Estados Unidos podría estar a punto de tomar una decisión que ha revolucionado las calles americanas. El Supremo del país, formado por seis hombres y tres mujeres, tiene sobre la mesa un borrador de sentencia con la que pretende ilegalizar el aborto en EEUU.
Son muchas las artistas que han alzado su voz contra este disparate. Las últimas han sido Lorde y Olivia Rodrigo, quienes han querido dedicar unas palabras de abatimiento y concienciación ante todo su público. Lorde ha expresado en uno de sus conciertos: «Al igual que muchos de ustedes, esta semana me he sentido harta y desconsolada por la noticia de que hay algunas personas que piensan que nuestros cuerpos no son nuestros. Y todavía no encuentro las palabras para hablar de esto con vosotros».
Olivia Rodrigo, también devastada por la noticia, aprovechó que cantaba con su ‘SOUR TOUR‘ en la capital Washington DC para hacer una protesta. «Nuestros cuerpos nunca deberían estar en manos de los políticos. Espero que podamos alzar nuestras voces para proteger nuestro derecho, a tener un aborto seguro, que es un derecho por el que tantas personas antes que nosotras han trabajado tan duro para obtener».
Otra de las artistas que se han sincerado con su testimonio ha sido Phoebe Bridgers. La cantante ha compartido que tuvo un aborto el año pasado y que todas deberían tener ese derecho que tuvo ella. «Tuve un aborto en octubre del año pasado mientras estaba de gira. Fui a Planned Parenthood y me dieron una pastilla abortiva. Fue así de fácil. Todas deberían tener acceso a eso.» Si sigue adelante, la ley Roe versus Wade que ahora protege a las mujeres dejará de ser útil y el Congreso se vería en una situación más que comprometida.
Las voces que se están uniendo por esta causa con cada vez más, entre ellas Garbage, Questlove, The Regrettes, Cher o Halsey. Esta última, por ejemplo, no ha podido quedarse callada después de conocer la sentencia que puede cambiar la historia del país y de las mujeres de aquí en adelante. «Esta es una de las decisiones más importantes de las que vamos a ser testigos en nuestra vida. Esta decisión conducirá a situaciones letales para todo nuestro país, afectando más a gente de color, áreas rurales y comunidades socioeconómicamente débiles. El momento de actuar es ahora».
💬 | “Our bodies should never be in the hands of politicians, i hope we can raise our voices to protect our right, to have a safe abortion, which is a right that so many people before us have worked so hard to get.”
— Olivia Rodrigo Daily (@DailyRodrigo) May 5, 2022
The overturning of Roe V Wade will mark a catastrophic shift in our fundamental rights to bodily autonomy and reproductive health care. We are constituents and we have the right and responsibility to fight this.@aclu@PPFA@AbortionFundspic.twitter.com/zYlXSZqzCu
I had an abortion in October of last year while I was on tour. I went to planned parenthood where they gave me the abortion pill. It was easy. Everyone deserves that kind of access.
REPUBLICANS MAY HAVE FINALLY GOTTEN THEIR WISH.AFTER 49 YRS GOP SUPREME COURT POISED 2 STRIKE DOWN ROE V WADE. MY MOM SAID,”WHEN I WAS YOUNG,I HEARD, “KEEP EM BAREFOOT & PREGNANT,”A WOMANS PLACE IS IN THE HOME”, “WOMEN DONT HAVE 🧠’S 4 BUSINESS”. “DEATH DUE 2 BACK ALLY ABORTION”
The Knocks es uno de esos grupos dedicados a hacer bailar al personal. El dúo estadounidense formado por Ben «B-Roc» Ruttner y James «JPatt» Patterson empezó su carrera remezclando a gente como Jay-Z o Britney Spears y después se ha curtido en colaborar con decenas de artistas de muy distinto índole. En sus discos han aparecido invitados tan dispares como Carly Rae Jepsen o Wyclef Jean, y sus mayores éxitos se han producido en compañía de Powers (‘Classic’), Foster the People (‘Ride or Die’) o Sofi Tukker (‘Brazilian Soul’).
La magia de The Knocks es que es posible que estas tres canciones te suenen o incluso te gusten aunque no sepas quiénes son sus autores. Ellos están involucrados, por ejemplo, en dos hits del tamaño de ‘Best Friend’ de Sofi Tukker y ‘Fireworks’ de Purple Disco Machine. Su sonido no es el más original que puede venir a la mente, pero The Knocks sí saben hacer música dance con soltura y frescura, y además son capaces de hacer brillar a sus colaboradores en registros en los que quizás nunca les habías escuchado.
‘New York Narcotic‘, el álbum previo de The Knocks, estaba dedicado a la ciudad de Nueva York, que tanto ha inspirado su música. En ‘HISTORY’, sin embargo, el grupo ha buscado regresar a sus raíces. Ellos ya hacían música disco antes de que se pudierade moda, y han querido recuperarla en álbum que tuvieron la fortuna de terminar justo antes de la pandemia. De no haber sido así, The Knocks, dicen, no habrían podido crear algunas de las mejores pistas que el disco contiene.
Una de ellas es ‘Bodies’ con MUNA. La pista de apertura de ‘HISTORY’ es la definición de rompepistas y su letra recuerda aquellas «viejas fiestas» a las que solíamos ir antes de la pandemia. Ahora que vuelven no me extrañaría que ‘Bodies’ sonara en ellas. Entre las canciones que pudieron crear casi de milagro junto a sus colaboradores, The Knocks destacan otras dos: el electro-house de ‘Walking on Water’ con Totally Enormous Extinct Dinosaurs y el blog-house onda 2007 de ‘R U HIGH?’ con la artista revelación Mallrat. Dos producciones estupendas que te hacen bailar en diferentes épocas y estilos.
‘HISTORY’ es un trabajo nostálgico desde que su mismo título apela a la historia de la música de baile y de la fiesta en general. Así, la secuencia se vale de mil referencias que The Knocks copietean sin más pero con bastante gracia. Y no lo digo solo porque el vocoder final de ‘R U HIGH’ esté sacado tal cual del repertorio de Daft Punk. Por ejemplo, Foster the People vuelve a colaborar con The Knocks en ‘All About You’, un eficaz funky que admite influencias tanto del gospel como del acid. Una de las pistas menos acertadas, ‘River’ con Parson James, reproduce el tipo de house atmosférico que practica Bonobo.
Irónicamente, una de las mejores canciones del disco es ‘Slow Song‘ con Dragonette, que recuerda más bien a la etapa ‘Tango in the Night’ de Fleetwood Mac, por lo que no es tan discotequera, aunque melódicamente sí es de lo más redondo que incluye el álbum. Además, su letra metamusical tiene gracia. En ‘HISTORY’, las influencias pueden ser más descaradas, y ‘Nobody But Me’ con Cold War Kids es básicamente un calco del sonido Basemant Jaxx. ¿Es la canción digna? Sí, y entre «grooves» más disco-house (‘Boombox’) y otros más piano house (‘Gimme Love’ con Yoke Lore)’, The Knocks se han sacado de la manga un trabajo de lo más apañado y entretenido.
Bad Bunny publica hoy su nuevo disco, ‘Un verano sin ti’. El portorriqueño firma uno de los grandes lanzamientos internacionales del viernes cuando realmente no lo esperábamos, pues fue la semana pasada cuando anunció que este trabajo iba a ver la luz.
‘Un verano sin ti’ es un trabajo de gran envergadura. Contiene 23 pistas y colaboraciones de Bomba Estéreo, Buscabulla o The Marías, pero lo más interesante es que las canciones no se ciñen exclusivamente a los ritmos del reggaetón, aunque sí lo hacen en mayoría.
Tan pronto como en la pista 2, el álbum presenta el merengue de ‘Después de la playa’, y no es el único tema de ‘Un verano sin ti’ que coquetea con la música latina tradicional. Es el caso también, por ejemplo, de ‘Otro atardecer’ con The Marías. Benito se atreve tanto con la bossa nova (‘Yo no soy celoso’) como con el house-pop ligerito (‘Neverita’) o el reggae (‘Me fui de vacaciones’). Curiosamente, la pista titular es puro «synth» y menciona a Alejandro Sanz y su ‘Corazón partío’.
Pros y contras de ‘Un verano sin ti’
Naturalmente, ‘Un verano sin ti’ se centra en el reggaetón, y probablemente será uno de los discos del verano. Tampoco hay que ser Rappel para adivinar tal cosa, pero a Benito le ha quedado un álbum mucho mejor acabado que el anterior, lo cual se percibe en producciones más sofisticadas como las de ‘Moscow Mule’ o ‘Agosto’. ‘Un verano sin ti’ no suena tan ambicioso como ‘YHLQMDLG‘, su gran obra maestra, pero tampoco suena hecho con prisas, como los otros dos discos que sacó en 2020.
Son dignas adiciones al repertorio de Bad Bunny el focus track ‘Moscow Mule’, el gancho «party party party» de la canción llamada así con Rauw Alejandro, el buen dembow de ‘Tarot’ con Jhay Cortez o los reggaetones melosos contenidos en el largo, como ‘Un ratito’. El grueso de composiciones, de ‘Efecto’ a la cuca ‘Un coco’, se conforma con resultar entretenidas y funcionales, pero Benito no tropieza en ninguna de ellas: sigue haciendo lo que mejor se le da y sigue haciéndolo bien.
Entre los contras de ‘Un verano sin ti’, aparte de esa portada, es que las colaboraciones no parecen muy aprovechadas. En especial hay que lamentar que el sonido de ‘Andrea’ con Buscabulla no haya guiado más el paisaje sonoro del álbum. Por otro lado, ¿qué pinta por aquí ‘Callaíta‘, un single de 2019 que ya conoce todo el mundo?
A tenor de las reacciones que está provocando ‘Un verano sin ti’, el disco es un nuevo éxito para Bad Bunny a nivel artístico. En nuestros foros, SinApellidos lo ha proclamado «disco del año» y augura que «va a triunfar más que la Coca Cola». Destaca, en concreto, ‘Moscow Mule’ y ‘Titi me preguntó’, mientras diekirc le dedica un emoji de corazón a ‘Un coco’. En foros anglosajones la valoración también es buena.
