Había ganas de este titular: Single anuncian nuevo single. Se llama ‘El roce’ y sale el día 18 de octubre, dentro de dos viernes. La portada es obra de Javier Aramburu, que ya habían trabajado con Ibon y Teresa y recientemente ha firmado la cubierta del debut de Fuerza Nueva, la banda de Los Planetas y Niño De Elche.
Elefant volverá a publicar esta canción que podría ser o no el primer adelanto de un nuevo disco de Single. Desde 2014, el año en que vio la luz el recomendado ‘Rea‘, el dúo no ha publicado álbum largo, si bien este mismo año han aparecido en ‘Joterías bobas‘, el último disco de Hidrogenesse, y en ‘La deriva sentimental‘ de Parade.
Conocidos por canciones como ‘Tu perrito librepensador’ o ‘Algo raro’ y obviamente por el paso previo de sus integrantes por Le Mans y Aventuras de Kirlian, las novedades de Single han sido escasas en los últimos tiempos. A lo sumo, y además de las apariciones mencionadas, en 2016 Ibon y Teresa colaboraron precisamente con Hidrogenesse en una versión de ‘No hay nada más triste que lo tuyo’ para la banda sonora de ‘Distancias cortas’, la primera película de Alejandro Guzmán.
Fangoria han revelado portada y tracklist oficiales de ‘Extrapolaciones y dos respuestas’, la segunda parte de su proyecto de versiones, que en este caso abarcará temas publicados entre 2001 y 2019. El álbum contará además con dos canciones nuevas, la primera de las cuales, ‘Un boomerang‘, llegaba la semana pasada, dividiendo a nuestra redacción.
Por supuesto, la gran curiosidad en todo esto era averiguar qué canciones Fangoria habían decidido versionar esta vez, y un vistazo a la lista de temas descubre títulos muy conocidos de La Casa Azul (‘La revolución sexual’), Marta Sánchez (‘Soy yo’), Joe Crepúsculo (‘Mi fábrica de baile’), El Columpio Asesino (‘Toro’) o Chico y Chica (‘Supervaga’). El disco incluirá además temas de Astrud, Hidrogenesse, Dorian ft. Santi Balmes, Ríos de Gloria, Nancys Rubias y King Jedet ft. Ms. Nina (ambos presentes en una de las dos versiones oficiales de ‘¿De qué me culpas?’).
Estas son las versiones de las que se compondrá ‘Extrapolaciones y dos respuestas. La segunda canción inédita será ‘De todo y nada’:
Mentalismo (Astrud)
Dame tu cariño (Camela)
Supervagav (Chico y Chica)
Desafíame (Ríos de Gloria)
Soy yo (Marta Sánchez)
La revolución sexual (La Casa Azul)
Supertravesti (Nancys Rubias)
Disfraz de tigre (Hidrogenesse)
Toro (El Columpio Asesino)
Mi fábrica de baile (Joe Crepúsculo)
Los amigos que perdí (Dorian, Santi Balmes)
Eres tan travesti (La Prohibida)
Reinas (King Jedet, Ms. Nina)
Un boomerang
De todo y nada
James Blake acaba de actuar en el festival Austin City Limits y allí ha hablado sobre el posible sucesor de ‘Assume Form‘, su último disco, lanzado tan solo el pasado mes de enero. El compositor y productor británico ha revelado a Billboard que se encuentra trabajando en «nuevo material» e incluso ha anunciado que publicará una canción nueva próximamente.
Se trata de una canción llamada ‘You’re Too Precious’ que Blake quiere publicar ya, aunque de momento no ha decidido la fecha exacta. «Quiero sacarla pronto, pero es cuestión de cómo voy a hacerlo. Tengo que averiguar eso antes». ¿Se refiere al lugar en el que la canción será publicada? En cualquier caso, el autor de ‘I’ll Come Too‘ ha explicado que ‘You’re Too Precious’ es una «canción de amor» sobre «querer liberar de carga a alguien y simplemente sobre querer a esa persona».
Como los fans de Blake sabrán, el artista ha solido publicar singles sueltos entre discos. Especialmente memorable fue aquel ‘If the Car Besides You Moves Ahead’ que finalmente no formó parte de ‘Assume Form’ quizá por ser demasiado electrónico. Recientemente, el británico lanzaba el videoclip para otro de los sencillos extraídos del álbum, ‘Can’t Believe the Way We Flow’.
Miss Caffeina y Varry Brava han desvelado qué hay detrás de su anunciado proyecto conjunto, DANCETERÍA. Se trata de una breve gira conjunta que los autores de ‘Oh Long Johnson‘ y los de ‘Furor‘ emprenderán el invierno que viene. Los primeros explican: «Dancetería es un show conjunto con nuestros amigos de Varry Brava en el que nos iremos entrelazando hasta convertirnos en una sola banda».
‘DANCETERÍA’ se compondrá de «4 únicas fechas» y según Miss Caffeina, ambos grupos se encuentran preparando «un show de traca». Las fechas anunciadas son el 8 de febrero en la Sala Inn de A Coruña, el 14 de febrero en el IFEMA de Madrid, el 22 de febrero en la Sala Razzmatazz de Barcelona y el 7 de marzo en la Sala Gamma de Murcia. Las entradas para la gira salen a la venta el martes 8 de octubre a las 12 horas.
La nota de prensa explica: «Dos de los directos más enérgicos y bailables de los festivales patrios de dos bandas en plena ebullición creativa en la escena pop-rock nacional se suman en un mismo show. “Dancetería” es la apuesta de Miss Caffeina y Varry Brava por formar un conglomerado musical en el que las bandas presentarán una puesta en escena única con un repertorio especial donde los hits de ambos se intercalarán con colaboraciones alternas».
Y continúa: «La mutua admiración entre las bandas junto con su oficina de management les llevó a dar a luz la idea de gira combinada. “Dancetería es un lugar sin prejuicios ni etiquetas. Dancetería es pop, punk, glam, urban… Dancetería es pura fiesta”.
FKA twigs comenzaba a desvelar la pasada primavera su esperado regreso discográfico con ‘Cellophane‘, una canción apasionante que se colaba entre lo mejor de la primera mitad de 2019 para nuestra redacción. Pero entonces aún desconocíamos los detalles sobre el sucesor de su alabado debut homónimo. Ha sido ya a principios de septiembre cuando hemos conocido que este trabajo lleva el título de ‘Magdalene’, que algunos de sus nueve cortes están producidos, entre otros, por Nicolas Jaar y que se publica ría el 25 de octubre… fecha que hoy sabemos ha sido pospuesta al 8 de noviembre, por cierto.
Todo aquello se dio a conocer cuando presentaba el segundo adelanto del álbum, una ‘Holy Terrain‘ que no solo contaba con una colaboración vocal del rapero Future sino que además incluía entre sus autores a Jack Antonoff (Taylor Swift, Lana Del Rey) y entre sus productores a Skrillex. No será ese el último avance de ‘Magdalene’ previo a su publicación, puesto que esta mañana se ha presentado otro más, ‘Home With You’.
Es la pista número dos del disco y en menos de 4 minutos confluyen dos facetas diferenciadas: una primera más lúgubre y trip hop, presente en los versos, mientras que el estribillo se desnuda primero con un piano y, ya hacia el final, con unos arreglos orquestales de viento más clásicos, aunque no ortodoxos –destaca la producción de Noah Goldstein, ingeniero de sonido predilecto de Kanye West–. En el vídeo oficial del tema, dirigido por la propia Tahliah Barnett, esa dualidad se transforma en imágenes: primero, con una cohorte de amigas con las que baila en un oscuro club hasta que deciden abandonarlo para, entre coreografías al volante, dirigirse a la campiña británica; y luego, ahondando en un carácter más onírico y espiritual, con una imaginería que recuerda a los rituales yoruba (recordemos que su padre es jamaicano) que también han empleado en su estética artistas como Princess Nokia o Ibeyi.
«Nunca volverás a trabajar en esta ciudad» suena a tópica amenaza de un jefazo hacia un empleado insurrecto o ineficaz. Sin embargo, en ‘You’ll Never Work In This Town Again’, canción incluida en ‘Office Politics‘, reciente álbum de The Divine Comedy, la frase pasa de ser una amenaza a una realidad. Y es que Neil Hannon reflexiona en ella sobre cómo el sueño del empleo 100% eficiente y sencillo, asistido por la tecnología más moderna, puede convertirse en la peor pesadilla de la Humanidad.
Desde la revolución industrial, el hombre ha invertido ingentes recursos en aplicar las últimas tecnologías al entorno laboral, buscando principalmente una mejora de la productividad y la calidad. Hasta tal punto que los avances actuales hacen vislumbrar ya un futuro en el que los robots y la inteligencia artificial serán primordiales en todos los sectores laborales. Pero lo que no está tan claro es qué sucederá entonces con la mano de obra humana, que sobrará a espuertas. Sobre esto trata el nuevo doble single extraído del doceavo álbum en la carrera del músico irlandés, el tándem que ya en su tracklist conforman ‘Infernal Machines’ y la citada ‘You’ll Never Work In This Town Again’, nuestra Canción del Día, destacado ahora por un doble vídeo oficial animado que alude a las revoluciones tecnológicas del siglo XX.
