Rosalía y Rauw Alejandro han roto su relación después de 3 años juntos, según ha informado People. La pareja, que estaba prometida desde marzo de este mismo año, parece que ha decidido «separarse». La revista americana ha indicado que las fuentes que han confirmado esta noticia aseguran que «los artistas se tienen mucho amor el uno por el otro, pero que han decidido acabar con su compromiso».
Justamente hace 3 días acababa el ‘Motomami’ tour y Rosalía se despedía ayer de esta gira en un post de Instagram en el que agradecía muchas cosas, pero no mencionaba a Rauw. «Mi agradecimiento a Dios, a mi familia, a mi equipo y a todos los que me apoyáis es de por vida», escribía. Saltaban las alarmas en redes sociales, pero había quienes decían que el cantante de ‘LOKERA’ estaba incluido en el apartado de «familia». Había también, quien decía que estaban jugando al despiste, no mostrándose juntos para anunciar que se habían casado ya, en secreto.
Pues parece que no era ni una cosa ni la otra: los rumores estaban bien encaminados. Siempre nos quedará ‘RR’, el EP que es una recopilación del amor entre Rosalía y Rauw Alejandro y con el que anunciaron ese compromiso. Y al que seguro podremos volver y aferrarnos cuando queramos dejar de creer en el amor.
mi teoría de la conspiración de hoy es q Rosalía y Rauw están haciendo ver q lo han dejado (no se comentan, ni mencionan) para dentro de poco lanzar videoclip de promesa en el que se verá q efectivamente se han casado
Zayn ha vuelto estos días con nuevo single. ‘Love Like This’ es el primer adelanto de su próximo trabajo discográfico, que -esperamos- funcione mejor que el último, de premonitorio título, llamado ‘Nobody is Listening‘, publicado en 2021.
‘Love Like This’ une a Zayn con el equipo de productores Monsters & Strangerz, productores de éxitos como ‘Ghost‘ de Justin Bieber o ‘Prisoner‘ de Miley Cyrus y Dua Lipa, vinculado también a artistas como Nick Jonas, Katy Perry, Maroon 5, largo etcétera. Co-produce Jon Bellion, socio de Halsey, Camila Cabello, Selena Gomez, Jonas Brothers y muchos otros.
Zayn no está mal acompañado, y tampoco ofrece en ‘Love Like This’ el típico producto pop de radiofórmula, la típica balada: ‘Love Like This’ se apoya en una interesante base rítmica inspirada en el drum n’ bass y la composición melódica construye e interrumpe el clímax a su antojo.
Tampoco es ‘Love Like This’ la típica canción de Zayn, al que solemos asociar con producciones algo más sombrías y melancólicas. Se nota que Zayn ha vuelto a creer en el amor, la melodía de ‘Love Like This’ lo demuestra resultando bastante apasionada y edificante, y la letra es pura devoción: «preferiría estar muerto antes que vivir una vida sin ti» es una de sus frases más sonoras.
‘Love Like This’ es un buen tema de pop, un digno regreso de Zayn que intenta algo más o menos diferente y no falla en el intento. Quizá le falta ser un single más rotundo, pues su paso por las listas diarias de Spotify no está siendo espectacular. Melódicamente está bien y, vocalmente, Zayn sigue en plena forma (su falsete es de los mejores del pop masculino actual), pero no parece que el éxito de ‘Pillowtalk’ vuelva a estar al alcance… ¿Será un «grower» y callará bocas?
La lista de álbumes española sigue coronada por Quevedo, seguido en segundo lugar por Karol G y en tercero por Bad Bunny. Completan el top 5 Tainy y Harry Styles y en el resto del top 10 resisten, en este orden, Taylor Swift, Rauw Alejandro, Feid, Duki (que sube del 12 al 9) y Morad.
La lista deja apenas dos rácanas entradas inéditas esta semana. Por un lado, Maikel Delacalle coloca su nuevo disco, ‘Códigos’, en el número 53. En una reciente entrevista, Delacalle nos ha hablado de este disco y del «boom» de la música canaria, entre otros temas.
Por otro lado, Rita Ora protagoniza la segunda y última entrada de la semana en lista con ‘You & I’, que irrumpe en el número 73. En Reino Unido, ‘You & I’ ha entrado en el 6, mejorando el dato de ‘Phoenix‘ en 2017 (11), pero no el de ‘Ora‘ en 2012, que llegó al número 1. En España, ‘You & I’ deja peor dato que ‘Phoenix’, que alcanzó el 69. ‘Ora’ nunca entró en lista. Con Rita también hemos tenido oportunidad de charlar hace poco acerca de este nuevo trabajo.
La mayoría de entradas en lista esta semana son re-entradas. Vuelve a lista ‘DAWN fm‘ de The Weeknd a raíz de su reciente concierto en Madrid, que ha dejado un sabor de boca agridulce. Entra en el 39, por encima de los discos de Maikel Delacalle y Rita Ora. Otro regreso a lista es el de ‘Memento Mori‘ de Depeche Mode, probablemente motivado por el anuncio de los conciertos que Depeche darán en España en 2024.
El resto de discos que re-entran en lista son ‘SOS‘ de SZA, en el 95; ‘¿A dónde vamos?’ de Morat, en el 96; ‘JOSE‘ de J Balvin, en el 98, y ‘Tirititando’ de Fernandocosta, en el 99. En vinilos, la entrada más importante es la de ‘Indigo – Book Edition’ de RM, directo al 5.
Lol Tolhurst, batería de The Cure, Budgie; batería de Siouxsie and the Banshees, y Jacknife Lee, productor conocido por su trabajo con U2, R.E.M., The Killers o The Cars, han anunciado un disco conjunto, resultado del proyecto que se anunció en 2020.
El supergrupo iba a llamarse inicialmente LXB, en alusión a Lol y Budgie, pero Jacknife Lee ha acabado ejerciendo un papel igual de importante que el de los baterías, así que el grupo ha pasado a llamarse simplemente con el nombre de sus integrantes, Lol Tolhurst x Budgie x Jacknife Lee, LBJ en adelante.
No son los únicos nombres interesantes del proyecto. ‘Los Angeles’, el disco que LBJ publican el 3 de noviembre, está plagado de estrellas. Está The Edge de US, está Bobby Gillespie de Primal Scream, está Isaac Brock de Modest Mouse, está Mark Bowen de IDLES, está Arrow de Wilde de Starcrawler. Y está James Murphy de LCD Soundsystem, que canta en el single que se ha dado a conocer, el que titula el disco.
‘Los Angeles’ propone un sonido eminentemente tribal y, con una presencia tan marcada de baterías y xilófonos, es evidente que las percusiones toman el protagonismo en la grabación. Aún así, el tema conserva un estilo crudo y esquelético que invoca el post-punk de épocas pasadas y que parece una actualización del sonido de los primeros The Cure. ¿O es echarle demasiada imaginación? Desde luego, James Murphy parece ponerle esmero en cantar como Robert Smith.
1. “This Is What It Is (To Be Free)” (with Bobby Gillespie)
2. “Los Angeles” (with James Murphy)
3. “Uh Oh” (with Arrow de Wilde and Mark Bowen)
4. “Ghosted At Home” (with Bobby Gillespie)
5. “Train With No Station” (with The Edge)
6. “Bodies” (with Lonnie Holley and Mary Lattimore)
7. “Everything And Nothing”
8. “Travel Channel” (with Pan Amsterdam)
9. “Country Of The Blind” (with Bobby Gillespie)
10. “The Past (Being Eaten)”
11. “We Got To Move” (with Isaac Brock)
12. “Noche Oscura” (with The Edge)
13. “Skins” (with James Murphy)
‘Summertime Sadness’ sigue siendo el mayor éxito comercial de Lana Del Rey. En Estados Unidos y Reino Unido fue especialmente exitoso el remix de Cedric Gervais, que llegó al número 4 de Reino Unido y al número 6 de Estados Unidos. El remix de ‘Summertime Sadness’ contó incluso con videoclip oficial y valió a Cedric un premio Grammy. Para Lana supuso el hit más importante de su carrera en la radio.