El próximo martes arrancará la primera semifinal de Eurovisión con Albania. Y este país ha sido noticia precisamente ahora por el modo en que su cantante Ronela Hajati se ha tomado las críticas a la filtración de sus primeros ensayos.
Comenzando por el principio, es la propia Ronela Hajati quien ha escrito enteramente en solitario este ‘Sekret’. De manera chanante, su producción figura a cargo de «Marko Polo». Estamos ante una producción machacona, bailable, mediterránea, que lo mismo podría pertenecer a Lola Indigo que a aquellos J Balvin y Anitta que colaboraron en ‘Matchika’. Hay un punto de folclore, hay un punto de modernidad.
Como producción disfrutona como recién salida de 2016 o 2018, realmente es de las que puede hacer más daño a Chanel, como ya comentamos en nuestro podcast sobre Eurovisión 2022. Ahora mismo va 23º en las apuestas.
Lo que vemos en los ensayos no está tan mal, pero es verdad que Ronela Hajati ha cambiado de vestuario de una actuación a otra y ha acudido a redes para justificar la ausencia de los colores del fuego, por estar demasiado sobados. Ha defendido que el rosa y el turquesa, para ella tienen sentido. Otros la animaban a recuperar la actuación que le sirvió para clasificarse para la final de Turín. Allí la acompañaban mujeres bailarinas en lugar de hombres y la puesta en escena estaba menos recargada de efectos. Despuntaba más la canción pese a que había más gente sobre el escenario.
Y al final, ella ha estallado en las redes sociales, publicando este polémico tuit: «Extraño mi estudio, hacer música, mis shows, ¡mis fans! Trabajé en cada detalle de la actuación durante 5 meses y la gente está muy insatisfecha conmigo. ¡Es todo lo que puedo hacer, lo siento! ¡Deja que esto termine lo antes posible, apaga la televisión cuando se emita esta actuación de mierda, porque la olvidarás más rápido!».
Tove Styrke es una de las artistas que publican single hoy. La sueca sigue presentando ‘HARD’, el disco que publica el próximo 3 de junio, y hoy entrega ‘YouYouYou’, otro estupendo tema pop profundamente influido por el synth-pop de los años 80. Hoy es la Canción Del Día.
La artista está a todas luces en su era «clásica». Después de hacer cosquillas a los oídos con el moderno sonido de su álbum previo ‘Sway’, la nueva música de Tove trae influencias de los 80 (‘Start Walking’) o incluso los 50-60 (‘Show Me Love’). Eso sí, Tove aún ha tenido tiempo de dejar picueto a su público con el extraño vals chillado de ‘Hardcore’.
Por contra, ‘YouYouYou’ es otro «banger» ochentero iluminado por luces de neón y sintetizadores retro que trae a la mente la recuperación de esta estética por artistas como The Weeknd o Roosevelt o por series como ‘Stranger Things‘. Además, ‘YouYouYou’ presenta una de las melodías más clásicas y «atemporales» que Tove ha cantado nunca. Una melodía que, en la segunda estrofa, además, se crece.
Esta composición sirve a Tove para contarnos una complicada historia de amor. Canta que está «enamorada de otra persona» pero que sigue pensando en su amor anterior. «Cuando nos besamos pienso en ti» es una de las frases que deja la canción. En otro de los versos, Tove sigue hecha un lío: «si viera tu cara me daría un ataque al corazón» pero «no estoy diciendo que te quiera de vuelta».
El vídeo de ‘YouYouYou’ devanea entre la estética «retrowave» y la pelea de Tove en una arena de combate. Dirige Cornelia Wahlberg.
Hoy viernes 6 de mayo salen nuevos álbumes tan tochos como el de Bad Bunny o el de Arcade Fire, que es nuestro Disco de la Semana. Además, ya están fuera también los nuevos trabajos de Sharon van Etten, Belle and Sebastian, !!!, Sigrid, Cariño, Ibeyi, Sunflower Bean, Yawners, Guitarricadelafuente, Jack Harlow, Emeli Sandé, Rolling Blackouts Coastal Fever, Fito Paez, Simple Plan, Jaime Lorente o el primer álbum de Soft Cell tras 20 años.
Entre los singles destacados del día hay que mencionar el regreso de Carly Rae Jepsen y el drum ‘n bass a lo PinkPantheress de Natalia Lacunza. Además, DNCE siguen postulándose como «party band» oficial del pop ahora que los B-52’s se retiran, con un nuevo single que nos invita a «movernos». Por otro lado, Taylor Swift publica la versión regrabada de ‘This Love’.
La semana ha dejado más regresos significativos. Por un lado, el de Glasser. La cantante y productora no sacaba música desde 2013, y su nuevo single presenta sonido orquestal. Por otro, Tove Lo ha vuelto con otro de sus habituales temazos pop.
Numerosos artistas continúan avanzando sus nuevos proyectos. Es el caso de iamamiwhoami, Everything Everything, Rocío Márquez con BRONQUIO, Tove Styrke, Afghan Whigs, 070 Shake, Pond, Los Estanques con Anni B Sweet, Porridge Radio o Mykki Blanco .
En cuanto a curiosidades que encontrarás en la playlist, Doja Cat entrega ‘Vegas’, su tema para la película de ‘Elvis’, Madonna avanza su recopilatorio de 50 números 1 dance con un remix de ‘Into the Groove’, y A$AP Rocky lanza un single en cuyo videoclip aparece su pareja y futura madre de su hijo, Rihanna.
Hoy viernes 6 de mayo Maria Rodés y La Estrella de David al fin presentan su disco conjunto en Madrid. Será en el Teatro Fernán Gómez (Centro Cultural de la Villa) y las entradas están disponibles aquí. ‘Contigo‘ era un álbum muy notable que les situaba metidos de lleno en las sonoridades country, hablando del amor clásico. Foto: Sergio Albert.
Aprovechando este concierto de ambos, recuperamos la charla que mantuvimos a la salida del disco. Fue una conversación algo caótica de 40 minutos, en una terraza improbable del improbable Barrio Salamanca, que me ha llevado mi tiempo resumir. Era la primera entrevista que el dúo concedía y se nota en la grabación. Sobre todo cuando tardan más en debatir qué tipo de zumo van a tomar que en explicar cuál era el concepto de un ‘Contigo’ que por momentos parece darles un poco igual a ellos mismos. «Es nuestra manera de ser», justifica David Rodríguez, apegado a la tradición indie pop. En todo caso, una buena ocasión de recuperar composiciones tan estupendas como ‘Hacer el amor’, ‘Un mundo ideal’ o ‘Venga va’… y de debatir sobre poliamor versus amor tradicional.
Ni leyendo vuestra biografía me he enterado muy bien de cómo habéis terminado haciendo un disco juntos.
David: «Nos conocimos en una furgoneta volviendo de un festival de Galicia, ella no tenía cómo volver. Nos reímos los chistes y nos caímos bien. Dijimos: «vamos a hacer algo juntos». No teníamos un concepto hasta que surgió hacer un disco country. Hicimos una, la de ‘Hacer el amor’. Y luego vino el resto».
Maria: «Llevarlo más al country fue iniciativa suya».
David: «Yo estaba dando bandazos, hasta que llegamos a eso. Vi muchos documentales de country en Movistar Plus+, muy fumao. Y nos dio por ahí. Sería como en el verano de 2019 cuando nos conocimos y le mandé alguna base. Cuajó lo del country. Lo íbamos a sacar en otro sello pero el del otro sello nos ponía nervioso y al final lo sacamos en Elefant».
Hasta cierto punto es un disco conservador para vosotros, ¿no?
Maria: «¿Tú eres conservador?».
David: «Sí, ojalá…»
En Elefant pega mucho este disco de pareja. No sé cuántas veces han podido referenciar Nancy & Lee…
David: «El concepto inicial se ha difuminado un poco. Era hablar del amor de toda la vida, ahora que estamos tan antirrománticos. Es una apuesta por el amor clásico a largo plazo. Era la primera idea, el concepto estaba más marcado. Hacer canciones tipo Roberto Carlos. Luego abrimos el abanico, con canciones más cortavenas…»
¿Qué da la sonoridad al country aparte del banjo, la steel guitar…? ¿Es una cuestión también del tipo de melodías?
David: «Los acordes son muy sencillos. Mucho mérito de este disco es de Sergio Pérez. Es un disco de productor. Es el que se ha pegado el currazo. Es la primera vez que solo hemos hecho las canciones».
Maria: «Le mandamos las canciones con los tres acordes típicos. Menos ‘Un Mundo Ideal’ y alguna más, lo ha hecho casi todo él».
Tú, David, produces tus discos y los de La Bien Querida y tú, Maria, también produces tus discos. ¿Un disco de country no es de melodía? No me parece un disco de producción…
Maria: «Aquí hemos hecho más de cantautores. Otra persona le ha dado la forma».
David: «La sonoridad que da el country la ha elegido Sergio: el banjo, la mandolina… Eran canciones acústicas que podríamos tocar ahora si nos acordáramos de ellas. Tanto ella como yo nos hemos involucrado en nuestros discos durante todo el proceso desde el principio al final y en este disco no ha sido así. El proceso ha sido relajado, lo hemos hablado entre nosotros: nos hemos encontrado el disco hecho, en comparación a otros discos que hemos hecho».
Maria, tú de repente trabajas voces apitufadas, diferentes sonoridades. ¿Por qué aquí no?
Maria: «No hemos hecho nada de eso. Va acorde con el concepto del disco, en el que hablamos de un amor duradero. Es un concepto clásico y lo hemos hecho a la antigua».
David: «Yo no soy tan buen músico. Las guitarras de Alberto son espectaculares, yo no llego a hacer eso. Hay que dejar hacerlo a quien sabe. Alberto y Sergio están más empapados del country».
Cantáis en un tema «Quiero un amor antiguo». ¿Eso queríais decir con lo de hablar del amor tradicional?
