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Taylor Swift vende 38.000 copias en España y logra el doblete

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Taylor Swift ha batido un récord histórico en Estados Unidos. La artista ha vendido el equivalente a 4 millones de copias en una semana de ‘The Life of a Showgirl‘. Así, deja atrás los 3,4 millones de copias que Adele movió en su primera semana con ’25’. Y también se ha confirmado que las 12 canciones del álbum copan el top 12 del Billboard Hot 100. Todo esto ya se sabía desde la semana pasada, con los paréntesis correspondientes: el cambio en las normas del juego en los últimos 10 años, y las más de 20 ediciones diferentes que se han hecho de este nuevo álbum.

¿Pero qué ha pasado en España? Nuestro país no es uno de los claves para la artista, pero podemos decir que los datos son muy buenos también para Taylor Swift por aquí. La artista se ha hecho con un disco de platino directo con ‘The Life of a Showgirl’ y además ha conseguido el ansiado doblete: número 1 tanto en discos como en singles. Algo nada habitual para un artista anglosajón en nuestro país. De hecho, hacía años que una canción en inglés no llegaba al número 1 en España.

JENESAISPOP ha tenido acceso a los datos exactos de Taylor en España: ‘The Life of a Showgirl’ ha vendido el equivalente a 38.247 unidades en su primera semana. Una verdadera barbaridad en un país en el que normalmente son suficientes unas 2.500 copias para llegar al número 1. De hecho, la semana pasada Bad Bunny coronaba la lista con 2.631 unidades.

De esas más de 38.000 copias, la mayoría corresponde a las distintas ediciones físicas del disco de Taylor. 32.389 han sido ventas físicas o digitales, a destacar 11.363 unidades en vinilo. Pero para quien acuse a Swift de ser número 1 gracias a las múltiples ediciones físicas, lo cierto es que el disco habría sido igualmente número 1 en España solo con sus puntos de streaming. Con ellos llega a 5.958 copias equivalentes: el doble de lo que está haciendo hoy por hoy Bad Bunny.

Por otro lado, la reentrada de ‘Midnights’ en el puesto 92 revela que este otro álbum ha vendido casi 79.000 unidades en España. Cifra muy similar a lo que ha despachado por aquí ‘The Tortured Poets Department’: 81.000 unidades. Ambos son por tanto doble platino.

Las cifras de Taylor Swift son muy altas si las comparamos con otros artistas internacionales:
-Taylor ha vendido en 1 semana 10 veces más que el último de Ed Sheeran en 4 semanas (3.419 copias)
-Taylor ha vendido en 1 semana más que el último de Sabrina Carpenter en 6 semanas (13.743 copias)
-Taylor ha vendido en 1 semana más que el último de Lady Gaga en 31 semanas (21.548 copias)
-Si alguien se pregunta cuánto ha vendido ‘BRAT’ en España han sido 27.568 copias.
-Aun así, Taylor está muy lejos de tener el álbum más vendido en España en 2025: este será el de Bad Bunny, que ya supera las 213.000 copias. También Taylor quedará por detrás de Quevedo (107.000) y posiblemente de Aitana (66.000).

Casi que más mérito que todo esto tiene que Taylor Swift haya logrado meter todo su disco en el top 100 de singles, casi siempre tomado por éxitos de urbano, latino, reggaeton y últimamente algo de rock. Pocas cosas anglosajonas suelen llegar al top 100. Y Taylor sitúa el álbum entero exactamente en estas posiciones en España. Un éxito absoluto que nadie sabe si puede superar con su próximo trabajo:

1.-The Fate of Ophelia
11.-Opalite
16.-Elizabeth Taylor
22.-Father Figure
26.-Wish List
27.-Actually Romantic
28.-Cancelled!
33.-Eldest Daughter
34.-The Life of a Showgirl
36.-Wood
37.-Ruin the Friendship
50.-Honey

julia amor «busca unos brazos» en un estupendo álbum synth-pop

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Marc Luguera

julia amor acaba de publicar su segundo álbum de mano de Primavera Labels. La artista andorrana afincada en Barcelona se especializa con él en un synth-pop de corte oscuro, que podemos vincular a gente como Caliza o Cabiria.

Oficialmente, si su primer disco, ‘lo que pensé que era el amor’, se presentaba como «un cubículo en el que Julia se escondía y revisaba sus miedos en bucle», el nuevo ‘algo para regresar’ es «lo que sucede cuando se atreve a salir de su escondite». Eso explica, por ejemplo, por qué el single ‘algo para pasar los días’, que se presentó hace unos meses, es tan fiero en sus guitarras eléctricas.

El disco está lleno de joyas como ‘hielo afilado’, el primer tema, o el instrumental y último ‘hacia donde vuelan los patos’, que habría encantado a Angelo Badalamenti.

El tema que seleccionamos como Canción del Día es ‘buscando unos brazos’, una producción muy cinematográfica y en cierta medida tan progresivo que parece casi un videoclip en sí mismo. «Busco el final, caigo en alta mar», comienza diciendo, antes de que entren los beats electropop, el tempo más bailable y luzca el Autotune. julia amor «busca unos brazos, un barco que la salve, una casa encantada o una estrella», mientras la melodía de las estrofas apuntan hacia el positivismo.

julia amor presenta este estupendo nuevo álbum en varias fechas este otoño: el 8 de noviembre estará en Valencia, el 20 de noviembre en Alicante (Festival Bello Público con Marcelo Criminal y Soleá Morente), y el 4 de diceimbre en Barcelona junto a Doble Pletina. Detalles, en su Instagram.

Lo mejor del mes

Tim Burton no se esfuerza ni por Lady Gaga

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Si hace treinta años se hubiera anunciado que Tim Burton iba a dirigir el nuevo videoclip de una estrella del pop -no sé, Madonna o Whitney Houston-, habría sido un acontecimiento mundial. Hoy, que Burton dirija un clip de Lady Gaga es como si Amenábar realizara un vídeo para Mónica Naranjo. Pues vale.

Tras más de una década de exitoso (en términos pecuniarios) funcionariado en Disney, estampando su sello estético sobre reproducciones sin alma como un bostezante Dalí del siglo XXI, ‘The Dead Dance’ podría haber sido una buena oportunidad para que Burton se soltara un poco la melena (gótica) e hiciera algo que recordara al personalísimo cineasta que deslumbró en los noventa. Pues tampoco.

‘The Dead Dance’ es como una versión desganada y anodina del ‘Thriller’ de John Landis y Michael Jackson, presentada con el atractivo estilo visual y el ambiente isleño caribeño de ‘Yo anduve con un zombie’ (1943).

Rodado en la “isla de las muñecas” de México (un paraje lleno de muñecas colgadas durante años por un “coleccionista” local, convertido en atracción turística), el vídeo muestra a la cantante neoyorquina caracterizada como una muñeca victoriana que cobra vida como si tuviera síntomas de Parkinson.

A partir de esa premisa, la narración no va mucho más allá. Lo que podría haber sido una alocada reunión de muñecas bailando como posesas, ha acabado resultando una interminable coreografía halloweenesca, salpicada con planos de muñecas cobrando vida (algunas con un uso de la animación bastante cutre) pretendidamente siniestros/divertidos. Ni una cosa ni la otra.

Katy Perry, en Río Babel el domingo post-Orgullo

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Katy Perry, a punto de visitarnos de gira con las entradas agotadas, anuncia más fechas en nuestro país. De manera sorprendente, será el gran reclamo del madrileño Río Babel el próximo mes de julio. JENESAISPOP volverá a ser medio oficial de este evento, como veis en cartelería.

El Festival Río Babel confirma hoy que celebrará su 9ª edición los días 3, 4 y 5 de julio de 2026 en el Auditorio Miguel Ríos de Rivas-Vaciamadrid, como el año pasado. Tras haber establecido puentes entre América y España en ediciones que han contado con cabezas de cartel históricos como Bad Bunny, C. Tangana o este año Estopa, esta vez se celebrará la música de baile. La nota de prensa sigue abogando por «la diversidad» y el «punto de encuentro entre culturas, sonidos y generaciones».

Será el domingo 5 de julio cuando Katy Perry actúe en Río Babel. Además, se informa de que Bomba Estéreo y La Casa Azul actuarán el mismo día. El público podrá apuntarse a la preventa a partir de mañana 15 de octubre a las 12:00 horas.

La preventa oficial comenzará el martes 21 de octubre a las 12:00, mientras que la venta general se abrirá el miércoles 22 de octubre a través de festivalriobabel.com.

Por otro lado, Río Babel recuerda la accesibilidad al recinto de Rivas en transporte público a través de la parada de metro Rivas Futura (Línea 9, Zona B1), varias líneas de autobuses que conectan la capital con Rivas-Vaciamadrid, y también en taxi o VTC, disponibles durante todo el evento. Para quienes acudan en vehículo privado, habrá parkings gratuitos con plazas asignadas por orden de llegada y espacios reservados para personas con movilidad reducida (PMR).

También habrá un servicio de lanzaderas de vuelta que conectará directamente el recinto con la Estación Puerta de Atocha–Almudena Grandes al finalizar los conciertos.

La UER cancela su votación sobre Eurovisión: ¿y ahora qué?

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El próximo mes de noviembre se iba a celebrar una reunión extraordinaria en la UER. El orden del día era votar si se expulsaba a Israel de Eurovisión. España, Irlanda y Países Bajos lideraban el «sí», mientras fuentes de Alemania y la organizadora Austria amenazaban incluso con retirarse ellas si Israel era expulsada.

