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Conttra / Conttra

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conttraHace unas semanas veía por fin la luz ese debut del que la banda barcelonesa Conttra nos hablaba, con tanta emoción, a finales del pasado verano. El grupo radicado en el popular barrio del Clot presenta así al fin las 11 canciones que grabaron con Roger Marín el pasado verano y que deben consolidar una propuesta cuya mayor aspiración es hacer bailar a su público –este año ya lo han hecho, con la proyección que eso supone, en festivales como Primavera Sound y FIB, de hecho–. Constatado que el hábitat claro del cuarteto es el directo, donde despliegan energía, sudor y una enorme entrega de su cantante y guitarrista Albert Peiró, ‘Conttra’ viene a probar que la fama de sus shows en vivos está cimentada en buenas canciones. No resultan demasiado originales, a decir verdad: post-punk-funk á la DFA, onda The Rapture, con cierta querencia brit que los hace perfectos para seguidores de Foals, los Kasabian de ‘Velociraptor!’ y hasta Franz Ferdinand (‘We Couldn’t Be Together’).

Pero es un pecado menor si resulta en temas tan certeros, al margen de su hit ‘Your Sister’, como ‘Queen of Smiles’ (con estupendos teclados muy Echo and the Bunnymen), ‘Drive You Home’ (que no queda tan lejos de los Miss Caffeina más rockeros), ‘Focus’, ‘Scumbag Bullets’ o ’Smoke Bombs’ (un instrumental presto a poner patas arriba cualquier sala, con esos teclados entre Devo y ‘Mákina Total’). Además, Conttra también muestran cierta inquietud por sacar los pies del tiesto estilístico y se adentran en cortes más pausados como ‘Raindrop’ o elaborados como una ‘Lighthouse’ fascinante, que remite a Wild Beasts, nada menos –‘Map’, en cambio, se enfanga en territorios progresivos con peores resultados–. En suma, estamos ante un buen debut de una de esas bandas que, a poco que tengan suerte, van acumulando adeptos poco a poco hasta ser muy populares.

Precisamente, este fin de semana presentan ‘Conttra’ en casa: mañana sábado, 12 de agosto, estarán actuando en Razzclub, antes de las sesiones de Gato y Legoteque.

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Your Sister’, ‘Drive You Home’, ‘Queen of Smiles’, ‘Lighthouse’
Te gustará si te gustan: Foals, Kasabian, los Miss Caffeina más rockeros
Escúchalo: Spotify

‘Boogie Feet’ recupera a la Kesha más rockera, fiestera y despreocupada

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kesha-womanHoy 11 de agosto se publica ‘Rainbow’, el esperado nuevo disco de Kesha, que llega tras años de semi silencio discográfico por parte de la cantante por culpa de su enfrentamiento judicial con su anterior productor, Dr. Luke. Los adelantos de ‘Rainbow’ que hemos conocido hasta el momento, ‘Praying’, ‘Woman’, ‘Learn to Let Go’ y ‘Hymn’, han tratado este tema para hablarnos de autosuperación.

Ahora que puede catarse el disco entero, una canción en concreto destaca por recuperar el espíritu de la Kesha más fiestera, descarada y despreocupada. Se trata de ‘Boogie Feet’, una de las dos colaboraciones de Eagles of Death Metal en el álbum, en la que Kesha olvida sus demonios y se entrega a la pista de baile para ofrecer movimientos tan buenos que “se conocen en todo el mundo”. Tan entregada al “boogie” está Kesha en ‘Boogie Feet’ que dice “no necesitar” la inteligencia de un creador de videojuegos, un cuerpo sexy o dinero para conducir Lamborghinis, sino simplemente “bailar como una cabrona”.

A pesar de la conexión de Kesha con el pop de radiofórmula, la artista nunca ha dejado pasar la oportunidad de explotar su pasión por el rock ‘n roll en sus discos, como sucedía en el anterior ‘Warrior’, donde sin ir más lejos colaboraba con Iggy Pop en ‘Dirty Love’ o Julian Casablancas de The Strokes en la muy Strokes ‘Only Wanna Dance with You’, donde además tocaba el batería de The Black Keys, Fab Moretti.

Nuevo susto de Britney Spears en Las Vegas: un hombre asalta su escenario y es inmovilizado

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britney-slumberPor h o por b, la residencia de Britney Spears en Las Vegas siempre deja alguna noticia, ya sea por los fallos de vestuario de la cantante, su criticado “playback” o alguna que otra salida de tono para con su público. La última noticia es un pequeño susto provocado por un fan. Durante la noche del miércoles, el escenario de Spears fue asaltado por un hombre adulto mientras la cantante interpretaba una canción.

En el vídeo de lo sucedido puede verse cómo el hombre salta hacia el escenario, probablamente con intención de acercarse a Spears, que se encuentra a varios metros interpretando su éxito ‘(You Drive Me) Crazy’. Al percatarse de la situación, Spears pregunta “¿qué está pasando?” y si “todo va bien”. Después, según informan varios medios y personas en las redes sociales, la cantante se agacha ante uno de sus guardias de seguridad y le pregunta si el asaltante porta una pistola.

Tras el asalto, el hombre fue inmediatamente inmovilizado por seguridad y detenido poco después. Se ha confirmado que es un hombre de 37 años llamado Jess Webb que había sido visto dando problemas durante el concierto.

Jay-Z imagina un ‘Friends’ negro en el vídeo de ‘Moonlight’

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imagen-nuevo-videoclip-jay-moonlight_1929117080_8662533_660x371El nuevo disco de Jay-Z, ‘4:44’, habla de su familia, de su fortuna, pero también de racismo, como demuestra una de sus canciones destacadas, ‘Moonlight’, cuyo título es una referencia a la película del mismo nombre que este año ganaba el Oscar a Mejor película, a pesar de que la cinta que se anunciaba primero, por error, era ‘La La Land’.

La letra de ‘Moonlight’ dice: “estamos estancados en La La Land / incluso cuando ganamos, perdemos”. Esta poderosa reflexión sirve al rapero para comentar los problemas de diversidad y representación que sufre la industria del entretenimiento en Estados Unidos, dramáticamente resumida en el fiasco de los Oscar, donde ‘Moonlight’ se hizo con la estatuilla más importante casi desde un segundo plano.

