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‘Modelo 77’: Alberto Rodríguez vuelve y se asegura taquillazo con Miguel Herrán y Javier Gutiérrez

Se estaba haciendo de rogar Alberto Rodríguez. El director de ‘La isla mínima’ o ‘Grupo 7’ no estrenaba película desde 2016, cuando contó los entresijos de Paesa/Roldán en ‘El hombre de las mil caras’, basada en el libro de Manuel Cerdán. Las dos temporadas de ‘La Peste’ (2018-2019) supusieron un proceso tan agotador para él que prefirió alejarse un tiempo y buscar una historia que le motivase a volver por todo lo alto. Y parece que la ha encontrado, a tenor de lo visto estos días en el Festival de San Sebastián en ‘Modelo 77’, encarnada de inaugurar la 70ª edición del Zinemaldia.

‘Modelo 77’ usa las desventuras de su protagonista para narrar la historia de la Copel (Cooperativa de Presos en Lucha), asociación de presos que en 1977 se organizaron con el objetivo de conseguir desde condiciones mínimamente dignas hasta la amnistía general. Pero, aunque los presos políticos salieron -dentro de lo que cabe- mejor parados, para los comunes no fue así, ni para los condenados por motivos de orientación sexual o identidad de género (uno de los grandes fallos de la película es lo ausente que está esto, y, cuando aparece, cómo se trata). Rodríguez intenta hacer además un paralelismo entre la cárcel y el exterior en cuanto al régimen político, y cómo la democracia se supone que empieza a estar presente dentro y fuera, pero it was a perfect illusion.

Miguel Herrán es el encargado de dar vida al protagonista y símbolo de la historia, un chico honrado al que cargan un delito que no ha cometido, y que en la cárcel sobrevive como puede a los abusos de los guardias mientras hace migas con los personajes de Javier Gutiérrez, Jesús Carroza, Xavi Sáez y -a medias- Fernando Tejero. Si bien le queda mucho que mejorar como actor, Herrán demuestra tener la solvencia necesaria para capitanear la cinta, mientras en el reparto destacan especialmente Gutiérrez y Tejero en dos personajes con mucho riesgo de caer en la parodia, Xavi Sáez aunque el film no le deje brillar del todo y, ojo con la sorpresa, el debutante Polo Camino. Seguramente le veremos en muchos sitios a partir de ahora, porque se come la cámara en los minutos contados en los que sale, defendiendo con maestría el arco de su personaje, aportándole dignidad y aprovechando cada segundo de los que tiene.

Alberto Rodríguez, a quien también hemos visto en el Festival de San Sebastián con el capítulo que ha dirigido para ‘Apagón’, sabe moverse con soltura en el thriller aderezado con drama, como ya nos ha demostrado en numerosas ocasiones. ‘Modelo 77’ no es una excepción y, aunque algo de tijera no le vendría mal, sus dos horas de duración se pasan volando gracias a un ritmo de montaje que nos va llevando a lo largo de la historia para meternos en el cuerpo la esperanza-y-desesperación que sus personajes sienten a medida que pasa el tiempo. A veces lo consigue y a veces no tanto, cayendo más en cierta frialdad común en esta clase de propuestas. En cualquier caso, aunque esté lejos de ser la mejor muestra de cine español que se ha podido ver en San Sebastián este año, la presencia de Herrán y Gutiérrez, el tipo de cinta y el buen hacer de Rodríguez seguramente haga de ‘Modelo 77’ un taquillazo de los que a nuestra maltrecha industria le vienen tan bien.

El legendario músico Pharoah Sanders muere a los 81 años

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Pharaoh Sanders, legendario saxofonista de jazz, ha fallecido a los 81 años en Los Ángeles, pero no se conoce una causa específica. Sanders era venerado dentro del mundo del jazz por la espiritualidad de su trabajo y por incorporar elementos de la música india y africana en sus proyectos. En los años 60 colaboró extensamente con John Coltrane y lanzó su último disco el año pasado junto a Floating Points bajo el nombre de ‘Promises’, uno de nuestros Discos del Año en 2021.

Sanders nació en Little Rock, Arkansas, en 1940 y empezó a involucrarse en el jazz en California, a partir de 1959. Sanders comenzó tocando el clarinete en la orquesta de su colegio y solía parar por los clubs de blues de su ciudad. Ya en California integró varios grupos de rhythm and blues y de esta manera conoció a su ídolo, John Coltrane, que tocó en su ciudad con el quinteto de Miles Davis. En ese momento, Sanders se propuso ir a Nueva York, donde sobrevivió como pudo hasta que conoció al pianista, compositor y poeta Sun Ra.

Años más tarde adoptó el nombre de Pharoah (nació como Farrell Sanders) y se unió a la banda de Coltrane junto a Sun Ra hasta la prematura muerte de Coltrane en 1967, momento en el que se centró en su mística carrera en solitario. Una de sus piezas más conocidas fue ‘The Creator Has A Master Plan’, lanzada en 1969 e incluida en el álbum ‘Karma’.

Sanders se inspiró en las tradiciones indias y africanas para llevar su música a un nivel espiritual y contribuyó a ampliar las fronteras del free jazz. Durante la década de los 70 se consagró como uno de los maestros del jazz espiritual, una corriente centrada en predicar la paz y la felicidad y disminuir las tensiones políticas y raciales de la sociedad del momento.

«Estamos devastados de compartir que Pharoah Sanders ha fallecido. Murió pacíficamente rodeado de sus seres queridos y amigos esta mañana en Los Ángeles. Por siempre y para siempre el más bello ser humano, que descanse en paz», escribía su discográfica Luaka Bop en Twitter para anunciar su fallecimiento.


Taylor Swift rechaza actuar en el descanso de la Super Bowl 2023

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Después de que esta semana hayan estado circulando rumores de la posibilidad de una actuación de Taylor Swift en el descanso de la Super Bowl del año que viene, fuentes cercanas a la artista han confirmado a People y a TMZ que no ocurrirá. Según TMZ, a Swift le ofrecieron encabezar la Super Bowl, pero lo rechazó porque primero quiere acabar de regrabar sus primeros seis discos.

Las especulaciones comenzaron a partir de un informe publicado por Variety en el que fuentes cercanas a la artista confirmaban su actuación en el evento deportivo del año. El lanzamiento próximo de su nuevo álbum ‘Midnights’ y la asociación entre Apple Music y la NFL fueron tomados como posibles evidencias. Además, debido al hecho de que Pepsi ya no es patrocinador de la Super Bowl y que Swift tiene una colaboración con Coca-Cola, la conexión estaba clara. Sin embargo, parece que tendremos que esperar a que Taylor regrabe los cuatro discos que le faltan.

Taylor Swift lanzará ‘Midnights’ el 21 de octubre, del cual ya se han confirmado dos nombres de la tracklist a través de la serie de vídeos de TikTok de la artista, ‘Mastermind’ y ‘Vigilante Shit’. Aparte de la portada del disco, también se conoce que Jack Antonoff estará involucrado una vez más en el apartado de producción.

Muere la actriz Louise Fletcher a los 88 años

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La familia de Louise Fletcher, conocida por interpretar el papel de la enfermera Ratched en ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, ha revelado que la actriz ha fallecido hoy a los 88 años debido a causas naturales mientras dormía en su casa de Montdurausse, en Francia, acompañada de sus seres queridos. En sus últimos años interpretó a la madre del personaje de William H. Macy en ‘Shameless’, obtuvo papeles secundarios para la serie ‘Girlboss’ y para la película ‘Un marido perfecto’, la cuál sería su última aparición en el cine.

Nacida en 1934 en Alabama, Fletcher comenzó su carrera en televisión con series como ‘Maverick’ o ‘Perry Mason’, con considerables dificultades para encontrar trabajo debido a su altura de 1,78 metros. Sus pasos en el cine empezaron a partir de un pequeño papel en la película de 1974 ‘Ladrones como nosotros’. Solamente un año después, Milos Forman la fichó para ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, en la que compartiría pantalla con Jack Nicholson. El film arrasó en los Óscar, obteniendo una estatuilla en todas las categorías principales. Entre ellas, el Óscar a la Mejor actriz para Fletcher. El personaje de Ratched pasó a la historia del cine como una de las villanas más icónicas.