Y es que si la primera, con ese insólito tono de rock industrial a lo Gary Numan, ya habla de las máquinas que «planean tomar el mundo» mientras fabrican juguetes, la segunda, con su tramposo tono festivo de latin-jazz, certifica que esa vida de facilidades y «libre de trabajo precario» esconde en realidad la absoluta insignificancia de la mano de obra humana de aquí unos años: «Ese loco algoritmo te tiene a su merced / Toma decisiones por ti cada día / Vives en una prisión que has diseñado tú mismo / Ese loco algoritmo te está convenciendo», canta apuntando a que eso hará que «no volvamos a trabajar en esta ciudad».
En esas, Hannon recupera la figura de Ned Ludd, inspirador y fundador de los Luditas: Ludd era un trabajador textil del siglo XIX que instigó la destrucción de unos telares automatizados que amenazaban su empleo y el de muchas familias. De manera furtiva, los Luditas atemorizaban a los empresarios e industriales del norte de Inglaterra con sus acciones y amenazas durante años, hasta que el Gobierno británico decidió emplear al ejército para sofocar la revuelta. Desde entonces al término «ludita» se le dio una cognotación peyorativa de alguien reaccionario, que rechaza la innovación y la tecnología. Pero hoy se reivindica a Ludd como una de las primeras figuras anticapitalistas de la Historia. Y por ahí le reivindica también Hannon en la letra de la canción: «Ned Ludd era un trabajador / Las cosas cambiaron y forzaron su mano / Él cogió un martillo y se rebeló».
The Divine Comedy es uno de los principales nombres confirmados en la edición 2019 de BIME, en Bilbao. Además, estará presentando ‘Office Politics’ en otras ciudades del país: el 3 de noviembre de 2019 en Valencia, La Rambleta; el 5 de noviembre de 2019 en Barcelona, Sala Apolo; y el 6 de noviembre de 2019 en Madrid, La Riviera.
¿Alguien recuerda el cuarto de hora indie de la lista de Los 40 Principales? ¿Cuando entraban cosas como Miss Caffeina, Sidecars y Sidonie? En 2016 parecía que la emisora podía ser decisiva para bandas del tipo Viva Suecia. El grupo murciano liderado por Rafa Val tenía elementos de la vieja escuela del indie (su productor sigue siendo Carlos Hernández, tan vinculado a Los Planetas), pero también conectaba con la nueva generación de seguidores de bandas como Vetusta Morla o Izal, a los que unen sus letras pasionales y efectistas, no siempre muy claras.
Viva Suecia se han ido creciendo single a single en sus dos primeros discos, casi como si realmente la radiofórmula se hubiera sumado a lo que se llamaba «indiemainstream». Gracias al boca oreja, ‘Bien por ti’, ‘A dónde ir’, ‘Hemos ganado tiempo’ o ‘Permiso o perdón’ han ido sumando millones de reproducciones, llevándoles a actuar frente a 10.000 personas en diversos festivales del tipo Low. Y a llenar La Riviera de Madrid en diferentes ocasiones. Su tercer álbum, ‘El milagro’, no se ve afectado por la transversalidad de unos Novedades Carminha, y el éxito de su tema dance con ElyElla, ‘Todo lo que importa’, no les ha movido un pelo. Viva Suecia siguen entregados al pop-rock español de tintes muy levemente underground y también al Brit Pop de toda la vida, con algún guiño americano.
Así lo muestra el primer single y tema de inicio, ‘Lo que te mereces’, con algunas de sus ya clásicas sentidas frases sobre el amor y la vida, comenzando nada menos que con un «parece que hoy no ha muerto gente» y dejando conclusiones como «lo bueno es lo que nos pasa / lo demás es no estar vivo». Desde luego, ‘El milagro’, un disco cuyo diseño está lleno de simbología religiosa, es a menudo una lucha por mantenerse vivo frente a la adversidad, en general amorosa. “Tengo una fobia brutal al presente”, reconoce la mortificada ‘Necesitarnos tanto’, mientras ‘La fuerza mayor’ -con unos inaudibles coros de Ampara Llanos- indica: «deseo llegar a los cien y nunca me veo capaz».
Hay un deseo de engañarse a uno mismo en temas como ‘Algunos tenemos fe’ («y hacemos memoria en favor de la historia que nos queremos creer») y ‘Será’ («que solo exista el pasado si está de nuestro lado»), pero no va acompañado de un eterno pesimismo. Al contrario, el grupo que durante los últimos tiempos termina sus conciertos haciendo sonar un tema disco de Abba, ha decidido incorporar campanas a ‘Qué querías ser de mayor’, referenciando explícitamente a Blondie y a Texas; introducir algún bajo disco mirándose en gente tipo Danger Mouse; y sobre todo cerrar este largo quitando hierro al asunto.
Si bien habría cabido esperar que alguna balada con cuerdas fuera lo último que encontráramos en este álbum, no es el caso. ‘Días amables’, que tras un inicio muy Coldplay, incorpora una sección de cuerdas que mira tanto a La Buena Vida como a Los Planetas, aparece en la primera mitad del álbum; y ‘El milagro’, entre Travis, Vetusta Morla y Broken Bells, en la segunda. Pero el grupo decide culminar no con ella sino con ‘Será’, algo así como el reverso positivo de ‘Pesadilla en el parque de atracciones’ («espero verte atando cabos saliendo alegre de los lavabos / será increíble, será un infierno / Eso demuestra que nos queremos»), y un tema bastante uptempo que no va a pasar desapercibido. Se llama ‘Fóllame’, Joe Crepúsculo ha metido mano en sus sintetizadores y es otro ejemplo más de que Viva Suecia cuentan con buenos terceros, cuartos, quintos singles. No todo el mundo puede decir lo mismo en un «difícil-tercer-disco», ¿verdad, Oasis, Cranberries, Garbage…?
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Algunos tenemos fe’, ‘Será’, ‘Qué querías ser de mayor’, ‘Días amables’, ‘El milagro’ Te gustará si te gustan: Coldplay, Los Planetas, Travis, Foals Escúchalo:Spotify
Nueva edición de nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que, si no lo hiciste ya, te gustará ver. Hoy, recogemos a Taylor Swift «drogada», Rosalía hablando de su próximo disco, SOPHIE en problemas, Sade con su hijo…
Taylor Swift, «drogada»
He aquí Taylor Swift hasta arriba de tranquilizantes después de someterse a una cirugía de láser ocular, intentando comerse como puede un plátano. El vídeo, como veis totalmente privado, no debería haber visto la luz, pero ha sido Jimmy Fallon quien, con el permiso de la madre de Swift, ha emitido este vídeo delante de millones de espectadores… y con la misma Swift delante, pues era en ese momento la artista invitada a su programa. Swift no da crédito y el vídeo en el que empieza a dar cuenta de lo que va a ocurrir es imperdible. Por supuesto, los memes se han ido sucediendo sin parar.
En esta reunión de estrellas de la música urbana en España, Mala Rodríguez, Lola Indigo, C. Tangana, Alizzz, Recycled J y Rels B posan juntos en las oficinas de Spotify. Desconocemos cuál ha sido el motivo de este encuentro, pero desde luego pocas imágenes pueden darnos una idea más clara lo que es el pop actual en nuestro país. Un verdadero «quién es quién» perfecto para el hilo de breves encuentros en nuestros foros.
La autora de ‘Bulletproof’ ultima ya su tercer disco como revelaba hace unos meses. Se conocen exactamente cero detalles sobre el proyecto por el momento, pero al menos Elly Jackson ha tenido el detalle de actualizar sus redes sociales subiendo una foto de ella en el estudio. «He vuelto», escribe. La artista acaba de colaborar con Tyler, the Creator en su último disco, ¿estará el rapero involucrado en el de ella?
Sade no suele aparecer en lo medios, pero en este caso ha sido su propio hijo Izaak Theo Adu quien, en sus redes, ha colgado una foto de él junto a ella para agradecer a su madre el apoyo que le ha brindado durante su transición (Izaah ha pasado meses recuperándose de su cirugía de reasignación de sexo). Y le ha dedicado un tierno mensaje: «Ha sido un camino arduo pero lo hemos conseguido, ¡ya estamos en casa! Gracias por estar a mi lado durante estos últimos seis meses, gracias por luchar conmigo para completar el hombre que soy. Eres el corazón más puro, la reina de reinas».
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SOPHIE, echada de un Airbnb
La autora de ‘FACESHOPPING’ acaba de participar en un desfile de Louis Vuitton en París. Y parece -solo parece- que es en la capital francesa donde se ha producido esta imagen que misteriosamente ha llegado a manos de una cuenta de fans de la productora en Twitter. Según esta cuenta, en la foto SOPHIE está siendo echada de su piso alquilado en Airbnb, y la cara de ella es un absoluto prado de pena. Con la de máquinas y cachivaches que debe tener por ahí tirados…
the only sophie update to tweet is about her getting kicked out of an airbnb in Glasgow chile i am so sorry pic.twitter.com/VxC38qRn5d
La autora de ‘El mal querer’ acaba de ser entrevistada por W Magazine y el texto incluye noticias sobre su nuevo disco. Dice que este saldrá en 2020 y que volverá a fusionar flamenco con sonidos contemporáneos, lo cual ya era de esperar, aunque quizá no tanto por quienes pensaran que Rosalía había se había entregado ya para siempre al reggaetón tras el éxito de sus colaboraciones con J Balvin y Ozuna.
