Lady Gaga ha confirmado su participación en la secuela de ‘Joker‘, tras meses de rumores. Lo ha hecho con un post subido a sus redes en el que confirma que la cinta llevará el título de ‘Joker: Folie à Deux’ y que se estrenará el 4 de octubre de 2024.
No se conocen demasiados detalles acerca de ‘Joker: Folie à Deux’. Se sabe que Todd Phillips dirigirá la película tras el éxito de la primera, y que Joaquin Phoenix volverá a asumir el papel protagonista. El rumor principal apunta a que Gaga interpretará a Harley Quinn, aunque su personaje se diferenciará del de Margot Robbie. Además, la película sería un musical.
Así, Gaga continúa dando pasos en el mundo de la interpretación, después de su comentada actuación protagonista en ‘House of Gucci‘. Estos días se encuentra desarrollando la gira de ‘Chromatica’, que próximamente visitará Toronto, así como varias ciudades de Estados Unidos.
Es difícil no afrontar un lanzamiento de Beyoncé con cierto grado de cinismo. ‘RENAISSANCE’ apuntaba a ser un disco bailable, espontáneo, liberado. Bailable es. Liberado también, pero espontáneo no tanto cuando incluye aproximadamente 100.000 créditos entre autores, co-autores, samples, interpolaciones y demás contribuciones. Y, aún así, el mero hecho que Beyoncé haya entregado un proyecto ambicioso, de título épico que promete un cambio de paradigma, parece ser suficiente para ponerlo por los altares. Críticas como las de Rolling Stone o Pitchfork, más que valoraciones musicales, parecen notas de prensa. Tanto es así que Beyoncé parece haberlas predicho. Y algo que en ‘RENAISSANCE’ sucede continuamente es que ninguno de sus elementos parece dejado al azar. Todo suena pensado y medido al milímetro. Es un disco que busca ser carnal, humano, pero que tampoco deja de ser un proyecto empresarial. Y se nota.
Con ‘RENAISSANCE’ vuelve a ser obligado escribir ríos de texto, investigar más en sus créditos que en la universidad, escribir reseñas bíblicas como la que se avecina. En parte se agradece. En un contexto musical donde manda, precisamente, la espontaneidad, en el que canciones compuestas y grabadas en 20 minutos y que duran 2 se convierten en instantáneos números 1 globales, en el que artistas de su misma talla como Drake improvisan discos y los sacan como si fueran churros sin medir el mercado porque saben que van a triunfar igualmente, Beyoncé entrega un plato denso, lleno de sabores que se complementan pero que también se contradicen, y que degustar con tiempo. Es exactamente lo que se espera de ella y, a la vez, no.
Lo primero que llama la atención de ‘RENAISSANCE’ es la falta de estribillos o singles. En este sentido, ‘BREAK MY SOUL’ no es representativo del disco. Es un tema magnífico de piano house (o «diva house», como he leído por ahí) que invita a dejar atrás el estrés y entregarse al baile. Pero tampoco se puede obviar que suena demasiado familiar y diseñado para sonar exactamente como lo hace desde que incluye una melodía muy parecida a la de ‘Show Me Love’ de Robin S, tanto que sus autores aparecen acreditados en los créditos por requisitos de la industria. Es un clásico, pero no ha cambiado el mundo ni ha hecho «renacer» la música disco dos años después que Dua Lipa, Lady Gaga, Jessie Ware y Kylie Minogue recuperaran este sonido cuando más tocaba. Sí se ha apuntado el tanto de samplear un tema de Big Freedia que pedía a todas luces ese trato. El sample de ‘Explode‘ es, sin duda, lo mejor de ‘BREAK MY SOUL’, especialmente cuando «explota» en un final completamente desbocado que debería durar más. De los mejores momentos que ha dejado el pop en 2022.
Si ‘RENAISSANCE’ llega demasiado tarde a la moda disco como para capturar el «zeitgeist», pues de hecho tampoco es un álbum que suene especialmente moderno, por lo menos sí planta su bandera de otra forma, al ser un trabajo específicamente centrado en celebrar la cultura de baile desde una perspectiva afro y queer. En este sentido, Beyoncé está diciendo a las Duas y a las Gagas que todo lo que han hecho se lo deben a los negros que vinieron antes. Y no solo tiene razón, también tiene la capacidad de hacerlo.
Cuando Beyoncé hace reggaetón, como en la tremebunda ‘I’M THAT GIRL’, que inaugura el álbum entre gruñidos, cambios de tempo y un sample insólito de Princess Loko, rapera pionera de Memphis que murió en 2020 sin que prácticamente nadie se acordase de ella, no suena a otra cosa que a la reina del mundo. Cuando hace disco, suena deliberadamente clásica como en ‘CUFF IT’, una canción tan fina y glamurosa como esa Teena Marie a la que hace referencia. Cuando se pone un vestido jamaicano, como en ‘COZY’, no lo hace de manera edulcorada: nos lleva directamente a las sudorosas discotecas de épocas pasadas. En ‘MOVE’ hasta invita a la fiesta a la mismísima Grace Jones… y esta acepta. El homenaje de Beyoncé pasa incluso por el Detroit industrializado de los años 80 cuando, en la abstracta ‘THIQUE’, se atreve a coquetear con beats prestados del deep-house y el techno. Si ‘RENAISSANCE’ no es un «renacimiento», sí es una enciclopedia de géneros, subgéneros, samples y referencias que, en opinión de Beyoncé, no deben caer en el olvido. Ella los hace renacer.
‘RENAISSANCE’ arranca fuerte. Además de algunas de las pistas mencionadas, en la primera mitad del álbum suena ‘ALIEN SUPERSTAR’, una bestia de gqom sudafricano aplicada a la pasarela de voguing que, en este caso sí, apunta a las discotecas del futuro. Rompe con todo lo que se está haciendo en el pop mainstream actual, incluida la propia Beyoncé. Hay que destacar también el dancehall brutote de ‘ENERGY’ con Beams, que ya ha pasado a la historia por su polémica con Kelis, pero que sigue sumergiendo el disco con ímpetu en el underground. El paso de ‘ENERGY’ a ‘BREAK MY SOUL’, además, es el mejor desde aquella transición de ‘Chromatica’ que volvió loco a medio Twitter. Y después, ‘CHURCH GIRL’ es lo más parecido a un single de radiofórmula que incluye ‘RENAISSANCE’. Un tema de R&B contemporáneo, sustentado en un sample de las Clark Sisters, que remite a la época de ‘B’Day’ a la vez que Beyoncé defiende que puede ser una chica religiosa y a la vez mover el culo y desnudarse si le apetece, porque ha «nacido libre».
La fiesta de «grooves» -que no de singles formulaicos- de ‘RENAISSANCE’ se enfría pasada la visita a la iglesia del twerking en el momento en que las canciones se empiezan a difuminar. ‘PLASTIC OFF THE SOFA’, la única producción del disco carente de samples, es la típica cancioncilla de «chill disco» que toca la banda de jazz invitada para amenizar el ambiente mientras el público se retira al baño o a pedir bebidas. Beyoncé aprovecha la ocasión para celebrar su longeva relación con Jay-Z y, como consciente de que a nadie le interesa, lo hace en el «filler» más evidente del largo. A continuación, ‘VIRGO’S GROOVE’ calienta el ambiente de nuevo con seis minutos de liberación disco, pero nunca alcanza el estado de «éxtasis» al que refiere la letra, aunque sea provocado por el amor porque sabemos que Beyoncé no se droga. El mayor delito lo comete ‘SUMMER RENAISSANCE’, que recrea ‘I Feel Love’ de Donna Summer y Giorgio Moroder pero nunca suena igual de embriagadora. Más bien parece la canción que suena al final en los créditos de una película.
