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León Benavente: «Somos bastante malos eligiendo singles»

Por
Sebas E. Alonso
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Verás a León Benavente en todos los festivales del verano que viene, pero la noticia es que antes es muy probable que los puedas ver en tu ciudad. Toledo, Sevilla, A Coruña, Almería, Córdoba, Jaén, Málaga, Cáceres, Palencia, Pamplona, Gijón… son solo algunas de las ciudades de la mastodóntica gira de presentación de ‘Vamos a volvernos locos’. En Madrid han agotado entradas para La Riviera con un par de meses de antelación y han añadido una segunda fecha el 14 de noviembre. Para verles en Valencia los tickets están agotados.

Con razón el grupo formado por el cantante y letrista Abraham Boba, Eduardo Baos (bajo, sintes), Lis Rodríguez (guitarra eléctrica) y César Verdú (batería y percusiones) ha alcanzado el top 2 en ventas, solo contenido por Miki Núñez. Hablar con los 4 es hablar con parte de la historia del underground del país sobre la evolución de la escena, nuevas formas de grabación y producción musical, la industria o, finalmente, el poso político de algunas letras. El grupo nos recibe en las oficinas de Warner en España.

Han pasado tres años desde vuestro último disco, una eternidad para alguien que había dado el salto como vosotros. ¿Cómo creéis que ha cambiado la industria en este tiempo, a nivel estructural o artístico?
Luis: Es que estuvimos girando 3 años casi, y necesitas tiempo de vaciarte. Hemos percibido cosas, hay nuevas formas de dar la música. Lo hablaba ayer con Los Vinagres y con Las Odio. Ahora la gente saca canciones.
Abraham: Antes era lo normal sacar canciones sueltas.
Luis: Pero hace 10 años no se hacía. La gente va sacando cosas y es algo que me sorprende.

¿Para vosotros no era una opción, decir: «tenemos esta canción y la vamos a sacar»?
Abraham: Venimos de una generación de dar importancia al disco, a su línea argumental, al orden, incluso al soporte físico. Siempre hemos entendido la música de esa manera, más que como canciones sueltas. Y somos bastante malos eligiendo singles.
César: No sacamos el single que la gente quiere, pero no es que seamos malos. «Piedra» igual no es la más directa, pero creemos que engloba más todo el espíritu de la historia. Para nosotros todas son buenas. Si no, no estarían ahí.
Abraham: Al final se trata de elegir un tema que resuma el disco y que dé una primera pista, y eso siempre se nos atraganta un poco. Y elegimos el camino menos previsible. Con el disco anterior escogimos ‘Tipo D’, que no tenía tanto que ver con el primer disco. Elegimos más por esa vía. Si eso es lo que se espera de nosotros, pues vamos a elegir algo que pueda sorprender.

De todas formas aquí hay una estrategia de «major». Salió «Piedra», sí, pero el segundo single traía a Amaral, y el día que sale el disco, sale la canción que más puede pegar en directo.
Abraham: «Major» (risas).
César: Hay una estrategia, trabajamos con estrategias, tiene que haber un plan. Entiendo lo que dice Boba, hay temas que van a entrar a la primera y no son los que elegimos. Y ‘Ayer salí’, que es el que sale con el disco, tampoco es un tema fácil, es un tema largo. Identifica al grupo, pero como tema en sí, no es un single de 3 minutos, y tiene partes instrumentales.
Abraham: Sin melodía.
César: Sin estribillo. Es una estrategia arriesgada.
Edu: En líneas generales, no sé si decir que hemos «arriesgado», pero sí hemos exprimido nuestros cerebros al máximo para hacer algo diferente. Desde cómo se ha planteado hacer las canciones, de dónde han venido… es el disco más de grupo, en el que los cuatro hemos estado más a tope. Hemos intentado que las guitarras no suenen tanto a guitarras, que los sintes no sean siempre los sintes que estás acostumbrado a escuchar. Son pequeñas cosas en el cerebro que hacen que todo sea un poco diferente: sintes que te compras, influencias…

«Somos bastante malos eligiendo singles»

¿Qué canción reflejaría mejor esto que me dices?
Abraham: ‘Cuatro monos’.
Luis: En ‘No hay miedo’ hay guitarras raras, hay una rítmica pero luego hay otra que se asemeja más a un sinte, que Stevie Ray Vaughan nos correría a hostias (risas).
César: Lo que diferencia este disco de los anteriores es el acercamiento a formatos de canciones que antes no habíamos tratado, como ‘Tu vida en directo’ o ‘Mano de santo’. Son acercamientos a formas de expresión musical que no habíamos usado. Medios tiempos. Luego en la producción. Es inevitable teniendo un año y medio como hemos tenido de preparación, preproducción, hemos estado 90 días grabando… eso no sucedió con los anteriores. El segundo disco fue terminar la gira y meternos a estudio. No tuvimos tiempo de reflexionar. En este caso hemos tenido mucho más y se ha producido mucho más que los dos anteriores.

Es una pasada de tiempo para dedicar a un disco. ¿Creéis que será así siempre u os veis haciendo un disco más urgente?
César: Ha sido en esta ocasión, porque terminamos con la gira de León Benavente y empezamos la de Nacho Vegas, por lo que aprovechábamos para entrar en el estudio de Edu, que nos da la oportunidad de estar ahí una semana, centrados en eso y en crear música. No hicimos 10 canciones, sino 20 o veintitantas ideas de música. Al final hicimos selección, pero estuvimos probando muchísimas cosas, muchos instrumentos, formas de canción…
Luis: Esperamos no hacernos un ‘Spaghetti Incident’ a lo Guns’N Roses, que estuvieron como 4 años. (risas)
César: O Spiritualized.

Este disco ha sido extenuante, un trabajo muy minucioso, de estar un día entero para un sonido

O un ‘Chinese Democracy’.
César: Venían los técnicos, y grabaron 2 discos mientras nosotros seguíamos allí.
Edu: Si sabes llevar el tiempo, cuanto más tiempo tienes, consigues llegar más lejos. Depende del disco que quieras hacer. Si quieres hacer un directo, pues no, pero si no…
César: A lo mejor entiendes que hemos pasado mucho tiempo, pero los grupos entran con las canciones hechas. Nosotros hacíamos las canciones allí. La inspiración viene trabajando, como se suele decir.
Luis: También había mucho trabajo en casa, Abraham llevaba cosas…
Abraham: Sí, pero en realidad fueron muchísimos días de grabación. La composición llevó tiempo, y hay cosas que se iban desechando. Pero grabar 90 días son muchos días. Y se dieron muchas vueltas a cosas que estaban cerradas. Lo próximo que me apetece es que estemos los 4 tocando y ya está, que seguro que no pasa. Fue extenuante, un trabajo muy minucioso, de estar un día entero para un sonido.

¿Ha habido divergencias sobre qué canciones dejabais fuera, con el sello o entre vosotros?
Abraham: El sello nunca ha decidido absolutamente nada.
Edu: Aquí mandamos nosotros. Ni Warner ni Emerge ni la madre que los parió.
Luis: Los cuatro somos de consenso fácil. Nunca hubo discrepancias.
Abraham: El disco iba a llevar 11 canciones, hay una fuera porque era demasiado tiempo, se hacía un disco largo para el vinilo, se nos iba de minutaje.
César: Hasta que no estuvo mezclada no se decidió qué canción quedaba fuera.
Edu: Pero saldrá.

Con ‘No hay miedo’ me venían a la cabeza New Order, Sigue Sigue Sputnik, incluso Cycle… pero siempre me viene a la cabeza con vosotros algo que no caigo en qué es.
Edu: Cada uno se ha comprado sus movidas, sus instrumentos… Con los sintes, pocas veces usábamos los mismos del disco anterior, sino las cosas que habíamos pillado nuevas. Hay analógicos, digitales. Nos encantan los efectos…
Abraham: Está muy bien eso que dices de que no caes en qué es…

Bueno, yo lo paso muy mal tratando de identificarlo…
César: Como cuando conoces a una persona y crees que la conoces desde hace mucho tiempo, pues es parecido (risas).

Está bien partir de unas influencias y luego jugar al despiste

¿Dónde está vuestra identidad, en medio de todo esto? Justo para este disco citáis, en las canciones o en la nota de prensa a Nancy & Lee, Beastie Boys, Gil-Scott Heron… Cosas que no tienen nada que ver…
Abraham: En la cantidad de música que hemos escuchado y la que hemos hecho con el paso de los años. Cuando este grupo se formó cada uno tenía sus gustos, sus estilos, no solo como oyentes, sino como músicos. A la hora de juntarnos y poner ideas en común, no estamos tirando hacia ningún estilo, sino que nos ponemos a tocar los cuatro. Sabemos lo que respira cada uno y es ahí cuando hemos intentado decir: «si yo hubiera hecho esto, ahora haré otra cosa». Pasó mucho en este disco. Está bien partir de unas influencias y luego jugar al despiste. Creo que nunca lo hemos dicho, pero a veces ponemos una canción de alguien, 30 o 40 segundos, la quitamos y hacemos música sin volver a oír esa canción. Y acabas en un sitio completamente diferente.

Pero dame una pista. ¿Es más bien una canción desconocida de kraut o de Peret?
Abraham: De todo, de todo…

Volviendo al principio, ¿qué os ha parecido la música de estos 3 años desde que os habéis ido? Porque vosotros incorporáis cosas, pero seguís sonando a León Benavente.
Edu: Se están haciendo cosas muy guays.
Abraham: Todo lo que se llama música independiente ya empezaba a desaparecer, y las fronteras entre indie y mainstream se están diluyendo cada vez más, incluso los géneros musicales. Es un discurso del pasado. También se está profesionalizando cada vez más el business de la música. Y nosotros, que llevamos mucho tiempo, lo notamos cada vez más. Los grupos van apostando más fuerte. Se están creando espectáculos que la gente se toma muy en serio, no solo el disco sino todo lo que rodea a la puesta en escena. Y todo este mundo de las redes… Cuando vinimos aquí a Warner, hace 2 o 3 años, nos empezaron a hablar de cosas que no sabíamos lo que eran. Nos hablaban de estadísticas, algoritmos, no entendíamos nada… De ahí surgió hacer una campaña con Sara Condado de pequeñas piezas para Instagram. Ya que tienes que hacer algo, que por lo menos sea con un valor artístico.
Edu: Hemos aprendido a ver el rollo a todo eso.
Abraham: A crear un imaginario general sobre todo el disco y es de lo primero que se hace. Es algo que ha cambiado totalmente. Y cada vez va más rápido. Todo es una transformación continua que no sabes dónde va.
Luis: Hay una democratización de la tecnología, cualquier persona puede de manera digna y profesional plasmar lo que quiere hacer con un ordenador y una tarjeta de sonido. Hay un hervidero de ideas. Que no todo es bueno…
César: A nivel giras, hace tiempo que los grupos internacionales no vienen tanto. Los grupos españoles copan los festivales. Antes los grupos de fuera hacían más ciudades y ahora hacen Barcelona y Madrid y nada más. En cambio, hay un circuito nacional de giras más rico, las salas son cada vez más profesionales, las cuidan más a nivel técnico, y los grupos nacionales hacen mayores espectáculos, como decía Boba.