Durante años, el remix de ‘Summertime Sadness’ de Cedric, en la clave de EDM machacón de la época (2012-2013), fue la canción más reproducida de Lana en Spotify, hasta que ‘Young and Beautiful‘ superó sus escuchas en 2019. En 2023, la versión original de ‘Summertime Sadness’ supera holgadamente las reproducciones del remix: el público ha hablado.
Ahora, Cedric Gervais ha vuelto a hablar de su exitoso remix en el podcast Money Buys Happiness, aunque para atribuirse parte del éxito de Lana Del Rey. El titular de la entrevista, con bastante poco gusto, afirma que Cedric es el «hombre que hizo famosa a Lana Del Rey».
En la charla, Cedric recuerda que su colaboración con Lana surgió después de que el productor trabajara con Madonna en su disco ‘MDNA‘ (2012). Inicialmente, el remix de ‘Summertime Sadness’ se editó en el sello independiente Spinning Records, y Cedric cuenta que la multinacional Interscope se negó a publicarlo porque ya había sido un single de ‘Born to Die‘ en su versión original el año anterior. Cedric insistió, les enseñó un vídeo en el que pinchaba la canción frente a «95.000 personas» que coreaban el estribillo al unísono, el sello asintió y el remix explotó comercialmente, vendiendo «8,5 millones de singles».
Cedric está convencido de que el enorme éxito del remix de ‘Summertime Sadness’ es responsable de que la carrera de Lana Del Rey despegara, al menos, en Estados Unidos: «Lana no estaba agotando sus conciertos en Estados Unidos», explica en el podcast. Después de esa canción, estaba agotando en todos los recintos en los que tocaba en el país. En su vida Lana había tenido un hit en la radio, es es el único que ha tenido». Cedric apunta que el remix de ‘Summertime Sadness’ también es el único hit «top 40» en Estados Unidos que él ha logrado, frente a los «20 de (mi) amigo David Guetta, o los de Calvin Harris».
No obstante, Cedric asegura que Lana no es el tipo de artista que busque éxitos que suenen en radio. Después del éxito del remix de ‘Summertime Sadness’, Cedric produjo uno para ‘Young and Beautiful’, pero el francés recuerda que Lana impidió que tal remezcla fuera publicada de manera global, llegando únicamente a ser lanzada en Australia y Nueva Zelanda: «Allí el remix de ‘Young and Beautiful’ fue cuádruple platino», rememora. «Iba a ser igual de grande que «Summertime», pero Lana bloqueó todo, no quería ese éxito».
Las palabras de Cedric han puesto en pie de guerra a los fans de Lana en Twitter, que recuerdan que Cedric es conocido únicamente por ese remix, mientras que las canciones icónicas -y de streamings multimillonarios- de Lana son muchas: en su top 10 de Spotify, el remix de ‘Summertime Sadness’ ni siquiera aparece. En cualquier caso, Lana es últimamente más una artista de álbumes que de singles, aunque no ha dejado de lograr algún pequeño hit como ‘Say Yes to Heaven‘, eso sí, sin lograr hacer «crossover» como aquel remix que creíamos olvidado.
Rels B, uno de los artistas españoles más internacionales desde hace rato, capaz de tocar frente a 65.000 personas en México, capaz de colocar uno de sus singles entre los más escuchados a nivel global, tiene novedades musicales. El mallorquín acaba de publicar nuevo disco, ‘AfroLOVA ’23’, ya el octavo de su carrera.
La predicción que nos dio Rels B en 2018, según la cual seguiría en la industria musical «un par de añitos más», evidentemente no se han cumplido. Y qué fortuna, porque ‘AfroLOVA ’23’ es otro disco de Daniel Heredia que vale la pena, ahora pegado al afrobeat de moda aunque él ya practicaba este estilo hace años.
Son varios los sabores que encontramos en ‘AfroLOVA ’23’: ‘Un rodeoooo’ trae ecos de bachata (o de rumbachata, que diría C. Tangana), ‘Solita y SueltAAA’ invoca al mejor Drake y ‘»Un tiempo» jajajajja’ (sic), con matices de reggae, se apunta el tanto de incluir colaboración con el nigeriano Tempoe, artista invitado en el macrohit de afrobeat ‘Soweto’.
Pero puede que el mejor corte de ‘AfroLOVA ’23’ sea, sin ir más lejos, el más popular. Con 23 millones de streamings, ‘Sin Gato (MIAU!)’ es el mayor éxito reciente de Rels B y no hay que ser un lince para entender por qué: en el contexto de éxito global del afrobeat, en el que los geniales estribillos de ‘Calm Down’ y ‘Dumebi’ de Rema o ‘Essence’ de Wizkid, entre otros, conforman otro «nuevo pop», ‘Sin Gato (MIAU!)’ se hace su hueco cómodamente.
En medio de sonidos y ritmos tan veraniegos como toca a estas alturas de año, Rels B se marca un estribillo de esos que se pegan cual lapa: «Ya me han conta’o que por ahí / tú vas diciendo que no tienes gato / Uoh-oh, uoh-oh, yeah / Uoh-oh, uoh-oh» es su infalible gancho. La letra es puro camelo hacia una «mami chula» que lleva «uñas nuevas» y que va «solita» por la calle. Parece que ha dejado a su novio y con razón, pues «era un básico», canta Rels B. Él sabe cómo convertirse en su «gato».
Os recordamos que Rels B cerrará 2023 con dos grandes conciertos en España: el 10 de noviembre actuará en el Palau Sant Jordi y el 12 de noviembre en el WiZink Madrid de Madrid.
‘Misión imposible’ no decepciona. Tras casi treinta años y siete películas (ocho si contamos la segunda parte de la última), la saga no se ha autodestruido “en cinco segundos”. Sigue siendo un ejemplo del mejor cine espectáculo. Las primeras tenían mucha más personalidad autoral: Brian De Palma, John Woo, J.J. Abrams. Pero también más altibajos. Las cuatro siguientes son indistinguibles, su gramática es invisible e intercambiable. Pero también son de una eficacia excepcional.
¿Por qué ‘Misión imposible: Sentencia mortal – Parte 1’ es el mejor blockbuster veraniego?
1. Funciona como una bomba de relojería imposible de desactivar. ¿Cómo es posible que una película tan calculada, tan medida, tan vista incluso, resulte tan divertida, entretenida y sorprendente? ‘Misión imposible: Sentencia mortal – Parte 1’ es un ejemplo de cómo la repetición, si se hace bien, no resulta repetitiva. Cómo sobre una base narrativa sólida y fuertemente codificada se puede ser igual de inventivo que reformulando, deconstruyendo o dinamitando viejos esquemas. Son 163 minutos que vuelan como Tom Cruise haciendo speed flying.
2. Las secuencias de acción son impresionantes. Hay cinco grandes escenas. Y cada una es diferente. La primera, en el desierto, es casi cine bélico. La segunda, en un aeropuerto, cine de espías clásico. La tercera, en Roma, es puro slapstick. La cuarta, en Venecia, cine negro. Y la última, la más larga y espectacular, situada en el Orient Express, una obra maestra del thriller de acción. Planificadas con esmero, narradas con claridad y sentido del ritmo, protagonizadas por el propio Cruise (61 años, ojo) y con la suficiente profundidad dramática para que nos importe lo que está ocurriendo.
3. El villano es una maravilla. No lo voy a desvelar porque no aparece en el tráiler. Solo decir que es un acierto, una brillante decisión de guion. Por una parte, resulta aterrador y muy de actualidad: “La verdad está desapareciendo”, dicen en un momento. Por otra, amplía mucho las posibilidades dramáticas de la historia.
4. El guion no parece escrito por Inteligencia Artificial. Hay un eficaz macguffin (una llave), un buen desarrollo de personajes, cierta profundidad psicológica, un estimulante discurso sociopolítico, comicidad, giros, engaños y suficientes conflictos dramáticos para que esto no se vuelva una sucesión de carreras, peleas y frases tópicas. Ah, lo que no hay es nostalgia facilona para cuarentones que echan de menos las películas que veían de pequeños (o sea, su juventud). El guion es del propio director, Christopher McQuarrie. Autor, recordemos, del oscarizado libreto de ‘Sospechosos habituales’ (1995).