Es en la segunda mitad de ‘RENAISSANCE’ donde más se percibe la intención de Beyoncé de centrarse en trabajar estructuras centradas en el baile y no en otras más convencionales y pop. ‘MOVE’ crea un escenario de diversión y desafío en la pista. Dentro del meollo, Beyoncé demanda «espacio» para que sus amigas y ella puedan bailar como quien exige que no se pisen sus derechos. La idea es excelente, pero parece mentira que Grace Jones aparezca por aquí y ni se note. Después, el electro-trap oscuro de ‘ALL UP IN YOUR MIND’ hace echar de menos la sensibilidad melódica de BANKS. Y lo más interesante de ‘AMERICA HAS A PROBLEM’ es su título, sacado del single de Kilo Ali de 1990 ‘America Has A Problem (Cocaine)‘. En la canción de Beyoncé, la cocaína es ella porque es igual de adictiva para su hombre.
En este tramo de ‘RENAISSANCE’ sí se incluyen algunas pistas especialmente efectivas o interesantes. ‘HEATED‘ funciona pese a que no deja de ser otra de esas canciones que Drake es capaz de escribir dormido. El final con megáfono es otro momento álgido del disco. Por su parte, la tenebrosa ‘THIQUE’ -voluptuosa como el cuerpo de Beyoncé, al que va dedicada- se crece gracias a un desarrollo que pasa de lo abstracto a lo pegadizo y perverso. Y ‘PURE/HONEY’ es directamente la joya de la corona, otro homenaje a la cultura del ballroom que samplea a dos iconos de este mundo como Kevin Aviance y Jevin JZ Prodigy y que representa lo mejor que ‘RENAISSANCE’ es capaz de ofrecer, al menos, en esta primera parte de la prometida trilogía.
En la última década, Beyoncé se ha convertido en una estrella dedicada a celebrar la cultura negra desde un punto de vista abiertamente politizado, como ha demostrado en sus últimos pasos artísticos, desde su actuación en Coachella hasta el disco de ‘El rey león’. Sin embargo, su reticencia a conceder entrevistas de manera libre a los medios sigue alejándola de la posibilidad de hacernos comprender su obra mejor, desde un punto de vista más personal y político. En ese sentido, ‘RENAISSANCE’ suena divertido pero también calculado, alejado incluso de la propia realidad de Beyoncé. Quizá es ingenuo esperar otra cosa de una artista que representa toda una institución, y lo cierto es que ‘RENAISSANCE’, en el fondo, no deja de ser un disco de pop fantástico. Quizá no vale la pena pensar las cosas tanto.
La expresión “pop perfection” tiene mucho sentido cuando hablamos de Tove Lo. A lo largo de sus cuatro discos, la sueca ha demostrado cómo su inteligencia a la hora de crear bops va de la mano con unas letras confesionales que rebosan autenticidad. En sus letras y en su imagen se mezclan momentos guarros y de humor (como en el videoclip de ‘disco tits‘) con el dolor y la vulnerabilidad (los videoclips-cortos de la etapa ‘Lady Wood‘). Y en sus directos hace justicia a todo esto, como comprobamos recientemente en Mad Cool, donde Tove repasó su discografía mientras presentaba sus nuevas canciones, entre ellas la por entonces inédita ‘2 Die 4’… que ya está entre nosotros.
Producida por OZGO (con quien ya colaboró en ‘Flashes’), ‘2 Die 4’ es el complemento perfecto a ‘True Romance’, su anterior single: de aquel viaje lleno de intensidad pasamos a un escapismo puro y duro en el que Tove se deja llevar por el deseo y la pasión hacia alguien que acaba de conocer. La frase “no eres como en la foto” carece aquí del significado negativo que se le suele dar, porque enseguida remata con “eres más guapo”: “ojalá me lo hubieses dicho / porque habría puesto más empeño”. Así empieza esta canción, y así empieza esta cita tras la que Tove ansía un segundo encuentro, porque “cuando pienso en ti, el mundo es un poco menos feo”, y quiere “arrastrarte fuera a medianoche, bailar entre luces brillantes y enrollarnos bajo la lluvia”. Casi ná.
El subidón que siente Tove al pensar en esta persona se refleja a las mil maravillas en el tema, que incorpora en el estribillo un sample de ‘Popcorn’, el instrumental compuesto por Gershon Kingsley en 1969, popularizado por Hot Butter en 1972 y, en los dosmiles politoneros, con la versión de Crazy Frog. ‘2 Die 4’ acaba siendo uno de los temas más accesibles de Tove Lo para el público general que solo conozca ‘Habits’ y, tras haber estado funcionando en TikTok el último mes, es una firme candidata a “canción del verano” alternativa, ya que el puesto mainstream parece adjudicado a titanes como Bad Bunny, Beyoncé o nuestra Rosalía con ‘Despechá’.
‘2 Die 4’ supone además el tercer adelanto de ‘Dirt Femme‘, el quinto disco de estudio de Tove, que se publicará en otoño y del que la autora de ‘stranger’ ha dicho lo siguiente: “son todos mis sentimientos, pensamientos y preguntas mezclados en menos de 50 minutos, sin ninguna respuesta. Pero siempre encuentro alivio cuando una canción conecta con mis emociones aunque no me diga qué hacer respecto a ellas. Así que espero que este disco alcance ese pequeño hueco en vuestros corazones, donde lo verdaderamente real se esconde”. ¿Nos morimos de hype? Puede ser.
El nombre de Lauv puede no ser aún muy familiar para algunos; no así sus canciones. Sin tener que irnos a sus colaboraciones con Troye Sivan, BTS o Anne-Marie, ‘I Like Me Better’ es una de esas afortunadas en tener mil millones de reproducciones en Spotify. Y, en el improbable caso de que no hayas oído ninguna, ahí va un dato que te hará sentir curiosidad: fue uno de los compositores de ‘Boys’ de Charli XCX. Hablamos con él de todo esto, del disco que sacó justo al empezar la pandemia, y del que está a punto de publicarse, ‘All 4 Nothing’.
¿Qué sensaciones tienes respecto a este lanzamiento?
Estoy muy, muy emocionado de que por fin ocurra, aunque también algo nervioso. Hace ya un tiempo que lo hice, pero espero que la gente conecte con él, que les llegue. Dices que hace un tiempo, ¿entiendo que lo hiciste cuando estábamos confinados?
Exacto… hice la mayoría de canciones en la segunda mitad del confinamiento.
Tu anterior álbum, ‘how i’m feeling‘, se publicó también en pleno confinamiento, aunque imagino que lo escribirías antes. ¿Qué diferencias encuentras entre ambos lanzamientos y ambos discos?
Diría que este disco es bastante más crudo en muchísimos sentidos. Cuando empecé a escribirlo estaba en un lugar lleno de ansiedad, y sintiéndome desconectado del mundo, de todas las personas, por la pandemia y todo eso. Con el disco intenté encontrar paz en el hecho de encontrarme a mí mismo de nuevo, porque es como si todo lo relacionado con Lauv, con mi música, mi carrera, etc, me hubiese hecho perder la vista sobre quién es Ari, sobre quién soy yo. Y al final este disco ha sido el proceso de encontrar eso de nuevo.
El disco se publica en agosto, en pleno verano, así que la gente va a poder bailar muchas de las canciones, que es algo que no pudieron hacer con el anterior.
¡Sí! Y no puedo tener más ganas… hay un par de canciones muy bailables en el disco, y me emociona pensar que ahora sí puedan disfrutarse al máximo esas canciones.
¿Fue algo que tuviste en cuenta mientras producías? Porque es cierto que el disco es, por lo general, más uptempo que el anterior.
Qué va, fue como muy natural, cada vez me inspiraba más un sonido que tiraba a lo upbeat, mientras que en otras ocasiones me iba más a lo midtempo o a canciones más lentas. Creo que también tiene que ver con lo que he ido escuchando este tiempo… he quemado ‘Future Nostalgia‘, por ejemplo.
