El renovado éxito de ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’ debido al golpe maestro de ‘Stranger Things’, pero también a que es la mejor canción de Kate Bush y, como tal, ha sido objeto de unas cuantas versiones. Algunas mejores que otras.
Rita Ora la acaba de cantar en Brasil, y su versión está dando la vuelta al mundo… aunque no por las razones que ella desearía. La ha cantado a palo seco con el único propósito de presumir de cuerdas vocales, pero solo ha conseguido destrozar la canción original. Nadie en el entorno de Rita le ha dicho que ‘Running Up that Hill’ no es ESE tipo de canción.
La versión de Rita de ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’ da ganas de eso mismo, de correr hacia la montaña y no mirar atrás, y la gente en internet ya se imagina a Kate Bush preparando una demanda por los daños causados. «Una completa masacre a la original», escribe el editor Bradley Stern. «Cada nota es más impredecible que la anterior». Rita, nos enamoraste con ‘Anywhere’, pero esto es un no.
Obsessed with this. Absolutely deranged.
A complete massacre of the original. Each note more wild and unpredictable than the next. Ending with a cocky kiss, like she just fucking killed it.
‘Running Up that Hill’ es una canción muy versionada. Por suerte, los artistas no la suelen abordar como si estuvieran en un casting de Operación Triunfo. La ristra de covers que se conocen es bastante digna, sin que ninguna supere a la original.
A la cantante alemana Kim Petras, el fenómeno de ‘Running Up that Hill’ le pillaba con una versión grabada previamente, que las circunstancias le obligaban a publicar después, pareciendo una versión oportunista que realmente no era tal, pues Petras asegura que ‘Running Up that Hill’ es básicamente su canción favorita. Su cover es fiel al original, solo que más electro-pop, en su línea.
La cantante británica RAYE, autora de temazos de pop como ‘Natalie Don’t‘, se ha pasado recientemente por la radio británica para presentar su nuevo single, ‘Black Mascara’. Ahí, además, ha cantado una bonita versión orquestal de ‘Running Up that Hill’.
Entre las versiones en directo de ‘Running Up that Hill’ que se han escuchado estos días hay que mencionar la de Coldplay. El 20 de agosto, el grupo de Chris Martin se marcó una versión acústica de la canción junto a Steve Coogan en su papel del cómico Alan Partridge.
El cover más extraño lo ha firmado Sickick. El autor del remix de ‘Frozen’ de Madonna que se viralizaba en TikTok ha mezclado el éxito de Kate Bush con ‘Foolish’ de Ashanti, uno de los hits de R&B más emblemáticos de los años 2000. Es más un remix/mash-up que una cover, pero ahí queda.
Mucho antes del fenómeno otros artistas ya reivindicaban ‘Running Up that Hill’. Meg Myers lograba colocar su tremebunda versión (que casi parece de Florence + the Machine) en el número 1 de las listas alternativas del Billboard. Es, a día de hoy, uno de sus mayores éxitos, junto a temas originales como ‘Desire’.
En una clave más synth-pop todavía, la cantante y productora Georgia, muy querida por estos lares por su disco ‘Seeking Thrills‘, también apostaba por sumar una versión de ‘Running Up that Hill’ a su repertorio de singles. Su actualización era tan fiel -pese a la diferencia vocal- que el videoclip también funcionaba como recreación del original.
Más insospechado era el cover de Car Seat Headrest. Desprovisto de toda la épica y brillo de la original, el autor de ‘Teens of Denial’ transformaba «Running» en una miniatura de rock lo-fi que, por inusual y genuina, vale la pena escuchar.
Más atrás en el tiempo, en 2007, es posible que muchos descubrieran ‘Running Up that Hill’ a través de la versión que Chromatics incluían en su icónico álbum de aquel año, ‘Night Drive’. Prueba de que, contra todo pronóstico, una composición tan original y compleja como «Running» es capaz de adaptarse a cualquier forma y sonido, esta versión tan nocturna y gélida es la favorita de muchos.
Por supuesto, es imposible olvidar las primeras versiones que se hicieron del éxito de Kate Bush. Placebo publicaron una en 2003 y no han dejado de tocarla en sus conciertos. Ese mismo año, la versión del grupo de rock gótico Within Temptation fue un pequeño éxito en Europa. Y la que se considera la primera versión de todas, la de Elastic Band, la consiguió llevar a las discotecas de house, allá por mediados de los años 90. Seguro que la veda que abrieron está lejos de cerrarse.
Desde que editó su disco ‘Big Time’ antes del verano, Angel Olsen no ha parado de promocionarlo, a la par que pasaba el verano inmersa en una gira junto a Julien Baker y Sharon Van Etten (‘Wild Hearts’). En medio de los preparativos para su inminente gira por Europa (que la traerá a Madrid y Barcelona los días 29 y 30 de septiembre), Angel atiende a JNSP por Zoom mientras conduce su coche (¡sólo audio!): “estoy haciendo recados de aquí para allá antes de embarcarme en la siguiente gira”. Hablamos con ella sobre el que es nuestro «Disco de la Semana».
Una gira que te trae a Europa, y a España. ¿Tienes ganas?
Tengo muchas ganas. No he tenido tantas ganas de volver a salir de gira en toda mi vida. Acabo de terminar la gira de mis sueños con todas mis amigas y ha sido como estar en un campamento de verano.
La gira Wild Hearts, con Sharon Van Etten y Julien Baker…
Exacto. Fue mucho trabajo también, y llevábamos un equipo de 40 personas, así que ahora va a ser distinto. Y Europa también es compleja, porque te enfrentas a muchos estilos de vida y tradiciones diferentes cada día, mercados diferentes. Así que a veces no sabes qué te vas a encontrar, y además es post-pandemia, no estás segura de cómo va a ser. No sé si habrá mucha gente o no, pero con quien acuda vamos a pasarlo muy bien.
Bueno, en Europa en general la afluencia de público ya está muy normalizada. ¿Podemos hablar un poco del disco?
Supongo… (risas)
Igual estás un poco harta de hablar de él tras más de dos meses de promoción…
Bueno, lo estoy, pero me insisten mucho en que “está funcionando, está funcionando”. Y yo en plan, ¿qué está funcionando? No sé, tengo 35 años, llevo diez haciendo esto… será que estoy funcionando yo, ¿no? ¿Es eso lo que queréis decir, que estoy funcionando?
Entiendo que lo dices un poco en broma, porque imagino que con este disco estás notando una reacción diferente.
Sí, es verdad, es diferente. Es muy diferente y estoy en un lugar diferente en estos momentos en mi vida. Es sólo que no me gusta mucho hablar y analizar el disco de arriba abajo una y otra vez, ¿sabes? Me encanta el disco, me encanta, estoy super orgullosa de él. Y estoy aquí para hablar de él, obviamente no es culpa tuya. Sólo que me pregunto cuántos meses más tengo que seguir hablando de algo que la gente puede simplemente escuchar, y descubrir en él lo que les sugiera a ellos. En fin, que a veces desearía vivir en un mundo en el que pudiera ser así, pero por desgracia todo el mundo quiere más y más contenido. Y bueno, a una parte de mí le gustaría simplemente sacar el dedo y decir “aquí está vuestro contenido” (risas).
Lo entiendo. ¿Te puedo preguntar sobre tu nuevo co-productor en ‘Big Time’, Jonathan Wilson?
Pregunta lo que quieras sobre él, me encanta…
¿Cómo fue trabajar con él? Teniendo en cuenta que tú también produces, ¿qué aportó él?
Pienso que Jonathan de alguna forma sabía intuitivamente cuál era mi objetivo. Me encanta el country de los 70, el rock de los 70. Y él era la persona que entendió que con este disco yo quería hacer un disco clásico, no reinventar la rueda. Quería algo que sonase clásico, que fuese bueno, y no tener que retorcerlo sobre sí mismo. Tampoco teníamos que recrear fielmente el sonido de los 70, simplemente que fuera un buen disco y que no estuviese repleto de elementos y arreglos. ‘All Mirrors’ funcionó genial con ese enfoque, porque cuando las escribí eran unas canciones muy elementales, y necesitaban algo que las aupase, necesitaban cuerdas, elementos extraños. Pero no me sentí así con estas nuevas canciones, en este caso necesitaban espacio. Y Jonathan entendió eso. No hubo desacuerdos o rollos de ego con él. Yo era muy específica con los efectos de reverb y eco que quería, y le dejaba a él otras cosas. Es muy intuitivo con cómo tienen que sonar las cosas.
Precisamente quería preguntarte sobre las reverbs y ecos, porque te vi en un episodio de la serie de Mark Ronson en Apple TV (Watch the Sound) hablando de ese efecto tan fascinante, y es algo que claramente cuidas en tus discos.
