«La cosa está mal de tanto tiempo lo mismo / Parece normal, pero no es normal». Lo dice la propia Christina Aguilera en una de las canciones de ‘La Tormenta’, el 2º de los 3 EP’s que lanza este 2022 y que terminarán conformando su nuevo disco de estudio, ‘Aguilera’. Se refiere a una relación sexual en plena decadencia, pero podría referirse también al tipo de música latina que lleva años poblando las listas, ajena a las reinvenciones estilísticas de pioneros como Bad Bunny.
Solo que no lo hace en absoluto. Christina Aguilera ha llegado tarde y mal a la «moda latina» (nótense las comillas), cuando las tenía todas consigo para reclamar lo suyo, dado su origen ecuatoriano y su música editada en español hace décadas. Pero en este proyecto se ha rodeado de nombres tan sobados como los autores de ‘Despacito‘ y las producciones suenan tan viejas como la expresión «arrimar cebolleta», que es lo que parecen buscar aquí las producciones estelares, como el single ‘Suéltame’ con Tini.
Canciones como ‘Traguito’ comienzan en plan minimalista con una guitarrita, solo para después ir incorporando los beats típicos y esperables. Las sorpresas, los giros, brillan por su ausencia haciendo parecer la maravillosa ‘Accelerate’ -la mejor canción de Christina Aguilera, de largo- un sueño que nos imaginamos.
Peor aún, la música latina está en este mundo para bailar, para divertir, para hacernos llorar de risa con sus referencias al cerdeo, al bellaqueo, y estas letras carecen por completo de la picardía de una Becky G o una Karol G. «La cosa está muy mal», sí, cuando lo mejor son las múltiples referencias etílicas, a su vez tan poco imaginativas como «y por tu culpa abrí una de vino / la cuarta copa a nombre de lo que hicimos» o «vamos a borrar todo lo tóxico, con un tequila desde México».
Una cosa buena puede decirse de todo este proyecto y es que al menos está bien amalgamado. En ‘La Fuerza‘ había una ranchera, y en ‘La Tormenta’ hay otra, en este caso en 2 versiones: con y sin Christian Nodal. El efecto sorpresa se ha diluido, pero cuando su voz no es excesiva, qué duda cabe de que sí es tan poderosa para el género como Paquita la del Barrio. Ojalá hubiera sabido encauzarla para desatar esa «Tormenta» que en este EP no termina de estallar. Ni chispea, siquiera.
La jornada del viernes en el Sónar arranca con el tecnazo de LSDXOXO, que convierte el SónarHall en una rave cuando aún no son ni las 5 de la tarde. Mayoría de público queer en las primeras filas de este show de música de club deconstruida, por el que asoma un remix de ‘Milkshake’ de Kelis. Poco después, la sudafricana Kamo Mphela alegra el ambiente con un concierto centrado en el baile y en los ritmos del amapiano que resulta un descubrimiento para quien busque bailar ritmos diferentes y atípicos.
El show de ‘Liquidación total’ de Samantha Hudson es todo lo que esperas y más. La artista sale al escenario con un look situado a medio camino entre la Madonna del ‘Blond Ambition Tour’ y el cardado electrocutado de Bonnie Tyler. Samantha proclama que es el «puto anticristo» y se sube a la barra de striptease para reproducir la forma de un crucifijo mientras canta ‘Dulce y bautizada’. El show es un delirio de coreografías entre el voguing, la ruta del bakalao y el desnuque de «Lola Indigo», todo hecho con cara de susto, y el rap de ‘Por España’ es gloria bendita coreado por el público. Son varios los momentos del concierto con los que te partes de risa -incluida una pullita a Arca- y salgo del SónarHall convencido de que la irreverencia de Samantha Hudson no puede ser más necesaria.
Tener expectativas no debería ser un aliciente que fomentar. Niño de Elche había dejado en pasadas ediciones el listón muy alto. Sus propuestas en directo no caben en dispositivos digitales, o las ves en persona o no hay nada que hacer. Para la ocasión la excusa era un homenaje a su tierra, Valencia, y al arraigo de la músika fiestera. Paco Contreras actuó junto a Ylia y 40 músicos de la banda “La Valenciana”. A pesar de un retraso de 20 minutos, el arranque no pudo ser más excitante: los músicos que parecían sacados de una película de Berlanga salieron del extremo opuesto al escenario, y para sorpresa, cruzaron todo el aforo tocando. La excitación era total y ahí se quedó todo. Una vez instalados en el escenario apenas tocaron. Niño actuó bajo bases electrónicas difusas, llegamos a identificar ‘Machine Gun’ de Portishead y, tras innumerables cortes que, en principio parecían hechos a propósito para pasar a ser un martirio sin venir a cuento, nos advertía hablando más que Lady Gaga sobre el estado de diversión al que llegaríamos los allí presentes. Nada más lejos de realidad. Y eso que ‘Paquito Chocolatero’ tuvo su momento entre el público. Al final el globo se desinfló, la fiesta no fue tanta y gran parte de los asistentes abandonaron. Sr. John
Debo reconocer que no las tenía todas conmigo de que C. Tangana fuera a presentar en el Sónar el show de ‘El Madrileño‘ tal cual se está viendo estos días a lo largo y ancho de la geografía española. No me terminaba de encajar un espectáculo tan cañí en un festival de música avanzada. Pero sí, lo que se vio el viernes en Sónar fue exactamente lo que presenciamos hace semanas en Madrid: el espectáculo-película de El Madrileño se desarrolló en todo su esplendor. Con matices.
El show de ‘El Madrileño’ arrancó 20 minutos tarde. Y el inicio decepcionó: después de los redobles de Joselito no tenía ningunas ganas de escuchar ‘Still Rapping’ y menos como canción inaugural del concierto. Después, ‘Comerte entera’ no dio el pego. C. Tangana salió tarde y cuando el show arrancó pareció que lo hizo en el tramo medio del concierto, no en el inicio. La aparición de Nathy Peluso para ‘Ateo’ fue tan temprana que casi no dio tiempo a emocionarse. Eso sí, el público la cantó como si se le fuese la vida en ello. Ensordecedor es poco. Otra crítica: Pucho cortó ‘Nunca estoy’ en la mejor parte, el final.
No sé si a C. Tangana le pilló el toro y decidió cortar canciones in situ. Lo pareció, pero también salvó los muebles enseguida. El concierto-película está tan logrado que ni siquiera vale la pena mirar al escenario. Es mejor mirar la pantalla. La cinematografia es espectacular. Encima del escenario sucede básicamente una obra de teatro ambientada en una taberna española. La Húngara, Niño de Elche, Antonio Carmona… todos ellos se sientan en la mesa de El Madrileño, todos ellos viven su momento de gloria. Ante el fervor del público, a Pucho se le dibuja una sonrisa en la cara que le debe doler y todo. Se bebe una copa, baila encima de la mesa, dialoga con el barista… El Madrileño es maravillosamente feliz, y esa energía se contagia.
Entre recuperaciones traperas tipo ‘Llorando en la limo’ y la dedicación a ‘El Madrileño’, el setlist de C. Tangana me resulta extrañamente caótico. Sin embargo, llega un punto en que los momentos álgidos se suceden uno detrás del otro: ‘Demasiadas mujeres’, ‘Ingobernable’, ‘Los tontos’, ‘Tú me dejaste de querer’… Y cuando ya estás deseando que C. Tangana chape el concierto porque te estás derritiendo de calor y necesitas respirar, se saca de la manga ‘Un veneno’, invita a su cantaor a dejarse los pulmones, y termina cogido a hombros por sus músicos. Realmente, el show de ‘El Madrileño’ se parece a presenciar el rodaje de una película en directo, y te hace preguntarte si C. Tangana será capaz de superarlo. El concierto de El Madrileño compensó la tardanza, compensó el calor… lo compensó todo.
El calor es realmente insoportable en el Sónar durante el concierto de C. Tangana. Terminas con la ropa empapada de sudor. Es un alivio que termine aunque sea para meterse a continuación en el horno de Nathy Peluso. Ni cabe decir que Peluso es un terremoto encima del escenario. Casi no pasa un segundo sin que haga un paso de baile, y en un punto del concierto hasta se pone a saltar la comba. Subida en una tarima o situada a pie de escenario, donde baila junto a sus músicos, Nathy presenta un show de banda bastante clásico, en el que ella se lleva todas las miradas gracias a su poderío. Canta ‘Ateo’ sola, pone a todo el mundo a vibrar con ‘Puro veneno’, y simplemente es imposible dejar de mirarla.
La medianoche queda inaugurada con el espectacular show de Moderat. Puede que su nuevo disco ‘MORE D4TA’ no haya cumplido expectativas, pero escuchado en directo la cosa cambia. El grupo compuesto por Sascha Ring de Apparat, y por Gernot Bronsert y Sebastian Szary de Modeselektor, vuelca sobre el escenario todo un océano de ritmos y atmósferas electrónicas que te hacen sentir en el fin del mundo, en el mejor de los sentidos. El sonido es imponente, parece que va a derribar el recinto en cualquier momento, y cuando Apparat canta canciones como ‘DOOM HYPE’ o ‘FAST LAND’ con todo el poder que le sale del pecho te parece estar viendo la mejor reencarnación posible de Depeche Mode.