5. No es una simple primera parte. A pesar del “to be continued”, ‘Misión imposible: Sentencia mortal – Parte 1’ funciona como un filme independiente. En ningún momento, salvo por los lógicos flecos sueltos argumentales, parece que hayas visto solo media película. El verano que viene está previsto el estreno de la segunda. ¿Será el fin de la saga tal y como la conocemos o aguantará el físico de Cruise? Según ha declarado en The Sydney Morning Herald: “Espero seguir haciendo películas de ‘Misión Imposible’ hasta que tenga su edad [en referencia a los 80 años de Harrison Ford]”. Vamos, que queda Ethan Hawke para rato.
El grupo valenciano Smoking Souls ha denunciado que el Ayuntamiento de Elche, gobernado por la alianza de PP y Vox después de las últimas elecciones autonómicas, ha cancelado un concierto que el grupo tenía programado el día 9 de agosto, en el «festival Palmeral Fest de Elche». Smoking Souls ha expresado su «tristeza» y «rabia» por la anulación del evento.
El apoyo a Smoking Souls por parte de sus compañeros de profesión no se ha hecho esperar. Xavi Sarrià, integrante de la extinta banda Obrint Pas, ha manifestado que «como en los años más oscuros, quieren acabar con nuestra música, pero, como siempre, nos tendrán de cara». Por su parte, el cantautor Cesk Freixas ha expresado su «solidaridad» con Smoking Souls y ha hablado «contra la censura, el odio y la involución», porque «la cultura y la música no pararán de crear y buscar nuevos caminos».
Sin embargo, el Ayuntamiento de Elche ha negado la acusación de Smoking Souls: «El Ayuntamiento de Elche desmiente categóricamente que se haya anulado ningún concierto de ningún grupo de música. No existe ningún festival Palmeral Fest programado. Invitamos al grupo Smoking Souls a que haga público el contrato con el Ayuntamiento de Elche. El Ayuntamiento de Elche entiende que pudiendo lesionar la ímagen de ésta entidad local, se manifiesta que en el caso que se mantuviera su difusión podrán tomarse acciones legales contra el autor, y aquellos que contribuyan a su redifusión».
El mánager de Smoking Souls ha declarado al diario valenciano Información que el concierto de Smoking Souls en Palmeral Fest se cerró «poco antes de las elecciones municipales del pasado 28 de mayo», antes de que PP y Vox sustituyeran a PSOE y Compromís en el Ayuntamiento. Según el representante de Smoking Souls, el cuarteto alicantino ha «dado por entendido» que el Ayuntamiento actual ha cancelado el concierto porque este no aparece en el programa de las Fiestas de Agosto y no ha recibido llamada alguna por parte de la administración.
Un concierto de Smoking Souls programado en el «festival Palmeral Fest de Elche» aparece nombrado en la agenda de la banda alicantina. El festival Palmeral Fest existe y celebró su primera edición en 2022, pero no en Elche, sino en Orihuela. No existe ninguna programación asociada a Palmeral Fest en 2023 en la que figuren más artistas confirmados aparte de Smoking Souls.
Smoking Souls, grupo que canta en valenciano, lleva 10 años de carrera a sus espaldas y cinco discos publicados. Actualmente se encuentra realizando los últimos conciertos de su gira antes de tomarse un descanso en 2024.
La semana pasada Quevedo entraba directamente al top 1 en la lista de singles España con ‘Columbia’. Así, le quitaba el puesto a Myke Towers y su ‘LALA’, que tan viral ha sido este último mes. Esta semana ambos mantienen sus posiciones en el podio: Quevedo número 1 y Myke Towers 2ª posición.
Aunque es un poco bajo, Karol G logra el puesto 24 con ‘S91’. Un tema de reggaetón en el que la artista defendía su fe y su éxito en la industria musical. En el número 49 entran Duki y Khea con ‘Remember Me’, canción que ha producido Bizarrap. Pasando el ecuador del ranking están el artista de BTS, Jung Kook, y Latto con ‘Seven’ en el número 61. Un single que en realidad no es mucho más explícito que otros de la rapera, pero en esta ocasión hay versión «clean», por si acaso.
En la 63º lugar entra ‘Un Rodeoooo’ de Rels B, que forma parte de su último álbum ‘AfroLOVA’23’. A pesar de las polémicas, JC Reyes sigue en las listas de éxitos. Esta vez lo hace de la mano de Pedro Calderon en ‘PIRIBIRI’ y llegan al top 74. Las últimas entradas son de Abraham Mateo con ‘Maníaca’ en el número 90 y Eladio Carrión y Brytiago con ‘3 AM’ en la 100ª posición. Esta canción sorprende verla en la lista, es un tema que se estrenó en 2020.
Cuando parecía que la moda de lanzar objetos a tu artista favorito se había pasado, Drake ha sido la nueva víctima de esta práctica. Aun así, nada ha llegado a ser tan surrealista como el lanzamiento de las cenizas de una persona muerta a P!nk o el regalo de un juguete sexual al Lil Nas X. Durante su concierto en Brooklyn, alguien en el escenario le lanzó un vape a Drake, a lo que él respondió con un «deberías hacer una revaluación de tu vida».
El artista, visiblemente molesto, pero con cara de vacile preguntó varias veces quién había tirado el vape. A continuación dijo: «Lo llevas claro si piensas que voy a cogerlo y me voy a poner a vapear contigo en el puto Barclays Center. Ya te vale, lanzarme este puto vape de menta limón, pensando que voy a vapear contigo». Este lanzamiento le debió molestar más que el de hace unos días: una chica le tiraba un sujetador que, al parecer, era bastante grande. «¿Talla 95 G? Encontrad a esta chica inmediatamente», rezaba Drake.
El artista ha estrenado hace unos días un freestyle con Central Cee en ‘On The Radar Radio’. Aunque no es la primera vez que colaboran, el formato sí que es nuevo. Y en esta ocasión permite a ambos artistas a tirar sus barras más ingeniosas en un beat que suena al drill de Central Cee.
El estreno de ‘Barbie’ está siendo el fenómeno del verano, incluso superando expectativas. Una recaudación de 300 millones de dólares doblando en tan solo un fin de semana su presupuesto total; cines atestados a todas horas como hacía tiempo que no se veía; gente vestida con complementos rosas merodeando las salas… Hasta la vicepresidenta del gobierno de España decidió ir a ver la película durante la jornada de reflexión de unas elecciones generales, convirtiendo en mensaje político el discurso de igualdad que contiene la cinta. Una cinta que no sería lo mismo sin su banda sonora, pues la música es imprescindible en ‘Barbie’, al mismo tiempo que algunas de sus piezas son totalmente comprensibles fuera del guión.
En ‘Barbie The Album’ la música es fundamental desde el primer segundo. Si la muñeca es uno de los mayores artefactos pop de la historia, su banda sonora tenía que asociarse al mundo del pop a lo grande, y los nombres que aparecen en las 17 pistas no se andan con chiquitas. Lizzo se queda el tema de apertura y presentación (‘Pink’, una forma de vida más que un color), Dua Lipa el que va a ser definitivamente el macrohit del proyecto, por mucho que ‘Dance the Night’ no sea más que la innecesaria segunda parte de ‘Levitating’; y después aparecen en el elenco del disco valores como Billie Eilish, Charli XCX, Tame Impala, Pink Pantheress y un inabarcable etcétera. Una fantasía.
Si ‘Dance the Night’ se crece dentro del metraje por su buena integración, como comentaba nuestro crítico de cine Fernando García, hay que hablar también de la genialidad que supone poner a Ice Spice y a Nicki Minaj rapear sobre ‘Barbie Girl’ de Aqua. El tema de los daneses llegó a ser denunciado por Mattel en su momento por violar «copyrights» y haber convertido su muñeca en un «objeto sexual», pero aquello terminó en nada y fue icónico igual, así que pelillos a la mar. Por su parte, Nicki… siempre quiso ser una muñeca.
En el entorno festivo o divertido de la cinta también queda muy bien ’Speed Drive’ de Charli XCX y funciona OK el tema de esos expertos en viajes llamados Tame Impala, de transición entre Barbieland y el mundo real, pese a que sobre el papel su producción sabía a poco. Alguna versión de ‘Journey to the Real World’ debería durar más de 1 minuto y 27 segundos. A su lado, el glam de Ryan Gosling con ‘I’m Just Ken’ se hace bastante larguito.