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Charli, su mejor crítica
‘Charli’ es uno de los mejores discos de 2019 y su autora lo sabe. Así que, en lugar de compartir críticas del disco escritas por otro, Charli XCX ha decidido escribirse las suyas propias y ha tenido la generosidad de compartirlas con sus fans. «Los Beatles de mi generación», «adelantada a mi tiempo», «si tienes oídos te encantará», «este album confirma que soy una puta genia», «realmente me he superado esta vez»… Desde luego no habrá nadie que esté más de acuerdo con que ‘Charli’ es excelente que la propia Charli, y pocas artistas hay también que tengan la capacidad de ella para reírse de sí misma.
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Post Malone lo flipa
Y así es cómo nace un meme: durante un concierto, una fan de Post Malone se subió la camiseta para enseñarle las tetas y la reacción del rapero se ha hecho viral entre su «fandom», provocando la creación de memes como los que os dejamos.
El 3 de octubre es el día oficial de ‘Mean Girls’ y Mariah Carey lo ha celebrado reproduciendo en sus redes sociales una de sus escenas más míticas, la misma que ha dado lugar a este día «festivo». La curiosidad es que ha sido el mismísim Joseph Khan quien ha grabado el vídeo ya que pasaba por casa de Mariah, parece que para otros menesteres. La reacción de Perfume Genius al vídeo también es imperdible.
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I had no idea how this line was from a movie until just now and honestly I wish I could go back to how wild this clip felt before I knew https://t.co/UDdk59gOD2
Seguro que quien no conociera ya a la jovencísima activista por el medio ambiente Greta Thunberg, lo habrá hecho ya después de que medios de todo el mundo hayan reproducido su aparición en la ONU en la última cumbre mundial sobre el clima y liderara manifestaciones de protesta. Es ya casi una estrella del pop y, de hecho, hay quien la ha ofrecido una alternativa musical a su activismo, dada su voz rasgada: ser cantante de death metal. Ella se lo ha tomado muy bien.
La montaña de estrenos de singles de cada viernes –que recogemos en nuestra sección y playlist Ready for the Weekend– viene acompañada de nuevos vídeos, a veces de esas canciones recién presentadas y, a veces, de temas que ya conocíamos y que son destacados. En el mundo del pop destacaban los nuevos clips de dos colegas como Justin Bieber y Ed Sheeran, que hace unos meses colaboraban juntos en ‘I Don’t Care‘, tema estrella de ‘No. 6 Collaborations Project‘, álbum de colaboraciones con el que el británico sorprendía este año.
Precisamente una de sus canciones más llamativas, una ‘South of the Border’ que unía al autor de ‘Shape of You’ con Camila Cabello y Cardi B, tiene al fin vídeo oficial. Y cuenta con las dos estrellas femeninas del pop y el rap, respectivamente, en él. Se trata de una suerte de aventura/comedia de espías en la que la persecución de una joya desencadena una retahíla de alianzas en la que dos modelos random son casi más protagonistas que sus estrellas. Todo culmina con la intervención final, totalmente metida con calzador, de Cardi B, que pone la guinda cómica a esta historia de espías patosos. Aunque lo que queda claro es que, si este trío es patoso para algo, es para la interpretación.
En un par de días ‘South of the Border’ ha sumado ya 9 millones de reproducciones en Youtube, que no está mal pero no tiene nada que hacer con los más de 15 que ha logrado Bieber con el vídeo de ‘10.000 Hours’, el single junto al dúo country-pop Dan + Shay que se lanzaba la pasada semana. En este caso, el canadiense y los artistas de Nashville recurren a su vena romántica para esta baladita acústica, invitando a sus respectivas parejas al vídeo para dedicarse carantoñas íntimas entre flores. Quizá instigado por el hecho de que Justin se casaba por segunda vez con su mujer Hailey Baldwin hace apenas unos días, vídeo y tema parecen un éxito rotundo.
Amaia ha estrenado en el recinto de Baluarte de Pamplona la gira de ‘Pero no pasa nada‘, reciente top 1 de ventas y streaming en España, dejando varias sorpresas. En primer lugar, la bonita puesta de escena floral de su concierto no ha pasado desapercibida, y en segundo, la cantante ha vuelto a sorprender versionando una canción más o menos inesperada.
Se trata de ‘Vas a volverme loca’ de Natalia, el gran éxito de su debut de 2002, ‘No soy un ángel’. Como muchos recordarán, Natalia fue, como Amaia, concursante de Operación Triunfo, en concreto de la primera edición, y no ha parado de lanzar singles y álbumes en todo este tiempo, el último de ellos el pasado mes de mayo (‘De nada’). En Instagram, Natalia ha afirmado haberle «encantado» que Amaia haya versionado su canción y en Twitter ha dicho que la ha visto «muy linda».
Como puede comprobarse en Setlist.fm, Amaia también ha vuelto durante su concierto a versionar ‘Medio drogados’ de Los Fresones Rebeldes, y además ha recuperado ‘Desde que tú te has ido’ de Cecilia, canción que versionaba hace unos días en su paso por Sesiones Movistar+. También ha interpretado ‘Qué nos va a pasar’ de La Buena Vida. En cuanto a material propio, Amaia ha presentado en el estreno de la gira de ‘Pero no pasa nada’ la totalidad de este trabajo que, al fin y al cabo, dura media hora de reloj; y un par de pistas que aunque ya había cantado en vivo, permanecen inéditas, estas son ‘Javier’ y ‘Me gusta bailar’. Además, ha hecho una versión extendida de ‘Un nuevo lugar’ y se ha lucido al piano tocando ‘El puerto’ de Isaac Albéniz.
Lorena Álvarez ha publicado nuevo vídeo con motivo de su gira de octubre, que le llevará el día 8 al Teatro Lara de Madrid, el 11 a las Fiestas del Pilar de Zaragoza, el 17 a la Sala Apolo de Barcelona, el 19 al Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de Móstoles dentro del festival Autoplacer; el 25 al recinto de La Mutant. Espai d’arts vives. de Valencia dentro del feestival Truenorayo, y ya en noviembre, el día 9, al festival WOMAD de Las Palmas de Gran Canaria.
La canción escogida por la cantautora asturiana para seguir promocionando su fantástica ‘Colección de canciones sencillas‘ es ‘Persona’, una de las más animadas y alegres dentro de este trabajo lleno de melodías y arreglos que remiten a la más pura canción tradicional española. En esta composición marcada por la guitarra acústica y varias formas de percusión, Lorena reflexiona sobre su condición de ser humano y se pregunta por qué no ha acabado siendo otro tipo de organismo en la vida que le ha tocado vivir en lugar de una persona. En un nuevo texto lleno de referencias al mundo animal y al vegetal, la artista canta que «podría haber tenido el cuerpo cubierto de escamas» y «haber tenido en vez de brazos, un par de patas», pero que le ha tocado ser «persona». E incluso en el pasaje más filosófico de la canción, la autora de ‘Anónimos’ apunta que «podría no habérseme dado el entendimiento, ni la memoria, ni el sentimiento» sino simplemente «haber nacido en una higuera» o «vivir en silencio como una piedra», pero que en «en este reparto tan azaroso» le ha caído la fortuna -y la desgracia, según se mire- de ser persona.
El vídeo de ‘Persona’ es una pequeña joya de la artesanía audiovisual más DIY (Alvárez estudió Bellas Artes), en este caso rodada en la isla gallega de Sálvora y realizada con técnica en stop-motion por Gloria Vilches, amiga de la artista. Lorena ha explicado que es un vídeo «muy especial» para ella y vale la pena conocer el motivo: “Gloria me invitó un verano a visitar a su tío Julio, el farero de la desierta isla gallega de Sálvora. Llegamos a la isla en un barco manejado por un patrón y un marinero de lo más simpáticos, el marinero había sido de joven el primer bajista de Golpes Bajos, aunque si mal no recuerdo, antes de que se llamaran Golpes Bajos y ahora a parte de ser marinero, se dedicaba a tocar en orquestas, con el inconveniente de que según nos contó, no solía dar el perfil, porque buscaban chicos más altos y musculosos que él…»
Continúa: «Nos recibió en Sálvora una sirena de piedra, en el embarcadero, con una gaviota posada sobre su pelo de piedra. Y el tío Julio que nos esperaba a la orilla del mar para llevarnos en su tractor por los senderos de la isla hasta el faro, donde pasamos unos días inolvidables y aprovechamos para grabar este vídeo que hoy os enseñamos. Curiosamente, también fue durante esos días en los que mi amiga Gloria andaba detrás de publicar las memorias que su tío Julio había estado escribiendo durante toda su vida, pero no sabía muy bien cómo, y de repente mientras comíamos una lata de mejillones, se me ocurrió que el mejor sitio para publicarlas, debería ser la editorial Hoja de Lata Editorial, y los puse en contacto quedando ambas partes encantadas con la idea, que finalmente llegó a buen puerto, nunca mejor dicho, en forma del libro «Sálvora. Diario de un farero» de Julio Vilches, que podéis encontrar en cualquier librería. Sin duda un documento curioso ahora que ese trabajo se está mecanizando y desapareciendo el oficio de farero. En fin, los recuerdos de esos días los tenía bien guardados en mi corazón, pero ahora, con este vídeo, también los tengo bien guardados en el ordenador».