Sí, me encanta. Y ¿sabes exactamente lo que me gusta? Una “plate reverb” de unos 4.5 segundos de longitud pero bajita en la mezcla, de forma que la voz sin efecto está muy presente y el efecto se siente por detrás sutil, pero largo. Y me gusta un pre-delay como de 11 o 12 segundos. Y prefiero que la “plate reverb” sea real. No me gustan las reverbs digitales, ni las cortas, ni las super oscuras. Y si no, lo que busco es una “slap reverb” que suene como un Echoplex, y que haga el eco a ritmo con la siguiente frase. He pasado toda la vida descubriendo qué me gusta y qué no, y es muy frustrante cuando llegas a un sitio y pides reverb en la voz a un ingeniero de monitores, porque es como pedir mil cosas y ninguna, y odio ser tan específica, pero es que la experiencia cambia completamente. Y depende de si es un sitio cerrado o no, al aire libre necesito más volumen en la reverb.
«Por desgracia todo el mundo quiere más y más contenido»
En el disco las reverbs suenan con ese patrón clásico que describes, muy 60s y 70s.
Sí, las voces en este disco tienen menos efecto del que suelo usar, pero no me da miedo cómo suena mi voz más desnuda. Simplemente me gusta cuando hay ese extra que se queda flotando tras cantar, como cuando escuchar a Fleetwood Mac y se oye esa reverb larga de fondo por detrás de una voz que está muy presente, eso es lo que busco. Como si la reverb cumpliese la función de conectar desde el fondo cada parte cantada con la siguiente, sin estar muy presente emborronando la voz. Eso es lo que me gusta, y es frustrante también porque a veces hablas con algunos productores y al pedirles eso me responden con la versión técnica de lo que les estoy diciendo, a veces sin entender realmente lo que les estoy pidiendo, simplemente haciéndome “mansplaining”. Y yo tengo que decirles que no duden ni un momento que entiendo lo que estoy oyendo, que no lo quiero así, y que no asuman que no soy súper particular en lo que quiero, porque lo soy.
Imagino que con Jonathan Wilson no fue así.
Claro, por eso con Jonathan era tan fácil hablar, no había egos de por medio. No es que sea malo que a veces haya algo, a veces es bueno que haya encontronazos creativos. Por ejemplo con John Congleton (productor de ‘All Mirrors’) teníamos nuestros conflictos. A veces chocábamos con las tomas vocales, porque le gusta hacer muchas y luego compilar los mejores fragmentos, pero sin oírlas después de grabar, cosa que yo sí quería hacer. Y ahí teníamos nuestros tira y afloja. Le gusta ponerse por su cuenta, y crear como la toma vocal perfecta, la más especial, cosa que me encanta, pero no para este disco. Aquí no quería mi voz manipulada, quiero que suene viva. En fin, que distintos discos suponen distintas relaciones con los co-productores.
Pues en ‘Big Time’ se nota esto que nos cuentas, hay momentos en los que hay hasta pequeñas imperfecciones que habéis dejado en vez de limarlas editando, lo cual me encanta. Suena super real y no editado, con vida, como dices.
Sí, porque eso es lo que la gente va a oír cuando me oiga cantarlas en directo. No es algo que haga siempre, pero cuando canto, a ratos me muevo alrededor de la nota, en vez de cantarla completamente en el tono. Es algo que me gusta porque hay música en la que ocurre, y cantantes que lo hacen. Creo que mucha música española tiene un poco ese punto, y por supuesto el jazz. A veces están cantando un poco por debajo del tono, es algo que Billie Holiday hacía mucho, por ejemplo, no está realmente en la nota. Esa es mi forma favorita de cantar. Sé que a mucha gente le gustan las cantantes que dan la nota perfectamente, y veo y entiendo ese talento en gente como Kacey Musgraves. Es alucinante, pero a veces se me queda como demasiado perfecto y simple. Hay sitio para ese tipo de música también, pero lo que a mí me gusta de verdad, lo que me toca realmente el corazón, son cosas como Billie Holiday, que suenan fuera de nota, “bluesy”, y jodidamente sucias y raras.
«Lo que me toca realmente el corazón son cosas como Billie Holiday, que suenan fuera de nota, “bluesy”, y jodidamente sucias y raras»
Las letras de este disco son más personales, frente a otros discos en los que interpretabas un poco más a un personaje, según has dicho. ¿Afecta eso a cómo te sientes en el escenario al cantarlas?
Sí, totalmente. Siento que estoy siendo sincera. Que estoy siendo yo delante de la gente. Y ya sabes que me gusta disfrazarme, ponerme pelucas, todo eso. Es muy divertido ser un personaje sobre el escenario, por eso me encanta Bowie. Pero estoy muy, muy orgullosa de estas canciones de otra manera. Ojalá mis padres hubiesen podido oírlas, ojalá mi madre las hubiese escuchado. Porque me siento como que estoy lista. Me siento cómoda y relajada con el lugar en el que estoy.
A ratos me pregunto cómo se tomará la gente en Europa que haya hecho un álbum country, no sé cómo caerá, pero es que lo siento muy real cuando lo toco. Y me estoy permitiendo cosas como por ejemplo tocar un par de solos de guitarra, por primera vez. Por ejemplo en ‘Ghost On’, donde hago uno bastante intenso, así que me encanta tocar esa. La gente se queda un poco sorprendida, en plan “espera, ¿quién está tocando eso?” pero llevo tiempo trabajando en ello, me ha costado llegar a estar cómoda haciendo eso sobre un escenario. Puedo cantar lo que me echen, pero he puesto tanta energía en la voz que a veces me parecía que estaba dejando un poco de lado la guitarra. Pero luego, durante la pandemia, sí que practiqué. Me pillé un pedal de loops y practiqué y practiqué mis solos. Y escuché cantidad de solistas diferentes. Me empezó a gustar mucho Durruti Column y disfruté grabando solos con muchas capas y partes extrañas con reverb en mis maquetas. Y me hice muy fan también de Dick, de cómo toca. Le incluí en alguna de mis playlists.
¿Sueles hacer playlists?
Bueno, ya sabes… te piden que hagas todas esas playlists, con cosas que han inspirado tu disco, porque ya sabes, todo el mundo quiere una puta playlist hoy en día. En plan, “habla del disco, haz una playlist del disco, quieren que hables de cómo el ser ahora gay ha cambiado tu disco, queremos que hagas un FaceTime en la BBC”… como te decía antes, son tantas cosas que cuando llegas a casa no quieres más que hacer algo totalmente diferente. Pero sí que escucho mucho Arthur Russell, y a JJ Cale…
¿Son tus solos parecidos a los de Cale?
A ver, ojalá. Me encanta lo que hace. Y no soy un gran fan de Eric Clapton en absoluto, pero lo que hizo en ‘Anywhere the Wind Blows’ con Cale, me encanta. Dick Stusso es como alguien de ahora que se acerca a ese sonido, en canciones como ‘Real Life’. Me obsesioné con su disco ‘Nashville Dreams’, y le pedí que viniese a Asheville a tocar, pensaba que había que traerle, pero tiene bastantes problemas, es esquizofrénico. Vive en la zona de San Francisco, pero poca gente le conoce.
Te veo bastante inmersa en el clasicismo del sonido Americana.
No sé, de repente me importan estas cosas, nadie toca solos de guitarra, ya nadie hace armonías vocales, y es justo lo que yo quiero ahora. No sé, en mi banda hay una música, Nona, que toca y canta, y la otra noche tocamos y la gente estaba diciendo “las armonías que hacen son alucinantes”, y me puse muy contenta. Porque tiene un aspecto también de compartir, siento que tenemos que compartir ese tipo de música más. Estamos disfrutando mucho tocando juntas, y espero que continúe así en Europa, porque en fin, ya tenemos treinta y tantos. Y mucha gente en mi banda están teniendo hijos. Como mi tour manager, esta va a ser mi primera gira sin él como en diez años porque va a ser padre. Es diferente y bonito a la vez, como por ejemplo el hecho de que no tenemos que irnos de pedo cada noche. Queremos cuidar nuestros cuerpos porque queremos cuidar de nuestro espíritu, porque nos gusta vivir.
Leí que planeabas que la banda saliera toda de denim pero que viste que Harry Styles lo estaba haciendo en su gira y que no estabas tan segura. ¿Cómo vais al final?
Pues hay denim y hay colores. Las dos cosas. Tenía muy claro que quería colores muy llamativos. Una amiga me dijo que ya lo había hecho The Polyphonic Spree, pero es diferente. Nosotros lo hacemos en plan artesano, tiñendo ropa en vez de comprarla, y esas cosas. Lo pasamos muy bien tocando así, pero no me voy a poner flores en la cabeza como The Polyphonic Spree. Cada uno del grupo se ha buscado la vida en mercadillos y tiendas de segunda mano. Pero tiene que ser de un solo color. Y alegre, necesitamos colores alegres en este puto mundo. La gente necesita despertar.
Gracias por tu tiempo, Angel. ¿Sigues en el coche?
No, hace un buen rato que he llegado a casa.
Me ha encantado especialmente escucharte hablar tanto en plan “nerd” sobre reverbs, un tema que me encanta.