Jay-Z estrena ahora en Youtube un vídeo de ‘Moonlight’, que ha dirigido Alan Young, para comentar este problema de diversidad y es una recreación de ‘Friends’, la famosísima sitcom americana, interpretada únicamente por personajes negros. El vídeo, protagonizado por Jerrod Carmichael, Lil Rel Howery, Issa Rae, Tiffany Haddish y Tessa Thompson, parece querernos decir que no hay hueco en la televisión americana para una sitcom negra igual de famosa que ‘Friends’.

ANOHNI, Regina Spektor, My Brightest Diamond… lamentan la trágica muerte del músico Dave Deporis

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dg69udjuiaaogxyDave Deporis, un músico de 40 años de Oakland, ha muerto este miércoles al ser arrastrado por un coche al que perseguía con intención de recuperar un ordenador que le había sido robado durante el mediodía. East Bay Times informa del suceso al tiempo que medios como Pitchfork, Stereogum o el blog amigo Brooklyn Vegan se hacen eco de la tragedia.

Deporis se encontraba sentado en una cafetería del bloque 4.200 de Telegraph Avenue cuando un hombre sustrajo su ordenador, donde se piensa que el artista almacenaba toda su música. Dispuesto a recuperarlo, Deporis persiguió el coche hasta la esquina cercana a la calle 42 y Rich Street. Por esta estrecha calle el músico fue arrastrado por el coche, produciéndole varios traumatismos. Moría en la ambulancia camino al hospital.

Varios músicos destacados han lamentado el fallecimiento de Deporis en las redes sociales, entre ellos ANOHNI, que ha escrito: “me apena enterarme de la merte de Dave Deporis, una hermosa voz, y extiendo mi corazón a sus amigos y a la comunidad de Nueva York. He escuchado una grabación de su canción ‘Swan King in the Snow’ cientos de veces a lo largo de los años. Gracias por tu generosidad”. También Regina Spektor y My Brightest Diamond han mostrado sus condolencias.

Cut Copy buscan «poesía en la sobrecarga de información» en ‘Haiku From Zero’, su nuevo disco

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cut-copy-haiku-from-zeroSemanas atrás los australianos Cut Copy presentaban ‘Airborne’, un nuevo single que suponía su primer lanzamiento en una multinacional tras años militando en el sello indie Modular Records. Su vídeo, además, estaba rodado en Barcelona, dirigido por Gerson Aguerri (al que ya conocíamos por algún trabajo anterior para El Último Vecino).

Hoy el grupo comandado por Dan Whitford ha anunciado al fin la publicación del álbum que contendrá esa canción. Se titula ‘Haiku From Zero’ y se publica en poco más de un mes, el día 22 de septiembre, a través de su nuevo sello, Astralwerks. En cuanto al extraño nombre de este quinto disco del grupo tras obras notables como ‘Free Your Mind‘, ‘Zonoscope‘ e ‘In Ghost Colours’, Whitford ha dado alguna pista en Pitchfork: “Buena parte del disco es sobre este mosaico de información, imágenes que nos rodean en nuestro días a día. A veces parece sobrecargado, pero hay una belleza extraña y aleatoria en él. La idea de exprimir poesía del caos es de donde viene el título del disco: la idea de encontrar algo poético en esa sobrecarga”.

Además de compartir su portada y tracklist completo, también dejan escuchar la canción que abre este álbum. Se llama ‘Standing In the Middle of the Field’ y está muy marcada por una marimba que invita al baile, que se va desatando conforme avanza la canción. En Spotify se puede encontrar su versión completa y una editada, de casi dos minutos menos.

Haiku From Zero:

01 Standing in the Middle of the Field
02 Counting Down
03 Black Rainbows
04 Stars Last Me a Lifetime
05 Airborne
06 No Fixed Destination
07 Memories We Share
08 Living Upside Down
09 Tired to the Weather

Tori Amos y su hija cantan sobre el cambio climático en la electrónica ‘Up The Creek’

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toriamosEl próximo septiembre Tori Amos publicará el disco número 15 de su carrera discográfica. Se titula ‘Native Invader’ y, como explicó en nota de prensa semanas atrás –cuando ofreció el avance ‘Cloud Riders’–, se trata de un disco cuyas canciones pretenden resolver esta pregunta: “¿Cuál es nuestra responsabilidad en la destrucción de nuestra tierra, también de nosotros y de las relaciones entre nosotros mismos”.

Hoy Amos ofrece un nuevo avance del disco que habla de manera más explícita de este tema tan preocupante. En ‘Up the Creek’ su estribillo dice “rogando al Buen Señor y el arroyo no crece / solo podemos sobrevivir / si la milicia de la mente / se levanta contra aquellos ciegos climáticos”. Musicalmente, es una canción que, aunque su melodía vocal tiene cierta querencia con los cánticos de los nativos americanos, posee una agitada y oscura base electrónica, arreglada con unas guitarras que remiten a los Pink Floyd de los 80.

Además, ‘Up The Creek’ resulta curiosa por otra cuestión: en ella hace coros su hija adolescente Tash (de Natashya). Tash parece querer seguir los pasos artísticos de su madre y esta no es la primera vez que ambas cantan juntas: en ‘Unrepentant Geraldines’ (2014) hicieron a medias el (pasteloso) dueto ‘Promise’.

Hoy en «Yo he venido de mi casa»… Cuando un artista muere

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Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R.Flu.

La rumba makinera de Ladilla Rusa dedicada a Macaulay Culkin se hace viral

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ladilla-rusaLos tops virales de Spotify en nuestro país no están limitados únicamente a los nuevos héroes de la música urbana. Hay esperanza para esos grupos en principio más minoritarios como Ladilla Rusa. Este dúo mixto establecido en Barcelona y formado por Tania Lozano y Víctor F. Clares ha visto cómo su tecno rumba ‘Macaulay Culkin’ ocupaba el disputado número 1 de Spain Viral 50 durante la última semana (hoy ya les ha sustituido Camila Cabello con su ‘Havana’).