David: «Es lo que dice Ana Iris Simón, que ha escrito un libro que aboga por la familia tradicional. El disco va de que vemos que el amor moderno no da la felicidad tampoco. No te decimos que el antiguo la vaya a dar, pero… (risas)».
Maria: «Todo esto me pegaba con el country».
A mí sí me da la felicidad el amor moderno. Todo esto del poliamor, de quitar hierro a las infidelidades, de no montar un drama como si se fuera a acabar el mundo…
David: «Igual estás mejor de la cabeza que nosotros».
«Ojalá creer en Dios y tener ese bálsamo. Ojalá creer en el amor y tener ese bálsamo»
Es decir, que ahora que se habla del amor tóxico tradicional, de las parejas abiertas… queríais apostar por lo contrario.
Maria: «Tiene que ver con el individualismo. Lo de nuestros abuelos, aquello de aguantar lo que sea, era el modelo ideal. Con el individualismo, a la mínima nos vamos. El compromiso no está en auge. Hacemos una reivindicación de que lo de antes no funcionaba, pero lo de ahora tampoco».
David: «Las consultas de los psicólogos están llenas. Mi psicóloga se ha ido a vivir a la Moraleja. También son ganas de tocar las narices. Intentamos sacar el foco del amor moderno y ponerlo en otro lado, aun sabiendo que tampoco funcionará».
¿Cuán irónicas son las canciones?
David: «No lo son».
Maria: «Según David, no. Yo creo que un poco sí».
David: «La única irónica es la última. La del divorcio tiene retranca».
¿Y ‘Zombi’?
Maria: «Sí, y ‘Hacer el amor’. «Despertarnos tristes pero a la vez» es una frase irónica».
David: «Para mí es confundir deseo con la realidad. No estoy preparado para un amor así porque mi cabeza no da para eso. Pero ojalá creer en Dios y tener ese bálsamo. Ojalá creer en el amor y tener ese bálsamo».
¿El disco cuenta una historia de principio a fin?
David: «Nos lo planteamos pero no. Al final el disco es como un recital de Raphael, Julio Iglesias… con canciones de amor en las que eres indistintamente la víctima o el verdugo, son canciones sin más. La tercera (‘Viernes’) es más cortavenas y está ahí cortando el rollo. Sí queríamos terminar con ‘Nos vamos a divorciar’. La última es la que tiene especial retranca, y ‘Zombi’, como decías. Hay cierta verdad también en ellas. Celebrar la liberación de divorciarte».
Maria: «Vivir el divorcio con alegría».
David: «Pero tiene cierta ironía».
Maria: «Para mí eso justo no. Celebrar el divorcio es también muy necesario. Pero eso no va tan bien como celebrar el amor antiguo. Empezamos diciendo una cosa y terminamos diciendo otra (risas)».
¿Cuán en serio os tomáis este disco? Porque os veo mirándoos como improvisando en plan a ver qué dice el otro…
David: «No tenemos un discurso aprendido, es la primera entrevista que hacemos».
Maria: «Este disco no es tan conceptual como lo que solemos hacer, son canciones de amor».
David: «Está muy alejado del concepto. Es verdad que ella, yo menos pero también, tendemos al disco concepto. Y son canciones. Somos dos personas que nos hemos caído bien y teníamos mucho tiempo en la pandemia. Hemos intentado que fuera bonito, que no diera mucha rabia las letras (Maria se ríe)».
Maria: «Para él es diferente y puro».
David: «Para mí eso es un concepto hasta nuevo. Yo nunca he hecho un disco así».
¿Habéis escuchado cosas tipo She & Him?
Maria: «No los conozco».
David: «Yo tampoco».
«Al final este disco es más experimental que otras cosas que hemos hecho».
Jugaban a que eran pareja, pero todos sabían que no.
David: «Gente que se cae bien y quiere hacer cosas juntos. Yo me lo he tomado en serio».
Maria: «Y yo, aunque es verdad que en comparación a mis discos, es más ligero».
David: «Si este disco lo hace otro te parecerían canciones de amor cuquis, y no te sonaría tan raro».
Maria: «Está guay hacer cosas diferentes de vez en cuando, hacerlo desde un lugar distinto. Sacarme de la producción coge otro tono».
David: «Al final es más experimental que otras cosas que hemos hecho».
Maria: «Es como lo que hice con Martí Sales y Ramón Rodríguez y Martí Sales, Convergència i Unió».
Os tengo que preguntar por esta frase «No soporto Madrid pero siempre estoy aquí» de ‘Zombi’.
Maria: «Soy yo (risas) Siempre estoy pensando en volver a Barcelona, pero no vuelvo. Mi pareja vive y trabaja aquí y siento que tengo que estar aquí. Es un juego».
David: «Yo sí que no lo soporto».
Si te vas, ¿qué echarías de menos? ¿O qué te gusta menos?
Maria: «Hay mucha oferta cultural, mucho movimiento, es divertida, la gente es maja (risas)».
Parece que estás leyendo un comunicado.
Maria: «La he disfrutado en el plano cultural, de divertirme… Pero para vivir, no me veo a largo plazo. Me veo más en Catalunya, por mis sobrinos, la calidad de vida es mejor por el mar, es más tranquila. Estoy más a gusto. Madrid estresa un poco».
David: «Barcelona tampoco me gusta, se me va de las manos, no controlo, pero tengo a mi hija aquí. Aunque son las cabezas. Si la tienes regular, no vas a estar bien ni en Madrid, ni en Barcelona, ni en Sant Feliu. Bastantes descontrolado estoy, de serie, como para una ciudad como Madrid».
Maria: «Yo soy de pueblo».
David: «Yo también. Que luego yo allí me muero del asco…»
Maria: «No es que no nos guste, es que no es lo óptimo para mí».
¿De qué va la mención a Eurovisión de ‘Venga va’? Que a su vez me parece una expresión como muy catalana.
David: «No creas, la acabo de oír en un bar. Esa canción tiene truqui, ya estaba hecha».
Maria: «Estás desmontando más el concepto (risas)».
David: «Me pidieron cantar en la boda de Rocio Quillahuaman. Dije que no pero les hice una canción. La parte de Maria la hizo en principio Amaia de OT y la pusieron en la boda. Ese verso decía «cantó esta canción un señor indie mayor y ella una de Eurovisión». Y yo soy fan de Eurovision».
Dime algo que lo muestre.
David: «Siempre veo las semifinales, las finales. El año pasado me gustó mucho Suiza, Ucrania, Francia… Depende de la etapa de mi vida, algunos años no lo veo. Otros hago hasta tablas».
Hace unos años fue una canción country.
David: «Países Bajos. Esa la quisimos copiar».
Maria: «Estaba obsesionado. Intentamos hacer un vídeo así, pero nos salió mal. Estábamos sudados. No había presupuesto para hacer lo mismo. Pero el chaval era muy majo».
Hacia el final del disco hay una canción como más vuestra individualmente. La tuya es ‘Fantasmas’, Maria, es más oscura.
Maria: «Sí, está hecha para este proyecto. Es más rara. Habla de todas las historias fracasadas que llevo detrás. Es volver al tema del amor. «Tantas veces me han roto el corazón». Es hablar de la adicción a la intensidad del amor antiguo, amores tóxicos, apasionados, como una especie de enfermedad. Es una reflexión sobre eso».
Y la tuya, David, es ‘Lo que yo quería’.
David: «Me hizo gracia porque parece de Los Secretos. Nunca había hecho nada así. Son mis maneras de fracasar en el amor».
¿Qué expectativas tenéis con este proyecto? ¿Creéis que puede abriros puertas? No sé si os van a llamar de algún festival country.
David: «Al revés. Ahí somos unos impostores».
Maria: «Como yo en la copla (NdE: por ‘Maria canta copla‘)
David: «Vamos a ver si le gusta a alguien».
Maria: «Es nuestra forma de ser. Somos un poco así. David más que yo».
David: «Nos parecemos en eso, por eso cuajas».
«Si hacemos otro disco, podría ser de bachata romántica»
Detecto cierto derrotismo, ¿o es prudencia?
David: «No es un primer disco. Estás en la rueda de hacer cosas y ya no te hace tanta ilusión. Pero es un lanzamiento guay. Se lo puse a mi padre y le gustaba».
Maria: «Y a mi cuñada. Es otro target. Mi próximo disco es bastante de amor y es una novedad para mí. Los he hecho paralelamente. En producción son muy distintos».
David: «Es una enfermedad pero no nos gusta repetirnos. Nos gusta salirnos del tiesto. No creo que hagamos otro disco de country. Bueno, igual sí».
Maria: «Si nos fuera muy guay, haríamos otra cosa».
David: «No. De country con Joel».
Maria: «Yo probaría otro estilo».
David: «De bachata romántica».
¿Qué me podéis contar de vuestros próximos proyectos?
Maria: «Mi disco está grabado, no sé cuándo va a salir. Seguramente saldrá en septiembre, lo hice con el productor del disco de «las brujas», Joel Condal. Entro de nuevo en el mundo relaciones. Para no volverme loca en confinamiento me propuse hacer una canción por día. Tiene cierta mención a la pandemia, pero he intentado que no sea un disco de confinamiento porque no hay que revivir eso. Es sobre el encierro en pareja».
David: «He quedado con Crepus para hacer una canción cada día. Nos juntamos los martes, para hacer una canción de comarcas de Catalunya (NdE: continuación de Junco y Diamante). Estoy produciendo el nuevo de La BienQue. Canciones mías no tengo más que una».
¿Este disco es una reacción a las playlists de éxitos?
Maria: «¿En qué sentido?».
David: «Es antirrítmico».
Maria: «Yo nunca he hecho nada bailongo».
David: «Yo miro lo que hay e intento hacer lo contrario. Así me ha ido. En mi delirio pienso nos van a hacer más caso porque nadie lo está haciendo. Pero es lo contrario (risas)».
