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Junior Boys comparten un nuevo y calmante single, ‘Waiting Game’

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Foto de Hollie Pocsai y Dilyara Mukhamedzhanova

Junior Boys, el dúo de Jeremy Greenspan y Matt Didemus conocido por discos como ‘So This Is Goodbye’, ha lanzado ‘Waiting Game’, el segundo sencillo del próximo álbum del mismo nombre. El disco ‘Waiting Game’ saldrá el próximo 28 de octubre y será el primero que los Junior Boys saquen desde ‘Big Black Coat’ en 2016. El vídeo que acompaña al single está dirigido por John Smith y, según la nota de prensa, es «un homenaje a la innovadora película experimental de 1967, ‘Wavelength'».

Como tantos otros grupos y artistas, Junior Boys escribieron su próximo álbum durante la pandemia. La nota de prensa cuenta que ‘Waiting Game’ encuentra a la pareja «intercambiando melodías de baile con infusión de R&B por estados de ánimo tiernos y contemplativos», resultando en un tema bastante calmante. Después del «atmosférico y despojado» primer single, llamado ‘Night Walk’, la nueva canción es un paso adelante en la misma dirección y Greenspan la describe como una «oda a la inactividad».

El próximo disco de Junior Boys girará en torno a «un tema singular», descrito por la nota como «la sensación de esperar a que algo, cualquier cosa, suceda». Greenspan se empapó en el proceso de las conversaciones de otras personas y anotaba cada frase interesante que escuchaba, creando un estilo de escritura «ligero y brillante». Greenspan tiene claro cuál es la función de ‘Waiting Game’: «El disco pretende dar al oyente un respiro. Me gusta la idea de que la gente lo ponga en una casa y exhale de alivio, incluso si ese alivio está teñido de tristeza».

DELLAFUENTE agota entradas en cuestión de minutos

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Tras 3 años sin hacer conciertos, DELLAFUENTE anunció hace unos días su regreso a los escenarios con la celebración de dos shows exclusivos en el Palacio de los Deportes de Granada, los días 16 y 17 de diciembre. Ante la sorpresa de los fans, cuando los tickets se pusieron a la venta a las 17:00 de este lunes ambas fechas alcanzaron el sold out en poquísimo tiempo, con reportes de que los 20.000 asientos disponibles tardaron en agotarse entre 3 y 5 minutos.

El propio DELLAFUENTE detalló en un tweet que estos serían «los dos únicos shows de 2022», por lo que toda la gente que se haya quedado sin entradas tendrá que esperar a 2023 para ver al granadino en directo. Para los que sí han tenido la suerte de comprar a tiempo los tickets, DELLAFUENTE ha avisado en redes de que tras 3 años de ausencia tiene «muchas cosas que enseñaros». También ha aconsejado no comprar pases de reventa, ya que «seguramente esas entradas sean falsas».

Desde el lanzamiento de ‘Milagro’ en noviembre del año pasado, DELLAFUENTE ha lanzado un EP y dos sencillos. El último proyecto del granadino fue ‘Tanteo’, en el que el artista compartía cinco nuevas piezas de «música folklórica atemporal» y que salía el pasado junio. Este septiembre lanzó ‘K alegría’ y ‘Algarabía’. La primera de estas fue una colaboración con el almeriense Rvfv, conocido por canciones como ‘Mi Luz’ o ‘Mirándote’, que debutó la semana pasada en el puesto 50 de la lista de singles española.

Yeah Yeah Yeahs / Cool It Down

Cuánto echábamos de menos a Yeah Yeah Yeahs en varios sentidos. El más valorado para las corrientes de opinión de hoy parece el liderazgo de una mujer en una banda de rock. Sigue habiendo poquísimas a la cabeza de los festivales. Además, Karen O es de origen surcoreano y no va a quedar ni una entrevista con un medio prestigioso, como ha sido el caso de The Guardian o New Yorker, en la que no le pregunten por eso. Muy educadamente, ella celebra la llegada de nuevos referentes como Japanese Breakfast, que además va a ejercer de telonera para la banda en una gira.

Pero hay más: casi ningún vocalista de los grupos de rock de los 2000 ha podido igualar el carisma sobre las tablas de Karen O, en su momento muy conocida por intentar tragarse el micrófono y escupir cerveza sobre la audiencia; ni mucho menos aquellas bandas han mostrado la inquietud ni el carácter camaleónico del trío formado junto a Nick Zinner y Brian Chase. Yeah Yeah Yeahs comenzaron a ser conocidos en los tiempos de un revival post-punk y punk-funk que no le hacía ascos a la pista de baile. Temas como ‘Maps’, ‘Heads Will Roll’, luego ‘Zero’ e incluso el góspel ‘Sacrilege’ fueron pinchados en discotecas tipo Razzmatazz, Ochoymedio y sus equivalentes internacionales. En ellos siempre estuvo la necesidad de dar un paso más, pues ya habían nacido con referentes de escenas diversas como New Order, ESG o Beastie Boys.

Su último disco hasta ahora, ‘Mosquito’ (2013), les dejó en punto muerto. No estaba nada mal (‘Subway’, ‘These Paths’… eran producciones excelentes), pero no se entendió, la escena estaba evolucionando hacia una de las décadas menos rockeras que recordamos, y además se les acabó el contrato con Interscope/Universal. Tanto Brian Chase como Karen O tuvieron hijos y no fue hasta que los niños empezaron a ir a primaria que el gusanillo de actuar empezó a picarles otra vez. Durante años, ni se les había ocurrido volver, ni sabían si lo harían. Karen O, la más esquiva, cuenta ahora que todavía no ha tenido tiempo de asumir ni su maternidad, ni la pandemia ni «cuatro años de Trump».

Las tres cosas están en este ‘Cool It Down’ que viene presentado por un single tan abrasador como ‘Spitting of the Edge of the World‘. De nuevo huyendo de un carácter estrictamente rockero, se trata de una colaboración con Perfume Genius -quien jamás ha perdido el culo por un hit en el indiemainstream- plenamente concentrada en transmitir su preocupación por el futuro del mundo. El cambio climático o las preguntas que nos harán nuestros hijos para avergonzarnos («Mama, what have you done? / I trace your steps / In the darkness of one / Am I what’s left?») aparecen en un tema que ciertamente quema cuando se escucha. Es otro gran trabajo del considerado «cuarto Yeah Yeah Yeah», el productor Dave Sitek, que mantiene un gusto excelente.

La misma sensación de urgencia apremia en ‘Lovebomb’, con Karen O suplicando a las estrellas que no le fallen en este momento. En muchos momentos de ‘Cool It Down’ la cantante habla y susurra, más que canta, como en la final ‘Mars’ que retrata otra conversación con su hijo, lo que tampoco quiere decir que el grupo haya dejado escapar un par de bangers.

Si el segundo single ‘Burning’ va elevando su voz, acercándose poco a poco a la pista de baile como una producción de los mejores The Rapture, con toques de música disco (curiosamente comparte elementos con ‘Beggin’ de Frankie Valli & the Four Seasons); ‘Wolf‘ parece la verdadera ganadora de esta era, con cierto poso ochentero y la mejor interpretación vocal de Karen O en este álbum. Por su parte, ‘Fleez’ anima al cambio al mismo tiempo que incorpora un sample de los mencionados ESG, a quienes a su vez cita.

El disco se cierra con una serie de canciones más vagas: deja muchas dudas ‘Different Today’, pegadiza tan sólo por su propia holgazanería, y la cosa no mejora mucho a continuación, pues ‘Mars’ no dura ni 2 minutos, lo cual significa que el primer disco de Yeah Yeah Yeahs en 9 años contiene 8 temas que duran en total 32 minutos. Un par de temas en serio más y tendríamos entre manos uno de los mejores álbumes de la banda.