No me extraña. ¿Sabes? Lo próximo en lo que me voy a meter es en los micrófonos. Tampoco quiero que se me vaya la olla con los rollos técnicos, pero me encantaría montar mi propio estudio con una grabadora de cinta, diferentes micrófonos, un armonizador Eventide y mi propia “plate reverb”, todo en mi sótano. Pero no sé cuándo ocurrirá. Y a la vez a una parte de mí siempre le gustará ir a un nuevo estudio y explorar qué puede ocurrir colaborando con gente nueva a la que no conoces, a veces eso es lo que necesitas.
Britney Spears ha protagonizado estos días una extraña polémica que ha involucrado a Christina Aguilera y a sus bailarinas. Con un post de Instagram, Britney parecía estar haciendo «fat shaming» a Christina, sus fans han acudido en masa a defenderla, y Britney ha terminado publicando una aclaración en la que desmiente que estuviera intentando humillar a Aguilera por su peso.
Todo empezaba con una imagen subida a Instagram que muestra el siguiente mensaje: «He descubierto que la única manera de parecer delgada es salir con gente gorda». A continuación, en el cuerpo de texto, Britney expresaba que «si hubiera tenido las bailarinas de Christina Aguilera, yo habría parecido más pequeña». Este mensaje, junto con el de la imagen, daba a entender que Britney estaba haciendo «fat shaming» a Christina.
El post de Britney ha tenido una repercusión negativa hacia la cantante de ‘…Baby One More Time’, al entender el público que estaba transmitiendo un mensaje gordófobo, en un momento de especial concienciación social sobre esta y otras cuestiones. Y ha provocado supuestamente que Christina deje de seguir a Britney en Instagram. En la búsqueda de «followers» de Britney, la autora de ‘Back to Basics‘ ya no aparece.
Horas después de la polémica, Britney publicaba un nuevo post en el que desmentía estar avergonzando el cuerpo de Christina, y en el que indicaba que solo estaba transmitiendo sus propias inseguridades. «En absoluto estaba criticando el hermoso cuerpo de Christina, ella es una hermosa mujer de poder, y me inspira. No estoy intentando criticar a nadie. Lo que publiqué es un reflejo de mis propias inseguridades, con las que lidio todo el tiempo por culpa de cómo mis padres y los medios me han tratado. Siento que mi familia sabía de mis inseguridades y las alimentaba al no dejarme escoger a mis propias bailarinas».
Esta no es la primera vez que, desde que Britney fue liberada de su tutela, la cantante ha hablado sobre Christina Aguilera. En noviembre de 2021, Britney llamó la atención a Christina por un vídeo en el que la cantante de ‘Genie in a Bottle’ evitaba opinar sobre la tutela de Spears.
El productor Fred Again.. está construyendo algunos de los rompepistas más importantes de los últimos tiempos. A aciertos pasados ya olvidados como la estupenda ‘Yasminah’ había que sumar el año pasado su hitazo junto a The Blessed Madonna ‘Marea’, y recientemente cortes como ‘Jungle’ o ‘Turn on the lights again..’.
Ahora anuncia un nuevo disco que continúa con su serie ‘Actual Life’. Esta es la tercera parte y recoge sus trabajos entre el 1 de enero y el 9 de septiembre de este año. Se llama, por tanto, ‘Actual Life 3 (January 1 – September 9)’, y saldrá el 28 de octubre.
Su nuevo single ‘Danielle (Smile on My Face)’ es otra elegante producción de house, de ritmo trotón electro, no tan lejano a las producciones más populares de Robyn. Hoy nos sirve como «Canción del Día». Su texto está sacado de una vieja producción de 070 Shake -por cierto a punto de visitar Madrid y Barcelona en concierto-, no de su disco de este año. ‘Nice to Have’ estaba incluida en el álbum ‘Modus Vivendi’, al igual que su mayor hit ‘Guilty Conscience’.
Fred Again.. toma frases tan sonoras de la canción original, como “a veces quiero sentir el dolor” o “habrá una sonrisa en mi cara”, para darles un nuevo sentido en un tema de corte celestial que termina de despegar hacia los cielos después de la obligada pausa para tomar carrerilla.
Björk sigue desgranando el contenido de ‘Fossora’, el álbum que publica el próximo 30 de septiembre y, tras el lanzamiento de ‘Atopos’, uno de los eventos que han marcado el verano 2022, llega el segundo corte del disco, que recibe el título de ‘Ovule’.
Recientemente, Björk ha declarado en una entrevista que los ritmos caribeños han inspirado el sonido de su nuevo disco, y ha confirmado que el beat de ‘Atopos’ está efectivamente vinculado al del reggaetón. Ha recordado que vivió durante una temporada en Puerto Rico, en San Juan para más señas, y ha indicado: «Al final, el reggaetón y el afrobeat son familia y pertenecen a un espectro con el que estoy en constante comunicación gracias a artistas como Arca, por ejemplo».
‘Ovule’ vuelve a presentar una clara influencia de los ritmos caribeños, en concreto del afrobeat, pero Björk propone un estilo más mecanizado e industrial, y lo envuelve de vientos metales que remiten irremediablemente a la etapa de ‘Volta’, mientras los arreglos vocales que suenan de fondo apuntan más hacia la de ‘Medúlla’… hasta que llega el beat, claro.
Otra canción de amor, ‘Ovule’ conecta con la temática de ‘Atopos’ en tanto, en ella, Björk celebra esos «obstáculos que nos enseñan» para que «nos podamos unir de manera más profunda» y «disolver viejos hábitos». En un momento de la canción, Björk recuerda que «cuando era una niña creía que el amor era un edificio», pero que la realidad del divorcio «derribó el ideal».
Menos interesante es el vídeo de ‘Ovule’, donde Björk sigue presumiendo de looks extravagantes -que nada tienen de novedoso a estas alturas- en lo que no deja de ser un set fotográfico. Dirige Nick Knight, director de ‘Pagan Poetry’.
Weyes Blood se ha dado a concocer en los últimos años por ser una de las cantantes más puras en su inspiración en el pop clásico de los años 70. Más incluso que Adele. Eso se mantiene en el single que acaba de dar a conocer y que es la «Canción del Día» para este sábado, ‘It’s Not Me, It’s Everybody’.
Extendiéndose más allá de los 6 minutos, completamente ajena a los parámetros de las playlists de moda, la producción va incorporando más y más elementos frente a su piano, inspirándose también en el jazz y las bandas sonoras de Hollywood. Además, es una canción con mensaje. Exactamente trata sobre la interconexión de todos los seres, pero también sobre el desgaste de la sociedad que nos rodea. De ahí frases de la letra como «viviendo a través de cambios apabullantes, todos nos hemos convertido en extraños, incluso para nosotros mismos». En definitiva, tanto texto como música huyen del algoritmo que todo lo manda hoy.
Mediante la publicación de una carta, Weyes Blood ha anunciado que su nuevo disco ‘And In The Darkness, Hearts Aglow’ saldrá el 18 de noviembre. Este álbum será la segunda parte de una trilogía iniciada por el álbum anterior, ‘Titanic Rising‘. El álbum se compondrá de 10 pistas producidas por ella misma en compañía de Jonathan Rado (Foxygen), excepto ‘A Given Thing’, que la ha trabajado con Rodaidh McDonald.
Según el texto, «mientras ‘Titanic’ fue una observación de la condena por venir, ‘And In The Darkness, Hearts Aglow’ trata sobre estar en su propio centro: una búsqueda de una escotilla de escape para liberarnos de los algoritmos y el caos ideológico». El tercer disco de la trilogía será sobre «la esperanza»».
También se ha anunciado una amplia gira que no tiene paradas en España, pero para la que salen las entradas esta semana.
1. It’s Not Just Me, It’s Everybody
2. Children of the Empire
3. Grapevine
4. God Turn Me Into a Flower
5. Hearts Aglow
6. And in the Darkness
7. Twin Flame
8. In Holy Flux
9. The Worst Is Done
10. A Given Thing
Promusicae presenta hoy en su web los resultados del primer semestre de 2022. Como siempre, hay buenas y malas noticias.
Las buenas noticias es que los españoles han dedicado 191,5 millones de euros al consumo de música grabada, lo cual es un aumento del 12,4% sobre el mismo periodo de 2021 (170,5 millones). Lo malo es que la subida se ralentiza respecto a los años pre-pandemia. Nuestro consumo en música sube pero no al ritmo de otras potencias occidentales, lo cual impide que España vuelva a ser la potencia que fue a finales de los años 90 dentro de la industria musical. En aquellos tiempos rondábamos la 7ª u 8ª posición de los mercados más importantes para la industria; ahora sobrevivimos en el top 15.
En el lado bueno, sube el consumo de vinilos de manera significativa, un 25%, suponiendo ya más de la mitad del total del mercado físico. Es decir, por primera vez en décadas dentro de nuestro país se han consumido más vinilos que CD’s. La mala es que las cifras que aporta el mercado físico son migajas respecto al mercado digital.