«En mi delirio pienso que nos van a hacer más caso por hacer lo contrario de lo que se lleva»
¿Algún referente pureta que hayáis descubierto preparando el disco, tipo Dolly Parton?
Maria: «Ojalá. Yo nunca había escuchado country, más allá de lo muy conocido. A nivel vocal son increíbles siempre».
David: «No somos muy expertos. Johnny Cash, Tammy Wynette, George Jones, Loretta Lynn… En Sant Feliu en el Gringos solo ponían música country. Y en mi pueblo había cierta tradición country».
Maria: «Es la base de mucha música americana. «Prince Billy» viene mucho de ahí».
David: «Al final estás pensando en pop, no en country. Es Sergio quien lleva todo al country, nos acercamos con las armonías, pero son dos o tres acordes de música pop».
Sabemos que muchos de los grupos del país, como Los Punsetes, no terminan de vivir de su música. Sabemos que muchos otros viven en la cuerda floja o en la incertidumbre desde mucho antes de la pandemia. Y luego está lo de La Habitación Roja. La vida de su líder Jorge Martí ya fue objeto de un documental, y ahora ha publicado su autobiografía, a sabiendas de que el tema iba a dar de sí.
Animado por esos músicos que ahora mismo ya venden más libros que discos, desde la Autobiografía de Morrissey hasta la novela de Zahara, ‘Canción de amor definitiva’ se ha publicado este año a través de Penguin. El libro comienza como una historia de amor muy, muy ñoña. Cuando en sus primeras páginas, los enamorados escriben «te quiero» en una ventana lleno de vaho el mismísimo día que se conocen, habría jurado que no iba a aguantar sus 440 páginas. Por suerte, enseguida remonta y resulta que ‘Canción de amor definitiva’ funciona a varios niveles.
En primer lugar, como relato de un artista «desde el otro lado». Si estás leyendo esto, seguramente seas fan de La Habitación Roja. En este libro podrás conocer de primera mano algunas curiosidades sobre su discografía, y cómo funcionan las cosas en la industria musical española independiente cuando se apagan los focos de los festivales más multitudinarios.
Con una prosa sencillísima pero ágil, Jorge Martí habla de los ilusionantes primeros pasos, ese momento en que parece que van a dar un salto gigante, la asunción y la conciencia de que tal salto no se va a producir, y todos los altibajos entre medias. No faltan pullas a su ex sello Mushroom Pillow, que tanto apostó por ellos pero por ejemplo no vio venir el potencial de ‘Indestructibles’.
Pero hay más. Comunicado fue el jamacuco que le dio a Jorge Martí en su momento, que requirió de su hospitalización y cancelación de shows, comentada alguna vez ha sido la enfermedad de su esposa, y también aunque nunca con suficiente hincapié el auténtico infierno de viajes en coche, tren o avión que ha tenido que realizar nuestro protagonista para conciliar su vida personal con la profesional. Bueno, con las dos profesionales.
Enfermero de día, músico de noche, a medio camino entre Noruega y España, ‘Canción de amor definitiva’ es un relato angustioso de cómo tiene que ganarse la vida un músico cualquiera de nuestro país, en este caso llevándose hasta el extremo. Porque no estamos hablando de volar de Madrid a Oslo de vez en cuando, sino de viajar frecuentemente de Valencia hasta un pueblo perdido de Noruega, en ocasiones por carretera. Esto es lo que se llama amor por la música y por la familia.
En tercer lugar, la autobiografía de Jorge Martí es también un relato descarnado por parte de una figura algo demodé en los medios de comunicación: el cuarentón hetero. El autor no se corta a la hora de hablar de sus problemas sexuales durante su adolescencia o incluso en la vida adulta; vive con vergüenza cuando un paciente le reconoce como líder de La Habitación Roja; desconoce cómo afrontar los problemas de comunicación en el grupo que él mismo lidera… Por diversas razones, seas fan o no, seguramente nunca te hayas sentido tan cerca de él.
‘Canción de amor definitiva’ se presenta este viernes 6 de mayo en el festival documental Dock of the Bay, en Donosti.
Chanel ya está en Turín para los primeros ensayos de Eurovisión, y bajo estas líneas podéis ver los primeros vídeos sobre el primer ensayo. La cantante mantendrá la coreografía vista en Benidorm Fest, pero con algunos cambios. Chanel ha manifestado estar contenta con este primer ensayo, si bien ha indicado que trabajarán en algunas mejoras.
A una semana de oír el pistoletazo de salida Eurovisión, RTVE también ha compartido los detalles del atuendo que vestirá Chanel en su actuación. Se trata de un mono diseñado y confeccionado por Palomo Spain, donde combina el estilo personal de la cantante con las influencias andaluzas que lo caracterizan. El traje es negro, y lleva encima 50.000 cristales Swarovski rojos y blancos cosidos a mano.
Palomo ha contado a RTVE: «He diseñado un mono de licra y tul hecho sobre su cuerpo, y lleva unas aberturas muy sexis en las piernas, como si fura un body que lleva zajones, y el cuerpo lleva un escote cuadrado, que es muy Palomo». «¡Hemos cosido a mano 50 mil cristales, uno a uno! Ha sido un trabajo espectacular de todo mi equipo, y hemos trabajado miles de horas. ¡Hasta mi madre y mi tía han cosido cristales!». El traje tiene una clara inspiración taurina y andaluza, algo que puede sonar a tópico español en Eurovisión pero lo cierto es que esas son las referencias de Palomo en sus colecciones.
El mono lo corona una torera del mismo color que evoca esa estética tan reconocida y reproducida internacionalmente. Diseñadores como Yves Saint Laurent, Christian Lacroix, John Galliano o el mismo Cristóbal Balenciaga han echado mano de esta prenda a lo largo del tiempo. «Sí hay una inspiración andaluza, porque la chaqueta parece la portada de la Feria de Sevilla, con todos esos puntos de luz y los redondeles que lleva bordados». «Lo que se pretende es que España sea reconocible a primera vista, que nada más salir Chanel al escenario se sepa que es España», explica Palomo.
Por otro lado, la noticia de que el gran sol central cinético ha fallado y no podrá usarse en el escenario de Eurovisión ha producido la frustración y la risa de los eurofans. Muchos países se encuentran entre serios quebraderos de cabeza para conseguir modificar la puesta escena a menos de una semana de que dé comienzo. Sin embargo, Chanel ha intentado tranquilizar a los suyos asegurando que a su actuación «no le hace falta un sol para brillar». «Nosotros a lo nuestro».
Javier Ambrossi y Javier Calvo, estos días de actualidad como jurado de la trepidante segunda temporada de Drag Race España, anuncian nueva serie. La sucesora de ‘Veneno’ no se podrá ver en A3 Player, en cambio, sino en Movistar Plus+.
El anuncio ha tenido lugar esta tarde y se han hecho eco de él los distintos portales televisivos, como Vertele. ‘La Mesías’ es el nombre de esta serie escrita, dirigida y producida por Los Javis, y abarcará distintas épocas y géneros, desde los años 80 hasta la actualidad.
Calvo la ha descrito como “un drama familiar casi apocalíptico”, más oscuro de lo que acostumbran. Indica: “Ahonda otra vez en la fe, de lo que queríamos volver a hablar desde un ángulo más oscuro y doloroso”.
Se ha transmitido la sinopsis de la serie aunque Ambrossi advierte que la lectura que hacemos no debe ser simplista, pues será una serie con muchas capas: “El vídeo viral de un grupo de música pop cristiana compuesto por cinco hermanas impacta en la vida de Enric, un hombre atormentado por una infancia marcada por el fanatismo religioso y el yugo de una madre con delirios mesiánicos. La Mesías es un thriller familiar que habla de la superación del trauma, de la fe como herramienta para llenar el vacío y del arte como única vía de escape del terror». Flos Mariae vibes??
Por su parte, Movistar Plus+ ha mostrado su satisfacción con el proyecto. Domingo Corral, director de ficción original de la plataforma, ha dicho sobre Los Javis: “Están en España, y podrían estar en EEUU, así que con franqueza me parecían inalcanzables”.
Los Javis también tienen en marcha ‘Vestidas de azul’, spin-off de ‘Veneno’ y la segunda temporada de ‘Cardo’ como productores.
Hace ya tres años que HBO confirmó ‘House of the Dragon’, la precuela de ‘Juego de Tronos‘, pero la espera esta cerca de llegar a su fin. La productora ha compartido el primer tráiler de la serie que verá la luz el 22 de agosto en España. El argumento de ‘House of the Dragon’ está basado en ‘Fire and Blood’, novela publicada en 2018 por el escritor de los libros de ‘Juego de Tronos’, George R. R. Martin.
El argumento tiene lugar 300 años antes de la serie original, centrándose en la la historia de Viserys Targaryen y su Casa durante la guerra de la Danza de los Dragones. El personaje protagonista lo encarnará Paddy Considine, y también forman parte del reparto Matt Smith, Emma D’Arcy, Milly Alcock, Rhys Ifans y Olivia Cooke, entre otros. Junto a la frase «fire and blood» o «fuego y sangre», HBO ha compartido en las redes sociales de la serie una foto de cada uno de los protagonistas. Las fotos están acompañadas por una pequeña descripción sobre cada uno de los personajes.
“Los hombres preferirían incendiar el reino antes que ver a una mujer ascender al Trono de Hierro”. Esta podría ser una cita de las primeras guerras carlistas para evitar el reinado de Isabel II de España, pero es parte del tráiler. Sin embargo, al equipo de ‘Juego de Tronos’ siempre le ha gustado mucho grabar en ubicaciones españolas como Gaztelugatxe, el flysch de Zumaia o el Real Alcázar de Sevilla. Esta vez, el equipo a vuelto para grabar en Cáceres, Trujillo o Granada.
Nuestro colaborador Juan Sanguino ha escrito una biografía de Britney Spears, ilustrada por la artista Inés Pérez. El libro es editado por Penguin Random House y ya está a la venta en la tienda de JENESAISPOP por 19,90 euros. Comprándolo estarás apoyando tanto a uno de nuestros redactores especializados en cultura pop como a la web musical que consultas cada día.