Ginger Baker, batería de Cream (izquierda en la foto), ha fallecido a los 80 años después que a finales de septiembre trascendiera que se encontraba hospitalizado en estado grave. La causa de su muerte no ha llegado a los medios. La familia de Baker ha anunciado la noticia en sus redes sociales: «nos apena decir que Ginger ha fallecido tranquilamente en el hospital esta mañana. Gracias a todos por vuestras amables palabras durante las últimas semanas».
Compañero en Cream de Eric Clapton y de Jack Bruce, fallecido en 2014, Baker fue uno de los baterías más influyentes de la historia del rock. El músico era conocido por usar dos bombos en lugar de uno solo y sobre todo por su estilo musical, que fusionaba ritmos africanos con los aprendidos durante su formación jazz (de adolescente, Baker fue alumno del batería de jazz Eric Seaman). El carisma y la energía de Baker encima del escenario le convirtieron además en uno de los primeros baterías del rock considerados también superestrellas por cuenta propia.
Junto a Cream, Baker publicó cuatro álbumes de estudio en un periodo de dos años: ‘Fresh Cream’y ‘Disraeli Gears’ fueron lanzados entre 1966 y 1967, mientras ‘Wheels of Fire’ y ‘Goodbye’ llegaron al mercado en 1968. Los discos de Cream fueron enormemente influyentes en el desarrollo y evolución del hard rock y el heavy metal, siendo ‘White Room’ y ‘Sunshine for Your Love’ dos de sus mayores éxitos. Tras la disolución de Cream en 1968, Baker formó Blind Faith junto a Eric Clapton y Steve Winwood, aunque el grupo duró un solo disco. A lo largo de su trayectoria, el batería formó más bandas, como Ginger Baker’s Air Force, y trabajó extensamente junto al cantautor nigeriano Fela Kuti. También siguió sacando discos en solitario, el último de los cuales, ‘Why?’, fue publicado en 2014.
Michael Stipe ha lanzado al fin su primer single oficial tras la disolución de R.E.M. en 2011. ‘Your Capricious Soul’ es una canción de ritmos electrónicos áridos próximos al trabajo de Thom Yorke en solitario, y de momento solo está disponible como descarga en la web del artista. La descarga de ‘Your Capricious Soul’ en la web de Stipe incluye la canción en alta calidad de audio, su videoclip, las letras y un póster, entre otra cosas.
Con ‘Your Capricious Soul’, Stipe anima a sus fans a donar a la organización Extinction Rebellion, aprovechando que esta semana arrancan sus protestas internacionales por el clima. Todas los beneficios obtenidos por la canción irán dirigidos a esta organización durante el próximo año.
‘Your Capricious Soul’ es una de dos canciones originales que Stipe estrenó hace unos meses durante un concierto sorpresa como telonero de Patti Smith. La otra fue ‘Drive to the Ocean’. Este verano, el músico anunció que se encontraba componiendo su primer álbum en solitario, detallando que ya tenía 18 canciones escritas. En 2017, Stipe compuso música para una instalación en Moogfest, y en 2018 estrenó la pieza ‘Future, if Future’ en apoyo al movimiento anti-armas. Sin embargo, ‘Your Capricious Soul’ es su single de debut de verdad y parece que también el primer adelanto de este disco con el que el autor de ‘Losing My Religion’ planea volver a la música tras 8 años.
Una vez pasada la decepción de Eurovisión, donde no obstante Miki Núñez hizo un buen trabajo, si bien la puesta en escena de ‘La venda’ no ayudó demasiado, el cantante catalán y sexto finalista de Operación Triunfo 2018 ha publicado su álbum debut, ‘Amuza’, que ha dejado sin el top 1 de ventas a León Benavente. La palabra significa «diversión» en esperanto y Miki explica que es un título irónico: «pensé en el gran fracaso que supuso intentar que todo el mundo hablara la misma lengua», pues «mi disco es plurilingüe».
Compuesto mayormente por el simpático Miki a excepción de ‘La venda’ y ‘Nadie se salva’, las dos propuestas que grabó para Eurovisión, quedándose como es sabido con la primera; ‘Amuza’ es un disco que nos habla sobre superar las adversidades, mantenernos unidos en nuestras diferencias y sobre ser F-E-L-I-Z ante todo, pero su feo título no termina de estar justificado pues las dos canciones del disco cantadas en catalán no es que aporten demasiado al conjunto. La reggae-pop ‘Per tu’ se queda a una vuelta de sonar a politono y ‘Escriurem’ es una anodina balada que además suena seguida, al final del disco, por su versión en español. No, no necesitábamos esta canción dos veces en nuestras vidas.
Y es que la amalgama de estribillos coreables, trompetas y letras tipo “encontré mi felicidad dentro de un café”, además de un autotune en la voz de Miki muy mal disimulado como se está percibiendo en muchas de las canciones salidas de las últimas ediciones de OT, se hace cuesta arriba debido a la poca variedad de los sonidos utilizados y sobre todo a la familiaridad de las melodías. A duras penas destaca el pegadizo estribillo de ‘Coral del arrecife’ junto a Sofia Ellar (habría jurado que era Conchita quien cantaba) o la olvidable ‘Tanto tiempo’, en este caso únicamente por su ritmillo disco. Aunque lo que termina agotando de ‘Amuza’ al final son por supuesto sus letras llenas de mensajes de esperanza. «Hoy mi rumbo es mi corazón», “quiero acariciar la vida”, «entre todos construiremos esperanza, un abrazo y destruiremos la arrogancia”… Pensábamos que solo Melendi y Pablo Alborán eran capaces de este tipo de letras, pero no. Las entradas para la gira de ‘Amuza’ están disponibles en Ticketmaster.
Calificación: 4/10 Lo mejor: ‘Celébrate’, ‘La venda’, ‘Coral del arrefice’ Te gustará si te gusta: La Pegatina, Arnau Griso, Nil Moliner Escúchalo:Spotify
Durante cuatro temporadas ‘Transparent’ fue una de las series favoritas de crítica y público, sin duda uno de los grandes tantos que se había apuntado Amazon en cuanto a contenidos audiovisuales. Creada por Jill Solloway, que había escrito para series imprescindibles como ‘A dos metros bajo tierra’, inspirada por su propio padre/madre («MaPa»), contribuyó a normalizar a las personas transgénero que deciden dar el paso incluso cuando tienen cónyuge cisgénero de toda la vida y tres hijos adultos.
Jill Solloway escogió a un actor cisgénero para interpretar el personaje principal de Maura, lo cual en 2014 no fue el escándalo que habría sido en 2019, pero finalmente ha tenido que precipitar el final de la serie después de que Jeffrey Tambor haya sido acusado de acoso sexual por dos mujeres trans del equipo de la serie, propiciando el despido de Amazon. A decir verdad, y contra todo pronóstico, la serie podría haber subsistido sin el mismísimo «trans-parent» protagonista: el encanto de toda la familia Pfefferman ha sido probado a lo largo de estos cuatro años. Judith Light, interpretando a la ex mujer de Maura, tiene una vis cómica que se come la cámara en cada plano, y hemos de querer a los tres hijos de ambos, Sarah, Ali y Josh, en su camino por ser ellos mismos, por defender sus relaciones abiertas, su bisexualidad, sus relaciones no heteronormativas o sus géneros no binarios.
‘Transparent’ ha sacudido los cimientos de aquello que muchos entendían como «familia disfuncional», ofreciendo capítulos para la reflexión para la propia comunidad LGTB+ y el propio feminismo, como ese en el que Maura es expulsada de un campamento feminista porque no la consideran una verdadera mujer. Lamentablemente, Solloway no ha aprovechado la fuerza de sus personajes secundarios para ofrecer un desenlace a la altura, optando por un extraño musical de ínfulas arty (esa escena en el bosque, esa especie de parodia de ‘La tribu de los Brady’) que no va a ningún sitio.
Este ‘Musicale Finale’ se extiende hasta los 100 minutos de duración cuando una de las gracias de la serie era su brevedad, y no logra acercarse en su pretensión musical al entretenimiento kitsch, erótico-festivo y glam de, por ejemplo, John Cameron Mitchell. Jill Solloway, cual alcaldesa de Móstoles, ha cometido la torpeza de enchufar a su hermana Faith Solloway para escribir todos los números musicales, dando como resultado una serie de canciones totalmente inanes y de escenas que pululan entre lo extraño y lo sonrojante, como ese número por el “Joyocaust”, en el que esta familia de judíos intenta convertir en «alegría» el Holocausto. ¿En serio?
Como un mal vídeo en formato largo de Le Tigre, Stuart Murdoch o Adam Green, el final de ‘Transparent’ no sabe aprovechar la desaparición de Maura para generar dramatismo (esa escena en la que los tres hijos huelen su cama pasa demasiado rápido), ni tampoco para extraer humor como lo habrían conseguido Los Javis. Este ‘Musicale Finale’ se apunta el tanto de sumar a los doppelgängers de los personajes principales, lo que incluye a la Maura que siempre debió ser; así como la recuperación del personaje de Raquel, que se queda la mejor parte del guión («el dolor es como el océano»), pero en realidad uno pasa esta hora y media más que nada sufriendo al imaginar cómo los actores han tenido que enfrentarse con sus pobres voces a este desaguisado. 5.