De hecho, el mercado digital pasa a aportar el 87% de los ingresos respecto al 85,2% del ejercicio anterior. De suponer 145 millones de euros, el mercado digital ha pasado a ser 166 millones. De todo este dinero, el 81%, es decir, casi todo, viene del streaming de audio. El 17% viene del vídeo en streaming -ya sabéis que Youtube no aporta casi nada a los artistas-, mientras que la aportación de descargas y productos de móvil ya es residual (2%). La traducción de todo esto es que cada vez gastamos más en plataformas de streaming… pero no hay tantas suscripciones de pago como en otros países vecinos.
Por el contrario, las ventas físicas han bajado un 0,6% debido a la caída drástica del CD, que ha dejado de ingresar millones de euros. Nos mantenemos en 25 millones de euros gastados en vinilos, CD’s y cassette, pero estamos muy lejos de los 33 millones de antes de la pandemia.
Antonio Guisasola, presidente de Promusicae, evaluó estas cifras de forma positiva, pero se mostró preocupado por los visos de estancamiento y lo que España no está ganando respecto a otros mercados. «Contemplamos cómo la situación a nivel mundial y, lógicamente, en los principales mercados, ya es mejor que en 2001 y, sin embargo, España no ha alcanzado todavía esa recuperación y la incertidumbre económica general no invita a ser optimistas, por lo que nos va a costar más devolver el mercado español a la posición que por historia, riqueza y diversidad le corresponde».
Continúa: «Afrontamos, además, una fuerte competencia de la música en español que no se produce en España por lo que, aunque celebramos el éxito internacional de una música que también es nuestra, ahora más que nunca se hace necesario contar con incentivos a la producción local que nos permitan situar a nuestros artistas en ese contexto fuertemente internacionalizado y global». Es decir, Guisasola habla de incentivar la producción local, pues nuestro mercado está totalmente tomado por artistas portorriqueños, colombianos y argentinos.
Respecto al mercado físico dice que «es especialmente preocupante su evolución que, en una situación de estancamiento de las ventas, se enfrenta a una escalada de precios de las materias primas y de los costes de distribución que se va a cebar en este nicho de mercado».
Kali Uchis ha revelado que una colaboración con Ariana Grande podría hacerse realidad. Durante un directo en TikTok, la cantante estadounidense-colombiana anunció que ella y Ariana Grande comenzarían a trabajar en un single conjunto una vez que esta terminase de rodar la adaptación cinematográfica del musical ‘Wicked’, que cuenta una historia paralela a lo ocurrido en ‘El Mago de Oz’.
La revelación se dio cuando un fan le preguntó a Uchis cuándo iba a trabajar con Grande, a lo que la cantante de ‘telepatía’ respondió: «Ella no está grabando nada ahora porque está trabajando en sus películas. Dijo que cuando acabase de hacer eso íbamos a trabajar. Estoy emocionada por ello».
Esta noticia llega meses después de que Ariana Grande dijese que no había empezado a trabajar en su séptimo disco por estar ocupada con ‘Wicked’, en la cual interpretará a Glinda, la Bruja buena del Sur. La primera parte de la película será lanzada en 2023, mientras que la segunda se espera que llegue en 2024. Por otro lado, Kali Uchis habló con Variety recientemente y confirmó que estaba trabajando en dos álbumes: uno en español y otro en inglés.
Kali Uchis says she’s planning to collaborate with Ariana Grande in the future:
“She said that when she’s done with [her ‘WICKED’ movie stuff] we are going to work. So I’m excited for that.” pic.twitter.com/e9XxjYoXPj
El himno ‘Bella Ciao’ se popularizó en todo el mundo tras el exitazo de la serie de atracos ‘La Casa De Papel’, hasta el punto de que no es nada raro que la pongan en cualquier celebración, fiesta de pueblo o discoteca. Precisamente esto prueba que no todo el mundo conoce por qué existe esta canción o que propósito cumple. Este lunes, El Hormiguero volvía tras el parón de vacaciones y lo hacía con la visita de los cuatro «coaches» de La Voz: Laura Pausini, Luis Fonsi, Antonio Orozco y Pablo López.
El programa se desarrolló de forma normal y, entre broma y broma, llegó la sección de Trancas y Barrancas, que esta vez consistía en replicar la fórmula del programa que presentaba Alonso Caparrós en Antena 3 a principios de milenio, ‘Furor’. Las hormigas lanzaban una palabra y los invitados tenían que cantar una canción que incluyese tal letra. En un momento dado, Pablo Motos empezó a cantar el ‘Bella Ciao’ y Pausini inmediatamente se negó a cantarla: «No, no, no… Es una canción muy política y yo no quiero cantar canciones políticas». Tras esto, Motos paró de cantar la canción y el programa siguió de forma normal.
‘Bella Ciao’ fue el himno de los partisanos italianos como parte de la resistencia antifascista durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que es un himno antifascista. Desde que Pausini se negó a cantarlo en el programa de Pablo Motos, las redes se han llenado de comentarios sobre lo ocurrido. Algunos lo interpretan positivamente y ven a la italiana negándose a cantar un himno antifascista convertido en himno fiestero, mientras que otros han acusado directamente a Pausini de fascista, al negarse a cantarlo. Ella lo tiene claro y ha respondido: «No canto canciones políticas ni de derecha ni de izquierda. Que el fascismo sea una verguenza absoluta me parece obvio para todos. No quiero que nadie me use para propaganda politica. No se inventen lo que no soy».
No canto canciones politicas ni de derecha y ni de izquierda. Lo que pienso de la vida lo canto desde hace 30 años. Que el fascismo sea una verguenza absoluta me parece obvio para todos. No quiero que nadie me use para propaganda politica. No se inventen lo que no soy.
Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, vuelve después de la pausa veraniega. Precisamente dedicamos este primer episodio de la tercera temporada a repasar algunas de las cosas que nos han marcado este verano. Antes de que cojamos el ritmo la próxima semana con nuevos monográficos e invitados especiales, realizamos un popurrí de aquel acontecimiento, disco, canción, comeback con meme, serie, película, festival, pinchada, libro o mala noticia que marcó los meses de julio y agosto. Os los comentamos en esta hora de programa, al tiempo que os recordamos que podéis apoyar el podcast a través de la tienda de JENESAISPOP, donde varios libros vuelven a estar disponibles tras unas semanas de vacaciones.
‘La Resistencia’ estrenó ayer su sexta temporada con uno de los artistas más hot del momento, Quevedo, y ya es número 1 en tendencias en YouTube España. El canario de 20 años venía de visitar ‘El Hormiguero’ la semana pasada a raíz del bombazo de ‘Quédate’, el tema con Bizarrap que ya acumula casi 450 millones de reproducciones y que ha hecho a Quevedo convertirse en el primer español en coronar la lista global de éxitos de Spotify. Sin embargo, el artista de ‘Cayó La Noche’ ha desvelado en el programa de Broncano que todo podría haber sido diferente.
A mitad de entrevista y como siempre entre bromas, Broncano sacó el móvil para ponerle a Quevedo un audio de Whatsapp de Bizarrap: «Pregúntale a Quevedo qué parte quería eliminar de la canción, que te diga. Llegó al estudio y me dijo » esta parte hay que sacarla», y nada, a ver qué opina la gente». Cuando Quevedo se da cuenta de lo que está hablando el productor argentino, no tiene más opción que reírse, ya que la sección que quería eliminar es precisamente la que ha bautizado la canción más allá de ‘BZRP Music Sessions Vol. 52’: la parte de «Quédate».
«No estuve inteligente ahí», exclama Quevedo entre carcajadas. El joven canario explicó el porqué de esta casi decisión: «A mi me encantaba el estribillo de «y nos fuimos en una…» y me parecía como más arriba, pero el otro era como muy futbolero, como de canción de ‘Waka Waka’. Está guapo, pero en principio no era el tipo de tema que quería hacer». Si al final la famosa sección del tema se quedó, Quevedo se lo atribuye a Bizarrap, el cual le dijo que «es la mejor parte». Terminando la entrevista, Quevedo además sacó el móvil para enseñar cómo sonaba la canción sin la parte de «Quédate».
Pedro Almodóvar ha abandonado la dirección de ‘Manual para mujeres de la limpieza’, la que iba a ser su primera película rodada completamente en inglés. El Diario informa, citando un comunicado de El Deseo, la productora de Almodóvar, que el director «ha decidido no seguir adelante porque considera que no se encuentra preparado para afrontar un proyecto de tal envergadura en otro idioma». ‘La voz humana‘, el corto de Almodóvar protagonizado por Tilda Swinton, estaba rodado en inglés.
‘Manual para mujeres de la limpieza’, que en estos momentos se encuentra en búsqueda de director o directora, será la adaptación cinematográfica del libro de relatos homónimo de Lucia Berlin, y Almodóvar escribió su guion hace años. El cineasta seguirá, por tanto, obviamente vinculado al proyecto, pese a no dirigirlo. Cate Blanchett es la protagonista.