En el resto de su carrera no llegó a repetir el apabullante éxito de la cinta de Milos Forman, pero tampoco le faltaron grandes títulos. Trabajó en la segunda entrega de ‘El exorcista’, en la película ‘Ojos de fuego’ junto a Drew Barrymore, en ‘Invasores de Marte’ de Tobe Hopper y en 1987 volvió a destacar con otro personaje diabólico en ‘Flores en el ático’. En los 90 apareció en ‘Acero azul’ de Kathryn Bigelow y se interpretó a sí misma en ‘El juego de Hollywood’. Su último personaje memorable fue el de la líder alienígena Kai Winn en la serie de televisión ‘Star Trek: Espacio Profundo 9’.

‘No te preocupes querida’: ¿Quién quiere que Harry Styles le escupa?

La carrera cinematográfica de Harry Styles (más allá de sus pequeñas apariciones en ‘Dunkerque’ y ‘Eternals’) no parece haber empezado con buen pie. Sus declaraciones sobre el sexo entre hombres en ‘My Policeman’ no han sido recibidas entre vítores precisamente, y lo de ‘No te preocupes querida’ ha sido directamente surrealista. El despido de Shia Labeouf se ha quedado en anécdota cuando lo comparamos con el tremendo mal rollo existente entre su directora Olivia Wilde y su protagonista Florence Pugh, al parecer fruto de que la actriz se sintió abandonada por Wilde mientras ella le dedicaba mucho más tiempo a Styles porque, redoble de tambores, ¡empezaron a salir durante el rodaje de la peli!

Los desplantes de Florence en presentaciones de la película y el loquísimo episodio del escupitajo de Harry Styles a Chris Pine han sido ya la guinda del pastel para una película que ha aparecido muchísimo en prensa, pero prácticamente nunca por la película en sí. ¿Le ha perjudicado? Por supuesto. Pero también es cierto que la sensación de circo ha contribuido a bajar el hype a temperaturas siberianas, con lo que en cierta manera le “ayuda” a la hora de que un espectador se enfrente a ella. Porque no, ésta no es la parábola inteligentísima y novedosa que Olivia Wilde cree que es. Tampoco es justo reducirla al trío de Olivia, Florence y Harry y todo ese beef: hay más chicha de la que podría parecer.

‘No te preocupes querida’ gana enteros cuando más se entrega al petardeo, y por ello una de las mejores secuencias (y no solo por el fanservice que habrá provocado desmayos en chicas y chicos de todo el mundo) es la comida de coño de Harry Styles a Florence Pugh, rompiendo un poco con la imagen que tenemos de Styles. Cuanto menos se toma en serio la peli a sí misma, y cuanto menos se toma en serio Styles a sí mismo, es cuando más brillan ambos. El cantante de ‘Watermelon Sugar’ está bastante mejor de lo que podíamos pensar, y Olivia Wilde se defiende bastante bien con la arriesgada decisión de, además de dirigir, interpretar el que seguramente sea el papel con más peso después de la pareja protagonista.

Pero aquí la mayor estrella (lo siento, Harry) y la que saca hacia adelante todo esto es Florence Pugh, a quien, como de costumbre en esta promo, no vimos en el Festival de San Sebastián (donde pudimos ver la película en la sección Perlak). Florence se pone en la piel de un ama de casa de los años cincuenta de la que inmediatamente sabemos que su vida no es tan perfecta – la cosa es esperar a que ella se de cuenta, y averiguar qué es lo que ocurre exactamente. Es una pena que el misterio no funcione muy allá, pese a la fantasía de la resolución, porque avanza a trompicones entre momentos reiterativos, recursos oníricos y lentas investigaciones que hacen que el interés baje bastante durante el segundo acto, y parte del primero. También es complicado no hacerse una idea de lo que está pasando cuando tenemos tantas películas con ideas parecidas (no diré títulos para evitar spoilers).

Sí que ayudan al misterio las inquietantes partituras compuestas por John Powell para la banda sonora, y algún que otro momento en que la película da timidos pasos hacia el terror. Ojalá terminase de adentrarse en él, o de abrazar el petardeo como hace al final, y no se empeñase tanto en ser ese drama de ciencia ficción con toque social donde navega bastante peor. Puede que el enrarecido ambiente de rodaje haya contribuido a este resultado en tierra de nadie en el que no nos encontramos ante una mala película, pero sí ante una que podría ser mucho mejor y cree que lo es. En ese sentido, ‘Booksmart’, el debut en la dirección de Olivia Wilde, es un ejemplo de cómo la estadounidense sí puede hacer bien las cosas cuando no se va por los cerros de Úbeda. Veremos si hay más suerte en su tercer paso por la dirección.

Björk logra su 6º top 1 en JNSP; entran Weyes Blood, Alizzz, Amor Butano, Jockstrap…

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Björk es el nuevo top 1 en JNSP con ‘Atopos’. Se trata del 6º número 1 para la cantante en nuestra lista tras ‘Moon’, ‘Stonemilker’, ‘Lionsong’, ‘Black Lake’ y ‘The Gate’. Ninguno de estos temas de ‘Biophilia’ (2011), ‘Vulnicura’ (2015) y ‘Utopia’ (2017) permanece entre lo más escuchado de Björk. Esperemos que ‘Atopos’ corra mejor suerte a la larga.

Las entradas más fuertes de la semana, directas al top 10, corresponden a Weyes Blood y Alizzz, pero también hay que destacar la llegada de nuevos valores como Amor Butano, Fred again.. o Jockstrap. La lista de novedades se completa con WILLOW.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 3 1 2 Atopos Björk Vota
2 2 2 2 Almas gemelas Malamute Vota
3 1 1 3 There’d Better Be a Mirrorball Arctic Monkeys Vota
4 4 4 2 No hay ley Kali Uchis Vota
5 5 1 4 Hold Me Closer Elton John, Britney Spears Vota
6 6 1 It’s Not Just Me, It’s Everybody Weyes Blood Vota
7 7 1 Que pasa nen Alizzz Vota
8 6 2 5 Oh, Lover Röyksopp, Susanne Sunfør Vota
9 13 1 7 2 Die 4 Tove Lo Vota
10 11 6 4 Eleanor Hot Chip Vota
11 20 11 4 Phantom Rina Sawayama Vota
12 21 1 13 Break My Soul BEYONCÉ Vota
13 8 4 6 boy The Killers Vota
14 15 14 3 Bad Habit Steve Lacy Vota
15 16 1 9 Free Yourself Jessie Ware Vota
16 22 3 25 As It Was Harry Styles Vota
17 18 17 2 Calm Down Rema, Selena Gomez Vota
18 17 10 6 Weird Goodbyes The National, Bon Iver Vota
19 25 8 5 Super Freaky Girl Nicki Minaj Vota
20 9 2 8 Despechá Rosalía Vota
21 14 2 7 Beach House Carly Rae Jepsen Vota
22 23 22 2 El Pañuelo Romeo Santos, Rosalía Vota
23 37 1 27 My Love Florence + the Machine Vota
24 19 9 3 Firefly Shygirl Vota
25 32 1 11 Así bailaba Rigoberta Bandini, Amaia Vota
26 33 2 13 BIZCOCHITO Rosalía Vota
27 27 1 curious/furious WILLOW Vota
28 28 1 Esta era Amor Butano, valverdina, Ciberchico Vota
29 29 1 Danielle Fred again.. Vota
30 12 12 4 Placer Hollywood Mon Laferte Vota
31 36 1 29 Candy Rosalía Vota
32 40 3 33 Beg for You Charli XCX, Rina Sawayama Vota
33 26 3 8 Hypnotized Sophie Ellis-Bextor Vota
34 28 1 19 La canción que no quiero cantarte Amaia, Aitana Vota
35 38 1 33 SAOKO Rosalía Vota
36 29 11 4 Her Megan Thee Stallion Vota
37 37 1 Greatest Hits Jockstrap Vota
38 23 23 2 Las manos Fuel Fandango Vota
39 24 24 2 All You Do Magdalena Bay Vota
40 7 7 3 Tristeza Silvana Estrada Vota
Candidatos Canción Artista
El apagón Bad Bunny Vota
Surround Sound JID Vota
Tout savoir Adé Vota
The Only Way I Can Love You Suede Vota
Xqnoo:( aroa ay Vota
Sesión Vol. 52 Bizarrap, Quevedo Vota
Bad Thing Miya Folick Vota
KILL DEM Jamie xx Vota
CUFF IT Beyoncé Vota
Summer Really Hurt Us ALMA Vota

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Jockstrap / I Love You Jennifer B

Definitivamente los nombres de grupo se han acabado, pero no la imaginación en el mundo del pop. Jockstrap es ejemplo de ello. El dúo de Londres, formado por la cantante y violinista Georgia Ellery (también integrante de Black Country, New Road) y el productor Taylor Skye, lleva todo lo lejos posible su discurso de “todo vale”. Sus trabajos ofrecen una escucha hiperactiva donde de la banda sonora Disney pasa a la bossa, y la bossa al dubstep, y este a la Motown, y este al tecno, y este a mil cosas más, y así sucesivamente, sin que nadie pueda esperar qué será lo siguiente.