Esta canción, que incluimos en nuestro reciente especial veraniego Lo + Sabrosón, reescribe el argumento del blockbuster ‘Solo en casa’ que propulsó al hoy juguete roto de Hollywood al estrellato. Lo hace, eso sí, con ciertas licencias humorísticas que sitúan a Ladilla Rusa como un nuevo eslabón del sentido del humor aplicado al pop patrio que en su día representaron Alma X o Chicho y Chica y que en nuestros días ha vuelto a cobrar fuerza con Ojete Calor o Las Bistecs.

Ladilla Rusa, además, acaban de conseguir el objetivo de un crowdfunding que lanzaron semanas atrás con el objeto de publicar su álbum de debut. ‘Estado del malestar’ se publicará próximamente a través de un nuevo sello, La Mundial Records, y estará producido por Ignacio Miranda (Ultraplayback), como sus dos canciones conocidas hasta el momento: antes de ‘Macaulay Culkin’, Ladilla Rusa presentaron ‘Bebo (de bar en peor)’. Igualmente bailable pero con toques de funk setentero, en ella imitan la voz de Raffaella Carrá para dedicar una oda a la mala vida, en contraposición al estilo de vida sana con el que se nos machaca día tras día.

AlunaGeorge también se apuntan al regreso de Avicii

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avicii-01Como os contábamos hace un par de días, al productor sueco Avicii le ha durado poco el hastío con la industria del pop , cuya cima alcanzó pocos años atrás con singles como ‘Wake Me Up’ o‘Hey Brother’. Al menos, con lo relacionado con los conciertos en vivo y las giras, porque cuando hizo aquel anuncio ya dejaba la puerta abierta a seguir haciendo música, «como forma de comunicarse con sus fans». Así que hoy, poco más de un año después de aquello, publica un nuevo EP.

El disco, titulado ‘Avīci (01)’, contiene cinco nuevas composiciones (y una remezcla de un tema ajeno) de Tim Bergling, todas ellas con featurings de artistas no muy populares, como Sandro Cavazza, Billy Raffoul o Vargas & Lagola, y otros de mayor renombre como Rita Ora o AlunaGeorge.

Estos participan en una ‘What Would I Change It To’ que sitúa al dúo británico en un registro muy distinto al suyo. Concretamente, en el más característico de Avicii, mezclando guitarras acústicas folkies con bases propias del EDM y coros machacones. Una auténtica curiosidad.Veremos si este nuevo disco hace recobrar el interés por su música que el público pareció perder con su segundo álbum, ‘Stories’. AlunaGeorge, por su parte, han estado publicando este verano varios singles como gancho para su gira como teloneros de Coldplay por Estados Unidos.

The Knife vuelven con una paranoide clase de cocina y nuevo logo

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the-knife-mother-of-knives¿Qué traman hoy The Knife, cuando están a punto de cumplirse tres años de su separación oficial? El dúo sueco formado por Karin y Olof Dreijer así lo anunció en agosto de 2014, antes de embarcarse en la que era, teóricamente, su última gira. Incluso se ha especulado con un nuevo disco de Fever Ray (proyecto de Karin) y Olof ha actuado solo en la última edición del FIB. Sin embargo, sus perfiles en redes sociales han registrado movimientos esta mañana.

Tanto en Facebook como en Twitter, veíamos cómo actualizaban la imagen de su perfil con un nuevo logo, a la vez que subían un vídeo entre lo cómico y lo inquietante. Titulado ‘Mother of Knives Cooking Class’ (¿guiño a Khaleesi?) y sobre una base musical marca de la casa, efectivamente vemos a lo que parece una señora cubierta con una máscara que, entre efectos psicodélicos, prepara una receta (un poco en el estilo disgusting del delirante canal de Youtube HowToBasic) con donuts, pepinos y las célebres máscaras que cubrían la cara de Olof y Karin en la era ‘Silent Shout’. Más tarde subían otro clip, esta vez con un cuchillo amenzador sobre una pobre chuchería en forma de cerezas. Esta vez sin música. Sabemos que queréis decirnos algo, pero ¿qué es? Esperemos que no montéis este circo solo para anunciar una reedición…

The Knife, convertidos en figuras de culto del pop electrónico más audaz con discos como ‘Deep Cuts’ y ‘Silent Shout’, regresaban en 2013 con el extraño, incómodo y maravilloso ‘Shaking The Habitual’, un disco caracterizado por su discurso comprometido contra las barreras de género sexual y la política migratoria europea. Tras esta obra tan discutida en su día, satisficieron a sus fans más bailongos con un notable disco de remezclas.

P!nk se aproxima a los últimos Coldplay en ‘What About Us’

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pink-beautiful-trauma-sEn las últimas horas P!nk, la artista anteriormente conocida como Pink, ha agitado los muros de sus fans en las redes sociales al anunciar que hoy mismo publicaría ‘What About Us’. Se trata del primer single de ‘Beautiful Trauma’, que se publica tan pronto como el 13 de octubre y cuya portada ha sido desvelada por ella misma en Instagram hace unas horas.

Presentada con un lyric-video, ‘What About Us’ es una canción que arranca como un medio tiempo al que pronto se une una base rítmica contundente, con algunos toques modernillos alternados con sonidos acústicos (hasta una mandolina parece sonar ahí de fondo). ¿No se percibe por ahí cierta querencia hacia los Coldplay de ‘A Head Full of Dreams’? Aunque, bien pensado, ¿no podría haber sido justo al revés?

‘Beautiful Trauma’ es su primer disco en solitario en 5 años tras ‘The Truth About Love’, un álbum en cuyas letras se filtraba su dolor tras el divorcio en 2010 del que fuera su marido, el motociclista profesional Carey Hart hablaba de los sinsabores del amor. En 2014 daba un leve giro en su carrera, aliándose con el cantante de country Dallas Green en el proyecto You + Me, orientado al countrypop. Tras un par de años en segundo plano salvo para dar declaraciones sonadas, el pasado año reaparecía con una nueva canción incluida en la BSO de ‘Alicia a través del espejo’, y una colaboración con Sia y Stargate.