El alto el fuego en Gaza y el intercambio de rehenes que se ha producido este lunes han cambiado las cosas. La UER ha comunicado este lunes que la convocatoria extraordinaria de noviembre queda anulada debido a «los recientes acontecimientos en Oriente Medio».

¿Qué ocurrirá ahora? ¿Se consentirá la participación de Israel, como si nada hubiera pasado? La decisión se tomará en diciembre en la reunión ordinaria que había prevista desde el primer momento. Será en diciembre por tanto cuando tendrá lugar el debate sobre la participación de Israel, que RTVE pidió hace meses.

Como informa Vertele, en diciembre se valorará si el alto el fuego ha sido permanente y definitivo. La UER espera que los países que consideraron retirarse -entre ellos, España- cambien de postura si el alto el fuego se estabiliza y sea innecesario votar. Si el proceso de paz no avanzase, se volvería a retomar la idea de la votación.

Por tanto, ahora hay que esperar dos meses para averiguar cuál es la posición definitiva de España en la reunión de diciembre. Se desconoce si algunos países seguirán mostrando su recelo ante la participación de Israel tras el genocidio y decenas de infracciones de las normas de la UER, como el descarado uso de instituciones y de su propia canción como arma de propaganda política; o las irregularidades en el televoto internacional.

La Oreja de Van Gogh celebran un año sin Leire reiniciando redes

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Hace solo un año se comunicó, de muy mala manera, la salida de Leire de La Oreja de Van Gogh. Hoy podemos celebrar ‘Mi nombre’ de Martínez como una de las mejores canciones de 2025.

El grupo, siguiendo su extraña línea comunicativa, ha celebrado la efemérides reiniciando sus cuentas en las redes sociales. La Oreja de Van Gogh han posteado una imagen completamente en blanco en Instagram, su avatar también ha tornado una página en blanco. Su página web, otra página en blanco. Además, en su bio de Instagram puede leerse el lema «Solo juntos tiene sentido».

Sus seguidores y sus no seguidores también, tienen claro que el anuncio del regreso al grupo de Amaia Montero, es inminente. Es un secreto a voces. Lo sabe Cayetana Guillén-Cuervo y lo sabe Javi de Hoyos de D’Corazón (RTVE). La única pregunta que queda en el aire es si su gira de reunión tendrá buena acogida tras las malas artes con que se ha sacado a Leire de la formación tras 17 años de entrega; y también si habrá nuevo material de estudio.

Sobre lo segundo, no hay tantos rumores, pero sobre lo primero nuestra apuesta es que el grupo agotará entradas igual: ¿quién va a perderse tamaño acontecimiento por un enfado? Con ‘Rosas‘ acercándose a los 1.000 millones de streams en Spotify, ¿quién va a decidir quedarse en casa en plan «me enfado y no respiro»? Otra cosa es el lustre que hayan podido quitarle a todo este anuncio después de tantos años de espera…

Aitana anuncia su gira 2026, incluyendo festivales

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En celebración de su exitoso ‘Cuarto azul‘, que continúa siendo el 4º disco más popular del país 19 semanas después de su edición, camino a un inminente doble platino, Aitana anuncia gira. Su tour de 2026 incluye una parada en el Movistar Arena de Madrid y otra en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Suponemos que tras actuar para 160.000 personas este año en estadios más grandes de ambas ciudades, se anunciarán más fechas en ambos recintos al agotarse entradas. También habrá muchas más presentaciones en distintos puntos del país, como Murcia, Albacete o Sevilla.

La gira de Aitana también incluye paradas en algunos festivales, a destacar su regreso a Mallorca Live el fin de semana del 12 y el 13 de junio. Fue uno de los primeros festivales centrados en pop y underground que apostó por su nombre, y en 2026 la recibirán de nuevo.

Aunque lo verdaderamente noticioso de este planning es su intención internacional. La artista abrirá el tour participando en Lollapalooza Argentina y Estéreo Picnic Colombia, compartiendo cartel con grandes nombres como Sabrina Carpenter, Tyler The Creator, Chapell Roan, Lorde o Skrillex. La idea es situar a Aitana como una de las cantantes de pop de habla hispana más potentes del momento. Es por eso que pronto se concretarán conciertos en Latinoamérica, Europa y Norteamérica. Se anuncia como su «gira más ambiciosa hasta la fecha».

Las entradas se pondrán a la venta el 23 de octubre a las 12.00 de la mañana en aitanamusic.es, aunque habrá una preventa el día 20 de octubre a las 10.00 horas para poseedores de la Tarjeta Aitana. También habrá otra preventa del 20 de octubre a las 12.00 al 22 de octubre para Clientes de Santander.

Os dejamos con las fechas facilitadas por Universal:

14/03 – BUENOS AIRES – LOLLAPALOOZA ARGENTINA
22/03 – BOGOTÁ – ESTEREO PICNIC
09/05 – ROQUETAS DE MAR (ALMERIA) – ESTADIO MUNICIPAL ANTONIO PEROLES *
15/05 – MURCIA – MURCIA ON – PLAZA DE TOROS *
22/05 – VALENCIA – ROIG ARENA *
29/05 – ALBACETE – ESTADIO JOSE COPETE *
05/06 – SEVILLA – ICÓNICA SANTALUCÍA SEVILLA FEST *
12-13/06 – PALMA DE MALLORCA – MALLORCA LIVE FEST
19/06 – FUENGIROLA (MÁLAGA) – MARENOSTRUM FUENGIROLA *
26/06 – AVILÉS – EXTERIOR DEL PABELLÓN DE LA MAGDALENA *
04/07- LAS PALMAS – GRANCA FEST – ESTADIO GRAN CANARIA
10/07 – ZARAGOZA – PABELLÓN PRÍNCIPE FELIPE *
12/07 – CÁDIZ – MUSIC STADIUM – ESTADIO NUEVO MIRANDILLA *
18/07 – ÚBEDA (JAEN) – RECINTO FERIAL*
22/07 – A CORUÑA – COLISEUM *
04/09 – BARCELONA – PALAU SANT JORDI *
11/09 – MADRID – MOVISTAR ARENA *
18/09 – BILBAO – BIZKAIA ARENA BEC! *
21/10 – BUENOS AIRES
28/10 – MONTERREY
30/10 – GUADALAJARA (MÉXICO)
31/10 – QUERÉTARO
04/11 – PUEBLA
06/11 – CDMX

OT Gala 4: Pensando en vivir el momento

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Esta semana, Noemí Galera ha dado a los concursantes de Operación Triunfo 2025 la charla que todos necesitaban escuchar: no están siendo naturales y están demasiado pendientes de las cámaras. Lo que no saben es que, precisamente por eso, al público le está costando conectar con cada uno de ellos. Durante la gala 4, Cristina ha afirmado que no le gusta “no ser consciente de lo que estoy viviendo”, como si vivir fuera pensar constantemente en que se está viviendo, o respirar fuera pensar en que se está respirando.

Quizá las redes sociales nos estén convirtiendo a todos en personas cada vez más miedosas y asustadizas frente a la reacción de los demás. O quizá este sea un problema que afecta colectivamente a los concursantes de esta edición, porque a Martin no le pasó en la suya, o al menos no lo pareció, y tenía 18 años.

La labor de los concursantes, como mínimo, es hacer ver que nada de esto les afecta, porque eso es lo que les convierte en intérpretes. En la gala 4 hay quienes han conseguido disimularlo mejor que otros.

Laura se ha salvado gracias a su buena -aunque algo gritona- interpretación de ‘I Surrender’ de Céline Dion. Carlos eligió ‘Que te quería’ de La Quinta Estación y ha sido expulsado. Ninguno lo merecía, y la despedida ha sido la más dramática de la edición hasta ahora; Laura lloraba tanto que parecía una folclórica en un funeral. Durante la (interminable) despedida de Carlos han corrido también ríos de lágrimas. Está claro que en esta casa, todo se magnifica.

La gala 4 ha sido otra en la que he estado de acuerdo con algunas valoraciones del jurado, y con otras no. Téyou ha sido elegida favorita, aunque en ‘Kiss Me More‘ creo que su compañera Claudia Arenas ha lucido más. Sí, es favoritismo: ¡Claudia ganadora! Este desequilibrio ha vuelto a afectar a casi todas las actuaciones: Olivia ha brillado en ‘Akureyri‘, mientras que su compañero Crespo ha destacado menos en los tonos graves -donde casi no se le oía- y supuestamente ha estado nervioso, según Abraham Mateo, y ha sido propuesto para nominación, aunque finalmente ha sido salvado por sus compañeros.

El ‘Vete’ de Lucía y María, para mi gusto, ha resultado demasiado formal, correcto y poco desgarrado, muy poco Amaya, en definitiva, pero vocalmente ambas han estado correctas. En expresividad corporal ha estado mejor María que Lucía, y vocalmente mejor Lucía que María. Ambas han sido propuestas para nominación, pero el profesorado ha decidido salvar a María. Perdón, María Cruz.

La siguiente nominada ha sido Judit, quien finalmente competirá con Lucía por quedarse en la Academia. Su actuación no ha sido la mejor de la noche, pero la de su compañero Tinho tampoco. Su canción, ‘Die with a Smile‘, es extremadamente exigente, y cantada en un tono inferior no luce igual de bien. Sin embargo, considero que a Tinho le sobra potencia vocal y le falta aprender gusto al cantar y sensibilidad. Ella ha estado mejor que él. O será que no estoy viendo el mismo programa.