Estos días hemos comentado cuál puede ser el siguiente single de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía ahora que la promoción del álbum parece haber llegado a una pausa mientras la cantante catalana se centra en la preparación de su gira mundial. En realidad la respuesta la ha dado el público: ‘BIZCOCHITO’ es la tercera canción más escuchada de Rosalía en Spotify solo por detrás de ‘LA NOCHE DE ANOCHE’ y ‘LA FAMA‘, y por delante del resto de singles. ¿Por qué?
Puede ser por varias razones. En primer lugar ‘BIZCOCHITO’ es una de las canciones más pegadizas de ‘MOTOMAMI’, sino la que más. También es una de las más divertidas. Pero, de manera inesperada, también es una de las pistas del disco que los DJs más están pinchando.
Solo en el Primavera Sound ha pasado por la sesión electro de 2manydj’s (a través de un remix que ya está tardando en salir), por la sesión de clausura de DJ Coco, y por la sesión house que Peggy Gou ofrecía en el Brunch on the Beach del domingo. Antes que esto, el DJ Paco Lumiere pinchó ‘BIZCOCHITO’ durante la actuación de la drag queen Astra Bomb en el bar IMPRFCTO de Barcelona. Y seguro que existen muchos más casos.
Tanto público como estrellas de los platos parecen haber decidido que, si hay una canción de ‘MOTOMAMI’ que se puede convertir en un auténtico hit popular, incluso por delante de ‘LA FAMA’ (que ya suma 7 meses de vida) o ‘SAOKO’, es ‘BIZCOCHITO’. Su depurado ritmo de reggaetón clásico la emparenta con ‘CHICKEN TERIYAKI‘ pero, a diferencia de esta, ‘BIZCOCHITO’ incorpora varios ganchos melódicos muy claros como son la melodía de sintetizador tipo politono de móvil (ya hay una versión no oficial tipo móvil de juguete subida a Youtube) y el «taratatá» coreado. ‘BIZCOCHITO’ es tan bobalicona que la gente se entretiene imaginando que es un tono de Tamagotchi o que está cantada en el «idioma de los Minions».
Al componente pegadizo de ‘BIZCOCHITO’ contribuye precisamente una letra divertida y absurda que, por indescifrable que parezca al principio (y después), se pega. Toda la canción parece acelerada, y rimas como «yo no soy ni via’ se’ tu bizcochito / porque tengo to’ lo que tiene delito» o «tú ere’ el que pimpea o te pimpean a ti / yo elegí mi lao desde el día en que nací» pasan por la boca como un trabalenguas. Esa que dice «habla bullshit, to’ lo que dice falsea / Y mi make-up en la ola de Corea» (no, no la he transcrito de memoria) suena ya apitufada, y termina llevando la canción al lugar más absurdo posible.
Curiosamente, la letra de ‘BIZCOCHITO’ responde a la de ‘Saoco‘ de Wisin & Yandel, en la que los reggaetoneros se dirigen a una chica por este término que la convierte en un mero objeto de deseo. Rosalía desafía así el machismo tan habitual en el reggaetón. Por otro lado, en la letra, la artista alude por primera vez a su éxito e influencia: «No basé mi carrera en tener hits / Tengo hits porque yo senté las base’ / Ya no tengo nada más que decir / Pa’ decirlo hace falta mucha clase» es una frase que en absoluto habría tenido cabida en ‘El mal querer‘, pero que la Rosalía de ‘MOTOMAMI’ expresa con dignidad, pero también con humor. El sonido de ‘BIZCOCHITO’ demuestra que no vale la pena tomarse nada de esto TAN en serio.
El 29 de julio Netflix estrena una breve serie de temática musical, y la plataforma se va a encargar de que no quede nadie sin enterarse. Se trata de un proyecto llamado ‘Fanático’, sobre la historia de un cantante que se quita la vida ante sus fans en el primer concierto de su gira mundial.
La sinopsis oficial habla de «la historia de Quimera, el mayor Ídolo musical de España que muere delante de sus fans durante un concierto. Lázaro, un fan incondicional, ve la oportunidad de escapar de su monótona y precaria vida y se convierte de la noche a la mañana en aquello que lleva admirando mucho tiempo: su propio ídolo». Serán tan sólo 5 episodios de 20 minutos cada uno.
En promoción de la serie, se ha subido a plataformas como Spotify el tema ‘Rebelión’ firmado por Quimera, el tercer tema asociado a este artista. Y al mismo tiempo se ha compartido un vídeo de excelente factura en el que aparecen algunos de los actores de la serie, como Fernando Valdivieso, Dollar Selmouni o Carlota Urdiales.
Pero además en el vídeo aparecen algunos de los talentos más conocidos de la escena nacional, como Amaia, Bad Gyal, La Mala Rodríguez o Samantha Hudson. Hay o habrá también apariciones especiales de Luna Ki, Bea Pelea, Albany, Fernando Costa, Hinds, Natos, Don Patricio, Recycled J, Selecta, Afrojuice y muchos más.
Entre los créditos que vemos en este vídeo se adivina también un papel especial para Santa Salut, que este año ha debutado en formato largo, ‘Discordia‘.
Los Estanques y Anni B Sweet conservan su top 1 en JENESAISPOP con ‘Caballitos de mar’, uno de los temas de su disco conjunto. La entrada más fuerte la protagoniza Sharon Van Etten, seguida de Cupido, Rigoberta Bandini y Demi Lovato. En la parte más baja de la tabla aparece por primera vez lo nuevo de Bronquio, Lava La Rue, TAAHLIAH y Pixies.
Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 Caballitos de mar Los Estanques, Anni B Sweet Vota
2 2 1 5 La canción que no quiero cantarte Amaia, Aitana Vota
3 – 3 1 Mistakes Sharon Van Etten Vota
4 – 4 1 Un cabrón con suerte Cupido Vota
5 4 2 5 SloMo Chanel Vota
6 – 6 1 A todos mis amantes Rigoberta Bandini Vota
7 3 3 2 Un ala rota (garrotín) Rocío Márquez, Bronquio Vota
8 5 5 2 Te felicito Shakira, Rauw Alejandro Vota
9 15 9 2 Febrero Luna Ki Vota
10 9 5 3 Potion Calvin Harris, Dua Lipa Vota
11 30 11 5 Talk to Me, Talk to Me Belle & Sebastian Vota
12 6 6 2 Spitting off the Edge of the World Yeah Yeah Yeahs, Perfume Genius Vota
13 10 1 6 No One Dies from Love Tove Lo Vota
14 – 14 1 SKIN OF MY TEETH Demi Lovato Vota
15 16 2 8 Used to Know Me Charli XCX Vota
16 37 4 7 I Love You Fontaines D.C. Vota
17 11 6 6 Domingo especialmente triste Biznaga, Triángulo de Amor Bizarro Vota
18 8 5 4 Late Night Talking Harry Styles Vota
19 22 1 8 Free Florence + the Machine Vota
20 31 1 13 My Love Florence + the Machine Vota
21 14 8 6 Noche iluminada Adiós Amores Vota
22 7 3 2 La prendo Bad Gyal Vota
23 19 3 11 As It Was Harry Styles Vota
24 32 3 19 Beg for You Charli XCX, Rina Sawayama Vota
25 18 1 19 SAOKO Rosalía Vota
26 20 1 25 Ay Mama Rigoberta Bandini Vota
27 28 1 13 Candy Rosalía Vota
28 24 3 13 The Lightning II Arcade Fire Vota
29 26 1 34 Yo invito Amaia Vota
30 27 5 10 No hay futuro La Casa Azul Vota
31 – 31 1 Fui a comprar a la cárcel BRONQUIO, 41V1L Vota
32 – 32 1 Hi-Fidelity Lava La Rue, Biig Piig Vota
33 – 33 1 Fall Into Place TAAHLIAH Vota
34 – 34 1 There’s A Moon On Pixies Vota
35 21 9 5 N95 Kendrick Lamar Vota
36 29 10 5 Bailé con mi ex Becky G Vota
37 36 1 16 King Florence + the Machine Vota
38 17 10 3 Don’t Forget Sky Ferreira Vota
39 23 7 8 llorando en la acera Cariño Vota
40 13 13 4 Things Will Be Fine Metronomy Vota
Candidatos Canción Artista
– Glimpse of Us Joji Vota
– American Teenager Ethel Cain Vota
– Sad, I’m Blue Remix PayByChance Vota
– Luna de Diseño Rojuu, Steve Lean Vota
– Holiday Confidence Man Vota
– Talk Omar Apollo Vota
– Too Dead Inside yeule Vota
– Poisonous Storytelling Hercules & Love Affair, ANOHNI Vota
– Giving Up TSHA, Mafro Vota
– Sidelines Phoebe Bridgers Vota
La Unión Europea de Radiodifusión emite hoy finalmente un comunicado en el que explica que, como era de prever, Eurovisión no podrá celebrarse en Ucrania. Existe una tradición según la que el país ganador de cada edición celebra el festival al año siguiente, y por tanto Ucrania lo celebró, por ejemplo, en 2005 y 2017, pero esta vez no será posible.
Explica el comunicado que “Eurovisión es una de las producción de televisión más complejas de todo el mundo, con miles de personas trabajando y acudiendo al evento, por lo que se requieren de 12 meses de preparación». Dada “la invasión rusa al país ganador de este año”, palabras textuales, la UER se ha tomado un tiempo para estudiar la viabilidad de la producción de Eurovisión en Ucrania, desestimándola por “razones de seguridad”.
El comunicado concluye que la UER está en conversaciones con la BBC, pues Reino Unido quedó en 2º lugar, para acoger Eurovisión 2023. Se da por hecho que aceptará, pero la noticia ha despertado gran expectación en España, pues nuestro país quedó 3º y RTVE ya se había ofrecido a organizar el evento.