Sí existe un hilo conductor en la música de Jockstrap, y ese es la ruptura de la expectativa. Sus canciones pueden sonar familiares y clásicas, sobre todo cuando incorporan arreglos orquestales, pero en ellas siempre ocurre algo que perturba esa familiaridad. En ‘I Love You Jennifer B’, su debut oficial, la sensación de sorpresa, de que se está ante una obra impredecible, es constante.

Ahí está la inicial ‘Neon’, que empieza como una canción acústica de Scoutt Niblett y termina engullida por una brutal maraña de beats y distorsión electrónicos. O la canción-viaje ‘Concrete Over Water’, que pasa de la cancioncilla de Audrey Hepburn (a la que no cuesta nada imaginar cantando su romántica letra) al terror circense, y de ahí de vuelta a lo de antes. Pero la sorpresa también se encuentra en los detalles, en un órgano que suena ebrio y mal tocado, en una producción lo-fi que no debería ser tal, en una voz “pitcheada” y acelerada sin sentido aparente, en unas percusiones que se enrarecen porque les da la gana. La música de Jockstrap va por libre, ofrece la otra cara de la moneda, o la parte negativa de la foto. Sabes que está mal, pero lo gozas porque es diferente.

El lenguaje sonoro de Jockstrap implica una intención disruptiva. Así, la cacelorada de ‘Greatest Hits’, un festín de influencias que van del hip-hop de los 80 al bloghouse pasando por ‘Borderline’ de Madonna, suena producida como si proviniera literalmente de un “boombox” de la época. El sonido es sucio pero, a su vez, tremendamente exquisito. Se puede decir lo mismo del banghra lo-fi de ‘Jennifer B’, que invita a hacer “striptease”… más o menos; y desde luego la secuencia no puede contener más sorpresas, cuando de la virtuosa balada a lo Skeeter Davis de ‘What’s It All About’ , dedicada a una amistad, pasa al lamento al arpa de ‘Angst’, y de este al pepinazo Bollywood de ‘Debra’, y de ahí al folk pastoral de ‘Lancaster Court’, y de ahí al remix extendido de ’50/50′, la producción más tecno de Jockstrap.

Cuando el dúo londinense afirma que ‘I Love You Jennifer B’ es una recopilación de canciones más que un álbum per se, es imposible no asentir. De hecho, muchas de sus pistas están ordenadas cronológicamente según su fecha de composición, y ‘Glasgow’, el hit más accesible del disco por su sonido chamber pop a lo Belle and Sebastian, guiado por unos guitarrazos maravillosos, aparece hacia el final de la secuencia cuando debería estar al principio. Pero incluso una secuencia absurda puede tener sentido en el universo de Jockstrap. ¿Cómo unificar tal batiburrillo de estilos e influencias? No estoy seguro que Jockstrap lo haya conseguido, pero que el disco contiene un considerable grado de talento e imaginación… de eso no cabe ninguna duda.

‘La Ventana indiscreta’ (o el ‘Moon River’) de Fontaines DC

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Después de publicar uno de los mejores discos de 2022 y promocionarlo con algunas de sus canciones más vistosas, Fontaines D.C. se detienen en la anécdota. O lo que parecía la misma. Si ‘I Love You’ o ‘Jackie Down the Line’ van a formar parte probablemente durante décadas de su repertorio, esta semana han publicado un vídeo para ‘The Couple Across the Way’. Es la «Canción del Día» que nos acompañará hoy.

Pese al carácter sociopolítico de ‘Skinty Fia‘, ‘The Couple Across the Way’ era un tema en el que Grian Chatten se detenía en una relación de pareja. Al escuchar a unos vecinos mayores discutir en North London, se preguntaba qué sería de él y de su chica con el paso de los años, de las décadas. De ese pensamiento tan íntimo surgía un tema mucho más íntimo y menos post-punk que el resto del disco.

El mismo Grian Chatten tocaba el acordeón en esta canción que habla de una discusión («siento lo de esta mañana, por el daño pagaré»), que celebra que las cosas importen tanto como para todavía «levantar la voz» y que termina efectivamente con un párrafo que mira a los vecinos. Grian lo comparaba con Hitchcock, refiriéndose a ‘La ventana indiscreta’.

Para su videoclip, se ha recurrido a la literalidad en este caso. Vemos a Grian tocar el acordeón, apoyado en una ventana cual Audrey Hepburn en ‘Desayuno con diamantes’. Y vemos también a los vecinos de los que nos hablaba la letra. El tema promociona una gira que tendrá lugar durante los meses de noviembre y diciembre recorriendo todo el Reino Unido de punta a punta y después su Irlanda natal.

6 productores no salvan ‘Unholy’ de Sam Smith y Kim Petras

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Entre las novedades que deja el día de lanzamientos se encuentra ‘Unholy’, el single que une inesperadamente a Sam Smith y a Kim Petras. Ambos llevan mostrando adelantos del tema en redes desde hace semanas, y por fin puede escucharse.

‘Unholy’ es el primer single del próximo álbum de Sam Smith. Un tema grabado en Jamaica que, según cita nota de prensa, «gira en torno a una sensual escala árabe y ofrece un amenazante collage sonoro de voces, irresistible para clubes, apuntalado por un palpitante bajo, con la apertura de un ardiente estribillo coral, coronado por la fiereza de Kim».

El oscuro tema narra las travesuras de un hombre casado y con hijos que visita secretamente un club de striptease, y no puede tener menos que ver con ‘Love Me More‘, el que creíamos que era el verdadero regreso de Smith -en su caso a la balada- tras el fracaso de su último disco. ‘Unholy’ hace uso de un potente surtido de sonidos agresivos, sintéticos e industriales que contrastan con la melodía coral, efectivamente arábiga, y con la voz de Sam, tan peculiar.

Toda la intensidad de ‘Unholy’ no queda resuelta en una canción realmente brillante. La familiaridad de la melodía adolece cierta falta de imaginación, la voz de Sam suena fuera de lugar en una producción que parece de BANKS, la presencia de Kim Petras aporta más el nombre que otra cosa y ni la presencia de hasta 6 productores involucrados en la grabación logra elevarla a un lugar excitante.

En ‘Unholy’ han metido mano ILYA (Max Martin, Ariana Grande, Jennifer Lopez), Blake Slatkin (Lizzo, 24K Golden), Cirkut (Nikki Minaj, The Weeknd), Omer Fendi (Lil Nas X, The Kid Laroi) y el colaborador de Smith de siempre, Jimmy Napes, además de Sam. Todos ellos contribuyen a que Smith siga aferrade a su era de pop star, pero ‘Unholy’ queda muy atrás de joyas como ‘Dancing with a Stranger’ o de sus colaboraciones con Disclosure. Sam, ¡la pista de baile te sigue esperando!

Djo construye un sólido y fresco revival ochentero con ‘DECIDE’

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Hace dos años ya hablábamos de lo sorprendente que es que una serie del calibre de ‘Stranger Things’ esté formada por un elenco con tantos talentos musicales emergentes. Hablo de Finn Wolfhard (Mike) con Calpurnia y The Aubreys, Maya Hawke (Robin) con su proyecto folk en solitario y Joe Keery (Steve) con Djo, su melenudo álter ego y el tema que nos concierne hoy.

Keery trata Djo como un proyecto totalmente separado de la figura del actor guapo y famoso que todos hemos visto en ‘Stranger Things’. Lo único que le une es el nombre, que se pronuncia igual que Joe, pero que también está diseñado para confundir: «Quería que el nombre estuviese conectado a mí, pero que no estuviese conectado a mí; confunde a la gente todo el tiempo». En directo su estrategia de separación continúa. Djo actúa con una peluca, unas gafas retro y una banda vestida igual que él (en Lollapalooza fueron camisas blancas), algo que sorprendió bastante a Jimmy Fallon.