A raíz de las fronteras diluidas entre indie y mainstream, ¿qué opináis del éxito de Carolina Durante?
Abraham: Es más Los Nikis.
César: Es pre-indie. El indie lo veo más del 94…

Nosotros lo situamos en el 92, con la gira de noise pop. El caso es que habláis de Las Odio, Los Vinagre, es un poco el mismo espíritu.
Edu: Eso es underground. El concepto de indie yo creo que son los grupos que tenemos todo el mundo en la cabeza y yo creo que sí es un concepto que estoy de acuerdo en que se está diluyendo.
Luis: Pero es curioso que se llame indie a Love of Lesbian…

Es un debate muy largo, pero el caso es que vuestros referentes se siguen pareciendo al indie…
Edu: ¿Maria Arnal?
César: A mí me gusta mucho Kokoshca.

… que son el espíritu del indie en estado puro… No nos importa no hacernos famosos, los discos suenan «mal», «tocamos como sabemos»…
Edu: Y estilísticamente, ¿no? El tipo de música que hace un grupo es lo que tocan. Lo mejor de la música es que no la puedes engañar, como dice un amigo mío. A la gente que quiere sobrevalorarse tocando es que se le ve. Cada uno hace lo que quiere hacer y en el escenario se ve la personalidad de un grupo.
César: Me resulta curioso esto que dices. Los grupos de antes no querían sonar mal, tenían los medios que podían. Yo he trabajado con La Buena Vida, de técnico de sonido con Manta Ray, Los Planetas, Chucho, y eran los que encabezaban el movimiento indie. Todos querían sonar bien. Ninguno quería sonar mal.

Abraham Boba: «A mí personalmente la política desde hace mucho tiempo me parece lo mismo que el corazón»

No lo decía de manera peyorativa, son algunos de mis grupos favoritos, aunque es un debate muy largo (NdE: desde Warner me indican que me queda tiempo solo para 2 preguntas). Abraham, ¿sigues con esta aversión a explicar las canciones?
Abraham: En este caso son tan concretas que creo que necesitan menos explicaciones todavía. Si alguien tiene que explicar las cosas es que algo falla. Siempre ha sido bonito no saber de dónde vienen, no saber de qué te están hablando y hacerlas tuyas. Me ha pasado con canciones que al principio tienen un significado y luego cambia o te enteras de qué iba… En realidad, lo que más molesta es explicar las frases.

Bueno, en ese caso solo te preguntaré por un par. En ‘Disparando a los caballos’ hablas de alguien que «sube en las encuestas, con su discurso de mierda», lo cual me ha remitido a VOX…
Abraham: Se te pueden venir varios nombres a la mente.

… pero luego dices que «el poder solo cambia de manos». Parece que es lo mismo que en Madrid gobierne la ultraderecha que Manuela Carmena. Creo que lo veo contradictorio.
Abraham: No creo que sea contradictorio. Esa canción es ruidosa y es una canción de queja. A mí personalmente la política desde hace mucho tiempo me parece lo mismo que el corazón: veo lo que se hace en Telecinco con gente gritando y veo un programa de debate y es exactamente lo mismo. Se está banalizando todo lo que tiene que ver con política, son como las nuevas estrellas del rock. O mejor, del fútbol. Están ahí todo el día y realmente no ves que nada cambie sustancialmente en tu vida. Parece que nadie esté haciendo algo que realmente notes. Y aquí en Madrid quizá se empezaba a notar y ahora va a empezar a notarse algo o igual no. Igual no notamos ningún cambio en especial. Esa canción según quién la interprete y según su ideología le hará pensar en diferentes personajes.

Has querido dejarla así abierta aposta.
Abraham: Supongo que sí, somos un grupo de izquierdas, pero dentro de la izquierda hay mucho…

Chromatics publican su nuevo disco… que no es ‘Dear Tommy’, pero este sigue en el aire

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Jordi Bardají
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Chromatics siguen sin publicar ‘Dear Tommy’, su esperado quinto disco, ya mítico, pero mientras, lo que han hecho ha sido publicar otro. Apple Music revelaba el martes que un nuevo álbum de Chromatics llamado ‘Closer to Grey’ vería la luz en la noche miércoles 2 de octubre con la portada que veis y un tracklist de 12 canciones y 45 minutos de duración. El disco ya está disponible en Spotify.

¿Significa esto que ‘Dear Tommy’ ya no será una realidad? En absoluto. En primer lugar porque en la portada tan propia de Halloween de ‘Closer to Grey’ se indica que este es el disco número 7 de Chromatics, cuando ‘Dear Tommy’ supuestamente es el quinto o el sexto (depende de si consideramos la «mixtape» de 2012 ‘Running from the Sun’ un álbum oficial del grupo o no). De hecho, Italians Do It Better detalla en su web que ‘Dear Tommy’ será exactamente la «sexta película» de Chromatics y que llegará «pronto a los teatros» e incluso lista un total de 21 canciones, aunque revelando solo el título de la última, ‘Endless Sleep’, que ya cerraba el álbum en su tracklist original de 2015.

Por si fuera poco, Chromatics devolvían recientemente a las plataformas de streaming ‘I Can Never Be Myself When You’re Around’, uno de los primeros adelantos oficiales de ‘Dear Tommy’, el cual desaparecía de internet poco después de su publicación. Como veis en Spotify, el tema sigue usando la portada que siempre hemos conocido para el disco, pero de momento no se sabe si formará parte de él o no. En cualquier caso, sigue siendo un misterio la fecha de lanzamiento de ‘Dear Tommy’ y si este seguirá contando también con singles como ‘In Films’, ‘Cherry’, ‘Shadow’, ‘Just Like You’ o ‘Blue Girl’.

‘Closer to Grey’:
01 The Sound of Silence
02 You’re No Good
03 Closer to Grey
04 Twist the Knife
05 Light as a Feather
06 Move a Mountain
07 Touch Red
08 Through the Looking Glass
09 Whispers in the Hall
10 On the Wall
11 Love Theme from Closer to Grey
12 Wishing Well

Amaral, Carolina Durante, Lola Indigo, Anni B Sweet y Beret aspiran al MTV EMA a Mejor artista español

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Jordi Bardají
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MTV EMA volverá a celebrarse este año en España, después de que Bilbao acogiese la pasada edición, en la que Rosalía ofreció una recordada actuación de ‘Malamente’. En este caso, los premios europeos de la MTV tendrán lugar en Sevilla, en concreto en el Palacio de Congresos y Exposiciones, el día 3 de noviembre. Y en la tarde de hoy martes, las nominaciones se han dado a conocer.

Como es sabido, los EMA premian al Mejor artista español del año, y esta vez los aspirantes en esta categoría son Amaral, Carolina Durante, Lola Indigo, Anni B Sweet y Beret. El año pasado, este galardón fue a parar a Viva Suecia. Por otro lado, Rosalía está nominada en varias categorías, entre ellas a las de Mejor vídeo y Mejor colaboración por ‘Con altura’ con J Balvin y El Guincho.

En cuanto a los artistas internacionales, Ariana Grande es de hecho la persona más nominada, pues está presente en 7 categorías, entre ellas a la de Mejor canción por ‘7 rings’, Mejor artista y Mejor vídeo por ‘thank u, next’. Le siguen de cerca con 6 nominaciones Billie Eilish, Shawn Mendes y Lil Nas X. Los tres están nominados a Mejor canción junto a Post Malone con Swae Lee, y en el caso de Mendes junto a Camila Cabello por ‘Señorita’. Como curiosidad, los artistas y grupos nominados en la categoría de Mejor artista o grupo alternativo son Lana Del Rey, FKA twigs, Vampire Weekend, Solange y twenty one pilots. Os dejamos con la lista de nominaciones completa, cortesía de MTV EMA.

Mejor artista Español
Anni B Sweet
Beret
Carolina Durante
Lola Índigo
Amaral

Mejor canción
Ariana Grande – 7 rings
Billie Eilish – bad guy
Lil Nas X – Old Town Road (Remix) ft. Billy Ray Cyrus
Post Malone & Swae Lee – Sunflower
Shawn Mendes & Camila Cabello – Señorita

Mejor artista
Ariana Grande
J Balvin
Miley Cyrus
Shawn Mendes
Taylor Swift

Mejor video
Ariana Grande – thank u, next
Billie Eilish – bad guy
Lil Nas X – Old Town Road (Remix) ft. Billy Ray Cyrus
ROSALÍA & J Balvin – Con Altura ft. El Guincho
Taylor Swift – ME! ft. Brendon Urie of Panic! At The Disco

Mejor colaboración
BTS & Halsey – Boy With Luv
Lil Nas X ft. Billy Ray Cyrus – Old Town Road (Remix)
Mark Ronson ft. Miley Cyrus – Nothing Breaks Like a Heart
ROSALÍA & J Balvin – Con Altura ft. El Guincho
Shawn Mendes & Camila Cabello – Señorita
The Chainsmokers & Bebe Rexha – Call You Mine

Mejor artista revelación
Ava Max
Billie Eilish
Lewis Capaldi
Lil Nas X
Lizzo
Mabel

Mejor artista Pop
Ariana Grande
Becky G
Camila Cabello
Halsey
Jonas Brothers
Shawn Mendes

Mejor actuación en vivo
Ariana Grande
BTS
Ed Sheeran
P!NK
Travis Scott

Mejor artista Rock
Green Day
Imagine Dragons
Liam Gallagher
Panic! At The Disco
The 1975

Mejor artista de Hip Hop
21 Savage
Cardi B
J. Cole
Nicki Minaj
Travis Scott

Mejor artista Alternativo
FKA Twigs
Lana Del Rey
Solange
twenty one pilots
Vampire Weekend

Mejor artista de electrónica
Calvin Harris
DJ Snake
Marshmello
Martin Garrix
The Chainsmokers

Mejor look
Halsey
J Balvin
Lil Nas X
Lizzo
ROSALÍA

Mejores Fans
Ariana Grande
Billie Eilish
BTS
Shawn Mendes
Taylor Swift

Mejor Push
Ava Max
Billie Eilish
CNCO
H.E.R.
Jade Bird
Juice WRLD
Kiana Ledé
Lauv
Lewis Capaldi
Lizzo
Mabel
ROSALÍA

Mejor artista World Stage
Bebe Rexha – Isle of MTV Malta 2019
Hailee Steinfeld – Isle of MTV Malta 2018
Muse – Bilbao, Spain 2018
The 1975 – Lollapalooza Paris Festival 2019
twenty one pilots – Lollapalooza Paris Festival 2019

Beret, Rels B, Amaia, Recycled J… y el ¿sample? de Shakira de RVFV en la lista de singles española

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Jordi Bardají
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Rosalía y Ozuna siguen una semana más en el número 1 de la lista de singles española con ‘Yo x Ti, Tu x Mi’, seguidos por ‘China’ de Anuel AA, Daddy Yankee, Karol G, J Balvin y Ozuna en el 2 y por ‘Adicto’ de Tainy, Anuel AA y Ozuna en el 2. La única entrada dentro del top 10 es la balada ‘Me vas a ver’ del joven sevillano Beret (foto), que debuta en el número 8. Beret es conocido por éxitos como ‘Vuelve’, ‘Lo siento’ u ‘Ojalá’.