La gran ganadora de todo esto vuelve a ser Billie Eilish, que ya saliera airosa de su aportación a James Bond, y aquí ha entendido perfectamente lo que había que contar: la crisis existencial de Barbie, su miedo a la muerte, en la preciosa ‘What Was I Made For?’. Un nuevo Oscar podría ser suyo por esta delicada pieza con la marca de la casa. Nadie mejor que ella para interpretar el gran momento emotivo de la cinta.
Entre los temas que ganan sentido viendo la película, destaca ‘WATATI’ de Karol G con Aldo Ranks. En la banda sonora no encaja tanto de repente un corte latino, pero en el guión sirve para introducirnos por primera vez en “el mundo real”, con cierta sorna. En el mundo de plástico de Barbieland suena pop rosa manufacturado. En el mundo real, perreamos.
Con menos protagonismo en esta historia, pero más o menos eficiencia destacamos ‘Angel’ de Pinkpantheress, que sorprende en un registro más folk, o incluso celta, el pop infalible de Ava Max, el simpático tema de Dominic Fike o el cierre del disco con ‘Barbie Dreams’ de FIFTY FIFTY, que suena como una actualización de algún hit de Janet Jackson. Un poco fuera de onda por aquí, pero una canción excelente, es ‘Home’ de HAIM, una producción flotante que al final se eleva, y que justifica su presencia por su connotación feminista: “Crees que lo sabes todo sobre mí, pero yo me conozco mejor / No soy la chica que espera solo para que la pisoteen”.
Con canciones mejores y peores (Sam Smith y The Kid LAROI no se han comido mucho la cabeza), ‘Barbie The Album’ no es solo un bonito complemento rosa, sino un buen disco sobre el que la gente está volviendo tras degustar la película, y al que muchos ya se habían aproximado incluso sin haberla visto. Un producto tan pensado que incluso las viejas canciones que se han incorporado en el metraje pero no aparecen en el disco (Cyndi Lauper, Spice Girls, Matchbox 20) tienen su mensajito.
El 18 de julio Johnny Depp tenía un concierto programado con su banda Hollywood Vampires en Budapest. Pero a pocos minutos de empezar, el show se canceló por «circunstancias inesperadas», comunicó la banda. La Vanguardia ha informado de que según el periódico húngaro Blikk, esas circunstancias fueron que se encontró a Johnny Depp inconsciente en su hotel.
Y es que Hollywood Vampires, banda a la que también pertenece Alice Cooper, estaba lista para salir al escenario cuando se informó de que no se iba a realizar el concierto. De hecho, el incidente ocurrió cuando muchos de los asistentes ya se encontraban dentro del recinto del Papp László Budapest Sport Arena. Los fans pensaron que la repentina cancelación era por una fractura de tobillo que el actor había sufrido hace algunas semanas.
Sin embargo, según el medio húngaro, el incidente fue mucho más grave que esa lesión y un equipo médico se tuvo que desplazar de urgencia hasta el hotel para atender al actor. Varios días después, la banda también canceló un concierto en Eslovaquia, aunque en el comunicado mencionaban que «no tenía nada que ver con el show en Budapest» y que todos los miembros de la banda «estaban seguros y sanos». Los días 22 y 23 de julio, Hollywood Vampires tocaron en Polonia y Alemania y se ha podido ver a Depp actuando con normalidad.
Disclosure han sorprendido estos días anunciando nuevo disco por sorpresa. ‘Alchemy‘, disponible desde hace dos fines de semana, es su cuatro trabajo largo y el primero publicado de manera independiente.
‘Alchemy’ es un buen disco de Disclosure que no iguala la magia que los hermanos Guy y Howard Lawrence lograron capturar en su clásico debut de 2014. Aún así, su secuencia contiene momentos que valen mucho la pena, como la pista inicial, ‘Looking for Love’, la Canción Del Día para este lunes.
‘Looking for Love’ se basa en un «groove» que trae ecos de house y garage envueltos en un cálido colchón de sintetizadores. La melodía vocal, interpretada por una persona desconocida, pues el disco no incluye featurings, aunque algunos sospechan que es Sam Smith, es preciosa, y Disclosure saben elevarla con un uso de vocoders realmente elegante. La música de Disclosure sigue sonando cara y lujosa, pero, esta vez, además, Disclosure han dado con su canción del verano propia.
Claro que es un verano tristón, porque en ‘Looking for Love’ el narrador busca el amor desesperadamente. No sale del hoyo. «Estoy buscando el amor en todo el mundo, tengo un agujero aquí en mi corazón, me estoy hundiendo en las profundidades y no sé cómo salir» es el mensaje que repite la canción una y otra vez, a modo de mantra.
La culpa del estado anímico de Disclosure, o de la persona que canta en ‘Looking for Love’, la tiene una ruptura. «Lo estoy intentando dejar ir, flotar por encima de todo, pero sé que me sigo hundiendo como una bola de cañón». Absolutamente lo contrario a hundirnos en la miseria consigue esta composición tan escapista, edificante y veraniega.
Big Thief han lanzado estos días el single ‘Vampire Empire‘. Se trata de un tema que forma parte del setlist de Big Thief desde hace rato y que el grupo ha decidido grabar en estudio. Pero, además, ‘Vampire Empire’ es un tema muy querido por sus fans, tanto que algunos no se han tomado muy bien esta nueva versión. Es lo que tiene encariñarse con una maqueta o con un directo.
Atención a lo que ha llegado a publicar una persona en TikTok: «Los artistas deben entender que su música no es para ellos. Nosotros pagamos los pre-pedidos, pagamos las entradas, pagamos el merch. Vuestra función es hacer dinero escribiendo para nosotros. Bajaos del pedestal y no cambiéis la letra de una maqueta. Odiamos cuando hacéis esto. Cambiadla a como estaba antes. Las personas que apoyan esto sois unos lameculos».
La versión grabada de ‘Vampire Empire’ es diferente a la de la maqueta, algunos fans han expresado su descontento y Big Thief han querido contestar: «Los que preferís la versión en directo siempre podéis seguir escuchando la versión en directo. En nuestras grabaciones ya tocamos en directo, así que podéis verlo de la siguiente manera: el directo que preferís ya existe, y ahora otra versión existe. Cada vez que la tocamos en vivo es una versión diferente, y no íbamos a ir al estudio y reproducir exactamente lo que hicimos en el programa de (Stephen) Colbert. Además, hacer lo mismo habría sido imposible, porque nuestras canciones son vehículos para la expresión de nuestro yo actual, no preparados manufacturados y pulidos en función de la demanda».
‘Vampire Empire’, una de las dos canciones -en ese momento- inéditas que Big Thief tocaron a su paso por Madrid, es otra joya folk-rock de los estadounidenses, un retrato del amor, la cotidianeidad y la intimidad de la cama que Big Thief energizan con guitarras eléctricas y cazuelas. Y probablemente una de sus melodías más apasionadas, y ya es decir. En la segunda mitad de ‘Vampire Empire’, Adrienne adopta un registro gruñón, llevándola al clímax.
La curiosidad de ‘Vampire Empire’ la deja una referencia inesperada a Prince: ese «quería ser tu mujer, quería ser tu hombre, quería ser esa persona a la que pudieras entender» está evidentemente sacado de su éxito ‘I Would Die 4 U’.
Ya son muchos años desde que Maikel Delacalle adoptó el mote cariñoso que le puso su abuela («de la calle») por estar siempre fuera de casa y comenzó a hacer música. El artista de Tenerife lo hizo para salir de una vida que le había llevado a malos sitios, incluso a estar en un centro de menores. Y así, llegó a los oídos de mucha gente por canciones como ‘Mi Nena’, ‘Ganas’,’Condiciones’ y la colaboración con Mahmood, ‘Soldi’. Aunque el sonido R&B siempre le ha funcionado, ha hecho mucho reggaetón y trap. Despúes de 5 años de su último y único EP, ‘Calle y Fe’, Maikel Delacalle ha estrenado ‘CÓDIGOS’. Hablamos con él de este nuevo trabajo, del R&B, de la música de Canarias y de la fe. Todo lo responde con una sonrisa, incluso las cosas más personales.