Djo lanzó su primer álbum en 2019 y, aunque es cierto que sonaba demasiado como un pastiche de Tame Impala y MacDemarco, ‘Twenty Twenty’ fue bastante bien recibido por la crítica. En ‘DECIDE’, el disco que sacó el pasado 16 de septiembre, Djo ha creado un trabajo mucho más redondo, atrevido y fresco. Sigue recordando a Tame Impala, sin duda, pero también puedes escuchar en sus sintetizadores, guitarras y melodías a Joy Division, Daft Punk, Talking Heads, Tears For Fears y, en general, a todo el indie de los 80 y 90. Para redondear, ‘DECIDE’ es un sólido disco de indie pop psicodélico con muchos efectos vocales, letras ingeniosas, melodías extra pegadizas y con algunos toques de disco e hyperpop. En algunos momentos los giros que toman las canciones pueden resultar un poco «off», pero realmente consiguen llamar tu atención y mantenerte enganchado.

‘DECIDE’ te da la bienvenida a su paleta sónica con ‘Runner’, un tema hímnico basado en la repetición de dos partes que se te van a quedar en la cabeza sí o sí. A lo largo de la tracklist hay dancers como ‘Runner’, baladas como la súper ochentera ‘End Of Beginning’ y temas no tan sencillos de clasificar como ‘On And On’ o ‘Half Life’. Si te preguntas qué canción definiría mejor el trabajo de Djo en ‘DECIDE’ sería ‘Change’, el primer single y uno de los mejores y más memorables cortes del disco.

Lil Baby samplea a Tears For Fears para el himno del Mundial

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Lil Baby, conocido por lanzar en 2020 el himno antirracista ‘The Bigger Picture’ a raíz de las protestas tras el asesinato de George Floyd y ganador del Grammy, acaba de lanzar otra clase de himno. Esta vez se trata de uno patrocinado por Budweiser, realizado como motivo del Mundial de la FIFA 2022 y amenizado con un sample de ‘Everybody Wants To Rule The World’, de Tears For Fears.

En ‘The World Is Yours To Take’ Lil Baby rapea sobre el trabajo duro y la motivación («Tardamos mucho en llegar aquí, rompimos maldiciones»), acorde a un mundial de fútbol, y reutiliza el estribillo de la canción de 1985, al igual que los sintetizadores de las estrofas. El tema tiene seis productores diferentes acreditados y ni aún así consigue funcionar. No como la canción que samplea, que fue un hit número 1 en 1985 y que últimamente ha recibido una segunda vida gracias a TikTok, como muchos otros clásicos.

Lil Baby ya trabajó en el soundtrack de la horrible ‘Space Jam: A New Legacy’ y consiguió sacar de ello una canción más que decente junto a Kirk Franklin. Lo próximo que le espera es la salida de su nuevo álbum, ‘It’s Only Me’, el próximo 14 de octubre.

Jockstrap: «No nos ponemos barreras y nos gusta probar diferentes géneros»

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Jockstrap son protagonistas del Disco de la Semana gracias a su debut ‘I Love You Jennifer B’, un disco donde prevalece un sentido de anarquía musical, donde todo vale, pero unido por el virtuosismo y sensibilidad pop de sus autores.

Georgia Ellery y Taylor Skye se conocieron en una escuela musical de Londres. Ella es violinista de conservatorio, además de integrante de Black Country, New Road; él es productor de electrónica. Juntos, Jockstrap derriban géneros y los hacen suyos.

Amables aunque ligeramente resfriados por culpa del cambio de estación, los integrantes de Jockstrap hablaron esta semana con JENESAISPOP vía Zoom sobre ‘I Love You Jennifer B’, sus inicios, sus diversas influencias y su visión global de la música.

Hace poco tocasteis en Barcelona. ¿Cómo recordáis la reacción del público?
Taylor: «Es uno de los mejores conciertos que hemos hecho, todo el mundo lo pasó muy bien».

¿El “Best New Music” de Pitchfork ayuda o es un mito?
Georgia: «Con Pitchfork nunca sabes lo que va a pasar. Nosotros hemos tenido la suerte de gustarle a la redactora que ha escrito la crítica. Pero nos da un poco igual».
Taylor: «Hemos ganado muchos oyentes desde que salió el disco, pero no estamos seguros que haya sido gracias a la crítica de Pitchfork».

Vuestro estilo es la mezcla de estilos, pero ¿qué diríais que los une todos? ¿Quizás la producción rupturista?
Taylor: «Para nosotros es difícil decir qué une nuestra música porque estamos demasiado en el fondo de ella, ya que la creamos. Creo que suena cohesiva porque somos nosotros dos quienes la hacemos y nadie más. Sin embargo, diría que nos une nuestra intención de llevar las cosas más allá y de probar cosas nuevas».

Os gustan los arreglos orquestales en plan Disney, hacéis folk, pop, electrónica… pero hay algo en vuestra música que busca romper la expectativa de lo que tienen que ser estos estilos.
Georgia: «Hacemos diferentes estilos porque no nos ponemos barreras y nos gusta probar diferentes géneros. No creemos que nada esté fuera de nuestras posibilidades. Tampoco hemos definido concretamente nuestro estilo o el tipo de música que hacemos. No hemos proclamado que seamos una banda de pop o una banda experimental, por lo que no necesitamos hacer una sola cosa».

A los periodistas nos gusta mucho intelectualizar la música, pero vosotros no pensáis en ella en esos términos.
Georgia: «Pensamos mucho en la música, sobre todo en la respuesta de la gente, pero no nos aporta nada sentarnos y ponernos a pensar si estamos haciendo un género en concreto u otro».
Taylor: «Además, este disco es solo una cosa que hemos hecho, no nos define particularmente como artistas, aunque la gente allá fuera lo piense así».

¿Qué os lleváis de haber estudiado en Guildhall School Of Music & Drama?
Taylor: «La manera de enseñar de mi profesor Mike era muy creativa. No tenía mucha estructura, dependía del tipo de persona que fueras, y eso me vino bien. Era muy fluido y había espacio para experimentar. Muchos de mis profesores eran así».
Georgia: «Me llevo a la gente que conocí, toda la gente creativa que quería hacer cosas con su creatividad en el mismo espacio».

¿Qué música os ha formado individualmente?
Georgia: «He tenido varias experiencias formativas. La música clásica es la primera, pero también mucha música que me enseñó mi madre de diferentes partes del mundo. También los Beatles, mi abuela los escuchaba mucho. Más tarde empecé a descubrir música por mi cuenta en internet..».
Taylor: «Mis padres me enseñaron Stevie Wonder y lo escuché mucho durante años. También era muy fan de Muse y de Radiohead. James Morrison, Jamie Cullum… me gustaban mucho».

Vuestra música suena maquetera y, a la vez, producida con suma meticulosidad. ¿Dónde encontráis el equilibrio entre improvisar y pensaros las cosas demasiado?
Taylor: «Ese equilibrio forma gran parte de nuestra manera de trabajar. A veces vamos de un extremo a otro. Programar un momento que suena improvisado me parece muy divertido. El tiempo que dediques al trabajo no suele ser tan importante. Puedes dedicarle horas a una canción y que suene fatal, y que una cosa improvisada suene muy bien. En ‘Angst’, por ejemplo, la voz de Goergia es la primera toma, por eso suena un poco a maqueta. En general, depende de la canción, y de lo que nos suene bien a nosotros».

Georgia, ¿cómo es tu proceso de escribir letras?
Georgia: «Me gusta escribir poemas, textos que se sostienen por sí solos sin música. Cuando las intentas encajar en una armonía emergen irregularidades, y eso me gusta. Escribo sobre mis emociones, sobre cosas que necesito procesar. Mis letras suelen ser autobiográficas. Cuando escribo letras necesito sentir la energía adecuada, si no, no creo que queden bien».

¿En un contexto más profesional no podrías escribir?
Georgia: «Nunca he escrito letras con otra gente. No sé si podría hacerlo. No me cierro a ello, pero creo que me costaría».

¿De qué manera ‘Borderline’ de Madonna ha inspirado ‘Greatest Hits’?
Georgia: «Lo que me gusta de ‘Borderline’ es la transición de los versos hacia el estribillo, porque la armonía (usada en la canción) es muy inusual. Eso es lo que me llevó a cantar sobre Madonna en esta canción en particular».