Kanye West se afilia al «White Lives Matter» en la Fashion Week de París

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Kanye West, también conocido como Ye, ha sido el centro de una gran controversia en las últimas horas, a raíz de lo sucedido en un desfile de moda «secreto» durante la semana de la moda de París. El mismo Kanye West organizó el evento en el que aparecía vistiendo una camiseta con la frase «White Lives Matter», una versión reformulada del «Black Lives Matter» frecuentemente usada como alegato de odio.

Por delante, la camiseta incluía una fotografía del papa Juan Pablo II y también fue llevada por los modelos de la pasarela y por la comentarista conservadora Candace Owens, conocida por posicionarse a favor de Donald Trump y por criticar al movimiento Black Lives Matter. Momentos previos al inicio del show de la nueva temporada de Yeezy, Kanye dio su particular versión de una explicación sobre su vestimenta: «Aquí todo el mundo sabe que soy el líder… No podéis manejarme. Esto es una situación incontrolable». La modelo Naomi Campbell también estuvo presente en el evento, pero no llevó puesta la polémica camiseta.

Las críticas, como es normal, no tardaron en llegar. Lo que no ha sido normal es que Kanye West no haya hecho caso omiso al revuelo. El artista de ‘DONDA’ ha subido un post en sus stories de Instagram en el que se leía este mensaje: «Todo el mundo sabe que Black Lives Matter fue una estafa. Ahora se ha acabado. De nada». La cosa no acaba ahí, y es que en una actualización del asunto el veterano artista ha pedido que se hable de «cosas más importantes». Por ejemplo, y en sus propias palabras, «sobre cómo Bernard Arnault asesinó a mi mejor amigo». Arnault es el CEO de Louis Vuitton y, presumiblemente, el amigo al que se refiere West es Virgil Abloh, el exdirector artístico de la misma empresa que falleció el año pasado de cáncer.

En la misma semana, Kanye West también hizo su debut como modelo en la pasarela de Balenciaga, encargándose de abrir el show de esta temporada con un look que mezclaba lo militar con el street-wear. Además, semanas antes, el artista de Chicago también declaraba sus intenciones de abrir tiendas independientes de Yeezy por todo el mundo y de, posteriormente, «hacer la moda gratuita».

Muere Loretta Lynn, una de las grandes leyendas del country

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Loretta Lynn, cantante de country autora de clásicos como ‘Van Lear Rose’, ha fallecido hoy en su residencia de Tennessee a los 90 años, tal y como ha confirmado su familia, que también ha adelantado el anuncio próximo de un memorial para la artista. Lynn fue una de las primeras mujeres en convertirse en estrella dentro del género country durante las décadas de los 60 y 70 y llegó a ganar tres Grammys y a grabar un total de 60 discos.

Nacida en 1932, Lynn creció en Kentucky junto a su padre y sus siete hermanos. El hecho de que su padre fuese un minero de carbón le llevó a escribir su canción más exitosa, ‘Coal Miner’s Daughter’. Su marido Oliver, con el que se casó a la edad de 15 años y con el que estuvo durante 48 años, le compró una guitarra como regalo de cumpleaños en 1953 y empezó una banda con su hermano, Loretta & the Trailblazers. Lanzó su primer single en 1960 bajo el nombre de ‘ I’m a Honky-Tonk Girl’ y entre 1964 y 1976 experimentó su época más prolífica, lanzando entre dos y cuatro discos cada año.

Durante su carrera, Lynn se asoció con otras estrellas, tales como Conway Twitty, Dolly Parton y Tammy Wynette. Además mantuvo una amistad con la icónica Patsy Cline, a la cual dedicó un álbum tributo después de su fallecimiento en un accidente de avión en 1963. Desde mediados de los 80, sus lanzamientos se espaciaron más en el tiempo, pero tuvo un renacimiento en 2004 gracias al disco ‘Van Lear Rose’, producido por Jack White y sobre el cual publicamos un «Clásicos que nunca lo fueron». En 2016 publicó el disco más vendido de su carrera, titulado ‘Full Circle’, que contenía duetos con artistas de la talla de Willie Nelson y Elvis Costello. Su vida inspiró un biopic cinematográfico en 1980 bajo el nombre de ‘Coal Miner’s Daughter’ con el que Sissy Spacek se llevó el Óscar a la Mejor actriz tras su interpretación de Loretta Lynn.

30 años del día en que Sinéad O’Connor desafió al mundo

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El plató de Saturday Night Live se quedó helado. Nadie aplaudió. El realizador retiró el cartel de aplausos. En sus palabras, ese día, el estudio «se quedó sin aire». El sábado 3 de octubre de 1992, Sinéad O’Connor hizo pedazos una fotografía del Papa Juan Pablo II delante de la cámara del programa más visto en Estados Unidos, y protagonizó una escena que el mundo no ha podido olvidar. Aún vista a día de hoy, su visceral interpretación de ‘War’ de Bob Marley, y ese final en el que canta la palabra «malvado» mientras destripa una foto del Papa y desafía a “combatir el verdadero enemigo”, la Iglesia Católica, por su encubrimiento de casos de pederastia dentro de la institución, ponen los pelos de punta.

Sinéad, que en ese momento contaba 26 años, no tenía prevista exactamente su polémica actuación aunque es difícil pensar que no le rondara por la cabeza. Ya casi nadie recuerda que la cantante irlandesa se encontraba en Saturday Night Live para presentar su disco de versiones, ‘Am I Not Your Girl?’, y que antes de romper la famosa foto, cantó una primera canción, ‘Success Has Made a Failure of Our Home’. Su segunda aparición se iba a componer de una interpretación de ‘Scarlett Ribbons’, pero el día antes, Sinéad optó por ‘War’, una canción que ni siquiera formaba parte del disco.

Los realizadores de Saturday Night Live pensaban que Sinéad preparaba una segunda actuación donde iba a denunciar la guerra de de Bosnia, y durante los ensayos se la vio sosteniendo una fotografía que precisamente retrataba a un niño bosnio. Pero la irlandesa no iba a dejar pasar la oportunidad de denunciar la crisis de los abusos sexuales en la iglesia desde la mayor plataforma que se le había concedido, y cuando llegó el momento de sacar la foto, lo que vio el público fue una instantánea del Papa, después rota en varios pedazos. Cuando la intérprete volvió al backstage se encontró con que todo el mundo se había esfumado, incluido su mánager.

El programa recibió cerca de 5.000 llamadas esa noche, solo 7 de las cuales apoyaron la acción de Sinéad. La mayoría condenaron su atrevimiento, y la reprobación llegó a las calles. En el centro de Nueva York se celebró una destrucción masiva de CDs de O’Connor: alguien pasó una apisonadora industrial por encima de una montaña de discos de la cantante.

La atmósfera inquietante que inundó el plató continuó durante el resto de la emisión. Hay que recordar que todos los sketches del programa se hacen en directo, y poco se habla del sketch que sucedió al incidente de O’Connor, protagonizado por el presentador de la noche, Tim Robbins, y por Ellen Cleghorne, Melanie Hutsell y Rob Schneider. Quedó gracioso pero los actores no las tenían todas consigo con que el público se fuera a reír tranquilamente después de lo ocurrido. Para Robbins fue un gag especialmente difícil de hacer.

Como suele ocurrir en Saturday Night Live, la artista invitada volvió a aparecer en el programa al final, en el segmento de despedidas y agradecimientos. Robbins dio las gracias a su pareja de entonces, Susan Sarandon, por haber acudido al programa (por cierto, el día de su cumpleaños) pero pasó de dar las gracias a Sinéad, quien le acompañaba en el escenario. Es digno de mención que, a día de hoy, el canal de Youtube de Saturday Night Live sigue sin publicar oficialmente la polémica actuación de Sinéad en su canal y que las reemisiones en televisión siguen pasando imágenes de la prueba de vestuario, en lugar de las que hoy nos ocupan.