‘Britney. One More Time’ es un libro de tapa dura de 120 páginas, dividido en 9 capítulos. Los episodios van desde su infancia («Qué niña es esta») hasta su liberación de la tutela («Más fuerte») pasando por el infierno que fue esta («Trabaja, zorra»), así como sobre otros puntos de su vida. Mientras las ilustraciones recrean momentos icónicos como sus portadas para Rolling Stone o el beso en MTV con Madonna, Juan Sanguino comenta qué significaron estos hitos para la superestrella. Además, Juan Sanguino será el invitado en nuestro podcast esta semana para hablarnos del libro y de toda la carrera discográfica de Britney Spears.
Os dejamos con la sinopsis oficial del libro: «Pero ¿qué pasó realmente con esta estrella? ¿Quién estuvo detrás de su lanzamiento, de su explotación y de su debacle? ¿Cómo fue su vida durante los 13 años que pasó sin libertades y tutelada legalmente? Y lo más importante: ¿Quién es Britney Spears? Después de toda una vida siendo un icono (del pop, del triunfo, del erotismo, de la feminidad, de la celebridad, de la superación, de la libertad), ¿cómo es realmente la mujer que, detrás de toda esa simbología, siempre ha luchado por ser feliz y ser una persona normal? ‘Britney. One More Time’ es un libro imprescindible para comprender a la estrella del pop más emblemática del siglo XXI». Cómpralo en JENESAISPOP.
Tove Lo es una de las mayores hacedoras de hits de la industria sueca. Después de 4 discos notables, a destacar ‘Queen of the Clouds’ y ‘Blue Lips‘, su inspiración no se ha acabado. Esta semana ha publicado nuevo single, un ‘No One Dies from Love’ que seleccionamos hoy como “Canción del Día”.
’No One Dies from Love’ comienza como una producción a lo Eurythmics que luego deriva en un electropop hacia los territorios de Hot Chip y Robyn. Suena por tanto al electropop que se ha hecho durante la última década y media. Como composición, es una decepcionada canción de amor que se pregunta dónde ha ido la magia del principio. “¿Qué ha pasado? Ojalá lo supiera”, se pregunta antes del pre-estribillo y del estribillo.
Si la canción plantea que “nadie muere por amor, supongo que seré la primera”, suponemos que irónicamente, el videoclip ha decidido dar una vuelta a este concepto. Planteado como una especie de ‘The Girl and the Robot’, presenta influencias de pelis y series como ‘Blade Runner’, ‘Black Mirror’ o ‘Ex Machina’.
Os recordamos que la cantante también acaba de componer un tema para la segunda temporada de ‘Euphoria’. Se trató de ‘How Long‘. Además, estará actuando el 6 de julio en la Sala Bikini de Barcelona. Las entradas están disponibles en Live Nation.
ASAP Rocky ha publicado el videoclip para su nuevo single ‘D.M.B.’ que protagoniza junto a Rihanna, su pareja. Este vídeo es el primero que hace Rihanna relacionado con la música en años, e inevitablemente hará que todos los focos giren hacia ella.
El videoclip está grabado en la ciudad natal del rapero, Nueva York, y narra la historia de una pareja que vive entre armas, dinero, mucha calle, y mucho amor. En una de las escenas, ASAP se encuentra encarcelado y Rihanna se abalanza apasionadamente hacia él todos los días que le dan el permiso para salir.
Hacia la mitad de la canción el tema toma un giro más romántico, positivo, risueño, donde ASAP Rocky deja de rapear y canta unas estrofas que solo pueden estar dirigidas a su pareja. De hecho, a ASAP le acompañan imágenes de ambos personajes en su propia boda, lo que hace levantar sospechas sobre un posible enlace.
Las redes ya están al tanto de este videoclip, y uno de los comentarios más repetidos es sobre Rihanna y su embarazo. La artista deja verse fumando un porro en el video, pero medios estadounidenses como Variety explican que el vídeo fue filmado el verano pasado, probablemente antes de quedarse embarazada. Lo que seguro va a inundar las redes es el hipotético (a estas alturas ya casi utópico) regreso a la música de Rihanna. Desde ‘ANTI‘ hace seis años, su próximo disco iba a ser un álbum pop, uno jamaicano, pero hasta no tener la carátula delante no hay quien se fie.
Seguimos en pleno debate sobre lo despectivo o lo apropiado del término «generación de cristal». La escritora que lo acuñó, Montserrat Nebrera, ha matizado su definición, hablando de «hedonismo» e «indolencia», pero también de «frustración», de «miedo» y de «crisis de los modelos económicos».
Arcade Fire comienzan su nuevo álbum ‘WE’ de manera muy parecida. Hablan de «la edad de la duda» en la que «nadie duerme» porque «las pastillas ya no nos sirven». Titulan el tema «La edad de la ansiedad». En el texto con que presentan el disco hablan de Marley, Buddha, Abraham y Martin Luther King Jr. Concluyen tan ilustrativa nota así: «los hipsters lo llaman jazz, los hippies lo llaman amor, nosotros lo llamamos NOSOTROS».
Queda así más o menos explicada la voluntad pacífica y comunitaria de ‘WE’. El nuevo disco de Arcade Fire se divide en dos partes. La primera se llama «I» e, inmersa en la depresión, nos habla de cielos fríos, de gente que se queda dormida viendo la televisión, de padres ausentes, del fin de una era. La segunda parte, la apropiadamente llamada «WE» es su propuesta de recuperación, representada por los sencillos con que se ha presentado el álbum: ‘The Lightning’ y la primera parte de ‘Unconditional’, «Lookout Kid».
‘The Lightning’ nos habla de forma velada de las últimas elecciones en Estados Unidos, del miedo a que ganara Trump, especialmente por parte de los migrantes de Haití, mientras «Lookout Kid» es una canción de afecto hacia un hijo. Win Butler y Régine Chassagne son padres de un niño de 9 años y parecen más que preocupados por la deriva de una generación que vive con menos certezas y seguridades que la anterior. Aquí muy claramente le alientan a él y a toda su generación perdida: «Hay cosas que podrías hacer que nadie más en la Tierra podría / Pero yo no puedo enseñarte».
Arcade Fire están tratando de comunicarse con la generación pre-adolescente, adolescente y post-adolescente concienciada con la salud mental, de Billie Eilish a Ariana Grande, mientras musicalmente tratan de reconectar con sus antiguos seguidores. Generalmente, la corriente de opinión consideró su anterior entrega ‘Everything Now’ un tropezón, pese a contener uno de los mayores éxitos de su carrera, el tema titular, y composiciones tan bonitas como ‘We Don’t Deserve Love’. Un poco sobrevalorado por mi compañero Pablo Tocino, y un mucho infravalorado por el público, el disco ha sido dejado atrás, en cualquier caso, pues ‘WE’ es mucho menos marciano.
Con todas sus canciones excepto la final ‘WE’ divididas en dos, tres y cuatro partes, este álbum de Arcade Fire funciona a modo de musical. Comienza con la mencionada ‘Age of Anxiety I’, en la que conviven los pasajes acústicos, a piano, con jadeos. Los sintetizadores se van imponiendo de camino a la segunda parte de esta pista, identificada como «Rabbit Hole». Aquí encontramos de nuevo a los Arcade Fire de su reinvención más inesperada, ‘Reflektor‘.
‘End of Empire’ es una odisea de 9 minutos en la que última y cuarta parte se dedica al personaje «Sagitarius A». Ahí merece la pena pararse en la producción del álbum. Está a cargo de Nigel Godrich, conocido por todo el mundo como «El Sexto Radiohead». Sin embargo, es Dave Fridmann quien parece haberles inspirado a juzgar por el preciosista trato de voces y detalles, de carácter onírico, entre el folk de bosque y el dream pop.
Más tarde, tras los sencillos, Régine recupera el brío ochentero en la segunda parte de «Unconditional», «Race & Religion», para hablar de la importancia de la unidad. Al final, el disco escoge cerrarse con un tema acústico, el que da nombre a todo. «Cuando todo acabe, ¿podremos hacer todo de nuevo otra vez?», se pregunta el tema, dejando un sabor tan agridulce y hermoso como el de ‘Automatic for the People‘.
Es imposible pasar por alto los innumerables guiños que encontramos al que fue el gran colaborador de lujo de Arcade Fire, David Bowie. La segunda parte de ‘End of the Empire’, titulada «Last Round», recuerda a los primeros 70, los tiempos de ‘All the Young Dudes’ y ‘The Man Sold the World’, y ya puestos, le encontramos en menciones al espacio, a laberintos, en guiños glam e intenciones conceptuales. No hay una reinvención camaleónica en ‘WE’. Lo que sí encontramos es un gran 6º álbum que deja algunos de los momentos más reconfortantes y excitantes de la carrera de Arcade Fire. No está mal para los autores de ‘The Suburbs‘.
Conoces a Suu por sus colaboraciones de audiencia millonaria con Carlos Sadness, ‘Eres un temazo’ y ‘Barcelona tropical’. Con él ha trabajado sobre todo el sonido tropicalillo de ukelele y pies descalzos prestos para bailar sobre la arena húmeda.
Pero Suu también ha trabajado con La La Love You, Ginebras, Delafé o más recientemente Dorian. En ‘Ritual‘ entona junto a Marc el último tema, el primero que el grupo autor de ‘Cualquier otra parte’ canta en catalán. Suu, que alterna con naturalidad este idioma y el castellano, suma ya hasta una treintena de colaboraciones de diverso pelaje.
Ese ritmo tropical de sus mayores hits se mantiene en el tercer disco de Susana Ventura, llamado ‘Karaoke’, en las estrofas del tema llamado ‘Boom’. Pero en verdad Suu se entrega en este proyecto mayoritariamente al sonido pop-rock, de moda gracias a nombres como Olivia Rodrigo -por la vía de Avril Lavigne- o Aitana -por la vía de Pignoise-.
