Jisoo es la integrante de BLACKPINK cuyo trabajo en solitario ha generado menos impacto comercial. De hecho, es la única que no ha publicado disco largo todavía, aunque sí un EP de 5 pistas, ‘AMORTAGE‘. En aquel trabajo, Jisoo se entregaba al pop de los 80 y al dance-pop de los 2010, sugiriendo que su propuesta sería la más popera y la menos urbana de todas.
Parece que aquella idea era un espejismo, porque ‘Eyed Closed’, el single que une a Jisoo y ZAYN, parece un tema de él. En concreto, de su debut ‘Mind of Mine‘ (2016), aunque mucho menos interesante en producción.
‘Eyed Closed’ es un aburridísimo medio tiempo que usa un ritmo marcado, pesado y repetitivo, rasgueos de guitarra acústica y toneladas de reverb, para disimular una composición melódica mediana y que no destaca. Ni Jisoo ni ZAYN parecen tener demasiadas ganas de interpretarla, especialmente ella. Claro, no parece su canción. Zayn le pone más esmero, pero aún así no parece haber demasiada química entre ambos.
‘Eyes Closed’ parece la típica colaboración arreglada desde una discográfica, evidentemente con la intención de relanzar la carrera en solitario de Jisoo, y de momento está funcionando relativamente: el tema sigue en el puesto 31 de los temas más escuchados en el Global de Spotify, pero en tendencia descendiente.
Por supuesto, la presencia de Zayn en ‘Eyes Closed’ es suficientemente atractiva, ya que Malik no se prodiga demasiado en la música. ‘Eyes Closed’ es su primer single desde el lanzamiento de su disco ‘Room Under the Stairs‘ en mayo de 2024.
Lo fácil sería decir que .bd. son los Black Country, New Road españoles, pero con un solo EP en plataformas las posibilidades son demasiado amplias. Sí que son un sexteto, y claramente la banda británica está entre sus principales influencias, pero .bd. también llevan en su música la herencia de todo el indie rock nacional que ha venido antes.
La historia del grupo madrileño, que desde el sello Humo Internacional cuentan que «surgió de las praderas que separan el sur de la Comunidad de Madrid de la estepa manchega», comenzó en 2022, cuando todavía eran menores de edad, con la publicación del EP ‘salas/pasos/perdidos’. Este ya no está disponible en plataformas (sí en Bandcamp), pero es ahí donde está el germen de la mejor canción de su nuevo proyecto, ‘Hemos Roto los Espejos’. Es la Canción del Día.
‘Hemos Roto Los Espejos’ fue compuesta y grabada originalmente hace cuatro años y ha ido mutando con el tiempo hacia lo que podemos escuchar hoy en el EP ‘Economato Textil’. A la vez, define el alma de un grupo que sí, tiene una clara inclinación hacia el post-rock de artistas como Geordie Greep o Geese, pero también una gran facilidad para convertir eso en pop melancólico. Resquicios del compás original de 4×4, que ahora ha pasado a un 6×8.
Producida por Lucas Sierra (La Paloma) y Fran Bassi (Baywaves), al igual que el resto del EP, ‘Hemos Roto los Espejos’ es una preciosa pieza de art-rock que en otro universo podría haber sido escrita por grupos como shego o Cariño, pero que de la mano de .bd. adquiere un tono mucho más nostálgico. «Qué tengo que hacer cuando no estás / Para sentir que estás aquí», canta la vocalista Marta Fernández. Tampoco falta un guiño a sus inicios en el shoegaze hacia el final de la canción.
.bd. estarán tocando próximamente en la sala 16 Toneladas de Valencia (11 de octubre), la Sala Maravillas de Madrid (8 de noviembre) y en el Primavera Sound de Barcelona.
Las giras de aniversario dedicadas a un disco están a la orden del día y se han convertido en una forma muy lucrativa para los artistas de seguir rentabilizando una obra antigua, especialmente cuando sus lanzamientos recientes no generan tanto interés o ingresos. Solo en el último año hemos visto giras conmemorativas de ‘Super 8‘ de Los Planetas o ‘Moon Safari’ de Air, y artistas tan jóvenes como Halsey ya anuncian celebraciones similares de sus discos debut.
Por un lado, puede resultar frustrante para los fans ver que su artista favorito no logra mantener el interés del público con nuevos proyectos. Por otro, no todos los músicos pueden presumir de haber creado una obra que ha conectado tantísimo que sus fans reclaman volver a escucharlo en directo, aunque hayan pasado 25 años, como sucede con ‘Jagged Little Pill’ de Alanis Morissette.
En el caso de ionnalee -la artista sueca anteriormente conocida como iamamiwhoami-, su público es minoritario pero muy fiel. Durante su concierto de este viernes en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, Jonna Lee se muestra emocionada, hasta a punto de romper a llorar, al agradecer a sus seguidores por haberle permitido sostener una carrera independiente durante 15 años nada fáciles. Ella asegura que sin sus fans no habría podido hacerlo, pero obviamente sin su música, nada de esto estaría sucediendo.
El disco que une a ionnalee con su público en esta gira es ‘BLUE‘ (2014), un trabajo conceptual de temática acuática que acaba de ser reeditado con un tema nuevo escrito ad hoc, ‘Still Blue’, y un bonus track antiguo. ‘BLUE’ es su mejor disco porque es el más conceptual y a la vez el más accesible. El valor de BLUE IN CONCERT reside en que este disco nunca había sido presentado oficialmente en una gira, por lo que escucharlo por primera vez en vivo es un privilegio.
BLUE IN CONCERT ofrece exactamente lo que su nombre promete. ionnalee interpreta el repertorio completo de ‘STILL BLUE’, la reedición, en el orden original, pero abriendo con ‘Dive’, el bonus track, y cerrando con ‘Still Blue’, la nueva canción. La decisión es lógica: ‘Dive’ es una intro misteriosa, pero es que ‘Still Blue’ es un cierre apoteósico. Estamos ante una de las mejores canciones de la carrera de ionnalee, y es toda una rareza: un tema nuevo literalmente basado en el sonido de un disco antiguo, que logra ser mejor incluso que muchas de las pistas originales.
Acompañada por dos músicos, Claes Björklund (su productor y colaborador habitual) y John Strandh, ionnalee recrea ‘BLUE’ en directo mientras se proyectan los visuales originales de cada canción (‘BLUE’ era también un álbum visual). Jonna entra en escena cubierta con una capa de flecos iridiscentes y, al retirarla, revela un mono metálico similar al del vídeo de ‘Hunting for Pearls’. El inicio épico con ‘Fountain‘ se transforma rápidamente en baño de masas cuando los beats se aceleran en ‘Tap Your Glass’ y, sobre todo, en ‘Chasing Kites’, el punto álgido de la noche.
Aunque el sonido de sintes y ritmos es nítido y envolvente, exactamente lo que merecen estas canciones, algunas suenan diferentes al álbum, o al menos dan esa impresión. ‘Hunting for Pearls’ no termina de despegar, y ‘Blue Blue’ suena, parafraseando a un amigo, “rara”. En ‘Ripples’, sin embargo, ya se suelta, y aunque algunas coreografías parecen algo improvisadas o contenidas, el público responde con entusiasmo. Hablando de la audiencia, esto es básicamente una convención de chicos gays fans de las divas gélidas (me cuento entre ellos). Ya sabéis, gays que no son como los otros gays, pero de los que somos muchos. It’s brat but different, but still brat.
ionnalee es absolutamente una diva gélida, una diosa nórdica, y ‘BLUE’ merecía por eso una puesta en escena más cuidada, o algún tipo de escenografía que no fuera… inexistente. Nada que ver con giras anteriores como la de ‘kin’ (2012). Es quizá la única gran decepción de un concierto sostenido gracias a la conexión entre artista y público, una relación profunda y cultivada durante 15 años.
Antes de terminar, ionnalee vuelve a agradecer a sus seguidores varias veces, hasta que, de forma un tanto desconcertante, empieza a sonar ‘Paint the Town Red‘ de Doja Cat. Un golpe de realidad tras una noche sumergidos en el mundo de fantasía de ionnalee.
Hay un momento en la vida de todo zagal en que se topa con la literatura de Herman Hesse. El madrileño Teo Planell ha basado en el bildungsroman ‘Demian‘ (1919) el material de su disco de debut, que narra su madurez, concretamente su paso «de la seguridad del hogar, a un mundo mucho más salvaje, amenazador, pero paradójicamente mucho más armónico y profundo». I’m not a boy, not yet a man.
Planell explica que el viaje de ‘Demian’ es un «espectro» que parte de un lugar oscuro para llegar a uno nuevo. Precisamente, las voces alienígenas de ‘I Hear a New World‘ (1960) de Joe Meek & The Blue Men parecen referenciadas en pistas como la inicial ‘St.’, donde se nota su asociación al mundo de Rusia-IDK. Pero las composiciones de Planell tienen un poso más clásico y setentero: la colaboración de TRISTÁN, la preciosa ‘El mundo delante de ti’, recuerda a Tobias Jesso Jr. y, después, a los Beatles.