La mejor actuación de la noche ha sido la de Guille y Guillo, que han montado una juerga al ritmo de ‘NUEVAYOL‘ de Bad Bunny. Incluso han perreado a Chenoa, pero ella dice que no solo se deja perrear, sino que “también es una perra” (Leire también es una perra, a tenor de sus palabras posteriores). Guille Toledano, quien tiene un tatuaje de ‘YHLQMDLG‘ en una zona cercana a la ingle que no ha dudado en enseñar, ha estado suelto y cómodo; Guillo, para mi gusto, un poco sobreactuado, pero ambos han aprobado.

Max y Cristina, quienes llegaron a actuar juntos en teatro musical hace años, han coincidido en OT para cantar ‘Does Your Mother Know’ de ABBA, en una animada actuación muy teatral y musical que ha recordado a ‘West Side Story’, el musical favorito de Max (suerte que uno de los dos lo ha mencionado). Ambos han sido salvados, aunque a Max se le ha visto más en su papel y a Cristina, menos. Quizá estaba pensando en vivir el momento.


¿El fin definitivo de MTV Europe, premios incluidos?

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Los VMA’s de MTV nos dejaron hace poco una buena ristra de momentos icónicos. En la ceremonia del canal actuaron Sabrina Carpenter, Lady Gaga, Mariah Carey, Tate McRae, Doja Cat… un montón de artistas de primera fila. Pero todo apunta a que, por el contrario, los premios MTV Europe han llegado a su fin definitivo.

Los MTV Europe suelen celebrarse en los primeros días de noviembre. Así ha sido todos los años entre 1994 y el año 2024, a excepción de la ceremonia de 2023, cuando se cancelaron los premios por la guerra en Gaza.

Sin embargo, ya en febrero de 2025 y tras la edición normal del año pasado, se comunicó que la ceremonia MTV Europe estaba entre las cosas que iban a paralizarse, debido a la fusión de Paramount con Skydance, lo que se iba a traducir en recortes y despidos. Así lo informaba hace unos meses The Hollywood Reporter y desde entonces nada más se supo. Nadie informa sobre si los premios volverán en 2026 o se han marchado para siempre.

Aunque en los últimos años se mimetizaron con los premios estadounidenses, los premios MTV Europe dieron grandes momentos a una audiencia más alternativa en sus inicios. Los primeros destinatarios del premio a Mejor Canción fueron Youssou N’Dour y Neneh Cherry por ‘7 Seconds’ (¡Bravo!), Cranberries por ‘Zombie’ y Oasis por ‘Wonderwall’.

Este fin de semana, BBC ha publicado que van a cerrar 5 de los canales vinculados a MTV Europe a través de la filial británica. Según la BBC, las cadenas que van a cerrar sus servicios en Reino Unido son MTV Music, MTV 80s, MTV 90s, Club MTV y MTV Live HD. Dejarían de operar el 31 de diciembre, aunque la cadena no está confirmando ni desmintiendo nada. La prensa estadounidense empieza a preguntarse si la MTV americana no será la próxima en caer, apuntando al final de una era.

En España, los canales musicales de MTV siguen de momento disponibles en los operadores Movistar Plus+ y Orange TV. Este verano abandonaron la plataforma de Vodafone. 

The Beths / Straight Line Was A Lie

El título del cuarto disco de The Beths hace referencia a lo complicado que es salir de una depresión. A veces parece que no hay líneas rectas en la recuperación, sino que todo es un enorme círculo del que resulta imposible salir. La banda neozelandesa, que venía de hacer uno de los álbumes de ruptura más bonitos de los últimos años (‘Expert In A Dying Field’), vuelve a ofrecer en ‘Straight Line Was A Lie’ un estupendo escaparate para exponer las pequeñas desgracias de la vida de una forma tan sorprendentemente dulce que uno querría a quedarse a vivir en sus canciones para siempre.

Ese contraste siempre ha sido el punto fuerte del grupo gracias a su sensibilidad privilegiada para componer temas tristes y profundos que son auténticos caramelos indie-pop. Aquí se ponen más existenciales que nunca sin olvidarse de encandilar al oyente con sus características melodías pegadizas. “Soy una colaboración / bacteria, carbón y luz / una elaborada orquestación / una receta de fortuna y tiempo” dice Elisabeth Stokes en el delicioso jangle pop de ‘Metal’, una producción luminosa y pulcra que se encuentra desde ya entre lo más inspirado del catálogo de la banda. También la canción que abre el álbum, ‘Straight Line Was A Lie’, es un excelente número de indie pop guitarrero y enérgico, un compendio de lo que mejor saben hacer.

En ‘No Joy’, se inclinan a un territorio más rockero con un gran riff de guitarra en su estribillo y una fuerte presencia de la batería a lo largo de sus tres minutos, donde la artista confiesa tomar antidepresivos diariamente. “No me siento triste / no siento nada”, reconoce. Las ganas de volver a sentirse realmente viva pese a la medicación sobrevuelan por todo el proyecto y se tornan especialmente conmovedoras en ‘Til My Heart Stops’, cuyo estribillo revela: “quiero montar en bicicleta en la lluvia / quiero volar mi cometa en un huracán”. Son imágenes sencillas pero potentes y representativas de la anhelada sensación de volver a conectar con el mundo. Cada vez que este gancho se repite, lo hace con mayor intensidad, logrando un clímax final que invita a la euforia.

‘Straight Line Was A Lie’ no es un trabajo que busque abrir nuevos frentes sonoros, sino más bien uno que funciona como una exhibición del sonido que la banda lleva perfeccionando desde su prometedor debut ‘Future Me Hates Me’. Aun así, hay cierta voluntad de riesgo en la inclusión de una balada que deja a un lado las guitarras jangle en favor de un folk de carácter intimista. Situada justo en mitad de la secuencia, ‘Mother Pray For Me’ trata sobre la a veces complicada relación de la cantante con su madre. Es un momento de intensidad emocional, pero pese a su vulnerabilidad sin adornos termina resultando algo plano y, sobre todo, demasiado largo para ser tan unidimensional, afectando a la fluidez de la secuencia.

Tras ese ligero traspiés, la cara B del disco vuelve a remontar con temas que encapsulan muchos de los puntos fuertes de The Beths. Su solidez para crear canciones indie rock repletas de estribillos pegajosos destaca en esta segunda mitad. ‘Roundabout’ es una adorable canción de amor con guitarras centelleantes; ‘Ark of the Covenant’ opta por un sonido más melancólico pero igual de acogedor, recordando a The Cure; y ‘Best Laid Plans’ es un gran cierre protagonizado por una enroscada línea de bajo que lo lleva a un terreno casi onírico.

En ‘Straight Line Was A Lie’ se retratan momentos vitales complicados, aquellos en los que no se tiene fuerza ni para salir de la cama y donde uno se cuestiona el porqué de todo esto. Sin embargo, el esfuerzo por salir de ese círculo autodestructivo y recuperar la vitalidad empapa todas las canciones, que pese a sus letras siempre dejan un resquicio para el optimismo. Lo agridulce de la vida se convierte en una suerte de celebración en manos de The Beths, quienes, en el fondo, se niegan a creer que la línea recta, el camino para estar bien, sea realmente un círculo.

The Beths actuarán en España el día 15 de octubre en Barcelona en la Sala Razzmatazz y el día 16 en Madrid en la Sala Nazca.

Róisín Murphy ataca a Boy George: «Eres horrible y mezquino»

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Por si no habías tenido suficiente con el beef entre Nicki Minaj y Cardi B, ahora dos iconos del pop anglosajón han decidido dedicarse lindezas en X. Róisín Murphy y Boy George se han enzarzado en esta red social después de que el exvocalista de Culture Club calificara de «gente fea con alma fea» a las personas que critican su apoyo a las personas trans, aún motivo de debate por alguna razón. Róisín se ha dado por aludida y ha respondido, dos años después de su polémica en torno a los bloqueadores hormonales, que arruinó la promoción de su último disco, ‘Hit Parade‘ (2023).

«Podría enumerar cientos de celebridades y artistas que ni os mearían encima si estuvierais en llamas», ha escrito el cantante, desafiando a sus críticos. Y ha continuado: «Algunos de mis haters son académicos, lo cual demuestra que ser capaz de retener información no tiene nada que ver con tener inteligencia emocional. Si pensáis que yo soy estúpido, ¿cuán tontos debéis ser? ¿Y por qué ninguno de estos imbéciles tiene una foto de sí mismo en sus perfiles?»

Murphy cree que George es el primero que tiene que callar y ha contestado recordando la vez en que George la humilló en público: «Eres simplemente horrible, George. Toda esa maldad y esa mezquindad repugnante están volviendo a ti. Recuerdo la primera vez que nos conocimos en Miami, y lo primero que me dijiste fue: «Ah, no eres tan guapa como pensaba». Yo era joven y me hiciste sentir avergonzada delante de mucha gente». Murphy añade que Boy George es un artista que ha «estafado» al público durante décadas «con su poco talento y nulo encanto», y sentencia que «su momento ha acabado».

