26 grupos y solistas se lanzarán a la carretera rumbo a un escenario lejano gracias a Girando Por Salas, que vuelve un año más ya con su decimosegunda edición. La iniciativa tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes de todos los estilos, ofreciendo ayudas para la celebración de conciertos dentro del circuito de salas en todo el territorio español como fomento de la música en directo. Hasta la fecha, han pasado por ediciones anteriores artistas como Izal, La MODA, Varry Brava, Carlos Sadness, Miss Caffeina o Sexy Zebras.
La convocatoria de este año estará abierta hasta el 15 de marzo (18:00) para aquellos artistas que cuenten con un mínimo de 1 EP y un máximo de 3 LPs publicados. Se seleccionarán 26 artistas de entre todas aquellas solicitudes recibidas (se podrá votar en la web entre el 28 de marzo y el 5 de abril) y los seleccionados podrán ofrecer un mínimo de seis conciertos en distintos puntos del país, que tendrán lugar entre los meses de abril a noviembre de 2022. Asimismo, los músicos recibirán una ayuda para la producción y promoción discográfica de sus trabajos.
Los conciertos se realizarán fuera de la Comunidad Autónoma de residencia de cada artista o a un mínimo de 300 km dentro de la misma para potenciar su difusión más allá del ámbito de influencia natural. Las salas que deseen formar parte de este proyecto podrán inscribirse en su convocatoria desde el 24 de marzo al 12 de abril. Todas las gestiones e inscripciones se realizan a través de la web.
Los conciertos que Texas tenía previstos para este mes de marzo se aplazan hasta septiembre, menos el de Bilbao que se cancela definitivamente. Las nuevas fechas de la gira serán el 4 de septiembre en el Palacio de Congresos de Albacete, el 6 en el Palau de les Arts de Valencia, el día 7 en la sala Razzmatazz de Barcelona, el 8 de septiembre en el Auditorio Fórum Evolución de Burgos y el día 9 en La Riviera en Madrid.
La banda escocesa celebra este tour para conmemorar el 30 aniversario de su álbum debut ‘Southside’, del que se extrajo el single ‘I Don’t Want a Lover’, y tocarán tanto el disco completo como sus grandes éxitos.
Las entradas de los conciertos aplazados son válidas para las nuevas fechas, por lo que no es necesario realizar ningún cambio. En caso de querer solicitar el reembolso de las entradas, se podrá hacer hasta el 15 de abril a través del mismo punto de venta donde se adquirieron. En cuanto al concierto cancelado de Bilbao, el importe de las entradas se devolverá de forma automática.
La Sexta prepara un nuevo programa donde juntará en un mismo espacio y por sorpresa a dos personalidades a priori muy distintas y dispares. ‘Encuentros inesperados’ estará dirigido por Mamen Mendizábal, que vuelve a la televisión tras finalizar su etapa en ‘Más Vale Tarde’ hace unos meses, y aunque no haya salido a la luz su fecha de estreno, sí que se han dado a conocer algunos de los nombres que protagonizarán estas conversaciones.
Esperanza Aguirre y Mala Rodríguez son una de esas parejas que tendrán que encontrar un punto en común para poder entenderse y divertirse, pero no serán las únicas. Mario Vaquerizo y Oriol Junqueras también se conocerán en el programa, y para la propia Mamen Mendizábal este es el encuentro más inesperado de la temporada, como expresa en el vídeo promocional. También se verán por primera vez (o no) Marc Giró y Santiago Cañizares, Samantha Hudson y Manuela Carmena o Carolina Iglesias y Judit Mascó, entre otros.
El formato está realizado por Producciones El Barrio, encargada de programas como ‘Salvados’ y ‘Lo de Évole’, y juega con el interés y la curiosidad no solo de la audiencia, sino también de los propios protagonistas, que no sabrán a quién se enfrentan hasta que las cámaras empiecen a rodar.
Salvatge Cor es una banda de Mallorca que cuenta con dos álbumes publicados, ‘Hi ha gent que entra dins la teva ÀNIMA i ja no en sortirà mai més’ (2018) y ‘bruixes’ (2019). El tercero, ‘CRUÏLLA’, verá la luz esta primavera a través del sello barcelonés Magic in the Air, con el apoyo de un single llamado ‘com estimar un mirall’ en el que hoy nos detenemos.
El grupo liderado por Llorenç Romera Pericàs ha demostrado no querer encasillarse en ningún sonido, y si su primer disco navegaba por las coordenadas de rock lo-fi de grupos como Car Seat Headrest, el segundo rebajaba la intensidad para asentarse en un sonido más propio de Alvvays o Deerhunter, dos de las influencias reconocidas de la banda. En ambos trabajos el folk también ha estado muy presente, y este es el sonido que trae ‘com estimar un mirall’.
El primer single oficial de ‘CRUÏLLA’ ha llegado tras el lanzamiento de un tema de sonido bedroom-pop llamado ‘Cap a la llum’ que no pertenece al nuevo disco pero sí «anticipa el nuevo sonido de Salvatge Cor». ‘com estimar un mirall’ explora la fusión de folk y vocoders abanderada por Bon Iver, uno de los artistas más influyentes para las nuevas generaciones incluso a día de hoy; y lo hace en una composición de carácter mediterráneo en lo melódico, que va de menos a más de la manera más sutil posible.