Después de tantos singles y un EP. ¿Sientes que este álbum es tu primer gran trabajo?
Sí, sí que lo siento. No digo que en los otros trabajos no me haya implicado tanto, me he implicado 100%. Pero creo que este es el primer disco en el que del 1 al 100 trabajé todas y cada una las esquinitas. Me sentaba con el productor, las letras las cuadré todas sin nadie que metiera nada… Todo hecho exclusivamente por mí. Y también, el amor que le puse a este disco no tiene nada que ver con nada en lo que haya trabajado. Todo lo hago con amor, porque amo lo que hago y toda la música que he sacado la he hecho porque me gusta, pero es que esto me encanta. Es el trabajo de mis sueños.
Códigos es una palabra muy compleja, con muchos significados. ¿En ‘CÓDIGOS’, tu álbum, te refieres a códigos morales o de que tipo?
A todo un poco. Todos sabemos que al final, los códigos, son las leyes que no están escritas. Cosas que deben o no deben respetarse. En mi caso, soy una persona que me he movido por mis códigos toda la vida. Muchas veces no hago aquello porque aquello me puede traer X problema.
Tengo mis códigos y mis códigos hicieron que yo saque este disco. Para mí también significa demostrar lo que soy, sacando un disco que no tiene nada que ver con lo que está en la escena, no es nada mainstream ni está de moda. Estoy sacando lo que me da la gana, básicamente. Y haciendo lo que me gusta.
«Fui como un pionero en esto del R&B en España»
Has hecho un álbum de R&B. ¿Por qué es esto? ¿Has querido hacer un disco ajeno a la moda del reggaetón?
Ya no solo alejarme. En 2016 cuando yo me pegué, me pegué con R&B y algo de trap, pero básicamente R&B, melodías muy mías. Yo me di cuenta de que ese sonido es lo que a la gente le encanta de mí.
También fui como un pionero en esto del R&B en España. Y, quién mejor para seguir llevando la corona que yo. A día de hoy hay muchos que me dicen el rey del R&B en español. Y con orgullo llevo esa corona. En este disco quiero demostrar que sí, que eso está bien dicho.
«Hice el tema de góspel porque mi abuela era muy religiosa y por una película que me marcó: ‘Sister Act'»
¿Crees que es un género y estilo que están de vuelta? ¿O nunca se han ido del todo?
Nunca se ha ido. Es atemporal, yo siempre he pensado que el R&B y el hip hop son géneros atemporales. El hip hop, no el rap. El rap es diferente. Que me corrija la gente que sabe de estadísticas, pero para mí, el rap es el lado más underground y el hip hop lo abarca todo: rap, cultura hip hop, grafitis, DJ… Me encanta el R&B y el hip hop.
Hemos escuchado el góspel con Kanye, que lo usó con ‘Sunday Service’ y también lo ha hecho Pharrell para el último desfile de Louis Vuitton. ¿Por qué has querido hacer un tema de este estilo?
Nombraste a dos bestias. No he decidido hacerlo por ninguno de ellos dos, aunque soy fanático de Kanye y Pharrell está en mi top 5 de artistas. Lo hice porque en mi familia mi abuela era muy religiosa, y todos estos coros vienen de la Iglesia. Además, yo de pequeño vi una película que me marcó: ‘Sister Act’. En esa película sale Lauryn Hill, que, por cierto, también está en mi top 5 de artistas favoritos.
Es un tema con una letra bastante personal y emotiva. Hablas de perder a tu madre, ¿por qué has querido que suene, en cierta manera, alegre?
Cuando en la Iglesia dicen: “Oh, happy day!” o “Oh, Jesus is back!”, es como triste y alegre. Ellos hacen lo contrario, ellos dicen “hoy es un día alegre” pero lo cantan medio tristón. Yo quería hacer lo contrario: canto “Oh, mama se fue”. Y no es nada bueno, pero uno puede jugar con eso. El sentimiento triste va a llegar igual, porque hablo de algo muy duro. Pero también quería que sonara en todos lados. Si lo hubiera hecho más triste quizá no hubiese podido sonar en cualquier sitio.
«En Canarias somos unas islas que hemos estado en solitario mucho tiempo, apoyándonos entre nosotros solos»
Las cuatro colaboraciones de este disco son con artistas canarios: Quevedo, Bejo, Eva Ruiz y We$t Dubai. ¿Ha sido casualidad o intencionado?
Es aposta porque quería hacer todo de la tierrita. El que me conoce sabe que soy de los artistas que más featurings internacionales tiene aquí en España: Justin Quiles, Eladio Carrión, Cazzu… Y en mi disco podría haber sacado a cualquier artista internacional, sinceramente. Pero prefería hacerlo con producto nacional. Más que nada porque creo que es el año de los canarios.
Así que, elegí a unos de mis artistas canarios favoritos. Me gustan todos los artistas de mi tierra: Lucho, La Pantera, Juseph, cualquiera de Locoplaya, Cruz Cafuné es de los que más respeto… Con cualquiera me puedes esperar una canción dentro de poco. Pero en el disco elegí a estas 4 personas.
«La música canaria ha triunfado por la unión que hay entre nosotros»
Últimamente se ha hablado mucho de unión entre artistas canarios, casi como un movimiento propio. De hecho, Cruz Cafuné dice en su último álbum, en ‘Me Muevo Con Dios’, algo como “no hay competencia, cuando gana uno ganan todos”. ¿Lo vives así?
Qué barra, puto Cruzzi. Claro que lo vivo así. Yo soy de Tenerife y cuando Las Palmas (el club de fútbol) subió a primera, lo celebré como si fuese mi equipo. Porque pertenece a Canarias, y en Canarias somos unas islas que hemos estado en solitario mucho tiempo, apoyándonos entre nosotros solos.
Yo ya tenía canciones que estaban pegadas en mi tierra, pero nos hemos salido después. Y hoy en día ya no es que nos hayamos salido, es que Canarias está conectado directamente con Madrid. Creo que eso gracias a gente como yo, Cruzzi, todos los que llevamos más tiempo. Y también gente como Quevedo y todos los chavalitos que están saliendo ahora. Ellos están haciendo que se expanda y en futuro probablemente un canario abrirá la boca y lo que diga funcionará.
¿Por qué crees que ha sido ahora este boom de la música canaria?
Yo creo, sinceramente, que ha triunfado por la unión. Por separado cada uno hacía lo suyo y todos tienen mucho talento. Pero hay un dicho que dice: “Solo llegas más rápido, pero en equipo llegas más lejos”. Es lo que nos pasa a los canarios.
El ejemplo está en ‘Cayó La Noche’. No hace falta que sea en canciones en las que estemos todos, pero es que compartimos las cosas de todos, nos apoyamos. Aunque no lo compartamos en redes todos los días, sacan una canción y yo me alegro mucho, me la escucho el primero. Somos fanáticos entre nosotros mismos y nos queremos mucho, nos deseamos el bien.
Es verdad que entre artistas de la península parece que se muestra menos esa unión o buen rollo.
Quizá también porque el que es de Granada es de Granada, el que es de Sevilla es de Sevilla. Nosotros decimos: “Somos canarios”. Tenemos 7 islas diferentes y 7 acentos diferentes, pero somos uno. En España lo que hace falta es darse cuenta de que están todos en el mismo pedacito de tierra. Bueno, que nosotros somos canarios pero españoles, podemos apoyarnos entre todos.
«A mí me dieron un don para que yo llevase un mensaje: ama a tu familia y lucha por tus sueños»
El tema con Quevedo es un remix de una canción, ‘Mi Nena’, que tiene unos cuantos años. ¿Por qué rescatar ese tema para la colaboración con él?
Primero, porque es un himno. Y segundo, porque me lo pidió él (risas). Me decía “si algún día haces un remix quiero montarme”. Era de sus canciones favoritas. Y yo le dije: «Cabrón, vamos a hacerlo, ni me lo preguntes». El objetivo era que él se subiese a un tema que le gustase.
Yo subí un video a Instagram y en el vídeo me comentó algo. Yo por privado le dije: “Oye, no dejes muchos datos por si hacemos el tema”. Y así surgió todo.