‘Una persona sospechosa’, ‘Idiota’ o ‘Vas hablando mal de mí’ son los tres singles de «oro» con los que Los Punsetes han continuado ampliando su ya inabarcable repertorio de «greatest hits». ¿Quién habría adivinado que ‘Dos policías’ ni siquiera sería una de las canciones más escuchadas o reivindicadas de su repertorio? ¿Que podrían enfrentarse a un concierto sin interpretarla y que nadie la echaría de menos? El guitarrista Jorge García, uno de los compositores principales, atiende a la prensa en una céntrica y ruidosa cafetería madrileña. Como los demás miembros del grupo, algo parco en palabras, nos ofrece algunos de los detalles de este disco. Los Punsetes presentan ‘Aniquilación’ en una amplísima gira desde este mismo mes, para la que las entradas están disponibles en Ticketea.
¿Qué significa este disco para vosotros?
Tampoco tanto, es un disco más, sin más. Llevamos dinámicas parecidas, hemos conseguido hacer otro disco. Y con el que estamos contentos.
Mi sensación es que siempre intentáis hacer como un debut, se mantiene esa pegada como adolescente.
Nunca lo hemos dicho así pero no es una mala manera de describirlo. Hemos hecho un montón de cosas, pero lo que intentamos es que cada canción funcione. Tratamos de hacer canciones individualmente. No, «como esta es así, esta otra hagámosla diferente», que me parece que puede llevar a perder frescura. Si cambiásemos los discos de orden, no se notaría muchísimo. Quizá habría matices en cuanto a letras, pero no mucho más. Tenemos un poco la cosa de reaccionar al disco anterior, pero no pensamos en los discos como conjuntos cerrados. Cada vez intentamos más que tengan coherencia, pero cuando estamos en el local estamos pensando en la canción, no en la canción respecto al disco. Si llevas 4 canciones y estás con la 5ª, no sabes siquiera si esta va a sobrevivir. Intentamos que cada canción «suba» lo máximo posible en su estilo, y esto puede dar lugar a lo que tú dices.
Cuando empieza el álbum con ‘Seres humanos’ sí tenía la sensación de que habíais buscado algo diferente, con esos teclados. Como sucede con ‘Lo dejo’ y en fragmentos de canciones sueltas.
‘Estela plateada’ o ‘Miguel de Molinos’, ¿no? Una cosa que sí queríamos hacer es que como los discos anteriores eran cerrados en cuanto a canciones de 3 minutos, queríamos actuar un poquito más, con partes instrumentales y abrirlo un poquito. El tercero tenía cosas así. Yo insistí un poco más en abrirnos un poco después de 2 discos cerrados. Creo que ha funcionado bien, hay variedad y cosas que llaman la atención sin perder que la canción esté muy arriba. Da más cosas al oyente.
¿Tú eres el que tira más del carro en ese sentido? ¿Y el más reticente?
Soy un poco el más pesao. Reticente no hay nadie, somos de «vamos a hacer lo que sea, mientras funcione».
¿Qué hace ‘Miguel de Molinos’ como a mitad del disco? Es un tema muy de final de disco, aunque el final de verdad, también…
Bueno, a ver, es muy punky, lo que pasa es que tiene la intro… Pero si estás metido en la canción… Es lo que te decía que queríamos hacer. Esa parte instrumental estaba flotando cuando la empezamos a hacer, pero no está ahí por algo especial. La otra (‘Estela plateada’) ha encajado más al final.
«Sería como muy jodido soltar esas cosas y no incluirse. En «A lo mejor soy idiota» estás metido. No puedes tener el morro de soltar esas movidas y pretender salir limpio»
Los singles nuevos siguen la estela de ‘Opinión de mierda’, que ha terminado siendo un pelotazo para vosotros, vuestra canción más oída. No sé si lo esperabais.
Qué va, esas cosas nunca las sabes. Cuando sacamos el disco no fue siquiera single… Fue single la tercera, cuando vimos que había que aprovechar: «chicos, hay que hacer un vídeo, está tirando mucho». Puede ser que ‘Idiota’ y ‘Persona sospechosa’ tengan esa misma perspectiva. La letra funciona de manera parecida, en plan «mira cómo somos». No me gustaba mucho sacar estas dos de single porque funcionan en un plano parecido, pero musicalmente son muy distintas, así que dijimos «sacamos las dos». Pero bueno, sí que ha dado rabia que funcionen en un plano parecido.
Este retrato social que hacéis, ¿alguien ha intentado analizarlo desde un punto de vista filosófico, antropológico…?
No, algo como serio no. Se podrían coger las letras y hacer algo. Alguien que escribió algo que estaba bastante bien fue el editor de la nota de prensa del tercer disco, Julián Rodríguez, que además ha muerto hace poco. Iba en ese sentido, pilló unas cuantas cosas bastante bien. ¿Pero alguien se ha molestado en escribir un buen trozo…? No.
¿Hay autocrítica en este tipo de letras?
Sería como muy jodido soltar esas cosas y no incluirse. En «A lo mejor soy idiota» estás metido. No puedes tener el morro de soltar esas movidas y pretender salir limpio. Ni de coña.
¿De quién fue la idea de hacer un «revelación o timo» para vuestro nuevo vídeo?
Nacho (Vigalondo).
¿La de llamar a periodistas también?
Sí, cuando pasó el guión estaba definido lo de Pedro Ruiz, lo de Víctor Lenore y el Revelación o Timo. Nos metimos en la dinámica de buscar cameos, pero casi todos fueron cosa suya. Lo que hacemos con los vídeos y las portadas es discutir bien a quién llamamos y luego dejarles libertad. Como Los Ganglios cuando hicieron ‘Opinión de mierda’, fue como: «haced lo que queráis».
¿Fue a propósito que entre los periodistas musicales no hubiera ninguna mujer?
No. (…) También es verdad que no hay muchas.
«Pensamos que Pedro Ruiz nos iba a mandar a tomar por culo. Pero fue majísimo, y yo creo que se lo pasó muy bien»
Me ha llamado la atención, pero no sé si veo más punto común entre Julio Ruiz y Víctor Lenore.
Lo de Víctor Lenore era un poco por las risas y luego lo demás, gente que teníamos a mano. O colegas o gente que podría salir. Llimoo es amigo de Nacho, David Pareja es amigo de Nacho, Noel Ceballos es amigo de Nacho, Lenore fue una coña de Nacho…
Y luego está lo de Pedro Ruiz…
Eso es una puta ida de olla. Pensamos que nos iba a mandar a tomar por culo. Pero fue majísimo, y yo creo que se lo pasó muy bien.
¿Conocía el grupo?
No, no, no… Pero Manuel se lo explicó por teléfono y fue guay.
Podría haber sido. El nombre del grupo es muy fácil de recordar…
Es un señor de 70 años, que vete tú a saber qué hace en su casa con su tiempo libre, que ahora mismo me imagino que será bastante… Es que no sé qué escuchará ahora mismo Pedro Ruiz.
Patxi López era fan vuestro. De vez en cuando han salido cosas así…
De vez en cuando…
«Mi sensación es que el grupo tiene un punto demasiado rebuscado, como para que esto se termine de megaexpandir»
Estáis siempre a punto de pegar un pelotazo…
Sí, siempre estamos ahí, pero no sé. Mi sensación es que el grupo tiene un punto demasiado rebuscado, como para que esto se termine de megaexpandir. No sé… Es más fácil en unas cuantas cosas, quizá sí, pero no termina de serlo, y no creo que vaya a ser.
Bruno de Mushroom Pillow me decía que pegasteis un pequeño salto con el disco anterior, estáis en las playlists de Spotify, sois un grupo recurrente en festivales…
El grupo fue mejor con el cuarto que con el tercero, el quinto mejor que con el cuarto… y este creemos que irá un poco mejor. Pero luego ya veremos…
A nivel estructural, ¿habéis notado un cambio en Mushroom o estáis igual?
No, estamos igual.
La nota de prensa habla de influencias hardcore en este disco, no sé si las veo. Lo que sí veo son guitarras indie pop de finales de los 80, como en la primera canción y en alguna otra…
Sí, ‘La gran bestia’, que es un poco más poperilla. Siempre nos ha gustado un montón. Que ahora se haya notado un poquito más, puede ser, son referentes clásicos. Una amiga nos dijo esto mismo, que le sonaba al indie inglés de finales de los 80. No lo había pensado pero sí, está ahí. Siempre ha estado. Igual es por esto que decía de que cada canción es un poco más diferente en tratamiento. Puede que las cosas estén un poco más extremadas.
Tenemos en este álbum ‘Dinero’, ‘Oro’ y ‘Atraco perfecto’. Cuéntame si están relacionadas entre sí.
El dinero es un tema que está en la cabeza de todo el mundo. Vivimos un momento en que tiene mucha importancia, es inevitable. Muy poca gente no está relajada al respecto. Todo el mundo piensa en el dinero más de lo que le gustaría.
Pues menos mal que no estamos en recesión, que se supone que las cosas van bien al menos hasta el año que viene o el otro.
Ya, tío, pues no lo sé. ¿No hablas mucho de dinero? En Madrid, con los alquileres… Nosotros como personas no nos podemos quejar. Tenemos trabajo estable, ganamos dinero bien con el grupo, no estamos en posición de quejarnos, pero es un gran tema artístico ahora mismo, la verdad. Lo veo flotando mucho en el ambiente e inevitablemente, se está traduciendo ahí. Me parece muy fácil que saquemos otro disco y haya dinero.