Nos pasó a muchos en el confinamiento…
(ríe) Es que es un disco tremendo. Y no es que tenga canciones en mi disco que suenen a ‘Future Nostalgia’, pero sí que es un álbum que me ha inspirado para hacer éste.
«He quemado ‘Future Nostalgia’. Es un disco tremendo»
‘Modern Loneliness’ es una de tus mejores canciones en mi opinión, y es casi profético que saliese justo antes de la pandemia. Después de estos años tan complicados, ¿dirías que el problema del que hablas en esa canción ha mejorado o ha empeorado?
No puedo hablar por todo el mundo, pero… en mi caso personal, diría que yo he mejorado en ese aspecto. Me siento más cercano a mis amigos, y presto más atención a mi vida real, lo cual es muy importante para mí como persona. Y estoy agradecido por eso, porque la verdad es que llevaba un tiempo sintiéndome muy, muy desconectado.
Tengo que preguntarte por ‘Boys’: el mayor hit de Charli XCX en solitario lo escribiste tú, y ella suele componer sus canciones, así que debió gustarle mucho. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Entregaste el material y ya, o hubo intercambios de mensajes y feedback con Charli?
Buah, eso fue muy loco… yo estaba casi empezando, y ni siquiera la conocí. Yo estaba trabajando con varios amigos, y creo que ella acabó oyéndola, le encantó, y siguió construyendo a partir de ahí. Pero nunca la conocí.
¿Después de aquello tampoco?
Bueno, con los años sí es verdad que he coincidido con ella un par de veces y hemos hablado, pero muy brevemente. Pero me encantaría ser su amigo, es una de las artistas más guays que existen.
Me hace gracia que el título de tu anterior disco fue ‘how i’m feeling’, y como un par de meses después Charli XCX sacó ‘how i’m feeling now’, no sé si lo escuchaste.
(ríe) Sí, me encanta Charli y la escucho mucho. Estoy obsesionado con ‘Crash‘, su último disco, es buenísimo.
En tu último álbum fueron otros artistas quienes colaboraron contigo. Por ejemplo, pudimos oír a Phoebe Bridgers en los créditos de ‘Canada’. ¿Qué tal fue trabajar con ella?
Maravilloso. Es una persona encantadora y muy talentosa, en ese momento yo estaba obsesionado con su música también, empezamos a hablar… y acabamos haciendo una demo con otra persona, que dio lugar a esa canción cuando le enseñé la demo a Alessia Cara.
También está en ese disco ‘i’m so bored’, con Troye Sivan, que ha acabado siendo uno de tus mayores éxitos. Vuestras voces empastan muy bien en esa canción, ¿habéis pensado en colaborar de nuevo?
Pues no hemos hablado de ello, pero me encantaría. Troye es uno de mis artistas favoritos, tiene un talento tremendo y además es un chico muy dulce. Estaría genial.
«Rosalía se ha convertido en un punto de referencia en cuanto a lo desinhibido que puede ser un artista con su música»
Última pregunta sobre otros artistas: ¡como español te quiero preguntar por ‘MOTOMAMI‘!
(ríe) Ese disco es una pasada… me encanta Rosalía, y ese disco me voló la cabeza, ‘HENTAI’ creo que es mi favorita, es muy salvaje lo que hace ella. Me parece que se ha convertido en un punto de referencia en cuanto a lo desinhibido que puede ser un artista con su música.
Decías que ‘Drugs & The Internet’ era la canción de tu anterior disco que más lo definía. ¿Cuál lo sería aquí?
Diría que ‘Bad Trip’. Es también mi favorita… es muy distinta a lo que suelo hacer, pero creo que funciona muy bien. Es como que tiene una vibe en la que no me veía, pero que a la vez me recuerda a la música con la que crecí y que me encantaba. Estoy muy orgulloso de cómo ha quedado esa canción.
‘Hey Ari’ es otro de los momentos más distintos del disco. ¿Qué nos puedes decir sobre ella?
La primera vez que la oí, acabé llorando. Te lo juro. Los ojos se me caían. Creo que esa canción es un poco una carta a mí mismo… (traga saliva) Es intensa, sí.
¿Qué ha sido lo más complicado a la hora de sacar adelante este disco? A nivel de composición o producción de algún tema.
Diría que ’26th’… no me costó sacar la letra, el problema es que las letras me salían de dentro, y es muy triste, fue complicado para mí todo el proceso de esa canción.
Me has dicho antes que el disco lo compusiste en pleno confinamiento. Como hace un tiempo de eso, no sé si has ido escribiendo nuevos temas, ya fuera del disco.
Sí, sí, he escrito un montón. Creo que voy a poner algunas en la edición deluxe del disco. De todas formas, he estado pensando en tomarme un pequeño descanso en cuanto a escribir. Ahora que el mundo ha vuelto un poco a la normalidad, voy a intentar vivir un poco, ¿sabes? En lugar de estar todo el rato en el estudio.
En una entrevista has dicho que, de pequeño, escribir una canción era para ti una manera de escapar cuando te sentías solo. Ahora tus canciones llegan a muchísima gente, y quizás provocan lo mismo en ellos… ¿qué sientes al respecto?
Es loquísimo. Intento no pensar demasiado en eso, ¿sabes?, intento mantener la música lo más pura posible, pero a veces sí que cruza mi mente la cantidad de personas que pueden escucharla. Pero intento no caer en eso, sobre todo en este disco he intentado mantenerlo todo lo más puro posible.
Resulta sorprendente ver al director ruso Lado Kvataniya, autor de la aplaudida ‘La ejecución’ (se presentó en Sitges y acaba de estrenarse en Filmin), dirigiendo el nuevo videoclip de Cardi B. ¿Tendrá algo que ver la invasión de Ucrania, a la que se ha opuesto públicamente? ¿O la cancelación de su película en algunos festivales por haber recibido financiación del gobierno ruso?
Sea como fuere, lo cierto es que la rapera neoyorquina lo ha acogido en su seno. Sin embargo, no parece haberle dejado mucha libertad. Kvataniya ha realizado un clip bastante rutinario y funcional que, por momentos, hace honor a su título. Una fantasía futurista, con más derroche de CGI que de imaginación, al servicio de sus tres protagonistas (aunque el personaje de Kanye West, vestido de motero enmascarado, tiene toda la pinta de ser un doble).
‘Hot Shit’ combina cuatro escenarios principales. Una gran metrópoli, donde Cardi B aparece en lo alto de un rascacielos como una enorme King Kong(na) o emulando la imagen icónica de los superhéroes “vigilando” la ciudad al amanecer. Las aguas de un rio, donde hay varios coches hundidos y tiroteados bajo un puente tipo el de Brooklyn. Un desierto con una gran estatua femenina que recuerda a la iconografía de ‘The Fall: El sueño de Alexandria’. Y, por último, una extraña laguna donde rapea (el doble de) Kanye West ataviado como una mezcla de motero y hombre del saco.
Madonna ha expresado en una entrevista a Variety que no tiene ninguna intención de vender los derechos de su catálogo musical, que significaría vender los derechos de 14 álbumes de estudio desde 1983. La autora de ‘Madame X’, su último disco, confirmó las declaraciones de su mánager Guy Oseary, en las que dijo que Madonna nunca vendería su parte de los derechos de su larga discografía.
Al ser preguntada el por qué de esto, la superestrella respondió sin ninguna duda: «Porque son mis canciones. La propiedad lo es todo, ¿no? O sea, por eso Oseary está comprando monos». Oseary firmó el año pasado para representar a la compañía de NFTs Bored Ape Yacht Club, que se dedica a elaborar NTFs de monos con diferentes vestimentas y características, de ahí la última línea de las declaraciones de Madonna.