No esperaba escuchar en el disco una canción de Bollywood, como ‘Debra’. Claro que vuestra música es totalmente impredecible.
Taylor: «Con las influencias que usamos no me gusta hacer demasiado “gate-keeping”. Cuando usas sonidos de otros lugares, creo que hablar sobre si ayuda a visibilizar ese sonido o no, o si se usa sin permiso o no, no tiene demasiado sentido. Creo que las reglas que determinan lo que puedes hacer o no en la música, no son útiles. Ya sea porque Georgia toca instrumentos de cuerda, o porque ambos venimos de un conservatorio, o por otra razón, todas estas razones pueden haber contribuido a que hayamos terminado creando una canción inspirada en Bollywood. Simplemente pensamos que en la canción funcionaba».

La conversación sobre aquello que a los artistas se les permite apropiarse en su música, ¿sigue siendo relevante?
Georgia: «Las cosas que son “woke” nos importan, no es que no nos mojemos…»
Taylor: «Es normal que como seres humanos nos afecten las cosas. Pero nosotros queremos que el foco esté en la música».

Pros y contras de ‘Crímenes del futuro’: Cronenberg vuelve a la ciencia ficción

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Tras más de dos décadas apartado del fantástico, desde ‘eXistenZ’ (1999), David Cronenberg regresa al género que le encumbró como director. ‘Crímenes del futuro’ -título que recupera de su anterior mediometraje ‘Crimes of the Future’ (1970)- es pura ciencia ficción, una película cuya iconografía y discurso remite a muchos de sus trabajos más icónicos. El Cronenberg del horror corporal, la “nueva carne” y el fetichismo sexual extremo (“la cirugía es el nuevo sexo”, dice el personaje de Kristen Stewart) ha vuelto. Veamos sus pros y contras:

Lo mejor de ‘Crímenes del futuro’
1. La cantidad de ideas sugerentes que pone Cronenberg sobre la mesa (de operaciones). ‘Crímenes del futuro’ amplía muchos de los temas que han aparecido en su filmografía: el transhumanismo biotecnológico y su intento por controlarlo de ‘Videodrome’ o ‘eXistenZ’, la idea de la belleza de los órganos internos de ‘Inseparables’, el fetichismo por las secuelas de las operaciones quirúrgicas y los ambientes clandestinos de ‘Crash’… Todo un corpus temático, lleno de las más reconocibles obsesiones del director, al que hay que añadir un nuevo elemento: la idea de la modificación corporal como performance artística (hay un guiño explícito a la artista Orlan y sus implantes corporales subdérmicos). [Nota: si no eres muy aprensivo, te recomiendo el documental ‘Orlan, carnal art’].

2. Su fascinante imaginería fantástica, realzada por la música del gran Howard Shore. Cronenberg mezcla lo orgánico con lo tecnológico, la cirugía con el sexo, la sofisticación del mundo del arte de vanguardia con la marginalidad urbana… Todo ello para crear una serie de artefactos, espacios e imágenes enormemente sugestivas, sensuales y perturbadoras. Un personalísimo universo estilístico y expresivo que se ve amplificado por la inquietante banda sonora de Shore, su más antiguo y fiel colaborador.

3. Viggo Mortensen. Hasta la llegada de Cronenberg, Mortensen era poco más que Aragon para la industria del cine. Tras sus papeles en ‘Una historia de violencia’ (2005) y ‘Promesas del este’ (2007), por los que le llovieron premios y nominaciones, se convirtió en el reputado actor que es ahora. En su cuarta colaboración con el director, ha vuelto a crear un personaje fabuloso (secundado por las también estupendas Lea Seydoux y Kristen Stewart). Mortensen, magnético y vulnerable, encarna a un artista de body art capaz de generar nuevos órganos internos. Un hombre en proceso de transición que se debate entre el rechazo de su mutación, reformulada con fines artísticos, y la aceptación de su nueva condición, de su “nueva carne”.

Lo peor de ‘Crímenes del futuro’
La extrema intelectualización de la película. Cronenberg es un cineasta más de ideas que de personajes, de conflictos intelectuales –brillantísimos, eso sí- que dramáticos. Sin embargo, siempre ha logrado establecer una conexión emocional con el público, por pequeña que fuera. En ‘Crash’, por ejemplo, accedemos a un submundo sórdido y enfermizo a través del protagonismo de una pareja que descubre esa realidad al mismo tiempo que el espectador. El director nos lleva de la mano hacia lo ominoso a través de esos dos personajes. Nos identificamos, en mayor o menor medida, con ellos.

En ‘Crimes of the Future’, sin embargo, no es así. Aquí no hay puertas de entrada ni asideros dramáticos. Cronenberg nos suelta directamente en un entorno urbano impreciso y decadente, plagado de personajes marginales que se dedican a teorizar sobre arte, sexo, post-humanismo, crisis climática y control social. El director se mete en nuestra cabeza como un filósofo superdotado y un creador de imágenes único. Pero, sin embargo, no es capaz de arañar nuestra piel.

Zahara / REPUTA

PUTA‘ fue un disco excepcional que merecía una reinterpretación excepcional. El que fuera elegido como mejor álbum de 2021 por nuestra redacción y también premiado con varios galardones en la última ceremonia de los Premios MIN es ahora revisitado por algunos artistas de nuestro país.

La obra maestra de Zahara sobre el maltrato, el acoso, el bullying y los abusos contenía un mensaje universal, por lo que su nuevo elenco no se podía ceñir al underground. Pese a que la artista continúa enfrascada en la autoedición y la total independencia, por aquí pasan tanto totales desconocidos como PRETTY PRETTY 2000, que convierte el spoken word de ‘Ramona’ en un reggaetón, como los mismísimos La Oreja de Van Gogh, que respetan el carácter pop de ‘médula’.

A Delaporte, que interpretan en solitario la desolada ‘TAYLOR’, y a María José Llergo, que se queda ese trago de canción llamado ‘SANSA’, corresponden otras reinterpretaciones más o menos fieles. También a Rodrigo Cuevas, que simplemente embellece ‘DOLORES’ en compañía de la Agrupación Musical Ubetense; y a Alizzz, que se enamoró de ‘berlin U5’ en la primera escucha y ejerce aquí más de cantante y amigo («Zeta, te confieso que he caído de nuevo») que de co-productor.

El resto es una aventura total, cuando no un desvarío, para bien. Carolina Durante, cuyo ‘Cayetano’ salía en ‘joker’, transforman este tema en un punk pop marca de la casa. Lo mismo hacen las emergentes shego con ‘MERICHANE’, con un espíritu más lo-fi. Y lo mejor llega con el disco 2, de remezclas, presentado en LP aparte como si fuera un maxi de los años 90.

A la ida de olla del misteriosx PRETTY PRETTY 2000, que ha llevado la historia de ‘Ramona’ al perreo -y no al de Ms Nina sino al de Arca-, terminando de llenar de humor lo que fue en su momento un enfrentamiento traumático con una portera, se suman otras remezclas. Perarnau IV -antes conocido como MUCHO y productor del ‘PUTA’ original- se regodea en las posibilidades germanas de «Berlín».

Marcel Bagés -que arrebató el Premio Ruido a Zahara con su trabajo junto a Maria Arnal- remezcla ‘TAYLOR’ en clave ruidista como para demostrar que no hay rencor. Y Cora Novoa se extiende más allá de los 8 minutos con una versión de ‘flotante’, mi personal debilidad en el álbum primigenio en su exhibición de lo egoísta que es nuestro concepto del amor. La original ya era una locura total dividida en partes, y esta versión se sirve de esa desestructura para sumar electro, una ambientación muy Caribou y un piano más lennoniano.

Son muchos los artistas que colaboran en ‘REPUTA’, a menudo con la voz de la propia Zahara, que aparece como para recordar que esto no deja de ser un disco suyo. Y no solo porque los textos sean su historia o porque aparezca su tema inédito ‘la hostia de Dios‘. Nos decía Christina Rosenvinge en cierta ocasión que se estaba hablando demasiado de las letras de ‘PUTA’ y muy poco de su fascinante producción. Y ‘REPUTA’ es la confirmación -si es que la necesitábamos- de que Zahara hace tiempo que no es una cantautora, sino una artista plenamente confortable en registros más punk y guitarreros y también más electrónicos. Una artista que se puede deconstruir de cualquier forma y que por cierto ha vuelto a mimar, como pocos, la edición física. El vinilo de ‘REPUTA’ prescinde de caja pero no de letras, anécdotas, dedicatorias, encarte… elevando de nuevo todo el conjunto a la categoría de «imprescindible para coleccionistas».