The @EBU_HQ has issued the statement below regarding the hosting of next year’s #Eurovision Song Contest.
«¡Al Azkena se va, y punto!». Ese es el grito de guerra de los asiduos al Azkena Rock Festival, el festival de rock por antonomasia. Un sentimiento, un lugar de encuentro, más que un festival, que este año celebra su 20 aniversario. Y tras el parón de la pandemia, había ganas locas de volver.
La fiesta ya empieza en la estación de Sants. Montones de rockeros de mediana edad que se dirigen al mismo destino: Vitòria-Gasteiz. Ya dentro del tren empiezan los encuentros con amigos y conocidos. Este es gran parte del encanto del festival.
El calor en Vitoria, pero, es inhumano. Los que veníamos a recibir el fresquito del norte, nos encontramos con una buena bofetada térmica. Dentro del recinto, muchas camisetas del Psycho y del desaparecido (snif) Rocksound. Entrar al ARF es como entrar a una versión extendida de ambos garitos. La media de edad de los asistentes es elevada (y yo no ayudo a bajarla, precisamente), hay bastantes familias con niños.
El recinto es fantástico. Una zona de aparcamiento arbolada, escenarios cómodos y cercanos. No hay que ir con tiempo para ver un bolo. Simplemente, basta con dar unos pasos. Hay un detalle precioso, que es dedicar las lonas de los escenarios a artistas que han tocado en el ARF muertos en el último año: Mark Lanegan, Rachel Nagy de Detroit Cobras, Dusty Hill de ZZ Top y Hank von Hell de Turbonegro.
El calor a las 19h es insoportable, y nos parapetamos en la sombra para seguir el bolo de Morgan Wade, que también parece afectada por la temperatura. Su «americana» se muestra bastante aplatanada (no así su voz), pero resucita al personal tocando un ‘Suspicious Mind’, sincopado.
Para Hiss Golden Messenger el calor empieza a dar tregua. Además, hay rica y abundante agua disponible, que apetece más que la cerveza con la que está cayendo. El suyo es un rock americano clasicote y elegante, en la línea de The Band, tocado con precisión y muy buen sonido. Su pianista es un crack y le da al bolo un fantástico ambiente tabernario. Pero cuando le da al Hammond, otorga un empaque y una magia maravillosos. Las jams instrumentales son estupendas, y dejan en el ambiente la sensación de haber visto el mejor concierto de la jornada. Óscar Tejeda
En Morgan brilla el carisma tranquilo de Nina de Juan, tras los teclados, en un lateral. No quiere ser el centro, pero lo es gracias a su fantástica voz. Es gracioso verla virvirlo tanto (mueve los brazos, se agita, se toca el corazón) pero sin moverse de su sitio. Es conmovedor escucharle esos «eskerrik asko» tan sentidos que suelta tras cada tema, esa risa franca e infantil con que los acompaña. Brillan las baladas. ‘Home’, pero sobre todo ‘Sargento de Hierro’. Nina abandona al final el piano y se pone a cantar en el centro del escenario. Incluso ella misma bromea con que no es fácil verla moverse por el escenario: “no es mi mejor faceta”. Pero es que es una ocasión especial. Como cierre, una versión acústica de ‘Marry You’ con la que Nina se desata del todo.
Lo de Offspring es una verbena. Mi móvil bulle de WhatsApps de amigos y conocidos criticando lo malos que son. Offspring despliegan su arsenal de punk noventero con el piñón fijo. Están justos de volumen y de potencia, Dexter Holland está aún más justo de voz. Pero miro a mi alrededor y no veo mucha queja. Es el grupo que más público ha congregado, el más esperado. Todo el mundo bota, baila y se desgañita. El setlist sigue a rajatabla el de conciertos anteriores. Todo el rato parece que canten la misma canción. Por supuesto, me las conozco todas. Hay un concurso de decir «fuck yoouus» y otras muchas chorradas, antes de atacar ‘Pretty Fly (for a White Guy)’ y la recta final con todos sus hits noventeros. Y tremenda botadera se arma con ‘Self Steem’, claro. La alegría de la gente es contagiosa. Acaba el concierto, truena el ‘Sweet Caroline’ de Neil Diamond y la gente rompe a cantarla, como diciéndose «¡Feliz fin de la pandemia!». Y aunque sobre el papel (y en el escenario), los Fu Manchu se comen con patatas a Offspring con su contundente stoner rock, la gente prefiere verles desde los márgenes, comentando, bebiendo, extenuados y contentos.
Tal y como anunciaron en sus redes sociales estos tres gigantes de la música, Black Eyed Peas, Shakira y David Guetta han lanzado hoy el single ‘DON’T YOU WORRY’, y es un viaje total a 2009. Pero, esto es un arma de doble filo.
Por un lado, el aspecto musical está totalmente desfasado, haciendo a los artistas parecer más desfasados de lo que en verdad estaban. Y es que todos han tenido sus éxitos recientes como ‘Te Felicito’, de la colombiana con Rauw Alejandro, o el ‘Heartbreak Anthem’, de Guetta junto con Galantis y Little Mix.
Por no hablar de los Black Eyed Peas, con exitazos como ‘RITMO (Bad Boys For Life)’ o ‘GIRL LIKE ME’, también con Shakira, pero igualmente muy distantes de lo que fueron en un momento, y no porque ahora sean un trío. En ‘DON’T YOU WORRY’ incluso utilizan el viejo truco de contar números en medio de la canción, y encima en español. Dos por uno. Solo les ha faltado enumerar capitales del mundo.
Por otro lado, es una canción positiva, fácil de escuchar y que es nostalgia pura para aquellos que hayan crecido con la música de estos artistas en su peak. ‘I Gotta Feeling’ y ‘Titanium’ son las primeras que se me vienen a la cabeza. Es ese tipo de canción. Que sea nostalgia pura significa que a toda esa gente este nuevo tema les va a transportar a tiempos mejores, y se puede acabar convirtiendo en un gran guilty pleasure. Por el momento, no me atrevo a decir si esto será un hit o no. Pero si hubiese salido una década antes, me atrevería a decir que, sin duda, sí.
En cuanto al vídeo de la canción, presenta una estética futurista -al menos lo que se entendía por «futurista» el siglo pasado-, entregándose a la temática intergaláctica. Sin duda, el videoclip más kitsch que te puedas echar a la cara en la tarde de hoy.
Ethel Cain es una de esas artistas con la que es fácil confundir persona y personaje. Su nombre de pila público es Hayden Silas Anhedönia, es decir, es improbable que sea real («anhedonia» es un término psicológico que alude a la incapacidad para experimentar placer) y su alias artístico se compone de dos nombres vinculados a la Biblia como son «noble» y «Caín». A día de hoy vive en una casa de la Alabama rural. No es una pop star al uso ni pretende serlo.
La estética del gótico americano (el llamado «Southern gothic«) y la religión forman dos de las bases del proyecto de Ethel Cain, que la artista pretende expandir con más discos, libros e incluso películas. Ethel Cain no es solo un personaje, es una saga. Un universo. Y dentro de este universo, Ethel Cain es la protagonista de ‘Preacher’s Daughter’, la primera entrega de una trilogía de álbumes que pretende narrar la historia de tres generaciones de mujeres.
El contexto en el cual se desarrolla la historia es la América profunda. El año es 1991. El padre de Ethel, el pastor más querido del pueblo, muere cuando ella cuenta tan solo 10 años. Una década después, Ethel se desencanta con la idea del sueño Americano cuando un vecino de su edad se suicida. Dispuesta a cambiar de vida, huye de casa y se enamora de un hombre que resulta ser caníbal y la asesina.
La vida de Hayden informa necesariamente la historia de ‘Preacher’s Daughter’. La artista se cría en el seno de una familia profundamente religiosa en un conservador pueblo de Florida, y vive una infancia «simple» hasta que, en la adolescencia, descubre que es gay y sufre el rechazo de sus convecinos. En torno a los 20 años, Hayden sale del armario como mujer trans y empieza a crear música coral experimental a través de los alias White Silas y Atlas. Finalmente se decanta por el de Ethel Cain porque representa la «intersección entre mis experiencias en el profundamente religioso sur de Estados Unidos y mis sueños por un Oeste americano salvaje y libre».
Las ideas de Hayden sobre la América profunda, el sueño americano, y sus experiencias con el lado oscuro de la religión o el abuso sexual, quedan plasmadas en un disco épico, que supera la hora de duración, y que Ethel compone y produce ella sola en su casa. Todas las canciones están bañadas en un reverb eclesiástico, muchas de ellas superan los seis minutos de duración, las baterías pretenden hacer vibrar a las montañas, y los diversos solos de guitarra eléctrica que se escuchan en ‘Preacher’s Daughter’ nos recuerdan que este no es un disco hecho para los tiempos de hoy.
‘Preacher’s Daughter’ trae a la mente discos como ‘Born in the U.S.A.’ de Bruce Springsteen o ‘Ultraviolence’ de Lana Del Rey, también el espíritu de Florence Welch sobrevuela las melodías porque precisamente Florence es la artista que empuja a Ethel Cain a crear música cuando escucha una canción de ella por primera vez en internet. El álbum habita los mundos del dream-pop, el rock gótico, el rock de estadios y el slowcore, entre otros, y lo hace sin que los códigos del pop comercial le interesen a Ethel lo más mínimo. La artista está fichada en Prescription Songs, la editorial de Dr. Luke, pero ella dice que cuando firmó no sabía a quien pertenecía el sello ni pretendía buscarlo porque «en la pandemia no estaba en condiciones de rechazar dinero». Hoy habla de Dr. Luke en términos no demasiado halagüeños. Y es clara: «no necesito a Dr. Luke para crear mi música, pero es que no necesito a nadie».