Baio / Man of the World

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baio-man-of-the-worldNo podemos ocultar que la salida de Rostam de Vampire Weekend para dar inicio a su propia carrera en solitario resulta inquietante. ¿Cuál es (o era) en realidad su peso específico en la banda, teniendo en cuenta que, además de participar en su composición, produjo sus dos primeros discos y co-produjo el tercero? ¿Cómo afectará eso al ansiado cuarto disco del grupo neoyorquino, posiblemente titulado ‘Mitsubishi Macchiatto’, que podría ver la luz ya en 2018?

Por suerte, aún permanecen Ezra Koenig –claro alma mater del proyecto–, Chris Tomson (aunque su reciente debut solo como Dams of the West no resulta muy halagüeño) y Chris Baio. Tras un primer EP, el bajista del grupo ya sorprendió un par de años atrás con un ‘The Names’ que mostraba que su aportación al grupo no era testimonial y que posee un tangible talento para un pop imaginativo y por momentos bailable. Su continuación, el recientemente publicado ‘Man of the World’, reincide en mostrar sus virtudes como creador, incluso aunque peque de cierta endeblez en algunos momentos.

Alejándose casi en todo momento del sonido más identificable de VW (solo la pizpireta ‘The Key is Under the Mat’ refleja un sonido semejante al de discos como ‘Contra’), el segundo disco de Baio es un tratado de pop encantador y pegadizo, aunque con vocación mayormente lo-fi que lo aleja de tener repercusión más allá del circuito indie. Eso no quita que estemos ante momentos tan deslumbrantes como la gran ‘Philosophy!’, la explosiva ‘Vin Mariani’, el electro-boogie de ‘Out of Tune’ (como The Magnetic Fields haciendo una versión de Elvis Presley) o una arrebatadora ‘Man of the World’ que, quizá involuntariamente, homenajea a la enorme ‘I Need You Tonight’ de INXS.

Son los momentos álgidos de un álbum que se enclava en ese pop de nuestros días prácticamente imposible de ubicar en el tiempo, que hace convivir tecnopop ochentero con glam y world music sin que estén claros los límites ni, aún mejor, importen. Baio, además, destaca como letrista: con humor ácido –aunque algo cándido– retrata muy bien al hombre occidental contemporáneo, contradictorio en su defensa del medio ambiente mientras es incapaz de contener su voracidad energética y alimenticia (a esto dedica el melancólico medio tiempo ‘Dangeroue Anamal’), narcisista e incapaz de empatizar con sus seres amados (“A veces te entiendo menos de lo que capto a Descartes”, canta en ‘Philosophy!’) pese a considerarse extremadamente sensible (“Hasta mis lágrimas lloran” –‘Sensitive Guy’–).

Aunque varios cortes de ‘Man of the World’ pequen de inanes (apenas ‘Be Mine’ y ‘Sensitive Guy’ se quedan a las puertas del primer grupo) y la sensación final al escuchar el disco sea agridulce, sí ofrece cierta tranquilidad de cara a ese nuevo disco de Vampire Weekend. Aún hay talento de sobra en la banda para que esté a la altura de su notable discografía hasta la fecha.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Philosophy!’, ‘Out of Tune’, ‘Man of the World’, ‘Dangeroue Anamal’
Te gustará si te gustan: Vampire Weekend
Escúchalo: Spotify

Liam Gallagher persigue su propio ‘Don’t Look Back In Anger’ en ‘For What It’s Worth’

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liamSe acerca la fecha de publicación de ‘As We Were’, el primer disco totalmente en solitario de Liam Gallagher tras la ruptura de Oasis y la aventura de Beady Eye –disco que, por cierto, presenta el 9 de septiembre en Madrid–. Hoy, tras haber presentado un tema tan forzadamente Oasis como ‘Wall of Glass’ y otro algo más sorprendente como ‘Chinatown’, muestra el tercer adelanto de este álbum que llega a las tiendas el día 6 de octubre.

La canción se titula ‘For What It’s Worth’ y es, a todas luces, un intento de dar con un himno dulce a la altura de ‘Don’t Look Back In Anger’, con sus ecos Beatles-Kinks (aunque por un momento parece que se va a arrancar por ‘Sowing The Seeds of Love’ de Tears For Fears). También su letra tiene a su vez un afán pacifista, aunque su explicación no tiene precio: “Obviamente he cometido un montón de errores. Así es la vida. Creo que [esta canción] es una apología para quién sea. He mosqueado a mucha gente. Pero tampoco voy a escribir una canción para cada uno de ellos. Aquí va una. Aceptado de una puta vez y a seguir adelante”, ha dicho a Noisey.

Un tono macarra empleado en su estrategia promocional que, por impertinente que sea, resulta de lo más eficaz. Días después de su hilarante confusión con el nombre de A$AP Rocky, en esta entrevista con Noisey Liam vuelve a dar titulares al criticar el nuevo disco de Jay-Z, ‘4:44’ –“eso debería quedar para la puta silla de tu puto psiquiatra, ¿no?”, ha dicho sobre ese disco en el que el rapero habla sobre su crisis matrimonial con Beyoncé–, volver a dar un revolcón a su hermano Noel –le llama “jodido acosador” y “traidor de la clase trabajadora”–. Aunque, una vez más, logra ser hilarante al opinar de algo como la natación: “que le jodan al mar. No me va nada eso”.

¿Maniobró Lady Gaga para que ‘Judas’ no pareciera un plagio de Jennifer Lopez?

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gaga-millionLos fans de Jennifer Lopez y Lady Gaga están en pleno pie de guerra unos contra otros a causa de una noticia del medio británico Daily Mail. Este diario publicaba hace unas horas una noticia sobre unos documentos supuestamente filtrados del juicio que desde hace unos años mantiene Lady Gaga con la compositora Rebecca Francescatti. Esta la acusó de copiar en ‘Judas’, single extraído de ‘Born This Way’, su canción ‘Juda’, que un tiempo antes habría enviado a los productores de Gaga. El juicio se celebró tiempo atrás con una sentencia que daba la razón a Germanotta, una sentencia que Francescatti apeló y que fue resuelta entre las partes posteriormente (imaginamos que a cambio de una buena suma de dinero). Caso cerrado… o no.