La canción alude a un reflejo en el espejo, como metáfora de las similitudes entre hombres y mujeres, y la letra clama que «sabes que somos iguales, tan fuertes como frágiles, tan tozudos como dóciles». El videoclip representa la misma dualidad en un rodaje plano-secuencia, con la playa de Es Trenc de Mallorca de telón de fondo, durante un atardecer. Llorenç i Clara representan a Orfeo y Eurídice, protagonistas de la historia de amor más antigua, en una pieza audiovisual que reflexiona «sobre los múltiples reflejos de unx mismo y sobre lo líquida que puede llegar a ser la frontera entre lo femenino y lo masculino».
Salvatge Cor es una de las propuestas nacionales que has podido escuchar en la playlist Sesión de control que renovamos cada miércoles con las novedades que deja cada semana la música hecha en España y Latinoamérica.
Renovamos la playlist con las mejores canciones del mes, con la que vamos construyendo el listado de las mejores canciones del año: muchas de las que veis aquí terminarán en el top 100 de lo mejor de 2022. Podría ser el caso de lo nuevo de Everything Everything o Future Islands a falta de comprobar qué sorpresa nos deparan los próximos meses. También avanzan sus álbumes Charli XCX, Rosalía, Florence + the Machine, Nilüfer Yanya, Fangoria (EP) y Biznaga.
Ofrecemos muestras de de los «Discos de la Semana» recientes, grandes álbumes que nos ha dejado 2022 ya, como son los casos de Beach House, Big Thief, Mitski y Carolina Durante. También tienen álbum o EP en el mercado Spoon y Kim Petras. Entre los artistas noveles por que apostamos, están Violeta Tello Grau, Yaunest -con quien hablábamos hace unos días-, Liz Forte, Lasha o Chill Chicos. Completamos la playlist con lo nuevo de Nilüfer Yanya, Cupido, el tema de 10 minutos de Sondre Lerche también editado por San Valentín y un tema de REYKO estupendo que rescatamos de su álbum editado a finales del año pasado.
Mitski / Love Me More
Violeta Tello Grau / Niña Río
Everything Everything / Bad Friday
Charli XCX, Rina Sawayama / Beg for You
Future Islands / King of Sweden
Beach House / Hurts to Love
Big Thief / Simulation Swarm
Carolina Durante / Granja escuela
Tove Styrke / Show Me Love
Yaunest / Broken Bones Wasted Time
Troye Sivan, Jay Som / Trouble
Liz Forte, mauvetrip / No me da la vida
FKA twigs, Rema / jealousy
Rosalía / SAOKO
Caroline Polachek / Billions
Florence + the Machine / King
Lucius / Next to Normal
REYKO / People Talk
Chill Chicos / NO CHILL
Biznaga / Contra mi generación
Kim Petras / Treat Me Like a Slut
Spoon / Wild
Cupido / Santa
Nilüfer Yanya / midnight sun
Lasha / No tenía por qué ser
Beach House / Masquerade
Fangoria / Mi burbuja vital
Sondre Lerche / Avatars of Love
Por un «error ajeno», el segundo disco de La Plata se ha adelantado una semana. El grupo valenciano indicaba críptico en Instagram: «Nos parecen unos momentos terribles para compartirlo, así que no diremos más que esto». Una vez escuchado ‘Acción directa’ es fácil adivinar que se referían a la coincidencia del lanzamiento del largo con la invasión a Ucrania por parte de Rusia, pues son muchas las ocasiones en que sus letras apelan a la lucha y a la resistencia, desde el mismo título de la obra en su conjunto al single llamado ‘Victoria’, que dice: “no habrá más silencio después de esta guerra / la voz de la libertad será cubierta de acero”.
En plena eclosión trap, urbana o llámenlo como buenamente puedan, La Plata se desmarcaron de las modas con un debut de post-punk excitante llamado ‘Desorden’, donde alternaban pepinacos como ‘Miedo’, ‘Un atasco’ y ‘Esta ciudad’ con preciosidades como ‘Me voy’. Eran composiciones angustiosas, ciertamente existencialistas, que presentaban a bandas como Joy Division y Parálisis Permanente a una nueva generación, y a los mayores nos hacían conectar con nuestro yo adolescente como muy pocos discos consiguen.
Su continuación se la han pensado bien, pues ha tardado hasta 4 años en llegar, y hay en ella cierta voluntad de cambio y novedad, por ejemplo en esa división en 2 partes de la canción ‘Sigue caminando’, siendo la primera instrumental. También en ese arranque dado a una composición que precisamente se llama ‘Aire nuevo’ y promete «un aire de cambio, un aire nuevo» que «avanza en silencio, avanza sin miedo». Al margen de que continúen las imágenes bélicas, el tema parece en un momento que va a entregarse al trance con un bajo trotón, casi electro, y unos aires sintéticos sugerentes, que subrayan la importancia de los teclados en La Plata, cada vez más.
La escena experimental de finales de los 70 y el pop de principios de los 80 continúan siendo las mayores influencias de los valencianos, y Magazine y Décima Víctima, los artistas en su punto de mira. En ocasiones parecen haber forzado demasiado la máquina para tratar de ofrecer algo diferente que no recordara expresamente a sus primeros hits, y así los singles principales del álbum (‘Victoria’, ‘Aire nuevo’, ‘Movimiento infinito’, ‘Hacia el vacío’) parecen sonar esquivos adrede. El mayor trallazo que tenían esta vez entre manos, la melódica y romántica ‘Volver a verte’, lo han relegado a la pista 9, quizá por ser un ejercicio nostálgico y en definitiva una canción de amor, cuando la banda tiene cosas más importantes que decir.