Aunque el afán experimental de Rusia-IDK está presente en ‘Demian’, sobre todo en el carácter líquido de las composiciones, bajo producción de Roy Borland. Esto diferencia a Planell de rusowsky, más latino, o Ralphie Choo, más rapero. ‘Al final’ empieza flotante, pero deriva hacia la guitarra acústica setentera; piano y guitarras tienen tanto protagonismo en ‘Demian’ como las nubes de sintetizador y los efectos electrónicos.
Donde Planell quizá no termina de lograr una obra del todo sólida es precisamente en la estructura narrativa de ‘Demian’. Las tres primeras pistas, ‘St.’, ‘Una visita’ y ‘Demian’, en realidad parecen una única suite dividida en tres partes. Ocurren infinidad de cosas en estas tres piezas: de repente entran coros angelicales y cuerdas, o la música se corta abruptamente, o una voz alien se pone a rapear, o Planell canta acompañado del piano. Aunque las ideas son interesantes, no terminan de cuajar en el mejor inicio de disco posible. Da la sensación de que el álbum tarda en empezar.
Solo al final de ‘Demian’, cuando entran los coros a lo Bon Iver y los redobles de batería, mientras Planell canta eso de «toma mi alma, quédatela», sucede el primer clímax emocional del álbum. El ánimo se vuelve a allanar en ‘Dormir en tus manos’, que es una intro de 50 segundos hacia la siguiente canción. ‘Al final’ empieza flotante, pero después se transforma en una canción clásica. ‘Una visita pt. II’ funciona como coda de la pista anterior, pero no como composición individual.
Aunque repletas de musicalidad y buen gusto, estas primeras pistas de ‘Demian’ transcurren a un ritmo irregular, haciendo que el disco tarde en despegar. Más desconcertante resulta que las canciones más potentes estén secuenciadas en la segunda mitad del elepé, con el arena rock de ‘Me vas a matar’ destacando. Después, ‘Radio’ introduce un curioso homenaje al pop de los ochenta, y las armonías a lo Beach Boys de ‘La espiral’ llevan el álbum definitivamente a su punto álgido.
Las referencias a la novela de Hesse son evidentes en títulos como ‘Una visita pt. I’ o ‘La espiral’, aunque las letras son personales y recuerdan un desamor. Precisamente el apellido del protagonista de aquella novela, Emil Sinclair, da título a la pista final. ‘Sinclair’ es una bonita nana de corte fantasmal que cierra el disco declarando: «Hoy se abre un mundo para mí». Es la despedida ideal a un álbum que demuestra mucho corazón pero, en ocasiones, poco pulso.
Oklou y FKA twigs han unido fuerzas en ‘Viscus’, el primer adelanto de la reedición de ‘Choke Enough‘, el excelente álbum debut de Oklou, publicado el pasado mes de febrero. Un disco que fue presentado en directo en Barcelona, en una Sala Apolo llena hasta los bordes.
‘Viscus’ es otra pieza flotante de Oklou y uno de sus mejores singles. Oklou la co-produce junto a Danny L. Harle, aunque el estilo de sintetizador digital, vaporoso y etéreo de ‘Viscus’ lleva la marca de Marylou Mayniel. FKA twigs aparece por el final aportando una de sus sentidas melodías.
‘Viscus’ es una palabra referida a las vísceras, y la canción es una exploración del mundo interior de Oklou y FKA twigs. Oklou «se pierde dentro» de sí misma y, en su paso hacia la madurez, empieza a no reconocer el mundo que la rodea. El verso de FKA twigs es puro ‘Eusexua‘: «Me evito a mí misma desnuda en el baño, solo para tocar mi cuerpo en la oscuridad».
¿Qué contenido traerá la reedición de ‘Choke Enough’ que sale el 31 de octubre? ‘Viscus’ es el único bonus track originario de las sesiones de ‘Choke Enough’, ha confirmado Oklou a Pitchfork. El resto del material se compone de ‘What’s Good’ y ‘Dance 2’, dos descartes inmediatamente previos a la grabación ‘Galore‘ (2020), y una versión de ‘The Fish Song’ de Underscores, la cual Oklou ha tocado en directo durante su última gira.
En cuanto a FKA twigs, ella también está a punto de reeditar su último álbum: ‘EUSEXUA: Afterglow’ se pone a la venta el 14 de octubre.
‘K-Pop Demon Hunters‘ es ese curioso fenómeno megamasivo tanto musical como cinematográfico: tanto la banda sonora como la película siguen arrasando, no solo en Estados Unidos -donde ocupa simultáneamente el número 1 en las listas de singles con ‘Golden’ y de álbumes-, sino también en España, donde la banda sonora figura en el puesto 9 y ‘Golden’ en el 10.
Al mismo tiempo, las artistas detrás de las voces de Rumi, Mira y Zoey -quienes forman la banda animada HUNTR/X- se están dando a conocer. El pasado fin de semana, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami debutaron en la televisión estadounidense interpretando ‘Golden’ brevemente durante uno de los skits protagonizados por Bad Bunny en Saturday Night Live. Después, interpretaron la canción entera por primera vez en el late night de Jimmy Fallon. Ellas son las tres principales voces de ‘K-Pop Demon Hunters’, aunque no doblan a los personajes: las voces habladas corresponden a Arden Cho (Rumi), May Hong (Mira) y Ji-young Yoo (Zoey). ¿Pero quiénes son las pedazo de voces que cantan las canciones?
EJAE
Nacida en Seúl en 1991, EJAE se formó durante diez años en SM Entertainment, la empresa de k-pop responsable de grupos como Girls’ Generation o EXO. Sin embargo, no llegó a debutar y, tras abandonar la compañía en 2011, se mudó a Nueva York. En 2019 logró su primer gran éxito como compositora gracias a ‘Psycho‘ de Red Velvet. En 2025 firmó con Prescription Records… sí, el sello fundado por Dr. Luke.
Antes de ‘K-Pop Demon Hunters’, su trabajo como compositora para grupos de k-pop ya le había dado varios éxitos con aespa (‘Drama’), TWICE (‘Pieces of Love’) o LE SSERAFIM (‘So Cynical’). Sin embargo, ‘K-Pop Demon Hunters’ supone su salto global definitivo. EJAE es la compositora principal de ‘Golden’, un éxito global masivo, antes y después de Taylor Swift.
Dato curioso: EJAE es nieta del famoso actor coreano Shin Young-kyun, conocido por su papel en ‘El reinado de tres días’ (1973).
Audrey Nuna
De estética alternativa y moderna, en la línea de artistas como Billie Eilish o Ashnikko, Audrey Nuna nació en Nueva Jersey en 1999. Estudió en el Clive Davis Institute of Recorded Music de Brooklyn y se dio a conocer con temas como ‘Damn Right’ o ‘Comic Sans’ junto a Jack Harlow. Su perfil experimental la llevó a colaborar con artistas como Teezo Touchdown o Channel Tres antes de triunfar con ‘K-Pop Demon Hunters’.
Nuna había publicado ya en 2021 su mixtape ‘A Liquid Breakfast’, que incluía los temas mencionados y otros de estilo trap y R&B alternativo al estilo de SZA, como ‘Baby Blues’. En la banda sonora de ‘K-Pop Demon Hunters’ participa como vocalista y co-autora de canciones como ‘Golden’ y ‘How It’s Done’.
Rei Ami
Como Audrey Nuna, Rei Ami ya había lanzado un disco antes del éxito de ‘K-Pop Demon Hunters’: el álbum ‘FOIL’ (2021) estaba repleto de ritmos trap, bajos duros, armonías R&B y guiños bedroom-pop, con colaboraciones de Lolo Zouaï y Aminé.
Nacida en Seúl en 1995 y criada en Maryland (Estados Unidos), Rei Ami canta y rapea. En 2020 participó en el hit tiktokero ‘Freak’, de Sub Urban, que acumula más de 240 millones de reproducciones en Spotify. En 2021 fue telonera de Tinashe (¡pionera!), y sus posteriores colaboraciones con Pussy Riot (‘Plaything’) o Dillon Francis (‘Rainy’) la han llevado, poco a poco, a lograr el gran éxito de su carrera, gracias a su participación en la banda sonora de ‘K-Pop Demon Hunters’.
Remei de Ca la Fresca es una de las bandas emergentes destacadas de la escena catalana. Formada en Arbúcies, el Montseny, durante la pandemia, el grupo se ha dado a conocer con un estilo que mezcla punk, garage, folclore, electrónica y psicodelia. El post-punk de ‘Fusta d’artista’ o la psicodélica ‘L’insurrecció que ve’ conforman dos de sus canciones destacadas, y la originalidad de la banda queda constatada en el hecho de que su canción más popular es una curiosa adaptación al catalán de ‘Paper Planes‘ (2007) de M.I.A., convertida en una divertida sátira sobre la okupación, ‘Tot el que volem és okuparte el xalet’.