Francescatti apeló aquella sentencia aportando nuevas pruebas. Entre otras, unos documentos –obtenidos ahora por Daily Mail– con unos mensajes entre RedOne y Lady Gaga que pretendían probar que no era la primera vez que la autora de ‘Joanne’ manipula créditos y grabaciones en su provecho… o algo parecido. Según esos mensajes, el crédito de Lady Gaga en la composición de ‘Invading My Mind’, una canción que RedOne produjo para Jennifer Lopez en aquellos días, no sería real sino una manipulación.

En ellos, fechados poco antes de la salida de ‘Judas’ en 2011, Gaga advierte a RedOne de las similitudes entre esa canción e ‘Invading My Mind’, tema producido por este y que sería incluido en el disco de JLo ‘Love?’, publicado tiempo después. “Tenemos que actualizar el ritmo de ‘Judas’… suena muchísimo a ‘Invading’ de JLo… RedOne!!! Tenemos un gran problema”, dice uno de esos mensajes. Más tarde se da cuenta de que la canción se filtra en la web de Perez Hilton. “¡La gente dirá que robé a JLo! Me encanta ‘Judas’, pero no puedo aparecer como una copiona de JLo!!!!”, dijo supuestamente Gaga a RedOne.

Más tarde otros mensajes señalan que a Gaga se le ocurre la solución perfecta: ser acreditada en ‘Invading My Mind’ para no poder ser acusada de plagio, a lo que RedOne habría aceptado encantado –más abajo puedes escuchar y comparar ambas–. Todo esto, de ser cierto, no demostraría que ‘Judas’ es un plagio de ‘Juda’, pero sí serviría a Francescatti para desacreditar la credibilidad de Lady Gaga. Francescatti, tras el juicio, aseguró que en el proceso había sido sometida a un enorme acoso tanto por el entorno de Gaga como el de sus fans. ¿Será esta su pequeña venganza?

Lady Gaga y Jennifer Lopez aparentan mantener una buena relación, en todo caso. La primera está ya inmersa en su ‘Joanne Tour’ –que recala dos días de septiembre en Barcelona–, y la segunda está ultimando su nuevo disco, cuyo más reciente single ‘Ni tú ni yo‘ está obteniendo cierto éxito comercial.

Hinds dan voz a todas las mujeres que pasan miedo al volver de noche a sus casas

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hinds-machismoA la vez que un organismo del Gobierno Vasco invitara a poner música libre de sexismo en las fiestas patronales de Euskadi, el Ayuntamiento de Madrid ha puesto en marcha una campaña de concienciación contra la violencia machista que viven las mujeres con especial intensidad durante las fiestas locales de este mes de agosto. A principios de semana pudimos ver un spot protagonizado por la directora y actriz Leticia Dolera que señalaba actitudes invasivas y agresivas que pese a estar normalizadas son sintomáticas de una posible violación.

Y hace unas horas presentaban otro spot con la banda madrileña Hinds como protagonistas. La banda de rock femenino de nuestro país que más éxito internacional haya logrado jamás habla en el vídeo sobre sus propias experiencias al volver solas a casa tras una noche de fiesta, explicando el miedo que padecen y los trucos que emplean para sortear una posible agresión. Nuevamente, conciencian a todos a denunciar y parar este tipo de actitudes contra las mujeres.

Recientemente Hinds eran noticia por su aportación a la banda sonora en castellano de ‘Cars 3’, la nueva película animada de la franquicia de Pixar. Pero lo más interesantes es que ya tienen a punto su nuevo disco, continuación del exitoso ‘Leave Me Alone’, y que podría publicarse en cualquier momento de los próximos meses. En las últimas horas han sumado a su agenda fechas en Barcelona (el día 9 de noviembre en La 2 de Apolo) y Madrid (el 10 de noviembre en Ochoymedio Club) que bien podrían servir para presentar sus nuevas canciones.

Alice Glass suena a Crystal Castles pero también a canción melódica en ‘Without Love’

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aliceglassLa salida de Alice Glass de Crystal Castles fue dramática, pero la vida sigue y el proyecto de música electrónica apocalíptica ya ha sacado un disco con otra cantante, un ‘Amnesty‘ con el que no ha pasado gran cosa (solo 1 de las 10 canciones más escuchadas de Crystal Castles en Spotify procede de ese último álbum). Y ahora es el turno de Alice Glass para mover ficha.

La ex cantante de Crystal Castles editaba en 2015 un tema llamado ‘STILLBIRTH‘ al que ahora da continuidad con un single con portadón, ‘Without Love’. Mientras la portada y el fondo de la canción mantienen ese tono sombrío y terrorífico un tanto «witch», su voz y la melodía optan por un camino mucho más dulce. Podemos conectar la inocencia de ambas con la canción melódica de los 60 sin problema, y también las frases más naíf de esa letra tristona e inocente «¿valgo la pena o no valgo para nada?».

Una canción, pues, válida para seguidores de proyectos tan diversos entre sí como Françoise Hardy, t.A.T.u. o Grimes que suponemos que adelantará un álbum del que de momento no se conoce detalle alguno, salvo alguna declaración sobre su sonido, como por ejemplo un mayor protagonismo de la voz. Alice Glass ha escrito esta canción junto a Jupiter Keyes de HEALTH, de siempre colegas de Crystal Castles. Keyes también la ha producido.

Actualización: Esta tarde –mañana en EE UU–, Alice Glass ha presentado el vídeo oficial para ‘Without Love’. Un clip dirigido por Floria Sigismondi (David Bowie, Rihanna, Perfume Genius) en el que vemos a la ex-Crystal Castles yacer entre flores en coches abandonados y piscinas vacías, con un maquillaje tan exagerado como cabía esperar tras ver la portada del single. Además, ha anunciado que actuará como telonera para Marylin Manson en la gira que este ofrecerá en los meses de septiembre y octubre por su país.

Kendrick Lamar habla sobre su admiración por Bono y el beef entre Katy Perry y Taylor Swift

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kendrick-rsKendrick Lamar es ya uno de los nombres claves del pop mundial de este 2017, al superar sus propias marcas comerciales tanto en cuestión de singles, con ‘HUMBLE.’ en particular, como de álbumes, con un ‘DAMN.’ que ha sido su primer número 1 en álbumes en Estados Unidos y también ha logrado buenos resultados fuera de su país –incluso en un país tan poco propicio para el rap yanqui como el nuestro–. Por eso es más que razonable que ocupe la portada de Rolling Stone este mes, con una extensa e interesante entrevista.