13 días después, Sinéad apareció en un concierto tributo a Bob Dylan celebrado en el Madison Square Garden. La artista fue abucheada por el público y, después de un fallido intento por cantar la canción que había preparado, improvisó una interpretación de ‘War’ más apasionada aún que la vista días atrás. Al terminar, se echó a llorar en brazos del cantautor Kris Kristofferson, que la había presentado en el escenario. Le dijo, al oído, que no hiciera «caso a esos bastardos». En 2009, Kristofferson dedicó una bonita canción a su «hermana Sinéad» en la que cantaba que su mensaje se había malinterpretado y en la que celebraba su valentía: «es demasiado mayor para romperse, y demasiado joven para ser domada».

El tiempo quiso que la actuación de Sinéad en Saturday Night Live significara la «ruina» de su carrera, pero con el paso de los años se ha entendido que la autora de ‘Mandinka’ se enfrentó a la misoginia salvaje de la época. No hay más que recordar el capítulo siguiente de Saturday Night Live, donde el actor invitado Joe Pesci mostró la foto reconstruida y se burló de la cantante (también Madonna se sumó al escarnio contra la irlandesa). En realidad, O’Connor ya parecía estar orquestando el fin de su trayectoria en el mainstream con el lanzamiento, en pleno apogeo de su carrera, de un disco de versiones de jazz de los años 30 que seguramente nadie había pedido. Dos años antes, Sinéad alcanzó el número 1 con ‘Nothing Compares 2 U’, pero ya no parecía interesada en seguir por el camino del éxito.

Comercialmente, la carrera de Sinéad nunca se ha recuperado, pero ella no cree que la arruinase en absoluto. Según ella fue el número 1 de ‘Nothing Compares 2 U’ el que «descarriló mi carrera, y lo que la encarriló fue el momento en que rompí en pedazos esa foto». En ‘Rememberings’, su libro de memorias, lo deja aún más claro: «todo el mundo quiere una estrella de pop, pero yo soy una cantante de protesta. Tenía cosas dentro de mi pecho que debía sacar. No tenía ningún interés en la fama».

Cuando, en 2008, la Iglesia empezó a pedir perdón por los casos de pederastia encubiertos, la actuación de Sineád empezó a ser vista de otra manera. En el documental ‘Nothing Compares’, estrenado estos días, se sigue reivindicando su figura como «activista por los derechos humanos y la salud mental y como feminista y persona no binaria» completamente adelantada a su tiempo. Ella sí cambió el mundo, aunque tantos no lo vieran entonces.

El caos de los vinilos de Björk en España: dónde encontrarlos

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Fossora‘ de Björk es uno de los lanzamientos más importantes de la semana. El décimo álbum de la islandesa ha recibido críticas mayormente positivas, y se espera que el elepé debute dentro del top 10 de la lista de éxitos británica.

En España ese no será probablemente el rendimiento de ‘Fossora’. Son muchas las personas que acudieron a tiendas el pasado viernes para comprar el disco y se encontraron que estaba agotado o no disponible. En Barcelona hay tiendas donde ya se puede adquirir, como es el caso de DISCO 100, y otras donde llega mañana, 5 de octubre, como es el caso de Discos Revolver.

También mañana -si todo va bien- llega el vinilo de ‘Fossora’ a la tienda Bajo el volcán de Madrid, que confirma que el disco no ha contado con distribución en España y que las ediciones físicas están llegando desde la distribuidora Bertus, localizada en Holanda. La tienda Marilians también debería recibir los vinilos próximamente.

En cuanto a grandes almacenes, en Fnac Callao las ediciones físicas no llegaron el viernes, pero sí el sábado, y el mismo sábado se agotaron. Sí está disponible en las sucursales de Plaza Norte, Madrid Río, Goya o Parquesur, pero quedan muy pocas unidades en todos los casos. Y en El Corte Inglés de Callao, el disco es como si no existiera: «No hemos recibido ni el CD ni el vinilo, y lo que es más extraño, ni siquiera está dado de alta en el sistema», nos cuentan. Al menos los comercios pequeños sí esperan recibirlo esta semana.

Por otro lado, y de manera curiosa, las personas que han recibido el vinilo de ‘Fossora’ pedido por anticipado, y también el CD, han reparado en que las canciones suenan ligeramente diferente a las escuchadas en las plataformas digitales.

Como ha informado BjorkSpain en un hilo de Twitter, las primeras copias del vinilo que se han lanzado traen una mezcla diferente a la definitiva, adelantada para cumplir con la fecha límite en la producción de los discos, pero que no es la final. Ya se sabe que las fábricas de vinilos están saturadas, y Björk ha optado por mandar un «early mix» del álbum a las factorías para poder lanzar una primera tanda de vinilos en la fecha de estreno.

Así, el single ‘Ovule‘ no trae todos los arreglos escuchados en la versión publicada oficialmente, y El Guincho no aparece en los créditos de producción. Además, los hijos de Björk no hacen coros ni en ‘Ancestress‘ ni en ‘A Mother’s House’, en esta última falta el arreglo de clarinete, y el final de ‘Fossora‘ es distinto, también en la edición de CD, donde uno de los integrantes de Gabber Modus Operandi hace «screamo». Parece que el resto de pistas no presenta diferencias, y es de esperar que las siguientes ediciones físicas sí traigan la versión disponible en Spotify.



Depeche Mode presentarán su disco ‘Memento Mori’ en España

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Hoy es martes 4 de octubre, es decir, la fecha elegida por Depeche Mode para compartir noticias con sus seguidores. Como se rumoreaba, el grupo británico ha ofrecido una rueda de prensa en Berlín donde ha anunciado nuevo álbum y su gira de presentación, que visitará todo el globo a lo largo de 2023 entre los meses de marzo y agosto. La conferencia se ha podido ver online.

El disco recibirá el título de ‘Memento Mori’ (latín para «recuerda que debes morir») y será el decimoquinto de la carrera de Depeche Mode. El título parece una referencia al inesperado fallecimiento de Andy Fletcher, el que era tercer integrante de la banda, hace unos meses.

La gira de ‘Memento Mori’ será mastodóntica, empezará el 23 de marzo en Sacramento, California y pasará por España en junio: el día 2 recaerá en el festival Primavera Sound de Barcelona, y el 9 en la edición de Madrid. Después seguirá por otras ciudades europeas hasta concluir en Oslo.

Sobre el disco, Depeche Mode han contado que empezaron a trabajar en él a principio de la pandemia, por lo que cubre “temáticas inspiradas en esa época”. Tras el fallecimiento de Fletcher, el grupo siguió trabajando en el álbum porque “estamos seguros que es lo que él habría querido”.

Horas antes de la celebración de la rueda de prensa, por las calles de Alemania ya habían empezado a circular pósters que anunciaban paradas de la gira en Düsseldorf, y donde posan juntos Dave Gahan y Martin Gore, ya como dúo.

Coque Malla se retira temporalmente de los escenarios

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Coque Malla ha anunciado que se retira temporalmente de los escenarios para descansar. No obstante, el músico madrileño terminará la gira que le mantiene actualmente ocupado, ‘El viaje del astronauta gigante’, que aún debe pasar por cuatro últimas ciudades. Estas son las fechas:

– 12 de noviembre en A CORUÑA (Palacio de la ópera)
– 9 de diciembre en MÁLAGA (Sala París)
– 27 de diciembre en MADRID (Wizink Center)
– 29 de diciembre BARCELONA (Razzmatazz)

En una entrevista con La Razón, Malla explica que su parón será «indefinido» pero que se ceñirá a los escenarios y que seguirá trabajando de puertas adentro, pues prepara un nuevo disco que empezará a grabar el próximo mes de marzo.