La mejor entrada para el single de reggaetón de rigor de la semana es para ‘Quizás’, el nuevo single de Rich Music LTD con Dalex, Sech, Justin Quiles, Wisin y Zion. El mismo Dalex aparece en la última entrada de la tabla, en el 97, con ‘Bellaquita’ junto a Lenny Tavárez. Y el mismo Zion repite en el número 55 con ‘B11’ junto a Rvssian, Darell, Lennox y Myke Towers. Y para rizar más el rizo, este último firma la subida más fuerte de la semana en la lista de singles española con ‘Piensan’, que asciende del 43 al 25.

También entra gente sola en la lista. Rels B lo hace en el número 37 con ‘La latina’, Amaia con ‘Quiero que vengas’ en el 87 (la navarra es además número 1 simultáneo de ventas y streaming en las listas de álbumes) y el joven rapero de Almería RVFV en el 96 con ‘Prendío’, que parece samplear un ‘Addicted to You’ de Shakira y contiene la rima «de cacería en la zona / no me junto con mariconas». Por último, otra colaboración, la de Recycled J con Juancho Marqués e Innercut en ‘Ibiza’, debuta más arriba, en el top 75.







Amaia, número 1 simultáneo de ventas y streaming en España con ‘Pero no pasa nada’

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Jordi Bardají
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Amaia es número 1 simultáneo de ventas y streaming en España con su debut, ‘Pero no pasa nada‘. Un dato excelente para un disco que no ha producido realmente ningún single de éxito, pero que era de esperar debido al perfil de su autora. ¿Se confirma que Amaia será para siempre una artista de álbumes más que de hits sueltos? Habrá que seguir de cerca su carrera para averiguarlo. Mientras, ‘Quiero que vengas‘ debuta en la lista de singles -que analizaremos en breve- en el número 87. Es la única entrada del disco en esta tabla.

En la tabla de ventas, Amaia ha dejado sin número 1 nada menos que a Joaquín Sabina, cuyo ‘Sabina 70’ entra directo al 2. Le sigue en el 3 El Arrebato con ‘Abrazos’ y en el 4 Los Secretos con ‘Mi paraíso’. Y dentro del top 10, la lista nos deja además un par de entradas británicas, en primer lugar, ‘Why Me? Why Not.‘ de Liam Gallagher (que ha sido top 1 en Reino Unido) en el número 8 y, en segundo, ‘Cause and Effect‘ de Keane en el número 9. Más discreta es la entrada de Tove Lo entra en el 97 con ‘Sunshine Kitty‘ (62 en streaming). El resto de entradas en la tabla de ventas las firman Rizha con ‘Outside’ (18), Blink-182 con ‘NINE’ (25, top 33 en streaming), Michael Schenker con ‘Festreveleation’ (38) y Brittany Howard (cantante de Alabama Shakes) con su debut en solitario ‘Jaime’, en el 98.

Y en streaming, además de los mencionados, El Arrebato coloca su álbum en el número 48, Keane el suyo en el 50 y Liam el suyo en el 75. Además, Nativa, la nueva banda formada por varios miembros de La Raíz, es top 63 con su álbum homónimo y el joven rapero de Nueva York Lil Tecca entra en lista con su debut ‘We Love You Tecca’, en concreto en el 91.

Chvrches también aman los videojuegos: escucha su canción para el disco de ‘Death Stranding: Timefall’

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Jordi Bardají
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El 8 de noviembre se lanza al mercado ‘Death Stranding: Timefall’, el nuevo videojuego de narración post-apocalíptica de Hideo Kojima para PlayStation. Junto al videojuego se lanzará un álbum compuesto por canciones inspiradas en su historia (no la banda sonora en sí), como ha sido el caso recientemente de películas como ‘El rey león’ o series como ‘Juego de tronos’.

El disco contará con composiciones originales de Chvrches, Major Lazer, Khalid y Bring Me the Horizon, entre otros. Y la primera ya puede escucharse. La propuesta del grupo escocés para este trabajo es una canción directamente llamada ‘Death Stranding’ que ya podemos contar entre las más épicas y oscuras de su repertorio. Son 5 minutos de canción producidas 100% por Chrvches, que no obstante este mismo año han logrado el mayor éxito comercial de su carrera con ‘Here with Me’, su colaboración con Marshmello.

Así explican Chvrches su nueva canción: «Estábamos muy emocionados por la oportunidad de trabajar con Kojima porque hemos sido fans de su trabajo durante mucho tiempo. Él siempre ha sido todo un visionario en el mundo de los videojuegos y nos honra estar involucrados en el proyecto. El concepto de «Death Stranding» es único y lo que nos parece es que el juego está retando a la gente a preocuparse por el mundo que crea, en el juego y más allá de él. Hemos compuesto esta canción específicamente para «Death Stranding» pensando en las temáticas del juego y en lo que está intentando contar a la gente».

Este es el tracklist de ‘Death Stranding: Timefall’:
01 Major Lazer and Khalid – Trigger
02 Au/Ra and Alan Walker – Ghost
03 Chvrches – Death Stranding
04 The Neighbourhood – Yellow Box 05 The S.L.P. – Meanwhile…In Genova
06 Bring Me the Horizon – Ludens 07 Flora Cash – Born in the Slumber
08 MISSIO – Sing to Me

Fiona Apple y Lil Nas X, el idilio más improbable de 2019

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Jordi Bardají
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Fiona Apple y Lil Nas X puede que colaboren en una canción. Para comprender cómo diantres el pop ha llegado a esta bizarra situación, recapitulemos: hace unos días, Apple concedía una entrevista a Vulture, en la que revelaba que esperaba poder publicar su nuevo disco en 2020. Una vez publicada la entrevista, Apple colgaba un vídeo en su página de Tumblr apuntando a unas declaraciones que no han terminado en el texto final: «Una cosa que la encantadora [periodista] Rachel Handler no ha mencionado en la entrevista pero que sí he dicho es lo siguiente: Lil Nas X, seguro que eres muy bueno, pero has usado mi canción ‘Every Single Night’, la has sampleado en una canción llamada, me parece, ‘Kim Jong-Un’. Entonces… ¿dónde está mi dinero, adorable chavalín? ¿Dónde está mi dinero?» En otro vídeo, Apple aclaraba sus declaraciones: «no creo que Lil Nas X supiera que esa es mi canción, ¿por qué iba a hacerlo? Y realmente no creo que vaya a ganar dinero… Solo estaba haciendo la cucamonas pero esa no es la impresión que he dado».

Ante estas declaraciones, Lil Nas X acudía poco después a Twitter para manifestar que Fiona Apple y él «deberían colaborar» en su próximo álbum, confirmando que sabe perfectamente quién es la autora de ‘Criminal’ (de la misma manera que debe saber quiénes son Nine Inch Nails, a los que samplea en ‘Old Town Road’). Cabe mencionar que la canción de Apple sampleada por Lil Nas X se titula en realidad ‘Kim Jong’ y que pertenece a su vieja «mixtape» de 2018, ‘Nasarati’, que no se encuentra disponible en ninguna plataforma de streaming de manera oficial (sí está en Youtube), por lo que es muy improbable que el rapero se haya lucrado con ella. ‘Every Single Night’ fue el primer single del último disco de Apple.

La historia ha llegado a una feliz conclusión cuando, en otro vídeo, Apple ha aceptado la propuesta de Lil Nas X de colaborar. «mi amiga Zelda me ha dicho que Lil Nas X ha tuiteado que quiere colaborar conmigo. ¡Me encantaría! Qué final tan bonito para esta pequeña historia. Me encantaría, me encantaría… De acuerdo, no voy a mirar más las redes sociales, así que me pondré en contacto contigo personalmente». En un mensaje publicado después, Apple asegura haber escuchado la música de Lil Nas X y dice que le gusta el «silbido de ‘Panini'» y la voz del rapero. Y así es cómo uno de los mayores iconos del pop alternativo de todos los tiempos y el autor de ‘Old Town Road’, la canción que más semanas ha pasado en el número 1 de Billboard de toda la historia, pueden llegar a compartir un tema juntos, haciendo de este mundo un lugar un poco más extraño si cabe.

Christine and the Queens critica el vídeo de ‘You Need to Calm Down’ de Taylor Swift

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Jordi Bardají
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Christine and the Queens es portada del mes de noviembre en Cosmopolitan, y en la entrevista que la revista le ha realizado, la cantante, compositora y bailarina francesa tiene palabras críticas contra Taylor Swift, en concreto contra el videoclip de su single ‘You Need to Calm Down’. En el vídeo, Swift denuncia la homofobia y celebra la sororidad y la diversidad «queer» con la ayuda de diversas celebridades, pero aunque este ha sido un éxito en Youtube y puede ser su vídeo más popero y divertido, también ha recibido muchas críticas por su uso comercial de la comunidad a la que supuestamente busca apoyar, pues de hecho al final del vídeo las grandes protagonistas no dejan de ser Swift y su ex-némesis Katy Perry.

En la entrevista, Héloïse Letissier afirma tener sentimientos «conflictivos» con el vídeo. Aunque puede imaginar que «en algún lado [habrá] chicos gays jóvenes que verán el vídeo de Taylor Swift y se sentirán aliviados», también reflexiona: «a cinco años de estar en la industria puedes ver que el trato que se le está dando a lo queer es el de un accesorio súper elegante. Te das cuenta de que la estética queer se está usando para vender. El mainstream necesita esa vida porque es muy vibrante, pero creo que la esencia de la estética queer no puede ser vendida».

La artista indica también que su identidad nunca ha sido para ella un producto vendible: «Cuando cambié mi nombre de Christine a Chris en mi segundo álbum, la gente dijo «vaya idea de márketing más guay». Pero fue doloroso. Llevo cinco años cantando ‘iT’. Para mí nunca ha sido márketing, sino que ha tenido más que ver con la idea de saltar hacia lo desconocido y decir las cosas altas y claras».

Mourn / Mixtape

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Sebas E. Alonso
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El concepto de ‘Mixtape’ de Mourn no es el que solemos entender en el mundo de la música urbana. Ahora como trío y fichado por Subterfuge, el grupo catalán formado por las guitarras y voces de Jazz Rodríguez Bueno y Carla Pérez Vas y el bajo de Leia Rodríguez (la batería en el disco es cosa del ex miembro Antonio Postius) pasa página y se entretiene con un disco de versiones que culmina con dos canciones propias. En su empeño por nadar a contracorriente, hay edición física de esta «Mixtape» y además el libreto trae las letras de todas las pistas, propias y ajenas.