Siguiendo la línea de su opinión en cuanto a los derechos sobre su música, la cantante también declaró la semana pasada que había decidido elaborar ella misma su propio biopic para evitar que «hombres misóginos» se encargaran del proyecto. Esta cinta será dirigida por Madonna y coescrita por ella y por la guionista de Juno, Diablo Cody. El pasado junio se reveló que se le había ofrecido el papel principal a Julia Garner, actriz de la serie ‘Ozark’.
Según fuentes de Deadline, Selena Gomez y 20th Century estarían colaborando para realizar un reboot de ‘Working Girl’, una de las películas clásicas de los 80, en la que Gomez desempeñaría el rol de productora. Ilana Peña es la encargada de adaptar el guion a los nuevos tiempos y la película se prevee que se estrene en Hulu.
Los detalles del argumento son desconocidos por el momento. La película original de 1988 estaba protagonizada por Melanie Griffith, Sigourney Weaver, Harrison Ford y Joan Cusack y trataba sobre una ambiciosa secretaria de Nueva York que aprovecha la rotura de pierna de su jefa para hacerse pasar por él. La cinta fue un éxito rotundo: fue uno de los mayores hits del año, recaudando más de 100 millones de dólares, y fue alabada por la crítica, consiguiendo seis nominaciones para los Oscar, entre las que se incluían los premios a Mejor Película y Mejor Actriz.
Este movimiento de 20th Century llega a partir del éxito de ‘Top Gun: Maverick’, otro reboot de los 80, el cual más que probablemente ha hecho que varios estudios de Hollywood revisen su colección de éxitos de los 80 y 90 para lanzar una nueva versión adaptada a los tiempos actuales. Mientras tanto, Selena Gomez está centrada en su papel de actriz protagonista y productora ejecutiva en la comedia de Hulu ‘Only Murders in the Building’, que está actualmente emitiendo su segunda temporada, también disponible en Disney+.
Warner ha decidido cancelar completamente el estreno de ‘Batgirl’, la nueva adaptación de los cómics de DC protagonizada por Leslie Grace, tal y como ha confirmado Variety. Lo más raro de esta noticia es que el rodaje de la película ya había terminado antes de la cancelación, rodaje que ha costado nada más ni nada menos que unos 90 millones de dólares.
La película dirigida por Adil El Arbi y Bilall Fallah, directores de ‘Bad Boys For Life’, no se estrenará ni en cines ni en HBO Max, como estaba previsto inicialmente. Al parecer, esta decisión llega a través del nuevo régimen detrás de Warner Bros Discovery, que ha decidido centrar los esfuerzos del estudio en blockbusters y películas para los cines, para lo cual ‘Batgirl’ no tenía sitio.
Lo más triste es que nunca se sabrá si DC había o no acertado con esta versión femenina de Batman, ya que la cancelación no tiene nada que ver ni con la calidad de la cinta ni con el compromiso de los cineastas. El reparto en cuestión tampoco era pequeño, con J.K. Simmons interpretando al comisario Gordon, Michael Keaton volviendo a su papel de Batman y Brendan Fraser dando vida al villano del proyecto.
Esto es un mazazo para los fans del universo cinematográfico de DC, ya que esta decisión significa que otras películas también podrían correr el mismo destino. Entre ellas, la adaptación cinematográfica del Flash de Ezra Miller, la cual, teniendo en cuenta todas las apariciones de Miller en la prensa últimamente, no ha tenido un rodaje fácil. Su estreno estaría previsto para llegar a los cines en 2023.
Julia Nar y Khotton Palm han publicado este verano su primer EP conjunto, compuesto por 6 canciones. Ella es una autora canaria asentada en Barcelona, que ha ido cambiando sus estudios de piano y violín primero por la guitarra y luego por la electrónica. Él es un autor con cierta mano para las colaboraciones, pues ha viralizado algunas realizadas junto a Liza Lo (‘Empty Room’, 1 millón de reproducciones) o Dwara (cerca de medio millón).
Juntos han entregado un pequeño EP con influencias muy variadas como la electrónica, el jazz, el R&B o de manera muy tímida el flamenco. El lanzamiento comienza con ‘colegas.’, un tema que como cuentan desde su comunidad Acqustic, puede hablar de una ruptura tras la que la amistad no es posible; o bien sobre unos amigos que ya no aguantan ser sólo «colegas» y quieren dar un paso más allá. Mediante la captación de voces sampleadas y el efecto de la repetición de sus textos, logran cierto poso poético que ya no se perderá en estos 20 minutos de música.
Parece que su mejor expresión es la canción ‘rosa.’, esa en la que se alternan las palmas flamencas con los trucos de producción de James Blake, ya solo por lo que cala ese estribillo «tú y yo… sabíamos que esto no iba a ser efímero». Pero son muy curiosas las cosas que pasan en el resto del EP.
‘sable.’, que debe su nombre a la palabra «arena» en francés, se inspira en las formas de la naturaleza y las dunas en una figura corporal. Es más cercana al ambient. En ‘luces.’, por su parte, escuchamos dos capítulos diferenciados, uno representando la noche y lo que los faros nos aportan en ella, y otra el día («Siento el calor, siento tu calor, la luz del sol me guía»). Y quizá el gran hallazgo, el gran grower, sea ‘plage.’, un tema también de nombre veraniego, ardiente, en el que se aúnan los fantasmas de Burial y Pional con un piano muy Carole King, bastante setentero. Una interesante conjugación de clásicos y sonidos actuales que se completa con la final ‘cerca.’
PauByChance es una de las artistas que están configurando el hyperpop hecho en España. Entre sus mayores éxitos se encuentra ‘Konami Code’ y, recientemente, la asturiana fichada por Acqustic ha sorprendido con su adaptación de ‘Blue’ de Eiffel65 apodada ‘Sad’.
El siguiente paso artístico de PauByChance es parecido: en ‘Hypergirl’ se atreve a adaptar un tema incluso más popular, pues sigue sonando a día de hoy. ‘Barbie Girl‘, el éxito de 1997 de Aqua que ya sonaba a ese pop «irónico» que reivindica la PC Music, sirve ahora de inspiración a PauByChance para que la artista entregue todo un manifesto hyperpop.
El tema arranca con la promesa de un mundo de color que nos espera y, pronto, se adentra en un laberinto de referencias cibernéticas y pop. PauByChance es la «reina de Haribo» que se hace una «porno pop», busca a su Ken en el ciberespacio, se proclama la «princesa del mundo virtual» y se mira en el espejo con Hilary Duff y Stacy Malibu. A su «barbie girl» pide que se descargue su «ZIP», le haga «pre-save» y le ponga un «nickname».
En ‘Hypergirl’, PauByChance aglutina todos estos conceptos y más en un aceleradísimo tema en el que, además, le da tiempo de aludir a su propia discografía. Si en ‘Sad’ cantaba, tristona, que «últimamente no chupo ni piruletas», en ‘Hypergirl’ responde que «ahora ya chupo más que piruletas». También se zampa un lacasito que le «sube»… igual que las burbujas.
En esta producción de Octopvs To The Party que llega lo suficientemente atiborrada de autotune como para espantar a toda la organización de Eurovisión, PauByChance apuesta por el desarrollo del personaje. No solo sale de la depresión y visita por fin un club sino que, además, hace que Aqua suenen como si se hubieran comido unos cuantos lacasitos. Un subidón de azúcar que sigue sonando «cute, cute, cute, cute».
Renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del mes. La lista arranca fuerte con los últimos singles de Jessie Ware y Rosalía, el tema de voguing de Beyoncé o el nuevo single de Hailee Stanfield, Canción Del Día de hoy. En representación de los Discos de la Semana suenan temas de Superorganism o Katy J. Pearson y, entre las revelaciones del mes hay que hablar de laura katze y DOMi & JD BECK. Con apariciones también de Lana Del Rey, Hot Chip, SG Lewis, Nacho Vegas o Villano Antillano, os invitamos a adentraros en la antesala de la que será la lista de mejores canciones de 2022 de JENESAISPOP.