El artista explica: «Necesito este parón. Han sido tres años sin descanso, el último muy intenso, y el cuerpo me lo pide. Hay proyectos ya bullendo en mi cabeza, planes paralelos, aunque hay que descansar, mirar hacia adelante y pensar ya en nuevas canciones. Así que el parón en realidad será más desde fuera, no tanto mío, que estaré en eso y en realidad no pararé. Es un descanso para el público, que necesita echar de menos, no uno necesario para mí, que no me canso del escenario. Me gusta mucho y lo disfruto, pero el público necesita descansar. Al fin y al cabo, el territorio es el que es y tres años con directos significa que hay sitios donde has estado varias veces en muy poco tiempo. Hay que parar».

El ex integrante de los Ronaldos, que, en los últimos tiempos, se ha crecido como autor en canciones tan excelentes como ‘Una sola vez‘, presentará por vez definitiva en directo su gira retrospectiva, basada en su disco ‘El astronauta gigante’, editado en 2021.

¿Reivindicando? a McNamara

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En los últimos días de septiembre se ha publicado la ansiada reedición de ‘Rockstation’ de Fabio McNamara y Luis Miguélez a través de Subterfuge. Con esta excusa, repasamos la carrera de La Fanny hasta llegar a la que fue su obra maestra en 2001, un año de pop que nos entusiasmó entre la renovación comercial de Fangoria, la publicación de los mejores discos de Astrud, Ellos o incluso Tamara.

Dedicamos el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO a hablar de la biografía de Fabio contada por Mario Vaquerizo, su trabajo con Almodóvar tan traído y llevado por las televisiones, o la deriva católica y ultraderechista del artista durante los últimos años. ¿Es posible reivindicar su figura, con todo lo que significó para la pluma, el travestismo, la improvisación o el humor, sabiéndole ahora abiertamente homófobo con la que está cayendo en toda Europa en cuanto a libertades y derechos?

En cualquier caso, en este capítulo no dedicamos más que un par de minutos a hablar de sus opiniones políticas, centrándonos en su carrera musical y cinematográfica, lo que incluye clásicos como ‘Voy a ser mamá’, episodios más desconocidos como Fanny y los +, más de un disco junto a Luis Miguélez, quien por fin ha visto su nombre reconocido en la portada de ‘Rockstation’, o la última etapa de Sarassas Music. Aunque ni el propio Fabio parezca muy presente en esos últimos discos, que considera «garabatos», en ellos también había alguna cosa reivindicable.

Relacionados: los discos de Pegamoides y Dinarama

SZA dice que no tiene prisa por sacar su segundo disco

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Cuando se habla de discos que son clásicos contemporáneos, muchas veces se tiene en cuenta más la calidad que las cifras. SZA puede decir que ‘Ctrl‘, su debut, publicado en 2017, cumple ambos factores: el disco recibió valoraciones excelentes a su lanzamiento y, mejor aún, como el primero de Lana Del Rey, la gente de Estados Unidos no se cansa de él: ‘Ctrl’ lleva CINCO años dentro de la lista de álbumes de Billboard, y nunca se ha apeado de ella. Esta semana ocupa el puesto 28, como si hubiera salido hace un mes, y no hace un lustro.

En todo este tiempo no nos hemos dejado de preguntar dónde exactamente está el segundo disco de SZA, pero con ‘Ctrl’ todavía en lo más alto de las listas, no extraña que la artista diga que no tiene «ninguna prisa» por sacarlo.

Sus declaraciones se han producido en Complex. Ha dicho que el disco saldrá cuando tenga que salir, que no está cumpliendo ninguna fecha límite, e incluso ha asegurado que no está «apegada» a su profesión y que se ve dedicándose a otra cosa en el futuro, que «ya verá» adónde le lleva su carrera.

De momento, el disco existe, se supone completado, y SZA ha descrito su sonido. O, al menos, lo ha intentado. El dispar sonido de singles como ‘Hit Different’ y ‘Good Days‘ sugería que Solana no sabía muy bien qué tipo de disco estaba haciendo, y la artista ha confirmado esta observación en la entrevista.

«No tengo ni idea de qué va el disco ni cómo suena» han sido sus palabras exactas, a las que ha añadido que el elepé «tiene de todo un poco», que es un «poco batiburrillo», y que «algunas partes son agresivas, otras suaves, algunas canciones son baladas». Este caos refleja el «corazón» de SZA en este momento y, por eso, la artista sigue su instinto y se queda con las canciones buenas, aunque no terminen de encauzar el disco hacia ninguna dirección concreta.

A espera de noticias acerca del segundo álbum de SZA, la artista ha triunfado recientemente con sus singles sueltos, muy especialmente con su colaboración con Doja Cat en ‘Kiss Me More’, pero también en solitario con ‘I Hate U‘ o, recientemente, con su dueto con Doechii en ‘Persuasive’.

‘Wolf’ debería ser el nuevo hitazo de Yeah Yeah Yeahs

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Cuando ya no pensábamos que lo verían nuestros ojos, esta semana han vuelto Yeah Yeah Yeahs. ‘Cool It Down’ es su primer álbum en 9 años, el primero desde el incomprendido ‘Mosquito’.

El disco se ha presentado con un corte más ambiental y cinético de lo habitual, un dúo junto a Perfume Genius, un nombre no tan asociado a las pistas de baile rock e indie como los inicios de la banda de Karen O. Pero tras presentarse ‘Burning’, el largo -que es muy corto-, esconde más de una gema, entre la que destacamos el focus track ‘Wolf’, hoy la “Canción del Día” en nuestra web.

Si algunas grabaciones de Yeah Yeah Yeahs tenían un espíritu bailable aun siendo rock, ‘Wolf’ es una de sus canciones más sintéticas. La contundencia incluso hace pensar en los Pet Shop Boys más abrasivos. Su letra sobre un lobo hambriento, o mejor dicho, una loba como la de Shakira, versa sobre nuestra atracción por el mal. “Estoy perdida y sola, solo siento hambre por ti (…) perdí mi gusto en pos del infierno”.

Como es habitual, Karen O hace más atractivo el sencillo texto con una interpretación vocal llena de carisma, cuyo clímax se produce en el último minuto de este ‘Wolf’. Un tema que playlists como All New Indie ya están apoyando masivamente y que si hay justicia en el mundo debería dar el salto a las generalistas cual hit de Glass Animals.

Alba Reche, Zahara, Dorian… en la lista de discos española

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El veraniego disco de Bad Bunny, el último de Feid y el ‘MOTOMAMI’ de Rosalía forman el Top 3 en la lista de discos más populares en España. Hoke y Louis Amoeba son desbancados del número 4 por ‘El Madrileño’ de C. Tangana, que ha subido desde el número 7, haciendo que ‘BBO’ ahora ocupe el 6º puesto de la lista.

El aumento más grande en popularidad lo ha experimentado el último proyecto de Daddy Yankee, ‘LEGENDADDY’, lo cual le ha ayudado a subir del puesto 32 al 29.

Alba Reche protagoniza la entrada más fuerte de la semana colocándose en el número 5 del ranking, gracias al lanzamiento de su nuevo EP, ‘honestamente triste’. Este proyecto llega un año después que ‘mi pequeña semilla’, el segundo álbum de Reche, que contenía colaboraciones con Fuel Fandango y Çantamarta.

A Zahara tampoco le ha ido mal, ya que ha debutado en 11ª posición con ‘REPUTA’, la reinterpretación del anterior ‘PUTA’. En los puestos 15 y 17, respectivamente, debutan 5 Seconds Of Summer con ‘5SOS5’ y Alice In Chains con ‘Dirt’. En el número 21, el mítico rapero SHO-HAI entra en el ranking con ‘Polvo’. La última entrada en esta mitad de lista es para ABBA, que ha debutado con otra edición de ‘Gold’ en el número 34.