«Intentando cancelar a gente, cuando a él se le ha permitido volver a la palestra después todo lo cruel y depravado que ha sido», continúa Murphy sobre Boy George. «Una pensaría que estaría agradecido, pero no, es un hipócrita total, sobre todo en lo que se refiere a los «travelos» y los «pronombres»». Murphy se refiere a dos declaraciones antiguas -de hace años- de Boy George sobre las personas trans y le acusa de defender a este colectivo ahora solo de forma oportunista, exactamente en cuanto «ha dejado de vender entradas».

El drama continúa con la intervención de los fans de ambos. Cuando una fan de Murphy defiende a la irlandesa señalando que su alma sí es «pretty», George contesta que es «pretty disappointing», en relación con sus declaraciones sobre los bloqueadores hormonales. Y cuando otra persona las saca a relucir, Murphy responde: «Estoy cansada y harta de este tema. Si compraste el disco o entradas para los conciertos, gracias, pero tú no posees mi alma. Si estás buscando una oferta, hay muchos artistas que están dispuestos a venderla, Boy George el primero».

En otro mensaje, Murphy asegura que tiene más cosas que contar sobre Boy George, pero que se las reserva para cuando escriba su libro. En él, contará la manera en que los medios le dieron la espalda después de sus palabras sobre los bloqueadores, a pesar de que ‘Hit Parade’ estaba siendo considerado por muchos el disco del año. Fue top 2 en la lista de JENESAISPOP, a pesar de todo.

La docuserie sobre el Eras Tour se estrenará en Disney+

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Taylor Swift tenía una noticia importante que anunciar hoy en el programa Good Morning America, el matinal más visto de Estados Unidos. Finalmente, Swift ha compartido que la serie documental sobre el Eras Tour, ‘The End of an Era’, se estrenará en Disney+ el próximo 12 de diciembre, un día antes de su 36 cumpleaños.

La serie documental sobre el Eras Tour -la gira más exitosa de la historia- se compondrá de seis episodios, y los dos primeros se estrenarán al mismo tiempo, junto con el set completo del concierto dedicado a ‘The Tortured Poets Department‘, grabado en el show final en Vancouver. La pieza mostrará imágenes «detrás de las cámaras» del Eras Tour, algunas de las cuales se pueden ver en el tráiler que se ha emitido, y que comparte online la cuenta de TaylorNation.

Swift ha vuelto a arrasar con su nuevo disco, ‘The Life of a Showgirl‘, que ha registrado 3,5 millones de unidades equivalentes durante los primeros días de lanzamiento. El dato final en Estados Unidos se conocerá hoy, así como el español.

¿A qué se parecen las canciones del disco de Taylor Swift?

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Desde el día de lanzamiento de ‘The Life of a Showgirl’, las acusaciones de plagio por el supuesto parecido de algunas canciones no han parado de circular por las redes. Es por eso que Charlie Puth ha salido a defender a Taylor Swift en un vídeo en el que explica lo que es una interpolación y lo que no. Eso de «declaramos que Charlie Puth tenía que ser un artista más grande» en el anterior LP ha dado sus frutos.

La línea entre interpolación e inspiración es muy fina. Todos recordamos el sonado pleito entre la familia de Marvin Gaye y Pharrell Williams por su hit ‘Blurred Lines’ y su replicado «sentimiento» de ‘Got to Give It Up’. Por otro lado, la propia Taylor se convirtió en co-autora de ‘Deja Vu’ por la admitida inspiración de Olivia Rodrigo en ‘Cruel Summer’, aunque nadie se diese cuenta de primeras.

Charlie Puth asegura que la diferencia está en una nota. Si tus primeras cuatro notas son idénticas a las de otra canción más antigua, estás en terreno seguro. Sin embargo, si comparte cinco o más, se podría considerar como una interpolación. Es el caso de ‘Feel It Still’ (Portugal. The Man) y ‘Please Mr. Postman’ (The Marvelettes). Incluso aun así, esto no significa que sea automáticamente válido para llevarse a los tribunales.

Al fin y al cabo, cuenta Puth, solo existen 12 notas, por lo que «a veces los artistas se interpolan accidentalmente entre ellos y casi nunca está hecho con maldad». También pide que se deje de «demonizar» este tipo de parecidos, sin mencionar directamente a Taylor Swift, pero claramente hablando de ella.

¿Está Taylor Swift copiando descaradamente y saliéndose con la suya? ¿Las comparaciones son producto del hate que siempre ha recibido a lo largo de su carrera? ¿Tiene algo que ver con hacer el disco en medio de la gira más grande de su carrera? ¿Un poco de todo? A continuación, hablamos de los parecidos más comentados en las canciones del último disco de Taylor Swift.

‘Father Figure’ y George Michael
La referencia a ‘Father Figure’ de George Michael (1987) en la canción del mismo nombre de Taylor es la única interpolación oficial de ‘The Life of a Showgirl’, pese a ser la que menos se parece musicalmente de todas. Lo único que recicla Swift es la letra del estribillo: «I’ll be your father figure». Y la rima, si nos ponemos quisquillosos. ¿George Michael posee los derechos de la frase «father figure»? Es posible que todo fuese un ejercicio de marketing para crear anticipación por la canción, lo cual consiguió.

«Cuando escuchamos la canción no dudamos en aceptar esta asociación entre dos grandes artistas y sabemos que George habría pensado lo mismo. George Michael Entertainment desea a Taylor todo el éxito con ‘The Life of a Showgirl’ y ‘Father Figure'», publicó el equipo de Michael en redes tras el lanzamiento del tema.

‘Actually Romantic’ y los Pixies
Todos hemos pensado en ‘Where Is My Mind?’ al escuchar la que también es una de las canciones más comentadas de ‘The Life of a Showgirl’, por su claro beef con Charli xcx. Pitchfork hasta la describía como «la versión de Kidz Bop» del icónico tema de los Pixies. La clave está en su progresión de acordes. Así lo asegura Joe Bennett, musicólogo y profesor del Berklee College of Music, para la revista Rolling Stone.

«No hay similitudes en la melodía, la letra o cualquier otra parte de la composición. Inevitablemente, canciones que usan la misma progresión de acordes sonarán subjetivamente similar». Lo mismo ocurría en el estribillo de una de las últimas canciones de Sen Senra, ‘Eternamente Joven’. Aquí tiene mucho que ver la magnitud del tema de los Pixies, conocido por todos tras su aparición en ‘El club de la lucha’ (1999).

‘Wood’ y The Jackson 5
El parecido de ‘Wood’ con ‘I Want You Back’ fue uno de los más comentados durante los primeros días del LP en plataformas y, si reproduces ambos temas de forma consecutiva, sí que parece bastante claro. Sobre todo, en los golpes de percusión de la intro y en la melodía de los acordes.

A la vez, es cierto que existen muchísimas canciones, sobre todo en la era puntera del disco funk, que utilizan este tipo de riffs y elementos de producción. En la misma canción, Swift hace una referencia al título de ‘Superstition’ que de alguna manera se siente intencionada. ¿Estaba pensando Taylor en ‘I Want You Back’ o en toda una era?

‘The Life of a Showgirl’ y los Jonas Brothers
El parecido en la melodía vocal es innegable. El estribillo, al entrar las palmas, también recuerda directamente a la producción de la canción de Swift. A la vez, podría ser la comparación más random de todas. ¿Taylor Swift copiando a los Jonas Brothers? No sé yo.

Joe Bennett, de hecho, lo descarta completamente argumentando que «la mayoría de las notas son diferentes y utilizan progresiones de acordes completamente distintas»: «Las describiría como objetivamente desemejantes», asegura el musicólogo. Sí da la razón en que tanto el tempo como la tonalidad de las canciones son muy similares.

‘Opalite’ y Luis Miguel
En una nueva entrega de popstars haciendo la misma melodía que cantantes latinos, después del gran parecido entre ‘Don Diablo’ de Miguel Bosé y ‘Levitating’ de Dua Lipa, llega una de las similitudes más claras del disco de Taylor Swift. La semejanza entre ‘Opalite’ y ‘1+1=2 Enamorados’ no es tan evidente de primeras, pero toda duda se disipa cuando se comparan los estribillos de ambas canciones.

Está claro que Taylor, seguramente no conscientemente, ha coincidido en casi las mismas notas que el joven cantante, que grabó ‘1+1=2 Enamorados’ cuando solo tenía 12 años para su álbum debut del mismo nombre, allá por 1982.

El día más feliz de la vida de Belén Aguilera

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Ainhoa Laucirica

Cuándo se ha transformado Belén Aguilera en una cantante capaz de convocar a 10.000 personas en un Movistar Arena no lo sé. Lo seguro es que no fue necesariamente cuando viralizó ‘Antagonista’, porque no fue la canción más ovacionada en el recital de más de 30 composiciones que la artista realizó este domingo en Madrid.

Hasta en 2 ocasiones Belén Aguilera se refirió a lo que estaba viviendo anoche como «el día más feliz de su vida» o «el más importante de su vida». Sabía que iba a llorar y lloró, para lo que por algo iba preparada con rímel «waterproof». Ha sido poco a poco, gracias al boca oreja, que Aguilera ha construido una base de fans que se identifican con su original discurso. Anoche no habló de parejas, ni de ex. Cuando presentó ‘Mía’, por ejemplo, dijo que estaba dedicada «a esa parte de nosotros mismos que no aceptamos». Otro tipo de estrella es posible al margen de la farándula, de los números y de los oyentes mensuales y el público ha estado ahí para darse cuenta.