En ella Brian Hiatt le pincha, con bastante mano izquierda, sobre asuntos espinosillos como los ghostwriters –escritores de versos en la sombra para los raperos famosos–, deslizando el nombre de Dr. Dre –le dice, aunque Kendrick le ignora, que él ha escrito para Dr. Dre– y Drake –desde hace un tiempo hay constantes rumores de que no escribe muchas de sus rimas– y preguntándole con cierta malicia que cuál es su canción favorita del canadiense. Riéndose, Lamar responde que muchas, y que le gusta tanto cuando canta como cuando rapea. Cabe recordar que Drake colaboró con el rapero de Compton en ‘Poetic Justice’, de su segundo disco ‘good kid, m.A.A.d city’.

También aparece el nombre de Jay Z, que asegura fue una de sus primeras inspiraciones y que aún hoy le sigue admirando. Y el de su esposa, Beyoncé, con la que Lamar grabó ‘Freedom’ en su último álbum ‘Lemonade’. Explica que aprendió de ella a ser minucioso con su música. “Ella es una perfeccionista. Pienso en cuando actuamos en los BET. Ella era muy específica –la iluminación, la detención de la cámara, la transición de la música al baile”. Hablando de divas pop, Hiatt también le pregunta sobre si fue consciente al rapear en ‘Bad Blood’ de Taylor Swift que la canción podía estar dirigida a Katy Perry, lo cual parece hacerle mucha gracia: “[Entre risas] No, no tenía ni idea, hermano. Es una gran pregunta. ¡No! De verdad, no. Lo cual lo hace incluso más divertido, eso seguro. Está muy lejos de mi incumbencia. Debo mantenerme apartado de eso, seguro. Eso sí que es un verdadero beef [Risas]”.

En cuanto a ‘DAMN.’, reconoce que cada vez se siente más cómodo cantando (algo que dice que su generación aprendió a respetar al escuchar a André 3000) e incluso que, aunque de momento las ha descartado, ha escrito temas que “en un 95%” son cantados. Hiatt le cuestiona sobre ‘LOVE.’, la canción más claramente pop del álbum, y sobre cómo marca la línea para que no sea demasiado “blanda” para él. “Nosotros lo llamamos “dulce para los oídos”, y de ahí pasa a ser cursi. Debes tener un oído increíble para distinguirlo (…). Requiere años de experiencia”. Por eso, reconoce haber grabado canciones que finalmente ha decidido no publicar porque eran demasiado cursis.

Otro nombre que aparece en la entrevista es el de Bono de U2, que colaboran en ‘XXX.’. Preguntado sobre cómo se gestó esta sorprendente colaboración, Lamar se deshace en elogios hacia el líder de la banda irlandesa: “Íbamos a grabar otro disco que en principio teníamos que hacer juntos. Me lo mandó, expuse algunas ideas sobre él, y no sabíamos hacia dónde iba aquello. Yo estaba a punto de publicar un disco, así que le dije “mira, ¿me harías el honor de dejarme usar esta grabación? (…) Y se mostró abierto a ello”. Además, le tira flores: “Bono tiene tanta sabiduría y tanto conocimiento, sobre la música y la vida. Podría pasarme sentado al teléfono hablando con él durante horas. Lo que hace por todo el mundo, lo de ayudar a la gente, es inspirador”.

En cuanto a política, Lamar explica que, al contrario que otros muchos artistas, rehúsa a hablar sobre Trump en sus canciones. «Es como golpear a un caballo muerto», dice, explicando que está hastiado de que se hable de Trump cuando lo que hay que hacer es pasar a la acción, y que para ello ha preferido hablar a una escala humana.»Hablar en primera persona; uno mismo primero. De ahí es de dónde vendrá el cambio inicialmente». De hecho, en otro fragmento de la entrevista reconoce que cuando canta «sé humilde» en ‘HUMBLE.’ se lo está diciendo a sí mismo.

Hit de ayer: ‘Atta Girl’ de Heavenly

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heavenlyCuando Amelia Fletcher fundó Talulah Gosh en 1986 junto a otros cuatro estudiantes de Oxford su idea era continuar el hermoso híbrido de pop jangle y resonancias 60s que habían iniciado bandas inglesas anteriores como Marine Girls o Dolly Mixture, pero la “democracia de grupo” llevó el sonido hacia terrenos más punk pop. Así que cuando el grupo se desmembró tres años después y montó Heavenly junto con algunos ex-miembros más, lo tenía claro: sería su grupo con sus canciones y su visión.

Sus dos primeros álbumes establecieron ese sonido con melodías -pues sí- celestiales, y guitarras tintineantes para alegría de fans del twee pop de todo el mundo, y con sus reconocibles letras sobre chicos y romances que la crítica inglesa (el Melody Maker especialmente) ridiculizaba en su mayor parte, con un sesgo machista que hoy en día resultaría escandaloso.

En 1992 ocurrió algo fascinante en la trayectoria de Heavenly: el sello norteamericano K (fundado por Calvin Johnson de los Beat Happening) publicó la edición americana de ‘Le jardin de Heavenly’ y les llevó allí a tocar. El grupo se encontró con una escena underground muy influida por el naciente movimiento Riot Grrrl que les recibió con mente abierta y las incluyó de alguna manera en el mismo espíritu. Además de lo refrescante de actuar frente a un público en el que no había el típico gracioso tratando de ridiculizar su enfoque naïf, Heavenly realmente se contagió de muchas de las ideas que había detrás de todo aquello, y no tardaron en reflejarlo en sus dos siguientes singles de 1993: ‘Atta Girl’ y ‘P.U.N.K. Girl’.

Volvieron al Reino Unido con otra actitud y hasta un medio anteriormente hostil como el NME escogió ‘Atta Girl’ como single de la semana. En el libro ‘Popkiss: the Life and Afterlife of Sarah Records’ Amelia Fletcher declara que “cuando hicimos esos discos los concebimos absolutamente como algo que formaba parte de lo que gente como Bikini Kill o Huggy Bear estaban haciendo, algo más directo y más atrevido”. Robert Pursey (bajista): “las letras de Heavenly cambiaron de forma bastante dramática, y fuimos más claramente influenciados por otros grupos que eran mucho más abiertamente feministas”.