Motörhead entra en la posición 58 con la edición 40 aniversario de ‘Iron Fist’, Dorian entra en el puesto 67 con ‘La Ciudad Subterránea’ y Mark Owen debuta en el 75 con su ‘Land Of Dreams’. Finalmente, la última entrada en lista es de Editors con ‘EBM’, en el puesto 83. A su vez, Ludovico Einaudi (‘Underwater’), Taylor Swift (‘Evermore’) y Arde Bogotá (‘La Noche’) regresan al ranking en los puestos 86, 91 y 100, respectivamente.

‘Moonage Daydream’, el caótico collage de David Bowie que vuela cabezas

¿Cómo afrontar el documental sobre un artista con una carrera tan longeva como la de David Bowie? Las posibilidades son infinitas, las cumbres tantas como para llenar al menos medio docena de películas de Hollywood. Todo lo que rodeó al nacimiento y muerte de su alter ego Ziggy Stardust, la sucesión de obras maestras que publicó en los años 70 en forma de álbum, la época en la que huyó de las drogas hacia Berlín y publicó su trilogía mítica, el concierto interpretando ‘Heroes’ que simbolizó la reunificación alemana, el enorme comeback de Glastonbury en 2000, sus últimos años de nueva reconciliación con el público y finalmente la enfermedad y la muerte… He visto larguísimos documentales e intensísimas películas sobre artistas con mucho menos que contar.

Pues bien, ‘Moonage Daydream’ pasa por encima de casi todo esto, evitando el clímax a la americana en sintonía con un hombre entregado a su artisticidad. Y que nadie piense que este es el típico documento ideado para vanagloriar a una persona que ya no está entre nosotros, que también hay por supuesto algo de eso. Pero hay que reconocer que las dudas que genera entre su público más exigente la deriva comercial de ‘Let’s Dance’ (1983) y la decepción que entre algunos genera su éxito masivo -y por extensión sus erráticos años 80 y 90- también están reflejados en esta cinta.

Brett Morgen, responsable de cintas como ‘Kurt Cobain: Montage of Heck‘ (2015), mantiene su particular estilo. Tras contar con el apoyo de la familia de Bowie, ha pasado 4 años sumergiéndose en material no tan visto ni oído. El director se ha servido de grabaciones de giras y actuaciones de David Bowie durante los años 70, 80 y 90, así como de extractos de entrevistas y declaraciones usados a modo de narración para contarnos quién era el artista y cuáles eran sus inquietudes como conceptualista.

Las actuaciones y sus entrevistas conservan el magnetismo de siempre, mostrando a un hombre andrógino increíblemente adelantado a su tiempo, que tenía que explicar en la televisión de los primeros años 70 por qué le apetecía maquillarse o travestirse. «No son botas ni de hombre ni de mujer, son solo unas botas, tonto», respondió a un entrevistador hace medio siglo. Las performances en sí sacan nueva punta a canciones olvidadas como ‘Hallo Spaceboy’ así como a clásicos jamás olvidados como ‘Life on Mars?’ o ‘Changes’. Pero hay mucho más.

Morgen no se ha quedado ahí, sino que ha escarbado entre las palabras grabadas en distintos formatos por Bowie para tratar de trasladarnos su visión sobre conceptos como el tiempo, el caos, el amor, la religión o el conocimiento de uno mismo. Arranca el guión con un escrito suyo sobre Nietzsche y la muerte de Dios y escuchamos su visión sobre los ciclos de la vida política; todo ello sin lugar para las polémicas al respecto –que las hubo-, simplemente maravillándonos de aquellos tiempos en que era habitual escuchar a un artista hablar de arte, política o sociedad, mojándose sin miedo a perder audiencia o ser malinterpretado.

Más allá aún, ‘Moonage Daydream’, a diferencia de otros documentales sobre artistas de música pop, se complementa con todo un festival de ráfagas de obras pictóricas, cinematográficas y de otras disciplinas, en relación con la propia obra del artista. Hay momentos tan imaginativos y ricos que el histórico 8º capítulo de la 3ª temporada de ‘Twin Peaks’ viene a la cabeza en su búsqueda de respuestas (porque la «búsqueda» era un concepto esencial para David Bowie).

‘Nosferatu’, ‘Un perro andaluz’, ‘La naranja mecánica’, ‘Metrópolis’, ‘Fantasía’, ‘Barbarella’, obras de Picasso y Pollock son solo algunas de las decenas y decenas y decenas de obras avistadas durante un segundo que aparecen aquí porque le enriquecieron -como él mismo reconoce en un momento- y de las que en algunos casos participó. ‘En el laberinto’ o ‘Feliz Navidad, Mr Lawrence’ tampoco podían faltar. Y todo ello surtido con una banda sonora de directos, nuevas mezclas y rarezas orquestada por Tony Visconti. El collage es apabullante.

A medida que el documental avanza en sus 135 minutos, echa de menos algún tipo de punto de inflexión que por un momento parece que va a constituir Berlín, ‘Let’s Dance’ o su retiro. Pero tampoco era tan imprescindible. Es fascinante que se pueda hablar durante más de 2 horas del artista sin caer en terrenos comunes como su uso de las drogas, su primer matrimonio, su paternidad, sus problemas de salud, ni a duras penas lo que para él significó el amor.

Su matrimonio con Iman sí aparece como un elemento que le distancia de la carretera. En los últimos años, vemos fragmentos de videoclips de ‘The Next Day‘ o ‘Blackstar‘, a sabiendas de que ya no había directos ni entrevistas, por lo que el material disponible es más limitado. Pero no pasa nada: ‘Moonage Daydream’ deja por sí mismo suficiente material como para soportar un segundo, un tercer y un cuarto visionado. Brett Morgen dice que quien quiera saber de la vida de Bowie, se mire una biografía; que él ha preferido utilizar el lenguaje cinematográfico en todo su esplendor para transmitir otra cosa. Y vaya si lo ha conseguido.

Podcast: Los 10 discos de Bowie que debes escuchar

‘Unholy’ debuta en lista junto a Aitana, Rauw Alejandro…

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‘Quédate’ está en el Top 1 de la lista de singles española una semana más. El resto del Top 5 es el mismo que la semana pasada, con Manuel Turizo y Rosalía en los puestos 3 y 4 y Quevedo ocupando las posiciones restantes, con ‘Vista Al Mar’ en el número 2 y ‘Sin Señal’ en el 5. David Guetta y Bebe Rexha protagonizan la subida más importante de la semana, gracias a la cual el improbable hit de ‘I’m Good (Blue)’ ha pasado del número 36 al 21.

La entrada más fuerte de la semana se la lleva ‘Otra Vez’ de Aitana que ha debutado en el puesto 40 de la lista de éxitos. Siguiéndole de cerca está el macro hit global de Sam Smith y Kim Petras, ‘Unholy’. Pese a posicionarse como número 1 en más de 10 países, ‘Unholy’ no lo ha pegado muy fuerte en España, debutando en el número 49. Pasando la mitad de ranking encontramos a Pablo Pesadilla, Polimá Westcoast, Nickoog Clk y Fran C entrando en el número 56 con ‘BABY OTAKU’. Un puesto más abajo se posiciona la colaboración de Rauw Alejandro y Baby Rasta, ‘PUNTO 40’.

En el puesto 95, Mora asiste a paopao en el remix de ‘algo así’. Un puesto más abajo, en el 96, entra el himno del Mundial de League of Legends de este año, ‘STAR WALKIN’, elaborado por Lil Nas X. Dani Fernández se coloca en la posición 98 con ‘Dile a los demás’ y Bad Bunny hace una reentrada justita con ‘Yonaguni’, que se ha posicionado en el número 100. El ultra exitoso single de Bad Bunny alcanzó su posición máxima en el número 2.