Jessie Ware / Free Yourself
Rosalía / DESPECHÁ
Beyoncé / ALIEN SUPERSTAR
Rigoberta Bandini, Amaia / Así bailaba
Lizzo / 2 Be Loved (Am I Ready)
Hailee Steinfeld, Anderson .Paak / Coast
U.S. Girls / So Typically Now
Hot Chip / Eleanor
laura katze / Un ritual
SG Lewis / Missing You
Superorganism / On & On
Sorry / Let the Lights On
FKA twigs / killer
Rina Sawayama / Catch Me in the Air
Ciara, Coast Contra / JUMP
Gorillaz, Thundercat / Cracker Island
beabadoobee / Sunny day
Villano Antillano / KLK
Lewis OfMan, Carly Rae Jepsen / Move Me
DOMi & JD BECK / TAKE A CHANCE
Lana Del Rey, Father Joh Misty / Buddy’s Rendezvous
MAX / WASABI
Katy J Pearson / Talk Over Town
Brent Faiyaz / PRICE OF FAME
Nacho Vegas / Ramón In
Ethel Cain / Hard Times
Ana Torroja / Paraíso
Fermi / Amigos
Overmono / Gunk
!!!, Angélica Garcia / Un puente
Samantha Hudson, La Dani / Perra
Nilüfer Yanya / L/R
Entre las novedades musicales que ha dejado el último viernes de lanzamiento se encuentra ‘Coast’, el nuevo single de Hailee Steinfeld con Anderson .Paak. La cantante estadounidense, que se diera a conocer con macrohits del calibre de ‘Starving‘ (más de mil millones de reproducciones en Spotify) o ‘Love Myself‘, ha lanzado su primer single en dos años.
Aunque parezca mentira, Steinfeld todavía no ha publicado un álbum, y ‘Coast’ es el primer avance de su esperado debut. El tema reinventa su sonido y lo sitúa en un espacio más orgánico y veraniego, un espacio en el que conviven sonoridades folk-pop con punteos de guitarra eléctrica tropicales que recuerdan a The Police. Todo ello al servicio de una melodía pop tan pegadiza como un chicle.
La temática veraniega de ‘Coast’ no solo se refleja en la música, sino que la letra se compone de metáforas marítimas o playeras. Cuando Steinfeld canta «all I wanna do is coast with you» se refiere a que desea relajarse con la persona amada. Por su parte, el rapero Anderson .Paak se inspira en el mismo campo semántico y rapea sobre quedar «atrapado en las olas» y sobre «rayos de sol». Además, cita por el nombre la Ruta Estatal 1, la carretera que pasa a lo largo de la costa del Pacífico de California. Tiene sentido: tanto Hailee como Anderson son oriundos de este Estado.
‘Coast’ es el primer adelanto de un trabajo en el que Hailee explorará influencias quizás impensadas para ella hasta ahora. La cantante ha grabado el disco en un estudio instalado en su casa y dice que se ha inspirado en la música de los Eagles, Beach Boys y Tame Impala, pero también en la de Daft Punk, Fleetwood Mac, Madonna y los Beatles.
Si ‘Coast’ supone el primer lanzamiento de Hailee desde 2020, cuando lanzó la colaboración ‘Masterpiece’ con Chen Linong, para Anderson .Paak es uno de los varios que ha protagonizado recientemente, entre ellos, su destacado single con DOMi & JD Beck, otro de los mejores temas del mes de julio.
Beyoncé acaba de publicar ‘RENAISSANCE‘, pero su disco ya está sufriendo varios cambios y polémicas, tantos como para acordarse de la época del disco vivo de Kanye West. La diferencia es que era el propio Kanye quien modificaba ‘The Life of Pablo‘ a su antojo, pero Beyoncé se está viendo con obligación de modificar el álbum por demandas externas.
La primera en alzar la voz era Kelis. Una variación de la melodía de ‘Milkshake’ aparecía en la versión original de ‘ENERGY’, la pista 5 de ‘RENAISSANCE’. Kelis acusaba a Beyoncé de haber usado la canción sin permiso y sin avisarle de antemano. Solo Pharrell Williams y Chad Hugo, integrantes de los Neptunes, aparecían como co-autores de la canción de Beyoncé, al ser los únicos autores de ‘Milkshake’, pero Kelis afirmaba que «nada es lo que parece».
Finalmente, Beyoncé ha actuado y ha decidido eliminar la parte de ‘Milkshake’ que formaba parte de la composición original de ‘ENERGY’. En concreto, Beyoncé cantaba la melodía de «la la la las» que canta Kelis en su éxito de 2003, pero esa melodía ya no aparece en la mezcla.
Por otro lado, la autora de ‘Lemonade‘ ha escuchado las críticas recibidas por el uso de la palabra capacitista «spaz» en su canción ‘HEATED’, y ha sustituido la palabra por otra. Si la frase original era «spaz on that ass», la actual dice «bless on that ass». Existe un precedente de esta polémica muy reciente que involucraba a la cantante Lizzo.
Pero las exigencias a Beyoncé no acaban aquí. Monica Lewinsky ha aprovechado la coyuntura para pedir indirectamente a Beyoncé que modifique parte de la letra de su éxito de 2013 ‘Partition’, la cual incluye la frase «él se ha corrido como Monica Lewsinky en mi vestido». Frase que es objetivamente inexacta puesto que fue Bill Clinton quien se «corrió» en el vestido de Lewsinky, y no al revés. Lewinsky hizo alusión a este dato en su artículo de 2014 para Vanity Fair.
En Twitter, la autora, activista y «musa de los raperos» ha compartido un artículo sobre la modificación de la letra de ‘HEATED’ y ha escrito «ya que estamos». En otro mensaje ha confirmado que NO se ha puesto en contacto con Beyoncé para pedir el cambio.
Finalmente, una noticia sobre Beyoncé más positiva: la cantante ha publicado los primeros remixes oficiales de ‘BREAK MY SOUL’, entre los cuales se encuentran unos firmados por will.i.am. o Honey Dijon.
Este viernes 5 de agosto, la sala Razzmatazz celebrará otra edición de FUEGO. Esta vez, el artista principal es el italiano Rondodasosa, a quien también acompañarán DREA e Yibril como invitados a la fiesta urbana más famosa de Barcelona. Las entradas están disponibles aquí.
Con solamente un EP, ‘GIOVANE RONDO’, publicado en 2020, y con tan solo 20 años, Rondodasosa ha amasado casi cuatro millones de oyentes mensuales en Spotify y un spot asegurado en todas las playlists de éxitos italianas. Ha conseguido construir un estilo fácilmente reconocible, con influencias que van desde el drill del Reino Unido hasta el afrobeat, pasando por el trap más agresivo.
Rondo comenzó su carrera tan recientemente como en 2020 y ha experimentado un crecimiento meteórico que le ha llevado a colaborar con artistas como Central Cee, Capo Plaza o Morad. Con este último colaboró en la canción ‘Eurovision’, en la que también aparecían diferentes raperos de otros países, como Freeze corleone, Baby Gang o el español Beny Jr.
Entre las canciones que son imprescindibles para disfrutar de la noche del viernes a tope se encuentran ‘SLATT’, su primera colaboración con Capo Plaza y que precedió el éxito de su EP, ‘DUBAI’, ‘SHAWTY’ y su último lanzamiento, el single ‘STURDY’.
Carly Rae Jepsen acaba de anunciar la salida de un nuevo álbum, llamado ‘The Loneliest Time’, que saldrá el próximo 21 de octubre. Este nuevo disco sería el quinto LP de la artista canadiense y la continuación de su disco de 2019, ‘Dedicated’, y de su posterior ‘Dedicated Side B’. Este anuncio fue precedido por el single ‘Western Wind’, lanzado el pasado mayo.