«Me ha ayudado tener una fe a la que aferrarme para que las cosas me salgan bien»
Hace poco, en una entrevista con Rick Rubin, Rosalía decía que, para ella, Dios era creador y el artista, mensajero. Tú mencionas a Dios en varias ocasiones e incluso le dedicas ‘Con Dios Delante’. ¿Compartes esta visión?
Qué buena, qué bonito, tío. Lo veo así. Me acaba de dejar flipando Rosalía, porque ha dicho exactamente lo que yo pienso. En mis entrevistas digo que yo siempre llevo un mensaje. A mí me dieron un don para que yo llevase ese mensaje. Tengo el poder de hacer que ese mensaje llegue a las personas que me escuchen.
¿Cuál es ese mensaje?
Mi mensaje es: ama mucho a tu familia, eso es lo primordial. Pero también es que trabajan, en equipo, en familia y que luchen por sus sueños. Que visualicen una meta y la consigan. Eso siempre será lo que quiero transmitir.
¿A ti te ha ayudado Dios en el camino de ser artista?
Sí, claro. Me ha ayudado a tener una fe a la que aferrarme para que las cosas me salgan bien. Tengo que decir que, independientemente de mi fe, soy yo mismo el que he tirado para adelante. Pero sí, tengo mucha creencia.
¿Algún tema que tengas ganas de tocar en conciertos porque le tengas especial cariño?
Cualquier tema del disco. Sin ir mas lejos, la de góspel, por ejemplo. Me encantaría llevarme al corito por ahí.
Quizá este álbum es más diferente a lo que has hecho hasta ahora. ¿Te interesa evolucionar como artista y hacer cosas diferentes?
Ahora mismo estoy cómodo, pero como ya saben Maikel Delacalle es un artista polifacético, sé hacer de todo. En un futuro podrán escuchar cosas diferentes; ahora mismo quiero centrarme única y exclusivamente en este sonido, y que la gente explote mucho este disco. Durante mucho tiempo voy a darle caña.
Doja Cat sigue empeñada a ganarse la antipatía de sus seguidores. Después de insinuar que son «lerdos» por apreciar sus dos discos anteriores, ‘Planet Her‘ (2021) y ‘Hot Pink‘ (2019), los cuales ella considera «mediocres» por inclinarse demasiado hacia el pop, Doja ha acudido a Twitter para expresar su disgusto con que sus fans se pongan motes.
Los fans de Doja Cat quieren hacerse llamar «gatitos», pero Doja desaprueba que quieran ponerse un nombre en absoluto. Cree que tienen cosas mejores que hacer: «Mis fans no se tienen que llamar de ninguna manera», ha expresado en redes. «Si os hacéis llamar «gatitos» tenéis que dejar de usar el móvil, buscar un trabajo y ayudar a vuestros padres con la casa».
Cuando una persona que lleva una cuenta de Twitter dedicada a publicar noticias sobre Doja Cat ha pedido a la cantante que proponga ella un nombre que le guste, Doja ha sido tajante: «Bórrate la cuenta y revisa tu vida. Nunca es tarde».
La interacción no ha acabado ahí. Una persona, harta de que Doja trate a sus fans con desprecio, se ha dirigido a la rapera para pedirle que sea amable y les diga que «les quiere». Amalia ha seguido en las suyas: «Yo no os quiero, ni siquiera os conozco», ha respondido. Otra persona ha contestado a Doja que ellos la aman aunque no la conozcan personalmente porque apoyan su música y su carrera.
Un fan de Doja no ha consentido sus desprecios y le ha dado su propia medicina: «No te conocemos pero te hemos apoyado en las buenas y en las malas. No serías nadie sin nosotros. Estarías trabajando en un supermercado grabando canciones en GarageBand». Pero Doja tiene otra visión: «Nadie te ha obligado. No sé por qué me hablas como si fueras mi madre. Pareces un loco».
Las declaraciones de Doja se han producido en plena campaña promocional de su nuevo álbum: su single ‘Attention‘ salió hace apenas un mes y ha pasado algo desapercibido por listas. Claro que Doja ha dado a entender que ‘Attention’ no es una canción hecha para que triunfe, pues ha dicho que ni siquiera es «una canción», sino una «declaración de intenciones» con la que pretende avanzar la dirección creativa de su próximo trabajo.
Andrés Calamaro sigue recorriendo España con su gira y, a su paso por Tenerife este sábado 22 de julio, ha protagonizado un momento que está dando la vuelta por redes: el cantante argentino ha cantado la frase contra Pedro Sánchez «Que te vote Txapote» en directo. Vídeo: Dirty Rock Magazine
El concierto de Calamaro ha tenido lugar durante el Festival Mar Abierto en Tenerife, un día antes de las elecciones generales. En su interpretación de ‘La flaca’, su canción más popular, Calamaro ha insertado la frase «Que te vote Txapote», dejando implícito su apoyo al Partido Popular o, mirado desde otro punto de vista, su rechazo al PSOE.
Calamaro ha confirmado en alguna ocasión que no vota en España, pero visita el país con frecuencia durante sus giras y, de hecho, reside entre Buenos Aires y Madrid y cuenta con nacionalidad argentina y española.
En los últimos tiempos, el autor de ‘Dios los cría‘ ha sido muy crítico con la izquierda española y ha realizado declaraciones que insinúan su inclinación hacia Vox. En 2019, Calamaro expresó su preferencia por lo que él llama «patriotas y reaccionarios», y también cargó duramente contra el «discurso simplista antifascista» de Viggo Mortensen, después de que el actor criticara, en una carta pública, el uso de una imagen de Aragorn que Vox había hecho en una imagen de campaña.
El lema «Que te vote Txapote», originario de una pancarta vista durante un acto de PSOE en Sevilla el pasado mes de septiembre, se ha convertido en el principal eslogan de PP y Vox contra PSOE durante esta última campaña electoral. Hace referencia a Javier García Gaztelu, alias Txapote, terrorista etarra condenado por el asesinato de varios políticos vascos. La frase, que utiliza la memoria del terrorismo para criticar la asociación del PSOE con la izquierda abertzale, y que ha dividido a las víctimas del terrorismo, insinuaba una clara derrota de PSOE en las elecciones generales, lo contrario de lo que ha ocurrido.
Calamaro ha sido noticia estos días después de ofrecer un errático concierto en Cartagena, en el que exhibió su frustración por el uso de teléfonos móviles en las primeras filas.
El Partido Popular celebraba este jueves 20 de julio su último mitin de Madrid de cara a las generales de este domingo, con la presencia del candidato Feijóo y también Almeida y Ayuso, que gobiernan Ayuntamiento y Comunidad con mayoría absoluta. El acto lo promocionaban en redes con el tema ‘Si quieres’ de Cariño.
El grupo ha acudido a las redes este sábado para protestar por este hecho y ha pedido abiertamente que se vote a la izquierda, concluyendo “FUCK PP, FUCK VOX”. Dicen: “Hoy nos hemos levantado y hemos visto que el PP ha usado nuestra canción en un post de Instagram lógicamente sin nuestro permiso. Nunca apoyaremos de ningún modo cualquier partido q vaya en contra de nuestros principios y de los derechos humanos. VOTA IZQUIERDA!!!! FUCK PP FUCK VOX”.
Entre los muchos artistas que han pedido que se vaya a votar están Rocío Sáiz, tras el polémico incidente de Murcia; Alice Wonder, que ha subido un vídeo en Instagram; y Diego de Carolina Durante en sus Stories.
hoy nos hemos levantado y hemos visto que el PP ha usado nuestra canción en un post de ig lógicamente sin nuestro permiso. nunca apoyaremos de ningún modo cualquier partido q vaya en contra de nuestros principios y de los derechos humanos.
Pocas «Good Vibes» llegan desde Malasia. The 1975, justo el año al que podemos volver esta noche, actuaban este viernes en un evento así llamado -Good Vibes Festival-, y el grupo decidió protestar contra las leyes anti-LGTB+ de este país. Las penas de cárcel por ser homosexual en Malasia llegan hasta los 20 años.