‘Atta Girl’ es el más brillante de los dos sencillos, una canción espléndida en su forma (emotiva melodía, brillantísimas guitarras, ritmo baggy) y en su fondo (letra de ácida rebelión ante el control de una pareja). Musicalmente es tan irresistible que Heavenly rompieron su regla de concisión pop extendiéndose en una gloriosa introducción de instrumental de más de un minuto:

Estructuralmente es también una canción audaz e inusual: en una especie de diálogo interior superpuesto en la cabeza de la protagonista, la teclista Cathy Rogers canta una melodía con la parte de su mente que duda y quiere dar otra oportunidad (“oh no, vuelve por favor o me moriré / ¿quieres hacer llorar a una chica? (…) me sigues tratando como a una puta idiota / pero te quiero demasiado”) mientras que Amelia canta por encima la melodía con la parte de su mente que quiere romper con el control y ser libre: “¿Cómo pude pensar que merecías tanto de mí? / No te necesito a ti ni a tu actitud / ¿puedes olvidar que una vez nos conocimos? /Porque no soy tuya ni nunca lo seré, me has enseñado cómo eres realmente… / Que te jodan, ni hablar / no tengo nada que explicar”. Esa parte de la letra coincide con un explosivo final de estribillo que acaba de redondear una canción de por sí magistral.

Heavenly seguirían haciendo melodías memorables de pop con la elegante relajación de quien no persigue el éxito hasta 1997, cuando falleció Mathew Fletcher (hermano de Amelia y batería del grupo). Poco después se reagruparían como Marine Research, Tender Trap y más recientemente como The Catenary Wires.

‘Atta Girl’ suena en el nuevo Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Kesha cuenta entre sollozos que el ya filtrado ‘Rainbow’ le ha “salvado literalmente la vida”

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kesha-lloraEste viernes, 11 de agosto, se publica ‘Rainbow’, el esperado regreso discográfico de Kesha tras años de ostracismo por su enfrentamiento jurídico contra el que fuera su productor (y director de su aún sello discográfico, Kemosabe) Dr. Luke. Un disco que, tras haber sido avanzado con canciones como ‘Praying’, ‘Woman’, ‘Learn To Let Go’ y ‘Hymn’, veíamos cómo se filtraba íntegramente esta misma mañana.

Pese a que su movida legal sigue sin resolverse, Kesha Rose ha logrado sacar adelante el disco que quería hacer y está en plena promoción del mismo. Hace solo unas horas aparecía en el célebre programa televisivo ‘Good Morning America’, donde además de ofrecer una interpretación en directo de su sorprendente (para bien) primer single, ‘Praying’, hablaba sobre el disco con la presentadora Robin Roberts. Esta le preguntaba sobre el contenido de esa canción, precisamente, cuya letra parece hablar sobre la depresión y el suicidio.

Kesha, apenas conteniendo sus sollozos, confirma que esta canción es muy personal y habla sobre todos los duros momentos que ha pasado, y sobre cómo los ha superado, tratando de encontrar empatía “al otro lado, que es increíblemente difícil, a veces” –en clara alusión a Dr. Luke–. Más tarde, preguntada sobre lo que ha supuesto la música para ella durante todo este proceso, ella ha afirmado que ‘Rainbow’ “literalmente ha salvado mi vida”. En un tono más distendido, ha reconocido que no ha llamado al álbum así por simple empatía con la comunidad LGBTI+, sino empleando los colores brillantes como una metáfora de esperanza. Además, cuenta que su casa está decorada con montones de arcoiris (e incluso tiene unos siete tatuajes con ese motivo en su propio cuerpo).

El vídeo oficiale de su actuación en dicho programa está limitado geográficamente en España, pero os dejamos con dos vídeos recién subidos a su propio canal con interpretaciones, ofrecidas en los estudios de Youtube, de ‘Praying’ y la soulera ‘Woman’.

John Milk / Paris Show Some Love

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johnmilkNuestros vecinos franceses a primeras puede que sean muy chovinistas, pero también les pirra todo lo que sea genuinamente estadounidense. John Milk, quien hace unos años dejó su Lyon natal para instalarse en París, sería un buen ejemplo. Su primer álbum editado hace dos años, ‘Treat Me Right’, bebía directamente del soul más clásico. No obstante, las tornas han cambiado considerablemente con la edición de su segundo largo, ‘Paris Show Some Love’, ya que para la ocasión ha expandido su paleta sonora hacia otros terrenos que, para nada, acaban siendo forzados o son una pose.

El que fuera responsable de hallar nuevos talentos en el sello Ka Records quedó tan en shock tras aquella noche del 13 de septiembre de 2015 en la que París se bañó de sangre que ha querido dedicar el disco no sólo a las víctimas, sino también al resto de parisinos que tras la tragedia sacaron fuerzas de donde no había para seguir adelante con la rutina. Teniendo presente esta premisa podría parecer que ‘Paris Show Me Love’ aglutina canciones tristes, pero para nada es así. Más bien al contrario: lo que él en realidad ha pretendido es celebrar la vida y apuntar cómo, incluso en una gran urbe tan individualista como la parisina, unos hechos tan terribles pueden conseguir que la sociedad se una dejando atrás sus diferencias.

Aunando el legado hip hop de J Dilla y el funk marciano de Prince, Milk demuestra gracias a estas canciones tanto su versatilidad como su buen gusto. ‘When I Get Down’, la más pop del lote, bien podría venir firmada por Chromeo o cualquier otro enaltecedor actual del electro funk; mientras que en la pegajosísima ‘Ain’t Funky Enough’ se decanta por un funky más old school que seguro que encandilará a Anderson. Paak y a los nostálgicos de Soul Train.

Aunque el soul no sea el género predominante en esta ocasión, en comparación con su puesta de largo, aquí podemos encontrar la sensual y muy D’Angelo ‘Got To Be True’ o una preciosa ‘Stir It Up’ que invita a ser acompañada con un copazo en la mano en la playa. Pero como antes ya hemos dejado caer, los sonidos hip hop son los que verdaderamente vertebran este trabajo en piezas como ‘Create’, el tema titular o esa ‘Wood For My Fire’ en la que se deja llevar por un falsete incluso mejor que el de How To Dress Well.