En ‘Preacher’s Daughter’, Ethel Cain se basta y se sobra para levantar una obra enorme en envergadura y calado emocional. Muchas de las canciones más emotivas que escucharás este año se encuentran en este disco. Sumida en una profunda soledad, Ethel recuerda con nostalgia un amor pasado en ‘A House in Nebraska’, uno de varios títulos ultra-americanos que contiene el elepé. En ‘Western Nights’ pone los pelos de punta su composición a piano y su historia sobre otro amor pasado que era violento con ella. ‘Hard Times’ relata los abusos sexuales que sufre de pequeña a manos de su padre, a quien se dirige para expresar que «estoy harta de que sigas atada a mí». En el melancólico country de ‘Thoroughfare’ conoce a Isaiah, quien será su último amor. Y ‘Sun Bleached Flies’ encoge el corazón hacia el final de la secuencia con una melodía sobrecogedora que apela a la iglesia y a Dios solo para concluir: «Dios te ama pero no lo suficiente como para salvarte».
La protagonista de ‘Preacher’s Daughter’ termina descuartizada, y sus restos conservados en una nevera. En la rockera ‘Strangers’, la última pista del álbum, de influencias metaleras y grunge, Ethel transmite desde el más allá un último mensaje de amor a su madre.
‘Preacher’s Daughter’ puede ser un trabajo difícil de digerir, poco estomagante, y lo es especialmente en sus momentos más crudos y oscuros, como el doom metal de ‘Ptolemaea’ que, entre susurros diabólicos y el zumbido de moscas, recuerda a cosas tan grotescas como la película ‘Begotten’. Por supuesto, el fondo de todo esto es que ‘Preacher’s Daughter’ es un disco necesariamente incómodo y espeluznante, tanto como esa distorsión de cinta de casete que se escucha en una de las pistas instrumentales. ‘Gibson Girl’, el primer single, es un tema sensual pero también siniestro que remite a la PJ Harvey más pantanosa, y ‘American Teenager’, el single POP del álbum, narra un suicidio, y traslada a un sonido muy Taylor Swift onda ‘1989’ una historia de decepción profunda con el sueño americano.
‘Preacher’s Daughter’ es otra obra de arte morbosa dedicada a la peor cara de América. No es la primera ni será la última. Sin embargo, en el disco ante todo se sobrepone un talento descomunal para escribir canciones capaces de encoger el alma y ponerte un dudo en la garganta. Si no te emocionas con ‘Preacher’s Daughter’ debe ser porque estás congelado en una nevera.
Cecilio G fue detenido la noche de ayer en el Sónar de Barcelona tras haberse «bajado los pantalones y masturbado» ante una joven y posteriormente agredido a un agente de seguridad y a un agente de los Mossos d’Esquadra, según cuenta el medio Metrópoli. Los Mossos no eran conscientes del incidente con la chica y acudieron al lugar porque el artista catalán estaba provocando altercados en una zona restringida del festival.
Según cuenta Metrópoli siguiendo las declaraciones de los vigilantes presentes, el altercado ha sucedido en la zona de Plaza de Espanya, donde Cecilio G «se ha bajado los pantalones delante de una chica», la cual posteriormente ha llamado a seguridad. Al llegar la ayuda, el trapero ha pegado «un puñetazo a un miembro de seguridad» y ha intentado dar un «cabezazo» a otro, para ser reducido después.
Durante su detención y entrega a los Mossos, el artista no paraba de lanzar «amenazas» y en el proceso ha agredido a un agente de la policía catalana. Según la información de Metrópoli, los técnicos del Servicio de Emergencias Médicas determinaron que este «debía ingresar en un centro hospitalario» ya que iba «bajo los efectos de la droga».
Actualmente, lo único que se sabe es que el artista está bajo disposición de los Mossos d’Esquadra. Esa misma tarde, a Cecilio se le había visto acompañado de la alcaldesa de Barcelona, Ada Colau, quien ahora probablemente esté tirándose de los pelos.
Samuraï, el proyecto de la joven madrileña Aroa Lorente, ha debutando con dos EP’s. El primero, ‘Lo bonito’, incluía un hit tan resplandeciente como ‘Sin freno’. En el segundo, ‘Lo que no cuentan’, que acaba de editar, conviven producciones de pop-rock, con sintetizadores y efectos como sacados de ‘Stranger Things’ (‘Entre tejados’) y ‘Lost’ (‘Tóxico’) y guiños al drum&bass sin abandonar el guitarreo (‘Como Me Voy A Olvidar’).
Tras el viral de ‘Tirando balas’, que supera los 3 millones de reproducciones, Samuraï comienza este finde una gira por Madrid -en concreto el sábado 18 de junio en Clamores- tras lo que aguardan festivales como FanFutura y Cooltural Fest, entre otros; y ciudades como Barcelona (14 de octubre), Valencia (18 de octubre), Córdoba (13 de enero), Granada (14 de enero), 20 de enero (Málaga) y Sevilla (21 de enero). Samuraï es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, en la que un artista nos habla de una pasión oculta. En su caso son los gatos.
¿Por qué has elegido hablar de gatos para la entrevista?
Tengo una obsesión bastante linda con los gatos. Me siento identificada con ellos y, aunque no quiero parecer una loca, tengo un don con ellos. Fuera bromas, por la calle los gatos vienen a mí. Es una movida súper fuerte.
¿Por qué gatos frente a perros?
Supongo que porque me siento muy identificada, son seres a la par independientes y cariñosos. Amo a los perros igualmente, tengo cuatro (risas), pero creo que los gatos y yo tenemos una relación más profunda 😌 ¿Gatos o humanos?
Gatos. Siempre gatos.
Tenías un gato que también se llamaba Samurai. ¿Nos explicas por qué elegiste ese nombre y cómo terminó siendo el tuyo a su vez?
Era un gatito negro precioso que adopté y me hacía sentir muy bruja. Le llamé como a mí porque me pareció bonito el sentirme conectada de alguna manera con él. En realidad el origen de mi nombre es una anécdota súper básica (risas) Desde pequeña siempre mi mamá me hacía el típico peinado DE medio pelo suelto y arriba la otra mitad en un moño: muy parecido al que llevan los samurais. Un día fui al instituto con ese mismo peinado pero súper exagerado y mis amigas me empezaron a vacilar con que si parecía un samurai (risas) Desde entonces me han llamado Samu, supongo. Y por alguna extraña razón me pareció buenísima idea llamar así a mi gato, como si en verdad él fuera un formato físico de un alter ego mío (risas).
‘Tal para cual’, ‘Otro rollo’, ‘Te quiero’… Muchas de tus canciones hablan de amor. ¿Hay alguna que hayas dedicado a Samurai?
(risas) Hasta ahí no llego, pero vamos, que seguro que se las hubiera cantado alguna vez. Sí que recuerdo, el día que se perdió, ponerme a cantar súper dramáticamente a la nada llorando un montón 😫🤘🏼
Recuerdo los primeros años de YouTube. Yo me pasaba horas viendo recopilaciones de gatos. Ahora me da la sensación de que no había otra cosa en YouTube. ¿Cuánto es el mayor tiempo que te has pasado viendo vídeos de estos y cuál es tu favorito/s?
Pues la verdad es que tiempo indefinido (risas) No sé cómo el algoritmo de instagram de los reels se me ha configurado para que me salgan solo vídeos de gatitos. Es increíble. Justo esta mañana he visto un video en el que un gato se metía en una pompa de jabón. INCREÍBLE. Es más, cuando estoy triste mi chico me envía vídeos de gatitos para que sonría. Y es inevitable (risas) soy una bebé con los gatos.
Seguro que tienes el móvil lleno de stickers de gatos pero, ¿cuál es el que más usas? ¡Ojalá puedas adjuntar alguna imagen favorita!
INCREÍBLE. Adjunto foto de mis stickers más usados. Literalmente increíble. Además, mi sticker más usado es el del gatito negro.
¿El gato negro trae mala suerte?
¡¡¡Para nada!!! Eso es un dicho super feo y discriminatorio de los gatos (risas) De hecho, son mis favoritos.
Los gatos son uno de los animales más elegantes. Tú, si pudieras quedarte con una cualidad de los gatos, ¿cuál sería?
La mirada gatuna. Sin duda. Esque te atraviesa. Intimidante e hipnótica
¿Te han inspirado de alguna manera en tu música?
No sé si el término es inspirar, pero sí que hago mucha referencia a los gatos en mis canciones, me gusta usarlos en metáforas o como manera de referirme a los enamorados. Justo creo que no han salido todavía ninguna de las canciones en las que utilizo ese término pero os puedo adelantar frasecillas sueltas: “Gatos con callejón propio, obvio que se notaba la tensión” y “Dos gatos entre copas”.
Bad Gyal ha lanzado hoy el segundo capítulo de su nueva etapa, ‘Tremendo Culón’. A finales de mayo la catalana lanzó ‘La Prendo’, a la que ‘Tremendo Culón’ sigue los pasos, tanto musicalmente como en dirección de arte. Solo hay que fijarse en la portada de los singles y en el estilo de los videoclips para saber que Bad Gyal tiene algo entre manos que, con suerte, podremos escuchar en su totalidad en no mucho tiempo.