En concreto, Matt Healy dijo que era «jodidamente ridículo decirle a la gente qué podía hacer y qué no». «Si me queréis invitar a dar un concierto, os podéis ir a la mierda. Cogeré vuestro dinero, podéis censurarme, pero he hecho esto antes y no sienta bien, estoy jodido». Como ha hecho en otras ocasiones, ha besado al bajista Ross MacDonald en la boca durante 20 segundos.
El concierto se interrumpió poco después. Matt pudo decir que les habían censurado en Kuala Lumpur, y el concierto se dio por acabado. Y no solo eso, sino que todo el festival ha decidido suspenderse pese a que quedaban dos jornadas por cumplir. The Strokes y Kid Laroi están entre los que se han quedado sin actuar. Una persona responsable de la organización ha declarado a Billboard que teme que la decisión merme la confianza de los promotores en la escena del país.
Además, The 1975 han cancelado sus conciertos en Indonesia y Taiwan. El grupo no ve sentido a actuar en lugares donde «nos dicen con quién podemos tener sexo».
Noel Gallagher se levantó, eligió la violencia y fue a una entrevista. Y es que, el artista ha hecho unas declaraciones sobre Adele bastante… contundentes en el podcast de Matt Morgan, según ha informado NME.
A la pregunta de si era fan de Adele, Noel Gallagher respondía: «No me jodas. Dime una canción buena. Son una puta mierda. Son jodidamente horribles. Es la puta Cilla Blank. Me parece ofensivo».
El éxito de Adele le debe de parecer insignificante al artista, que incluso aseguraba que le gustaría trabajar con ella y «escribirle algunas canciones cuando él se retire de los escenarios». «Diré: ‘Poned a Adele a cantar esto'», explicaba el artista en el podcast. Ya que estaba, también le tiró dardos a Lewis Capaldi, a quien también le gustaría escribirle algún tema: «Quiero que Lewis Capaldi asesine esta canción, quiero que se cague en ella desde muy alto. ¡Hazme rico!”, bromeaba.
No es la primera vez que Noel Gallagher se mete con artistas del momento, en 2021, tras la victoria de Little Mix como Mejor Banda Británica en los Brits, comentó que «no estaban en la misma liga que Oasis» y que «su victoria mostraba un gran problema en la industria», según informó NME.
PVRIS consigue mantener a los fieles suficientes como para lograr aún colarse en el top 25 británico, lo cual no es fácil para un cuarto disco ya. El proyecto de Lyndsey Gunnulfsen apuesta en ‘EVERGREEN’ por un sonido variado en su reivindicación. En concreto, estamos ante «una reclamación de control en la cultura post-pandemia», tratando temas como la tecnología, la fama, la cultura del espectáculo o la autonomía femenina.
Esto último es claro en tanto que PVRIS se ha ido convirtiendo en un proyecto en solitario de «Gunn». El guitarrista Alex Babinski fue obligado a irse hace un par de años por acusaciones de acoso sexual, y pese a defender su inocencia, y al bajista y teclista Brian MacDonald ya solo le veréis en los directos. Además, uno de los sencillos principales, ‘GODDESS’, es precisamente una «celebración de la feminidad en todas sus formas».
Muchos temas entre la primera parte del disco continúan llevando la marca de la casa de alguien que asegura tener a Sum 41 y Florence + the Machine entre sus ídolos, indistintamente. Si el emo, lo industrial, el synth-pop… se han cogido de la mano en varios puntos de la carrera de PVRIS, este disco se abre con un tema tan épico como ‘I DON’T WANNA DO THIS ANYMORE’. ¿Y qué es eso que PVRIS «ya no quiere hacer más»? El tema habla de sufrir un «meltdown», de sentirte como en una rueda de hamster, y de la presión de los algoritmos en las redes sociales.
Si esta canción es más sintética, ‘GOOD ENEMY’ (que apunta a uno mismo como nuestro peor enemigo), se entrega más a las guitarras eléctricas. ‘ANIMAL’ juega con una distorsión controlada, ‘TAKE MY NIRVANA’ cuenta con la colaboración de Mike Shinoda de Linkin Park en la producción, mientras que ‘HYPE ZOMBIES’ termina en reversa, recalcando la sensación demoníaca que buscaba desde el principio la mezcla vocal.
A partir de ‘SENTI-MENTAL’, una canción agradable que prueba que el registro girl group también sienta muy bien a Lyndsey Gunnulfsen, ‘EVERGREEN’ desbarra un poco. No es tan «evergreen». Comienzan a sucederse las baladas, en un registro extrañamente mitad R&B, mitad trip hop; mitad Morcheeba, mitad Depeche Mode, hasta que el disco recupera fuerza con los dos últimos temas, ‘LOVE IS A’ y el titular. En esa segunda parte del disco, con cosas como la canción de hoguera ‘ANYWHERE BUT HERE’ y ‘HEADLIGHTS’, uno llega a dudar si estaba escuchando el mismo trabajo que al principio. ‘GODDESS’ hasta había sonado un poquito a Britney Spears.
YUNG PRADO es uno de los nombres dedicados a la electrónica en la escena de Barcelona. Ha conseguido hacerse un hueco gracias a remixes para Alizzz y otros artistas, y a temas propios como ‘Quiero volver a repetir’.
Si el año pasado publicaba un disco llamado ‘Yung Pradito’, ya hay continuación. Estos días ha sacado un EP llamado ‘CLUB BOY’, del cual había ido revelando diferentes singles. Entre ellos, por ejemplo, ‘Todo lo que quieras’, una colaboración con Marcelo Pantani, el DJ que convierte sus sesiones en una clase de spinning. Pero el tema que escogemos como Canción del Día es el cuarto sencillo, ‘Ganas de verte’.
‘Ganas de verte’ es la canción de cierre en ‘CLUB BOY’. Se trata de su composición más clásica en su melodía y más envolvente: te gustará si te gustan, por ejemplo, Junior Boys. Es claro por qué ha sido escogida para terminar. La artista argentina LUPE acompaña a YUNG PRADO en este dúo de corte extático, en que ambos expresan que no pueden «controlar las ganas de verse», ni tampoco «las ganas de bailar». «No puedo ni pensar que esto pueda acabar». El registro agudo de LUPE suma en esta orgía de coros, sensualidad y sensaciones celestiales, que ya se ha convertido en una de las favoritas de los seguidores de YUNG PRADO.
Teniendo en cuenta todo lo que se ha explotado la nostalgia con otras sagas, es casi extraño que no haya habido más entregas de Indiana Jones desde ‘El Reino de la Calavera de Cristal’, allá por 2008. 15 años después de esa entrega, y más de 40 después de la primera, llega por fin ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’, con la intención de poner punto y final a las aventuras del personaje interpretado por Harrison Ford. Si en 2008 se rumoreó una continuación con Shia LaBeouf como relevo, ahora se ha dicho algo parecido con Phoebe Waller-Bridge, pero no sucedió entonces y no parece que vaya a suceder ahora, entre otras cosas por los resultados que está teniendo en taquilla.
Sin ser objetivamente malas cifras, resultan una decepción teniendo en cuenta el enorme presupuesto de la cinta, y todo lo que Disney quería recaudar con ella. “Pero, ¿tan mala es?” En absoluto. Sin llegar al nivel de la trilogía original, ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’ sí supera a la entrega de 2008, siendo una película de aventuras divertidísima y de la que tanto Indy como Steven Spielberg (esta vez no dirige él) se pueden sentir bien orgullosos. Pero, sobre todo, es una despedida del personaje que ya quisieran muchas sagas alargadas hasta la náusea.
Spielberg le pasa el testigo a James Mangold, un director bastante heterogéneo: suya es ‘Inocencia Interrumpida’, pero también la oscarizada ‘Ford v Ferrari’, o ‘Logan’, la aclamada última entrega de Lobezno. Tampoco George Lucas escribe, pero los padres de la criatura se quedan como productores ejecutivos, y juntos han convencido a John Williams para que aporte de nuevo la banda sonora original (parece que Williams pensaba usar la película como canto de cisne, pero finalmente ha decidido no retirarse), y han armado un reparto que es uno de los puntos fuertes de la película.