«El principio de ‘Oro’ es ese momento de «somos mayores, estamos rodeados de chavales, igual estamos perdiendo nuestro toque». Luego hay una vuelta bastante divertida»
‘Oro’ empieza diciendo «son una mierda nuestras canciones» pero al final es como «he ganado la guerra». Primero parece que os estáis echando mierda encima, pero como que salís victoriosos, como en el vídeo de ‘Vas hablando mal de mí’.
No es una relación buscada, pero son cosas que terminan encajando. ‘Oro’ me hace gracia, porque parece ‘Losing My Edge’ al principio y luego mola porque tiene una vuelta de dejar la responsabilidad a los oyentes, «si vosotros nos escucháis mucho, podéis convertir esto en oro». Es una vuelta bastante divertida, pero el principio es ese momento de «somos mayores, estamos rodeados de chavales, igual estamos perdiendo nuestro toque», que es una cosa que inevitablemente siempre la piensas.
El final del vídeo es muy blanco.
Tiene un final muy blanco, sí.
Esperaba más sangre o algo.
Pero eso es de Nacho. Hay un momento en el que ves que van a tirar la sangre de «esto puede acabar de una manera jodida». Y tiene una vuelta amable, hasta ñoña. También es divertido, porque acabar como el Rosario de la Aurora sería lo típico nuestro.
Igual significa que vais camino a la victoria ya definitivamente…
(risas)
Blas Cantó representará a España en Eurovisión, confirma RTVE. El cantante “ha sido elegido internamente por la dirección de RTVE” y “ha reconocido que soñaba con participar en el festival europeo desde que era un niño”.
El intérprete de ‘Él no soy yo’ ha afirmado: «Eurovisión es un festival que ha seguido toda mi familia y yo mismo desde siempre, estoy muy feliz de formar parte de él ahora”. Cantó, que de niño ya participó en Eurojunior, se dio a conocer en 2010 como integrante de la boy band Auryn, con la que editó cuatro álbumes de estudio antes de su disolución en 2016. Más tarde concursó en ‘Tu cara me suena’, resultando ganador, y emprendió su carrera en solitario con la edición de singles como ‘In Your Bed’ o ‘Drunk and Irresponsible’.
En declaraciones a RTVE, Cantó, que en 2018 editaba el disco ‘Complicado’, ha manifestado que cuidará con “mimo” la composición de la canción la que participará en Eurovisión, que en 2020 tendrá lugar en Rotterdam, Países Bajos, tras la victoria de Duncan Laurence. La candidatura española en el festival es solo la segunda que se conoce actualmente, tras la confirmación de Hooverphonic por Bélgica.
‘Days of the Bagnold Summer’ es una premiada novela gráfica publicada en 2012, obra de Joff Winterhart, que narra el verano que se ven forzados a pasar juntos una desencantada madre bibliotecaria y su hijo adolescente, fan del heavy metal. Con semejante argumento de partida, ¿cómo no iba a pensar Simon Bird (actor de ‘Supercutres’ y ‘The Inbetweeners’) en Belle and Sebastian como autores de las canciones de su adaptación fílmica que ha supuesto su debut en la dirección –y en la que, atención, el protagonista es Earl Cave, hijo del mismísimo Nick–? La propuesta llegó a Stuart Murdoch y sus compañeros en el momento preciso, pues entre la publicación de los tres EPs que conformaron el disco ‘How toSolve OurHuman Problems’ y la preparación de la tan bonita como loca aventura de Boaty Weekender, estaban en un lapso ideal para esta tarea.
Lo cierto es que ‘Days of the Bagnold Summer’ no elude la recurrente flaqueza que un álbum de estas características suele tener: los forzosos pasajes instrumentales te “sacan” un poco de la dinámica del disco, sin imágenes de por medio; se recurre a descartes o incluso a viejos temas de sobra conocidos, etcétera… Pero, contra todo pronóstico y por circunstancias muy particulares, este trabajo no solo resulta ser mucho más que una anécdota, sino que además será una feliz noticia para los que añoran a los Belle and Sebastian de finales de los 90.
Y es que, dado que en esa época es cuando se ambienta la película, no solo era pertinente recuperar dos gemas del repertorio de la época –‘Get Me Away From Here, I’m Dying’ y ‘I Know Where The Summer Goes’, regrabadas especialmente para la ocasión, eso sí–, sino también piezas inacabadas o descartadas, datadas incluso antes de la publicación de su debut ‘Tigermilk’, como es el caso de la fantástica ‘Safety Valve’, trufada de clichés del propio grupo de forma encantadora. Eso parece empapar también el espíritu del disco de principio a fin, que perfectamente podría estar datado en esta época aunque se trate de composiciones nuevas o rematadas en los últimos tiempos.
Así, topamos con una canción como ‘Sister Buddha’ –con su explícito guiño musical a The Jesus and Mary Chain–, que no nos extrañaría ver encajada y celebrada en los próximos setlists de los escoceses junto a otros clásicos. Y también con temas aparentemente más discretos pero preciosos, como ‘Did The Day Go Just Like You Wanted?’, la delicada y tristona ‘Another Day, Another Night’ que hace brillar la voz de Sarah Ann, los efluvios bossanova de ‘This Letter‘ o ‘I’ll Keep It Inside’, un verdadero regalo que remite a la perfecta imperfección y candidez de ‘If You’re Feeling Sinister’.
Y no sólo eso, sino que también logran lidiar muy dignamente con aquellos prejuicios previos hacia el disco como score de la película, porque sus instrumentales no son minucias. Vale que ‘The Colour’s Gonna Run’ no tenga mucho fuste, pero ‘Jill Pole’, ‘We Were Never Glorious’ y hasta la versión instrumental de ‘Sister Buddha’ –algo así como un narco-corrido mexicano… de resaca– son preciosas, exquisitamente arregladas. Aunque está claro que es sólo un episodio pasajero en su carrera –que seguro proseguirá en algún momento partiendo de la evolución mostrada en sus últimos discos–, esta suerte de auto-homenaje que supone ‘Days of the Bagnold Summer’ hará sin duda felices a los seguidores más longevos de Belle and Sebastian.
Belle and Sebastian forman parte del cartel de Primavera Weekender, minifestival otoñal organizado por Primavera Sound que reúne los días 8 y 9 de noviembre en Benidorm a Primal Scream, Weyes Blood, Sleaford Mods o Cigarettes After Sex, entre otros.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Sister Buddha’, ‘Safety Valve’, ‘Did The Day Go Just Like You Wanted?’, ‘Another Day, Another Night’, ‘This Letter’ Te gustará si: adoras a los Belle and Sebastian de sus tres primeros álbumes. Escúchalo:Spotify
La adaptación televisiva de ‘The Boys’ en Amazon Prime Video, basada en el cómic de superhéroes de Garth Ennis y Darick Robertson editado entre 2006 y 2012, es llamativa por su visión realista del mundo en que vivimos, reflejando la actualidad empresarial, política y social. Es lógico asociarla con los movimientos estratégicos del gigante Disney en la saga ‘Star Wars’, las políticas de la industria armamentística por la alarma terrorista a la caza de beneficios económicos, o con los últimos escándalos de Hollywood. En este sentido habla de los recientes escándalos sexuales, inculcando argumentos ecologistas enriquecidos con mofas a los animalistas más radicales y somete a juicio la religión. Pero donde verdaderamente puntúa alto es al demostrar su valentía criticando a determinados poderes, como las grandes corporaciones comerciales similares a su productora, y su habilidad para insertar sin vergüenza escenas de sexo macabro, la sátira como desconcierto o la ultraviolencia a chorros encubierta de humor negro.
Fiel al original en numerosas escenas gráficas del cómic y algo menos en el guión, lo mejor de la apuesta creada por Eva Goldber (‘La fiesta de las salchichas‘), Seth Rogen (‘This is the End’), Eric Kripke y dirigida inicialmente por Dan Trachtenberg (‘Calle Cloverfield 10‘), es atravesar terrenos que otras historias rehúyen en un mercado ya saturado de salvadores y villanos franquiciados hasta la extenuación. Y eso a pesar de obvias similitudes en atuendos a Superman y El Capitán América, o de las referencias a ‘Watchmen’ de Alan Moore y Dave Gibbons, donde ya se planteaba si habría alguien encargado de vigilar a los que velan por la seguridad del ciudadano de a pie. Como también han comentado los más eruditos en la materia, son evidentes las relaciones con el ‘Escuadrón Supremo’ cuando plasma las pésimas relaciones entre superhéroes; con el tebeo ‘X-Statix’ de Peter Milligan, por la idea empresarial de copar el mercado de productos en promoción de los bienhechores; o con ‘Maximortal’ cuando muestra conductas antisociales carentes de sentimientos.
Sin contar la empatía candorosa en torno a todos los protagonistas, buenos y malos indistintamente, hay dos pilares gloriosos en ‘The Boys’ a la hora de formular tramas. El primero es no caer en el despliegue irracional de efectos especiales, probablemente por no contar con el presupuesto necesario para ello. Una circunstancia que activa el protocolo de excavar en las relaciones entre los dos bandos, héroes psicópatas y vengadores, para obligarnos a conocer uno a uno todos los personajes esclareciendo su pasado. Y en segundo lugar, su interés por la contracultura. Hay arte visceral y a contracorriente, propicio al desparrame, del que huye de santificar la comercialidad, pero sin conciencia ortodoxa (como el impecable alegato a las Spice Girls que a la par se torna divertido).