Remei de Ca la Fresca está formada por cuatro integrantes: Xantal Rodríguez (voz principal, guitarra y batería), Artur Piera (guitarra, teclados, batería y coros), Iago Rueda (guitarra, bajo y coros) y Víctor Inskipp (bajo, batería y coros).
El flamenco es otra de las muchas influencias de Remei de la Fresca, y para su paso por «Meister of the Week» de Jägermusic, el grupo ha querido poner en valor ‘El Patio‘ (1975), la obra maestra de Triana que sentó las bases del flamenco rock solo meses antes de la muerte de Franco. Xantal Rodríguez explica detalladamente por qué ‘El Patio’ es uno de los mejores discos de la historia, nacionales o internacionales.
La gira de Remei de la Fresca continúa en 2025 con las siguientes fechas, todas detalladas en la web de BankRobber: 17 de octubre – Barraques de Banyoles
23 de octubre – Dabadaba, Donosti
28 de octubre – Fires / Parc del Migdia, Girona
29 de octubre – BIME (Sala Blackroom), Bilbao
6 de noviembre – Radar Joven, Sala Sol, Madrid
8 de noviembre – Sala Padró, Cornellà de Llobregat
4 de diciembre – Loco Club / Artistas en Ruta, Valencia
5 de diciembre – La Lata de Bombillas, Zaragoza
12 de diciembre – Can Lliro, Manacor
18 de diciembre – Sala Apolo, Barcelona
¿Por qué habéis elegido hablar de ‘El Patio’ de Triana, y no de otro disco?
Porque nos parece uno de los discos más flipantes de la historia de la música, pero no de España, no, del mundo entero. De verdad que cada vez que lo escuchamos no nos lo creemos: es una barbaridad.
¿Ha influido ‘El Patio’ de alguna manera en el sonido de Remei de Ca La Fresca? Yo diría, en principio, que no…
A priori podría parecer que no porque lo primero que nos dice todo el mundo es que hacemos punk, pero estamos totalmente en desacuerdo con ello. La actitud tal vez sea punk, pero la música nada tiene que ver. Tampoco lo parece porque el registro de la voz se aleja mucho del flamenco y bebemos de muchas más influencias. Pero lo cierto es que muchas de nuestras canciones tienen armonías y ritmos del flamenco. Nos encanta la bulería y la incorporamos en canciones como ‘De Cara/ Esmolada’ o ‘Sistemes de Seguretat’ entre algunas otras. De hecho, tenemos una canción, ‘L’esquerda del temps’, que quiere homenajear directamente a Triana utilizando su misma paleta de colores.
‘El Patio’ sentó las bases del rock andaluz, pero no fue entendido en su momento. ¿Las innovaciones tardan en ser comprendidas?
‘El Patio’ no fue un éxito de inmediato, aunque no tardó demasiado, de hecho, en 1974 hacen su primera aparición en TVE y en 1975, el año en que se publica, ellos ya están tocando en festivales como el Canet Rock delante de más de 20.000 personas. Dos años más tarde ya es reconocido en todo el país.
Durante la dictadura eran muy pocos los discos de rock que llegaban a España, a principios los 60 se empiezan a formar las primeras bandas, pero el desarrollo de este género es mucho más lento que en Reino Unido o los EE. UU., así que a principios de los 70 el rock sigue siendo algo muy nuevo y no gusta a la mayoría de la gente.
A mediados de los 70, durante la transición, el rock ya empezaba a calar hondo, sobre todo en las generaciones más jóvenes, pero el rock psicodélico aún no. Así que una fusión entre el modernísimo y extranjero rock psicodélico y el “folklórico” y clásico flamenco costó de ser asimilada por el público. Igual que pasó con ‘La leyenda del tiempo’ (1979) de Camarón, que los gitanos volvían a la tienda a devolverlo diciendo que les habían engañado, ya que eso no era flamenco.
‘El Patio’ sale meses antes de la muerte de Franco. ¿Qué importancia tienen las letras en relación con la transición política y el clima social de España en esa época?
Claramente en cada canción se respira ese anhelo de libertad y también, la esperanza de que un lugar mejor está por llegar. Es muy potente cómo De la Rosa consigue transmitir eso sin ser nada explícito en sus letras, pero, otra vez, envolviéndote en un clima y en una atmósfera que desprende esa sensación de libertad soñada. Porque no son solo las letras que hablan de esperanza, sino que toda la música también lo hace. ‘El Patio’ es un disco totalmente ligado a su contexto social y político y es justamente este contexto que le da toda la fuerza y seguramente, también su singularidad.
«Si Kevin Parker escuchará ‘El Patio’, le fliparía»
¿Por qué el disco perdura 50 años después?
A nuestro parecer, el disco no perdura tanto como merece o al menos no, entre nuestros círculos cercanos. A muchas de nuestras amistades melómanas hemos tenido que enseñarles Triana nosotros y cuando los descubren alucinan también. Gente que tiene en un pedestal a Pink Floyd o Led Zeppelin, pero que no tienen ni idea de la existencia de Triana. Exactamente como nos pasó a nosotros. Y aunque sean grupos que admiramos profundamente, ‘El Patio’ es una joya difícil de superar, de los mejores discos que se han hecho jamás. Evidentemente, que el gusto es subjetivo, pero nos aprendemos unas bandas a venerar (siempre anglosajonas, claro) y luego no podemos apreciar lo que brilla al lado de casa.
La fusión de estilos (flamenco, rock progresivo, teclados, arreglos orquestales) define ‘El Patio’. Como músicos, ¿qué elementos concretos destacáis de las composiciones y los instrumentales del disco?
Las armonías y los palos flamencos tienen un color muy solemne ya en el formato más clásico, si además de la voz, la guitarra y las palmas le sumas la batería, los órganos, los sintetizadores, la guitarra y el bajo eléctrico queda una mezcla épica, casi cinematográfica.
También destaca el ambiente onírico que envuelve todo el disco y que se consigue con los destellos de pequeñas percusiones y la libertad total en las estructuras de las canciones, que consiguen sorprenderte y no dar nada por sentado.
«Descubriendo a Triana, nos hemos dado cuenta de que Extremoduro debían de ser fans también»
¿Veis una influencia de ‘El Patio’ en la música actual? ¿Creéis que el rock español ha vuelto a conocer una innovación a su altura en el siglo XXI, o está la música actual estancada en la nostalgia?
De adolescentes escuchábamos a Extremoduro. Descubriendo a Triana, nos hemos dado cuenta de que Extremo debían de ser fans suyos también. Y si tiras del hilo seguro que bandas que por su forma se alejan mucho del flamenco o el rock progresivo, también tienen a Triana como banda de cabecera. Actualmente, los Derby Motoreta tal vez sean los que siguen más su legado, que conozcamos.
En el rock español no parece haber habido mucha innovación, pero tampoco estamos muy al día. Aunque en general, sí que ha habido innovaciones que te vuelan la cabeza y en esto ha sido experta Rosalía. Todos sus discos hasta el momento nos han puesto del revés.
‘Sé de un lugar’ es una canción importante para vosotros. ¿Qué tiene esta canción de Triana que os cautiva?
Es una canción que casi puedes tocar con las manos. Es una esperanza. Cuando Remei aún no existía, al poco de conocernos con Artur, me la enseñó una noche de estas frías y lluviosas, dentro del coche, con todo el ritual de “tienes que escuchar esto, pero de verdad”. Sentí tanto, tan de golpe y todo a la vez que no se puede explicar, pero sí que puedo contar que vi ese lugar del que habla la canción y me lo creí. Creí que íbamos a construir allí “nuestra casa, que la baña el sol” y al cabo de unos meses nació esta casa que nos ha visto crecer que es “Ca la Fresca”. Sin duda alguna, ‘Sé de un lugar’ es el detonante que nos puso en movimiento.
«No grabamos ninguna versión de ‘El Patio’ porque la genialidad de la producción, los arreglos y la instrumentación es tal que no sabríamos ni por dónde empezar»
¿Qué canción de ‘El Patio’ os veis adaptando, como habéis adaptado otras como ‘Paper Planes’?
Hace unos años, cuando no teníamos suficientes canciones para llegar a hacer una hora de bolo, tocábamos ‘Abre la puerta, niña’… ¡y cómo nos gustaba cantarla y tocarla! Nuestra canción favorita total. Pero no nos atreveríamos a grabarla, porque la genialidad de la producción, los arreglos y la instrumentación de ‘El Patio’ es tal que no sabríamos ni por dónde empezar.
En nuestro último disco ‘L’ham de la pregunta’, hay una canción llamada ‘Lisèrgica espardenya’ donde aparece un guiño a la canción, cantando: “Hay una fuente niña que la llaman del amor / dónde bailan los luceros y la luna con el sol”.
‘El Patio’ ha sido reeditado este año por su 50 aniversario. ¿Debería ser más conocido entre las nuevas generaciones?