Beyoncé lanza mini vídeo de ‘SUMMER RENNAISANCE’ con Tiffany

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Beyoncé ha lanzado, como parte de una campaña de Tiffany & Co., algo cercano a un vídeo musical de ‘RENNAISANCE’, sin olvidar el teaser de ‘I’M THAT GIRL’. La canción protagonista es ‘SUMMER RENNAISANCE’ y se reproduce complementando un vídeo de un minuto en blanco y negro con temática de club. El clip está dirigido por Mark Romanek, reputado director de películas y videoclips y ganador de tres Grammys al Mejor vídeo musical.

El vídeo es motivo de la campaña ‘Lose Yourself In Love’, de la marca de joyas Tiffany, y es descrito como «una película del himno de una campaña de marca». El clip comienza con un plano de Beyoncé andando de espaldas en un oscuro pasillo mientras se escucha la música del club de fondo, que naturalmente es ‘SUMMER RENNAISANCE’. Desde ahí, el vídeo se intercala con planos rápidos de los bailarines en la pista y los DJS, y con imágenes de la cantante atrayendo la mirada de todos los presentes.

En los últimos segundos del vídeo, Beyoncé se monta en el ya icónico caballo translúcido de la portada del disco y el tema cambia directamente a la parte en la que esta pide una «round of applause». El clip incluye 90 bailarines moviéndose alrededor de la cantante y a Beyoncé vistiendo con un diamante de más de 10 quilates en un anillo de platino.

Rigoberta Bandini revela el tracklist de ‘La Emperatriz’

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A falta de días para que llegue su esperado disco de debut, pues ‘La emperatriz‘ se publica ya este mismo viernes 7 de octubre, Rigoberta Bandini ha concedido una entrevista a El País donde ha revelado algunos detalles más.

Hasta hace nada el tracklist de ‘La emperatriz’ seguía siendo un secreto muy bien guardado, pero gracias a un post de Instagram de la artista la lista de temas ya ha sido revelada. Con esto se confirma, tras lo publicado en la entrevista de El País, que las canciones ya conocidas son 8 y las nuevas 4. Entre las conocidas figuran sus primeros tracks, como ‘In Spain We Call It Soledad’, ‘Too Many Drugs’ y ‘Que Cristo Baje’, y los éxitos posteriores de Bandini, como ‘Ay Mamá’, ‘Perra’, ‘Julio Iglesias’, ‘A Todos Mis Amantes’ y ‘Así Bailaba’. Faltan ‘Fiesta’ y ‘A ver qué pasa’, esta última rondando el disco de platino.

Entre las nuevas, hay 2 dedicadas a su hijo, una de ellas titulada ‘Canciones de amor a ti’. Juzgando por el título, todo indica que la otra canción dedicada es ‘Tú Y Yo’. ‘Que Vivir Sea Un Jardín’ y ‘La Emperatriz’, en este orden, serán los dos últimos temas del disco debut de Rigoberta Bandini.

También ha desvelado en Instagram que hay un focus track para este viernes. Ha usado la frase «Me he olvidado de quién fui antes de subirme al toro», lo cual parece más un guiño a la letra o a un vídeo que un título de canción. Porque a su vez, El País desvelaba que ha entrevistado a Rigoberta Bandini en medio de un rodaje de un vídeo con C. Tangana que va a servir de promo a ‘La emperatriz’. No se indica que sea un dueto entre ambos, sino un vídeo de promo.

En otras partes de la entrevista, Rigoberta Bandini habla de su relación con Chanel y la rabia que le da que las hayan enfrentado al término de Benidorm Fest: «Chanel y yo no somos las mejores amigas, aunque le podría escribir para tomar una birra. Es una persona a la que tengo mucho cariño y una profesional como la copa de un pino. Somos, simplemente, diferentes tipos de artista. Pero nos utilizaron porque somos mujeres. Esta politización no suma mucho».

Y también desmiente ser del Opus y habla de los rumores sobre si es una pija de Barcelona, algo que ha rondado foros y redes sociales desde siempre: «Mi madre es profesora de música en un colegio y sigue allí; mi padre trabajaba en la empresa de mi abuelo, que luego cerró… No he vivido una sensación de “tengo la vida solucionada”. En absoluto. Llevo haciendo doblaje de películas desde los seis años y no he pedido un euro a mis padres nunca. Siempre me he mantenido. No he vivido en la precariedad, eso es verdad, y doy gracias. Pero de ahí a ser una marquesa, tampoco».

Tracklist:
1. In Spain We Call It Soledad
2. Ay Mamá
3. Perra
4. Canciones de Amor a Ti
5. Julio Iglesias (New Mix)
6. A Todos Mis Amantes
7. Así Bailaba feat. Amaia
8. Que Cristo Baje (New Mix)
9. Tú y Yo
10. Too Many Drugs
11. Que Vivir Sea un Jardín
12. La Emperatriz

Podcast: el disco perfecto de Rigoberta Bandini

Bono presentará en Madrid su libro de memorias, ‘Surrender’

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Bono de U2 ha anunciado una gira mundial para acompañar la salida de su primer libro de memorias, ‘Surrender: 40 Songs, One Story’, que saldrá a la venta en España el próximo 3 de noviembre a través de Reservoir Books. La gira llevará al frontman de U2 alrededor de 14 ciudades de todo el mundo, entre las cuales figura Madrid, la cual visitará el 28 de noviembre. En estos shows Bono llevará «en persona y en directo» las historias de su vida a la audiencia «en una tarde de palabras, música y alguna travesura».

‘Surrender: 40 Songs, One Story’ repasará la vida de Bono a través de 40 canciones que han marcado la trayectoria de U2 y el cantante irlandés lo presentará en el Teatro Coliseum de Madrid el 28 de noviembre. Las entradas saldrán a la venta el próximo viernes 7 de octubre a las 10 de la mañana y cada entrada incluirá un ejemplar del libro en castellano. Además, la obra incluirá ilustraciones originales dibujadas por el propio músico. Cada capítulo llevará el título de una canción de U2 y el primero se llama naturalmente ‘Out of Control’, el primer single de U2, que se editó en el año 1979.

Bono ha contado en un comunicado que echa de menos «estar en el escenario y la cercanía del público de U2». Además, ha avanzado cuál es su intención con las actuaciones de esta gira: «En estos shows tengo algunas historias que cantar y algunas canciones que contar. También quiero pasármelo bien presentando mis memorias, que es en realidad «nuestras» memorias si pienso en toda la gente que me ayudó a pasar de allí a aquí».

Adé / Et alors?

Adé (alias de la francesa Adélaïde Chabannes) no sale de la nada: antes de este disco de debut formó parte del grupo Thérapie TAXI, nacido en París en 2013, un trío que se convirtió en fulgurante fenómeno de masas por éxitos como ‘Hit Sale’ (junto al hermano de Angèle, Roméo Elvis), ‘Candide Crush’ o (mi favorita y más reciente) ‘Été 90’. Tras ocho años y dos álbumes se separaron el año pasado (Le Monde calificó su último concierto en el Zénith de “funeral grandioso”).

Pongamos la evidencia sobre la mesa nada más empezar: a pesar de la estética que rodea al disco (portada, fotos de promo, literatura que adorna las notas de prensa), ‘Et alors?’ no es un disco de country ni de americana. Desde la primera escucha es evidente que en lo musical el toque americano no va más allá del uso de guitarras pedal steel y banjos que aparecen en momentos instrumentales puntuales de casi todas las canciones. Por lo demás, en lo que a factura estilística se refiere, estamos ante un disco de pop. Incluso la única canción con ese deje algo más pronunciado (‘Si tu partais’) está cantada con un estilo totalmente enmarcado en el pop francés, y sería el único ejemplo de ese híbrido entre country y pop que Adé originalmente planteaba, inspirada en su obsesión preadolescente por ‘Come on Over’ de Shania Twain y la más reciente por el ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves. Quizá el otro mash-up conceptual que la artista ha citado (“conciliar la modernidad de Lorde y el clasicismo de Joni Mitchell”) tenga más sentido en algunos momentos, pero en el fondo, ¿qué necesidad hay de etiquetar?

