecto’. Cuéntame si están relacionadas entre sí.
El dinero es un tema que está en la cabeza de todo el mundo. Vivimos un momento en que tiene mucha importancia, es inevitable. Muy poca gente no está relajada al respecto. Todo el mundo piensa en el dinero más de lo que le gustaría.

Pues menos mal que no estamos en recesión, que se supone que las cosas van bien al menos hasta el año que viene o el otro.
Ya, tío, pues no lo sé. ¿No hablas mucho de dinero? En Madrid, con los alquileres… Nosotros como personas no nos podemos quejar. Tenemos trabajo estable, ganamos dinero bien con el grupo, no estamos en posición de quejarnos, pero es un gran tema artístico ahora mismo, la verdad. Lo veo flotando mucho en el ambiente e inevitablemente, se está traduciendo ahí. Me parece muy fácil que saquemos otro disco y haya dinero.

«El principio de ‘Oro’ es ese momento de «somos mayores, estamos rodeados de chavales, igual estamos perdiendo nuestro toque». Luego hay una vuelta bastante divertida»

‘Oro’ empieza diciendo «son una mierda nuestras canciones» pero al final es como «he ganado la guerra». Primero parece que os estáis echando mierda encima, pero como que salís victoriosos, como en el vídeo de ‘Vas hablando mal de mí’.
No es una relación buscada, pero son cosas que terminan encajando. ‘Oro’ me hace gracia, porque parece ‘Losing My Edge’ al principio y luego mola porque tiene una vuelta de dejar la responsabilidad a los oyentes, «si vosotros nos escucháis mucho, podéis convertir esto en oro». Es una vuelta bastante divertida, pero el principio es ese momento de «somos mayores, estamos rodeados de chavales, igual estamos perdiendo nuestro toque», que es una cosa que inevitablemente siempre la piensas.

El final del vídeo es muy blanco.
Tiene un final muy blanco, sí.

Esperaba más sangre o algo.
Pero eso es de Nacho. Hay un momento en el que ves que van a tirar la sangre de «esto puede acabar de una manera jodida». Y tiene una vuelta amable, hasta ñoña. También es divertido, porque acabar como el Rosario de la Aurora sería lo típico nuestro.

Igual significa que vais camino a la victoria ya definitivamente…
(risas)

Blas Cantó representará a España en Eurovisión 2020

Por
Jordi Bardají
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31

Blas Cantó representará a España en Eurovisión, confirma RTVE. El cantante “ha sido elegido internamente por la dirección de RTVE” y “ha reconocido que soñaba con participar en el festival europeo desde que era un niño”.

El intérprete de ‘Él no soy yo’ ha afirmado: «Eurovisión es un festival que ha seguido toda mi familia y yo mismo desde siempre, estoy muy feliz de formar parte de él ahora”. Cantó, que de niño ya participó en Eurojunior, se dio a conocer en 2010 como integrante de la boy band Auryn, con la que editó cuatro álbumes de estudio antes de su disolución en 2016. Más tarde concursó en ‘Tu cara me suena’, resultando ganador, y emprendió su carrera en solitario con la edición de singles como ‘In Your Bed’ o ‘Drunk and Irresponsible’.

En declaraciones a RTVE, Cantó, que en 2018 editaba el disco ‘Complicado’, ha manifestado que cuidará con “mimo” la composición de la canción la que participará en Eurovisión, que en 2020 tendrá lugar en Rotterdam, Países Bajos, tras la victoria de Duncan Laurence. La candidatura española en el festival es solo la segunda que se conoce actualmente, tras la confirmación de Hooverphonic por Bélgica.

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