Este nuevo tema está producido por El Guincho y Fakeguido, y prueba lo mucho que ha evolucionado artísticamente Bad Gyal desde su gran hit ‘Fiebre’ en 2016. La base de ‘Tremendo Culón’ es adictiva, el flow de Bad Gyal es adictivo y vaticino que no vamos a poder parar de bailarla este verano.
Bad Gyal ha acompañado el release del single con un videoclip que empieza justo donde acaba el de ‘La Prendo’, con Alba posando al lado del coche quemado de los capos que la estafaron en el primer vídeo, y que no acabaron muy bien. En esta nueva entrega de la Bad Gyal más gangster, ella y sus compinches se cuelan en una mansión en clave de strippers para robar el dinero de todos los que en ella están usando una bebida misteriosa, a medio camino entre un veneno y una poción del sueño.
Tras dos fines de semana de Primavera Sound que han pasado casi como un sueño es el turno de que Sónar vuelva a celebrarse como antes de la nueva normalidad. Desde este jueves, el festival de música electrónica de Barcelona está celebrando su primera edición en dos años y la primera jornada ha tenido lugar en plena ola de calor, que está dejando máximos de 43º en Cataluña, cuando además el Sónar de Día arranca en pleno mediodía. Por supuesto, el cobijo del sol bajo las carpas en el SonarHall (el escenario principal se encuentra en el exterior) es un «tonto el último» de diccionario pero, por suerte, el festival cuenta con diferentes salas de interior con las que huir del sofocante calor.
La primera jornada de Sónar tiene lugar también bajo la amenaza de una nueva ola de covid, la cual ya parece asomar las patas después que la última edición de Primavera Sound haya dejado varios positivos entre amigos y conocidos.
Circunstancias externas aparte, la música volvió a ser la protagonista en un Sónar de Día por el que lo mismo te cruzabas a Maria Arnal que a Samantha Hudson básicamente representando dos tipos de asistentes al festival (no fue casualidad encontrárselas ya que ambas actúan). Y pese a la ola de calor -y los elevados precios de las bebidas, 6 euros por una cerveza- valió la pena acercarse pronto al recinto de la Fira para presenciar en vivo el potente directo de b1n0. El afilado pop electrónico de Emili Bosch y Malcus Codolà cobró vida en directo, canciones como ‘BUM BUM’ arrollaron, y Marina Herlop apareció en el escenario para cantar su tema conjunto.
En una galaxia aparte, Depresión Sonora ofreció uno de los conciertos más significativos de su breve carrera. Emergió tímido en el escenario, mirando al suelo o al horizonte, como si fuera a hacer un concierto de shoegaze, pero la energía del público fue, poco a poco, sacando al «frontman» que lleva dentro. No podía ser de otra manera cuando la audiencia recibía canciones como ‘Apocalipsis virtual’, ‘Hasta que llegue la muerte’ o ‘Ya no hay verano’ como los auténticos himnos de post-punk que son. El madrileño animó el ambiente con una enérgica versión de ‘Fuego cruzado’ de VVV [Trippin’ You], canción que ha remezclado, y tocó ‘La casa del árbol’ por vez definitiva en Barcelona porque «se vienen cosas nuevas». ¿De verdad pretende jubilar tan pronto una de sus mejores canciones?
A la salida de Depresión Sonora el público vivió una de esas extrañas visiones que solo suceden en el Sónar. Si hace unos años Cecilio G entró en el recinto subido a lomos de un caballo blanco, decisión que provocó una merecida ola de críticas por su falta de sensibilidad con los animales, Rojuu lo hizo a su manera. Vestido de negro emo-satánico, el catalán emergió en el festival transformado en su propia versión de la Virgen del Rocío. Aposentado en un trono de madera y elevado en el aire desde una plataforma sostenida a hombros por una cofradía de nazarenos, el Rey Rojuu miraba a la plebe por debajo del hombro mientras un grupo de bufones brincaba alrededor. Por cierto, si es que acaso a alguien le importa esto ya, Depresión Sonora y Rojuu acaban de sacar tema conjunto.
Tras el «show» de Rojuu era momento de comprobar qué directo habían preparado Tarta Relena. Spoiler: al final, el público no pudo hacer otra cosa que ponerse de pie para vitorear y aplaudir el precioso espectáculo presentado por Helena Ros y Marta Torrella en el SónarComplex. Tarta Relena cautivaron a los presentes con su fascinante propuesta en la que combinan complicadas armonías y polifonías vocales, cantos medievales, letras poéticas cantadas en catalán, latín o mallorquín, y beats electrónicos capaces de hacer vibrar los asientos. Presentaron las canciones de ‘Fiat Lux‘, pero también otras viejas como esa ‘Figues’ que utiliza la melodía del estribillo de ‘Lionsong’ de Björk.
El concierto de Tarta Relena desplegó una elegante puesta en escena compuesta por un aro de luz gigante que cambiaba de iluminación según la canción, colocado detrás de ellas, y un puñado de pequeñas luces instaladas en el suelo a modo de velas creaban también un ambiente íntimo y litúrgico. Las catalanas actuaron o bien solas o bien acompañadas por un coro cuyos integrantes vestían la túnica típica de un coro de iglesia e iban completamente descalzos. Por su parte, las integrantes de Tarta Relena iban hechas un pincel, ataviadas con el mismo vestido de tubo cubierto de brillantes. Colocadas una al extremo de la otra, Helena y Marta ejercitaban los pulmones acompañadas tanto por su ordenador como por una vasija de barro. No hace falta explicar el simbolismo de esta decisión escénica.
Tras el escalofriante academicismo de Tarta Relena tocó sacudir las caderas con el revoltillo de ritmos de club y samples de Bollywood de Manara, que ofreció una sesión alegre y vivaz mientras llegaba la hora de ver a Eartheater. Había tanta cola frente al Cómplex que mucha gente entró por los pelos, otra se quedó sin verla y otra la vio solo al final. Alexandra Drewchin dio de unos de los conciertos más locos del día y probablemente de todo el festival.
La cantante emergió en el escenario completamente a oscuras, vestida con un «estúpido» trapo que la hacía sangrar en sus propias palabras; el diseño de luces fue un absoluto cuadro desde el principio hasta el final, y la artista parecía encontrarse en otra dimensión de la realidad que no era el del Sónar. Su show fue tan errático que pareció completamente improvisado. Reinó una energía punk que logró que el público retirara el culo del asiento y se pusiera de pie para acercarse al escenario y bailar los ritmos de trap electrónico de temas como ‘Supersoaker’. Sin embargo, cuando Alexandra cogía la guitarra y se ponía intimista quitaba el aliento. Los aullidos imposibles de ‘Beyond the Clavicle‘ y los gemidos de ‘How to Fight’, dos canciones que escribió en «este país» (refiriéndose a España) confirmaron que estamos ante una vocalista con tanta estrella como Lana Del Rey que, si quisiera, podría encoger el corazón del mundo entero.
El house-pop de Chico Blanco tenía gracia al principio, pero luego saturaba por su falta de imaginación. Los ritmos, más que hacer bailar, lobotomizaban el cerebro. Nada que no pudiera arreglar un show de Amnesia Scanner, que más que lobotomizarlo, devoraba el cerebro, lo masticaba y lo escupía en mil pedazos. Un show brutal en el sentido literal del término: bases electrónicas abrasivas y apabullantes, gritos desesperados atrapados en muros de distorsión, beats destructores capaces de arrancarte el cuero cabelludo, visuales poco menos que satánicos… Amnesia Scanner ofrecieron uno de los directos más distintivos del festival, y uno de los más memorables.
La jornada del jueves de Sónar en La Fira llegó a su final con los alegres ritmos de kuduro de Pongo y, finalmente, con la eufórica música disco-house-funk de Jayda G, a quien se véia absolutamente encantada de pinchar básicamente en el mejor momento del día, con el público dispuesto a aprovechar al máximo los últimos minutos de jornada. En el recinto de Sónar de Noche, Nathy Peluso ofrecía el concierto inaugural del Sónar. Hoy la veremos de nuevo.
En cuanto a canciones, destacan lo nuevo de Steve Lacy, Flying Lotus, FKA twigs, TSHA, Whitney, Chlöe, Self Esteem, Two Door Cinema Club, Santigold, beabadoobee, Röyksopp tan solo unos meses después de su último disco o Lana del Rey con Father John Misty. Esto último pertenece a una edición especial de ‘Chloë and the Next Century’, el último disco de Father John Misty. Por su parte, Lambchop anuncia nuevo álbum, del que avanza ‘Police Dog Blues’. Eminem y Måneskin han sacado sus canciones para la banda sonora de ‘Elvis’.
En cuanto al talento nacional, hay colaboraciones de Depresión Sonora y Rojuu y nuevo single de Soto Asa, François y Rorro. También de Chico y Chica, Grasias, Lisasinson, Ghouljaboy, Uniforms y Rothrigo, que estrena canción inspirada en los años 50. Las dos Mafaldas sacan single a la vez.
El pop internacional más desenfadado nos deja novedades de Icona Pop adaptando ‘You’re Free’ de Ultra Naté, Ana Mena cantando con Belinda, Camilo con Alejandro Sanz o Blas Cantó recordando que ‘El bueno acaba mal’. Lola Indigo presenta ‘Caramello’ con Rocco Hunt y Elettra Lamborghini y Black Eyed Peas, Shakira y David Guetta presentan ‘DON’T YOU WORRY’, así en mayúsculas. Entre las curiosidades del día, tema para las reediciones y compilaciones de Bowie y Madonna.