Lo primero que hay que elogiar de las 8 versiones es que no se han ido a lo típico. Hay un tema del que fuera el único álbum en solitario de Chris Bell, más conocido por su trabajo en Big Star a principios de los 70, y ni siquiera es de los más populares; conviven grupos tan dispares como Come y Hüsker Dü, aparecen The Cure pero no es con ‘Friday I’m In Love’ sino con ‘Jumping Someone Else’s Train’; y Echo and the Bunnymen, pero no con ‘The Killing Moon’ sino con ‘Over the Wall’. El tratamiento dado a las canciones a veces tampoco es el esperado: aunque la «mixtape» empieza salvaje con la versión de ‘William’ de Come, después los referentes sonoros parecen grupos de indie rock que no están aquí explícitamente homenajeados, como Sonic Youth, Yo La Tengo o Hole (la versión de ‘Via’ de dEUS), y muy especialmente los Pixies (la versión de ‘I Got Kinda Lost’ de Chris Bell, que merece mucho la pena rescatar) y Siouxsie.

A Siouxsie & The Banshees suena mucho el final de ‘Over the Wall’ y el desarrollo de ‘The Fire’ de The Sound, mientras en la adaptación de ‘Color Me Impressed’ de The Replacements encontramos juntas la energía del punk y la efectividad del pop. Y es que Mourn, sin renunciar a su estética rockera, han querido sacar brillo a las melodías, logrando subrayar el estribillazo de ‘Whatever’ de Hüsker Dü, que desde ya no debería faltar en sus conciertos. ¿Qué pasa con sus dos temas nuevos? ‘Sorpresa’ es un entretenimiento de un minuto que proclama «una cançó, una festa!» (recordando a su disco llamado ‘Sorpresa Familia‘), mientras ‘Angines’ cierra esta colección de canciones sin decir demasiado sobre qué nos deparará el futuro del grupo.

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Jumping Someone Else’s Train’, ‘Whatever’, ‘The Fire’, ‘I Got Kinda Lost’
Te gustará si te gusta: Pixies, Siouxsie and the Banshees, Belako
Escúchalo: Spotify

Maluca te ordena «muévelo, el culito» en la old-school ‘NYC Baby’… y no podrás negarte

Por
Raúl Guillén
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Justo cuando se cumplen 10 años desde que Maluca nos descubrió el mundo del electro-merengue con la inolvidable ‘El tigeraso‘ –bajo el auspicio de Diplo, popularizada después por un spot de Tuenti–, la artista neoyorquina vuelve a lanzar un single que nos ha enganchado de forma instantánea. Se trata de ‘NYC Baby’, que como su propio nombre deja claro es toda una oda de alabanza a la ciudad de Nueva York. Pero no a las calles de Manhattan atestadas de turistas, sino a los barrios populares –ella misma procede de Washington Heights, uno de los barrios más peligrosos de la ciudad durante muchos años, ahora ya gentrificado–.

Musicalmente, ‘NYC Baby’ remite a aquella Madonna de los 80 que, captando la esencia del rap old-school, el house y la influencia latina, triunfaba con aquellas producciones de Reggie Lucas y «Jellybean» Benitez. Curiosamente, es una producción de Sam Sparro que, aunque construida con similar espíritu house y rap, culmina con un estribillo totalmente pop, un poco Miami Sound Machine, coronado por metales sintetizados. En todo caso, se hace totalmente irresistible esa propuesta/invitación/orden que Natalie Ann Yepez (su nombre real) lanza: «muévelo, el culito».

El magnetismo de Maluca es, lamentablemente, inversamente proporcional a su productividad: desde el citado ‘El Tigeraso’, apenas había lanzado otros tres singles –’Hector, ‘Trigger’ y ‘Mala‘– desperdigados en esta década. Se ha prodigado más –pero no mucho más– en colaboraciones, con productores como Tittsworth –’La campana’–, Dillon Francis –’Que Que‘, una de nuestra canciones favoritas de 2011–, Don Diablo –’My Window’– o Future Brown –’Vernáculo‘–, si bien siempre tendrá un lugar especial por su aportación a ‘Love Is Free‘, el single de Robyn & La Bagatelle Magique. Sorprendentemente, en los últimos tiempos se ha incrementado su presencia, puesto que en los últimos meses ha lanzado hasta dos temas más: ‘Bodega’, con Happy Colors, y ‘Mami’, con Jubilee. Quién sabe si mantendrá este ritmo de trabajo, pero si es con temas como ‘NYC Baby’, bienvenido sea.

Mala Rodríguez y Broncano baten récords de absurdo y tiempo en La Resistencia

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Raúl Guillén
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Mira que habremos visto entrevistas absurdas e inanes en La Resistencia, el late-night de entrevistas y humor que conduce David Broncano en Movistar+. Pero diría que la emitida anoche con Mala Rodríguez ha batido algunos récords en ese sentido. Y también en el de tiempo, puesto que los 18 o 19 minutos habituales en ese tramo del programa se dilataron hasta los 25, llevando a la plataforma audiovisual de Telefónica a dividir la entrevista en dos vídeos separados.

Pero, en realidad, pasa tan poco en el primero como en el segundo. Y eso que La Mala se muestra muy predispuesta y ansiosa por que Broncano le pregunte cosas –hasta el extremo que, en un momento, se plantea incluso la opción de sacar un Trivial Pursuit–. La jerezana pasa incluso de promocionar nada suyo –rechaza que se ponga un videoclip suyo, imaginamos que quizá era ‘Tenamoras‘, con Dellafuente– y accede a hablar de partes de su biografía, aunque prefiere «mantener cierto misterio».

Cuenta, por ejemplo, que en Sevilla iba a un colegio que estaba frente a un cine «X», que se interesó por el rap a raíz de entrenar en un equipo de fútbol infantil –era delantera y centrocampista, aclara– o que, una vez, puso cosas feas de «un productor latino» en el perfil de Wikipedia de este y que ahí siguen puestas, después de los años.

Pero, esquivando con salero las clásicas preguntas sobre sexo y dinero, poco más se puede extraer de una entrevista que termina siendo un tira y afloja entre entrevistador y entrevistada: esta reclama preguntas que aquel hace en su estilo y, del mismo modo, ella responde a su bola. Como mucho, podemos encontrar algo de «salseo» cuando ella lanza la pregunta «si yo fuera La Resistencia, ¿quién sería El Hormiguero?» A lo que alguien del público responde «Rosalía». Como se intuye cuando Broncano la cuestiona por «su ETS favorita», parece que La Mala venía preparada tras ver aquella extraña aparición de sus colegas La Zowi y La Goony Choonga. En todo caso, por si tenéis 25 minutos de vida de sobra, os dejamos los vídeos.

Kim Petras se adelanta un mes a Halloween y completa su «terrorífico» álbum ‘Turn Off The Light’

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Raúl Guillén
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Tal y como prometía a inicios de año y adelantándose un mes a Halloween, Kim Petras acaba de completar su proyecto de inspiración terrorífica ‘Turn Off The Light‘, que comenzó a mostrar el año pasado por estas fechas. En realidad, lo que ha hecho la alemana ha sido implementar aquel volumen 1 con nueve cortes inéditos inspirados en la imaginería de terror, con títulos tan sugerentes como ‘Death By Sex’, ‘Bloody Valentine’ o ‘There Will Be Blood’, producidos, como es habitual, por Dr. Luke bajo su alias MADE IN CHINA.

Curiosamente, el volumen uno de ‘Turn Off The Light’ se convirtió en el primer lanzamiento largo de Kim Petras, ya que se publicó antes que su álbum debut, ‘Clarity‘, un muy buen disco de pop con temas tan sobresalientes como ‘Do Me‘ o ‘Broken‘. Pese a cosechar muy buenas críticas, el disco no ha tenido apenas repercusión comercial.

Kim Petras emergía en 2017 con singles como ‘I Don’t Want It At All’ y ‘Hillside Boys’, apareciendo también en el enorme ‘Unlock It’ de ‘POP 2‘, uno de los temas más destacados de aquella mixtape de Charli XCX, descubriendo a muchos a esta artista –como hizo también con Dorian Electra, por ejemplo–. De hecho, Charli ha vuelto a contar con ella en su último álbum ‘Charli‘. En concreto en el audaz ‘Click‘, junto a Tommy Cash.

Sólo ‘Señorita’ contiene el empuje en las listas globales de Tones and I y su ‘Dance Monkey’

Por
Raúl Guillén
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Sólo ‘Señorita‘ contiene el empuje de Tones and I y su ‘Dance Monkey’ en el top global de Spotify, donde acecha al hit de Shawmila desde el número 2. Quizá no sepáis de quién ni de qué canción hablamos, pero puede que baste con que empieces a escucharla para reconocerla. Porque ese single de esta artista de Mornington, Australia, ha alcanzado el número 1 de las listas de singles de Australia (donde ha sido certificada triple platino), Nueva Zelanda (disco de oro), Dinamarca (disco de oro), Alemania, Irlanda, y los países escandinavos, además de alcanzar el top 7 en Reino Unido, una de las listas más disputadas del planeta. [Foto: GG McG.]

Y, en todo caso, aunque sea la primera vez que la escuchas, te bastará para comprender su éxito. Está protagonizada por la singular voz de Toni Watson, caracterizada por un tono apitufado y un deje ragga, que la conecta con el color vocal de una de sus compatriotas más célebres, Sia. En cuanto a la canción, es tan sencilla como eficaz: una intro de piano con su voz sobre una batería hip hop, allanan el camino a su irresistible gancho, que primero es lanzado de forma sutil sobre un bajo funky, y que luego es repetido una y otra vez de manera más expansiva. El tema acumula en unos meses la friolera de 214 millones de streamings sólo en Spotify, mientras que su vídeo supera los 40 millones de visitas. Y es que es el típico que puede llegar a ti de manera viral, al buscar una (teórica) vis cómica: Tones hace el papel de un entrañable abuelito que va revelándose como todo un canalla fiestero a medida que avanza.

Lo cierto es que el éxito de Tones and I ha sido tan rápido como sorprendente: hace poco más de un año, Watson se trasladaba de su Mornington natal a Melbourne, donde probó suerte como cantante callejera. Pronto congregaba multitudes a su alrededor, y tras ganar un concurso de cantantes callejeros, Sony Australia la fichó rápidamente. El pasado marzo debutaba con ‘Johnny Run Away’, single precedente a ‘Dance Monkey’ que también llegó al número 1 en su país. Ambas canciones se contienen en el EP ‘The Kids Are Coming‘, un disco producido por Konstantin Kersting (Mallrat) que abunda en ese pop que equilibra contemporaneidad y atemporalidad. Aunque, escuchándolo, no queda claro que Tones and I pueda ser algo más que una one-hit wonder. Por suerte, el reciente vídeo del tema que da nombre a su disco la aleja de ser una nueva PSY, como podía llevar a pensar su actual mega-hit: como indica su título, se trata de una advertencia a las generaciones posteriores de que la Generación Z, comprometida con la emergencia climática, el feminismo, los derechos LGTBI y el bienestar animal avanza imparable.