Jepsen ha hecho el anuncio en redes sociales acompañado de un pequeño texto que podría indicar alguno de los temas principales de ‘The Loneliest Time’: «Me fascina mucho la soledad. Puede ser realmente preciosa cuando le das la vuelta y la miras. Exactamente como el amor, puede causar algunas reacciones humanas extremas».
No hay ninguna tracklist disponible de momento, pero todo parece indicar que el próximo single del LP se llamaría ‘Beach House’, ya que es la única otra canción que aparece en el pre-save del disco en Apple Music. Además, sabiendo esto, Jepsen publicó un tweet a finales de enero en el que se leía un mensaje que podría ser parte de la letra de la supuesta ‘Beach House’: «Tengo una casa en la playa en Malibú y seguramente voy a herir tus sentimientos».
I’ve got a beach house in Malibu and I’m probably going to hurt your feelings. ☀️✌🏻 pic.twitter.com/U3NyesIM6u
Quedan prácticamente dos meses para que el biopic de Marilyn Monroe protagonizado por Ana de Armas, ‘Blonde’, sea lanzado en Netflix y ya hay una polémica a la orden del día. Esta vez, el problema se centra en el acento de la actriz cubana. En un sorprendente giro de los acontecimientos, los principales defensores de Ana de Armas han sido los herederos de la mismísima Marilyn Monroe.
Tras la salida del tráiler oficial de la película, ciertas personas han llevado a las redes su preocupación por la voz de la actriz, que según ellos no se parece a la de Marilyn, y por su acento, que tampoco les parece apropiado. Por ejemplo, un usuario recalcaba, en un tono más humorístico que algunos otros comentarios, que «el horrible acento americano de Ana de Armas en ‘Blonde’ es la venganza por el horrible acento cubano de Al Pacino en Scarface».
La firma Authentic Brands Group, poseedora de los derechos de imagen de Marilyn, ha salido a defender a la actriz de ‘Knives Out’: «Cualquier actriz que interprete ese papel sabe que tiene un listón muy alto. Basándonos solo en el tráiler, parece que Ana fue una gran elección, porque captura el glamour, la humanidad y la vulnerabilidad de Marilyn». Además, el trabajo de Ana de Armas como la actriz más famosa de la historia de Hollywood ha recibido alabanzas por todas las personas que han tenido el privilegio de ver la película antes de tiempo. Entre ellas, la mítica Jamie Lee Curtis: «Me caí muerta. No podía creerlo. Ana se había ido y era Marilyn».
‘Blonde’ está dirigida por Andrew Dominik, nombre detrás de películas como ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ o ‘Killing Them Softly’ y de los dos documentales de Nick Cave, ‘One More Time with Feeling’ y ‘This Much I Know to Be True’. El biopic saldrá en Netflix el próximo 28 de septiembre.
Justin Quiles ofreció un pequeño concierto improvisado en La Tejita, al sur de Tenerife, como regalo de consolación tras la cancelación del Reggaetón Beach Festival que no terminó como se esperaba. El puertorriqueño anunció la propuesta en redes sociales y en apenas quince minutos las carreteras del sur de la isla se colapsaron, llegando a aparecer cientos de personas en la playa donde se encontraba Quiles y provocando daños en el entorno natural.
Al cantar tres canciones, el artista tuvo que pedir a sus seguidores que dejaran de acercarse a la localización debido a la excesiva afluencia de gente: “Que nadie vaya a la playa, llegó mucha gente y mucho tráfico. Revírense. Ya canté lo que iba a cantar. Los quiero, los amo, fue un regalito”. Para entonces, el daño ya estaba hecho.
La Asociación Ecologista Salvar La Tejita ha presentado una denuncia ante la Agencia Canaria de Protección del Medio Natural alegando que el mini concierto significó un «grave daño medioambiental» para la Reserva Natural de Montaña Roja, que es una zona protegida. Además, en los vídeos que han circulado en redes se ve que algunos asistentes pisotearon varios balancones, una planta protegida y fundamental para la formación y el mantenimiento de las dunas costeras. Salvar La Tejita ha exigido que se proceda a inspeccionar lo ocurrido y que se lleven a cabo las sanciones oportunas para el organizador del concierto, que sería el propio Justin Quiles.
#Tenerife | Hace 48 horas, la organización del Reggaeton Beach suspendía el concierto. Muchos de los artistas se encontraban ya en Tenerife. Es el caso de Justin Quiles, quien ha convocado esta misma tarde a través de redes sociales un concierto improvisado en El Médano pic.twitter.com/4JRV9488AI
Los discos de Bad Bunny, Rosalía y C. Tangana sigue siendo los reyes de la lista de álbumes española una semana más. El top 5 de álbumes apena sufre dos pequeñas alteraciones: el disco de Harry Styles sube al 4 y el de Duki baja al 5.
Esta semana, la lista principal apenas recoge dos entradas. La primera la representa ‘Entering Heaven Alive’, el segundo de los dos álbumes que Jack White ha publicado en 2022. Si ‘Fear of the Dawn‘ entró en el puesto 57 el pasado mes de abril, ‘Entering Heaven Alive’ lo hace en el 65 después de haber debutado en el 4 de Reino Unido y en el 9 de Estados Unidos.
En segundo lugar entra en lista el rapero y actor de ‘Élite‘ Leïti Sene (pareja de Sita Abellán) con su mini álbum de título imposible. ‘APO0€AL1P$¡ PT1’ entra en el puesto 91 gracias, en parte, a la aceptación que están teniendo sus temas más escuchados, ‘5:05 pm’ con iseekarlo y ‘Bitcoin’ con Trueno, Bexnile y Chineseguy2021.
La lista deja varias re-entradas. La más importante es la de ‘Sobredosis de amor‘ de Cupido, que reaparece en el número 12 después de alcanzar el número 1 en la lista de vinilos. También vuelven a la lista los nuevos discos de Mónica Naranjo (70) o Red Hot Chili Peppers (87), entre otros.
En cuanto a la tabla de vinilos, aparte de la entrada de Cupido cabe mencionar la de She & Him. Su disco tributo a Brian Wilson y los Beach Boys debuta en el 33. Además, ‘Colder Streams’ de los Sadies debuta en el 59 tras la muerte de su vocalista original Dallas Good, y ’22 Dreams’ de Paul Weller lo hace en el 70.
Bizarrap y Quevedo conservan el número 1 de singles en España con su colaboración ‘Bzrp Music Sessions, Vol. 52’, que acaba de entrar en el Billboard Hot 100 de manera insólita (sobre todo para un artista español como Quevedo). En el 2 permanece Bad Bunny con ‘Titi me preguntó’, y ‘La bachata’ de Manuel Turizo escala una posición, del 4 al 3.
La entrada más fuerte de la semana la firma Duki con su temita de trap con metales ‘Givenchy’, que entra directamente en el número 7, y en siguiente lugar vuelve a aparecer Quevedo con el dembow de ‘Sin señal’, su colaboración con Ovy on the Drums. Entra en el 10.
Sin embargo, la entrada más significativa de la semana la protagoniza Rosalía. ‘DESPECHÁ‘ debuta en el número 13 con tan solo un día contabilizado. El tema salió el jueves 28 de julio y la lista recoge lanzamientos desde el 22 de julio hasta el 28. En circunstancias normales, ‘DESPECHÁ’ habría debutado en lista en la semana del 8 de agosto, pero sus streamings son tan elevados que lo ha hecho en esta. Se espera que la siguiente sea número 1 de manera holgada. Además, otros dos temas de Rosalía vuelven a entrar en lista, ‘BIZCOCHITO’ (70) y ‘SAOKO’ (83), certificados como Disco de Oro y de Platino, respectivamente.
Como hemos contado, el éxito de ‘DESPECHÁ’ no tiene precedentes para Rosalía. El tema es top 8 en Spotify Global después de haber entrado en el 6, y su debut ha logrado adelantar este fin de semana el de todo el disco de Beyoncé en la plataforma sueca. Vila Tobella acaba de rodar el videoclip de ‘DESPECHÁ’ en Mallorca.