Para trabajarlo se ha rodeado de algunos productores tan populares como Tato Latorre (Antonio Orozco, David Otero) y Santos & Fluren (Love of Lesbian, Izal, Sidonie), además del más novel Gerard Giner de Blind Records. Y a este le encontramos precisamente en el que ha resultado el mayor hit de este disco: una versión del clásico de Radio Futura, ‘Enamorada de la moda juvenil’.
El álbum se ha promocionado con un vídeo para ‘Nota de voz’, y también llama mucho la atención esa letra de ‘Karaoke’ en la que cita varios clásicos de la música popular. Lo mismo le dan los 60 (‘Chica Yeyé’) que los 80 (‘A quién le importa’) que los 2000 (‘Atrévete’ de Chenoa). Además, el álbum contiene delicadezas como ‘De ti para mí’, una balada de acordes tipo años 50, solo que desplegados con una percusión infantil en lugar de a la guitarra o al piano. En ella, trata de huir del amor tóxico de «energía masculina» y de atraer a quien no debe. Junto a la medio synth-popera ‘Creo (Que TK)’, probablemente sea la mejor composición de Suu para este álbum.
Sin embargo, al final la cabra tira para el monte, y entre la vigencia del tema de Radio Futura, los muchos seguidores que mantiene la banda primigenia de Santiago Auserón, y los de la propia Suu, es ‘Enamorada de la moda juvenil’ la que se está quedando los streamings.
No dudamos ni un mínimo que será una de las canciones más coreadas en esa gira que lleva a Suu por todo el país. El 14 de mayo estará en el Palau de la Música de Barcelona, el 9 de junio en la Sala Sol de Madrid, y también aguardan más de una decena de festivales como Sonorama, Festival de los Sentidos y un largo etcétera que puedes consultar en suu -JÓJÓ- página web.
Tras el éxito de su primera edición, incluso con sillas de por medio, Festival Brillante vuelve los días 16, 17 y 18 de septiembre a Chapinería, en la sierra madrileña. El festival está encabezado por Amaia, en la que será la única fecha en Madrid este año presentando su segundo disco, que sale a la venta la semana que viene.
También se había confirmado ya a Julieta Venegas, Israel Fernández, Erik Urano, Mujeres, Judeline, LVL1, Rakky Ripper y Viva Belgrado, entre muchos otros.
Hoy hay nuevas confirmaciones encabezadas por La Casa Azul, que acaba de protagonizar un doble sold-out en Madrid y Los Punsetes. Estos últimos presentan su recopilatorio de 4 caras ‘España necesita conocer’. Pero también estarán por allí Alondra Bentley con nuevo disco, Megane Mercury, Alavedra, nuestros queridos Eterna Joventut, Fermi, Flavia Marsano, Mainline Magic Orchestra, MEMÉ, Nueve Desconocidos y Sofia.
Los abonos de 3 días están a la venta a través de la página web del festival tan sólo hasta el 10 de mayo. Desde ese día, cuando se conocerá el cartel por días, habrá entradas de día y abonos de 2 días V+S, S+D e incluso V+D.
Eurovisión se celebra a partir del martes 10 de mayo en Turín. El festival tiene lugar en Italia gracias a la victoria de Måneskin, ni más ni menos que los artistas más exitosos que han surgido de toda la historia de Eurovisión desde ABBA.
Es habitual que el ganador del año anterior actúe y esté presente en la ceremonia para entregar su corona al nuevo, por lo que es de esperar que Måneskin pasen toda la semana en Turín realizando actos promocionales. Y no, no perderán el viaje.
El grupo de Damiano David ha aprovechado la coyuntura para informar de que el próximo 13 de mayo es la fecha elegida para el lanzamiento de su nuevo single. De momento conocemos su portada, que es la que veis sobre estas líneas, y también su nombre: ‘Supermodel’. Un teaser en Youtube muestra un cuerpo en una piscina, boca abajo, por lo que cabe esperar una crítica al mundo del famoseo, que termina incluso con la muerte. La canción se estrena un día después de la segunda semifinal de Eurovisión y un día antes de la gran final.
Måneskin han logrado un éxito masivo no solo con la canción ganadora de Eurovisión 2021, ‘ZITTI E BUONI’, sino sobre todo con su otro tema ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ y con su versión de un clásico de los 60, ‘Beggin’’. Esta última acaba de rebasar los 1.000 millones de reproducciones en Spotify.
El último single de la banda hasta la fecha ha sido ‘MAMMAMIA’, que sí ha tenido una repercusión más limitada a Italia, donde ha sido top 6 y disco de oro.
BTS han anunciado que su nuevo lanzamiento será un recopilatorio. En concreto, una antología. ‘Proof’ repasará los nueve años de carrera de la banda surcoreana en una suculenta caja y a lo largo de tres CDs, incluirá tres canciones nuevas y saldrá a la venta el 10 de junio.
Big Hit Entertainment, casa de BTS, ha comunicado que el lanzamiento de ‘Proof’ cumple dos propósitos. En primer lugar, «celebrar el noveno aniversario de BTS» y, en segundo, «proporcionar a los fans de BTS una colección comprehensiva de todas sus canciones». Las diferentes pistas incluidas en ‘Proof’ «reflejan los pensamientos e ideas que los miembros de BTS comparten sobre el pasado, el presente y el futuro de BTS».
Aunque el tracklist de ‘Proof’ no se ha dado a conocer todavía, el tráiler que se ha compartido del álbum desvela que el recopilatorio abarcará lanzamientos tempranos como ‘O!RUL8,2?’ o ‘Skool Luv Affair’, así como los internacionales ‘Love Yourself: Tear’, ‘Map of the Soul: 7’ o ‘BE’. Los dos últimos fueron exactamente los dos discos más vendidos de todo 2020.
Los últimos años han sido especialmente fructíferos para BTS. La boyband ha arrasado con dos macrohits como han sido ‘Butter’ y ‘Dynamite’, y también ha triunfado con su single colaborativo con Coldplay, ‘My Universe’ o con el reciente ‘Permission to Dance’.
Estos días, BTS están de actualidad también porque uno de sus integrantes, Suga, aparece en el nuevo single viral de PSY, ‘THAT THAT‘, tanto como artista invitado como productor.
Tengo mis reticencias sobre si !!! tienen aún algo que decir en 2022. El grupo que conociéramos a principios de los 2000 en plena eclosión dance-punk, influidos por bandas de finales de los 70 como Gang of Four y Talking Heads jamás ha dejado de sacar discos. ‘Let It Be Blue’ es el nuevo que publican este viernes 6 de mayo e incluye temas acústicos, rockeros, dance, una versión irreconocible de R.E.M. y hasta un dembow.
Nic Offer y Rafael Cohen han estado en Madrid recientemente promocionándolo, tan sólo para demostrar lo equivocado que estaba. Hablar con ellos sobre modas, ritmos, conceptos y su situación en la industria musical es apasionante. Nic bromea y te hace reír prácticamente a cada frase que pronuncia. No da puntada sin hilo. Rafael muestra tener las ideas claras en la cabeza. Con el tiempo, su concepto de la música de baile se ha abierto. Hablamos con !!! sobre todo eso y un hipotético regreso al mundo del rock que no se termina de producir y según ellos NO se va a dar.
Termináis este nuevo disco con un tema llamado ‘This Is Pop 2’ y lo que más me gusta de este álbum es lo divertido que resulta, aunque a veces sea un poco tonto, como en ‘Crazy Talk’. Habladme sobre vuestra visión de la música pop. Por ejemplo, ¿os estáis riendo de lo tonta que puede llegar a ser?
Nic: «No es que nos riamos de eso. En el instituto siempre escuchaba a los Smiths, que eran serios y divertidos al mismo tiempo. Todo el mundo sabe que haría bromas en mi propio funeral. La vida es humor también. El humor es una parte del disco porque el disco representa la vida. La vida es divertida y seria al mismo tiempo».
Las letras de los Smiths eran divertidas, pero eran inteligentes a su vez…
Nic: «Las nuestras también» (risas). No parece que te preocupes tanto por las letras como Morrissey.
Nic: «Me preocupo tanto como él, es solo que no soy tan bueno escribiendo (risas)».
Rafael: «Al final ‘This Is Pop 2’ es como decir al final del disco «esto es el pop, todo lo que has oído cabe dentro del pop». La canción es una apreciación de eso. En el disco enseñamos que el pop es desde una persona con una guitarra acústica hasta todo lo que suena después».
Antes de preguntaros por la canción acústica que abre el disco… Morrissey puede que se preocupe por las letras, pero creo que ya no se preocupa tanto por la música…
Nic: «Eso es cierto. Y puede que tampoco por las letras» (risas).
Habéis dicho que ‘Normal People’ es la primera canción del álbum porque queríais sorprender a la audiencia. ¿Qué significa esta canción en cuanto a letra?
Nic: «La idea básica es que podíamos empezar el disco con ‘This Is Pop 2’ y terminar con ‘Normal People’, o justo al revés, pero era dar la respuesta a todo demasiado al principio. Y de este otro modo era una sorpresa, dejar el mensaje de que no hay reglas, de que cualquier cosa puede pasar. La canción habla de que la gente lucha con la idea de ser especial, único o simplemente como todos los demás. En tu lucha interna quieres ser como los demás, pero al mismo tiempo único».
¿Todos estabais de acuerdo en que el disco funciona con esa primera pista en ese lugar?
Nic: «¡Pregúntale a Ana (Naranjo, de su sello en España Music As Usual)!».
Rafael: «Para mí es un riesgo y una aventura para lo que queríamos decir. Abre una puerta y por todas las preguntas que hacéis los periodistas, parece que está funcionando: está llamando la atención».
Habladme de ‘Un puente’, esta canción que habéis hecho en español.
Rafael: «En este disco hemos trabajado por separado. Nic tenía un instrumental y me decía que parecía un dembow, aunque no sé si era intencionado o no. Como yo hablo español, y habíamos hablado muchísimo de los ritmos dembow, esta canción parecía tener el espíritu correcto para hacer algo así para ver si funciona. Es como un sample de techno lento. Es un dembow como con un órgano de carnaval. Es emblemático y muy indicativo de cómo se hizo el disco: se hizo en casa con Nic y yo desde mi casa reaccionaba con cosas sobre lo que me mandaba».