Totalmente. Como hemos dicho antes, tenemos la sensación de que Triana en general casi no se conoce entre las generaciones más jóvenes. Celebramos la reedición del disco, porque revive la llama y lo hace más accesible para nuevos oyentes, aunque nos quedamos con el original (que cabe decir que para la época, suena sorprendentemente bien).
‘El Patio’ tendría que ser más conocido en España, pero también internacionalmente. A modo de anécdota, descubrimos Triana un poco al mismo tiempo que Tame Impala y mientras escuchábamos ‘Innerspeaker’ o ‘Lonerism‘ (discos muy innovadores y oníricos, también) pensábamos que si Kevin Parker escuchara ‘El Patio’, le fliparía. Y así con tanta otra gente que se quedará sin la oportunidad, por no ser suficientemente conocido.
Diane Keaton, la legendaria actriz, ganadora del Óscar por ‘Annie Hall’, ha fallecido a los 79 años en California, informa la revista People.
Keaton alcanzó la fama en la década de los 70 gracias a su papel de Kay Adams en ‘El Padrino’ (1972) de Francis Ford Coppola, un clásico instantáneo que le abrió las puertas a su exitosa carrera cinematográfica. Repitió el papel en ‘El Padrino II’ (1974) y ‘El Padrino III’ (1990).
En ese mismo periodo se convirtió en musa y colaboradora habitual del Woody Allen, con quien protagonizó ‘Sueños de un seductor’ (1972), ‘El dormilón’ (1973), ‘La última noche de Boris Grushenko’ (1975) y, sobre todo, ‘Annie Hall’ (1977), que le valió el Óscar a Mejor actriz.
Conocida por su estilo andrógino y natural, Diane Keaton fue también una intérprete versátil que participó en cintas como ‘Buscando al señor Goodbar’ (1977), la cual inspiró el videoclip de ‘Bad Girl’ de Madonna; ‘Reds’ (1981), la recientemente revisitada ‘La chica del tambor‘ (1984) o ‘El padre de la novia’ (1991). Su actuación en ‘Alguien tiene que ceder’, de 2003, le valió otra nominación al Oscar.
Keaton, que nunca se casó, protagonizó junto a Goldie Hawn y Bette Midler la exitosa comedia ‘El club de las primeras esposas’ (1996), en alguna ocasión homenajeada por Ariana Grande, y se puso en el papel de directora para títulos como el documental ‘Heaven’ (1987) -sobre la vida después de la muerte- y la película ‘Colgadas’ (2000). Entre sus trabajos recientes destaca ‘The Young Pope‘ (2017) y el sleeper hit ‘Book Club’ (2018) y su menos exitosa secuela.
Diane Keaton también participó en el mundo de la música: en 2021 sorprendió apareciendo en el videoclip de ‘Ghost‘ de Justin Bieber. Por otro lado, uno de los temas más queridos de la banda chilena Dënver llevaba su nombre.
Ian Watkins, ex-vocalista de la banda galesa Lostprophets y delincuente sexual convicto, ha muerto en prisión a los 48 años, tras haber sido atacado por otro recluso en la cárcel de Wakefield, informa NME.
La Policía de West Yorkshire ha confirmado que el cantante ha sido agredido este sábado (11 de octubre) por un compañero de prisión y ha fallecido a causa de sus heridas.
Watkins ha estado cumpliendo una pena de 29 años de prisión -con seis adicionales en libertad vigilada- tras haberse declarado culpable en 2013 de trece delitos sexuales, entre ellos el intento de violación de un bebé y la posesión de material pornográfico extremo. En 2023, Watkins ya había sufrido otro ataque violento en prisión, cuando fue retenido y apuñalado por otros internos en un incidente relacionado con drogas.
Antes de su caída en desgracia, Ian Watkins había alcanzado fama internacional con Lostprophets, una de las bandas destacadas del rock alternativo británico de principios de los 2000. El grupo había publicado cinco álbumes de estudio: ‘The Fake Sound of Progress’ (2000), ‘Start Something’ (2004), ‘Liberation Transmission’ (2006), ‘The Betrayed’ (2010) y ‘Weapons’ (2012).
A lo largo de su carrera, la banda ha vendido más de 3,5 millones de discos en todo el mundo, ha logrado dos sencillos en el top 10 de la lista británica (‘Last Train Home’ y ‘Rooftops’) y ha conseguido un número uno en el listado estadounidense Alternative Songs con ‘Last Train Home’. Además, ha sido reconocido con diversos premios y nominaciones.
Rochelle Jordan nació en Londres, se crió en Toronto, ha vivido 15 años en Los Ángeles y tiene ascendencia jamaicana. Sus padres oían a Marvin Gaye y a Aretha Franklin y sus hermanos, UK garage. Ella, por su parte, estaba obsesionada con Janet, Spice Girls y Britney. Escuchando su música es evidente que tiene enorme buen gusto, no sé si innato o educado: se ha quedado con lo mejor de cada persona y de cada lugar.
Jordan se dedica al house más elegante posible, con grandes tintes de R&B de otra de sus ídolos, Mariah Carey, mientras las percusiones ochenteras podrían apuntar más a Whitney Houston. Escuchad los primeros instantes de ‘Sweet Sensation’. En cualquier caso, lávate la boca antes de comparar producciones como las de ‘Close 2 Me’ con gente como Disclosure porque la labor declarada de Rochelle Jordan es reivindicar la «black music».
En un álbum de estas características, lo primero que buscamos son los «bangers». El primero aparece pronto, exactamente después de la intro. ‘Ladida’ es un single por el que la Whigfield post-‘Saturday Night’ habría matado. Un tiro desde el principio y más aún desde que cambia de melodía y se transforma en un himno para el voguing. «Sueños de champagne», «vestidos de Donatella» y «bolsos de Prada» en una producción que es puro glamour.
Otros grandes singles son ‘Crave’, producido por la leyenda de Chicago Terry Hunter; ‘The Boy‘, con su colega Kaytranada detrás; o ‘Sum’, este último con ese pequeño toque brasileño que tuvieron muchos clásicos de la época. Si ‘Crave’ para mí se llama «touch it, touch it», ‘Sum’ por un momento pensé que decía algo de «samba».
‘Through the Wall’ se completa con un montón de temas de amor y desamor, que pueden contener pequeños desvíos hacia el deep house o incluso el northern soul (‘Doing it Too’), un falso drum&bass (‘Words 2 Say’), UK garage (‘Bite the Bait’), etcétera. Siempre sin que Rochelle Jordan descuide la unidad y el destino finales: el de un trabajo de música electrónica que suena 100% a los años 90. Parece mentira que se hayan implicado tantos productores en el largo, porque todo está tan bien hilvanado que parece que lo hubiera hecho ella completamente sola.
Ahí tiene mucho que ver su voz, a veces también un poquito Jessie Ware. Y ahí puede residir también un punto flaco de ‘Through the Wall’. Rochelle Jordan dice apuntar a las grandes figuras de la música, no se anda con chiquitas. Ella quiere ser tan grande como Whitney o Mariah. Y en algún punto después de ‘Sweet Sensation’, es claro que seguimos escuchando a una artista un tanto underground: todas las canciones siguen molando, pero con cierta sensación de monotonía. Un poquito más conciso y sobre todo «expansivo», y estaríamos hablando del trabajo más exquisito del género, realizado en años.
Entre las noticias del pop que ha dejado el verano, no podemos dejar de comentar el anunciado regreso de Hilary Duff a la música. Duff, que durante su carrera ha interpretado éxitos tan queridos por una generación como ‘Come Clean’ o ‘So Yesterday’, ambos por supuesto asociados a su etapa adolescente post-‘Lizzy McGuire’, no publica un disco desde hace nada menos que una década.
Por supuesto, los proyectos recientes de Duff han estado más relacionados con el cine y la televisión. Especialmente comentada fue su participación en ‘How I Met Your Father’, que duró dos temporadas. Actualmente se encuentra preparando la serie ‘Pretty Ugly’ para Hulu. El remake de ‘Lizzy McGuire’ se descartó a finales de 2020 por “diferencias creativas”.
Nunca fui fan de Hilary Duff como artista pop (sí de ‘Lizzy McGuire’, serie teen icónica), básicamente porque su fenómeno llegó algo tarde para mi edad. Digamos que, cuando ella lanzó su primer disco en 2003, Britney Spears ya iba por ‘In the Zone’. Y para cuando salió ‘Dignity’ (2007), yo empezaba a sumergirme en el mundo alternativo.
Sin embargo, ‘Breathe In. Breathe Out‘, el disco de Duff de 2015, era muy bueno en su estilo -mucho mejor de lo que se pintó-, y en estos diez años nunca he dejado de escuchar temas tan chulos como ‘Sparks’, ‘Tattoo’ (co-escrita por Ed Sheeran) o ‘Night Like This’. Fijaos que mi tema favorito era el bonus track ‘Belong’: lo habré escuchado miles de veces. Puede que, en años pop, el disco llegara algo tarde a algunas modas (el silbido, el banjo), pero las canciones eran irresistibles.