Estos días, Almodóvar sí sigue al frente de otros proyectos: por un lado, la adaptación televisiva de ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios‘ y, por el otro, la película ‘Extraña forma de vida‘, su «western gay» con Ethan Hakwe, Pedro Pascal y Manu Ríos, entre otros.
Hace unos meses, Almodóvar fue objeto del podcast de JENESAISPOP Revelación o timo, donde Sebas y Claudio analizaban la filmografía del director y su influencia en la cultura popular. Os invitamos a recordarlo:
‘Beware of the Dogs’, el debut de Stella Donnelly, fue uno de mis discos favoritos de 2019. En él, Stella construía grandes canciones pop sobre machismo, masculinidad tóxica y sororidad que rebosaban frescura, encanto y mala leche: ‘Old Man’, la tremebunda ‘Boys Will Be Boys’, ‘Die’…
La preparación de este ‘Flood’ le pilló en pandemia, claro está. Momento en que Stella aprovechó para aficionarse a la ornitología. Una afición que requiere de paciencia y calma. Una paciencia y una calma que bañan todo este disco. Stella explica en su web que ‘Flood’ es “una exploración en terrenos desconocidos”. Bien, no tan desconocidos, ya que la sonoridad tampoco ha cambiado tanto de un disco a otro. Stella sigue siendo una cantautora fuertemente enraizada tanto en el indie de los noventa y ochenta como en la recia balada pop. Y, al igual que en ‘Beware of the Dogs’, lo más importante en el álbum es la voz preciosa de Stella, elástica y aniñada, su gran fuerza interpretativa.
‘Flood’ es bastante mejor disco de lo que parece a primeras escuchas. Su problema es que las letras son menos evidentes, bastante más crípticas, aunque sigan tratando de los mismos temas (relaciones abusivas) u otros nuevos (el autocuestionamiento como música que tuvo Donnelly durante la preparación del álbum), lo cual redunda en que no te sientas tan identificada con ellas como en «Dogs».
Pero, sobre todo, lo que lastra la escucha es la acumulación de medios tiempos y baladas, a pesar de un arranque sumamente trotón. ‘Lungs’ es una pequeña maravilla saltarina y grave a la vez, puro indie pop noventero, con un ritmo de batería que invita al baile. La misma dinámica sigue la pizpireta ‘How Was Your Day?’, de estribillo pegadizo. ‘Restricted Account’, la primera canción lenta, es también la más memorable, quizás por esa posición tan inicial, quizás por ese ritmo moroso, la atmósfera de siesta veraniega, la trompeta, el sentimiento con la que la canta Stella…
Es precisamente a partir de aquí que el disco toma una apariencia demasiado monocorde. Confieso que, si no hubiera tenido que escribir esta crítica, con todas las escuchas que ello comporta, hubiera descartado rápidamente el álbum, tachándolo de aburrido. Lo cual sería injusto, porque las canciones son bonitas, construidas de manera sólida (piano, elegantes barerías, arreglos sencillos) y melódica. Las repetidas reproducciones me han hecho apreciar ‘Medals’, encantadora sátira satinada con sha-la-las y saxos. O el piano y el clasicismo sesentas de la preciosa ‘Move Me’, la quieta emoción tan los primeros R.E.M. que destila ‘Flood’, el preciosismo a base de guitarra acústica de la breve ‘Morning Silence’… Pero el hecho de que todo esté invadido de la melancolía, que Stella no rompa esta deriva con algún tema que destaque y agarre la atención hasta la final ‘Cold’, pueden hacer algo farragosa la escucha.
‘Las Mesías‘, la nueva serie de Javier Ambrossi y Javier Calvo, se anunciaba el pasado mes de mayo, prometiendo una atmósfera más oscura que la vista en ‘Paquita Salas’ o ‘Veneno’. El rodaje empezó el 15 de agosto y se extenderá 22 semanas en diferentes localidades de Cataluña.
Hoy, Los Javis han hecho público el reparto de ‘Las Mesías’ y la sorpresa la ha dado a Amaia, que da el salto definitivo a actriz tras haber hecho cameos esporádicos en ‘Paquita Salas‘ o la serie navideña de Samantha Hudson, siempre interpretándose a sí misma. En el elenco compartido en redes, la autora de ‘Cuando no sé quién soy‘ aparece confirmada junto a Roger Casamajor, Macarena García, Lola Dueñas, Carmen Machi, Ana Rujas, Albert Pla, Biel Rossell y Cecilia Roth.
Además, ‘Las Mesías’ también contará con talento joven seleccionado por Eva Leira y Yolanda Serrano. Los nuevos actores que aparecerán en la serie de Los Javis, y que interpretarán a los niños, niñas y adolescentes de la historia, son Irene Balmes, Bruno Núñez, Carla Moral, Iona Roig, Lluc Jornet, Sara Martínez, Arlet Zafra, Joana Buch y Ninoska Linares.
La sinopsis de ‘Las Mesías’ se conoce desde hace meses y parece inspirado, en parte, en el fenómeno Flos Mariae. Volvemos a compartirlo: «El vídeo viral de un grupo de música pop cristiana compuesto por cinco hermanas impacta en la vida de Enric, un hombre atormentado por una infancia marcada por el fanatismo religioso y el yugo de una madre con delirios mesiánicos. La Mesías es un thriller familiar que habla de la superación del trauma, de la fe como herramienta para llenar el vacío y del arte como única vía de escape del terror».
En redes, Javier Calvo ha compartido su entusiasmo por el elenco de ‘Las Mesías’: «QUEREMOS CREER. Vais a flipar con lo que está haciendo el elenco de esta historia que nos está arrasando».
Hyd, artista de hyperpop vinculade a PC Music desde sus orígenes, ha confirmado fecha en España. La artiste estadounidense actuará el 15 de febrero en la sala Moby Dick de Madrid, en la que será su segunda visita a nuestro país. Las entradas estarán a la venta en DICE el miércoles 14 de septiembre a las 11 horas a un precio de 15 euros + gastos de distribución.
Puede que no te suene el nombre de Hayden Dunham, pero es más probable que te suene su cara, sobre todo si te interesa todo lo relacionado con PC Music. Elle era el avatar que representaba a QT, el proyecto de SOPHIE y A.G. Cook que era mitad canción, mitad bebida carbonatada, y que dio lugar a ‘Hey QT’, uno de los primeros clásicos del hyperpop.
Detrás de aquel avatar con apariencia de modelo de teletienda del siglo XXII (la canción estaba cantada en realidad por Harriet Pittard) se escondía le cantante estadounidense Hayden Dunham, que hoy usa el alias de Hyd para firmar su propia música. Una música, por sonido, aún vinculada a PC Music, pero que se encuentra más próxima a la balada de Caroline Polachek que al pepinazo de Charli XCX.
Tan próxima está la música de Hyd a la de Polachek que la autora de ‘Pang‘ es, de hecho, productora de ‘Afar’, primer single del disco que Hyd publica en noviembre. En ‘Clearing’ se incluye también el nuevo single ‘So Clear’, que cuenta con la producción póstuma de SOPHIE.
Entre las canciones publicadas recientemente por Hyd se encuentran también ‘Skin 2 Skin e ‘Into Your Arms’, una versión de Nick Cave & the Bad Seeds.
Jockstrap es un dúo formado por Georgia Ellery y Taylor Skye. Ambos se conocieron en una escuela de música de Londres y formaron Jockstrap para dar rienda suelta a sus variados gustos musicales, lo cual se nota en su álbum debut, un viaje de influencias que va de la canción romántica de los años 50 a la electrónica de Warp, sello en el que han estado fichados.
A Jockstrap le inspira tanto el pop mainstream como la música clásica, tanto el jazz de los 50 como el electropop de principios de siglo, tanto el folk de los 60 como la EDM. En su primer disco -que edita el sello Rough Trade Records- la distorsión electrónica tiene tanta importancia como la orquesta de cuerdas. Es pop experimental en todo su esplendor.
‘Wicked City’, el EP de Jockstrap de 2020, el segundo tras ‘Love is the Key to the City’ (2018), ya avisaba de las locuras que el público iba a encontrar en el repertorio de Jockstrap. ‘Acid’, por ejemplo, era una deconstrucción imposible del doo-wop, y ‘Robert’ proponía una revisión glitch del dubstep de Skrillex. O algo así, porque era inclasificable en cualquier caso.
En Jockstrap, Georgia -quien también es integrante de Black Country, New Road– canta y escribe las melodías de cuerdas, y Taylor produce las bases electrónicas. La fusión de ambos talentos da lugar a un tipo de pop que no teme ser extraño e incómodo, pero que también puede ser absolutamente irresistible. Es el caso de ‘Greatest Hits’, la Canción Del Día de hoy.
‘Greatest Hits’ es una ida de olla que se coloca a medio camino entre el hip-hop de los 80, el bloghouse, la banda sonora, la experimentación con voces cortapegadas y alienígenas y, sin más, el pop-batidora del siglo XXI. El ritmo de baterías convive con cuerdas románticas, la producción no se decide entre ser lo-fi o espectacular, y la letra es un delirio que habla de sueños y noches febriles, entre referencias a Madonna y a María Antonieta «yendo en una limusina».