Tan sólo un año después de ‘Certified Lover Boy’, el álbum del año pasado de Drake que seguramente ya no recordabas, el canadiense acaba de publicar disco sorpresa. Se trata de ‘Honestly, Nevermind’, un álbum de 14 pistas encabezadas por una intro de 36 segundos y culminadas por una colaboración con 21 Savage llamada ‘Jimmy Cook’s’.
Lo primero que sorprende de ‘Honestly, Nevermind’ es que Apple Music lo ha catalogado como «dance». Y podemos entender por qué, pues tras la «intro», las dos primeras canciones, ‘Falling Back’ y ‘Texts Go Green’ aparecen enlazadas como si de una sesión se tratara. El disco casi al completo se dedica a los beats bailables influidos por el dembow y la IDM pero de manera muy sutil, ofreciendo una de las producciones más elegantes que recordamos a Drake. Incluso cuando ‘Currents’ se construye con muelles de cama, los sonidos no son zafios.
‘A Keeper’ es una de las producciones que mantienen ese pulso tan sofisticado, mientras ‘Massive’ es una de las sorpresas del álbum, pues se trata de un particular piano house. Hacia el final del álbum, aparecen otros elementos como la guitarra rhythm & blues de ‘Overdrive’, los chasquidos de ‘Down Hill’ y la guitarra R&B de ‘Tie that Binds’, pero manteniendo una coherencia que se venía echando de menos en los álbumes de Drake. El álbum mantiene buen ritmo hasta que llega la voz distorsionada de ‘Liability’, lo más parecido a una «balada».
El disco se cierra con el tema con 21 Savage, con cierto tinte jazzy con esos metales, un cambio de ritmo y finalmente las sonoridades de los últimos hits de Drake. En todo caso, en su conjunto, ‘Honestly, Nevermind’ suena como una agradable sorpresa, al menos por el momento, que además agradece su brevedad relativa: el álbum supera los 50 minutos, pero no incluye 21 ni 25 pistas como viene siendo habitual con Drake.
1.-Intro
2.-Falling Back
3.-Texts Go Green
4.-Currents
5.-A Keeper
6.-Calling My Name
7.-Sticky
8.-Massive
9.-Flight’s Booked
10.-Overdrive
11.-Down Hill
12.-Tie that Binds
13.-Liability
14.-Jimmy Cook’s (ft 21 Savage)
‘Let’s Say for Instance‘ es el primer disco de Emeli Sandé como artista independiente, desde que dejara Virgin en 2020, poco después de ‘Real Life’, su anterior trabajo. Sandé ha aprovechado para explorar muchos caminos y estilos que no estaban tan presentes en sus anteriores discos, dando como resultado uno de sus álbumes más vivos. Hablamos con ella sobre el proceso de creación de ‘Let’s Say for Instance’, sobre los pros y contras de estar en una multi vs ser una artista independiente, sobre el autotune, sobre la importancia para ella del amor y de la libertad para amar más allá de orientaciones, sobre cómo pensó que éste iba a ser su último álbum, sobre Eurovisión… o incluso sobre sacar una versión en español de uno de los temas de este disco
¿Qué ha significado para ti lanzar este disco?
Es un gran paso para mí, me siento ahora mucho más liberada y empoderada. Es como que se ha abierto un capítulo nuevo, un nuevo comienzo en el que puedo expresarme de muchas maneras. Si la gente me quiere seguir en este nuevo viaje, si quieren conocerme a mí y a todos los aspectos de mi vida, estaré encantada.
Es tu primer disco como artista independiente. Por un lado más libertad creativa, pero no sé si también te asusta perder la maquinaria de una multi, sobre todo de cara al público más general que te conoció por el tema con Guetta (NdR: ‘What I Did for Love’).
Ese miedo está, ¿pero sabes qué? He llegado a un punto de mi carrera, y de mi vida en general, en el que tengo que aceptar ese riesgo. Necesito ser 100% yo misma, necesito decir “esto es lo que soy, así soy yo”. Y tienes razón, a ver, la infraestructura de una gran discográfica la pierdes, posiblemente pierdes también posiciones altas en los charts… pero todo eso tengo que aceptarlo y plantear mi carrera sabiéndolo. En cuanto dejé Virgin, a principios de 2020, supe que iba a perder todos los privilegios que tenía con una major, pero oye, también iba a poder adquirir unos privilegios creativos que hasta ese momento no había tenido.
“No hay nada más importante que el amor”, cantas en ‘There Isn’t Much’. ¿Es esa canción la pieza central del álbum?
Puede ser, sí. Es que usamos tanto la palabra “amor” que se ha convertido en un cliché. Para mí, cuando digo “amor” hablo de esa fuerza, esa energía que te lleva a hacer cosas extraordinarias. Es algo muy poderoso.
Hay autotune en ‘Family’, pero no es una constante en el disco. ¿Por qué?
Durante el confinamiento pasé por una fase en la que quería manipular mi voz, quería experimentar con cosas nuevas, quería pensar en mi voz como un instrumento más que modificar en el ordenador. Sé que hay gente que se ha quejado de él, que dice que le quita peso a la canción, pero yo no lo veo así, yo veo que añade una textura que nunca había visto en una canción mía. Además, tenía claro que quería publicarla para recalcar el hecho de que es una época nueva para mí, y que cualquier regla o cualquier categoría que yo haya hecho para mi música anteriormente, ahora quiero romperla. Quería que eso fuese una declaración de intenciones de cómo yo estaba en un momento nuevo, pero no que todo el disco fuese así.
Cuando dejé Virgin, supe que iba a perder todos los privilegios que tenía con una major, pero también que iba a poder adquirir otros creativos que no había tenido
Tras ‘September 8th’ tenemos una sorpresa con ‘Look in Your Eyes’, una canción post-disco que nos puede recordar a Melba Moore y Cheryl Lynn. ¿Cómo fue el proceso con esa canción?
Muy divertido, me encantó trabajar con el productor de esa canción, Booker T. Hicimos casi una fiesta en el estudio, con comida, ron… (ríe). Y creo que pudimos capturar las sensaciones de esa fiesta en el estudio y ponerla en la canción. Para mí fue también cruzar un límite, o quitarme de las restricciones que yo me había impuesto… es algo que he querido hacer en todo el disco. Pensar “éste puede ser mi último disco, ¿por qué no probar esto? ¿Por qué no hacer lo que quiera? ¿Por qué reprimirme? ¿Por qué?”. Si no tenía nada que perder, quería probarlo todo.
¿Por qué pensabas que podía ser tu último disco?
Porque es mi primer disco independiente, además lo estaba haciendo auto-producido, estábamos en pleno confinamiento, no sabía si podría volver a hacer conciertos, si había luz al final del túnel… no sé, quise invertir ahí todo el dinero, porque decía “¿y si no puedo hacer otro?”. Era todo o nada para mí.
En la redacción nos han gustado mucho las armonías de ‘Wait for Me’, ¿qué nos puedes decir de esta canción?
Es una canción muy especial, fue la primera que mezclamos para el disco, así que se puede decir que fue la que puso en marcha todo el proyecto. La escribí con Chris, RACHET y Jake, que me enseñaron el beat, tenían una guitarra muy bonita, y me gustó mucho. Diría que ‘Wait for Me’ va sobre cómo la conexión entre dos personas no tiene por qué acabarse con un límite físico: ya sea porque alguien va a la guerra, o incluso a la muerte. La lealtad y la confianza de que esa persona te va a estar esperando sigue estando. Es un tema muy emotivo pero me gusta que también te de ganas de bailar… de hecho, me gustaría grabar una versión en español de esa canción, porque tiene ese toque español, ¿sabes? Nunca he hecho algo así, pero me gustaría, ojalá podamos sacarlo, y a la gente le guste.
‘Look what You’ve Done’ y la segunda parte de ‘Yes You Can’ tienen un ritmo breakbeat que recuerda a tu primera época. ¿Por qué dirías que ese estilo funciona tanto en Reino Unido?
El Reino Unido es un lugar un tanto único en cuanto a la mezcla de personas, sobre todo Londres o Bristol. Hay una escena rave muy interesante, me encanta el jungle, me encanta el drum&bass… y no sé, quizás puede ser porque encapsula los sonidos de todas estas personas y culturas distintas. También es un sonido que captura mucho la energía de Londres, es como muy ambicioso, muy “vamos, vamos, vamos”.
Pensamos que ‘My Pleasure’ es algo que Brandi o Aaliyah podrían haber hecho. ¿Te gusta especialmente el r&b de los 90?
¡Muchas gracias por eso! Me encanta, claro, yo crecí escuchando a TLC, Destiny’s Child, Brandi, Aaliyah… cuando tenía 16-17 me flipaba, y me ha gustado explorarlo.
¿Qué tal llevas la gira de presentación del álbum?
De momento está yendo genial la gira, la verdad. Estoy muy contenta, y sobre todo muy agradecida a todos los fans que siguen queriendo venir a hacer este viaje conmigo, en esta nueva etapa. Me siento mucho más libre así.
¿Viste Eurovisión? ¿Te gustaría presentarte?