Por eso es una buena noticia que Duff haya fichado por Atlantic Records y se encuentre preparando nueva música. Además, rodará una docuserie sobre este regreso. En el mundo poptimista en el que vivimos, hasta Rolling Stone le ha dedicado un artículo a su comeback como si fuera, no sé, Frank Ocean. Pero lo cierto es que Duff tiene unos cuantos himnos pop en su haber y nunca fue tan mala (su voz de Valley girl siempre me encantó) ni tan prescindible como quisieron hacer creer tantos medios que la despreciaron o ignoraron.
Duff tiene deberes si quiere darse a conocer en el mundo tiktokero actual: recientemente, Doja Cat cantó ‘Come Clean’ en un concierto en Reino Unido y lamentó que nadie conociera la canción. Su cara era un poema.
No es que TikTok no la conozca en absoluto: sus graciosas coreografías virales, como aquella del Today Show que daba menos que Dua Lipa -y que la propia Duff recreó en TikTok-, o aquel vocal run de la película de ‘Lizzy McGuire’, han sido compartidos y parodiados decenas de veces durante los últimos años. Pero Duff debe demostrar que también es una artista a la que tomar en serio: bops como ‘Beat of My Heart’, ‘Fly’, ‘With Love’ o ‘Stranger’ no habrían sido lo mismo sin ella.
Desde hace unos años, la animación está salvando las salas de cine. En lo que llevamos de 2025, de las cinco películas más taquilleras a nivel mundial, tres son de animación: ‘Ne Zha 2’, ‘Lilo & Stitch’ y ‘Cómo entrenar a tu dragón’. Y, al paso que va, la recién estrenada ‘Guardianes de la noche: La fortaleza infinita’, podría ser la cuarta. Pero la fuerza de la animación también ha llegado al streaming: ‘Las guerreras K-pop’, con el increíble dato (a día de hoy) de 325 millones de visualizaciones, se ha convertido en la película más vista en la historia de Netflix. Aprovechamos este furor por los “dibujos animados”, para recomendar algunas cintas recientes que se pueden ver en plataformas:
Memorias de un caracol (Adam Elliot)
Basta con echar un vistazo a las cinco nominadas a Mejor largometraje de animación en los Oscar de 2024, con la preciosa ‘Flow’ como ganadora, para comprobar el nivelazo que hubo el año pasado. Tres o cuatro de ellas podrían haber competido en la categoría de Mejor película sin desentonar nada. De las cinco, la que menos repercusión ha tenido es esta nueva maravilla del mago del stop-motion Adam Elliot (‘Mary and Max’). ‘Memorias de un caracol’ (mejor película en el festival de Annecy) es una poética, macabra y tierna fábula sobre la fatalidad, la depresión y las conexiones humanas más inesperadas, realizada con un grado de virtuosismo técnico y creatividad visual asombrosos. Destaca especialmente la composición de la extravagante y vitalista anciana Pinky, uno de los personajes más memorables del cine reciente. 8’5 Disponible: Movistar+, Filmin, Apple TV, Rakuten TV.
Suzume (Makoto Shinkai)
Ha tardado un poco en llegar a plataformas (se estrenó en Japón en 2022 y en España pasó por las salas sin pena ni gloria), pero desde hace unos meses ya está disponible este nuevo anime de Makoto Shinkai, el autor de la celebrada ‘Your Name’ (de la que Hollywood prepara un remake en acción real) y gran heredero actual de Miyazaki junto a Mamoru Hosoda. ‘Suzume’ es un extraordinario relato de aventuras, iniciación y amor adolescente. Una fantasía desbordante de imaginación (atención al partido cómico y dramático que saca de la idea de la silla), romanticismo exacerbado y vértigo narrativo (Shinkai firma también el guion), con un grado de sofisticación y espectacularidad en la animación asombroso. 8’2. Disponible: Netflix, Crunchyroll.
No se admiten perros ni italianos (Alain Ughetto)
A pesar de no ser una gran potencia industrial en el ámbito de la animación, Francia acoge el mayor festival de cine animado del mundo. Annecy se ha convertido en una referencia imprescindible para conocer lo mejor de su producción anual. Títulos como ‘¡Linda quiere pollo!’ (2023), ‘¿Dónde está mi cuerpo?’ (2019) o la reciente ‘Little Amélie’, que ha cautivado al público de San Sebastián (premio al Mejor Film Europeo), son una buena muestra. ‘No se admiten perros ni italianos’ fue uno de los grandes títulos de la edición de 2022, una obra maestra del stop motion a la altura del gran clásico franco-suizo ‘La vida de Calabacín’ (2016). En ella, Alain Ughetto ahonda en la memoria de su familia de emigrantes italianos mediante un fascinante juego metalingüístico en el que el propio autor entra en escena, dialoga con sus personajes y expone el proceso creativo del filme. 8. Disponible: Filmin
Tu color (Naoko Yamada)
El nuevo largometraje de la directora de ‘A Silent Voice’ (2016), realizado dentro del cada vez más prestigioso estudio Science SARU (‘Scott Pilgrim da el salto’, ‘Star Wars: Visions’), resulta visualmente asombroso. Su tratamiento de la luz y el color es magistral. Un trabajo preciosista, delicadísimo, que ilustra una melancólica historia de amistad adolescente y música pop en el marco de un internado católico. Yamada extrae un enorme potencial expresivo del personaje protagonista: una estudiante con sinestesia cromática, lo que le permite ver a los demás como colores. Una chica peculiar que se une a otros dos adolescentes inadaptados para construir un refugio común: la formación de una banda de rock, con (estupendas) canciones compuestas por el músico Kensuke Ushio. 8’1. Disponible: Movistar+, Rakuten TV.
Predator: Asesino de asesinos (Dan Trachtenberg)
Cuando parecía que la saga ‘Predator’ estaba más acabada que la carrera musical de Bertín Osborne, llegó una precuela tan insólita como ‘Predator: La presa’ (2022) para revitalizar la franquicia como nadie hubiera pensado. Y mientras esperábamos que llegara la nueva entrega dirigida por Dan Trachtenberg, ‘Predator: Badlands’ (prevista para el 7 de noviembre), Disney se sacó de la manga esta rareza animada, tan simplona y básica como enormemente atractiva y disfrutable. Compuesta por tres relatos independientes ambientados en épocas distintas (era vikinga, Japón feudal y Segunda Guerra Mundial), y con un estilo de animación tipo ‘Arcane’, ‘Predator: Asesino de asesinos’ es un festín de acción y brutalidad, que funciona muy bien como divertimento gore y suculento aperitivo para los fans de la saga. 7. Disponible: Disney+
Look Back (Kiyotaka Oshiyama)
Otra maravilla del anime reciente. La adaptación que ha realizado Kiyotaka Oshiyama del manga autobiográfico de Tatsuki Fujimoto (publicado en España por Norma), autor conocido por su exitosa serie ‘Chainsaw Man’, es sensacional. ‘Look Back’ es un emotivo melodrama sobre dos mangakas adolescentes: una muy popular y segura de sí misma, y otra muy tímida y encerrada en sí misma. La relación que establecen a lo largo de su proceso de maduración creativa y personal da lugar a una hermosa historia de amistad, entrelazada con agudas reflexiones sobre el oficio de dibujante. En el plano visual, ‘Look Back’ deslumbra por su inventiva, con una fusión de estilos que potencia la fuerza dramática y expresiva del relato. 8. Disponible: Prime Video
La casa (VV.AA.)