La última entrada dentro del top 20 de la lista se la llevan Aitana, Emilia y Ptazeta con ‘Quieres’, que entra precisamente en el 20. A continuación hay que bajar la vista hasta el 56 para encontrar la siguiente entrada, ‘Contigo’ de Sebastián Yatra y Pablo Alborán, que debuta en el 56.
Ya en la parte baja de la tabla, el folk-pop en inglés de Rosa Linn con ‘SNAP’ entra de manera inaudita en el 99 y, finalmente, Trueno y J Balvin entran por los pelos con ‘Un paso’ en el 100. La subida más fuerte de la semana la firma Khaled con ‘Si tú te vas’, que sube del 81 al 38.
King Princess es una artista que se rodea de los mejores. Publica en el sello de Mark Ronson, cuenta entre sus fans a Harry Styles y a Fiona Apple y, en su nuevo disco, el fallecido Taylor Hawkings de Foo Fighters toca la batería, en concreto, en la pista final, ‘Let Us Die’. Además, Aaron Dessner de The National aparece en otras dos pistas como autor y Tobias Jesso Jr. en otra (curiosamente, Dave Hamelin de los extintos The Stills también colabora). Todo ello invita a preguntarse por qué los discos de King Princess no son mejores, por qué no están incendiando las listas de éxitos como deberían.
‘1950’, el primer single de King Princess, es también su mayor hit hasta la fecha. Quizá llegó justo en el momento adecuado. Desde entonces, Mikaela Strauss parece haberse convertido sin querer en una artista de álbumes. ‘Cheap Queen’, su debut, era cohesivo y contenía temas estelares como ‘Ain’t Together’ o ‘Trust Nobody’. El conjunto no era magnífico, pero sí prometedor, y lo mismo se puede decir de ‘Hold On Baby’, un segundo disco en el que el R&B y el soul dan paso a las guitarras, pero no a una evolución significativa a nivel compositivo.
El germen de ‘Hold On Baby’ se encuentra en el confinamiento. La carrera de King Princess se encuentra en ascenso cuando el coronavirus le obliga a parar y a encerrarse en casa. Este encierro involuntario significa que Strauss está más en contacto consigo misma y con sus pensamientos que nunca, lo cual le hace reparar en sus problemas de autoestima. En la atmosférica pista inaugural, de título muy Xiu Xiu, ‘I Hate Myself, I Want to Party’, plantea un escenario patético de fracaso. Canta “quiero fingir que soy una estrella otra vez”, a la vez que juega a la PlayStation en bragas. Strauss lidia con la depresión también en el synth-pop de ‘For My Friends’, donde canta sobre su tendencia a desaparecer… solo para volver de nuevo.
La honestidad brutal de King Princess siempre ha sido una de sus bazas, incluso cuando va dirigida hacia otra persona. En el indie-pop de ‘Little Bother’ desafía a su ex a que recuerde el amor que ha dejado escapar “mientras te quedas mirando cómo se seca la pintura”, en el interludio de ‘Hold On Baby’ proclama no ser otra cosa que “una payasa que necesita atención”, y con ‘Change the Locks’ desea que la gente se sienta “como si estuviera menstruando en el festival Lilith Fair” al escucharla.
Sin embargo, ‘Hold On Baby’ genera dudas por las composiciones. Hay algunas estupendas. ‘Cursed’ es una canción 100% King Princess en el mejor de los sentidos, excelente. La miniatura de ‘Winter is Hopeful’, entre el soul y el dream-pop, aporta una necesaria capa de ternura a un álbum lleno de sentimientos agridulces. Tampoco están mal los singles ‘Little Bother’ y ‘For My Friends’, y la apesadumbrada balada ‘Crowbar’ sigue describiendo la depresión de King Princess con una melodía clásica muy bien construida.
Pero el disco pronto decae. La debilidad de las melodías de Strauss se hace especialmente patente en ‘Dotted Lines’ -pese a la participación de Ronson- o ‘Sex Shop’ y es una pena que una canción que versa sobre la “experiencia disfuncional sáfica de la co-dependencia” no sea mucho más impactante de lo que es ‘Change the Locks’. En ‘Hold On Baby’, King Princess mantiene la elegancia de su debut, especialmente en sus sensuales interpretaciones vocales, pero no termina de dar un paso más allá hacia la consolidación, pese a rodearse, de nuevo, de nombres muy queridos en la industria.
El álbum concluye con ‘Let Us Die’, otro buen single que cuenta con la colaboración del mencionado Hawkings y que habla sobre un amor masoquista. La producción busca un sonido crudo, pero termina sonando algo amateur, un problema que ya sufrían los singles de King Princess previos al lanzamiento de este álbum, temas como ‘Pain’ que transmitían que Strauss andaba algo perdida en lo musical. En ‘Hold On Baby’ se ha vuelto a encontrar. Falta que nos dé ese disco a la altura de la estrella que ella misma dice ser.
Beyoncé ha sorprendido con ‘RENAISSANCE’ por varias razones: su dedicación a la pista de baile, su interesante cartera de samples e interpolaciones, su variedad estilística… y también su afán experimental. Quien sepa exactamente cuál puede ser el segundo single oficial después de ‘BREAK MY SOUL’ que lo diga. Yo no lo tengo nada claro.
No obstante, ‘RENAISSANCE’ cuenta con varios puntos álgidos, entre los cuales se encuentra ‘ALIEN SUPERSTAR’. Este título que parece totalmente «fan made» esconde una de las producciones más futuristas jamás firmadas por Beyoncé. El agresivo beat asemeja el del gqom sudafricano, pero si Beyoncé dijera que se inspira en Arca, a pocos les sorprendería.
‘ALIEN SUPERSTAR’ es también, la canción del disco que más se basa en el mundo del voguing. En los primeros segundos, el sample de ‘Moonraker’ de Foremost Poets advierte que «ni se os ocurra abandonar la pista». A continuación, Beyoncé se proclama la «número uno» de la «competición» y arrasa en la «categoría: bicha mala». En el estribillo, que se basa en el de ‘I’m Too Sexy’ de Right Fred Said, canta que es «demasiado elegante para este mundo» vestida con perlas, diamantes y tacones. Aquí, Beyoncé evoca los primeros años de la cultura voguing, los plasmados en ‘Pose’.
Con su sonido underground y estrofas recitadas, ‘ALIEN SUPERSTAR’ nos lleva a los tiempos en que el ballroom era la vía de escape de una sociedad marginada que imaginaba alcanzar el mismo estatus económico que los yuppies de la época. Personas negras, trans, queer… creaban en las ballrooms sus propias pasarelas hacia el éxito y el reconocimiento. No es casualidad que ‘Alien Superstar’ utilice un sample de ‘UNIQUE’ de Danube Dance y Kim Cooper, una producción de house 100% voguing que sonaba completamente adelantada a su tiempo en el año 1992, época dorada de la cultura que Beyoncé asimila en esta canción.
‘ALIEN SUPERSTAR’ es, específicamente, una celebración de la cultura negra, e incluye otro sample clave, el de la autora Barbara Ann Teer y su discurso ‘Black Theatre’. En 1968, Ann Teer fundó el primer instituto negro de arte en Estados Unidos y, en el mencionado discurso, describe las maneras en que la sensibilidad negra se diferencia de otras.
Bizarrap y Quevedo han conseguido lo que ninguna otra «session» del productor argentino había conseguido hasta ahora: colocar su single conjunto en la competitiva lista oficial de éxitos estadounidense, la de Billboard Hot 100. Ambos ya habían aparecido en varias listas latinas o globales de Estados Unidos, pero nunca en la principal.