«Me tomo muy en serio lo de ser una banda de baile. Por eso el dembow nos interesa un montón»
Los ritmos latinos han ido tomando la música en las últimas dos décadas. No sé si teníais eso en mente. ¿Cómo habéis vivido el avance de la música latina?
Nic: «Me tomo muy en serio lo de ser una banda de baile. A partir de ahí nos hemos ido expandiendo. Todo lo que tenga que ver con la música dance tiene que ver con lo que hacemos. Es algo que podemos tomar para nuestra música. El dembow, por razones aburridas como su tempo o los cortes en las voces… nos interesa un montón. Cuando escuchas la canción correcta, nos dejamos llevar, como en la versión de ‘Man on the Moon'».
¿Siempre habéis tenido una idea tan abierta de vosotros mismos?
Nic: «No, solo en la pandemia (risas)».
Me sorprende leer que en ‘Wallop’ (2019) era la primera vez que os entregabais a los años 90. !!! era música de baile, pero hasta entonces parecíais más enfocados en los 70. Estáis siendo más abiertos ahora.
Nic: «Ya éramos abiertos antes pero los tiempos han cambiado, la manera de ser abierto en 2007 no tiene nada que ver con la de ahora. La influencia de los años 90 sí estuvo ahí antes de ‘Wallop’ pero quizá de un modo más superficial. Y ahora nos dejamos llevar por las mismas influencias de manera más profunda».
Rafael: «Si escuchas nuestra canción ‘All My Heroes Are Weirdos’ (2007) te puedes dar cuenta de que tiene un beat parecido al reggaeton, pero por el modo en que lo filtramos entonces, no se transmitía tan claramente al oyente. Ahora suena más cercano a como queremos que suene».
«Basement Jaxx eran los Daft Punk divertidos. No eran tan cool, pero eran más divertidos»
Por unas cosas o por otras, vuestros últimos dos discos me han llevado a Basement Jaxx, y no sé si es un piropo para vosotros.
Nic: «¡Me gustaban mucho en los 90!».
Nadie habla mucho de ellos.
Nic: «Sí, están infravalorados, hicieron lo suyo, eran buenos. Eran los Daft Punk divertidos. No eran cool pero eran más divertidos (risas)».
En cuanto a la versión de R.E.M., se cumplen 30 años de ‘Automatic for the People’. Es un disco que me sé de memoria, pero me ha costado reconocer ‘Man on the Moon’.
Nic: «Hubo un momento en que el disco y el rock se alinearon, en la época en que Scissor Sisters hicieron la versión de ‘Comfortably Numb’. El otro día en una fiesta pincharon la versión de Sylvester de ‘Southern Man‘ (Neil Young). ¿Cómo puedes hacer versiones dance de Tina Turner o Led Zeppelin…? Nunca habíamos hecho eso. Lo intentamos con Magnetic Fields, pero esto es una versión más sorprendente. Tienes que dedicar un minuto para darte cuenta de lo que es.
¿Habéis tenido alguna reacción de R.E.M.?
Nic: «Michael Stipe nos dijo que le encantó. Sí, nos lo puso por Instagram. Sé que es una persona difícil, pero también divertida. Le vemos en fiestas de Nueva York, aprecia ese tipo de cosas».
Rafael: «Es divertido porque el creador de la canción no puede hacer una versión así por sí mismo, pero hey, la canción sola sí puede llevar a eso».
Siempre seréis underground, no pop…
Nic: «Me gusta el pop, pero si me preguntas por mis discos favoritos, serían ‘Murmur’ y ‘Reckoning’.
Rafael: «Sé que a ti no, pero a mí sí me encanta ‘Automatic for the People’. Hicieron un disco oscuro cuando estaban en lo más alto. Fue un riesgo que moló mucho».
¿Qué comentabais sobre vuestra vieja versión de Magnetic Fields?
Nic: «Es del tema ‘Take Ecstasy With Me’, creo que hicimos una buena versión, pero creo que no les gustó tanto como a Michael Stipe. Aprendimos mucho de hacer la versión de Magnetic Fields y fue single de la semana en el NME. Nunca habíamos hecho una cosa tan corta y concisa, aprendimos un montón del proceso».
Stephin Merritt no es tan majo…
Nic: «No es tan majo, no… (risas) Pero bueno, sabe cómo escribir. Son dos cosas distintas (risas)».
‘Storm Around the World’ y ‘This Is Pop 2’ me parece que pueden contener mensajes políticos, cuando hablan de cosas como «dame todo el poder», lo cual lleva a Patti Smith. No creo que haya un mensaje político en el disco, pero decidme vosotros.
Nic: «No, no especialmente. En el pop siempre está esta idea de liberación. Rage Against the Machine, Public Enemy, The Clash… no importa cuán genuina sea la revolución, pero la liberación siempre está ahí. Estas canciones simplemente tienen esa actitud inherente al rock’n roll».
‘It’s Grey, It’s Grey’ es la verdadera canción rock del disco, pero no habéis querido que sea un single.
Rafael: «No elegimos los singles. Es una canción muy directa, muy de darte «en la cara». Me gusta que esté en el disco como sorpresa. Es más bailable. Si lo tuyo es el rock va a ser tu favorita. Me gustan las canciones que dividen de este modo, que pueden ser tu favorita o la que menos te guste, según tus gustos».
Este tema lleva un poco a la música de vuestros inicios.
Nic: «Sé lo que quieres decir, es como dance-punk, pero nunca habíamos hecho una canción tan rápida, tiene guitarras distorsionadas».
Rafael: «El rock que hemos hecho hasta ahora estaba más en los últimos años 70, como tú mismo has dicho».
Y esta es más 2001 y 2004.
Ambos: «Sí, eso es».
¿Cómo veis vuestra posición en la industria musical? hay muchos discos de !!! En cuanto a grupos de vuestra época, Radio 4 no han hecho tanta carrera, LCD Soundsystem dijeron que se retiraban… luego volvieron… pero vosotros siempre habéis estado ahí, constantes, sacando cada 2 o 3 años. ¿Cómo os veis?
Nic: «¿Cómo nos ves tú?».
Rafael: «Dínoslo tú».
Nic: «Que nos lo diga Ana (Naranjo)».
Vamos por el disco 9º, sé cómo suena eso. No me gustan los discos 9º de otros grupos. Nadie dice: «¿qué disco escuchar de esta banda?», «escucha el 9º»
Os veo como trabajadores muy constantes, me pregunto si os veis infravalorados.
Nic: «Todo el mundo se siente infravalorado, y nosotros también. Nos gusta pensar que estamos en nuestra propia liga. Vamos por el disco 9º, sé cómo suena eso. No me gustan los discos 9º de otros grupos. Nadie dice: «¿qué disco escuchar de esta banda?», «¡escucha el 9º!». Hemos trabajado y nunca hemos sido lo suficientemente famosos como para ser una mierda. Eramos únicos y no como las demás bandas. Cuando vi el documental de Sparks, me inspiró ver cómo lo seguían intentando. Incluso The Fall, una banda que siguió a lo suyo, eran unos amigos y la gente se preguntaba por qué seguían. Y al cabo de unos años le molaban a todo el mundo. Soy optimista y creo que estamos en un lugar así».
Nunca he leído malas críticas de vuestros trabajos.
Nic: «Yo las encontraré por ti (risas)».
Rafael: «Sí, sí que las hay».
Por otro lado, no tenéis en cambio ni un top 100 en discos en Reino Unido, que es raro para alguien de vuestro estilo.
Nic: «Ya…»
¿Cuál os parece vuestro trabajo más infravalorado?
Nic: «Ojalá este sea sobrevalorado».
Rafael: «Quizá ‘Wallop’, me gustó mucho, pensé que gustaría algo más».
Creo que ese disco abrió algunas puertas…
Rafael: «Igual fue un disco de transición y no se entendió».
Nic: «No lo escucho, pero era un disco con el que quedamos muy contentos».
«No creo que el rock vuelva. Ahora la gente se va a un ordenador y en una hora tienen una canción que suena como su canción favorita de la radio»
¿Qué os ha excitado más de la música últimamente o qué creéis que va a pasar este año?
Nic: «No creo que el rock vuelva. La gente siempre está esperando que vuelva. Ahora que la gente puede estar junta, y se puede tocar y ensayar, puedo entender que haya gente que crea que va a pasar. Siempre digo que cuando era pequeño, lo que quería era juntarme con una banda y hacer ruido. Pero ahora la gente se va a un ordenador y en una hora tienen una canción que suena como su canción favorita de la radio. Entiendo que hay una energía ahí, pero no veo a la gente volviendo al rock».
Franz Ferdinand nos contaron hace poco que ellos pensaban que iba a volver ya.
Nic: «Pero no termina de pasar. El disco de Rosalía es un disco de ordenador y suena fresco. No lo sé porque no he escuchado su nuevo material, ¿pero pueden Franz Ferdinand ahora mismo sonar así de frescos?».
Rafael: «No creo que nadie averiguara lo que iba a pasar con White Stripes. Tiene que surgir una banda rara, diferente y será entonces cuando tendrá sentido, pero hasta que no pase, no podrás adivinarlo».
Por último, deciros que me encanta el diseño del disco. Parece simple pero me encanta. Me encantan las portadas de los singles en Spotify, el modo en que se identifican vuestras nuevas canciones en Spotify.
Nic: «¡Sí! Tuvimos suerte, había unos cuantos diseñadores que nos presentaron unas cuantas ideas. El concepto inicial era otro, pero esto estaba tan bien que lo cogimos.
Rafael: «A nivel gráfico ha logrado unificar todo. El disco parece unido. Como ‘Shake the Shudder’ contiene gritos y eso iba muy bien con este disco para que se sintiera bien construido».
Todavía no sé cómo buscaros en Google y cada vez que escribo el nombre del grupo en un titular, toda nuestra base de datos se vuelve loca.