Siendo autoproducido de cabo a rabo, Milk se afianza con este disco como un artista igual de talentoso que exportable más allá de tierras europeas. Su forma de combinar sonidos actuales y pretéritos funciona a las mil maravillas, y lo mejor es que nada de lo que aquí puede encontrarse acaba siendo un pastiche. Si el mundo fuera justo no debería extrañarnos que más pronto que tarde acabe cruzando el océano para demostrar a los estadounidenses que desde un estudio casero de París se puede firmar música igual de estimulante que sobrada de groove. Jamie Lidell ya no está tan solo en su cruzada.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘When I Get Down’, ‘Ain’t Funky Enough’, ‘Stir It Up’
Te gustará si te gustan: Anderson. Paak, Prince, Chromeo, Jamie Lidell o D’Angelo en clave francesa
Escúchalo: Spotify

Nueva polémica en torno a Arenal Sound: detenidos agentes de seguridad por agredir y retener a otros empleados del festival

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arenalsound-nereacollHoy se ha conocido una nueva polémica en torno al festival Arenal Sound, celebrado el pasado fin de semana en la localidad castellonense de Burriana. Según informan diversos medios nacionales, tres agentes de seguridad contratados por el festival han sido detenidos por agresiones, robo con violencia y detención ilegal tras haber sido denunciados por varias personas. Tal y como han confirmado a El País fuentes de la organización, los denunciantes serían también personal del propio evento –al parecer contratado para tareas de limpieza y apoyo en las áreas de acampada–. La Guardia Civil no descarta que incluso haya nuevas detenciones.

Los denunciantes aseguran que los agentes de seguridad les acusaron de robar una cajetilla de tabaco, por lo cual les llevaron a un cuarto donde les pegaron y amenazaron repetidamente, además de sustraerles dinero de sus carteras. La organización expone, de nuevo a El País, que los detenidos dan una versión distinta de los hechos: al parecer, los miembros de seguridad sorprendieron a los denunciantes sustrayendo dinero y móviles y les retuvieron en tanto llegaba la Guardia Civil, momento en que se produjo un forcejeo que derivó en las lesiones denunciadas.

Esta noticia se conoce días después de que la policía desalojara el festival durante una de sus fiestas de presentación debido a un supuesto aforo descontrolado, que desde la organización se negó –adujeron razones técnicas para las cancelaciones–. Fuera así o no, el director del festival, David Sánchez, ya ha asegurado que el año que viene replantearán el formato de estas fiestas de bienvenida. La edición 2017 ha cerrado con unas cifras de asistencia abrumadoras: se calcula que artistas como Amaral, Clean Bandit, Bastille, Icona Pop o Martin Garrix lograron congregar durante esos 6 días de conciertos a unas 300.000 personas.

Fotografía de @jotamartinez_photo tomada del perfil de Facebook de Arenal Sound.

‘New Rules’ de Dua Lipa se cuela también en la lista española

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dualipaSi ayer comentábamos que ‘New Rules’ de Dua Lipa apunta a ser uno de los éxitos del verano en todo el mundo, tras su entrada en las listas estadounidenses, donde muy rara vez habíamos visto a la británica, lo mismo sucede en la lista española de singles. El tema extraído de ‘Dua Lipa’ es exactamente número 90 en España, al igual que en el Billboard Hot 100, pero no será la cima para ‘New Rules’ en ningún caso, pues ya encontramos el tema en el puesto 34 de Spotify USA y en el puesto 60 de Spotify España. De momento ’New Rules’ no está en la lista de 40 Principales.

La parte alta de la tabla no deja ninguna novedad: ‘Mi gente’ de J Balvin sigue en el número 1 y Becky G y Bad Bunny vuelven a tener la subida más fuerte, pasando del 42 al 18. También avanza Abraham Mateo tras un arranque titubeante y ‘Loco enamorado’ pasa del número 43 al número 27. ‘Feels’ de Calvin Harris sube del 38 al 32.

La pequeña lista de entradas en la lista de singles de nuestro país se completa con Carlos Vives junto a Sebastián Yatra en el número 93 con ‘Robarte un beso’ y con Ozuna con ‘El farsante’ en el puesto 94.

Gemeliers impiden el primer número 1 de Arcade Fire en España

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gemeliersTras el paréntesis Lana del Rey, que baja del puesto 1 al puesto 5 durante la segunda semana de vida de ‘Lust for Life’, Gemeliers vuelven a la cima de la lista española de ventas con la reedición de su último disco ‘Gracias’, el cual incluye una toalla. Toda una metáfora de lo que ha sucedido justo debajo: Arcade Fire, con la crítica al mercantilismo que supone su último disco ‘Everything Now’ se quedan en el puesto 2. Ellos no habían promocionado su disco con una toalla, pero sí, jocosamente, con una caja de cereales.

El número 2 logrado por lo nuevo de Arcade Fire en España supera el puesto 4 logrado por ‘Reflektor’ e iguala lo conseguido por ‘The Suburbs’ a su edición también en verano, durante 2010. ‘Everything Now’ ha sido muy holgadamente número 1 en Estados Unidos y Reino Unido, además de en Canadá, Irlanda y las dos listas oficiales belgas. Aunque en nuestro país hayamos preferido a Gemeliers, sí podemos decir que el disco llega más alto por aquí que en Italia y Alemania (número 5 en ambos lugares), Francia (número 3), Suecia (número 18), Dinamarca (número 17), Noruega (númro 11) o Finlandia (número 30).

Continuando con la lista española, llaman la atención las entradas a los puestos 42, 43 y 44 de las reediciones de Pet Shop Boys, respectivamente de ‘Nightlife’, ‘Release’ y ‘Fundamental’. En Reino Unido se repite este mismo orden de entrada pero un poco más arriba, en las posiciones 29, 30 y 33.

Las novedades de la lista de nuestro país se completan con Alice Cooper, número 31 con ‘Paranormal’; Elvis Presley con ‘A Boy From Tupelo’ en el puesto 68; y Posidonia con ‘Música mediterránea’ en el número 95.