Porque junto a esa evidencia se encuentra la otra, que en realidad es la importante: estamos ante un disco de pop sensacional. Los adelantos de ‘Si tu partais’, la preciosa ‘Sunset’, y sobre todo esa maravilla titulada ‘Tout Savoir’ eran muy prometedores, pero ¿cómo imaginar que prácticamente todo el disco iba a estar lleno de buenas canciones, con impecables estrofas y estribillos? Impresiona bastante que composiciones tan brillantes sean 100% Adélaïde Chabannes en estos tiempos de comités compositivos.

A lo largo de toda la primera cara las alegrías son múltiples: canciones como la aparentemente inofensiva ‘Side by Side’ resultan placenteramente pegadizas y ‘Q’, con su estribillo que reza “mêle toi de ton cul, ouais” (“ocúpate de tus putos asuntos”) está destinada a convertirse en un himno tremendamente coreable por los fans nostálgicos del antiguo grupo de Adé (es de hecho la canción elegida para su nuevo vídeo). La propia ‘Avec des si’ podría ser casi una canción de Therapie TAXI, porque es otro banger instantáneo, con un post-estribillo delicioso y trepidante. En temas como este destaca la gran labor de los coproductores Romain Descamps y Egil Franzen, del grupo belga Puggy, que han dado a la música un empaque contundente sin perder la dulzura inherente a las composiciones y la voz de Adé. Un equilibrio de ingredientes que integra a la perfección guitarras acústicas, sintetizadores, bajos pulsantes y beats pop.

En el apartado letras es donde la artista se aleja más de su antigua banda: donde antes había textos a menudo provocativos (casi siempre escritos por sus compañeros), ahora encontramos reflexiones acerca de desamores, y sobre ganas de arriesgarse y avanzar en la vida. Esto choca en algunos momentos con el propio planteamiento muy pop de las canciones, reduciendo a veces los versos a una cierta insustancialidad. Pero cuando da en la diana, la combinación resulta perfecta. Como en ‘Tout Savoir’, que aparte de ser ya una de las mejores canciones de 2022, brilla con esa letra de incertidumbre y deseo de ver la luz: “sueño con comprender las cosas, y saber por qué / querría saberlo todo, ver en la oscuridad”. O en la estampa romántica de ‘Solitude imprévue’ y su soledad imprevista bajo un paraguas un día lluvioso (menos cliché de lo que suena y envuelta en un exquisito armazón pop 90s que recuerda a los Cardigans). Incluso en el irresistible estribillo de aceptación y positividad de ‘Insomnies’ (“en la violencia, bailo / ante el sufrimiento, prudencia”), un tema en el que la interpretación vocal es particularmente bella.

Las dos últimas piezas brillan especialmente: el compás de 3/4 de ‘Berceuse’, sus armonías vocales con vocoder y esos arreglos que tan bien integran sintes y esas guitarra pedal steel grabadas especialmente en los estudios Sound Emporium de Nashville aúpan otra de las mejores melodías del álbum. Y el cierre con ‘Bonne année’ te deja preguntándote maravillado cómo esta artista es tan capaz de inyectar vida nueva melódica a secuencias de acordes tan transitadas tras décadas de música pop. No es un logro fácil, y Adé tiene ese toque mágico.

‘Et alors?’ es pues un brillante eslabón más en esa tradición pop francesa de los últimos veinte años, que une con un hilo invisible de melodías irresistibles y bonitas voces- cada cual en su estilo- a Autour de Lucie, Keren Ann, La Femme, Clara Luciani, Vendredi Sur Mer, Pomme, Pi Ja Ma, Requin Chagrin y un sinfín más. Lo verdaderamente raro es encontrar una colección de canciones que -salvo un par de piezas más discretas- es completamente redonda.

Brian Cross y Santaflow, en el festival de VOX del Espacio Mad Cool

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Con VOX cayendo en las encuestas tras el decepcionante resultado andaluz y la crisis propiciada por la marcha y abortado regreso de Macarena Olona, el partido de ultraderecha volverá a tratar de utilizar la proximidad del 12 de Octubre a su favor.

Los días 8 y 9 de octubre han montado un festival en el Espacio Mad Cool de Madrid (Valdebebas), de carácter gratuito, pero al que el público se puede inscribir. 17.000 asistencias se han confirmado para el evento llamado Viva 22, según el partido de Santiago Abascal.

La derecha siempre ha tenido dificultades para sumar apoyos del mundo de la cultura para actos, actuaciones, conciertos o simplemente para poder pinchar música sin que el artista se queje o incluso denuncie; por lo que es noticiable qué ha conseguido la ultraderecha para su cartel, en lo que parece un «más difícil, todavía».

El DJ de house Brian Cross, que en el pasado ha colaborado con gente como Mónica Naranjo o Sophie Ellis-Bextor, es el gran cabeza de cartel. El resto se compone casi en su totalidad por artistas desconocidos. El “rap protesta” de G. Babe y P.Amdrey se mueve entre los 200 y los 2000 oyentes en Spotify, mientras Green Velvet es un grupo de rock con 1000 followers en Instagram.

Los Meconios tienen temas llamados ‘Somos españoles’, ‘El machista no soy yo’ y el paródico ‘Stop Fachas’, que han funcionado sobre todo en Youtube. En Spotify tienen solo 700 oyentes, pero algunos vídeos sí se han viralizado algo más en el visor de Google. ‘Somos españoles’ se acerca, por ejemplo, al medio millón de visitas.

La gran estrella del evento, aparte de Brian Cross, parece Santaflow, que sí cuenta con varios éxitos en las diversas plataformas de streaming tanto en solitario como colaborativos, como ‘Las cartas sobre la mesa’ o ‘La locura está en mí’ con Porta y Eneyser. Esta incluía los versos:
«Me he follado a tantas divas que no sé si tengo el sida
Daría mi coche por tirarme a Angelina Jolie
Y grabarla haciéndome un paja con los pies
Quiero pegar al mariconazo de Jorge Javier
Y que quede muda la burra de Belén Esteban»


Kendrick Lamar y Sampha beben como machotes en la crítica ‘Father Time’

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Kendrick Lamar ha acudido este fin de semana a Saturday Night Live para recordar que tiene un disco nuevo en la calle. ¿Ha pasado desapercibido «Mr Morale«? Sí más que otros discos del artista, pero tampoco podemos considerarlo un fracaso total: aún sobrevive en el top 25 de Estados Unidos y en el top 100 británico. Podría ser peor.

El artista ha reivindicado en SNL el que ha sido de momento el único pequeño hit del disco, ‘N95’, hace tiempo en cualquier caso desaparecido de las listas, junto a otros temas del álbum. En concreto ha retomado lo que era el tramo central del CD 1 de ‘Mr. Morale & the Big Steppers’. Primero ha unido ‘Rich Spirit’ a ‘N95’ en una minimalista actuación en la que la propia sombra de Kendrick Lamar se libera del rapero. Y después ha interpretado aparte ‘Father Time’, su colaboración con Sampha -con Sampha de cuerpo presente- que escogemos como «Canción del Día» hoy.

La canción arrancaba con unas cuerdas que nos hacían pensar en el Sampha más clásico, mientras escuchábamos a unas voces debatir si Kendrick necesitaba o no necesitaba terapia. Después, el tema se transformaba en un tema de neo-soul bastante clásico, en el que se produce una lucha de contrastes.