ALMA entrega su single más pop y colorido en ‘Summer Really Hurt Us’

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ALMA, cantante finlandesa a la que conocimos hace unos años por ‘Chasing Highs’, en plena ola del pop tropical, prepara estos días el lanzamiento de su segundo disco largo, del que ya se conocen varios adelantos. De los ritmos garajeros de ‘Everything Beautiful‘, ALMA ha pasado al pop a lo Fleetwood Mac de ‘I Forgive Me‘, y su nuevo single vuelve a probar algo nuevo.

‘Summer Really Hurt Us’ es otro de esos temas de pop ochentero que no temen reivindicar sin tapujos la influencia de grupos como A-HA, del ‘Enola Gay’ de OMD o del pop más colorido de la época.

Pero, mientras los teclados de ‘Summer Really Hurt Us’ son pura new wave, la melodía no puede ser más clásica y pop. Tiene un punto eurovisivo pero también mediterráneo y por momentos parece utilizar la misma progresión de acordes que ‘Primadonna’ de Marina, solo que la producción musical tira más hacia el pastiche entre diferentes épocas y géneros.

Es muy Carly -y muy ABBA- también el desamor expresado en ‘Summer Really Hurt Us’, con la peculiaridad que es ALMA quien reconoce haber hecho daño a la otra persona. «Lágrimas en tus ojos cuando te dije mentiras, fui egoísta cuando nos rompí en dos, lo veía todo negro y dije algunas cosas de ti pero ninguna de ellas eran ciertas», canta ALMA mientras se pregunta «en qué momento te he fallado» y lamenta que su relación no haya sobrevivido al verano.

Lo que sí tiene pinta de sobrevivir en nuestros reproductores, durante una buena temporada, es esta estupenda canción que termina resultando tan cuca como ese corazón que, en la portada, forma su título. ¿La mejor canción de ALMA?

Lluís Llach opina que lo que hace Alizzz no es «cultura catalana»

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Alizzz ha estrenado recientemente ‘Que pasa nen‘, su primera canción en catalán y toda una reivindicación del Baix Llobregat que incluye menciones a estrellas célebres nacidas en la comarca como Rosalía, Estopa o Chanel. La canción también es una celebración de la identidad charnega y una «provocación» buscada a las «élites culturales» catalanas que, según Cristian Quirante, excluyen a los artistas como él de su definición de lo catalán.

‘Que pasa nen’ está llevando a Alizzz de promo y, en una entrevista con una emisora de radio catalana, ha elaborado su opinión sobre ese sentimiento de exclusión que siente por parte de las «élites culturales» catalanas hacia artistas catalanes que no usan necesariamente el idioma catalán en su obra, pero que sí sienten que pertenecen a la cultura de su lugar de origen.

Cuando el periodista le pregunta si se siente un «catalán de segunda», Quirante responde que «si no me dejan pertenecer a la cultura catalana, que es uno de mis pilares, siento que no soy de (Cataluña) o que no soy catalán de verdad». El productor añade que «creer que el arte que hago pertenece y suma a la cultura catalana es parte de mi identidad». Alizzz considera que el idioma no es relevante para pertenecer a una cultura, sino que lo que importa es el talento.

Alizzz, que ha ganado varios Grammys latinos gracias a su trabajo en ‘El Madrileño‘, el disco castizo de C. Tangana, ha aclarado que el hecho que él cante en castellano «no impide que yo pueda sentir que formo parte de la cultura de mi país».

La provocación de Alizzz ha llegado a artistas como Lluís Llach, gran icono de la canción catalana. En Twitter, el autor de ‘L’estaca’ se ha dirigido a Alizzz para expresar: «Nadie te quita el derecho de sentirte catalán ni tampoco eso es un menosprecio a tu trabajo. Harás cultura catalana cuando utilices lengua catalana. Si utilizas la lengua castellana haces cultura castellana desde Cataluña, cosa legítima». Tan sencillo como eso y así se acepta en todas partes».

La revista Enderrock, dedicada al rock catalán, también ha respondido a Alizzz después que el artista la haya mencionado en ‘Que pasa nen’, cantando que «en Enderrock no me pueden ni ver». Enderrock ha contestado con un sutil «qué pasa, Alizzz».

El épico regreso de Stormzy contiene una treintena de cameos

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Stormzy vuelve hoy con nuevo single. ‘MEL MADE ME DO IT’ es presumiblemente el primer adelanto de su tercer disco, que saldrá en 2022 según él mismo y sucederá a su exitoso segundo trabajo ‘Heavy is the Head‘ (2020); y ofrece siete minutos y medio casi ininterrumpidos de rap volcado sobre una interesante base de grime con cuerdas. Pero no solo eso.

En ‘MEL MADE ME DO IT’, Michael Omari vuelve claramente engorilado por su estatus de «rey» del rap (en Reino Unido). Tal es el éxito comercial de Stormzy que «ganar ya no le emociona», lo da por hecho. En la letra también presume de posesión de yates y de sus propios masters, se jacta de su influencia, y ataca a los raperos «viejos» que ya no tienen nada que aportar.

No puede caber ninguna duda de que ‘MEL MADE ME DO IT’ representa el regreso por todo alto de Stormzy dado que su videoclip supera los 10 minutos de duración e incluye más de una treintena de cameos. Usain Bolt es una de las personalidades que aparecen en el vídeo, así como Little Simz, Louis Theroux, Jose Mourinho, Headie One o la familia de Jamal Edwards, youtuber fallecido el año pasado.

Todo el vídeo de ‘MEL MADE ME DO IT’ es una celebración del poder negro. Es evidente en los cameos que aparecen en el vídeo, también en los modelitos carísimos que viste Stormzy, de marcas como Prada, y se confirma en el monólogo final.

Es la actriz Michaela Coel, conocida por su papel en la excelente serie ‘Podría destruirte’, quien recita el texto escrito por Wretch 32. En él, la intérprete expresa que «muchos gigantes negros influyentes han tocado el corazón de la gente durante generaciones».

RFTW: Tamino, Shania Twain, Natalia Lafourcade…

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Como cada viernes comentamos las novedades del día y de la semana. Hoy salen nuevos discos de Zahara (reedición de ‘PUTA’), Tamino, 5 Seconds of Summer, Confeti de Odio, Maya Hawke (actriz de ‘Stranger Things’), Alex G, The Soft Moon, Ckay, Parquesvr, Nikki Lane, The Comet is Coming, Kimberley Tell, Magdalena Bay (reedición de ‘Mercurial World‘), Editors o Vieux Farka Touré & Khruangbin. Además hay nuevos epés de Alba Reche y Silvana Estrada.

Entre los singles destacados de la semana hay que mencionar la ¿esperada? colaboración de Sam Smith y Kim Petras. Otra sorpresa es el regreso de Shania Twain con un single de corte ochentero, y también vuelve Stormzy con nuevo single y un video lleno de cameos, de Usain Bolt a Little Simz.

En portada hemos destacado el nuevo single de Jamie xx como Canción Del Día, y también comentado nuevas propuestas de Björk, The Smashing Pumpkins, Aitana o Lil Nas X, todas ellas incluidas en la playlist. Además, esta semana ha habido nueva Sesión de control al pop nacional con interesantes novedades de Vicente Navarro, Depresión Sonora o Sr. Chinarro.

En la playlist «Ready for the Weekend» encontrarás también interesantes novedades como el R&B dosmilero de FLO, la balada de The 1975, el big beat de Floating Points, la bachata de ODDLIQUOR, el folk de Natalia Lafourcade, la versión de Manuel Alejandro por Nacho Vegas, la colaboración de Sleater-Kinney y Courtney Barnett, el regreso de Tujiko Noriko, el nuevo synth-pop de la revelación Rorro, la canción anti-trap de Molotov, y más.

Entre los descubrimientos del día que encontrarás en la playlist cabe mencionar novedades de MorMor, Sure Sure, TOLEDO, Lucrecia Dalt, Channel Tres, Kito con BANKS, Alvvays…

Lil Nas X lanza ‘STAR WALKIN’, su colaboración animada con LoL

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Lil Nas X, en colaboración con la compañía Riot Games, ha lanzado el vídeo musical animado de su nueva canción, ‘STAR WALKIN’, el himno de este año del Mundial de League of Legends que ya está disponible para escuchar en los servicios de streaming. El videoclip está ambientado en San Francisco, el lugar donde se celebrará la final del mundial de LoL, y repleto de referencias para los fans del juego y de la competición.