Y es que ‘Hacia el vacío’ habla de la supervivencia («parte de mí aún vive, parte de mí no morirá») como ‘Victoria’ del anhelo de igualdad («seremos iguales»), ‘Arderemos’ de feminismo («Hoy afirmaremos nuestra presencia en el caos / Empezaremos nosotras / Queremos ver ese muro caer») y ‘Movimiento infinito’ es una gran llamada a la acción. En esta, a la siempre expresiva voz de Diego Escriche se van sumando los coros del grupo, lo cual tiene todo el sentido del mundo cuando el texto nos está hablando de «una acción continua, una acción sin vuelta atrás, una acción sin tregua».
María Gea, que había entonado ‘Arderemos’, cierra el álbum como voz cantante de ‘Entre esta luz’ (cuando ella canta recuerda a Punsetes o Klaus&Kinski), hablando de un «mundo que se abre ante nuestros ojos». Como si el disco hablara de una novela distópica en la que vivimos aislados, hasta la que era la canción de amor ‘Volver para verte’ parece contada desde ‘El cuento de la criada’: «Fuimos tan diferentes / Tan ajenos a lo que pensaran», dice. La pena es que no sea una novela distópica, sino el mismo mundo en el que nos ha tocado vivir.
La ganadora de Eurovisión en 2016 Jamala está entre el medio millón de personas que han tenido que abandonar Ucrania por la invasión rusa. La intérprete y autora de ‘1944‘, canción que hablaba sutilmente del conflicto entre ambos países, ha ido narrando su penoso periplo a través de Instagram, contando cómo en la noche del 24 de febrero dejó Kiev junto a sus hijos, pasando «casi 4 días en un coche, completamente sin comida, en estado de shock y moviéndose 2 kilómetros cada 4 horas».
«Anoche, al sonido terrible de bombas, como mi bisabuela en ‘1944’, tuve que salir con mis hijos en brazos en 15 minutos. Y me di cuenta después de que salí sin recoger nada». Jamala afirma que «nunca pensó que los sucesos de la Segunda Guerra Mundial volvieran a ser una realidad de nuevo, y no el pasado», y habla del dolor que le produce la invasión: «Unos extraños vienen a tu casa, matan a todo el mundo y dicen: «No somos culpables». ¿Qué sentís? ¿Dónde está la humanidad? ¿Dónde? No ven su culpabilidad». La artista denuncia el modus operandi del gobierno ruso: «primero, la propaganda, los «terroristas», las «operaciones especiales» y todo eso. Y luego venden ideas como la «liberación» y la «salvación»».
Jamala no se queda en el relato del drama del pueblo ucranio, sino que pide una reflexión al pueblo ruso: «Sé que a mis conciertos viene gente a verme desde toda Rusia. Sé que no es fácil para vosotros, que es un gran riesgo. Pero podéis influir, os infravaloráis a vosotros mismos». Jamala apela a la película ‘Don’t Look Up’ que se viralizó la pasada Navidad, indicando que «un meteorito del tamaño de dos países está sobrevolando nuestras cabezas y todavía hay quien no lo ve».
La cantante carga contra Bielorrusia por haber facilitado el paso de las tropas de Putin, muestra su apoyo al presidente Zelenski y habla de las víctimas, de los niños que han muerto y de los heridos e insiste: «Rusia, no te calles. Decidme que sois realmente humanos, pero sin la mierda del rescate, de manera inteligente, sin reproducir lo que veis en televisión. Parad la guerra, haced un boicot de verdad al gobierno».
Durante este fin de semana, han sido muchos los artistas que se han posicionado para apoyar a Ucrania, entre ellos Madonna, Annie Lennox y David Lynch. Madonna ha viralizado un remix de ‘Sorry’ en el que compara a Putin con Hitler y ha dejado un link sobre «9 maneras de ayudar a Ucrania«, Lynch se ha preguntado por nuestra calidad humana y ha hecho una petición de paz en su canal de Youtube, donde suele comentar el parte metereológico de Los Ángeles. Por su parte, Annie Lennox ha pedido donaciones a Cruz Roja y esta ONG de refugiados.
Boy Pablo llega esta semana a nuestro país para actuar en Barcelona el miércoles 2 de marzo (Sala Apolo) y en Madrid el jueves 3 de marzo en compañía de Inner Wave en el nuevo Ochoymedio, como parte de la programación de Tomavistas Ciudad. El artista ha publicado en el pasado álbumes como ‘Soy Pablo’ y ‘Wachito Rico‘, pero además también tiene novedades discográficas.
Este mismo mes ha publicado un nuevo single de preciosa portada animada que no en vano veía la luz en torno al Día de San Valentín, pues es toda una declaración de amor, con frases como «Qué interesante que me escogiste a mí para la vida compartir / Sin ti no podría existir». Esta vez Boy Pablo deja el indie pop de corte tropical a un lado -también el inglés- para entregar una de sus producciones más atemporales y cucas, inspirada en la canción melódica de los años 60. Pianos, guitarras y tambores están al servicio de los sonidos de aquella década, logrando trasladarnos la sensación de que el amor durará para siempre, como las composiciones de Manuel Alejandro, quien podría ser una referencia en este caso más que Mac DeMarco.