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¿Quién se presenta con qué a los Grammys 2020?

Por
Jordi Bardají
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La próxima edición de los premios Grammy se celebra el lunes 26 de enero en Los Ángeles. El periodo de elegibilidad este año iba del 1 de octubre de 2018 al 31 de agosto de 2019 y las nominaciones oficiales se darán a conocer el próximo 20 de noviembre. Sin embargo, ya se conocen muchos de los artistas y títulos provisionales que se presentan en las distintas categorías de los premios (recordamos que son los artistas y sellos quienes han de presentar sus candidaturas) gracias a las fuentes de foros como ATRL o Gold Derby. Analizamos los más interesantes, que revelan apuestas segurísimas para Billie Eilish, Ariana Grande, Lizzo, Lil Nas X, Taylor Swift o Beyoncé.

¿Qué presenta Billie Eilish?

El debut de Billie Eilish tiene la nominación a Álbum del Año asegurada, y en esta categoría ha presentado su equipo el disco además de a la de Mejor álbum de pop vocal. ‘bad guy’ competirá por entrar en Grabación del año, Canción del año y Mejor actuación solista, mientras ‘When the Party’s Over’ buscará colarse en la categoría de Mejor videoclip. Eilish también se presenta obviamente a la categoría de Artista revelación.

…¿y Ariana Grande?

Ariana presenta su disco ‘thank u, next’ a las categorías esperadas, la canción titular a Canción del año y a Mejor videoclip y ‘7 Rings’ a Grabación del año y Mejor actuación de pop vocal. También competirá en Canción del año y Mejor actuación grupal/a dúo con ‘Boyfriend’ (seguramente la presenta Social House), que lo tendrá difícil al menos en la primera categoría, y de nuevo en Canción del año con ‘Rule the World’ junto a 2 Chainz y con su autoría en ‘Motivation’ de Normani. Grande intentará agenciarse también un par de nominaciones en las categorías de R&B con ‘Monopoly’. Está la cosa repartida.

Lizzo no solo apuesta por ‘Truth Hurts’

Otra de las artistas revelación de 2019 ha sido Lizzo. Y confirmado que ‘Truth Hurts’ podía competir en esta edición de los Grammys pese a haberse lanzado en 2017 gracias a algún tipo de regrabación (ha sido este año cuando ha triunfado, llegando al número 1 del Billboard), la cantante ha presentado esta canción a varias categorías: Canción del año, Grabación del año y Mejor actuación de pop solista. La artista buscará arañar una nominación a Mejor actuación de R&B con una canción semi desconocida de su álbum debut, ‘Exactly How I Feel’ con Gucci Mane, y solo presenta ‘Tempo’, su tema con Missy Elliot, a la categoría de Mejor videoclip. ‘Cuz I Love You’ buscará colarse en las de Álbum del año y Mejor álbum de urban contemporáneo.

Beyoncé no se corta

Beyoncé ha publicado este año un álbum en directo histórico que documenta su concierto de 2018 en Coachella, así como la película documental del mismo concierto, disponible en Netflix. Según la lista de entregas filtrada, la de Houston no presentará ‘Homecoming’ a Mejor película musical de manera sorprendente, pero sí el disco en cuestión a Álbum del año y Mejor álbum de urban contemporáneo y el bonus track ‘Before I Let Go’ a Mejor actuación de R&B. Beyoncé también buscará competir con ‘The Lion King: the Gift’ a pesar de su fracaso comercial en la categoría de Mejor álbum de pop vocal y con varias de sus pistas en distintas categorías. La artista no se ha cortado en presentar ‘Spirit’ a Grabación del año, Canción del año, Mejor actuación de pop solista, Mejor videoclip y Mejor canción para un medio visual, ‘Brown Skin Girl’ a Mejor canción de R&B y ‘MOOD4EVA’ a Mejor canción de rap y Mejor actuación vocal con rap. La artista también se presenta a Productora del año.

Las opciones de Rosalía

Rosalía se presenta por supuesto a Artista revelación en los Grammy, mientras buscará competir con ‘El mal querer’ en la categoría más importante, Álbum del año, y también en la de Mejor álbum de urban latino/alternativo. Al parecer no ha colocado ‘Con altura’ en ninguna parte, aunque hay que recordar que la lista a la que nos referimos no es exhaustiva. Con el éxito de Rosalía en los Grammy Latinos y su reciente actuación en los VMAs, al menos la nominación al premio latino debería estar garantizada… ¿no?

Lil Nas X, más allá de ‘Old Town Road’

Quizá lo peor que le puede pasar a Lil Nas X es ganar el Grammy a Artista revelación. Aunque el autor de la histórica ‘Old Town Road’ ha demostrado no ser un «one-hit-wonder» gracias al éxito de ‘Panini’, el premio no ha dejado de estar un poco maldito en todos estos años… Sin embargo, el rapero se presenta lógicamente a esta categoría. Por supuesto ‘Old Town Road (Remix)’ competirá en las categorías de Canción del año y Grabación del año además de en las de Mejor actuación grupal/a dúo y Mejor videoclip, mientras ‘Panini’ lo hará en la de Mejor canción de rap y Mejor actuación vocal con rap.

Las opciones de Lana del Rey

Hay mucho «hype» en torno al nuevo disco de Lana Del Rey. ¿Conseguirá al fin una nominación a Álbum del año o se tendrá que volver a conformar con una a Mejor álbum de pop vocal? Del Rey presenta ‘Norman Fucking Rockwell!’ en ambas categorías en cualquier caso, ¿y por qué canciones del disco apuesta? Parece que intentará colocar la pista titular nada menos que en Canción del año y Grabación del año además de en Mejor actuación de pop solista, aunque una lista de «submissions» anterior indica que Del Rey presentaría ‘The greatest’ a Canción del año. ‘Doin Time’ quedaría relegada a Mejor videoclip.

Taylor Swift realza ‘Lover’, canción

Quizá por no animar más el odio de los «haters» de ‘ME!’, que no son pocos, Taylor Swift ha presentado esta canción simplemente a la Categoría de Mejor actuación grupal/a dúo. Es decir, no se le ha ocurrido presentarla a Canción del año, categoría en la que solo competirá con ‘Lover’ en principio. ‘You Need to Calm Down’ optará por Grabación del año, Actuación de pop solista y Mejor videoclip y ‘Soon You’ll Get Better’ con Dixie Chicks a un par de categorías country. ¿Nada para los posibles singles ‘The Man’ y ‘Cruel Summer’? ¿Los guardará para 2021?

Post Malone juega pocas cartas

‘Hollywood’s Bleeding’ competirá ya en los Grammys de 2021 así como el single ‘Circles’, pero Post Malone sí era elegible este año con otros de sus hits recientes. Su equipo ha presentado ‘Sunflower’ a Canción del año, Grabación del año, Mejor actuación grupal/a dúo y Mejor canción para medio visual y ‘Wow.’ a Mejor actuación vocal con rap. Parece que también podría entregarla a Mejor canción de rap.

¿Qué hay de Katy Perry?

Katy Perry, que aún no ha ganado ningún Grammy pese a haber estado nominada varias veces, ha tenido los ovarios de mandar ‘Small Talk’, ‘365’ con Zedd y ‘Cozy Little Christmas’ (?) a la categoría de Canción del año pero no ‘Never Really Over’ pese a que esta ha sido muchísimo más exitosa. Esta en cambio buscará competir en la categoría de Grabación del año, Mejor actuación de pop solista y Mejor videoclip. ‘365’ también se ha presentado a Grabación del año y Mejor actuación grupal/a dúo.

Lady Gaga al fin compite con ‘A Star is Born’

Publicado poco después de la fecha límite de los Grammys de 2019 (donde ‘Shallow’ sí se llevó un par de gramófonos), ‘A Star is Born‘ competirá en 2020 por Álbum del año y Mejor compilación para banda sonora. Además, Gaga presenta un par de canciones de este disco en distintas categorías. En primer lugar, ubica ‘Always Remember Us This Way’ nada menos que en Canción del año y Grabación del año además de en Mejor actuación de pop solista y ‘I’ll Never Love Again’ en Mejor actuación grupal/a dúo y Mejor canción para un medio visual. La nominación de ‘A Star is Born’ a Álbum del año, en principio, suena bastante probable.

El Grammy alternativo

‘Titanic Rising’ de Weyes Blood, ‘Father of the Bride’ de Vampire Weekend, ‘Here Comes the Cowboy’ de Mac DeMarco, ‘i,i’ de Bon Iver y ‘BALLADS 1’ de Joji han sido entregados para consideración en la categoría de Mejor álbum alternativo. Como hemos comentado, Rosalía habría presentado ‘El mal querer’ en la subcategoría latina. Es curioso el caso de Robyn: la sueca ha presentado ‘Honey’ a Álbum del año y Mejor álbum de pop vocal pero no a Mejor álbum alternativo, donde quizá tenía muchas más posibilidades.

Mónica Naranjo recuerda el «asco» que sintió cuando le obligaron a grabar ‘Chicas malas’

Por
Jordi Bardají
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Mónica Naranjo nunca ha tenido demasiadas buenas palabras para ‘Chicas malas’, su cuarto álbum de estudio. La cantante excluía todo material de este trabajo en el repertorio de su inminente gira ‘Renaissance‘ y decía que había algo dentro de él que le traía «malos recuerdos». Incluso años atrás reconocía que con él se había dado «el tortazo de su vida».

El disco, publicado en 2001, fue un fracaso comercial y no dio a Naranjo el salto internacional esperado, y llegaron a pasar seis años hasta que la artista publicó su siguiente álbum, ‘Tarántula‘. Durante este periodo, en el año 2006, su hermano Enrique falleció, y la cantante ha revelado en una entrevista que este y no las ventas es el motivo por el que ha «relegado ‘Chicas malas’ al olvido». En concreto, Naranjo explica que su hermano cayó profundamente enfermo durante la grabación del álbum, y que ante la incertidumbre de su situación («no sabíamos si iba a salir vivo o muerto del hospital»), ella decidió interrumpirla para acompañarle en la habitación de hospital donde se encontraba ingresado.

La historia es más angustiosa, pues Naranjo detalla que en este momento «las discográficas empezaron a presionar, incluso desde dentro de mi propia oficina» para que terminara el álbum, hasta el punto que llegaron a amenazar con demandarla si no lo hacía. Naranjo reconoce que ante la presión «me vi obligada a dejar a mi hermano solo en esa planta de hospital» y retomar la grabación del disco. La autora de ‘Doble corazón’ recuerda con dolor la «última mirada» que su hermano y ella intercambiaron en el hospital, que se le quedó «clavada» en el corazón. Sin embargo, la cantante tiene sobre todo palabras muy duras para la industria: «vi un rasgo tan deshumanizado dentro de la industria a pesar de que ellos sabían la gravedad de la situación, ¿cómo no te va a dar asco si automáticamente te lleva ahí, a esa despedida? Es algo que me han hecho detestar». La artista detalla al principio que ha intentado cantar ‘No voy a llorar’ en ‘Renaissance’, pero que los recuerdos se lo han impedido, aunque recuerda que sí llegó a interpretar ‘Lágrimas de escarcha’ en su gira de 2011 ‘Madame Noir’.