Nic: «Es nuestra parte underground y así es como entramos en webs como la tuya».
Este viernes 6 de mayo se publica el que está llamado a ser uno de los mejores discos popis del año: ‘CARIÑO’ (sic, en mayúsculas), lo nuevo de Cariño. Han publicado de él varios singles como ‘llorando en la acera’ y ahora justo comparten un último adelanto antes de este viernes. Tiene el gráfico título de ‘año de mierda’. Con él abrimos una nueva edición de “Sesión de Control”, nuestra playlist dedicada al pop nacional.
Dos habituales de esta sección se han unido en un solo tema. Hablamos de la revelación mariagrep y Kimberley Tell, en este caso en un adelanto para el disco de la última, que se publicará próximamente bajo el nombre de ‘Error 404’.
También en una vena de electrónica muy particular suenan la colaboración de BERNARDA (el catalán Bernat Cuyàs Vilà) con YUNG PRADO ‘Ya no me importa nada’; y lo nuevo de mori con Ralphie Choo, quien precisamente también ha trabajado también con Kimberley Tell.
Pshycotic Beats publica el segundo single de su disco para el otoño, si bien tras la buena aceptación de ‘Hammering Noises’ opta por un tema mucho más reptante. En cuanto a más habituales del site, hay nuevo single de REYKO -ahora que justo van a actuar en Madrid y Barcelona-; LA ÉLITE, que estrenan ‘Contento de ser feo’; y también de Chill Chicos.
SIMONA continúa avanzando su EP con su tema ‘FRESH’, que hace honor a su nombre, entregándose a los ritmos drum&bass. Además, os presentamos también a un curioso dúo de dos jóvenes andaluces: La Plazuela. Aseguran que «del mismo modo que Silk Sonic (Anderson Paak y Bruno Mars) están reinventando el neosoul y el new funk», ellos van a hacer lo mismo con el flamenco, llevándolo hacia varios estilos.
Completamos la playlist con un nuevo turbio tema de from que ni es jangle pop ni post-punk ni synth-pop; la segunda canción que publica François tras la embriagadora ‘Cadaqués’; el synth-pop de Minimal Schlager y el indie rockero, in crescendo, de los madrileños Atalaya Roja.
Bad Bunny vuelve al formato álbum tras un par de años de descanso. Entre 2018 y 2020 su ritmo de edición fue frenético, entregando 5 proyectos largos, los 3 últimos en 2020. Fueron ‘X 100PRE’, ‘OASIS’ con J Balvin, ‘YHLQMDLG’, ‘LAS QUE NO IBAN A SALIR’ y ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO’. Ahora, el artista anuncia que sacará su nuevo álbum ‘Un verano sin ti’ este mismo viernes 6 de mayo. El álbum incluirá 23 pistas y colaboraciones con Bomba Estéreo, Rauw Alejandro o The Marías, entre otras.
SIDE A
01 Moscow Mule
02 Después de la playa
03 Me porto bonito (con Chencho Corleone)
04 Titi me preguntó
05 Un ratito
06 Yo no soy celoso
07 Tarot (con Jhay Cortez)
08 Neverita
09 La corriente (con Tony Dize)
10 Efecto
11 Party (con Rauw Alejandro)
SIDE B
12 Aguacero
13 Enséñame a bailar
14 Ojitos lindos (con Bomba Estéreo)
15 Dos Mil 16
16 El apagón
17 Otro atardecer (con The Marías)
18 Un coco
19 Andrea (con Buscabulla)
20 Me fui de vacaciones
21 Un verano sin ti
22 Agosto
23 Callaíta
Sus redes sociales muestran un nuevo vídeo donde Bad Bunny sueña con el lanzamiento del álbum a la orilla de una playa tropical. El disco tendrá 23 nuevas canciones, pero esto no es lo primero que sabemos. Bad Bunny ha estado dando pistas sobre este disco a través de TikTok. La nueva forma de promoción para este proyecto es que se puede telefonear al número 001 787 417 8605 para escuchar un fragmento de una de las canciones de ‘Un verano sin ti’.
¿Qué sucede al llamar a ese teléfono? Que puedes escuchar 45 segundos de una nueva canción. Un reggaetón de aspecto bastante tradicional, en principio NO una de sus canciones mutantes y arriesgadas. Se escucha una letra que dice: «Quizás yo vuelva con mi ex / y no te vuelva a ver / quizás no te importa / quizás te va a doler / esto es un ratito / mami no te acostumbres / que el amor es muy bonito / pero siempre hay algo que lo interrumpe». Después, se corta el sonido. Este viernes podremos escuchar el resto que nos tiene preparado Benito.
No contentos con haber publicado uno de los mejores discos de 2022, el álbum doble ‘Once Twice Melody‘, Beach House anuncian nuevo proyecto. El grupo ha compuesto la banda sonora de ‘Along for the Ride’, nueva producción cinematográfica de Netflix que se estrena este mismo viernes 6 de mayo.
La película está escrita y dirigida por Sofia Alvarez, y está basada en el libro homónimo de Sarah Dessen, publicado en 2009. ‘Along for the Ride’ narra la historia de una pareja de adolescentes que padece insomnio. «El verano antes de que comience la universidad, Auden conoce a la misteriosa Eli, que también sufre insomnio», cuenta la sinopsis. «Cuando el pueblo costero de Colby duerme, ambos se embarcan en una travesía nocturna para ayudar a Auden a vivir la vida adolescente divertida y despreocupada que nunca supo que quería».
En nota de prensa, Alvarez explica que la historia de ‘Along for the Ride’ tiene lugar principalmente de noche, y que por esta razón deseaba que Beach House aportaran su «sonido dream-pop» a la banda sonora. Victoria Legrand y Alex Scally pudieron visualizar una versión primigenia de la cinta y, cuando la vieron, decidieron que escribirían la música. Alvarez señala que la banda sonora de Beach House suena «lúcida y nostálgica» y que transmite una «corriente emocional te hace vibrar todo el cuerpo». La cineasta espera que el visionado de su película «evoque las mismas sensaciones».
El tráiler de ‘Along for the Ride’ deja escuchar un fragmento de la banda sonora que Beach House han creado para la ocasión. El sonido dream-pop orgánico de Beach House es perfectamente identificable en el tráiler, y recuerda a lo escuchado en discos como ‘Beach House‘ (2006) o ‘Devotion’ (2008), curiosamente no tanto a la épica de su obra maestra titulada ‘Teen Dream’ (2010).
Beach House se encuentran de gira y el mes que viene actúan en el Primavera Sound de Barcelona. Además, se les ha visto trabajando en el estudio con Kanye West. JENESAISPOP tuvimos oportunidad de charlar con Alex Scally sobre ‘Once Twice Melody’ en una entrevista que puedes recordar aquí.
Pocas voces se están preguntando por qué tenemos un nuevo disco de Röyksopp en nuestras librerías, cuando en 2014 publicaron lo que anunciaron como su último álbum al modo tradicional, ‘The Inevitable End‘. Tanto se les echaba de menos o tan pocos sustitutos han tenido en esto del synth-pop a medio camino entre la pista de baile y la reflexión.
Se puede argüir que ‘Profound Mysteries’ no es técnicamente un álbum al modo tradicional. Viene acompañado de una página web con visuales para cada tema, a modo de pequeña instalación artística. También hay videoclips al uso y tráilers tan angustiosos como el de ‘The Downfall’, en el que suena el single principal del disco. Están detrás del proyecto varios artistas como los directores de la compañía europea Bacon y el diseñador australiano Jonathan Zawada.
A falta de averiguar si el público tendrá tiempo este año de degustar este proyecto delante de Vimeo, observando cómo unas figuras abstractas se mueven a duras penas, tratando de averiguar cuáles son esos “misterios profundos” de que nos hablan Röyksopp en esta era, el álbum puede ser entendido como un disco tradicional del dúo. Esto no es un proyecto de ambient. Al contrario. ‘Profound Mysteries’ es un álbum continuista, demasiado incluso para 8 años de lapso, en el que los trallazos de electropop solo adquieren sus verdaderas dimensiones siendo situados escrupulosamente junto a los más intimistas.
Sin llegar a los niveles de excelencia de las colaboraciones con Robyn o Fever Ray, ‘Impossible’ de Alison Goldfrapp es un medio tiempo con la marca de la casa que no molestaría en un hipotético “grandes éxitos”. También entre lo bailable y la meditación encontramos ‘This Time, This Place…’ con Beki Mari; mientras en la segunda parte del álbum ‘Breathe’ con Astrid S se desmelena lo justo, al modo de viejos temas como ’49 Percent’.
Esta canción contiene ese componente espiritual que tanto gustaba en Röyksopp, quizá incluso hablando de la posición del dúo en la industria: “dices que me construyes, pero me estás derrumbando / Y no quiero fama, no quiero una corona”. Pero es, para sorpresa de nadie, Susanne Sundfør quien vuelve a quedarse los momentos más sentidos. Con permiso del precioso instrumental que con pianos y cuerdas nos sumerge en la experiencia del álbum en el segundo cero, ‘If You Want Me’ con la cantante noruega ofrece primero un punto de delicada chanson en una letra sobre una persona “cegada”, enmudecida, que «se ahoga».
Y después, antes de la anecdótica ‘Press R’ (botón disponible en la citada web), Sundfør convierte ‘The Mourning Sun’ en un hermoso poema sobre la noche y el amanecer. Los textos como siempre son sencillos, pero es gracias a su voz hablando de sueños, de ausencia de luz y sonido, de lo agridulce de cada amanecer, donde de verdad sentimos las preocupaciones actuales de Röyksopp. Un álbum en el que Svein Berge y Torbjørn Brundtland querían reflexionar sobre el desconocimiento humano, sobre cómo todo lo que no sabemos eclipsa lo que sí sabemos, sobre su fascinación desde la adolescencia, por lo infinito y lo imposible. En su tono más Julee Cruise, es Sundfør quien nos transmite exactamente esa inquietud.