‘Concrete Over Water’ es la canción más escuchada de Jockstrap en Spotify pese a sus 6 minutazos de duración, seguida en cifras por ‘Glasgow’. Sin embargo, ‘Greatest Hits’ representa la entrada más accesible y divertida a su fascinante universo.
El director franco-suizo Jean-Luc Godard, uno de los más importantes de la historia del cine por su afiliación a la nouvelle vague, ha fallecido este martes a los 91 años de edad según ha informado su familia, y ha confirmado el medio francés Libération.
El nombre de Godard es sinónimo de vanguardia. Su primera película de ficción, ‘Al final de la escapada’, estrenada en 1960, se considera el origen de la nueva ola francesa, pues propuso una nueva manera de rodar inédita hasta entonces. Los directores de la nouvelle vague rodaban cámara en mano, utilizaban iluminación natural y apostaban por la improvisación, en busca de realismo.
Durante los 60, Godard -en esta primera época casado con la actriz Anna Karina- siguió cultivando un lenguaje visual realista pero poético, en cintas repletas de imágenes inolvidables y que hoy se consideran icónicas como ‘Vivir su vida’ (1962), ‘El desprecio’ (1963), ‘Banda aparte’ (1964), ‘Una mujer casada’ (1964), ‘Pierrot, el loco’ (1965), ‘Alphaville’ (1965) o ‘La Chinoise’ (1965).
A partir de 1967, tras el estreno de ‘Week-End’, Godard adoptó una visión más política, y cambió su forma de rodar. Entre sus trabajos más recordados se encuentra ‘Sympathy for the Devil’, su documental sobre los Rolling Stones, que atraviesa música y política. En las décadas siguientes, Godard siguió trabajando y firmando obras como ‘Film Socialisme’ (2010) o ‘Adiós al lenguaje’. Su última cinta, ‘Le livre d’image’, se estrenó en 2018.
Godard ha ejercido una enorme influencia en la cultura independiente de nuestro siglo. Su estilo es evidente en películas como ‘God Help the Girl‘ y, en España, ha sido referencia explícita en videoclips de Hinds, en el nombre de grupos como Band à Part, o en canciones de Cabiria o Mira Paula.
El rapero PnB Rock ha sido asesinado en la tarde de este lunes en Los Ángeles, cuando un desconocido le ha asaltado en el interior de un restaurante donde se encontraba comiendo con su novia. El asaltante ha intentado robar sus joyas y, a continuación, le ha propinado varios disparos. El artista ha fallecido al llegar al hospital, con 30 años de edad.
Nacido en 1992 en Filadelfia, Rakim Hasheem Allen vivió una juventud dura. Su padre murió cuando él tenía 3 años, su tío -quien le crió- cuando cumplió 15, y a los 19 entró en prisión condenado por posesión de drogas y otros crímenes. Pasó 33 meses encarcelado y, después, vivió una temporada en la calle.
El rapero se dio a conocer en 2015 gracias a ‘Jealous’, su single con Fetty Wap y, en los siguientes años, llegó a publicar dos álbumes largos, ‘Catch These Vibe’ en 2017 y ‘GTTM: Goin Thru the Motions’ en 2019. ‘Selfish’, uno de los sencillos extraídos de su debut, acumula cerca de 350 millones de reproducciones en Spotify.
Otro de los grandes éxitos de PnB Rock es ‘Cross Me’, su colaboración con Ed Sheeran y Chance the Rapper incluida en el álbum de colaboraciones del primero, que supera los 360 millones de reproducciones. En aquel álbum, PnB Rock compartía elenco con Justin Bieber, Camila Cabello o Khalid, entre otros.
Entre las artistas que han lamentado la muerte de PnB Rock se encuentra Nicki Minaj, quien ha expresado que fue «un placer» trabajar con él, y ha lamentado que «después (del asesinato de) Pop Smoke los raperos no podemos hacer pública nuestra localización». También ha pedido a las personas que trabajan con los raperos y que «tanto dinero ganan gracias a ellos» que cuiden de ellos y les «recuerden que son presas en un mundo lleno de depredadores».
Esta madrugada se ha celebrado en Los Ángeles la 74ª de los premios Emmys. El humorista Kenan Thompson ha presentado la ceremonia, en la que la miniserie de HBO ‘The White Lotus’ se ha proclamado gran ganadora de la noche al llevarse un total de 5 estatuillas, seguida por ‘Ted Lasso’ de AppleTV+ con 4 y por ‘Succession‘ de HBO con tres.
Dos series se han llevado doble premio. ‘El juego del calamar‘ (Netflix) ha ganado dos de los más importantes, los de Mejor dirección y Mejor actor principal de drama, y ‘Colegio Abbott’ (ABC) se ha agenciado los premios a Mejor guion en comedia y Mejor actriz de parto en comedia.
Esta también ha sido la noche de Zendaya, que se ha agenciado el premio a Mejor actriz principal de drama por su rol en ‘Euphoria‘, y de Julia Garner, que ha recogido el galardón a Mejor actriz de reparto de drama por ‘Ozark‘. También Lizzo es desde esta noche ganadora de un Emmy por su serie de competiciones ‘Lizzo’s Watch Out for the Big Grrrls’.
Entre las series que partían como favoritas pero que no se han llevado ninguna estatuilla hay que citar ‘¿Quién es Anna?’, ‘Pam y Tommy’, ‘Separación’, ‘Better Call Saul‘ y ‘Solo Asesinatos’. Os dejamos con el palmarés completo:
MEJOR COMEDIA
Colegio Abbott (ABC)
Barry (HBO)
Larry David (HBO)
Hacks (HBO Max)
The Marvelous Mrs. Maisel (Amazon)
Solo asesinatos en el edificio (Disney+) Ted Lasso (Apple TV+)
Lo que hacemos en las sombras (FX)
MEJOR DRAMA
Better Call Saul (AMC)
Euphoria (HBO)
Ozark (Netflix)
Separación (AppleTV+)
El juego del calamar (Netflix)
Stranger Things (Netflix) Succession (HBO)
Yellowjackets (Showtime)
MEJOR MINISERIE
Dopesick: Historia de una adicción (Disney+)
The Dropout: Auge y caída de Elizabeth Holmes (Disney+)
¿Quién es Anna? (Netflix)
Pam y Tommy (Disney+) The White Lotus (HBO)
MEJOR ACTRIZ DE COMEDIA
Rachel Brosnahan por The Marvelours Mrs. Maisel
Quinta Brunson por Colegio Abbott
Kaley Cuoco por The Flight Attendant
Elle Fanning por The Great
Issa Rae por Insecure Jean Smart por Hacks
MEJOR ACTOR DE COMEDIA
Donald Glover por Atlanta
Bill Hader por Barry
Nicholas Hoult por The Great
Steve Martin por Solo Asesinatos en el Edificio
Martin Short por Solo Asesinatos en el Edificio Jason Sudeikis por Ted Lasso
MEJOR ACTRIZ DE DRAMA
Jodie Comer por Killing Eve
Laura Linney por Ozark
Melanie Lynskey por Yellowjackets
Sandra Oh por Killing Eve
Reese Witherspoon por The Morning Show Zendaya por Euphoria
MEJOR ACTOR DE DRAMA
Jason Bateman por Ozark
Brian Cox por Succession Lee Jung-jae por El juego del calamar
Bob Odenkirk por Better Call Saul
Adam Scott por Separación
Jeremy Strong por Succession
MEJOR ACTRIZ DE MINISERIE O TV MOVIE
Toni Collette por The Staircase
Julia Garner por ¿Quién es Anna?