Como Netflix, Amazon no comparte número de reproducciones en streaming de su plataforma, pero ese mutismo no le ha impedido alardear a las dos semanas de su estreno, hace menos de un mes, de ser ya la serie más vista de su catálogo, motivo de celebración por el que ya se ha anunciado una segunda temporada. Pero si pasamos de articular eslóganes mercantilistas, basados en récords de cifras, y de reivindicar algo al cabo de un tiempo por la recurrente nostalgia, ‘The Boys’ no necesita nada de eso para engrosar con su identidad un lugar entre lo mejor de la pasada temporada estival, y a reclamar un puesto entre lo mejor del año. 8.
Este viernes 4 de octubre ha sido el esperado día de publicación de ‘Aniquilación‘, el excelente nuevo disco de Los Punsetes. El grupo no siempre ha optimizado su primer single: ‘Opinión de mierda’ fue el tercer sencillo y no el primero de ‘LPIV‘ (el primero fue el llamativo ‘Me gusta que me pegues’), y en el álbum anterior el «buzz single» ‘Mabuse’ terminó siendo el preferido del respetable por encima del propio ‘¡Viva!’.
¿Puede haber sorpresa esta vez? ‘Una persona sospechosa’ parece desde luego la canción más inmediata, retorcida y divertida del álbum, su gran hallazgo; pero el vídeo de lujo se lo ha llevado ‘Vas hablando mal de mí’, bajo la dirección de Nacho Vigalondo. Tras llevar a Lolita a un videoclip de Vetusta Morla, el director de ‘Colossal‘, ‘Extraterrestre’ o ‘Los cronocrímenes’ ha conseguido fichar a Pedro Ruiz para el genial «Revelación o Timo» en el que Los Punsetes son jueces de un talent show tipo ‘El semáforo’ por el que pasan miembros de Carolina Durante, La Bien Querida y otras personalidades que merece la pena rescatar de los créditos… hasta que terminan siendo juzgados los mismos Punsetes tras la aparición de Pedro Ruiz.
Tras el momento ‘Carrie’, son un grupo de periodistas musicales, como Juan de Pablos o Julio Ruiz, quienes han de aprobar o suspender a Los Punsetes, pero inesperadamente el grupo recibe el “sí”. Jorge García, uno de los compositores principales del grupo, nos ha explicado en una entrevista el porqué de este final tan blanco. «Ha sido cosa de Nacho (como todo el concepto del videoclip, «Revelación o Timo» incluido). Hay un momento en el que ves que van a tirar la sangre de «esto puede acabar de una manera jodida». Y tiene una vuelta amable, hasta ñoña. También es divertido, porque acabar como el Rosario de la Aurora sería lo típico nuestro». Igualmente, indica que pensaron que Pedro Ruiz les iba a «mandar a tomar por culo» cuando le llamaron para el vídeo, pero que fue «majísimo» y se lo pasó «muy bien».
El tema está en sintonía con una letra del quinteto que bien podría ser un «a quién le importa lo que yo haga». El grupo se enfrenta a alguien que «va hablando mal» de ellos solamente para que le hagan caso. Pero ya, acostumbrado a «los envenenados dardos», afirma que ha sido «facilísimo esquivarlos». La cumbre del vídeo coincide también con la cumbre de percusión rítmica y guitarras en el final instrumental de la canción, a fin de cuentas otro triunfo seguro en esa gira que próximamente les va a llevar por Barcelona, Valencia, Bilbao, Zaragoza, Donosti, A Coruña, León, Vigo, Alicante o Murcia. Las entradas están disponibles en Ticketea. El 10 de enero estarán en La Riviera. Entradas para Madrid, aquí.
Las «journalopes» son una serie de mujeres periodistas francesas asociadas que se han apropiado de dicho insulto de la ultraderecha para reivindicarse. Este neologismo entre «journaliste» (periodista) y «salope» (puta) ha servido de inspiración para que tengan su propia oficina, en la que, entre otras cosas, cuentan con un tablón en el que compiten por ver quien se apunta más micromachismos sufridos.
Una de ellas, Judith Duportail, ha despuntado a nivel internacional tras escribir para The Guardian un artículo que ha sido traducido a numerosos idiomas -en España lo publicó El Diario-, en el que se adentra en el algoritmo de Tinder. Indignada tras el descubrimiento de que esta popular aplicación de ligoteo cuenta con un número de deseabilidad secreto (la «puntuación elo»), una especie de nota de 0 a 10 fruto de toda la información que compartimos directa e indirectamente con ella, Duportail inicia una investigación que recogió en dicho artículo y amplía sustancialmente en este recomendable libro editado en España por Contra.
Duportail reflexiona en ‘El algoritmo del amor’ sobre cuestiones como la ley de protección de datos, el Gran Hermano o la privacidad en el capitalismo, y a su vez sobre las debilidades que nos llevan a depender de las aplicaciones para conocer gente: esa autoestima «por debajo del nivel del mar», esa falta de seguridad, esa necesidad de aprobación de los demás o esa relación de todo esto con nuestras carencias afectivas, que nos llevan a un no parar de consultar Tinder y derivados un número realmente salvaje de horas a la semana. «Tengo una adicción, una necesidad patológica de reafirmación, constante, insaciable, y me he aprovechado cientos de veces de Tinder para intentar llenar ese vacío», dice en un momento.
Hay un poso feminista por supuesto, y la autora se detiene numerosas veces en el machismo de una sociedad que considera que a una mujer se le ha pasado el arroz a los 30, y lo hace documentándose y adentrándose en el algoritmo de Tinder. Sirviéndose de sus contactos y aprovechando su experiencia en la prensa femenina, a la que Tinder quiere captar porque siempre ha tenido más usuarios masculinos, Judith Duportail consigue entrevistar al CEO de Tinder, logra también que la compañía le envíe las 800 páginas que acumula sobre su historial privado y reflexiona sobre el sexismo en la patente original de Tinder, que predispone a los hombres de éxito a triunfar en la aplicación, y al fracaso a las mujeres de éxito en la misma APP.
Sin embargo, tras enfrentarse a sus 800 páginas de historial y comprobar que hizo más de 800 «matches» cuando ella pensaba que llevaba 50, e incluso tras recordar los repugnantes abusos verbales que sufren las mujeres en este tipo de aplicaciones, rompe una lanza también a favor de los hombres que a menudo reciben un silencio por toda respuesta. Entre conversaciones con sociólogos, técnicos y expertos en derechos humanos, Duportail construye un relato universal a raíz de experiencias personales e investigación, que en algunos casos resulta de lo más delirante y divertido, rozando en algunas escenas el patetismo y lo histriónico. Ella ha sabido reírse de sí misma cuando la han llamado «Bridget Jones jugando a ‘Black Mirror'», y uno termina preguntándose cuándo se representará todo esto en un teatro o en un cine, cual ‘Red social’, cuando Duportail reflexiona sobre la búsqueda obsesiva de algo mejor: «Mierda de generación de retraídos emocionales. A fuerza de no querer cerrarse puertas, nos vamos a pasar la vida en una mierda de umbral». 8,5. Disponible en Amazon.
Parte de la redacción evalúa el primer adelanto del próximo disco de Fangoria, ‘Extrapolaciones y dos respuestas’. [Foto: Gorka Postigo.]
«Esta vez sí. Ni ‘Quién te has creído que soy’ y especialmente ‘De qué me culpas’ me convencieron en absoluto, pero ‘Un boomerang’, tema inédito de su segundo volumen de versiones junto a ‘De todo y de nada’, es otra cosa. Make no mistake: no tenemos aquí un petardazo tipo ‘Fiesta en el infierno’. Pero ‘Un boomerang’ busca otra cosa: su melodía es de un claro corte clásico (se nota la mano de Guille), especialmente en el estribillo y en esos «parara-papa» marca de la casa. La letra de autoafirmación está también bastante más inspirada que en su antecesor, la producción a medio camino entre lo clásico y lo techno del puente es un «sí»… ¡¡y tiene campanas!! ¿Qué más queremos?» Pablo N. Tocino.
«Extrañamente, me sucede con ‘Un boomerang’ lo contrario que con los últimos singles de Fangoria: me parece mucho más fallida la producción –o el enfoque de esta– que la canción en sí. Con cierto aire a lo Pet Shop Boys de ‘Very’, me da la impresión de que esta vez Guille Milkyway ha tratado de aproximarse al sonido de los Olvido y Nacho más petardos –esas guitarras artificiosas que tanto les gustan– en lugar de atraerles a ellos al suyo. El resultado es un remedo un poco raruno, deliberadamente decadente y excesivo en su ya manida aproximación al número de revista, en el que brilla claramente su melodía dinaramesca. Aunque da la sensación, igualmente, de que su construcción es algo aleatoria y forzada –la manera de arrancar abruptamente, los cansinos «parará-parapapá»s del puente–. Porque, ¿nadie más tiene la sensación de que esta canción funcionaría mucho mejor ejecutada con sencillez, al estilo ‘Pianíssimo‘?» Raúl Guillén.