En este tema, Boy Pablo se acompaña para armonizar e intercambiar versos de Cuco, un artista criado en California que ha conquistado las plataformas de streaming a lo grande con canciones como ‘Lo que siento’, ‘Lover Is a Day’ y últimamente una versión de ‘Piel canela’.
Rufus T. Firefly se encuentran de gira presentando ‘El largo mañana’, su último disco, que ha resultado uno de los mejores de su carrera, si no el mejor. En él, el grupo de Victor Cabezuelo ha intercambiado la fiereza guitarrera de sus anteriores trabajos por un sonido más meloso y melódico inspirado en el soul de los años 70, acercándose en su estilo al trabajo de Michael Kiwanuka (su colaborador Kennie Takahashi ha mezclado el disco) y entregando un puñado de canciones maravillosas que se van a quedar con nosotros por mucho tiempo.
El grupo madrileño empezó la gira de ‘El largo mañana’ hace unas semanas, a partir de este mes marzo que acaba de empezar se enfrenta a otras 15 fechas más que lo llevará por Galicia, Andalucía, Cataluña o Castilla-La Mancha, entre otros lugares como Portugal, y aprovechamos la coyuntura para dedicar la semana a este álbum que hace unos meses obtenía una nominación al Premio Ruido. Pronto publicaremos nuestra charla con Cabezuelo pero, de momento, nos detenemos en la Canción Del Día.
‘Polvo de diamantes’ no es la canción de ‘El largo mañana’ que Rufus T. Firefly decidía apoyar con un videoclip-directo grabado en un bosque (con la compañía de Anni B. Sweet, por cierto). Esa era el single ‘Lafayette’. Pero ‘Polvo de diamantes’ sí es la pista más popular del disco a día de hoy de manera espontánea. Es otra de las composiciones de ‘El largo mañana’ que cuentan con un desarrollo largo y con un estribillo instrumental de teclado, culminando en un solo de guitarra eléctrica, y Cabezuelo canta que en ella junta dos referencias como son la música de Isaac Hayes y el manga ‘Los caballeros del zodiaco’.
«Polvo de diamante» es el nombre del ataque que realiza el «caballero» favorito de Cabezuelo, Hyōga, y la letra hace un curioso juego de palabras con el término «polvo», pues narra eso mismo, un polvo, aunque no lo parezca debido a la enorme emotividad que transmite la canción. Cabezuelo cuenta que «queríamos darle el carácter metafórico y bonito pero realmente habla de un polvo, y ahi está la broma» y, entre referencias precisamente al zodiaco, las de Andrómeda y Aldebarán (Cabezuelo es tauro), Rufus T. Firefly entregan una canción mágica iluminada por la luz de las estrellas.
Rigoberta Bandini suele conceder entrevistas pero es raro que le pregunten por sus planes discográficos: si habrá vídeo de ‘Ay mamá‘ o ya más bien piensa en otra cosa, y sobre todo cuándo publicará un álbum y si este contendrá algunas de las muchas canciones que ha venido publicando durante los últimos 2 años.
Sobre esto último le han preguntado en Conde Nast Traveler, cuya portada ocupa en compañía de Alizzz, con quien comparte el tema ‘Amanecer’ contenido en el excelente álbum de él, ‘Tiene que haber algo más‘. Dice Rigoberta sobre su propio álbum debut, “que existirá, pero de momento vamos a ir lanzando más singles, una colaboración muy guay con una chica que no puedo decir…”. Es decir, si hay más de un tema nuevo en camino, parece muy difícil que haya un disco en el mercado al menos hasta después del verano.
En cuanto a los planes de Alizzz, continuará este año trabajando como productor, al tiempo que seguirá con la promo de su álbum: “Ahora mismo sería una locura tirar la toalla en mi faceta de productor o de artista. No tengo más remedio que seguir con las dos, el destino me llama para ambas y las disfruto. Quiero y debo compaginarlas con toda la energía que pueda”.
En verdad, Conde Nast Traveler trata sobre viajes y es una curiosidad atender qué viajes narran los dos protagonistas de la portada. El escogido por Rigoberta Bandini es aquel previo a su embarazo y lanzamiento como artista: “El que hice con mi pareja –Esteban Navarro, del dúo cómico Vengamonjas y parte también del fenómeno Rigoberta– al poco de estar juntos. Fuimos al sur de Francia y nos pegamos una cena en La Diligence, en Montpellier, que marcó nuestra vida para siempre: me quedé embarazada al mes siguiente, Rigoberta comenzó a ser una realidad… fue todo muy fuerte, muy mágico. En esa cena se proyectó toda la abundancia que vendría después no solo profesional, también de amor, de familia”.
Alizzz, casi igual de emocional, recuerda la visita que hizo a Granada para conocer a su ídolo, Jota de Los Planetas, con quien también ha trabajado en su largo: “La verdad que ir a ver a Jota fue bastante mágico… Granada es para mí la ciudad más bonita de España, y Los Planetas, el grupo que me ha acompañado toda la vida. Además, Jota es un anfitrión que flipas, me enseñó la ciudad, me presentó a sus colegas… Un día bajamos en moto a ver al Capullo de Jerez desde su casa hasta el Sacromonte y me sentí como en la canción ‘Un buen día’. No se lo dije, pero fue un instante muy especial para mí aunque pueda parecer una tontería”.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Beach House, en el estudio con Kanye West
No lo vimos venir: Beach House y Kanye West están trabajando juntos en el estudio de grabación. El productor de ‘Donda 2‘ John Cunningham ha confirmado que efectivamente las dos personas que aparecen en las fotos publicadas recientemente por ye en Instagram son Alex Scally y Victoria Legrand, y que la tercera persona vestida de negro es Ye. Es posible que Beach House estén trabajando con Kanye en algún tema nuevo que pueda ser añadido a ‘Donda 2’.