Hay muchas cosas que Belén Aguilera ha tenido que dejar atrás para convencer con su show en un gran arena. Primero están sus miedos interiores, sus fantasmas y sus inseguridades, que quizá la llevaron a pasar medio concierto recostada o arrodillada, como purgando penas pasadas (hubo alguna queja de visibilidad en pista, por eso). Y segundo y más llamativo es cómo han desaparecido los retazos más latinos, reggaetoneros o incluso pop-rock de su discografía, para defender lo nuevo.

La estética de ‘Anela‘ lo inunda todo en este nuevo show. El blanco es el color predominante, dando a Belén y a sus bailarinas ese toque de hadas o ánimas, en pos del sentido espiritual de este último disco. Si este no suena al completo queda cerca, sus grabaciones y su estética fantasmagórica inspiran un escenario de grandes cortinas -blancas también- que recuerdan a algún tipo de cuento romántico. O quizá terrorífico.

‘Ático’ es la primera canción que suena a las 21.00 en punto de la noche, y ‘Laberinto’ será la que cerrará en torno a las 22.45, evidenciando que no había tanto una intención de hacer un «greatest hits» como de presentar a la Belén Aguilera de 2025. ‘Eclipse’, ‘Dama en apuros’, ‘Salvamento’ y ‘Soledad’ son algunas de las canciones más entregadas, lo que no quita que faltaran ni los grandes éxitos, ni los invitados.

O mejor dicho, las invitadas, porque fueron todo mujeres. Samuraï apareció en ‘De charco en charco’; Julieta, en ‘Thelma & Louise’; Metrika, en el remix de ‘Dama en apuros’; aunque quizá quien más peso tuvo en lo artístico fue Ruptura. Fue en ese momento cuando sonó un «mash up» tipo DJ que, con canciones como ‘Licántropo’, ‘Camaleón’ o ‘Ilusión óptica’, levantó al pabellón, a modo de rave. Fue «purificador» a su manera, en sintonía con la estética escogida.

Ainhoa Laucirica

Aguilera no solo eligió bien el vestuario o la compañía, sino también las versiones y las adaptaciones. ‘Nadie me ha preguntado’ sonó sobre la base de ‘Wicked Game’ de Chris Isaak; ‘Lolita’ se integró con el clásico medio homónimo de Alizéé; no faltó ‘Luna x Vértigo’ que es una adaptación de ‘Hijo de la luna’ de Mecano; y el momento más emotivo llegó con ‘Como una ola’ de Rocío Jurado. Aguilera se lo dedicó a sus abuelos, presentes, y a un amigo que ya no está, llamado Ricky.

La comunión había sido máxima cuando Belén Aguilera empezó a cantar ‘Copiloto’ recostada en el suelo y un primerísimo plano en pantalla la mostró totalmente emocionada de ver cómo cantaba la gente. ‘GALGO’ no decepcionó en el tramo final de un concierto mágico. La artista únicamente tiene que mejorar la acústica de su voz, que ya ha explicado por qué está en segundo plano incluso en el estudio, pero que en directo debería sonar más nítida para llegar hasta el último tramo del graderío. Su mensaje es vital, ¿por qué no siempre es entendible, incluso entre canción y canción? Aguilera va sobrada de voz, y no faltaron los recursos operísticos. Es solo que, como se vio en ‘La Revuelta’, a veces no encuentra muy bien cómo y cuándo disponerlos para que brillen en todo su esplendor. 7,5.

¿Por qué están saliendo Katy Perry y Justin Trudeau?

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Pensábamos que lo habíamos visto todo cuando Elon Musk y Grimes anunciaron su relación, pero el pop sigue regalando romances inesperados. Katy Perry y Justin Trudeau, el ex primer ministro de Canadá, fueron vistos juntos comiendo en Montreal en julio, y después Trudeau acudió al Lifetimes Tour en Canadá. Ahora, el portal estadounidense TMZ ha obtenido unas fotos de ambos abrazados en un yate en aguas californianas, por lo que parece que su relación continúa y que incluso se afianza. En nuestros foros Katy ya suscita envidias malsanas: «Hija de puta… quemando sus discos estoy», dice un usuario.

Perry, recién separada de Orlando Bloom, y Trudeau, quien se divorció de Sophie Grégoire en 2023, forman una pareja inesperada. La combinación de políticos y estrellas del pop no es nueva, como saben Marilyn Monroe o Carla Bruni, pero nadie hubiera imaginado que estos dos se tuvieran en el radar mutuamente.

Quizá los une su experiencia agridulce en la vida pública. Ambos saben lo que significa ser adorados por el público y luego repudiados. Perry pasó de ser una de las mayores estrellas del pop a ser objeto de burlas por su visión del feminismo y por el fallido marketing de su viaje al espacio, cuando dijo cosas como que iba a poner el “ass” en “astronaut”. Trudeau, por su parte, fue un político muy popular, pero las antiguas fotos en las que aparecía con “blackface” dañaron su reputación.

Perry a menudo es criticada por vivir desconectada de la realidad, pero su interés en la política contradice -relativamente- esa idea. Fue una de las figuras públicas que más visiblemente apoyaron a Hilary Clinton y Kamala Harris. Y, aunque recibió críticas por votar por Rick Caruso, un exrepublicano, en unas elecciones pasadas, sus ideales probablemente están más alineados con el progresismo que representa Trudeau, especialmente en lo que respecta a sus ideas sobre el medioambiente y los derechos LGBTQ+, que son relevantes para gran parte de sus seguidores.

Trudeau, por su lado, ha acumulado diversos escándalos duramente su década de presidencia. Así que él y Perry tienen mucho de lo que hablar, por ejemplo, de lo cómodos que vivimos en una «bubble, bubble», tanto que no podemos ver el «trouble, trouble». O quizá tienen mucho que dejar atrás, mientras empiezan de cero juntos.

Jisoo y Zayn dan pop insulso en ‘Eyes Closed’

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Jisoo es la integrante de BLACKPINK cuyo trabajo en solitario ha generado menos impacto comercial. De hecho, es la única que no ha publicado disco largo todavía, aunque sí un EP de 5 pistas, ‘AMORTAGE‘. En aquel trabajo, Jisoo se entregaba al pop de los 80 y al dance-pop de los 2010, sugiriendo que su propuesta sería la más popera y la menos urbana de todas.

Parece que aquella idea era un espejismo, porque ‘Eyed Closed’, el single que une a Jisoo y ZAYN, parece un tema de él. En concreto, de su debut ‘Mind of Mine‘ (2016), aunque mucho menos interesante en producción.

‘Eyed Closed’ es un aburridísimo medio tiempo que usa un ritmo marcado, pesado y repetitivo, rasgueos de guitarra acústica y toneladas de reverb, para disimular una composición melódica mediana y que no destaca. Ni Jisoo ni ZAYN parecen tener demasiadas ganas de interpretarla, especialmente ella. Claro, no parece su canción. Zayn le pone más esmero, pero aún así no parece haber demasiada química entre ambos.

‘Eyes Closed’ parece la típica colaboración arreglada desde una discográfica, evidentemente con la intención de relanzar la carrera en solitario de Jisoo, y de momento está funcionando relativamente: el tema sigue en el puesto 31 de los temas más escuchados en el Global de Spotify, pero en tendencia descendiente.

Por supuesto, la presencia de Zayn en ‘Eyes Closed’ es suficientemente atractiva, ya que Malik no se prodiga demasiado en la música. ‘Eyes Closed’ es su primer single desde el lanzamiento de su disco ‘Room Under the Stairs‘ en mayo de 2024.

.bd. son el futuro del post-rock en español, sin olvidarse del pop

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Ayub El Kadmiri y Marta Loter

Lo fácil sería decir que .bd. son los Black Country, New Road españoles, pero con un solo EP en plataformas las posibilidades son demasiado amplias. Sí que son un sexteto, y claramente la banda británica está entre sus principales influencias, pero .bd. también llevan en su música la herencia de todo el indie rock nacional que ha venido antes.

La historia del grupo madrileño, que desde el sello Humo Internacional cuentan que «surgió de las praderas que separan el sur de la Comunidad de Madrid de la estepa manchega», comenzó en 2022, cuando todavía eran menores de edad, con la publicación del EP ‘salas/pasos/perdidos’. Este ya no está disponible en plataformas (sí en Bandcamp), pero es ahí donde está el germen de la mejor canción de su nuevo proyecto, ‘Hemos Roto los Espejos’. Es la Canción del Día.

‘Hemos Roto Los Espejos’ fue compuesta y grabada originalmente hace cuatro años y ha ido mutando con el tiempo hacia lo que podemos escuchar hoy en el EP ‘Economato Textil’. A la vez, define el alma de un grupo que sí, tiene una clara inclinación hacia el post-rock de artistas como Geordie Greep o Geese, pero también una gran facilidad para convertir eso en pop melancólico. Resquicios del compás original de 4×4, que ahora ha pasado a un 6×8.

Producida por Lucas Sierra (La Paloma) y Fran Bassi (Baywaves), al igual que el resto del EP, ‘Hemos Roto los Espejos’ es una preciosa pieza de art-rock que en otro universo podría haber sido escrita por grupos como shego o Cariño, pero que de la mano de .bd. adquiere un tono mucho más nostálgico. «Qué tengo que hacer cuando no estás / Para sentir que estás aquí», canta la vocalista Marta Fernández. Tampoco falta un guiño a sus inicios en el shoegaze hacia el final de la canción.