Frank Ocean habla sobre su nuevo álbum, que estará inspirado en el «tecno, el house y la música electrónica francesa»

Por
Jordi Bardají
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Frank Ocean ha vuelto a dar una de esas raras entrevista que suele conceder a muy pocos medios para hablar de la nueva música en la que se encuentra trabajando. El artista da una ligera pista sobre cómo sonará el sucesor de ‘blonde‘ y parece que contendrá influencias de la música de baile. En concreto habla de las «escenas de Detroit y Chicago» y de géneros como el «tecno, el house o la música electrónica francesa» además de otras «ramas de la vida nocturna». Ocean llegó a colaborar con Calvin Harris y Migos en la funky ‘Slide’, una de las mejores canciones de 2017, pero sus discos propios han solido ser más introspectivos.

En otra parte de la entrevista, Ocean habla de la presión que existe actualmente en los artistas para que su música sea «vulnerable» y «sincera», algo que él no apoya. «Estas expectativas son difíciles de llevar, sobre todo cuando no son realmente decisión propia», explica. «Es decir, para que yo satisfaga estas expectativas, he de entregar completamente mi corazón o hablar sobre mis experiencias de una manera muy sincera y vulnerable. A mí me interesan más las mentiras. Prefiero una película fantástica de ciencia ficción antes que eso». En este sentido, Ocean detalla: «Durante mucho tiempo creí que en la vulnerabilidad hay fuerza, pero ya no lo creo. «Fuerza» y «vulnerabilidad» parecen palabras opuestas, y combinarlas parece sabio, pero no sé si lo es realmente».

El autor de ‘Nights’ asegura también que seguirá siendo independiente y dice que se encuentra «jugueteando con el formato». Aunque no entra en detalles, parece elogiar la «elasticidad» del streaming frente a las limitaciones del vinilo y el CD.

‘Parásitos’, ‘La trinchera infinita’, ‘Joker’ y otros grandes títulos del festival de San Sebastián 2019

Por
Pablo Tocino
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Ayer domingo los trenes de Donostia se llenaron de asistentes al Zinemaldia que volvían a sus ciudades, porque la noche anterior finalizaba la 67ª edición del Festival de San Sebastián, con una inesperada Concha de Oro para la brasileña ‘Pacificado’ (la sorpresa en la sala de prensa, donde sonaba ‘La Trinchera Infinita’ como candidata, fue mayúscula). JENESAISPOP estuvo presente durante algunos días del reputado festival, y hoy os traemos un resumen de lo que pudimos ver -colas y entradas que vuelan mediante- en el Kursaal, el Teatro Principal, los Cines Príncipe, los Cines Trueba, el Antiguo Berri y las demás salas donde se proyectaron títulos de lo más interesantes, con invitados de excepción como Donald Sutherland, Kristen Stewart o Penélope Cruz. Esta última venía a recoger un premio a toda su carrera entregado por el músico Bono, pero también para presentar ‘La Red Avispa’, la última de Olivier Assayas. Se comenta que lo que se proyectó no fue el montaje definitivo, así que habrá que darle otra oportunidad cuando lo sea, pero de momento lo que vimos fue un tropiezo del francés: la mezcla de géneros no funciona y el film parece más largo de lo que es, lastrado por el exceso de historias y personajes (algunos de ellos pobremente desarrollados, siendo el de Ana de Armas el ejemplo más claro). La película se ve beneficiada, eso sí, por el buen trabajo de Edgar Ramírez y especialmente de Penélope, cuyo acento cubano no desentona aunque pudiésemos pensar que sí.

Donde sí funciona la mezcla de géneros y con el metraje ocurre lo contrario (las dos horas y pico se pasan volando) es en ‘Parásitos’, para quien esto escribe la mejor película proyectada en el festival, y que debería llevarse el Oscar a Mejor Película Extranjera. Nuestro corazón está con Pedro y su estupenda ‘Dolor y Gloria‘, pero es que lo de ‘Parásitos’ es una de las mayores sorpresas de los últimos años. Es recomendable ir a esta película sin saber absolutamente nada, simplemente sentarse y disfrutar de lo que empieza pareciendo una historia sencilla y se acaba convirtiendo en un viaje que cuando crees que ha alcanzado su cumbre, va aún a más. Retrata la lucha de clases con un muy divertido cóctel de géneros y subgéneros, ayudada por un reparto entregadísimo a la locura que les propone su director, un Bong Joon-ho que firma aquí su obra maestra. Otro que ha presentado en San Sebastián su mejor película hasta el momento es Paco Cabezas, a quien hacía tiempo que no veíamos en las salas de nuestro país pero sí en la pequeña pantalla: ha estado -y está- en Estados Unidos dirigiendo capítulos de ‘American Gods’, ‘The Alienist’ o ‘Penny Dreadful: City of Angels’. Ahora vuelve no solo a España, sino a su ciudad, Sevilla, y concretamente a Las Tres Mil Viviendas: ‘Adiós‘, que ya nos dejó con la boca abierta en ese trailer con ‘Abre la puerta’ de fondo, resulta ser un entretenidísimo thriller donde destacan las brillantes interpretaciones de Natalia de Molina y Mona Martínez. Publicaremos reseñas de ambas cuando se acerquen sus fechas de estreno.

De la que ya os he hablado es de ‘Mientras dure la guerra‘, el regreso de Amenábar que ha convencido más que sus anteriores filmes, pero no en demasía, y ha hecho correr ríos de tinta -y de tuits- en torno a su supuesta equidistancia con la Guerra Civil. También ambientada en la Guerra Civil, pero con una calidad muy superior, es ‘La Trinchera Infinita’, el nuevo proyecto de Jon Garaño, Jose Mari Goenaga y Aitor Arregi, responsables de ‘Loreak’ y ‘Handia’. El filme toma como base la historia real de los “topos”, perseguidos por el franquismo que vivían escondidos bajo sus propias casas, y lo hace con una historia que se toma su tiempo a través de varias décadas, y que cuenta con una dirección envidiable en el uso de la violencia y en el conflicto interno de sus protagonistas -espléndido Antonio de la Torre y espléndida Belén Cuesta, que, para sorpresa de nadie, es también una gran actriz dramática-. El más joven Emilio Palacios también está a la altura en sus duelos con sus “padres” en la ficción cuando va creciendo. Un tono muy distinto presentaba ‘Diecisiete’, el regreso de Daniel Sánchez Arévalo de la mano de Netflix, una feel-good movie que, la verdad, entraba estupendamente entre tanta historia cruda. La película se beneficia especialmente de la química entre Ignacio Sánchez y Biel Montoro, sus hermanos protagonistas, a los que auguramos un gran futuro en el mundo audiovisual. Sánchez Arévalo arriesga además con una decisión de guión que en el pase de prensa a muchos les pareció ridícula pero que a otros nos pareció tierna, y en consonancia con el tono de la historia.

Aunque, si hablamos de polémica, la palma se la lleva ‘Joker’: la revisión de tan mítico personaje por Todd Philips, que se llevó el León de Oro en Venecia y aquí era la “película sorpresa” del festival, va a dar mucho que hablar por sus posibles interpretaciones. Partidarios y detractores de cómo la película articula su discurso (que si superhéroe de izquierdas, que si apología incel, que si populismo vacío) estábamos, eso sí, de acuerdo en la brutal interpretación de Joaquin Phoenix, la construcción -¿o destrucción?- que Philips hace del personaje ayudándose de los catalizadores que suponen Frances Conroy y Robert DeNiro, y la potencia de momentos que se quedan grabados en la retina, especialmente en el tramo final. La psicopatía está presente también en ‘The Burnt Orange Heresy’, la película por la que Donald Sutherland estaba presente en el festival, además de por el premio a su trayectoria. El film de Capotondi no cuenta nada nuevo ni en el qué ni en el cómo, pero tampoco lo pretende, y le queda un thriller de corte clásico bastante resultón, con aire a esas historias que salieron en la época de ‘Atracción Fatal’, y con unas solventes interpretaciones de Elizabeth Debicki, Claes Bang, obviamente Sutherland y, ojo, Mick Jagger. Mucho más compromiso por parte del espectador pide ‘La hija de un ladrón’. “En este mundo hiperconectado hay personas que están solas” comentaba Belén Funes en la rueda de prensa de su estupenda ópera prima, cuya arriesgada decisión en la forma de contar la historia y en los datos que proporciona al espectador podría ser perjudicial, pero sucede lo contrario. Porque así nos identificamos más aún con Sara, el personaje interpretado por una maravillosa Greta Fernández, que se marca el mejor papel de su carrera… de momento. Porque, con el recital que da aquí Greta, está claro que nos va a volver a dejar con la boca abierta en más de una ocasión.

Más difícil aún es entrar en el mundo de ‘Vendrá la muerte y tendrá tus ojos’, que prioriza el simbolismo y la inmersión antes que el ritmo, y por tanto hizo que muchos saliesen desesperados de la sala. Es cierto que la paciencia es necesaria aquí, pero la recompensa -sobre todo cuando vas digiriéndola y pensando sobre ella en los siguientes días- es obtener una preciosa historia de amor. Y de vida. Y es que ese amor tan puro y tierno, tan unido a la naturaleza, que existe en el principio de la película se va agrietando, a medida que la propia naturaleza hace su curso. Pero las grietas son solo grietas, y al final el amor sigue estando. Porque lo que cuenta Torres Leiva es que el amor no es solo el final; es el viaje, como se suele decir de la vida. La exaltación de la vida y de la juventud -de edad o de espíritu- está representada en una secuencia que podría parecer lenta e innecesaria, pero que representa cómo las protagonistas (acojonante el trabajo de Amparo Noguera y Julieta Figueroa) han sido, en cierto modo, afortunadas. Han podido vivir su amor en libertad, aunque ahora el tiempo se les esté acabando. ‘Vendrá la muerte…’ insiste en ese concepto de final vs. viaje en el propio final de la película, con un polémico uso de Raffaella Carrà (!) que haría las delicias de Sorrentino pero que aquí es usado más como lo haría Dolan. Así, vemos una ironía en su uso (una canción así en ese momento, tras la BSO tan sobria usada hasta el momento) y una reinterpretación de la letra como acostumbra a hacer el canadiense: «aunque (el amor) te lleve a sitios oscuros, que no te asuste la oscuridad», «explota mi corazón» como está explotando el de Ana, y lo más explícito: esa referencia, en canción y en imágenes, al “principio” y a lo cíclico, coherente dentro de la visión del amor que da aquí Torres Leiva.