‘Bzrp Music Sessions, Vol. 52’ entra en una posición modesta en el Billboard Hot 100, el número 98, gracias exclusivamente a sus streamings, que Billboard cifra en 5,3 millones a nivel nacional. En cualquier caso, el tema continúa en el número 1 global de Spotify y ha subido al 46 de Spotify Estados Unidos tras entrar en el 130. Por supuesto, el tema es número 1 en las listas de Spotify de la mayoría de territorios latinoamericanos.
El número 1 global de Quevedo en Spotify era el primero para un artista español, lo que significa que Rosalía no lo ha logrado aún. Sí se ha quedado cerca con ‘DESPECHÁ’ (top 6). En Billboard, la catalana sí ha protagonizado diversas apariciones, la última con ‘LA FAMA’ con The Weeknd, pero entrar en el Billboard Hot 100 sigue siendo una tarea hercúlea para cualquier artista español, por lo que el éxito de Quevedo tiene mérito.
Nacido en Madrid pero residente en Islas Canarias, Quevedo lleva tiempo viralizando su música, y en los últimos meses ha protagonizado numerosas entradas en la lista de singles española, tanto en colaboración con otros artistas (‘Si quieren frontear’) como en solitario (‘Universitaria’). Su mayor éxito hasta la fecha había sido el remix de ‘Cayó la noche’… hasta que Bizarrap llegó a su vida.
En cuanto a Bizarrap, el productor ha triunfado recientemente con sus colaboraciones con Villano Antillano o Tiago PZK.
Los festivales con jornada de domingo normal, de 6 de la tarde a 6 de la mañana, parecen diseñados ya solo para los y las más valientes, y los lowers están entre ellos. El cansancio era visible desde primera hora de la tarde y no tanta gente como el sábado acudió en un momento temprano. El llenazo ya sí fue evidente antes de la medianoche, cuando actuaban Primal Scream y Delaporte.
La noche la comenzamos en nuestro caso con el bonito concierto de Sen Senra, cada vez con más tablas sobre el escenario, equilibrando poco a poco su timidez y sus cualidades de frontman, con las que hizo cantar a su público muchas de sus muy conocidas canciones. El repertorio del artista es excelente y la buena acústica desplegada -sobre todo si sabías evitar una posición desde la que se escucharan otros escenarios- lograba que conectaras con una voz y unos textos preciosos. ‘Wu Wu’, ‘Sublime’ y ‘Tumbado en el jardín viendo atardecer’ estuvieron esta vez entre los mejores momentos, que culminaron con la minimalista ‘Ya no te hago falta’, en la que Cristian rasgó unas pocas notas de su guitarra eléctrica, mientras otra sonaba desde algún otro lugar.
En plena coincidencia horaria con Sen Senra, uno de los artistas de moda en el panorama pop, Morreo llenaban el Escenario Radio 3, repasando en formato cuarteto las canciones de su debut y anticipando alguna nueva como la reciente ‘Mosquito’. Pude verles hacer un par de temas, justo mis dos favoritos, que interpretan seguidos, ‘Soy un rayo’ y ‘Pesadilla pop’, sonando más chillones, enérgicos y festivaleros y menos Brincos que en el estudio. Como si en directo dieran prioridad a la celebración y a la generación de vibraciones, y no tanto a la búsqueda de las armonías perfectas.
Cientos de noches Primal Scream levantaron muertos en festivales cuando sonaba ‘Swastika Eyes’, pero no fue el caso de este domingo en el Low, y eso pese a que la canción fue la primera del repertorio de la banda de Bobby Gillespie. Presumíamos a este muy crecido tras el éxito de crítica de su muy recomendable biografía, pero todo lo contrario: nunca le habíamos visto tan apagado y estático sobre el escenario. La versión rock de ‘Swastika Eyes’, mucho menos tecno y por lo tanto menos bailable que las dos incluidas en ‘XTRMNTR’, fue todo un bajón, anticipo de un set demasiado sosegado y tranquilo, que no era lo que esperábamos de Primal Scream.
Aunque bien sabéis que por aquí hemos defendido discos como ‘Green Light‘ (2013), ya hace 6 años de su último álbum, ‘Chaosmosis‘ y el grupo va necesitando una renovación de algún tipo. Su concierto se basa demasiado todavía en el recuerdo a ‘Screamadelica’, esto es, ‘Come Together’, ‘Loaded’ y ‘Movin’ On Up’, seguidas y con su coro de góspel sobre las tablas, y a su término adiviné que el concierto iba a acabar con ‘Country Girl’ y ‘Rocks’. ¿Nada nuevo que ofrecer? ¡Vamos, Bobby, que no sois los Stone Roses!
Al mismo tiempo que Izal realizaban su concierto de despedida durante una larga temporada en que se van a alejar de los escenarios, Esnorquel DJ (Monterrosa, el podcast ‘¿Puedo hablar?’) los contraprogramaba con una sesión de DJ en la zona VIP Pool que era la antítesis de lo que encontramos en el repertorio de Izal. Una sesión de música pop sin complejos de ningún tipo en la que no podían faltar ni Yurena ni la sintonía de ‘¿Qué apostamos?’. También este tipo de cosas forman parte de la experiencia lower, como es obvio, y esta sesión con la gente bailando en bañador, medio empapada de agua, medio empapada en sudor, abanico en mano, también forma parte de la historia de este año.
Fue difícil salir de allí dentro pero lo conseguimos para ver el enésimo concierto de la temporada de Alizzz. Ese disco con el que es tan fácil conectar desde que se abre con lo de «vamos a buscar, tiene que haber algo más» de ‘Todo me sabe a poco’. Un gran concierto de pop-rock en el que enseguida despunta la versión de ‘Amanecer’ sin Rigoberta Bandini, y que se cierra con 3 hitazos consecutivos como fueron la versión de ‘Antes de morirme’ en clave pop-rock, ‘El encuentro’ sin Amaia pues esta había actuado el día anterior y finalmente ‘Ya no siento nada’ como no podía ser de otra forma. Eran hits generacionales -de la de hoy, y de la de ayer- desde que se publicaron y se están asentando cada día más a raíz de estar apareciendo en todos los festivales.
Parece mentira que a las 4 de la madrugada de la noche del domingo al lunes quedaran ganas de mover un pie, pero como Alizzz, Mujeres están en festivales para insuflarnos toda la energía que nos pueda faltar y su concierto fue un hit tras hit, de los de no parar de pegar botes. ‘Un sentimiento importante’ representó, in crescendo, la resurrección de muchos asistentes, mientras ‘Tú y yo’ fue puro pogo desde el principio. En resumidas cuentas, el grupo, aparentemente siempre de un humor estupendo, volvió a representar sobre las tablas sus dos máximas: rock y amistad.
La hermana del fallecido Tupac Shakur, Sekyiwa Shakur, ha denunciado al administrador de la herencia de su hermano, Tom Whalley, acusándole de haber «desviado millones» de las ganancias del artista, que se estiman en más de 40 millones desde su asesinato en 1996. Además, Sekyiwa ha alegado que Whalley se ha quedado con objetos personales del artista, los cuales tendrían un «tremendo valor sentimental» para ella. Entre estos objetos se encuentran, supuestamente, discos de oro.
La propia Fundación Tupac Shakur, fundada en 1997 por Afeni Shakur, no ha dejado sola a Sekyiwa y ha interpuesto también una demanda contra Whalley: «Efectivamente, él ha desviado millones de dólares para su propio beneficio. Whalley se ha enriquecido injustificadamente, tomando compensaciones excesivas en una posición en la que hay un claro conflicto de intereses».
Tom Whalley se convirtió en albacea del patrimonio de Tupac en 2016, tras el fallecimiento de la madre del artista, Afeni Shakur, quien se había encargado de la herencia hasta ese momento. En los últimos cinco años, se estima que Whalley ha recibido más de 5,5 millones de dólares por gestionar el patrimonio de Tupac. Esto, según Sekyiwa Shakur y la Fundación nombrada tras su hermano, es mucha más cantidad de lo que le correspondería realmente.