.bd. estarán tocando próximamente en la sala 16 Toneladas de Valencia (11 de octubre), la Sala Maravillas de Madrid (8 de noviembre) y en el Primavera Sound de Barcelona.

ionnalee en Razz: devoción a la diosa gélida

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Marina Tomás

Las giras de aniversario dedicadas a un disco están a la orden del día y se han convertido en una forma muy lucrativa para los artistas de seguir rentabilizando una obra antigua, especialmente cuando sus lanzamientos recientes no generan tanto interés o ingresos. Solo en el último año hemos visto giras conmemorativas de ‘Super 8‘ de Los Planetas o ‘Moon Safari’ de Air, y artistas tan jóvenes como Halsey ya anuncian celebraciones similares de sus discos debut.

Por un lado, puede resultar frustrante para los fans ver que su artista favorito no logra mantener el interés del público con nuevos proyectos. Por otro, no todos los músicos pueden presumir de haber creado una obra que ha conectado tantísimo que sus fans reclaman volver a escucharlo en directo, aunque hayan pasado 25 años, como sucede con ‘Jagged Little Pill’ de Alanis Morissette.

En el caso de ionnalee -la artista sueca anteriormente conocida como iamamiwhoami-, su público es minoritario pero muy fiel. Durante su concierto de este viernes en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, Jonna Lee se muestra emocionada, hasta a punto de romper a llorar, al agradecer a sus seguidores por haberle permitido sostener una carrera independiente durante 15 años nada fáciles. Ella asegura que sin sus fans no habría podido hacerlo, pero obviamente sin su música, nada de esto estaría sucediendo.

El disco que une a ionnalee con su público en esta gira es ‘BLUE‘ (2014), un trabajo conceptual de temática acuática que acaba de ser reeditado con un tema nuevo escrito ad hoc, ‘Still Blue’, y un bonus track antiguo. ‘BLUE’ es su mejor disco porque es el más conceptual y a la vez el más accesible. El valor de BLUE IN CONCERT reside en que este disco nunca había sido presentado oficialmente en una gira, por lo que escucharlo por primera vez en vivo es un privilegio.

BLUE IN CONCERT ofrece exactamente lo que su nombre promete. ionnalee interpreta el repertorio completo de ‘STILL BLUE’, la reedición, en el orden original, pero abriendo con ‘Dive’, el bonus track, y cerrando con ‘Still Blue’, la nueva canción. La decisión es lógica: ‘Dive’ es una intro misteriosa, pero es que ‘Still Blue’ es un cierre apoteósico. Estamos ante una de las mejores canciones de la carrera de ionnalee, y es toda una rareza: un tema nuevo literalmente basado en el sonido de un disco antiguo, que logra ser mejor incluso que muchas de las pistas originales.

Acompañada por dos músicos, Claes Björklund (su productor y colaborador habitual) y John Strandh, ionnalee recrea ‘BLUE’ en directo mientras se proyectan los visuales originales de cada canción (‘BLUE’ era también un álbum visual). Jonna entra en escena cubierta con una capa de flecos iridiscentes y, al retirarla, revela un mono metálico similar al del vídeo de ‘Hunting for Pearls’. El inicio épico con ‘Fountain‘ se transforma rápidamente en baño de masas cuando los beats se aceleran en ‘Tap Your Glass’ y, sobre todo, en ‘Chasing Kites’, el punto álgido de la noche.

Aunque el sonido de sintes y ritmos es nítido y envolvente, exactamente lo que merecen estas canciones, algunas suenan diferentes al álbum, o al menos dan esa impresión. ‘Hunting for Pearls’ no termina de despegar, y ‘Blue Blue’ suena, parafraseando a un amigo, “rara”. En ‘Ripples’, sin embargo, ya se suelta, y aunque algunas coreografías parecen algo improvisadas o contenidas, el público responde con entusiasmo. Hablando de la audiencia, esto es básicamente una convención de chicos gays fans de las divas gélidas (me cuento entre ellos). Ya sabéis, gays que no son como los otros gays, pero de los que somos muchos. It’s brat but different, but still brat.

ionnalee es absolutamente una diva gélida, una diosa nórdica, y ‘BLUE’ merecía por eso una puesta en escena más cuidada, o algún tipo de escenografía que no fuera… inexistente. Nada que ver con giras anteriores como la de ‘kin’ (2012). Es quizá la única gran decepción de un concierto sostenido gracias a la conexión entre artista y público, una relación profunda y cultivada durante 15 años.

Antes de terminar, ionnalee vuelve a agradecer a sus seguidores varias veces, hasta que, de forma un tanto desconcertante, empieza a sonar ‘Paint the Town Red‘ de Doja Cat. Un golpe de realidad tras una noche sumergidos en el mundo de fantasía de ionnalee.

Teo Planell / Demian

Hay un momento en la vida de todo zagal en que se topa con la literatura de Herman Hesse. El madrileño Teo Planell ha basado en el bildungsroman ‘Demian‘ (1919) el material de su disco de debut, que narra su madurez, concretamente su paso «de la seguridad del hogar, a un mundo mucho más salvaje, amenazador, pero paradójicamente mucho más armónico y profundo». I’m not a boy, not yet a man.

Planell explica que el viaje de ‘Demian’ es un «espectro» que parte de un lugar oscuro para llegar a uno nuevo. Precisamente, las voces alienígenas de ‘I Hear a New World‘ (1960) de Joe Meek & The Blue Men parecen referenciadas en pistas como la inicial ‘St.’, donde se nota su asociación al mundo de Rusia-IDK. Pero las composiciones de Planell tienen un poso más clásico y setentero: la colaboración de TRISTÁN, la preciosa ‘El mundo delante de ti’, recuerda a Tobias Jesso Jr. y, después, a los Beatles.

Aunque el afán experimental de Rusia-IDK está presente en ‘Demian’, sobre todo en el carácter líquido de las composiciones, bajo producción de Roy Borland. Esto diferencia a Planell de rusowsky, más latino, o Ralphie Choo, más rapero. ‘Al final’ empieza flotante, pero deriva hacia la guitarra acústica setentera; piano y guitarras tienen tanto protagonismo en ‘Demian’ como las nubes de sintetizador y los efectos electrónicos.

Donde Planell quizá no termina de lograr una obra del todo sólida es precisamente en la estructura narrativa de ‘Demian’. Las tres primeras pistas, ‘St.’, ‘Una visita’ y ‘Demian’, en realidad parecen una única suite dividida en tres partes. Ocurren infinidad de cosas en estas tres piezas: de repente entran coros angelicales y cuerdas, o la música se corta abruptamente, o una voz alien se pone a rapear, o Planell canta acompañado del piano. Aunque las ideas son interesantes, no terminan de cuajar en el mejor inicio de disco posible. Da la sensación de que el álbum tarda en empezar.

Solo al final de ‘Demian’, cuando entran los coros a lo Bon Iver y los redobles de batería, mientras Planell canta eso de «toma mi alma, quédatela», sucede el primer clímax emocional del álbum. El ánimo se vuelve a allanar en ‘Dormir en tus manos’, que es una intro de 50 segundos hacia la siguiente canción. ‘Al final’ empieza flotante, pero después se transforma en una canción clásica. ‘Una visita pt. II’ funciona como coda de la pista anterior, pero no como composición individual.

Aunque repletas de musicalidad y buen gusto, estas primeras pistas de ‘Demian’ transcurren a un ritmo irregular, haciendo que el disco tarde en despegar. Más desconcertante resulta que las canciones más potentes estén secuenciadas en la segunda mitad del elepé, con el arena rock de ‘Me vas a matar’ destacando. Después, ‘Radio’ introduce un curioso homenaje al pop de los ochenta, y las armonías a lo Beach Boys de ‘La espiral’ llevan el álbum definitivamente a su punto álgido.

Las referencias a la novela de Hesse son evidentes en títulos como ‘Una visita pt. I’ o ‘La espiral’, aunque las letras son personales y recuerdan un desamor. Precisamente el apellido del protagonista de aquella novela, Emil Sinclair, da título a la pista final. ‘Sinclair’ es una bonita nana de corte fantasmal que cierra el disco declarando: «Hoy se abre un mundo para mí». Es la despedida ideal a un álbum que demuestra mucho corazón pero, en ocasiones, poco pulso.

‘Viscus’ es otra maravilla de Oklou, ahora junto a FKA twigs

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Oklou y FKA twigs han unido fuerzas en ‘Viscus’, el primer adelanto de la reedición de ‘Choke Enough‘, el excelente álbum debut de Oklou, publicado el pasado mes de febrero. Un disco que fue presentado en directo en Barcelona, en una Sala Apolo llena hasta los bordes.

‘Viscus’ es otra pieza flotante de Oklou y uno de sus mejores singles. Oklou la co-produce junto a Danny L. Harle, aunque el estilo de sintetizador digital, vaporoso y etéreo de ‘Viscus’ lleva la marca de Marylou Mayniel. FKA twigs aparece por el final aportando una de sus sentidas melodías.

‘Viscus’ es una palabra referida a las vísceras, y la canción es una exploración del mundo interior de Oklou y FKA twigs. Oklou «se pierde dentro» de sí misma y, en su paso hacia la madurez, empieza a no reconocer el mundo que la rodea. El verso de FKA twigs es puro ‘Eusexua‘: «Me evito a mí misma desnuda en el baño, solo para tocar mi cuerpo en la oscuridad».