Y terminamos con dos películas muy distintas pero que comparten más de lo que parece: ambas eran de las consideradas “menores” por su tono -mucho más ligero que las que acabamos de mencionar, por ejemplo- y acabaron convertidas en algunas de las favoritas de parte de la prensa. Takashi Miike tiene poco que demostrar a estas alturas, pero sigue dejando claro que lo prolífico que es no afecta a su calidad: ‘First Love’ es una descacharrante cinta de acción que conjuga con maestría sus referentes clásicos -y la propia filmografía de Miike- con lo actual y que, encima, tiene hueco para dardos de crítica social. Y luego tenemos a ‘Play’, del menos conocido Anthony Marciano, que sigue la vida de su protagonista a través de todas las grabaciones que ha ido haciendo desde que cogió una cámara por primera vez. Así, vamos dando un nostálgico pero fresco (y repleto de gags) paseo por los 90 y por las dos primeras décadas de este siglo, acompañado de una BSO a la altura. Nos hubiese gustado ver muchos más títulos, pero no pasa nada, que diría Amaia: el año que viene estaremos de nuevo allí a la caza de nuevos títulos que recomendar.

Kindness / Something Like a War

Por
Jordi Bardají
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Kindness anunciaba su tercer disco hace unos meses pidiendo a sus fans que usaran los nuevos pronombres con los que se identifica más, «they/them». Decía que «muchas cosas han cambiado» desde su álbum anterior y el actual, pero ‘Something Like a War’, que recibe su nombre de un documental de 1991 sobre un atroz programa de planificación familiar de la India con el que se practicaron múltiples esterilizaciones y abortos ilegales (Adam Bainbridge es de madre india y padre blanco británico), no ofrece un cambio de estilo radical frente a aquel, aunque no lo necesitaba en absoluto. La mejor parte de la música de Kindness siempre han sido sus cuidadas producciones y su personal visión del funk y R&B de los 70 y 80, precisamente porque tras ellas solían haber muy poquitas canciones. Y la mejoría de ‘Something Like a War’ en este aspecto es sustancial.

Ya el principio de este disco mezclado por el fallecido Philippe Zdar de Cassius, en el que escuchamos una voz distorsionada que anuncia «alguien te dirá que no puedes mezclar esto con lo otro y tu responderás, mírame» seguido de un contundente arreglo de contrabajo, promete; pero es que la intro ‘Sibambaneni’ y el tema en el que se desarrolla después, ‘Raise Up’, pueden ser lo mejor que ha firmado Kindness hasta la fecha. Es contagioso su mensaje sobre edificar al prójimo «construye a tu gente, hazlos iguales, eleva a los que son diferentes», pero también lo es su fusión de baile y góspel, y con dichos elementos parece la canción más importante de todo el conjunto. Aunque Bainbridge también despunta ofreciendo letras más personales como la de ‘Cry Everything’, en la que, junto a su amiga Robyn, canta sobre al fin sentirse libre de ser quien es en realidad, o ‘Lost Without’ con Seinabo Sey: «recuerda todo lo que se pierde sin amor a tu lado, todas aquellas veces que hablamos me resistí, no tengas miedo a ir demasiado lejos».

En ambas canciones, Kindness refina su gusto por los ritmos electrónicos de inspiración funk-lite y disco-lite y por la armonías del R&B y el góspel, haciendo de ‘Something Like a War’ otro trabajo irresistiblemente neoyorquino, pero eso no es todo lo que este tiene que ofrecer. En ‘Softness as a Weapon’, que como su propio título indica, aboga por una masculinidad más femenina («entrégate a la suavidad, ahí es cuando te enamoras, no intentes ser tan duro, deshaz tu dureza»), conviven atmósferas brumosas y un ritmo cercano a lo caribeño, mientras el ritmo downtempo de la balada ‘The Warning’, otra colaboración con Robyn, con el acompañamiento de una orquesta, es puro años 90. También es destacable el buen medio tiempo R&B ‘Hard to Believe’ con Jazmine Sullivan, sobre todo gracias a la interpretación de ella, y aunque en la segunda mitad del álbum las melodías empiezan a divagar y a perderse por las siempre gustosas producciones de Kindness (‘Who You Give Your Hear To’ con Alexandria es olvidable pese a su bonita letra tipo ‘True Love Will Find You in the End’), al menos la densa ‘No New Lies’ con Cosima sorprende hacia la mitad con un precioso arreglo de piano jazzy bastante inesperado. Este es el dinamismo que han solido necesitar muchas canciones de Kindness, pero comprobado está, sobre todo en este disco, que cuando las hace bien pocos peros se le pueden poner.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Raise Up’, ‘Cry Everything’, ‘The Warning’
Te gustará si te gusta: la chupipandi de Kindness, es decir, Robyn, Blood Orange, Solange y Kelela
Escúchalo: Spotify

SHAED triunfan con ‘Trampoline’ más de un año después… y no gracias a Zayn (de momento)

Por
Jordi Bardají
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SHAED es un trío de electro-pop de Washington formado por la cantante Chelsea Lee y los músicos y hermanos Max y Spencer Ernst. En 2012, el grupo publicó su primer EP y en 2013 el segundo, pero ambos se encuentran ausentes de las plataformas de streaming. ‘Just Wanna See’, el tercero, y ‘Melt’, el cuarto, sí están disponibles. El sonido de SHAED, desde el inicio, es ultra «radio-friendly» además de variado, pues donde ‘Thunder’ recuerda a Imagine Dragons y no solo por su título; ‘Perfume’ remite a la Lorde de ‘The Love Club’, ‘You Got Me Like’ es R&B y otros temas como ‘Lonesome’ o ‘Melt’ incluso presentan un punto muy eurovisivo pese al grupo ser estadounidense.

Tras publicar toda esta música sin realmente lograr demasiada repercusión, SHAED se ha hecho un Lizzo y es este año cuando está empezando a triunfar gracias a un single viejo. Se trata de ‘Trampoline’, el primer sencillo de ‘Melt’, que tras alcanzar el número 1 en la lista alternativa de Estados Unidos, ha logrado hacer «crossover» hasta llegar al número 34 de la lista de singles más difícil, la del Billboard Hot 100. ‘Trampoline’ es un medio tiempo de electro-pop siniestro que remite 100% a la Billie Eilish actual, pero que de hecho salió mucho antes que el debut de Billie, en junio de 2018. Unos meses más tarde, Apple la usó en un anuncio, lo cual en el pop es casi un regalo venido de cielo. Y ahora, tras meses y meses en los que el tema ha ido calando poco a poco entre el público, ‘Trampoline’ ha alcanzado el «mainstream». En Spotify ya lleva 89 millones de streamings.

Con este panorama, SHAED no va a dejar pasar la oportunidad de explotar ‘Trampoline’ al máximo y ha tenido la idea de publicar un remix con Zayn. El cantante británico, ex integrante de One Direction, tiene una «fanbase» potente que seguramente animará las ventas y escuchas de la canción, pero tras el relativo fracaso de su segundo álbum, ‘Icarus Falls‘, que al menos sí ha funcionado bien más o menos bien en streaming, quizá no se encuentre en el momento más esplendoroso de su carrera. Aunque si alguien podía aportar algo más a una canción como ‘Trampoline’ probablemente era él.

Escucha y suscríbete a la playlist «Revelación o Timo»:

Keane anuncian conciertos en Barcelona y Madrid para presentar ‘Cause and Effect’

Por
Raúl Guillén
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Tras el lanzamiento de su último álbum, ‘Cause and Effect‘, Keane acaba de anunciar una gira europea a principios de 2020. Arrancando el 20 de enero en Bruselas, Keane girará por el continente para ofrecer 16 conciertos durante los meses de enero y febrero del próximo año. Dentro de ‘Cause and Effect Tour’ la banda actuará el 23 de enero en la sala Razzmatazz de Barcelona y el día 27 en La Riviera de Madrid.

Keane vuelve así a la carretera tras pasar el verano actuando en multitudinarios festivales de Reino Unido y Europa y agotar todas las entradas de sus shows underplays en Estados Unidos, Francia y Alemania, incluyendo sus conciertos en La Maroquinerie de París y en el Lido de Berlín. La venta general para ambos conciertos se abrirá el viernes 4 de octubre a las 10 a.m. en livenation.es, ticketmaster.es y Red Ticketmaster. El miércoles 2 de octubre a las 10 AM habrá un preventa para los miembros del club de fans y el jueves 3 de octubre a las 10 AM se abrirá otra preventa para los usuarios registrados en livenation.es.

Días atrás publicábamos una entrevista con Tim Rice-Oaxley, compositor principal de Keane, que nos revelaba algunos de los intríngulis del álbum, como que está muy inspirado en su reciente divorcio.

La Canción del Día: ‘Big Blue’ de Vampire Weekend funciona como himno para la huelga mundial por el clima

Por
Raúl Guillén
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Pasan los meses y no se nos olvida que Vampire Weekend han publicado el que es, a buen seguro ya, uno de los mejores álbumes de 2019, ‘Father of the Bride‘. De hecho, lo tenemos más que presente, teniendo en cuenta que, tras haber actuado en el pasado Mad Cool, vuelven a España para presentar este álbum doble en salas de Barcelona y Madrid: será el 24 de noviembre (en la sala Razzmatazz, entradas aún disponibles aquí) y, al días siguiente, en La Riviera (entradas ya agotadas).

Una de esas nuevas canciones que mejor sabor de boca nos dejó y que más nos ha asaltado a la mente estos días es ‘Big Blue’. Y es que, esta pequeña pero extraordinariamente emotiva pieza parece tener mucho que ver con la conciencia de la gravedad del cambio climático. Viendo los poderosos discursos de la joven Greta Thunberg en la ONU y las manifestaciones que se han celebrado los dos últimos viernes en todo el mundo bajo el nombre de Global Climate Strike (Huelga Global por el Clima), resonaban en nuestra cabeza esos versos entonados por Ezra Koenig que, a todas luces, se refieren a los océanos como espacios de sanación espiritual: «Gran Azul, por una vez en mi vida, me sentí cerca de ti / Estaba sobrepasado por la emoción / Cuando estaba herido y necesitaba afecto / Cuando estaba cansado y no podía volver a casa / Tú ofreciste protección / Pero, ¿estoy aprendiendo la lección? / ¿O vuelvo a estar solo?»

Esta preciosa miniatura de menos de dos minutos, que cuenta con co-producción del beatmaker DJ Dahi (21 Savage, Childish Gambino), tiene algo de homenaje a George Harrison, en sus preciosas guitarras. Pero también, sin dejar de ser reconocible en los cánones de Vampire Weekend (esos tecladillos que acompañan la voz de Ezra al inicio), abre la puerta a la espiritualidad, con esos coros humanoides, extraordinariamente sintéticos, muy de los 90. Y ahí es donde está la conexión estética que establecía Koenig en Pitchfork entre ‘Big Blue’ y un viejo videojuego de Sega, ‘Ecco The Dolphin’, que básicamente consiste en explorar los océanos desde el punto de vista del mamífero y que, dice, le dio «escalofríos». Aunque suene prosaico, detrás hay, efectivamente, esa llamada de atención sobre el cambio climático: «Lo divertido es que surgió de la nostalgia. Cuando pienso en los 90, fue una de las décadas de mayor conciencia ambiental. (…) Pero el ecologismo no es el tipo de cosa que parece pasado de moda, y dije «Hey, ¿qué significa eso?» Me gusta esa estética del ecologismo de los 90, pero es también interesante trasladarlo a 2019 cuando, por suerte, hay gente muy inteligente pensando en estas cosas. (‘Big Blue’) es sobre cómo el pasado nunca se va del todo y nunca es del todo irrelevante. Ya sabes, «el tiempo es un círculo plano», toda esa mierda». Por si la imagen de la Tierra que ocupa la portada del álbum no fuera suficiente pista.