Después de que la villana anterior fuese Cate Blanchett, ‘El Dial del Destino’ sigue apostando fuerte y planta a Mads Mikkelsen con un personaje que le viene como anillo al dedo. Que por cierto, curiosidad: en cierto modo, se puede decir que ahora las sagas de Indiana Jones y James Bond comparten universo por partida doble, ya que ambas tienen a Sean Connery (007 y padre de Indy) y Mads Mikkelsen (villano en ‘Casino Royale’ y aquí). Pero es que la tradicional compañera de aventuras es la mismísima Fleabagherself, Phoebe Waller-Bridge, a la que nunca imaginamos ver en escenas de acción y que está de lo más natural, cerca de ser la mejor compañera que ha tenido Indy (por detrás de Marion Ravenwood, obviamente). Junto a ellos, John Rhys-Davies retomando su papel de Sallah (al que dio vida en la trilogía original, con la excepción de ‘El templo maldito’), el inevitable chaval interpretado aquí por Ethann Isidore, y roles más secundarios para gente como Antonio Banderas o Toby Jones.
Como decíamos, Lucas no ha escrito el guión, cayendo la tarea en el propio Mangold junto al reputado David Koepp y a Jez y John-Henry Butterworth, así que es curioso que, cuando sí iba a encargarse, dijese a Total Film que quería incluir algo sobrenatural pero con cierta base realista, “que no sea una máquina del tiempo”. Yyyy sorpresa: en esta ocasión, tanto Indy como los demás personajes andan detrás de la Anticitera, un artilugio capaz de predecir grietas temporales. Pero, lejos de ser una mala idea, es un acierto casi meta, porque el tiempo tiene mucho que ver en esta película. El tiempo, el envejecimiento, la nostalgia, el sentir que el mundo ha seguido y tú te has quedado atrás… Mangold ya exploró esto en cierta manera en ‘Logan’, y aquí, aunque lógicamente con un prisma menos oscuro, resulta interesante ver cómo afecta esto al arqueólogo más famoso de la Historia del Cine, en lo que también podría ser un recadito al espectador y a la industria sobre lo que estamos haciendo con la nostalgia y los símbolos.
El propio Harrison Ford no quedó del todo contento con el final de ‘El Reino de la Calavera de Cristal’, y la verdad es que aquí puede estar orgulloso de un cierre de personaje que ahora tiene un magnífico equilibrio entre lo amargo y lo feliz. Pero no todo son buenas ideas, claro. El prólogo se alarga demasiado, y la modificación digital no ayuda, ni aunque sea una forma de señalar ese “recadito” antes mencionado. Hay personajes secundarios un tanto deslavazados, como el de Boyd Holbrook o el de Shaunette Renée-Wilson. Este último es casi un token, y el único caso en que puedo darle la razón a quienes critican la película por “haber hecho woke a Indiana Jones”. Los antiwoke llevan un tiempo siendo tan cansinos o más que sus odiadas némesis, pero aquí resulta especialmente llamativo que les moleste el personaje de Waller-Bridge (supongo que la Marion de ‘En busca del Arca Perdida’ sería ahora inclusión forzada) o el papel de los nazis como enemigos (!!!).
En resumen, ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’ es una dignísima conclusión a la saga del látigo, que disfrutarán quienes crecieron con el aventurero, quienes le descubrimos con los DVDs o incluso quienes no hayan visto ninguna y simplemente quieran pasar un buen rato con una buena película de aventuras (o adorar a Phoebe Waller-Bridge). Incluso los más desconfiados seguro que sienten un cosquilleo con cierto momento. “¿Dónde te duele?”.
Hacía mucho tiempo que entre los estrenos cinematográficos no se colaba una película capaz de desatar tanta expectación y curiosidad como ‘Barbie’. Su mastodóntica campaña publicitaria ha hecho de ir a verla prácticamente un ritual donde cientos de personas se han vestido de todas las tonalidades de rosa imaginables para ver cómo Greta Gerwig (‘Lady Bird’, ‘Mujercitas’) daba vida a la mítica muñeca. Pese a haber visto decenas de imágenes promocionales durante meses, lo que podría salir de ‘Barbie’ seguía siendo un misterio que ansiaba ser descubierto.
La película propone a Margot Robbie, ejemplo superlativo de belleza canónica, como la Barbie Estereotípica: blanca, rubia, delgada, guapísima. En su hábitat, Barbieland, todo es de color de rosa, un lugar en el que nada cambia y poblado por miles de Barbies y Kens de diferentes razas, ellas con profesiones de importancia (porque Barbie con el paso de los años ha sabido adaptarse a las sensibilidades de los nuevos tiempos). En este mundo alegre y pop, las Barbies lo son todo, y los Kens… son solo Kens.
A nuestra protagonista, su colorida perfección le dura poco. Sus talones tocan el suelo por primera vez, dejando de estar en una continua posición de puntillas. Además, le invaden pensamientos intrusivos sobre la muerte. Está claro que algo que no va bien, por lo que no le queda otro remedio que ir al mundo real a encontrar a la niña que está jugando con ella para recuperar su normalidad perdida.
Gerwig imagina una sátira feminista y firma una simpática comedia que utiliza su humor absurdo para trazar un rotundo mensaje social. Aunque a este le falte algo de garra y mordacidad, es de celebrar que una superproducción de estas características no se parezca realmente a nada. Tanto en su concepto como en la ejecución, ‘Barbie’ es una cinta única y, en cierta medida, arriesgada. Esa extrañeza tan característica que da lugar a escenas divertidas y originales se ve en ocasiones opacada por las convenciones narrativas de una subtrama que no funciona. Cuando Barbie y Ken salen al mundo real y la película decide poner su foco en las complicaciones de una relación maternofilial para engalanar su reivindicación política, se convierte en algo mucho más mainstream y mucho menos interesante. En ‘Barbie’ hay una continua dicotomía entre la libertad creativa que supuestamente ha tenido la cineasta y los intereses corporativos que se encuentran detrás de un proyecto como este.
‘Barbie’ sirve en gran medida para lavar la imagen de la muñeca de Mattel, revirtiendo el discurso progresista que le acusó de reforzar unos estándares de belleza imposibles y perjudiciales para las niñas, y demostrando que al igual que los tiempos han cambiado, las Barbies también. La marca aprovecha para hacer un poco de autocrítica (mediante un par de diálogos y situaciones que deja el guion) y salir renovada.
Es posible que ‘Barbie’ no sea la exaltada celebración de cultura pop que cabría esperar -precisamente porque se desvía hacia lo publicitario, preocupándose en exceso de subrayar por activa y por pasiva su mensaje- pero sí consigue crear alguna imagen para el recuerdo, sobre todo gracias a sus dos protagonistas. Margot Robbie encarna de manera brillante a la Barbie Estereotípica y es especialmente destacable a nivel interpretativo la progresión humana en su forma de moverse desde que comienza la película hasta que conoce el mundo real. Por otro lado, Ryan Gosling es un Ken excelente, derrochando carisma y gracia en cada una de sus escenas.
Una parte muy importante de la campaña publicitaria de Barbie se basó en la música, con una banda sonora formada por algunos de los nombres más interesantes del mundo del pop actual, y la película le brinda un momento de protagonismo a todos ellos. El número de ‘Dance the Night’ de Dua Lipa está particularmente bien integrado, así como la preciosa balada ‘What Was I Made For?’ de Billie Eilish que suena hacia el final de la cinta o el psicodélico tránsito de Barbieland al mundo real de la mano de Tame Impala y su ‘Journey to the Real World’. No tanto la mejor canción de todas: ‘Angel’ de PinkPantheress, que se conforma con una breve y decepcionante aparición entre escenas.
En ‘Barbie’ conviven el lado más prometedor del nuevo Hollywood (uno feminista, desenfadado, libre de estereotipos de género) con el más clásico y rancio (con subrayados innecesarios y humor pasado de moda). Pese a todo, Greta Gerwig logra dotar al proyecto de personalidad, inyectándole sus preocupaciones feministas y esperando que su mensaje igualitario haga mella en espectadores de todas las generaciones. Al final, aunque la ‘Barbie’ tenga algún que otro defecto de fábrica, se le acaba cogiendo el suficiente cariño como para no ir a devolverla.
・₊✧ (@janiraplanes) July 25, 2023
El cantante Andrés Calamaro canta "Que te vote Txapote" en una de sus famosas canciones 