Lily James por Pam y Tommy
Sarah Paulson por American Crime Story: Impeachment
Margaret Qualley por La asistenta Amanda Seyfried por The Dropout: Auge y caída de Elizabeth Holmes
MEJOR ACTOR DE MINISERIE O TV MOVIE
Colin Firth por The Staircase
Andrew Garfield por Por mandato del cielo
Oscar Isaac por Secretos de un matrimonio Michael Keaton por Dopesick: Historia de una adicción
Himesh Patel por Estación Once
Sebastian Stan por Pam y Tommy
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE COMEDIA
Alex Borstein por The Marvelous Mrs. Maisel
Hannah Einbinder por Hacks
Janelle James por Colegio Abbott Sheryl Lee Ralph por Colegio Abbott
Kate McKinnon por Saturday Night Live
Sarah Niles por Ted Lasso
Juno Temple por Ted Lasso
Hannah Waddingham por Ted Lasso
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE COMEDIA
Anthony Carrigan por Barry Brett Goldstein por Ted Lasso
Tyler James Williams por Colegio Abbott
Toheeb Jimoh por Ted Lasso
Nick Mohammed por Ted Lasso
Tony Shalhoub por The Marvelous Mrs. Maisel
Henry Winkler por Barry
Bowen Yang por Saturday Night Live
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE DRAMA
Patricia Arquette por Separación Julia Garner por Ozark
Jung Ho-yeon por El juego del calamar
Christina Ricci por Yellowjackets
Rhea Seehorn por Better Call Saul
J. Smith-Cameron por Succession
Sarah Snook por Succession
Sydney Sweeney por Euphoria
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE DRAMA
Nicholas Braun por Succession
Billy Crudup por The Morning Show
Kieran Culkin por Succession
Park Hae-soo por El juego del calamar Matthew Macfadyen por Succession
John Turturro por Separación
Christopher Walken por Separación
Oh Yeong-su por El juego del calamar
MEJOR ACTRIZ DE REPARTO DE MINISERIE O TV MOVIE
Connie Britton por The White Lotus Jennifer Coolidge por The White Lotus
Alexandra Daddario por The White Lotus
Kaitlyn Dever por Dopesick: Una historia de una adicción
Natasha Rothwell por The White Lotus
Sydney Sweeney por The White Lotus
Mare Winningham por Dopesick: Una historia de una adicción
MEJOR ACTOR DE REPARTO DE MINISERIE O TV MOVIE Murray Bartlett por The White Lotus
Jake Lacy por The White Lotus
Will Poulter por Dopesick: Una historia de una adicción
Seth Rogen por Pam y Tommy
Peter Sarsgaard por Dopesick: Una historia de una adicción
Michael Stuhlbarg por Dopesick: Una historia de una adicción
Steve Zahn por The White Lotus
MEJOR GUION (COMEDIA) Quinta Brunson (Colegio Abbott)
Duffy Boudreau (Barry)
Alec Berg y Bill Hader (Barry)
Lucia Aniello, Paul W. Downs y Jen Statsky (Hacks)
Steve Martin y John Hoffman (Solo asesinatos en el edificio)
Sarah Naftalis (Lo que hacemos en las sombras)
Stefani Robinson (Lo que hacemos en las sombras)
MEJOR DIRECCIÓN (COMEDIA)
Hiro Murai (Atlanta)
Bill Hader (Barry)
Lucia Aniello (Hacks)
Mary Lou Belli (The Ms. Pat Show)
Cherien Dabis (Solo asesinatos en el edificio)
Jamie Babbit (Solo asesinatos en el edificio) MJ Delaney (Ted Lasso)
MEJOR GUION (DRAMA)
Thomas Schnauz (Better Call Saul)
Chris Mundy (Ozark)
Dan Erickson (Separación)
Hwang Dong-hyuk (El juego del calamar) Jesse Armstrong (Succession)
Jonathan Lisco, Ashley Lyle y Bart Nickerson por «F Sharp» (Yellowjackets)
Ashley Lyle y Bart Nickerson (Yellowjackets)
MEJOR DIRECCIÓN (DRAMA)
Jason Bateman (Ozark)
Ben Stiller (Separación) Hwang Dong-hyuk (El juego del calamar)
Mark Mylod (Succession)
Cathy Yan (Succession)
Lorene Scafaria (Succession)
MEJOR GUION (MINISERIE)
Danny Strong (Dopesick)
Elizabeth Meriwether (The Dropout)
Sarah Burgess (La asistenta)
Patrick Somerville (Estación once) Mike White (The White Lotus)
MEJOR DIRECCIÓN (MINISERIE)
Danny Strong (Dopesick)
Michael Showalter (The Dropout)
Francesca Gregorini (The Dropout)
John Wells (La asistenta)
Hiro Murai (Estación once) Mike White (The White Lotus)
Santigold se ha pensado su regreso. Pasados los tiempos en que era noticia habitualmente por el pequeño hype que vivió con ‘L.E.S. Artistes’ o por el buen recibimiento de discos como ‘Master of My Make-Believe’ (2012), donde se escondía su gran hit ‘Disparate Youth’, ahora ha dejado pasar 4 años desde su última mixtape y 6 desde el último disco de verdad, ’99 Cents’.
La mixtape de 2018, ‘I Don’t Want’, tuvo su valor pues, concentrada en la música jamaicana, era todo lo que Rihanna nos prometió hace demasiado tiempo y jamás nos concedió. ‘Spirituals’, en cambio, no se mueve en ninguna dirección en concreto, preservando el interés de Santigold por estilos diversos como el reggae, el punk o el rock, pero sin dar ningún fuerte golpe sobre la mesa. Algo que habríamos agradecido después de tanto tiempo de retiro y sobre todo después de que Beyoncé la haya reivindicado este verano como una de las mujeres negras más importantes de la historia de la música pop en un remix de ‘Break My Soul’.
El mayor esmero esta vez lo ha puesto Santigold en intentar cerrar un lanzamiento conjunto que incluye visuales, video-viñetas, cremas para la piel, una colección de té… todo bajo el nombre de Spirituals. A falta de probar los tés y las cremas, podemos elogiar algunos de los visuales. El de ‘Ain’t Ready’ tiene lugar en una sala de interrogatorio porque la canción habla de una batalla en favor del cambio, de movernos hacia delante. El de ‘Nothing’ se inspira en una imagen de Wangechi Mutu llamada ‘Snake Eater‘. Es por eso que en el vídeo, Santigold se transforma en una extraña criatura de la que «no hace falta decir el nombre ni definirla» porque simplemente existe y le parece «hermosa y poderosa tal y como aparece».
Lo invisible que se ha sentido siempre y el Black Lives Matter han influido la creación de este disco en general y esa canción llamada ‘Nothing’ en particular, lo que le ha llevado a escribir frases como «Ódiame si quieres, yo no voy a perder la cabeza / Dime lo que quieras, que yo no me creeré nada». Por su parte, ‘No Paradise’ habla del sufrimiento de la gente, cuestionando que haya un más allá. Y ‘Witness’, de la privacidad: «sé que quieren ver todo de mí, pero de ninguna manera».
Co-produce el disco junto a la propia Santigold gente tan variada como Rostam, Boys Noize, Dre Skull, Nick Zinner, Illangelo y un larguísimo etcétera. Lo que más llama la atención, aparte de la variedad estilística, es lo oscuro que es el sonido. Para ser un disco que trata de llamar a la acción y buscar el cambio, es extraño que las canciones suenen tan adormiladas, incluso tristonas y siniestras, como ‘The Lasty’ junto a Psymun. Una especie de adaptación del sonido salvaje de Kate Bush.
El resultado es sugerente, y Santigold siempre ha tenido muy buen gusto produciendo. Pero ‘Spirituals’ suena mejor cuando nos levanta de la silla, cuando lo que se nos cuenta con la música se parece a lo que nos cuenta con palabras. Así, ‘Shake’ con SBTRKT nos invita a movernos, logrando que la asociación entre revolución y baile vuelva a funcionar; y algo similar puede decirse del momento coral de ‘No Paradise’ o del desenlace del álbum con ‘Fall First’. Se trata de una producción más rock, saltarina y esperanzadora, que pretende llevarnos más y más lejos: «dame tu mano ya, porque vamos más deprisa de lo que podemos soportar».
Bizarrap y Quevedo siguen coronando la lista de singles española con ‘Quédate’. Mientras tanto, Rosalía y Manuel Turizo ocupan el segundo y tercer puesto con ‘DESPECHÁ’ y ‘La Bachata’. Desde la semana anterior, ninguna canción del Top 6 ha experimentado cambios.
En el puesto 7 se encuentra la entrada más fuerte de la semana y la protagonizan Romeo Santos y Rosalía con ‘El Pañuelo’, la bachata dual sacada del último disco de Santos, ‘Fórmula Vol. 3’. A su vez, en los puestos 47 y 48 entran en lista otras dos canciones colaborativas. En el 47 se posicionan Beret y Estopa con ‘Diablo’ y un puesto más abajo encontramos a Juseph, Cruz Cafuné y Wiso Rivera con ‘Muchoperro’.
Morat y Juanes se colocan en el número 77 con ‘506’ y es que esta semana la lista va de colaboraciones. ‘I’m Good (Blue)’ de David Guetta y Bebe Rexha se posiciona en el puesto 79, mientras que la nueva de Feid y Totoy El Frio, titulada ‘De Tanto Chimbiar’, debuta en el puesto 83. Las últimas dos entradas se las llevan Lasso, en el número 88 con ‘Ojos Marrones’, y el dúo entre India Martínez y Melendi, con ‘Si Ella Supiera’ en el número 96. Por otro lado, David Bisbal y Álvaro Soler se vuelven a colar en el ranking con ‘A Contracorriente’, regresando en el puesto 98.
Por último, la mayor subida de la semana la protagoniza también un dúo. ‘Mariposas’, de sangiovanni y Aitana’, pasa del número 26 al 19 y se posiciona entre Karol G y Rauw Alejandro.
Sin sorpresas en el puesto número 1 de los álbumes más exitosos en España, todavía ocupado por ‘Un verano sin ti’. En el podio, Harry Styles desbanca a C. Tangana del tercer puesto con su ‘Harry’s House’ y Rosalía sube al puesto 2. Sin embargo, el mayor incremento de la semana es para Aitana, en el puesto 22 con ’11 RAZONES’.