Amaia, Miss Caffeina con La Casa Azul y Javiera, Tove Lo, Punsetes y Amaral entran al top 40 de JNSP

Por
Sebas E. Alonso
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Amaia se mantiene en el número 1 de lo más votado de JENESAISPOP con ‘Quedará en nuestra mente’, mientras además llega al puesto 4 con su nuevo vídeo, ‘Quiero que vengas’. ‘El relámpago’ cierra un top 5 en el que destacan las subidas de Tove Lo con Kylie y Pet Shop Boys con Years & Years. Otra gran entrada colaborativa es la de Miss Caffeina acompañados de La Casa Azul y Javiera Mena en el top 10. El listado de entradas de la semana se completa con Amaral, Los Punsetes y un nuevo vídeo de Tove Lo. Esta semana toca despedirse de varias canciones con más de 10 semanas en lista y ya en la mitad baja de la tabla: ‘Medellín’, ‘Mother’s Daughter’, ‘:(‘ y ‘How Do You Sleep’. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 8 Quedará en nuestra mente Amaia Vota
2 14 2 2 Really don’t like u Tove Lo, Kylie Minogue Vota
3 18 3 2 Dreamland Pet Shop Boys, Years and Years Vota
4 – 4 1 Quiero que vengas Amaia Vota
5 3 1 21 El relámpago Amaia Vota
6 2 3 5 The Greatest Lana del Rey Vota
7 4 1 13 God Control Madonna Vota
8 5 2 17 Aute Cuture Rosalía Vota
9 – 9 1 Cola de pez Miss Caffeina, La Casa Azul, Javiera Mena Vota
10 11 3 12 Milionària Rosalía Vota
11 9 9 10 Gone Charli XCX, Christine and the Queens Vota
12 6 1 61 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
13 17 13 3 Barrio Mahmood Vota
14 7 2 26 bad guy Billie Eilish Vota
15 10 3 7 Looking for America Lana del Rey Vota
16 12 1 18 Crave Madonna, Swae Lee Vota
17 – 17 1 Sweettalk My Heart Tove Lo Vota
18 19 6 3 ¿Qué? La Bien Querida Vota
19 8 2 24 Con altura Rosalía, J Balvin, El Guincho Vota
20 23 10 6 Motivation Normani Vota
21 13 8 17 Mother’s Daughter Miley Cyrus Vota
22 16 6 6 Lover Taylor Swift Vota
23 21 16 3 Violence Grimes, i_o Vota
24 20 1 23 Medellín Madonna, Maluma Vota
25 39 25 2 La carta exagerada Hidrogenesse Vota
26 – 26 1 Nuestro tiempo Amaral Vota
27 15 15 3 Slide Away Miley Cyrus Vota
28 – 28 1 Vas hablando mal de mí Los Punsetes Vota
29 28 14 4 Heavenly Cigarettes After Sex Vota
30 24 18 10 How Do You Sleep? Sam Smith Vota
31 25 25 3 all the good girls go to hell Billie Eilish Vota
32 32 18 10 :( Cariño Vota
33 33 33 2 C. Tangana, Paloma Mami No te debí besar Vota
34 26 21 7 Autoestima Cupido Vota
35 27 19 3 holy terrain FKA twigs, Future Vota
36 37 29 7 Can’t Believe the Way We Flow James Blake Vota
37 29 1 8 En el río Vicente Navarro Vota
38 34 27 5 religion (u can lay your hands on me) Shura Vota
39 31 31 2 A Boy Is a Gun Tyler the Creator Vota
40 38 24 8 Tempo Lizzo, Missy Elliott Vota
Candidatos Canción Artista
– NYC Baby Maluca Vota
– Shockwave Liam Gallagher Vota
– Comunicado de prensa Don Patricio Vota
– The Way I Feel Keane Vota
– Me envenenas La Bien Querida Vota
– Behind Barz Drake Vota
– Somos demasiados Corcobado Vota
– Stayaway MUNA Vota
– Esa música Parade Vota
– Writing on the Wall French Montana, Cardi B, Post Malone Vota
– Man to Man Dorian Electra Vota
– Boy Band Manel Vota

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James Blake retrasa la fecha y cambia el recinto de su concierto de Barcelona por «problemas de agenda»

Por
Raúl Guillén
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El concierto que James Blake anunciaba en Barcelona hace unas semanas, en el que ha de presentar su último disco ‘Assume Form‘, ha sido objeto de cambios debido a «problemas de agenda», según un comunicado que envía Primavera Sound. No sólo cambia de recinto, del Auditori del Fòrum de Barcelona a L’Auditori de Barcelona, sino que también se retrasa.

Y no poco, puesto que ya no tendrá lugar hasta la próxima primavera: el 27 de abril. Además, debido a la incompatibilidad de ambos recintos, las entradas adquiridas dejan de ser válidas: se devolverá el importe y será necesario volver a comprar tickets, que tendrán un precio de entre 30 y 60 euros. Se ponen a la venta hoy, lunes 30 de septiembre, a las 12:00h. Os dejamos con el comunicado completo:

«Lamentamos comunicar que el concierto de James Blake en Barcelona se aplaza y cambia de recinto debido a problemas de agenda ineludibles del artista británico que le obligan a posponer toda su gira europea. Su concierto en Barcelona, previsto inicialmente para el 27 de octubre en el Auditori Fòrum, se traslada al 27 de abril en L’Auditori de Barcelona (c/ Lepant, 150) dentro del ciclo Sit Back. El artista quiere disculparse por los inconvenientes que esto pueda causar a sus fans.

Las entradas ya adquiridas NO serán válidas para la nueva fecha debido a las incompatibilidades entre los dos recintos. Ticketmaster procederá a la devolución de todas las entradas adquiridas para el concierto en el Auditori Fòrum de forma automática en la misma cuenta bancaria de la tarjeta utilizada para la compra. En el caso de las entradas adquiridas en algún establecimiento físico, el comprador deberá entregar su entrada en perfectas condiciones en el establecimiento en cuestión para recibir el importe de la misma forma en que se realizó el pago original.

Las nuevas entradas para L’Auditori de Barcelona se pondrán a la venta el próximo lunes 30 de septiembre a las 12:00 en la página web de L’Auditori, (…) a un precio entre 30 € y 60 € (más gastos de distribución)».

5 artistas imprescindibles en MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia

Por
Jordi Bardají
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MIRA Festival ¤ SON Estrella Galicia, el festival de artes digitales de Barcelona, vuelve un año más a Fabra i Coats, donde acogerá su próxima edición los días 5, 6, 7, 8 y 9 de noviembre con un interesante cartel que reúne a algunos de los artistas más importantes de la historia reciente y no tan reciente de la electrónica. Estos son 5 de ellos:

Floating Points

El autor de ‘Elaenia‘, uno de los mejores álbumes de electrónica del último lustro, vuelve el próximo 18 de octubre con un nuevo largo que está llamado a ser otra grata sorpresa para sus seguidores, o al menos eso da entender el cuco single de adelanto ‘Last Bloom‘. Según MIRA Sam Shepherd presentará «música nueva» en MIRA el 7 de noviembre y sin duda han de referirse a este nuevo trabajo, que el músico presentará en colaboración con el dúo de producción visual barcelonés Hamill Industries, formado por Anna Díaz y Pablo Barquín. Shepherd ya había colaborado con Anna Díaz en la película ‘Reflections – Mojave Desert’, cuya banda sonora firmó el británico.

Biosphere

Una de la primeras confirmaciones de MIRA 2019 es también una de las más importantes. Biosphere es uno de los más grandes pilares del ambient de todos los tiempos sobre todo desde la edición en 1997 de ‘Substrata’, uno de los mejores discos de aquel año. El noruego Geir Jenssen regresará a España tras 15 años para presentar en el festival barcelonés su nuevo espectáculo audiovisual, basado en su nuevo trabajo ‘The Senja Recordings’, publicado el pasado verano. Este largo se compone de grabaciones realizadas al aire libre e improvisaciones de estudio grabadas en la isla de Senja, en la Noruega ártica.

Clark

Uno de los nombres más importantes del sello Warp desde su debut en 2001, el británico Chris Clark (foto), que ya fue cabeza de cartel de MIRA hace unos años, ha construido una discografía de electrónica fascinante y exquisita, tan apta para fans de Four Tet como de Aphex Twin o Jon Hopkins, y a la que ahora cabe sumar un nuevo trabajo que por supuesto podrá escucharse en Fabra i Coats, el viernes 8 de noviembre. Se trata de ‘Kiri Variations’, una colección de composiciones a piano, clavicémbalo, clarinete, cuerdas, electrónica y voz nacida originalmente como partitura para la serie de televisión ‘Kiri’, pero que ha evolucionado en la emocionante obra de estudio que es hoy. Acompañarán a Clark en el escenario los visuales de la artista eslovaca Evelyn Bencicova.

B12

Además del de la vitamina que todo vegano debe tomar, B12 es el nombre de otro de los grupos más míticos de la plantilla de Warp, en este caso el dúo formado por los británicos Mike Golding y Steven Rutter. Son fundamentales sus álbumes de los 90 ‘Electro Soma’ y ‘Time Tourist’, que ayudaron a codificar el EDM y tecno británicos al tiempo que Aphex Twin, Autechre y The Black Dog firmaban también obras históricas dentro del género. Tras reunirse en 2015, en 2017 B12 lanzaron su primer álbum en casi 10 años, ‘Electro-Soma II’, últimamente han reeditado sus discos más emblemáticos y según MIRA su nuevo espectáculo, que llegará al festival el viernes 8 de noviembre, mezclará material nuevo y viejo y será «innovador».

Alessandro Cortini

Mientras el pop sigue martirizando a Trent Reznor, otro miembro de Nine Inch Nails (actualmente solo de directo) continúa con su carrera en solitario al frente de la vanguardia musical. El italiano Alessandro Cortini ha publicado importantes álbumes de electrónica basada en sintetizadores (de manera especial el Buchla Music Easel) a lo largo de su carrera en solitario, como ‘Sonno’ y ‘Risveglio’, y además se encuentra al frente del conocido proyecto SONOIO, nacido en 2010 (el mismo año en que co-produjo un tema de Christina Aguilera). Cortini vuelve a MIRA -donde ya actuó en 2016- también con nuevo disco bajo el brazo, un ‘VOLUME MASSIMO’ que sale el 27 de septiembre, y que desgranará a través de un show audiovisual de igual título.

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