Algo trama Billie Eilish porque el «look» que ha mostrado recientemente en redes no es precisamente cotidiano. En medio de la gira de ‘Happier than Ever‘ se ha sacado este selfie en el que aparece llevando unos guantes de látex, y un pañuelo en la cabeza del mismo material, y que sus fans especulan pueda tener que ver con algún nuevo videoclip.
La temprana muerte de Mark Lanegan a los 57 años ha conmocionado al mundo de la música, y una de las artistas que se han despedido de él en redes ha sido Courtney Love, amiga de Lanegan ya en los tiempos de Nirvana, cuando salía con Kurt Cobain. En Facebook le ha dedicado una carta menos favorecedora en la que le recrimina haber hablado mal de ella en su libro, pero no hay rencor.
Como pasando juntos la resaca que narran en su canción conjunta ‘Amanecer‘, así posan Alizzz y Rigoberta en la portada del nuevo número de la revista Condé Nast Traveler, «el final de un encuentro que comenzó surcando los mares en un velero».
‘Que me parta un rayo’, el primer disco de Christina y Los Subterráneos, que nos dio hits como ‘Voy en un coche’, acaba de cumplir 30 años, y Rosenvinge no se ha quedado sin celebrarlo acompañada de dos amigas. En Radio3 Tulsa ha versionado ‘Tú por mí’ y Anni B. Sweet se ha apropiado de ‘1.000 pedazos’ acompañada a la guitarra por el locutor Ángel Carmona.
‘Billions‘ de Caroline Polachek es una de las mejores canciones del momento, y su autora ha compartido algunos detalles sobre su composición, entre ellos, que sus últimas puntadas se las dio en Barcelona, cuando estuvo hospedada en la ciudad hace unos meses, acompañada de Danny L. Harle, y apostamos que visitando a su amiga Arca. También aprovechó para irse de rave.
Shania Twain y Four Tet, otro encuentro inesperado
Four Tet, uno de los productores de electrónica más queridos de los últimos 20 años, y Shania Twain, reina del country-pop, posan juntos en esta imagen que tampoco habríamos visto venir ni en un millón de años. No se sabe si están en el estudio o si simplemente se han encontrado en un aeropuerto o algo así, pero ahí queda la foto para los libros de historia, vía Stereogum.
El «remember» del día lo trae el presentador y podcaster Jordi Cruz, que ha compartido esta imagen de él de cuando era adolescente y parecía un integrante de Ellos. En esta época, Cruz trabajaba en una emisora local, según una persona que ha comentado el post. El pie de foto es una cita a ‘American Pie’ de Don McLean.
‘American Idol’ ha vuelto esta semana con su edición número 20 (!!!) y, entre los avances que se han podido ver en redes, Katy Perry, que continúa en el panel de jueces un año más, es todo un mar de lágrimas durante una de sus intervenciones. Hay selfie con maquillaje corrido.
La perrita de Shirley Manson, líder de Garbage, tiene 16 años, es decir, es bastante mayor, y en Instagram, la artista escocesa ha compartido una reflexión sobre la importancia que tiene Veela en su vida. Shirley no sabe cuánto tiempo le queda al lado de su compañera y alma gemela, pero celebra que con ella ha continuado creyendo en la bondad y en el «poder transformado del amor».
Decir que la controversia y el revuelo que creó el Benidorm Fest fue “positiva” para la cadena es ver el vaso muy lleno, pero así se lo tomó RTVE, y gracias a ello acaban de anunciar un nuevo programa dedicado a la música nacional emergente llamado ‘Groenlandia’.
Hace un mes la corporación avisó que estaba trabajando en un programa que serviría de escaparate y soporte para nuevos artistas como los participantes del Benidorm Fest, pero preocupaba su concepto porque podía parecerse mucho al propio festival. Sin embargo, ayer compareció en ‘RTVE responde’ el director de Educación, Diversidad Cultural e Internacional de la entidad, Ignacio Elguero, y anunció que este nuevo programa “va a ser de música y de creatividad. Va a haber teatro, literatura, fotografía, la nueva movida española se llama ‘Groenlandia’”
El proyecto está centrado en los artistas más noveles: «Nos va mostrar la generación postpandemia. Están en las redes, en YouTube, en Instagram, pero no están en RTVE. Démosles este soporte de primera», y comenzará a emitirse antes de verano. ‘Groenlandia’ se suma a otros proyectos musicales que la entidad pública quiere desarrollar como el ‘Hispavisión’, una versión eurovisiva conformada por los países americanos e ibéricos, aunque esta idea hay que cogerla con pinzas porque se trata de un proyecto de grandes dimensiones y no se puede asegurar que finalmente vaya a llevarse a cabo, según señaló Elguero.
Finalmente, Elguero abordó otros temas relacionados con el festival de Eurovisión, entre ellos la polémica con la letra de ‘Slo Mo’. El directivo aclaró que la canción está en manos del Observatorio de la Igualdad, y que si se sugiere el cambio de su letra, así se hará.