Enda Walsh, guionista de ‘Hunger (2008) y de la reciente ‘Die My Love’ (2025), es el firmante de las tres historias de animación stop motion que componen la antología de terror ‘La casa’. Como suele ocurrir en las películas de episodios, no todos funcionan igual de bien. El primero, ‘Y dentro se oye tejerse una mentira’ (Emma De Swaef, Marc James Roels), con voces de Mia Goth y Matthew Goode, es una maravilla: un evocador cuento de terror ambientado en un siniestro caserón rural en la Inglaterra eduardiana. El segundo, ‘La verdad que no se gana está perdida’ (Niki Lindroth von Bahr), es una terrorífica sátira sobre el mercado inmobiliario, con voz y canciones de Jarvis Cocker, y un estilo de animación que recuerda a ‘Fantástico Sr. Fox’ (2009). El último, ‘Vuelve a escuchar y al sol buscar’ (Paloma Baeza), es el que más desentona: una melancólica distopía climática a la que le falta fuerza visual y narrativa. 7. Disponible: Netflix
Efectos secundarios (Joseph Bennett, Steve Hely)
Ha sido la gran rival de ‘Arcane’ en los Emmy 2025. El nuevo trabajo del creador de la celebrada –e inédita en España- ‘Scavengers Reign’ (2023), es una de las mejores series de animación del año. Estrenada bajo el sello de Adult Swim (‘Rick y Morty’, ‘Primal’), ‘Efectos secundarios’ es una estupenda mezcla de thriller conspirativo, drama psicodélico y sátira negrísima sobre los tejemanejes de la industria farmacéutica en Estados Unidos. La serie parte de una pregunta provocadora: ¿qué pasaría si alguien descubriera un hongo milagroso capaz de curar todas las enfermedades? A partir de esa premisa, y con un estilo visual muy estilizado, se despliega un relato paranoico en el que científicos, corporaciones y gobiernos se enfrentan por controlar un hallazgo que podría cambiar la historia de la medicina. 8. Disponible: HBO
Si me pasara algo, os quiero (Will McCormack, Michael Govier)
Pocas veces un cortometraje logra trascender al gran público, y menos aún si se trata de animación. ‘Si me pasara algo, os quiero’ se convirtió en un pequeño fenómeno en Netflix, especialmente tras ganar el Óscar en 2021, llegando a ocupar el segundo puesto en su ranking mundial. Producida por la actriz Laura Dern y escrita y dirigida por Will McCormack (guionista de ‘Toy Story 4’) y Michael Govier, el filme aborda el duelo de unos padres tras perder a su hija en un tiroteo escolar. Su singularidad radica en la forma: prescinde del diálogo y recurre a un trazo minimalista en blanco y negro, donde las sombras encarnan el peso del dolor, y los destellos de color resaltan los recuerdos felices o los objetos impregnados de memoria. El montaje alterno entre presente y pasado intensifica la fractura emocional y la distancia que se abre en una pareja ante una pérdida tan dolorosa. 7’9. Disponible: Netflix
Samurái de ojos azules (Michael Green, Amber Noizumi)
Arrasó en los Annie y Emmy del año pasado. Y con razón. La serie creada por la pareja sentimental formada por Michael Green, guionista de ‘Logan’ (2017) y ‘Blade Runner 2049’ (2017), y la debutante Amber Noizumi, es una obra maestra, una inesperada maravilla sacada del (profundo) fondo de armario de Netflix. ‘Samurái de ojos azules’ es una mezcla extraordinaria de referentes estilísticos y narrativos –de Kurosawa y Kobayashi a Tarantino y el anime, pasando por el ‘Yentl’ (1983) de Barbra Streisand-, ambientada de forma exquisita y muy rigurosa históricamente durante el shogunato Tokugawa (en el Japón feudal), conjugados en una fabulosa y visualmente apabullante historia de venganza ultraviolenta, drama íntimo y aventura fantástica. Ya se ha publicado el avance de la segunda temporada. Cuento las horas… 9. Disponible: Netflix
JADE sostiene el número 1 en JENESAISPOP con el 35% de los votos, mientras Turista Sueca avanzan hacia el 2º lugar con el 29%. Taylor Swift entra al top 3 con ‘The Fate of Ophelia’. Otras entradas destacadas han sido Mónica Naranjo, Doja Cat y Tate McRae. Purity Ring y Olivia Dean llegan hacia la mitad de la tabla, mientras Rochell Jordan y Luna Ki logran colarse en los últimos puestos.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
¡Qué necesario es a veces un poco de caos ante el meticuloso orden establecido como norma! Sacudir, agitar, gritar, reorganizar, romper, tirar, reconfigurar. Geese no han dejado de hacerlo desde sus inicios y, más que nunca, vuelven a llevar el desorden por bandera en ‘Getting Killed’, un cuarto álbum que está permanentemente huyendo de cualquier estructura convencional, que se niega a caer en las fauces de los algoritmos y las modas.
Impulsado por ese ferviente deseo de libertad creativa, las once canciones que componen el disco deambulan entre todo tipo de subgéneros rock, llevando sus referencias a lugares inexplorados. Lo que consigue la banda es un sonido nuevo y fresco, un derroche de talento y visión por parte de sus cuatro jovencísimos miembros (todos entre 22 y 23 años), quienes han sabido sacar a la música rock del mayoritariamente perezoso momento en el que se encuentra en la actualidad y jugar con sus infinitas posibilidades.
El álbum comienza con la extrañísima y excelente ‘Trinidad’, una canción que se construye sobre una base de blues-rock psicodélico en la que el vocalista Cameron Winter grita cosas como “hay una bomba en mi coche” o “mis hijas están muertas, mi mujer está en el cobertizo, mi marido está quemando plomo”. Lo que todo esto signifique da un poco igual, ya que lo importante es el estado de paranoia y fascinación que transmite, asentando desde el principio el tono surrealista que recorre a todo el proyecto.
Pese a lograr siempre una cohesión sonora, el eclecticismo -o, de nuevo, el desorden si se prefiere- es un aspecto fundamental para Geese. Desde la revitalización del sonido rock and roll clásico tipo Elvis Presley de ‘Cobra’, a la psicodelia del corte titular, o la balada romántica de ‘Half Real’, todo funciona como un despliegue sorprendente de madurez.
Hay una enorme lucidez para convertir en música las ideas más extravagantes que se les pudiera venir a la cabeza en el proceso creativo. La clave para ello es, evidentemente, un trabajo en equipo que no debe darse por sentado. El bajo de Dominic DiGesu, la guitarra de Emily Green, la batería de Max Bassin y, por supuesto, la voz de Cameron Winter, nunca han sonado con tanta fuerza como aquí. Han llegado a un nivel altísimo de conexión musical, reforzado por el gran hallazgo que ha sido contar con Kenneth Blume (previamente conocido como Kenny Beats) como productor, quien ha entendido perfectamente sus necesidades.
Todo lo que tocan se convierte en oro en ‘Getting Killed’, incluso en canciones que en manos de otros no funcionarían, como en el imaginativo indie rock de ‘Taxes’, quizá el mayor himno que encontramos aquí gracias a su épica progresión instrumental. Winter explora con ambigüedad y mucho humor negro lo que parece ser un desengaño, utilizando la metáfora de los impuestos como una deuda emocional del narrador. “Si quieres que pague mis impuestos, será mejor que vengas con un crucifijo, vas a tener que clavarme al suelo”, canta apasionadamente. La catarsis llega con el verso final, “me romperé el corazón yo mismo a partir de ahora”. Y en esa improbable mezcla de sátira, abstracción y emoción cruda consigue sumir al oyente en un estado de rebelión eufórica.
Lo mismo sucede en ‘100 Horses’, un corte que coquetea con el blues, el funk y el rock psicodélico de forma exquisita; o en la brillante jam de ‘Bow Down’, donde destaca la tensión que crea la percusión sugerente de Bassin junto con la interpretación vocal de Winter.
El tema final, ‘Long Island City Here I Come’ también es otro gran ejemplo de talento en bruto, de por qué Geese no creen en la pulcritud de las fórmulas. Son seis minutos para dejarse llevar, donde el grupo parece pasárselo en grande sin importarles muy bien qué dirección están tomando y quizá sin saber adónde te quieren llevar. Ahí reside la belleza de ‘Getting Killed’, un disco que no solamente es un soplo de aire fresco en el panorama musical actual, sino que despierta un gran interés por el futuro de una banda que es todo creatividad, riesgo y talento. Qué bonito cuando llega un álbum que te zarandea, que te recuerda que no está todo hecho, que lo único que hace falta es desmontar las piezas del rompecabezas y crear uno nuevo.
Según ha avanzado La Vanguardia, Enric Palau, Ricard Robles y Sergio Caballero, fundadores del Sónar, se han desvinculado totalmente del festival. El nuevo CEO se trata de François Jozic, fundador de Brunch Electronik y asociado desde hace tiempo con Superstruct.
La noticia llega unos meses después de la edición más polémica de la historia del evento. Al estar vinculado con la empresa Superstruct Entertainment, propiedad del fondo proisraelí KKR, más de 35 artistas del cartel desafiaron al propio festival y decidieron no participar en él. Entre ellos, Arca, La Élite o Juliana Huxtable.
Después de varios comunicados y de asegurar que «ni un solo euro» llegaba a las manos de KKR, el festival acabó cerrando una de sus ediciones más exitosas con alrededor de 161.000 asistentes. De esta forma, y tras la desvinculación de sus tres miembros fundadores, el festival Sónar quedaría totalmente en manos de Superstruct, que a la vez gestiona más de una treintena de festivales en nuestro país, como el Viña Rock, Resurrection Fest o Arenal Sound.
Poco más de una semana después de lanzar el EP ‘lechita’, en el que Bb trickz pedía… pues eso, lechita, la polémica rapera ha lanzado algo que se sitúa en el extremo contrario: tres canciones junto a Depresión Sonora. Absolutamente nadie se esperaba este dueto, pero tampoco nadie lo había pedido.
Es Bb trickz la que se mete en el sombrío mundo de markusiano, que parece haber desempolvado tres descartes de sus primeros EPs para este lanzamiento. Desde luego, es un paso atrás respecto a la solidez de sus últimos sencillos, entre los que se encuentran ‘Me Va La Vida En Esto’ y la reciente ‘Cómo Será Vivir en el Campo’. Esto, en cambio, suena a medio cocer.