«Es verdad que la producción de ‘Un boomerang’ es muy Xenomania circa 2010, pero yo estoy completamente rendido al nuevo single de Fangoria. Ya tiene mérito que Nacho, Olvido y Guille hayan conseguido integrar tan bien en una canción pop una palabra como «proyectil», pero es que la melodía, tan triunfal en su mensaje y composición, vuelve a ser incontestable, y el modo en que la canción alcanza su clímax, magistral. La canción, que contiene unas campanitas muy propias de los programas musicales de final de año, se eleva sobre todo en los «pa pa pa ra» del final, pero justo cuando parece que ya no puede ir más allá, Alaska la lleva a conclusión dejándola bien arriba, con un truco aparentemente tan tonto como enfatizar la primera sílaba de la palabra «proyectil» de manera que parece que es exactamente eso mismo… Truco que no puede resultar más efectivo, pues multiplica la euforia de la canción justo cuando termina, invitando a repetir». Jordi Bardají
Confeti de Odio vuelve con nuevo single doble. ‘Quiéreme’ y ‘Si me quiero’ son las dos caras de la misma moneda y Lucas De Laiglesia los presenta juntas en su videoclip, que da la vuelta a la tortilla a las webs y pop-ups de porno de internet que todos conocemos, para hacer en su lugar una defensa del amor romántico casi enfermizo.
‘Quiéreme’, que por estilo podemos asociar a los temas más intensos de Weezer, empieza con la frase «quiéreme como te quiero / miénteme de corazón», y a partir de ahí se sumerge en una especie de enamoramiento psicótico: «regaré todas tus plantas, lavaré mi coche por ti, donaré toda mi sangre, viviré fuera lejos de Madrid». Lucas sabe que «todo es mentira», pero prefiere «vivir la fantasía». Por su parte, ‘Si me quiero’ es una balada más autorreflexiva, en la que el autor de ‘Llorar de fiesta‘ busca entender sus inseguridades. Canta «he apuntado 10 razones por las que yo valgo / parecen muchos porque luchan contra 100 de lo contrario», antes de concluir: «si me quiero es por algo que no entiendo».
El clip para ambos temas, dirigido por Alberto de Santos para la productora Tabaco (responsable del vídeo de ‘Milhouse’ de Cupido), es memorable desde que muestra a Lucas en un vídeo de «Lovehub» en busca de un «bukake de abrazos», llevando su romanticismo a un nuevo extremo. Los anuncios tipo «el amor de tu vida no está en Tinder» o «no te masturbes, cásate» se suceden en esta primera parte del vídeo mostrando a un Lucas, en su faceta de artista, desesperado por amor, mientras en la segunda prima una tristeza mundana, lo que ocurre cuando se han apagado los focos.
“Lo peor de tener una enfermedad mental es que la gente espera que te comportes como si no la tuvieras” escribe en su diario Arthur Fleck. ¿Que quién es Arthur Fleck? Pues eso es precisamente lo que cuenta ‘Joker’ (entre otras cosas), y la manera en que quieren conseguir que este Joker tenga entidad propia y no nos haga recordar a Heath Ledger y Jack Nicholson –a Jared Leto como que no hace falta–. A Warner la jugada no es que le haya ha salido “bien”, sino mucho mejor de lo que probablemente esperaban: a las magníficas críticas y el León de Oro en Venecia hay que sumarle que, con unos 50 millones de presupuesto (migajas para ellos), va a ser sí o sí un taquillazo. Pero no todo es perfecto: la controversia que rodea a la película es tremenda, y se va a multiplicar por cien cuando se estrene. Hay quien la acusa de ser una apología incel (por si no sabéis quiénes son los incels, aquí un resumen), hay quienes ven un “superhéroe de izquierdas” (esto sigo sin entenderlo, como no sea la nazbol…) y hay quienes ven algo vacío, sin un discurso detrás, sea cual sea, que sujete la película. Yo estoy un poco más con esto, pero no lo veo necesariamente como algo malo: Joker no es “el villano de la anarquía” (vais a levantar de la tumba a Bakunin), pero sí el villano del caos y de la rabia.
Pero lo que está calando más es la primera interpretación, a la cual no ayudan nada las últimas declaraciones de Todd Phillips sobre lo “políticamente incorrecto” y lo imposible que es hacer comedias irreverentes hoy en día (ponte a ver ‘Fleabag’, Todd, que igual aprendes un par de cosas). Esa interpretación, junto con la vocación mainstream del film -no estamos ante Lars von Trier, como bien me decía un colega-, ha provocado que mucha gente se haga la pregunta con la que titulo este artículo. Pero decir que es “la película más peligrosa de los últimos años” implica que existen películas peligrosas. Y lo que me parece realmente peligroso es hacer esa afirmación (¿quién decide qué representación artística es “peligrosa” y en base a qué?). La tesis de este artículo de The Guardian me parece de las más interesantes que he leído al respecto (básicamente: si una ficción como ‘Joker’ tiene potencial para ser peligrosa, es porque nuestro mundo es peligroso de cojones), y también entiendo los temores de ese sector de público, especialmente los paralelismos que ven con la subcultura incel. El ejemplo más claro es el tratamiento que tienen los personajes femeninos en la película: tanto la madre (magistral Frances Conroy, como siempre) como el interés amoroso interpretado por Zazie Beetz pueden encuadrarse dentro del binomio santa/puta. La cosa es que esto tiene sentido dentro del retrato del propio Arthur… lo que nos lleva al principal punto de debate alrededor del film: ¿estamos ante el estudio psicólogico de un personaje o ante su glorificación?
En cualquier caso, la excepción a esos personajes femeninos la encontramos precisamente fuera del círculo más cercano a Arthur: la psicóloga, que representa, junto al administrativo del psiquiátrico, a esos currantes que al final son meros engranajes de un sistema perverso. Un sistema que está hecho para que los que se sienten payasos sigan siendo payasos, en la línea de lo que dice cierto candidato a alcalde de Gotham. La psicóloga llega a verbalizarlo con ese “no les importas una mierda tú, ni les importo una mierda yo”, haciendo una equivalencia entre ambos que sí sería un mensaje de lucha de clases, y no la rabieta infantil de los incels. Pero, evidentemente, esa equivalencia no llega a Arthur. Porque, a esas alturas de la historia, Arthur ya no es Arthur. Su viaje hacia la absoluta locura está interpretado de forma brillante por Joaquin Phoenix; a pesar de la línea tan fina que separa a muchas escenas del ridículo, y que en manos de otros lo hubieran sido, Phoenix consigue caminar por la cuerda entre dos rascacielos. Ahora bien, ¿los horrores que hace Joker los hace porque está loco? ¿Estar loco significa ser un psicópata? ¿Y todos los psicópatas van por ahí matando gente? Obviamente la respuesta a las tres preguntas es “no”, pero, de nuevo, entiendo las críticas a la forma en que la película trata la salud mental porque ‘Joker’ no deja nada claro en este aspecto. Y llega un punto en que no sabes si eso es a propósito, o si simplemente Todd Phillips tiene un p(incel) de brocha gorda.
Una brocha gorda que se ve en múltiples ocasiones, claramente en el tratamiento que tiene todo el tema de la revolución, recordando ahí, para mal, a las últimas temporadas de ‘Mr. Robot’. Esto es un aspecto que lastra ‘Joker’ y que demuestra que Phillips no es Scorsese (¡sorpresa!) ni esto es ‘Taxi Driver 2019’ como algunos se han apresurado a decir. La brocha gorda también potencia el hecho de que la película tenga múltiples interpretaciones, y nos devuelve a esa pregunta que nos hacíamos antes: ¿retrato fiel del personaje o glorificación? La estilización de la violencia y el tratamiento como “héroe” de Arthur han sido negados por Warner –respondiendo a quienes temen un atentado en salas similar al de los Cines Aurora–. Pero es cierto que ‘Joker’ parece retratar a su protagonista como héroe, quizás por la brocha gorda, quizás porque es la intención, quizás un poco de ambas. Sea como sea, recordemos que estamos ante una obra de ficción: tu personaje puede tener tratamiento de héroe, dependiendo de lo que quieres contar, y aún así tú, como autor, considerarle una persona despreciable. En este sentido, es llamativo que, en el momento donde quizás más se estiliza y encumbra al personaje, el tema que suena es ‘Rock n Roll Part 2’ de Gary Glitter. ¿Por qué es llamativo? Porque el uso de la canción, durante décadas un himno para celebrar victorias, cayó en picado hace años, a la vez que la figura del propio Glitter… el otrora exitoso cantante ahora cumple condena por abusos sexuales a niños y posesión de pornografía infantil.
‘Joker’ es absolutamente recomendable, y lo es no solo por su calidad como película (a pesar de sus tropiezos), sino por todo lo que significa. Por todas las cosas que puede significar, por todas las reacciones que va a despertar y por todo lo que es capaz de representar, sea o no intencionado. Y, por supuesto, por el duelo interpretativo entre Joaquin Phoenix y Robert de Niro, que nos da una de las mejores secuencias del 2019. Es una cinta que hay que ver, aunque luego te encante o te horrorice. Pero también avisamos: se ve venir de lejos que es esa película con la que sus mayores defensores, o parte de ellos (“not all men”) va a ser insufrible. Y vais a escuchar eso de “si no te gusta, es que no la has entendido”. Aunque les reconozco que aquí tiene sentido. You wouldn’t get it. 8’3.