Enrique Bunbury ha anunciado que se retira de los escenarios por problemas de salud relacionados con su garganta. El músico no comparte un diagnóstico exacto de su dolencia, pero explica que ha escuchado «varios nombres y diagnósticos» a lo largo de los años, y apunta que «la realidad es que mi garganta se cierra e irrita, y mis vías respiratorias dificultan el más leve ejercicio y la ejecución de mi trabajo».
El artista zaragozano explica que arrastra su dolencia desde hace varios años, especialmente desde las giras de ‘Mutaciones‘ (2015-2016) y ‘Expectativas‘ (2017-2019), y comunica que «he tomado la decisión, muy meditada y consciente, de abandonar mi actividad interpretativa, en los conciertos y tours». De su comunicado cabe entender que seguirá grabando y publicando discos.
Bunbury guardaba esperanzas de haber curado su dolencia durante el «parón de las giras internacionales en 2020 y 2021», momento que le «hizo pensar que quizás mi mal se había diluido y las ganas de reencontrarme con público, técnicos y músicos encima de un escenario, era una fuerza mucho más poderosa». Sin embargo, sus recientes conciertos en México le han hecho confirmar sus peores presagios: «Lo que me ha sucedido en esta gira mexicana corrobora todo lo contrario y confirma y adelanta una decisión que sabía cercana.»
El autor de ‘Curso de levitación intensivo‘ ha confirmado que seguirá tocando hasta el último cuatrimestre del año, pero que «los conciertos que quedan pendientes de aquí a septiembre de 2022 en Estados Unidos y España serán los últimos que realice».
Bunbury agradece a sus seguidores por el apoyo que le han brindado a lo largo de los «más de 1.500 conciertos que he realizado a lo largo de mi vida», en los mejores y también en «algunos de los peores» escenarios que ha pisado, y expresa su deseo de que «lo que pueda ofrecer a partir ahora les siga interesando mínimamente».
LCD Soundsystem han sido los últimos invitados musicales a Saturday Night Live. No presentan disco, sino dos directos que solo tendrán lugar en Estados Unidos entre finales de marzo y principios de abril: una residencia de cuatro noches en Filadelfia y otra de cuatro noches en Boston.
Como cansados de tocar lo mismo de siempre, LCD Soundsystem han aprovechado su paso por la tele americana para presentar dos canciones rarísimas de su excelente álbum debut, publicado en 2005, hace 17 años. ‘Thrills’ era la pista 7 y ‘Yr City is a Sucker’ la pista 14 y la que cerraba el disco y son dos de las producciones menos comerciales del largo, pero nada puede fallar cuando eres una de las mejores bandas de directo del mundo. ¿O sí?
LCD Soundsystem han hecho un gran trabajo sobre el escenario, regodeándose en los deliciosos «grooves» que tan bien saben hacer. Otra cosa es la reacción que ha provocado su actuación en parte de audiencia, que no ha dejado de expresar su «horror» frente a lo visto en pantalla. Un televidente ha comparado a LCD Soundsystem con un «vagabundo que ha robado un tamborín y secuestrado a una banda de instituto».
Para ser honestos, no todos los comentarios hacia el show de LCD Soundsystem en Saturday Night Live han sido negativos y algunas personas que no conocían a la banda hasta ese momento han descubierto a su nueva banda favorita. Habría sido menos arriesgado presentar dos hits, pero tampoco se toca en el prime time de Estados Unidos todos los días y menos si eres una banda semi independiente, así que bravo a LCD Soundsystem por aprovechar el momento para hacer lo que les ha dado la real gana.
En su paso por Saturday Night Live, el grupo de James Murphy ha protagonizado también un sketch en el que se ha disfrazado de los Guardian Angels, una ONG de Nueva York que trabaja por prevenir el crimen organizado.
La historia de Alynda Segarra es de las románticas. La artista escapó de la casa en el Bronx en la que creció a los 17 años para irse a la aventura de explorar Estados Unidos a su bola, subiéndose a trenes de carga acompañada de vagabundos. Cuando cumplió 18 se instaló en Nueva Orleans, donde se ganó la vida tocando en la calle con una guitarra acústica. Sus primeras grabaciones le permitieron hacerse un nombre y en 2014 publicó su aclamado álbum ‘Small Town Heroes’ a través de ATO Records, que supuso un punto de inflexión para Hurray por la inclusión de su himno ‘Pa’lante’ en la serie ‘Sharp Objects’. El siguiente, ‘The Navigator’, se inspiraba en el concepto «alien en la Tierra» de «Ziggy Stardust» de David Bowie e incorporaba influencias de la música latina, que Segarra no sintió como propia hasta ese momento a pesar de sus orígenes portorriqueños.
Constante en la vida de Segarra ha sido su búsqueda de un sentido de pertenencia en el mundo. Sus padres se separaron cuando ella era un niña (su madre llegó a ser teniente de alcalde de Nueva York y su padre, profesor de música, impartió clases a un joven Marc Anthony), y en la adolescencia descubrió a las riot grrrls y empezó a cuestionarse su lugar en el mundo en el contexto de una sociedad machista. En este tiempo, Segarra ha huido también de las «normas y roles que se esperan» de elle, pues se identifica como persona no binaria, y el espíritu rebelde de su proyecto está reflejado en el nombre de Hurray for the Riff Raff, un «hurra» a los «poetas y a los raros», a las «mujeres rebeldes y a las activistas».