Sí, sí que lo vi (ríe) estaba con mi pareja y lo vimos juntas, nos divertimos mucho. Me gusta ver canciones tan distintas, estilos tan distintos de países tan distintos. Y me gustó que no quedásemos los últimos otra vez. Pero no, no iría, prefiero verlo (ríe)
Me gustaría no tener que usar etiquetas, pero entiendo que también la sociedad sigue necesitando etiquetarlo todo y tener fronteras
Hemos hablado de la libertad creativa que has tenido con este disco, y no sé si también ha aumentado tu sensación de libertad en lo personal, al haber dicho abiertamente que estás saliendo con una mujer (NdR: Emeli lo comunicó este año). Además, puede contribuir también a la representación de niñas que estén creciendo y se vean reflejadas en ti.
He querido compartirlo porque, aunque parte de todo este proceso en los últimos años de romper con etiquetas o limitaciones incluiría esto, luego pienso en esas niñas que dices, y en lo difícil que es crecer sin referentes, sobre todo pensando en una niña negra. Te ponen una etiqueta si eres negra, te ponen una etiqueta si eres mujer, y ahora esto pues es otra categoría más en la que te ponen. Es importante la visibilidad, y no sentir vergüenza ni culpabilidad por amar a una persona o a otra. No es tanto “ésta es quién yo soy”, sino “ésta es mi vida en este momento, estoy enamorada, y sí, estoy enamorada de una mujer, ésta es una parte maravillosa más de mi vida, y no tengo que ocultarlo”. Me gustaría no tener que usar etiquetas, pero entiendo que también la sociedad sigue necesitando etiquetarlo todo y tener fronteras y esa rigidez… yo desde luego estoy contenta con mi vida, y si además puedo ser altavoz o representar a algunas personas y poder ayudarlas, estaré encantada de hacerlo.
Beyoncé había recurrido hace unos días a la vieja técnica de borrar todo cuanto hay en sus redes sociales para advertirnos de que su regreso era inminente. Esta vez, en cambio, no será un disco sorpresa, pues acaba de fecharlo.
Como puede verse en su perfil de Instagram, su nuevo proyecto ‘RENAISSANCE’ saldrá al mercado el 29 de julio. Al menos el «acto 1», de lo que se deduce que al menos hay un «acto 2». En el foro de Popjustice recuerdan que se rumoreaba que Beyoncé volvería con dos discos, del que este sería el primero, incluyendo 16 pistas, como puede verse en algunas plataformas.
También Tidal confirma que ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé llegará el día señalado y en la web de Beyoncé puede reservarse el álbum o encargarse una caja especial por 39 dólares que incluye un CD, un libreto de 28 páginas y una camiseta.
Según informa en exclusiva Variety, el disco alternará géneros como el dance y el country. Citan a un insider que les ha indicado que entre los autores del álbum están Ryan Tedder (el de ‘Halo’ y OneRepublico) y Raphael Saadiq (Mary J Blige, D’Angelo).
Se tratará del primer trabajo de estudio de Beyoncé en 6 años, desde ‘Lemonade‘, si bien en este tiempo ha estado ocupada con varios proyectos, como comisariando la música de ‘El Rey León’, lanzando temas sueltos como ‘Black Parade’ o colaborando con gente tan pintoresca como Ed Sheeran en el hit ‘Perfect’ o J Balvin en una versión en Spanglish de ‘Mi gente’. Este ha de ser su gran «comeback», su gran «renacimiento», tras una serie de proyectos erráticos y la pregunta que se hace todo el mundo es si también será un proyecto audiovisual o tal cosa pasó de moda ya.
Netflix ha lanzado, por fin, el teaser tráiler de ‘Blonde’, el esperado biopic sobre Marilyn Monroe que sigue produciendo titulares a varios meses de estrenarse por la polémica que rodea a algunas escenas de la película, de las que se dice que contendrán partes de violencia sexual explícita. Descubriremos hasta dónde ha decidido llegar Dominik con la figura de Monroe el próximo 23 de septiembre, con el estreno mundial de ‘Blonde’ en Netflix.
Al menos, de momento, el director, Andrew Dominik, ha prometido que la película «ofenderá a todo el mundo» y se ha confirmado que mantendrá la calificación por edades NC-17, un escalón más respecto a la conocida calificación R. La diferencia entre las dos etiquetas es que en la calificación R los menores requieren ser acompañados por un adulto, mientras que en NC-17 se prohíbe el visionado a cualquiera que no sea mayor de 17 años, ya esté acompañado por un adulto o no.
Ana de Armas es la encargada de la titánica tarea de meterse en la piel de una de las figuras más emblemáticas del siglo XX, como es Marilyn Monroe. La película está basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates, y el resto del reparto lo completan Adrien Brody, Julianne Nicholson, Bobby Cannavale y Sara Paxton, entre otros. ‘Blonde’ se proyectará por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará entre el 31 de agosto y el 10 de septiembre.
El dúo de Chicago formado por Julien Ehlrich y Max Kakacek, Whitney, han anunciado su tercer LP, titulado ‘SPARK’, el cual estará disponible a partir del 16 de septiembre. Como suele ocurrir en estas ocasiones, el grupo ha aprovechado para anunciar también un nuevo single y vídeo junto con la fecha del álbum. La canción se llama ‘REAL LOVE’ y el videoclip, tan colorido y cute como es, es un reflejo genial del sonido del tema.
‘SPARK’ será la tercera entrega del grupo de indie folk, si se les puede considerar así, tras ‘Forever Turned Around’, de 2019. Esto, por supuesto, sin contar el álbum de versiones de 2020, ‘Candid’, y el recopilatorio de demos de su primer y exitoso álbum, ‘Light Upon The Lake’.
Este disco forma parte de la larga lista de proyectos afectados por la pandemia y el confinamiento, ya que, según cuentan Julian y Max, la situación les permitió ver cómo maduraban sus ideas y cómo crecía el disco poco a poco, sin la presión del éxito en sus mentes, lo cual les recordó al proceso que vivieron al crear su primer lanzamiento. Max lo resume en una frase: «Nuestra manera favorita de hacer discos, la manera en la que hicimos el primero».
Tracklist:
1. Nothing Remains
2. Back Then
3. Blue
4. Twirl
5. Real Love
6. Memory
7. Self
8. Never Crossed My Mind
9. Terminal
10. Heart Will Beat
11. Lost Control
12. County Lines
El álbum debut de una de las artistas de dance y house más interesantes del momento, TSHA, llegará a nuestros oídos el 7 de octubre bajo el nombre de ‘Capricorn Sun’. En el disco aparecerán Oumou Sangaré, Clementine Douglas y Mafro, pareja de la artista.
Podemos esperar un LP con tonos muy personales, y canciones que reflejan una serie de problemas tanto familiares como emocionales. Por ejemplo, uno de los tracks ya lanzados y que ha sido incluido en el álbum es ‘Sister’, un tema nacido a partir de que TSHA descubriese que tiene una hermanastra mayor que ella.
El single más reciente, ‘Giving Up’, también fue concebido, junto a su compañero Mafro, en un momento de dificultad emocional tan extremo como la pandemia, tal y como cuenta la artista londinense en su cuenta de Instagram.
Además del estrés derivado de la situación sanitaria, la artista y su pareja escribieron ‘Giving Up’ durante un periodo de tensión entre ellos en el que seguro que, al menos, se les pasó por la cabeza darse por vencidos, siguiendo el título del tema. TSHA explica lo que significa ‘Giving Up’ para ella: «Siento que esa canción es una manifestación de nuestras frustraciones en ese momento». El tema, a medio camino entre el Drum & Bass y Jamie XX, solo mejora con cada escucha, apreciándose cada vez más los pequeños detalles que TSHA suelta sobre el beat, y convirtiendo ‘Giving Up’ en nuestra canción del día.
Otras canciones que han logrado entrar en el tracklist del disco son ‘Power’ y ‘OnlyL’, y lo que nosotros no podemos entender es cómo ‘Change’ no está entre las elegidas, siendo una de las mejores piezas de TSHA. Ahora que estamos prácticamente en verano, este tema es de escucha obligatoria.
TSHA forma parte del line up del Paraíso Festival, el evento de electrónica que se celebra en la Universidad Complutense de Madrid los días 24 y 25 de junio. A este festival también asistirán otros artistas del género como Sofia Kourtesis, Moodymann o Shygirl. TSHA actuará el sábado 25 de junio.
Tracklist:
1. Galdem (Intro)
2. The Light
3. OnlyL feat. NIMMO
4. Water feat. Oumou Sangaré
5. Dancing In The Shadows feat. Clementine Douglas
6. Giving Up feat. Mafro
7. Anxious Mind feat. Clementine Douglas
8. Time
9. Power
10. Running
11. Sister
12. Nala (Outro)
Mientras el mundo se calzaba los mallots y los brilli-brillis en homenaje a la música disco, Andy Butler se enfrascaba en el disco menos Hercules & Love Affair de su carrera. Hubiera sido el momento de reivindicarse, bien en su registro más clásico, o bien modernizándolo. Sin embargo, ha decidido caminar en una dirección tan opuesta que hasta ha dudado si firmar este álbum como Hercules & Love Affair. Es tan personal en su exploración de temas como la familia, la infancia, la religión y la muerte que firmarlo como Andrew Butler habría sido una opción. Fue ANOHNI quien le animó a mantener su conocido alias. Y no porque sepa por experiencia propia que un cambio de nombre puede significar tu entierro en sentido figurado. Simplemente le espetó: «¿pero por qué no va a ser un disco de Hercules & Love Affair?».