‘Soy Lo Peor’ tiene un punto cute, en gran parte porque sorprende lo bien que le queda este estilo a Belize vocalmente, y hay una divertida química en el toma y daca de ambos artistas. «Soy lo peor», dice una. «Sí, sí que lo eres», responde el otro. Bb trickz también pone un pedacito de su mundo en la canción, y hace que funcione. Crespo le dice que es su «niña bonita», pero ella le corrige diciendo que es su «perrita».
Si el proyecto se hubiese quedado en esta canción, sería una buena anécdota, pero en los otros dos temas todo lo que podía estar bien en ‘Soy Lo Peor’ se va desvaneciendo. ‘Todo Da Igual’ es el cliché de los clichés, desde el propio título. Desde luego, el rollo nihilista no tiene ningún sentido viniendo de Bb trickz porque nadie se lo cree. ‘Es Verano y Qué’ no solo es tediosa, sino que además suena como la maqueta de la maqueta. Y no, no tiene nada que ver con ‘Ya no hay verano’.
Ya sabemos qué artistas concursarán en Benidorm Fest 2026. La organización se ha venido arriba y ha decidido que tenía tan buen material entre manos que los semifinalistas serán 18 en lugar de 16. Quedan más de 2 agónicos meses hasta que conozcamos las canciones aspirantes, pero nadie puede privarnos de la especulación. Se abre la veda. La veda de las expectativas que solo puede conducir hacia otro #Eurodrama… o esperad un momento, ¿quizá no?
La primera sensación es de cierta decepción. Benidorm Fest no termina de dar el salto de conseguir a una estrella de primerísimo nivel. Belén Aguilera había sonado como rumor, pero era 100% imposible imaginarla en ese plató de RTVE cuando pasado mañana afronta su primer Movistar Arena. Tampoco se ha conseguido a nadie del prestigio tamaño Primavera Sound de Maria Arnal. ¡Arnal, anímate, el festival no te devora si no te dejas!
La cuota «Azúcar Moreno»/»Sonia y Selena»/»esa persona que todo el mundo conoce pero no recordaba», no sé si termina de quedar cubierta con Ku Minerva, aunque solo por la emoción que mostró la mujer mereció la pena.
Después, la segunda sensación ya no es de decepción en absoluto. Hay nombres que incluso me entusiasman, otros que me generan curiosidad, y otros de los que no sé nada pero que parecen encajar 100% en un formato eurovisivo.
He tenido la suerte de escuchar varias de las próximas canciones de Luna Ki y me gustan todas (y hasta aquí podré leer hasta el 18 de diciembre). Miranda acuden al formato con 11 millones de oyentes mensuales: saludos a Aitana, pero sobre todo a Lola Indigo. Es verdad que casi todos los fans de Miranda están en Latinoamérica, pero aun así, hay que dar las gracias a los argentinos por el riesgo. Eso sí, no dejo de preguntarme por qué su canción requerirá de un tercer vocalista, Óscar de Varry Brava, primero que reincide en la historia del BenFest.
Otra pequeña estrella al menos en nuestros corazones es DORA. No sé de qué irá su colaboración con Marlon Collins, pero sola ha hecho cosas que molan tanto en el ámbito acústico y más vocal, como en el electrónico. Hubo un día en que se enamoró de alguien llamado Oxena, luego rompió con Oxena, le hizo una canción a Oxena, la llamó ‘Oxena’, Oxena le dio su aprobación… y así terminé un día sin poder parar de bailar una cosa llamada ‘Oxena’ sobre amor adolescente, «a mi edad».
No entiendo por qué no todos los ex aspirantes de Operación Triunfo se presentan a un formato tan goloso, rememorando cuando de hecho el ganador del concurso iba a Eurovisión. Lo de Amaia no lo quiere recordar ni ella, pero mirad a Bisbal. Fue a Tallin literalmente para dar una vuelta mientras cantaba Rosa y sigue siendo una estrella nacional. Quien da el paso es Mayo, que tiene dos opciones válidas sobre la mesa: llevarse al público de Troye Sivan definitivamente, o dejar el popper en casa y diferenciarse de una vez por todas de él. Las dos me apetecen 100%.
La participación de Funambulista es una buena noticia porque tiene un público fiel y un sentido de la canción pop muy variado. Él y el artista de bachata Dani J, ambos con más oyentes mensuales que Rayden, prueban que esta edición puede terminar pareciéndose muchísimo al nivel de la primera edición. En cuanto a Dani, además, va siendo hora de que probemos con una bachata en Europa. La de Manuel Turizo por ejemplo entró en listas suizas, italianas, portuguesas… Somos bobos si no lo intentamos por ahí.
No tenía el gusto de conocer al resto, pero veo varias cosas que no me desagradan: Kitai cumplen la necesaria cuota rock, muy difícil de lograr por el imperativo playback. Y sobre todo hay varios artistas que parecen enmarcados en un tipo de canción que más pronto que tarde tenemos que probar igualmente en Eurovisión. A falta de que Quevedo se arremangue rumbo a Europa, que tampoco le vendría mal abrir más y más camino por ahí, se presentan varios perfiles en el entorno latino / urban / dembow, que inunda las listas de éxitos.
Estoy seguro de algunos de estos temas nos van a horrorizar, pero no me creo que ni Asha, ni Atyat, ni Greg Taro, ni Kenneth… se vengan con un hit. ¿Y lo de María León con Julia Medina? ¿Pop, folclore mexicano… o AMBAS? Al menos uno de ellos o uno de los nepobabies –Mikel Herzog Jr., Izán Llunas– debería cumplir con sus dotes vocales o con algo. ¿Quizá Izán? ¿Habéis oído esta barbaridad? No está Guitarricadelafuente, pero está Izán Llunas.
Sumando la renovación del folclore o de la música de raíz de gente como Rosalinda Galán, The Quinquis o Tony Grox & LUCYCALYS , esto significa que entre los artistas en que confiamos, a poco que un par de las canciones de desconocidos sean medio dignas, y a poco que Sergio Jaén haga su magia, tendremos una buena final con los 9 mejores. Una edición puente que pueda lograr que, si España no compite en Eurovisión en 2026, deje los ánimos muy arriba para intentarlo en 2027.
Monkey Week SON Estrella Galicia desvela una nueva tanda de artistas que formarán parte de la 17ª edición del festival, que se celebrará del 20 al 22 de noviembre en El Puerto de Santa María. Sanguijuelas del Guadiana y TRISTÁN! & The Jazz Band Air encabezan los 21 nuevos nombres del cartel.
Çantamarta, Ku!, Karmento, Calequi y Las Panteras, Ashleys y Diamante Negro también están entre los artistas confirmados, además de otros como Blaya, Erin Memento, Idoipe, Jardín, J Battle, Los Chivatos, Madmess, Musgö, Them Flying Monkeys, Ultralágrima, Unsafe Space Garden, Vangoura y Ven’nus.
Estos se suman a un numeroso y variado cartel previamente anunciado y encabezado por Cupido. Entre sus filas encontramos a Teo Planell, Joe Crepúsculo, La Tania, Aiko el grupo, l0rna, nusar3000, Azuleja, Repion y Bernarda, entre muchos otros.
Monkey Week SON Estrella Galicia contará un año más con una amplia programación de showcases y sus habituales jornadas profesionales, entre las que figuran conferencias, mesas redondas, talleres, sesiones de networking y diferentes actividades que se darán a conocer en breve.
Los abonos para el público general, que permiten el acceso a conciertos y showcases, ya están disponibles. Ocurre lo mismo con los abonos profesionales, que facilitan el acceso a las jornadas Monkey PRO.
Hoy 10 de octubre salen nuevos discos de Viva Suecia, TRISTÁN, Jay Som, Álvaro Soler, Annalisa, Julia Amor, Khalid, The Antlers, CORTE! o LANY. Además, la reedición de PinkPantheress ya está disponible. Desde un día antes se puede escuchar el nuevo álbum de Lorena Álvarez, el primero en seis años.
El single destacado de la jornada lleva el nombre de Ana Mena, pero son notables también los nuevos lanzamientos de Oklou con FKA twigs (ambas preparan reediciones de sus últimos trabajo), Martin, Demi Lovato en plan Charli xcx o Nathy Peluso, que ha anunciado EP de salsa.
Siguen las colaboraciones sorprendentes con los estrenos de Depresión Sonora ft. bb trickz, JISOO con Zayn o Gorillaz con Trueno. El disco de Jay Som incluye colaboración de Hayley Williams y el de PinkPantheress reúne a Kylie, Zara Larsson, Sugababes, largo etcétera.
Destacan, por otro lado, dos esperados estrenos. Por un lado, el de Not for Radio, el proyecto de María Zardoya, de The Marías, en plan downtempo y trip-hop. Por otro, la puesta en marcha de la reedición de Madonna. En portada se come una granada la debutante londinense Serena Clara.
Además, hay nuevos e interesantes singles de Celeste, Allie X, Pipiolas, dexter in the newsagent, Alice Wonder, HAIM con Bon Iver, Madison Beer, Yves Jarvis, Austra… todos disponibles en la playlist «Ready for the Weekend» de Apple Music.