«¿Por qué adorar a las leyendas cuándo sabes que puedes unirte a ellas?», entona el cantante de ‘MONTERO’ en un tema que suena exactamente como un himno competitivo, pero que no tiene absolutamente nada de especial musicalmente. «Lil Nas X entendió nuestra visión y la llevó al siguiente nivel», ha expresado Carrie Dunn, encargada del equipo creativo de Riot. Según ella, la canción trae con ella «grandes expectativas» y necesita «inspirar a nuestros profesionales, motivar a los fans y preparar a una audiencia de millones para uno de los mayores enfrentamientos competitivos», pero aclara que ‘STAR WALKIN» ha conseguido «justamente eso».

Como parte de la colaboración con la compañía de videojuegos, Lil Nas X también realizará una actuación en directo en la final, que se celebrará el 5 de noviembre en San Francisco. Además, el artista de 23 años también ha ayudado a diseñar un traje exclusivo para un personaje del juego, todavía por presentar, que se podrá desbloquear entre el 3 y el 14 de noviembre.

Beyoncé realizará un tour mundial de ‘RENAISSANCE’ en 2023

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La última gira de Beyoncé en solitario tuvo lugar en 2016 con The Formation World Tour, una gira que realizó a raíz del disco ‘Lemonade’ entre los meses de abril y octubre y que consistía en 49 fechas diferentes alrededor del mundo, incluida una en Barcelona. Esta era la séptima gira de la carrera de Beyoncé, y según informa Page Six, la octava se podría venir el año que viene.

Page Six afirma, gracias a múltiples fuentes, que Beyoncé llevará su disco ‘RENAISSANCE’ en una gira alrededor del mundo en el verano de 2023. Una persona de la industria ha confirmado al medio estadounidense que la cantante de ‘BREAK MY SOUL’ está reservando estadios por todo el mundo para una posible octava gira. Además, una segunda fuente prevé que se realice un anuncio oficial en las próximas semanas. También concretan que el equipo de representación de Beyoncé no ha respondido a la petición de Page Six para más comentarios, pero tampoco han desmentido la noticia.

No hay nada de lo que tengamos más ganas que de ver a Beyoncé de vuelta en la carretera y, con suerte, en un concierto en nuestro país. En 2018 Beyoncé realizó una gira junto a su marido, Jay-Z, para promocionar el álbum conjunto ‘EVERYTHING IS LOVE’ y también paró en Barcelona, por lo que es bastante posible que, de realizar una octava gira, la artista de 41 años marque España como uno de sus destinos.

Además, en noticias relacionadas con el disco, la canción ‘CUFF IT’ se está convirtiendo en un single espontáneo, después de estar escalando puestos en las listas de éxitos de Spotify durante las últimas semanas. En países como Portugal, Suiza y Bélgica este tema ha subido decenas de puestos en las listas y ha recibido una merecida segunda vida. Así lo ha reflejado la propia artista en su IG, con una biografía en la que se lee «CUFF IT season».

Primeros detalles y tráiler de la segunda temporada de ‘Cardo’

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Atresmedia ha presentado en el Festival de cine de San Sebastián las primeras imágenes de la segunda temporada de ‘Cardo’, la serie creada por Ana Rujas y Claudia Costafreda que conquistó a la crítica en 2021. Los seis nuevos capítulos verán la luz en 2023 con la misma esencia, pero con una historia diferente.

La nueva temporada de ‘Cardo’ situará la trama alrededor de tres años después del final de la primera. El portal verTele ha estado presente en la rueda de prensa celebrada por Atresmedia y han confirmado que esta temporada será muy distinta a la de 2021. José Antonio Antón, director de contenidos de Atresmedia, declaró en dicha rueda de prensa que «es la segunda parte, pero es como otra serie con el mismo personaje». Ana Rujas también contó que pensaron seguir la serie sin el personaje de María. Costafreda matizó esto diciendo que «se debatió porque teníamos la sensación de que ya habíamos contado lo que queríamos contar”.

Esta nueva temporada abordará temas centrados en la reinserción, la culpa y la salud mental, entre otros. También han confirmado que volverá el personaje de Diego Ibáñez, cantante de Carolina Durante, con más peso en la trama y que se ha cuidado mucho la parte de documentación para plasmar algunos aspectos de la serie de forma realista. Rujas también se ha encargado de dar las gracias a Los Javis, productores de ‘Cardo’, por permitirles hacer lo que querían una vez más.

Tras el gran éxito de la primera temporada, para Rujas y Costafreda no ha sido fácil manejar las expectativas de una segunda parte que esté a la altura, lo cual para las creadoras es una «responsabilidad»: «Lo hemos llevado muy intensamente todo, no quieres fallar y en un proceso tan rápido es muy complicado si queríamos abordar otros temas. Algunas veces se ha hecho cuesta arriba, pero acabamos llegando”.

070 Shake / You Can’t Kill Me

Hace unos días, en una conversación sobre el nuevo disco de 070 Shake surgió la siguiente reflexión: «¿No es como un ladrillo?». Y la verdad es que, después de escucharlo varias veces, creo que no hay mejor palabra para describir el sonido de ‘You Can’t Kill Me’, para bien y para mal. El segundo trabajo largo de Danielle Balbuena es contundente y robusto como un bloque de hormigón gris en el que a priori cuesta profundizar pero que, una vez cortado con una amoladora por la mitad, sus bellas capas se dejan entrever.

Más industrial que su predecesor ‘Modus Vivendi’, el nuevo disco de 070 Shake, juega a mezclar estas producciones barrocas con una sensibilidad fina en sus letras. Está claro que la artista pertenece a la escuela de Kanye West y no se esconde de ello.

Si escuchas el tracklist en el orden en el que está confeccionado, el álbum te mete de lleno en su propia atmósfera de estímulos sonoros constantes que van prácticamente solapados de canción en canción. ‘Web’ funciona a la perfección como intro enérgica de esas que te dejan bien arriba para después desencadenar en una ‘Invited’ que ya comienza a introducir más cambios de ritmos y percusiones mientras la voz continúa bastante distorsionada.

‘History’ y ‘Medicine’ son las siguientes, dividiendo a la primera en dos partes y metiéndole bien de esa solidez que comentábamos a la segunda. La verdad es que, llegados a este punto de excesivo mazacote, se agradece que sea el turno de ‘Skin And Bones’, el tema más friendly del disco y, como era de esperar, el más reproducido. A pesar de que también contiene su final más experimental y oscuro, la canción es la más accesible para los que no sean fans de 070 Shake y apunta a ser una de las mejores del año.

Mike Dean, uno de los productores habituales de gigantes del hip-hop y del rap, firma varios de los temas de este disco como la anteriormente mencionada o ‘Body’, la única colaboración, junto a Christine and the Queens. Una producción más sensual y ligera de lo habitual en el catálogo de la de Nueva Jersey que mantiene a Héloïse Letissier un tanto en la sombra para finalmente tirar de unos sintetizadores que la acercan a The Weeknd.

Aquí es justo cuando la fórmula 070 Shake comienza a flojear y a entrar en un terreno fanganoso: el aburrimiento. A pesar de la bailable ‘Cocoon’, canciones como ‘Blue Velvet’, ‘Wine & Spirits’ o ‘Come Back Home’ nos muestran a una Danielle más desnuda y humana que peca demasiado del momento bajón. Está bien enseñar nuevos registros vocales e instrumentales que nos alejen un poco del concepto fábrica de cemento y nos acerque a guitarras acústicas o instrumentos de cuerda, pero quizás con uno o dos temas hubiese sido suficiente.

Nos acercamos al tramo final del disco y encontramos otro de los puntos débiles de este trabajo. Puede que la intención de Balbuena haya sido ir de mayor a menor en cuanto a intensidad o potencia sonora, pero en ese caso un tracklist más corto le hubiese sentado mejor. ‘Vibrations’, ‘Purple Walls’ y ‘Stay’ no son malas canciones, pero suenan algo repetitivas y huelen a descartes.