Esta rebeldía ha llevado a Segarra a interrogar su relación con la música de raíz americana, que tanto ha definido su música desde el principio, y asegura que no se siente identificada con este género (la Americana) por considerarlo conservador y apolítico. Segarra prefiere decir que hace «nature punk», un estilo propio que viene a desarrollar en su octavo álbum de estudio, que no, no es punk, pero tampoco se centra en la Americana y opta por abrirse a nuevos códigos.
‘LIFE ON EARTH’ es un trabajo inspirado por las vivencias de Segarra pero también por la idea de sobrevivir en un mundo que se enfrenta a una crisis climática y a una pandemia. Sus letras hablan de huidas personales (‘nightqueen’ habla de estar «adicte a la huida» sin que ello sirva de nada) pero también colectivas (‘WOLVES’), de traumas propios (‘PIERCED ARROWS’) y ajenos (‘PRECIOUS CARGO’ alude a la crisis migratoria), y tratan de buscar confort en la naturaleza y en el valor de «todos los seres que viven en la tierra», como canta Segarra en el «salmo» de la pista titular.
La apertura de Segarra al mundo se traduce en unas composiciones también abiertas a nuevas influencias. La épica ‘WOLVES’ trae a la mente la propulsión de ‘Running Up That Hill (A Deal with God)’ de Kate Bush, y suena precisamente a la huida que relata la letra, transmitiendo un gran poder; en ‘PIERCED ARROWS’ la huida continúa por la vía de un ritmo disco que no desentonaría en un álbum de U.S. Girls; e incluso el patrón rítmico del reggaetón asoma tímidamente en la simpática ‘JUPITER’S DANCE’ para pedir «bendiciones para todos en estos tiempos de violencia e incertidumbre».
El estilo de raíces de Hurray for the Riff Raff no se va a ninguna parte en el single ‘RHODODENDRON’ dedicado al poder del mundo natural, y en el que Segarra nos pide que «no deis la espalda a vuestra tierra» con un fraseo y un uso de la guitarra acústica y el ritmo que recuerda a Courtney Barnett; y entre exploraciones más (‘SAGA’ relata el intento de una víctima de violación por escapar el estigma) o menos (‘ROSEMARY TEARS’) inspiradas en este sonido, Segarra cautiva especialmente en la balada acuática ‘nightqueen’, un homenaje a las «sombras» que vagan sin rumbo por el mundo. En el final de ‘PRECIOUS CARGO’ se escucha a un hombre decir que «solo quiero seguir ayudando a la gente», y ese es también el poder de este disco.
El pasado mes de octubre se cumplieron 15 años de la edición del debut de Beach House. Y aun así una canción del 8º álbum que acaban de editar, ‘Once Twice Melody‘, nuestro «Disco de la Semana», mantienen la gracia de unos jóvenes debutantes.
Oculta en el 4º y último EP que conforma el álbum de 84 minutos, ‘Hurts to Love’ es una de las canciones más inmediatas que jamás hayan grabado Beach House, incluso aunque se ampare en una barata caja de ritmos como adquirida en sus austeros inicios. Rara vez las composiciones de Beach House se han estructurado con estrofas y estribillos tan pegadizos y decididos y paradójicamente eso hace de esta pista una canción incluso exótica en su discografía.
Victoria Legrand nos repite aquí que si «duele amar, lo mejor es hacerlo de todos modos», después de haber canturreado sobre «una mirada a un mundo salvaje-salvaje», a las «muchas cosas malas que pasan ahí fuera», resultando una amenaza para los «chicos y las chicas». Es interesante el uso del género a lo largo del disco, indistinto, tan voluble como un género musical que, partiendo del dream pop, aquí muta en synth-pop minimalista con el encanto de Magnetic Fields, Stereolab o Casiotone for the Painfully Alone, donde en otros puntos el largo se desplaza hacia el folk, el Western o la new-age.
Esnórquel, Enrique Aparicio, de nuestro admirado podcast «¿Puedo hablar?» y también ex Monterrosa, visita «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP» para hablar de la mal llamada «música de mierda». Él prefiere llamarla «música maldita». Tamara/Yurena, Paris Hilton, La Veneno, la sintonía de ‘Qué apostamos’, Camela, Las Bistecs, Ojete Calor… pasan por nuestra mesilla de debate, planteando cuestiones como por qué el público LGTB+ está tan predispuesto a abrazar estos géneros o si nos hemos quedado un poco atascados en el canon del petardeo. Recomendamos el capítulo 100 de «Puedo hablar» con una entrevista con Yurena. Estos son algunos de los puntos que tratamos:
-Esnórquel: «Lo que se hizo con Tamara roza la ilegalidad (…) El machismo, el clasismo y el esnobismo destrozó su vida»
-‘Superestar’ de Tamara, con temas de Luis Miguélez, Dinarama, Penelope Trip y Single antes de ser Single: cuando Tamara se disfrazaba de ‘Aladdin Sane’.
-¿Puede ser Luna Ki la nueva Tamara?
-¿Se sostendría una serie o documental sobre Tamara como han logrado Los Javis con La Veneno?
-Esnórquel hace un llamamiento a la audiencia para encontrar el libro ‘Tamarismo’ («pago lo que sea») y quiere saber qué fue de Ramsey, la intérprete de ‘Hamburguesa‘.
-Otros discos denostados: de Antonia Dell’Atte a Paris Hilton pasando por La Veneno. La reseña de ‘Paris’ en JENESAISPOP de 2006.
-Enrique revela que le interesa más Fernando Esteso y Carmen de Mairena que ciertos hypes de JENESAISPOP: ¿cuáles?