No Doubt ha anunciado que dará una serie de conciertos fijos -vale, lo llamamos «residencia»- en el Sphere de Las Vegas, aquel espectacular recinto inaugurado por U2 hace dos temporadas. Por supuesto, el regreso de No Doubt a los escenarios se producirá con Gwen Stefani al frente. En 2024, No Doubt ofreció su primer concierto en 19 años en el festival Coachella.
Como informa Billboard, No Doubt dará seis conciertos en el Sphere entre mayo y junio de 2026. Gwen es la primera frontwoman que toca en este recinto (recientemente se había rumoreado que Taylor Swift planeaba una residencia en el Sphere, pero esta información ha sido desmentida).
La noticia del regreso de No Doubt coincide con el 30º aniversario de ‘Tragic Kingdom’, su tercer álbum, que se lanzó tal día como hoy en 1995. Es el disco que contenía la eterna ‘Don’t Speak’.
Recientemente, Stefani ha recuperado ‘Don’t Speak’ en directo. Ha sido en el concierto que Dua Lipa acaba de ofrecer en Los Ángeles, dentro de la gira de ‘Radical Optimism‘. Casi, casi parece que el lanzamiento de ‘Bouquet‘ jamás sucedió…
Martin Urrutia lanzará su disco de debut a principios de 2026. El primer adelanto era ‘Nadadora‘, una sorprendente versión de Family. El segundo, ‘Nuevos recuerdos’, sigue la colaboración de Urrutia con el dúo barcelonés Hidrogenesse, que ha producido el disco al completo.
‘Nuevos recuerdos’ es la primera composición original que presenta el proyecto y la introducción a un disco «bastante variado, que tiene un poco de todo, canciones más lentas y otras bailongas», y que seguirá una estética «digital y de videojuego», según ha contado Urrutia en una entrevista en Cadena Ser.
Ese estilo de videojuego inspira el sonido de ‘Nuevos recuerdos’, que utiliza efectos tipo 8bit, e informa también el concepto de la canción. En ‘Nuevos recuerdos’, Martin captura recuerdos en forma de «amuletos» que va acumulando para mantenerse con vida. Esos recuerdos tienen forma de objetos cotidianos -moras, toallas, heridas- que Martin convierte en tesoros emocionales. Pero no son recuerdos permanentes, sino que van cambiando, como quien pasa de una pantalla de videojuego, a la siguiente.
‘Nuevos recuerdos’ es 100% Hidrogenesse, también un poco Mecano, los de los primeros tres discos, en su estilo musical optimista y de ritmo alegre, y sobre todo recuerda al estilo de los autores de ‘Animalitos‘ (2007) o de la música de Stella Maris (2024) su meticulosa composición melódica y, sobre todo, su lírica narrativa y cotidiana, casi de corriente de pensamiento, libre pero más meditada de lo que parece. Toca el bajo en la canción Laura Antolín de Doble Pletina.
El concepto de ‘Nuevos recuerdos’ se ha llevado al siguiente nivel con la creación de un avatar digital que representa a Martin, llamado MUNO, y que sirve de «mascota» del proyecto.
Ana Mena ha anunciado recientemente que su nuevo disco, el sucesor del exitoso ‘Bellodrama‘ (2023), verá la luz en 2026. Mena prometía «desnudarse» en este álbum y de hecho aparecía en bolas en la primera imagen promocional de esta nueva era, que ha resultado ser una captura del videoclip de su nuevo single, ‘Lárgate’.
El clip transcurre en un entorno rural y campestre, pero pronto deriva en un divertido pastiche de folk horror y comedia sexual, con una Ana Mena convertida en homicida del hombre que la ha hecho daño. Puro camp rural para la nueva era de Ana Mena… que busca fulminar de un disparo la anterior: atención al final del vídeo.
‘Lárgate’ es una canción de desamor que recurre al humor negro para canalizar la rabia hacia un “infeliz” del que Mena ha tenido la desgracia de enamorarse. La artista aparece armada con “veneno” y un “hacha”, dispuesta a usar cualquier recurso a su alcance para borrar a esa persona de su vida. Incluso se tomará la justicia por su mano: “tengo diez mil maneras para matarte”, canta.
‘Lárgate’ es de inmediato una de las mejores canciones de Ana Mena. Co-escrita por Andrés Torres y Mauricio Rengifo (‘Despacito’, Aitana), se adscribe a su faceta clásica y melódica, la de ‘Música ligera’. Pero ‘Lárgate’ no es una versión aunque lo parezca, sino una composición original cuya preciosa melodía evoca la obra de Jeanette, en concreto, el drama melancólico de piezas como ‘Ojitos tristes‘. La producción, sin embargo, se actualiza con sutiles efectos electrónicos.
En un año en que Jeanette ha sido reivindicada por artistas como Selena Gomez, cuando la propia Jeanette ha vuelto lanzando un tema con Lucas Bun, Ana Mena entrega su apuesta. Esta vez, salpicada de sangre.
Raül Refree y Niño de Elche llevan 4 años presentando por el mundo un espectáculo de ambient e improvisación. Cuando al fin decidieron llevar al estudio algunas de las piezas que venían desarrollando, se encontraron con otras totalmente nuevas ligeramente más accesibles o «pop». «Pop» en el sentido de que aquí no hay pistas que duren 15 minutos, no de que haya estribillos, porque en absoluto los hay.
Los discos míticos de Brian Eno, por supuesto Sakamoto, proyectos de experimentación como Low o Arthur Russell y obviamente su propio bagaje creativo tras décadas en esto de formas tan diversas, han nutrido a los artistas en esta aventura que no acaba como creían. Particularmente les ha atraído la idea de acercarse a la espiritualidad y a la religión, e incluso a la música sacra, lo cual se siente en títulos como ‘Cruz’ o en el final de ‘Mi amén’.
Esta última también puede recordar a Angelo Badalamenti en sus últimos teclados, pues hay una enorme voluntad cinética en el desarrollo de estas pistas. Para muestra, la teatral ‘Salmo XXI’, que es casi como asistir a una obra protagonizada por Paco Contreras. Y ahí es donde hay que hablar de su expresiva voz y de su desgarrada interpretación vocal.
Desde luego no todas las obras que se consideren «ambient» han podido contar con una personalidad tan arrolladora liderando como la de Niño de Elche, en esta pista hablándonos de cámaras de tórtura, orfelinatos, psiquiátricos. La canción logra ser terrorífica, como luego lo será también ‘La escalera’, pero a su vez atrapa por completo y encoge el corazón, como hay álbumes de música experimental que jamás lo lograrán.
‘Salmo XXI’ se inspira en los salmos de Ernesto Cardenal; otras composiciones adaptan de manera muy libre -sin ser literales-, textos de Rilke (‘La escalera’), Peter Nadás (‘Nadás’) o Yannis Ritsos (el single ‘Antes de’). Respecto a esta última, es muy llamativo cómo en un álbum que se define como electrónico, es un elemento orgánico como un riff o un punteo el que produce el efecto más emotivo.
Sucede en la preciosa ‘Antes de’, también en ‘Tu voluntad’ e igualmente en las dos partes de ‘Salmo XXI’. Aunque para constatar la intención electrónica de ‘Cru+es’ tenemos la rotunda ‘Senescente mundo’. Podría haber sido arreglada por la Björk de ‘Homogenic’, pero son estos dos espíritus totalmente inquietos y libres quienes siguen dignificando la historia de la música de este país.
Ya conocemos los 18 participantes de la próxima edición de Benidorm Fest. Los nombres de los artistas han sido revelados en una rueda de prensa celebrada en las instalaciones de RTVE y entre ellos se encuentran Luna Ki, Miranda & Bailamamá, MAYO, Ku Minerva o Funambulista. El festival se celebrará los próximos 10 y 12 de febrero, mientras que la final tendrá lugar el día 14.
ASHA, Atyat, Dani J, DORA & Marlon Collins, Funambulista, Greg Taro, Izan Llunas, Kenneth, Kitai, Ku Minerva, Luna Ki, Julia Medina & María León, Mayo, Mikel Herzog Jr, Miranda! & Bailamamá, Rosalinda Galán, The Quinquis y Tony Grox & Lucycalys son los 18 artistas que competirán por el gran premio de 150.000 euros. La candidatura a Eurovisión, por otro lado, se decidirá cuando se lleve a cabo la reunión de la UER para determinar la participación de Israel.
Entre ellos hay exconcursantes de Operación Triunfo, como Julia Medina y MAYO; la hija de Bimba Bosé y sobrina de Miguel Bosé, Dora; y también exparticipantes del propio Benidorm Fest, como son Luna Ki, Óscar de Varry Brava (Bailamamá) y Sergio de Miss Caffeína (The Quinquis). Para escuchar las nuevas canciones, habrá que esperar hasta el 18 de diciembre. De momento, aquí un repaso a los temas de cada aspirante de Benidorm Fest. Al final del artículo encontrarás una playlist de Apple Music recopilando todas las canciones.
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