¿Qué contenido traerá la reedición de ‘Choke Enough’ que sale el 31 de octubre? ‘Viscus’ es el único bonus track originario de las sesiones de ‘Choke Enough’, ha confirmado Oklou a Pitchfork. El resto del material se compone de ‘What’s Good’ y ‘Dance 2’, dos descartes inmediatamente previos a la grabación ‘Galore‘ (2020), y una versión de ‘The Fish Song’ de Underscores, la cual Oklou ha tocado en directo durante su última gira.

En cuanto a FKA twigs, ella también está a punto de reeditar su último álbum: ‘EUSEXUA: Afterglow’ se pone a la venta el 14 de octubre.

Quiénes son las vocalistas de ‘K-Pop Demon Hunters’

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K-Pop Demon Hunters‘ es ese curioso fenómeno megamasivo tanto musical como cinematográfico: tanto la banda sonora como la película siguen arrasando, no solo en Estados Unidos -donde ocupa simultáneamente el número 1 en las listas de singles con ‘Golden’ y de álbumes-, sino también en España, donde la banda sonora figura en el puesto 9 y ‘Golden’ en el 10.

Al mismo tiempo, las artistas detrás de las voces de Rumi, Mira y Zoey -quienes forman la banda animada HUNTR/X- se están dando a conocer. El pasado fin de semana, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami debutaron en la televisión estadounidense interpretando ‘Golden’ brevemente durante uno de los skits protagonizados por Bad Bunny en Saturday Night Live. Después, interpretaron la canción entera por primera vez en el late night de Jimmy Fallon. Ellas son las tres principales voces de ‘K-Pop Demon Hunters’, aunque no doblan a los personajes: las voces habladas corresponden a Arden Cho (Rumi), May Hong (Mira) y Ji-young Yoo (Zoey). ¿Pero quiénes son las pedazo de voces que cantan las canciones?

EJAE
Nacida en Seúl en 1991, EJAE se formó durante diez años en SM Entertainment, la empresa de k-pop responsable de grupos como Girls’ Generation o EXO. Sin embargo, no llegó a debutar y, tras abandonar la compañía en 2011, se mudó a Nueva York. En 2019 logró su primer gran éxito como compositora gracias a ‘Psycho‘ de Red Velvet. En 2025 firmó con Prescription Records… sí, el sello fundado por Dr. Luke.

Antes de ‘K-Pop Demon Hunters’, su trabajo como compositora para grupos de k-pop ya le había dado varios éxitos con aespa (‘Drama’), TWICE (‘Pieces of Love’) o LE SSERAFIM (‘So Cynical’). Sin embargo, ‘K-Pop Demon Hunters’ supone su salto global definitivo. EJAE es la compositora principal de ‘Golden’, un éxito global masivo, antes y después de Taylor Swift.

Dato curioso: EJAE es nieta del famoso actor coreano Shin Young-kyun, conocido por su papel en ‘El reinado de tres días’ (1973).

Audrey Nuna
De estética alternativa y moderna, en la línea de artistas como Billie Eilish o Ashnikko, Audrey Nuna nació en Nueva Jersey en 1999. Estudió en el Clive Davis Institute of Recorded Music de Brooklyn y se dio a conocer con temas como ‘Damn Right’ o ‘Comic Sans’ junto a Jack Harlow. Su perfil experimental la llevó a colaborar con artistas como Teezo Touchdown o Channel Tres antes de triunfar con ‘K-Pop Demon Hunters’.

Nuna había publicado ya en 2021 su mixtape ‘A Liquid Breakfast’, que incluía los temas mencionados y otros de estilo trap y R&B alternativo al estilo de SZA, como ‘Baby Blues’. En la banda sonora de ‘K-Pop Demon Hunters’ participa como vocalista y co-autora de canciones como ‘Golden’ y ‘How It’s Done’.

Rei Ami
Como Audrey Nuna, Rei Ami ya había lanzado un disco antes del éxito de ‘K-Pop Demon Hunters’: el álbum ‘FOIL’ (2021) estaba repleto de ritmos trap, bajos duros, armonías R&B y guiños bedroom-pop, con colaboraciones de Lolo Zouaï y Aminé.

Nacida en Seúl en 1995 y criada en Maryland (Estados Unidos), Rei Ami canta y rapea. En 2020 participó en el hit tiktokero ‘Freak’, de Sub Urban, que acumula más de 240 millones de reproducciones en Spotify. En 2021 fue telonera de Tinashe (¡pionera!), y sus posteriores colaboraciones con Pussy Riot (‘Plaything’) o Dillon Francis (‘Rainy’) la han llevado, poco a poco, a lograr el gran éxito de su carrera, gracias a su participación en la banda sonora de ‘K-Pop Demon Hunters’.

Remei de Ca La Fresca: «‘El Patio’ de Triana es uno de los discos más flipantes del mundo»

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Remei de Ca la Fresca es una de las bandas emergentes destacadas de la escena catalana. Formada en Arbúcies, el Montseny, durante la pandemia, el grupo se ha dado a conocer con un estilo que mezcla punk, garage, folclore, electrónica y psicodelia. El post-punk de ‘Fusta d’artista’ o la psicodélica ‘L’insurrecció que ve’ conforman dos de sus canciones destacadas, y la originalidad de la banda queda constatada en el hecho de que su canción más popular es una curiosa adaptación al catalán de ‘Paper Planes‘ (2007) de M.I.A., convertida en una divertida sátira sobre la okupación, ‘Tot el que volem és okuparte el xalet’.

Remei de Ca la Fresca está formada por cuatro integrantes: Xantal Rodríguez (voz principal, guitarra y batería), Artur Piera (guitarra, teclados, batería y coros), Iago Rueda (guitarra, bajo y coros) y Víctor Inskipp (bajo, batería y coros).

El flamenco es otra de las muchas influencias de Remei de la Fresca, y para su paso por «Meister of the Week» de Jägermusic, el grupo ha querido poner en valor ‘El Patio‘ (1975), la obra maestra de Triana que sentó las bases del flamenco rock solo meses antes de la muerte de Franco. Xantal Rodríguez explica detalladamente por qué ‘El Patio’ es uno de los mejores discos de la historia, nacionales o internacionales.

La gira de Remei de la Fresca continúa en 2025 con las siguientes fechas, todas detalladas en la web de BankRobber:
17 de octubre – Barraques de Banyoles
23 de octubre – Dabadaba, Donosti
28 de octubre – Fires / Parc del Migdia, Girona
29 de octubre – BIME (Sala Blackroom), Bilbao
6 de noviembre – Radar Joven, Sala Sol, Madrid
8 de noviembre – Sala Padró, Cornellà de Llobregat
4 de diciembre – Loco Club / Artistas en Ruta, Valencia
5 de diciembre – La Lata de Bombillas, Zaragoza
12 de diciembre – Can Lliro, Manacor
18 de diciembre – Sala Apolo, Barcelona

¿Por qué habéis elegido hablar de ‘El Patio’ de Triana, y no de otro disco?
Porque nos parece uno de los discos más flipantes de la historia de la música, pero no de España, no, del mundo entero. De verdad que cada vez que lo escuchamos no nos lo creemos: es una barbaridad.

¿Ha influido ‘El Patio’ de alguna manera en el sonido de Remei de Ca La Fresca? Yo diría, en principio, que no…
A priori podría parecer que no porque lo primero que nos dice todo el mundo es que hacemos punk, pero estamos totalmente en desacuerdo con ello. La actitud tal vez sea punk, pero la música nada tiene que ver. Tampoco lo parece porque el registro de la voz se aleja mucho del flamenco y bebemos de muchas más influencias. Pero lo cierto es que muchas de nuestras canciones tienen armonías y ritmos del flamenco. Nos encanta la bulería y la incorporamos en canciones como ‘De Cara/ Esmolada’ o ‘Sistemes de Seguretat’ entre algunas otras. De hecho, tenemos una canción, ‘L’esquerda del temps’, que quiere homenajear directamente a Triana utilizando su misma paleta de colores.

‘El Patio’ sentó las bases del rock andaluz, pero no fue entendido en su momento. ¿Las innovaciones tardan en ser comprendidas?
‘El Patio’ no fue un éxito de inmediato, aunque no tardó demasiado, de hecho, en 1974 hacen su primera aparición en TVE y en 1975, el año en que se publica, ellos ya están tocando en festivales como el Canet Rock delante de más de 20.000 personas. Dos años más tarde ya es reconocido en todo el país.

Durante la dictadura eran muy pocos los discos de rock que llegaban a España, a principios los 60 se empiezan a formar las primeras bandas, pero el desarrollo de este género es mucho más lento que en Reino Unido o los EE. UU., así que a principios de los 70 el rock sigue siendo algo muy nuevo y no gusta a la mayoría de la gente.

A mediados de los 70, durante la transición, el rock ya empezaba a calar hondo, sobre todo en las generaciones más jóvenes, pero el rock psicodélico aún no. Así que una fusión entre el modernísimo y extranjero rock psicodélico y el “folklórico” y clásico flamenco costó de ser asimilada por el público. Igual que pasó con ‘La leyenda del tiempo’ (1979) de Camarón, que los gitanos volvían a la tienda a devolverlo diciendo que les habían engañado, ya que eso no era flamenco.