Es en el resto del Top 10 donde sí que hay sorpresas. En el puesto 5 tenemos a YUNGBLUD con su álbum homónimo, que ha conseguido la entrada más fuerte de la semana. No es el único éxito del artista británico, ya que también ha conseguido el número 1 en la lista de Reino Unido, así como en Escocia, Nueva Zelanda, Irlanda y Australia. YUNGBLUD está seguido muy de cerca en la clasificación española por otras tres entradas nuevas: ‘Fórmula Vol. 3’ de Romeo Santos en el número 6, ‘Libre’ de Sofia Ellar en el número 7 y ‘The Sick, The Dying… And The Dead!’ de Megadeth en el número 8.
En las posiciones 13 y 15 encontramos a Blind Guardian y a Camilo, que entran por primera vez en el ranking con ‘The God Machine’ y ‘De Adentro Pa Afuera’, respectivamente. El último debut en lista de la semana lo protagoniza ‘Romances’ de Fuel Fandango, en el número 28.
Pasando la mitad de la lista observamos que Malú ha reentrado en la lista de éxitos con ‘Mil Batallas’ en el número 75. Un poco más abajo encontramos a Rammstein, posicionándose en el número 80 con la reincorporación de ‘Zeit’. ‘Plastic Hearts’ de Miley Cyrus regresa a la lista en el puesto 93, mientras que Arde Bogotá, Rozalén y Nicki Nicole ocupan los últimos tres puestos de la clasificación.
Pucho, líder y vocalista de Vetusta Morla, ha seleccionado un ciclo de películas que se proyectará esta semana en la Academia de Cine y que será presentado por el propio cantante. Las cintas son ‘El camino’ (1963) de Ana Mariscal, ‘El bosque animado’ (1987) de José Luis Cuerda y ‘Sobre la marxa’ (2014) de Jordi Morató.
‘El camino’ se estrenó en 1963 y está considerada una joya de la filmografía española. Basada en la novela homónima de Miguel Delibes, la película retrata la sociedad rural y la vida de las mujeres en un pequeño pueblo de la sierra de Ávila. A su vez, la directora Ana Mariscal suele ser nombrada como una de las mejores directoras de cine europeo en el siglo XX y como la primera mujer que dirigió cine en España. La proyección de ‘El camino’ está programada para este martes 13 a las 19 de la tarde.
La segunda película se trata de ‘El bosque animado’, estrenada en 1987 y dirigida por uno de los máximos exponentes de la historia del cine español, José Luis Cuerda, director de clásicos como ‘Amanece, que no es poco’ (1989) o ‘Total’ (1983). ‘El bosque animado’ está basada en la obra del mismo nombre escrita por Wenceslao Fernández Flórez y relata las vidas de los habitantes de Cecebre y la forma en la que estas se relacionan con un bosque cercano lleno de fantasía. La película recibió cinco Premios Goya, incluyendo ‘Mejor película’ y ‘Mejor actor’, gracias a Alfredo Landa. Se proyectará el miércoles 14 a las 19 de la tarde.
Por último, ‘Sobre la marxa’ es un documental de Jordi Morató estrenado en 2014 que trata la historia de un hombre conocido como «el Garrell», dedicado a crear «estructuras tan bellas como inverosímiles» en el bosque y con sus propias manos. ‘Sobre la marxa’ ganó el Premio Fénix a ‘Mejor documental’ y fue nominada al mismo premio en el Festival de Málaga. El documental de Jordi Morató se podrá disfrutar el viernes 16 a las 19 de la tarde.
Gracias a la Academia de Cine, JENESAISPOP sorteará 10 invitaciones dobles para cada pase. Si quieres tener la posibilidad de disfrutar de un clásico del cine español junto a Pucho solo basta con mandar un correo a jenesaispop@gmail.com indicando nombre, apellidos y la peli que quieres ver. ‘El camino’ se proyectará este martes 13 a las 19 de la tarde, ‘El bosque animado’ será a la misma hora el miércoles 14 y ‘Sobre la marxa’ finalizará el ciclo el próximo viernes 16, también a las 19 de la tarde.
Rosalía ha decidido dar un impulso a la era ‘MOTOMAMI‘ -que no lo necesitaba, el disco sigue entre los tres más exitosos de España- y ha publicado una edición ampliada que incluye hasta 7 temas antes inéditos, incluido, por supuesto, ‘DESPECHÁ’, oficialmente su primer gran hit internacional. Merecía aparecer en su álbum madre aunque fuera a posteriori.
Hasta quienes dudamos, en un primer momento, sobre el merengue de ‘DESPECHÁ’ -que existimos- nos hemos tenido que comer nuestras palabras. Ahora el debate no se halla en si ‘DESPECHÁ’ mola o no, sino en si es la canción del verano o lo es la de Quevedo. Y qué bien porque, si Rosalía llevaBA años currando para que una canción suya lo petara de esta manera, finalmente puede decir que lo ha conseguido.
Sin embargo, la reacción al resto de canciones de ‘MOTOMAMI +’ está siendo muy diferente, tanto que, en el hilo de Rosalía activo en los foros de JENESAISPOP, en el mismo día de salida del disco, reinaba el silencio. «No estamos comentando porque no hay nada que comentar, verdad?», planteaba el usuario Dardo, como si, de repente, no viviéramos en la era de Rosalía.
Le doy la razón, solo en parte. El disco está funcionando en Spotify pero, como apunta Zarko unos comentarios atrás, la novedad que ofrece se reduce a una «colección de descartes». Nadie espera que de ‘CHIRI’ nazca otro hitazo de Rosalía aunque, visto el éxito de ‘DESPECHÁ’, todo puede pasar. Además, de los cortes inéditos, es el mejor de todos, puro ‘MOTOMAMI’ en su impulida mezcla de beats machacones, pianos, referencias flamencas, coros a lo ‘Medúlla‘ y otras referencias populares, de Canelita a la heroína. La pregunta es si estos descartes son presentables o no, si valía la pena que salieran para ampliar el mundo de ‘MOTOMAMI’ o en absoluto. Y ahí es donde surge el debate.
En el citado hilo, JonPGz expresa que las canciones nuevas le han gustado, pero «entiendo que se quedasen fuera», y elanonimotranquilo va más allá: «A mí me parece que se quedaron fuera y que nunca deberían haber salido». Confieso que he llegado a la misma conclusión cuando he escuchado, ya no el interludio de ‘Thank Yu :)’, innecesario aunque simpático, sino una canción con tan poco gancho como ‘LAX’, que además no puede sonar más inacabada; o ‘AISLAMIENTO’, de melodía algo «cheesy» para lo que ofrece ‘MOTOMAMI’. Sí me ha hecho gracia la machacona ‘LA KILIÉ’ porque me ha recordado a ‘Pose’ de Rihanna. Y, si el remix de ‘CANDY‘ con Chencho Corleone no aporta muchísimo a una canción que ya había sido número 1 en España, el directo de ‘LA FAMA’ sí me hace pensar que un disco en vivo de Rosalía sería una buena idea: en el contexto del directo, y sin la presencia forzada de The Weeknd, ‘LA FAMA’ suena completamente maravillosa, mucho más relajada y libre de lo que lo hace en la versión de estudio.
Pero las pistas nuevas de ‘MOTOMAMI +’ sí aportan detalles interesantes a la era. ‘AISLAMIENTO’ es probablemente la canción más explícitamente dedicada a «la fama» que ha escrito Rosalía, tanto que incluye referencias a TMZ y a los paparazzis. En ese sentido, una frase como «hay un muro entre yo y el mundo» suena especialmente emotiva, y Rosalía, siempre por delante, deja claro que sigue con los pies en la tierra. «No quiero que pienses que eso me da orgullo», canta después. En ‘LAX’ relata: «Tengo el yard que tú no tendrás / pero tú tienes todo lo que perdí». Como tantas nuevas estrellas, Rosalía se debate entre la fanfarronería y el luto por una vida anterior que ya no recuperará.
Menos ofrecen estas canciones en lo musical. Littlebird concuerda: «Para haber sacado eso, no hubiera sacado NA-DA. No compro ninguna tampoco». Sin embargo, Zarko aporta una visión diferente muy interesante: «A mí que salgan, me gusta. Hace unos años hubieran sido b-sides de los singles, que habríamos guardado/comprado según nos gustasen o no. En la época del streaming, quizás eso ya no tiene tanto sentido, pero que salgan en pack como «anexo» al disco nos deja ver qué otras ideas estaba barajando y algún tema resultón seguro que pillamos». Las inéditas de ‘MOTOMAMI’ no son esenciales pero tener acceso a ellas, poder rebuscar en ese cajón de ideas descartadas que forman parte de un disco histórico, también es un regalo al que a Rosalía le contestamos con un: thank you :). Y de las inéditas de ‘El mal querer‘ ya casi, casi ni nos acordamos…