Menos mal que el cierre nos hace terminar con un exquisito sabor de boca. 070 Shake tira de raíces dominicanas para interpretar ‘Se Fue La Luz’, una canción con partes en español que nos devuelve a la artista en su mejor forma. Una especie de carta de despedida a una relación del pasado que clausura por todo lo alto este ‘You Can’t Kill Me’ con unas trompetas épicas que transmiten una madurez musical poco habitual. Hay paja de más presente en este disco, pero es por canciones como esta última que no debemos perder la pista a esta joven artista de tan solo 25 años. No lo decimos solo nosotros: A Madonna y Fred Again.. les ha faltado tiempo para arrimarse.

070 Shake estará actuando en España este fin de semana, el viernes 23 de septiembre en Barcelona (Sala Apolo) y el sábado 24 de septiembre en Madrid (Sala La Paqui).

Jamie xx se monta su propio carnaval en la febril ‘Kill Dem’

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Jamie xx sigue publicando singles sueltos cuando ya hace siete años (!!!) desde que vio la luz ‘In Colour‘, su excelente debut en solitario. Desde entonces han llegado a las plataformas pepinazos como ‘LET’S DO IT AGAIN’ o ‘Idontknow’, a los que estos días se ha sumado un nuevo sencillo llamado ‘Kill Dem’ que hoy seleccionamos como Canción Del Día.

‘Kill Dem’ es un corte bailable y carnavalesco, efectivamente inspirado en el famoso carnaval de Notting Hill de Londres, que desde los años 60 celebra, durante dos días de agosto, la cultura caribeña. Es el mismo evento que nos dio aquella imagen de Adele llevando nudos bantú que dio la vuelta al mundo.

En ‘Kill Dem’, Jamie utiliza hábilmente un sample ‘Limb by Limb‘, un tema de dancehall de 1993 interpretado por el jamaicano Cutty Ranks, y entrega casi cuatro minutos de batucada y voces «choppeadas» que inducen al delirio, entre otros «riffs» electrónicos que llevan el tema definitivamente al terreno del club, más que al del típico carnaval callejero.

Cuenta la nota que «»KILL DEM» fue creada con Notting Hill Carnival en mente, inspirada en la energía de las fiestas y los sistemas de sonido que Jamie experimentó allí desde que asistió por primera vez cuando era adolescente». Además, el texto recuerda que «este agosto, (Jamie) tuvo el honor de ser DJ en Carnival por primera vez, uniéndose al icónico escenario Digital Soundboy de Shy FX y teniendo la oportunidad de tocar «KILL DEM» en el lugar que lo inspiró».

Mientras encara los «shows más grandes de su historia», lo cual incluye dos macroconciertos en grandes recintos de Nueva York por los que también se dejarán pasar Four Tet o Caribou, Jamie xx ha sido noticia estos días por producir ‘Hideous Bastard‘, el debut en solitario de Oliver Sim, su compañero en The xx.

Kiko Veneno habla de la polarización de la «incultura» y de la gente joven

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Con motivo del X Aniversario de El Diario se celebra un Valencia un concierto este 23 de septiembre, en el que participa Kiko Veneno, de gira con Ariel Rot. El artista ha concedido una interesantísima entrevista a dicho medio en la que habla sobre la juventud, sobre barreras musicales y sobre prejuicios.

El artista, que el año pasado publicaba el notable ‘Hambre’, compara el modo en que se percibía a los Beatles con el modo en que se percibe hoy el Autotune: «Cuando yo era joven, The Beatles llegaron y arrasaron todas las costumbres. (…) Los que decimos que “los de ahora no cantan, es autotune o no tocan ningún instrumento” nos sentimos un poco igual. Es una barrera que se ha marcado. Se está inaugurando una tradición de música hecha con ordenador por gente sin formación musical, pero con sensibilidad y con arte. Que son capaces de mostrar su intimidad y su sensibilidad; a veces de su no hacer nada y de su desesperanza ante el futuro. Y te lo presentan de forma muy fragmentada, con una música minimalista, individualista y global en cuanto a la recepción que tiene».

A Kiko Veneno le llama la atención lo tristes que suenan esas canciones de la gente joven, y además lamenta que la población joven sea tan escasa, porque la gente ya no tiene hijos: «Si escuchas el pop mundial hecho con ordenador, de Billie Eilish a lo último de Rosalía, que también tiene canciones que suenan a ordenador en la habitación; compruebas que no existe prácticamente alegría en la gente joven de hoy. Son canciones lánguidas, tristonas. La desconfianza que manifiesta esa nostalgia y melancolía está muy fundada; pero ojalá tuviera una contrapartida en forma de actividad social, cultural y política para poderla revertir. Pero para colmo, esta generación tan desesperanzada son un 1% de la población, porque ahora a la gente le ha dado por no tener hijos. Solamente los del tercer mundo. Con lo cual, tampoco en el primero tenemos gente joven para revertir esto. En los años 60, la juventud que cambió la vida y el mundo eran entre el 20% y el 30% de la población, ahora son el 2%».

Sobre la polarización que hay al opinar de música, habla de la polémica de Rosalía y la apropiación cultural: «La cultura, más bien la incultura, está muy polarizada porque la cultura de verdad nunca es polar. Siempre es multilateral. La cultura es una negociación constante con la vida. La incultura no, es cerrarse y no ver nada más que lo que te interesa». Y la relaciona con la política: «La música es ideología. Todo va unido. Es una forma de vivir. Esta música juvenil de ahora está más relacionada con el individualismo, que lleva al minimalismo y tiene que ver con gente que está aislada, en su cuarto. Ahí hay una filosofía de fondo, que es su angustia ante el futuro que se les niega. Por eso hacen música con desesperanza y desazón, refleja su estado de ánimo. Cuando yo era joven, había un entusiasmo que es imposible que hoy forme parte del discurso juvenil».

Sin embargo, Kiko Veneno es crítico también con la curiosidad de la gente joven. Indica que por mucho que haya trabajado con C. Tangana, la gente joven no escucha su música con la inquietud con que él escuchaba otras cosas: «Ahora hay muchos que me oyen en Spotify porque C. Tangana ha metido una canción conmigo en su disco. Ellos no tienen un interés cultural como el nuestro, que consistía en conocer la obra de Nietzsche, de Lorca o Bob Dylan. No van por obras, sino por personas. El sistema actual no permite una elaboración cultural. Cuando nosotros escuchábamos a Antonio Machado, Paco Ibáñez, Camarón y Lorca, dábamos toda una vuelta al circuito cultural. Esta gente están haciendo un circuito de consumo, pero no se lo reprocho».

Continúa: «La cultura ya no es algo apreciable, no es un bien. No se regalan discos ni libros de poesía. Vivimos en un monopolio de la cultura, la política y los medios de comunicación. Las empresas que mueven el mundo están por los beneficios, por convertir a las personas en números desechables, por las normas, los cánones de belleza, la delgadez. El circuito monopolista de la vida hoy está hecho contra la cultura, ya que esta significa diversidad, no querer imitar a nadie, reconocer la tribu pero también tu propia personalidad. Toda esa complejidad se ha difuminado. Lo complicado se rehúye. ¿Ganamos algo haciéndolo? Sí, en incultura. Nos ponemos en manos del consumo. Se ve en que cada vez hay más obesidad. Esta gente ha hecho un trato con el sistema por el que pueden conseguir la sensación de comer todos los días lo que quieren, teniendo que depender a cambio de un montón de cosas y pasividad. La sociedad es bastante pasiva ante lo que nos está cayendo. La cultura es la única que puede remediarlo porque significa en sí estar atento, pendiente y al tanto de lo que está pasando. No de los libros, sino de las personas, de por qué los chiquillos van hoy por la calle y se chocan con un árbol porque van mirando al móvil».

Como solución, Kiko Veneno propone «leer a Nietzsche, que implica un gran esfuerzo, y seguramente sea demasiado pedir para muchos».

En una línea parecida, El País publica hoy un reportaje sobre reggaetón en el que el catedrático de Antropología Social en la Universidad Pompeu Fabra Carles Feixa opina sobre la música actual. Indica: «Cada cierto tiempo aparece un nuevo estilo musical con el que las nuevas generaciones se identifican y las anteriores rechazan con argumentos parecidos (‘eso no es música sino ruido’, ‘todo ritmo pasado fue mejor’). Si los amantes del jazz y del swing criticaron el rock, los anteriores reprobaron el heavy o el punk, los anteriores el techno… y todos los anteriores rechazan ahora el reguetón y el trap”.