Por un lado, Kendrick Lamar habla de la masculinidad tóxica, de cómo a los hombres nos enseñan a esconder nuestras emociones (“Daddy issues, hid my emotions, never expressed myself”) y a ser competitivos (“Daddy issues kept me competitive, that’s a fact, nigga”). “Daddy Issues” podría ser el nombre de esta canción que también referencia los reiterados beefs de Kanye West con Drake. Más de lo mismo.

Por el contrario, Sampha entona el dulce estribillo, en el que no obstante las emociones continúan siendo crudas. El juego de palabras “neat, no chaser, neat, no chaser…” apela a la costumbre de tomar chupitos a palo seco, sin complementos que rebajen el alcohol. Un tema de mensaje relevante, por tanto, que merecía la pena rescatar del olvido.

Las mejores canciones del momento: septiembre 2022

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Una vez finalizado el mes de septiembre con las ardientes novedades del pasado viernes, como los nuevos discos de Shygirl y Björk, recopilamos en una playlist las canciones que más han gustado en la redacción en los últimos tiempos. Han sido o serán, ambas «Disco de la Semana», al igual que lo fueron en semanas recientes Angel Olsen -con motivo de su gira por España- y Jockstrap. Recordamos temas favoritos, nuevos singles o bonus tracks de otros artistas o discos que también fueron «Álbum de la Semana», como ha sido el caso de Magdalena Bay, Fontaines D.C. y León Benavente.

Entre los artistas que más nos han entusiasmado con sus últimos singles están Jamie xx, Kali Uchis, ALMA o la colaboración con REMA y Selena Gómez. Anticipan sus nuevos álbumes gente tan querida como Arctic Monkeys, Weyes Blood, Natalia Lafourcade, Alvvays o La Bien Querida, pero tampoco perdemos la vista a artistas nuevos o simplemente más desconocidos, como aroa ay, CATT o Rachel Bobbitt.

Adé / Tout savoir
Shygirl / Firefly
Jamie xx / KILL DEM
Fred again.. / Danielle (smile on my face)
Kali Uchis / No hay ley
ALMA / Summer Really Hurt Us
Björk / Atopos
Rema, Selena Gomez / Calm Down
Jockstrap / Greatest Hits
Weyes Blood / It’s Not Just Me, It’s Everybody

Miya Folick / Bad Thing
Alizzz / Que pasa nen
aroa ay / Xqnoo:(
Romeo Santos, Rosalía / El Pañuelo
La Bien Querida, Santiago Motorizado / La cruz de Santiago
Natalia Lafourcade / De todas las flores
Bizarrap, Quevedo / Quevedo: Bzrp Music Sessions, Vol. 52
Khalid / Satellite
WILLOW / curious/furious
Alvvays / Easy on Your Own?
Magdalena Bay / All You Do

CATT / Wild Heart
Rachel Bobbitt / more
Angel Olsen / Big Time
Arctic Monkeys / Body Paint
Freddie Gibbs / Dark Hearted
Vera Blue / Mermaid Avenue
Björk, Kasimyn / Fossora
León Benavente / Mítico
Dragonette / Twennies
Fontaines D.C. / The Couple Across the Way

Avalanches cancelan su gira por enfermedad grave

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The Avalanches no van a poder cumplir con sus compromisos contractuales en Norteamérica por razones de causa mayor. El grupo autor de uno de los mejores discos del siglo XXI, ‘Since I Left You’, y más recientemente de uno de los también mejores discos de 2020, ‘We Will Always Love You‘, ha tenido que cancelar por razones de salud.

Sin especificar ni el miembro de la banda que está enfermo, ni tampoco la enfermedad, The Avalanches indican que no podrán actuar durante el mes de octubre en Nueva York, Chicago, Boston, Filadelfia, Detroit, Chicago, Toronto o Montreal. Este fin de semana que acaba de terminar actuaban el sábado 1 en Chicago y el domingo 2 en Detroit.

Sí han especificado que la situación es complicada, que la cancelación «se debe a una enfermedad grave». Anteriormente, la gira había sido pospuesta desde febrero y marzo por «continuos problemas de salud».

Indican: «Lamentablemente, debido a una enfermedad grave, hemos tenido que tomar la dolorosa decisión de cancelar el resto de nuestros conciertos estadounidenses y canadienses para volver a casa. Gracias a todos los que habéis hecho esta gira tan divertida, y disculpas a todo el que tuviera entradas para los conciertos que quedan. Todos los que compraron entradas serán contactados con los detalles de la devolución».

Actualmente, Robbie Chater y Toni Di Blasi son los miembros fundadores que continúan en Avalanches, tras la marcha en 2006 de Darren Seltmann. No se espera que el dúo, siempre receloso de su intimidad, dé más detalles en días venideros.

Confeti de Odio / Hijos del Divorcio

«Lucas domina como pocos el recurso del patetismo». No me quito de la cabeza esta frase promocional del segundo disco de Confeti de Odio, ‘Hijos del divorcio’. El debut del artista se llamaba ‘Tragedia Española‘, resultando muy querido en el underground patrio: listas de los mejores discos de 2020, nominación al Premio Ruido… está claro que el indie siempre ha gozado un poquito de revolcarse en el fango y este álbum sigue por ese sendero.

‘Hijos del divorcio’ parte de la sencilla teoría de que la mala educación que recibimos de nuestros padres provoca que hagamos daño al prójimo. Que todo el daño que nos hacen nuestras parejas o amigos termina revertido malamente en otras personas. Las madres son «fábricas de traumas» para Confeti de Odio en el tema de apertura de este álbum; los padres, aún peor, «despreciable fauna». A continuación, ‘Llamamiento’ no tarda en justificarles: «aprendemos por las malas / copiamos a nuestros padres / pero igual ellos tenían las mismas dificultades».

Esta excusa medio conceptual sirve a Lucas de Laiglesia para camuflar también canciones de desamor o sobre la fama y las redes sociales. Todas elaboradas desde el prisma de un «loser». ‘¡Ya no puedo más!’ es la contemplación de unas fotos del pasado que te lleva a las lágrimas. ‘Ochentas y ojeras’ recuerda que «nunca he sido el más listo de la clase». La acústica ‘Ángel triste’ termina retratando: «míranos a los dos bailando colocados / no nos ganan a dar asco».

Todo este arsenal de emociones sin fortuna no siempre se corresponde con canciones tan arrebatadas. Es muy noticiable que ‘Llamamiento’ se haya dejado embadurnar por la locura ‘Bohemian Rhapsody’, como también ‘Sálvese quien quiera’. Otras, en cambio, resultan más planas, como esa ‘Solo y sin ganas’ que quiere alternar la clásica balada 50’s con el Autotune, quedando un poco en tierra de nadie.

Lo mejor de ‘Hijos del divorcio’ es su autoconciencia y su voluntad de no estancarse. Algo que se ve en lo creativo dado su acercamiento indistinto al rock (‘Déjales entrar’) y al synth pop (‘Estrella‘, ‘En la oscuridad’), pero sobre todo de nuevo en sus letras.

‘Sálvese quien quiera’, penúltima antes de la catastrofista ‘Mundo cruel’, es un divertido retrato del mundo actual a través de los ojos del Rubius o Ibai. Aparte de que plantea un «no voy a rendirme hoy», contiene una declaración de intenciones que copiar: «mientras siga vivo, voy a intentar dar más luz de la que quito». Y sobre todo, Confeti de Odio ha decidido abrir todo esto con una canción en la que un coro infantil, el Coro Las Veredas, aka Coro de los Hijos del Divorcio, parodia todo el disco antes de que lo escuches: «Lucas, deja de pensarlo / Nadie quiere hacerte daño / No eres el centro del mundo / es que no importas tanto».