‘El Patio’ sale meses antes de la muerte de Franco. ¿Qué importancia tienen las letras en relación con la transición política y el clima social de España en esa época?
Claramente en cada canción se respira ese anhelo de libertad y también, la esperanza de que un lugar mejor está por llegar. Es muy potente cómo De la Rosa consigue transmitir eso sin ser nada explícito en sus letras, pero, otra vez, envolviéndote en un clima y en una atmósfera que desprende esa sensación de libertad soñada. Porque no son solo las letras que hablan de esperanza, sino que toda la música también lo hace. ‘El Patio’ es un disco totalmente ligado a su contexto social y político y es justamente este contexto que le da toda la fuerza y seguramente, también su singularidad.

«Si Kevin Parker escuchará ‘El Patio’, le fliparía»

¿Por qué el disco perdura 50 años después?
A nuestro parecer, el disco no perdura tanto como merece o al menos no, entre nuestros círculos cercanos. A muchas de nuestras amistades melómanas hemos tenido que enseñarles Triana nosotros y cuando los descubren alucinan también. Gente que tiene en un pedestal a Pink Floyd o Led Zeppelin, pero que no tienen ni idea de la existencia de Triana. Exactamente como nos pasó a nosotros. Y aunque sean grupos que admiramos profundamente, ‘El Patio’ es una joya difícil de superar, de los mejores discos que se han hecho jamás. Evidentemente, que el gusto es subjetivo, pero nos aprendemos unas bandas a venerar (siempre anglosajonas, claro) y luego no podemos apreciar lo que brilla al lado de casa.

La fusión de estilos (flamenco, rock progresivo, teclados, arreglos orquestales) define ‘El Patio’. Como músicos, ¿qué elementos concretos destacáis de las composiciones y los instrumentales del disco?
Las armonías y los palos flamencos tienen un color muy solemne ya en el formato más clásico, si además de la voz, la guitarra y las palmas le sumas la batería, los órganos, los sintetizadores, la guitarra y el bajo eléctrico queda una mezcla épica, casi cinematográfica.

También destaca el ambiente onírico que envuelve todo el disco y que se consigue con los destellos de pequeñas percusiones y la libertad total en las estructuras de las canciones, que consiguen sorprenderte y no dar nada por sentado.

«Descubriendo a Triana, nos hemos dado cuenta de que Extremoduro debían de ser fans también»

¿Veis una influencia de ‘El Patio’ en la música actual? ¿Creéis que el rock español ha vuelto a conocer una innovación a su altura en el siglo XXI, o está la música actual estancada en la nostalgia?
De adolescentes escuchábamos a Extremoduro. Descubriendo a Triana, nos hemos dado cuenta de que Extremo debían de ser fans suyos también. Y si tiras del hilo seguro que bandas que por su forma se alejan mucho del flamenco o el rock progresivo, también tienen a Triana como banda de cabecera. Actualmente, los Derby Motoreta tal vez sean los que siguen más su legado, que conozcamos.

En el rock español no parece haber habido mucha innovación, pero tampoco estamos muy al día. Aunque en general, sí que ha habido innovaciones que te vuelan la cabeza y en esto ha sido experta Rosalía. Todos sus discos hasta el momento nos han puesto del revés.

‘Sé de un lugar’ es una canción importante para vosotros. ¿Qué tiene esta canción de Triana que os cautiva?
Es una canción que casi puedes tocar con las manos. Es una esperanza. Cuando Remei aún no existía, al poco de conocernos con Artur, me la enseñó una noche de estas frías y lluviosas, dentro del coche, con todo el ritual de “tienes que escuchar esto, pero de verdad”. Sentí tanto, tan de golpe y todo a la vez que no se puede explicar, pero sí que puedo contar que vi ese lugar del que habla la canción y me lo creí. Creí que íbamos a construir allí “nuestra casa, que la baña el sol” y al cabo de unos meses nació esta casa que nos ha visto crecer que es “Ca la Fresca”. Sin duda alguna, ‘Sé de un lugar’ es el detonante que nos puso en movimiento.

«No grabamos ninguna versión de ‘El Patio’ porque la genialidad de la producción, los arreglos y la instrumentación es tal que no sabríamos ni por dónde empezar»

¿Qué canción de ‘El Patio’ os veis adaptando, como habéis adaptado otras como ‘Paper Planes’?
Hace unos años, cuando no teníamos suficientes canciones para llegar a hacer una hora de bolo, tocábamos ‘Abre la puerta, niña’… ¡y cómo nos gustaba cantarla y tocarla! Nuestra canción favorita total. Pero no nos atreveríamos a grabarla, porque la genialidad de la producción, los arreglos y la instrumentación de ‘El Patio’ es tal que no sabríamos ni por dónde empezar.
En nuestro último disco ‘L’ham de la pregunta’, hay una canción llamada ‘Lisèrgica espardenya’ donde aparece un guiño a la canción, cantando: “Hay una fuente niña que la llaman del amor / dónde bailan los luceros y la luna con el sol”.

‘El Patio’ ha sido reeditado este año por su 50 aniversario. ¿Debería ser más conocido entre las nuevas generaciones?
Totalmente. Como hemos dicho antes, tenemos la sensación de que Triana en general casi no se conoce entre las generaciones más jóvenes. Celebramos la reedición del disco, porque revive la llama y lo hace más accesible para nuevos oyentes, aunque nos quedamos con el original (que cabe decir que para la época, suena sorprendentemente bien).

‘El Patio’ tendría que ser más conocido en España, pero también internacionalmente. A modo de anécdota, descubrimos Triana un poco al mismo tiempo que Tame Impala y mientras escuchábamos ‘Innerspeaker’ o ‘Lonerism‘ (discos muy innovadores y oníricos, también) pensábamos que si Kevin Parker escuchara ‘El Patio’, le fliparía. Y así con tanta otra gente que se quedará sin la oportunidad, por no ser suficientemente conocido.

Muere Diane Keaton a los 79 años

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Diane Keaton, la legendaria actriz, ganadora del Óscar por ‘Annie Hall’, ha fallecido a los 79 años en California, informa la revista People.

Keaton alcanzó la fama en la década de los 70 gracias a su papel de Kay Adams en ‘El Padrino’ (1972) de Francis Ford Coppola, un clásico instantáneo que le abrió las puertas a su exitosa carrera cinematográfica. Repitió el papel en ‘El Padrino II’ (1974) y ‘El Padrino III’ (1990).

En ese mismo periodo se convirtió en musa y colaboradora habitual del Woody Allen, con quien protagonizó ‘Sueños de un seductor’ (1972), ‘El dormilón’ (1973), ‘La última noche de Boris Grushenko’ (1975) y, sobre todo, ‘Annie Hall’ (1977), que le valió el Óscar a Mejor actriz.

Conocida por su estilo andrógino y natural, Diane Keaton fue también una intérprete versátil que participó en cintas como ‘Buscando al señor Goodbar’ (1977), la cual inspiró el videoclip de ‘Bad Girl’ de Madonna; ‘Reds’ (1981), la recientemente revisitada ‘La chica del tambor‘ (1984) o ‘El padre de la novia’ (1991). Su actuación en ‘Alguien tiene que ceder’, de 2003, le valió otra nominación al Oscar.

Keaton, que nunca se casó, protagonizó junto a Goldie Hawn y Bette Midler la exitosa comedia ‘El club de las primeras esposas’ (1996), en alguna ocasión homenajeada por Ariana Grande, y se puso en el papel de directora para títulos como el documental ‘Heaven’ (1987) -sobre la vida después de la muerte- y la película ‘Colgadas’ (2000). Entre sus trabajos recientes destaca ‘The Young Pope‘ (2017) y el sleeper hit ‘Book Club’ (2018) y su menos exitosa secuela.

Diane Keaton también participó en el mundo de la música: en 2021 sorprendió apareciendo en el videoclip de ‘Ghost‘ de Justin Bieber. Por otro lado, uno de los temas más queridos de la banda chilena Dënver llevaba su nombre.

Ian Watkins, cantante de Lostprophets, asesinado en prisión

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Ian Watkins, ex-vocalista de la banda galesa Lostprophets y delincuente sexual convicto, ha muerto en prisión a los 48 años, tras haber sido atacado por otro recluso en la cárcel de Wakefield, informa NME.

La Policía de West Yorkshire ha confirmado que el cantante ha sido agredido este sábado (11 de octubre) por un compañero de prisión y ha fallecido a causa de sus heridas.

Watkins ha estado cumpliendo una pena de 29 años de prisión -con seis adicionales en libertad vigilada- tras haberse declarado culpable en 2013 de trece delitos sexuales, entre ellos el intento de violación de un bebé y la posesión de material pornográfico extremo. En 2023, Watkins ya había sufrido otro ataque violento en prisión, cuando fue retenido y apuñalado por otros internos en un incidente relacionado con drogas.

Antes de su caída en desgracia, Ian Watkins había alcanzado fama internacional con Lostprophets, una de las bandas destacadas del rock alternativo británico de principios de los 2000. El grupo había publicado cinco álbumes de estudio: ‘The Fake Sound of Progress’ (2000), ‘Start Something’ (2004), ‘Liberation Transmission’ (2006), ‘The Betrayed’ (2010) y ‘Weapons’ (2012).

A lo largo de su carrera, la banda ha vendido más de 3,5 millones de discos en todo el mundo, ha logrado dos sencillos en el top 10 de la lista británica (‘Last Train Home’ y ‘Rooftops’) y ha conseguido un número uno en el listado estadounidense Alternative Songs con ‘Last Train Home’. Además, ha sido reconocido con diversos premios y nominaciones.