Hercules & Love Affair han sido conocidos por su vinculación a la cultura LGTB+: han dado una visibilidad enorme a artistas trans cuando mucha gente pensaba no conocer ninguno, y también a causas como el VIH, cuando la gente desconocía lo que significa ser indetectable. ‘In Amber’ es también un disco LGTB+, sólo que en lugar de hablar de escapismo, se recrea en el lado más oscuro tras ese relato. Pueblan las letras sentimientos como la culpa (‘Repent’) o el rechazo familiar (‘Gates of Separation’, ‘Kill His Family’) e imágenes como el día del juicio final (‘The Eyes of the Father’). Las canciones se llaman cosas como “Oración Cristiana” y “¿Quién nos salvará ahora?”.
Ahora los referentes de Andy Butler son otros. Habla de su admiración por Brian Eno desde siempre, y dice haberse inspirado «no solo en Throbbing Gristle o Cabaret Voltaire» sino en bandas de punk y metal lideradas por mujeres como Sacrilege, Fear of God y también Killing Joke». Entre sus influencias está Dead Can Dance, algo muy palpable en este álbum de arreglos orquestales, exóticos y siniestros.
En el desarrollo de ‘In Amber’ ha tenido mucho que ver ANOHNI, que presta su voz al sentir de Butler en la mitad de los temas de este disco, y a su vez ha animado al mismo Andy a cantar. Conocida la deriva esquiva del proyecto de Hegarty, tiene todo el sentido que si ambos se reunieran no fuera precisamente para una recreación de su histórico llenapistas ‘Blind’, aún la mejor canción de 2008, por mucho que nos pese. El resultado es que, por un lado, temas como ‘Contempt for You’ o ‘Christian Prayer’ se crecen gracias a la afectada voz de ANOHNI, que les da un tono desesperado, suplicante. Y por otro, conocemos ahora a Andy Butler en un registro que le vincula a The National (‘Grace‘), Brett Anderson (‘Repent’) o David Bowie (‘Gates of Separation’).
La islandesa Elin Ey aporta un plus de variedad en ‘Dissociation’, una delicadeza con cuerdas que habría podido entonar la mejor Lou Rhodes. Como también aporta dinamismo la distribución de hits potenciales que de hecho casi, casi se pueden bailar a lo largo del álbum: ‘One’ aparece en segundo lugar y ‘Poisonous Storytelling’ en el penúltimo, resultando excitante en su valiente producción de percusiones y efectos. En ella, ANOHNI nos advierte del cuidado que hemos de tener con las nuevas narrativas en un momento político tan delicado. Y convence.
Las rocas en esta travesía serían canciones como ‘You’ve Won This War’, ‘Who Will Save Us Now?’ o ‘The Eyes of the Father’, el tipo de piezas que aportan más al concepto del álbum que a la historia de la música popular. No todo son temazos en un disco en general hermoso y con su detalle y significado, pero al menos ahora sabemos qué quería decir Andy Butler cuando le pidió a Madonna que hiciera música acorde a su edad. Ha llegado a su propio ‘Ray of Light’ exactamente a la misma edad que ella, los 39. No las tenía todas conmigo de que fuera a ser consecuente con su reclamo. Bienvenida, madurez. Adiós para siempre, hedonismo. A ver cuán fuerte le abraza el público fuera de las pistas.
Como es tradicional, o como lo era antes de la pandemia, mientras se celebra el Sónar, la Sala Razzmatazz desplegará una espectacular programación sobre todo de electrónica desde esta noche de jueves 16 de junio hasta el próximo sábado. Se incluirán grandes valores del techno, la música urbana y latina.
La fiesta comenzará esta noche cuando la agencia berlinesa Triangle tome la Sala 1 con una selección de lujo de su rooster, que incluirá a Rødhåd, Ellen Allien y Nene H B2B Christoph Faust. En la Sala 2, Objekt será el encargado de la selección de artistas, con la presencia de Juliana Huxtable, rRoxymore, Tutu y el propio Objekt.
Mañana viernes 17 de junio Ivorian Doll, la sensación UK drill del momento, realizará un live para encabezar un cartel en el que también estarán Drizzyclare, Drea y Toccororo. Mientras, la sala 2 se dedicará a la música latina, con reggaetón, dembow, cumbia, guaracha, bachata y demás, de mano de Fake Guido, Color, Yibril y el directo de la artista dominicana Lennis Rodríguez.
El hyperpop y el nightcore estarán presentes en la noche del viernes en la Sala 4, donde habrá 4 directos y 2 sesiones de Angel3000, Conelli, Gewrl, Klaus, Mixie y Turian Boy.
En cuanto al sábado 18 de junio, será la noche de Ben Sims y su sello discográfico, en la sala grande del club. El propio Sims estará haciendo un B2B con la española con base en Berlín Alienata. También se podrá ver el directo de Kink y los dj set de Steffi y Anita Kunst. En otras salas se podrá ver a Paula Temple, Anetha o Matrixxman.
Durante los meses de julio y agosto se celebrará un ciclo de conciertos gratuito en la Costa Brava. En concreto será en el emblemático resort Pola Giverola, de 4 estrellas. Para clientes del hotel y para quien quiera asistir, Pola Giverola será escenario de un total de 8 conciertos íntimos y exclusivos. Y gratis.
En nota de prensa defienden que «por su inmejorable ubicación, enclavado entre dos impresionantes calas de la Costa Brava, cada concierto supondrá una experiencia única gracias a la música, la brisa del mar y el ambiente».
El cartel incluye a Gabriela Richardson, quien ha trabajado con Alizzz en ‘Crime’ y con Yall en el multimillonario ‘Hundred Miles’, y quien acaba de pasar por Primavera Sound; también a Miqui Puig con su banda ACP, justo después de publicar un álbum que ya es inminente, incluyendo colaboraciones con Iranzu Valencia y Queralt Lahoz; y a The Free Fall Band.
El cartel se completa con Twin, Maria Jaume, Clara Gispert, Intana y Vic Mirallas. Tanto cliente alojado como externo podrá disfrutar de este ciclo de conciertos gratuito y al aire libre. Los días de concierto el parking de la cala, habitualmente de pago, será gratuito para los asistentes a los conciertos (hasta completar aforo). Así queda el calendario:
Jueves 07/07 Twin
Sábado 16/07 The Free Fall Band
Jueves 21/07 Maria Jaume
Sábado 30/07 Miqui Puig & ACP
Jueves 04/08 Gabriela Richardson
Sábado 13/08 Clara Gispert
Jueves 18/08 Intana
Sábado 27/08 Vic Mirallas
George Miller, alias Joji, ha recorrido un largo camino desde sus días en YouTube como Filthy Frank y Pink Guy. Tanto, que a veces parece imposible que sea la misma persona. Su primer álbum fue ‘BALLADS 1’, en 2018, seguido de ‘Nectar’ en 2020, su álbum más reciente. Puede que Joji esté preparando una tercera entrega en su discografía, aunque todavía es pronto para decir. Lo que sí es seguro es que Joji ha lanzado una de las mejores canciones de la semana y nuestra Canción del Día, ‘Glimpse of Us’, que además está arrasando entre el público.
‘Glimpse of Us’ es una balada de piano clásica con los toques de R&B que Joji acostumbra a implementar en su música. Toda la canción es melodía y letra, y no le hace falta nada más. Hacer canciones de este estilo, solo piano y voz, y esperar triunfar, es arriesgado en los tiempos que corren. Si una balada así no emociona, el público la va a encontrar aburrida. Es lo más fácil de pensar tras escuchar una canción lenta a piano, seamos realistas.
Provocar escalofríos y emocionar no es sencillo, pero cuando una canción lo consigue es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar al escuchar música. Conexión total. No hay una fórmula definida para que esto ocurra, pero sería una mezcla de melodía, letra y algo más, que no sabría describir. Ese «algo más», lo tiene ‘Glimpse of Us’.
La letra desempeña bien su papel y busca los escalofríos, con unos versos en los que el protagonista no puede evitar pensar en su relación pasada, aun cuando cree que su pareja actual es «perfecta» («She’d turn the rain to a rainbow / When I was living in the blue / Why then, if she’s so perfect / Do I still wish that it was you?»), lo cual le lleva a ver imágenes de su antigua relación al mirar a los ojos de la chica con la que está ahora («Cause sometimes I look in her eyes / And that’s where I find a glimpse of us»).
Y para confirmar que esta canción tiene algo especial, solo hay que ver lo que ha conseguido tan solo a unos días de su lanzamiento. Recordemos, es una balada de piano. Sin más. ‘Glimpse of Us’ ha conseguido posicionarse, por primera vez en la carrera de Joji, en el Número 1 del Top 50 de Estados Unidos y en el Número 1 del Top 50 Global en Spotify. Habrá que esperar para ver en qué puesto debuta en Billboard, pero de momento pinta bastante bien. Joji ha acompañado el lanzamiento de la canción con un videoclip igual de devastador que la música, pero no tan directo.
No sé si a C. Tangana le pilló el toro y decidió cortar canciones in situ. Lo pareció, pero también salvó los muebles enseguida. El concierto-película está tan logrado que ni siquiera vale la pena mirar al escenario. Es mejor mirar la pantalla. La cinematografia es espectacular. Encima del escenario sucede básicamente una obra de teatro ambientada en una taberna española. La Húngara, Niño de Elche, Antonio Carmona… todos ellos se sientan en la mesa de El Madrileño, todos ellos viven su momento de gloria. Ante el fervor del público, a Pucho se le dibuja una sonrisa en la cara que le debe doler y todo. Se bebe una copa, baila encima de la mesa, dialoga con el barista… El Madrileño es maravillosamente feliz, y esa energía se contagia.