-El intento de Youtube Festival de dignificar lo kitsch.
-El apoyo LGTB+ a esta cultura kitsch, nos dice Esnórquel: «El camp es eso. La cultura gay apoya a figuras que no son centrales en la hegemonía cultural, que por alguna razón se salen de ella. Como en la copla con los amores imposibles, o una diva excesiva que no encaja y que no hace lo que todo el mundo cree que tiene que hacer (…) Los maricones estamos tan acostumbrados a encontrar pepitas de oro en el fango, porque de ellas hemos sobrevivido toda la vida, que muchas veces nos sale por defecto». Enrique Aparicio llegó a escribir un artículo sobre Cecilia para JENESAISPOP.
Cuando no está liado entrevistando a personajes de actualidad como Morad, el rapero de L’Hospitalet de Llobregat que ha sido recientemente número 1 en España, o este domingo a Gervasio Deferr, el campeón olímpico atrapado en una espiral de alcohol, Jordi Évole tiene tiempo para montar un grupo con el que ensayar su música favorita.
Con Los Niños Jesús y sin mucha voz, Jordi Évole ha decidido pasarse esta semana por Tu Cara Me Suena para ofrecer una actuación como artista invitado. La canción escogida ha sido ‘Emborracharme’, el gran hit de Lori Meyers incluido en el álbum ‘Impronta’, que el año que viene estará de 10º aniversario.
‘Emborracharme’ no fue en principio el single principal de ‘Impronta’, pero a la larga se ha manifestado como el verdadero sleeper de Lori Meyers, superando los 30 millones de streamings en Spotify. Teniendo en cuenta que la mayoría de oyentes de Lori Meyers está en España, podemos interpretar que el tema es multiplatino por aquí, si bien la propia banda granadina nos contaba durante una visita a nuestro podcast que desconocían tal dato.
Beach House han moldeado y expandidosu sonidodisco a disco, demostrando que tener un sonido propio y distintivo no significa que todos tus discos «suenen igual». La magia de Beach House se encuentra en los matices, en las diferentes perspectivas con las que han sabido renovar su sonido siempre sin traicionarse a sí mismos, fieles a su visión. En una de sus primeras entrevistas, Victoria Legrand entregaba un talismán al periodista que los entrevistaba y expresaba: «me gustan las joyas porque contienen múltiples caras». Beach House son una de esas joyas.
Todo empezó en 2006 con un primer disco en el que ya se vislumbran algunas de las ideas que la banda desarrollará más adelante, basadas en ese dream pop misterioso que definirá su sonido. Es fácil imaginar ‘Apple Orchard’, por ejemplo, transformada unos pocos años después en una canción épica como ‘PPP’, pero en ‘Beach House’ la banda nunca viaja tan lejos. Es un trabajo modesto, grabado de manera rudimentaria con teclados y cajas de ritmo baratos, de sonido casi maquetero, en el que Alex Scally y Victoria Legrand empiezan a ejercitar sus músculos melódicos e instrumentales con una idea muy clara de cuál es sonido, en una serie de canciones que cautivan por su sencillez y falta de pretensiones.
Todo suena precioso y mágico, pero menos profesionalizado que en los discos siguientes, como es de esperar de una banda que está empezando. Los cabos instrumentales están más sueltos, la voz de Victoria suena ligeramente más asalvajada y Alex Scally reconoce no haber tocado una guitarra eléctrica en su vida. Todo suena más impuro, pero el componente amateur de ‘Beach House’ es parte de su encanto, en parte porque las canciones no son épicas, sino tímidas, como nanas cargadas de melancolía. Escucharlo es como llegar en una tarde de otoño a esa «casa de la colina» a la que alude una de las pistas y encontrar en ella una caja de música polvorienta y abandonada. La abres y empieza a sonar este disco.
‘Saltwater’, la canción de inicio, presenta un interesante equilibrio entre dream pop y noise pop que está más meditado de lo que parece: la distorsión de la base rítmica contrasta con el sonido prístino de los teclados, lo cual crea un efecto hipnótico, de duermevela, mientras la letra habla de amores y desamores. ‘Tokyo Witch’ incorpora ya las «slide guitars» que tanto les gustan, y unas percusiones que parecen imitar el trotar de un tren, a la que vez que el texto compara vivir la vida con jugar el juego de mahjong. Y en esta época a Beach House les sale ya un himno como ‘Master of None’ que formará parte de la banda sonora de la serie del mismo nombre; y que The Weeknd sampleará en una de sus primeras mixtapes. Aún es una de sus canciones más populares.
Las letras de ‘Beach House’ hablan de amor pero también de la importancia de la amistad en una composición tan tierna como ‘Apple Orchard’, y también de la inocencia perdida, definitivamente uno de los temas favoritos del grupo. Una de las canciones destacadas se titula directamente ‘Childhood’, su letra expresa que «todos mis juguetes están rotos» por el inevitable y devastador paso del tiempo y llega marcada por un desarrollo de teclados y guitarras entrelazados que resultará el sonido insignia del dúo, o uno de ellos. El precioso vals lo-fi de ‘Auburn and Ivory’ parece aludir a una niña que se suicida tirándose al océano, sumida en una tristeza irreparable; y la final ‘Heart and Lungs’ se dirige a una niña (o a un niño) cuya única esperanza «se ha ido volando».
El punto de vista cambia en ‘Lovelier Girl’. El estribillo clama «chica, no hay nada que me guste más que hacerte el amor», pero la joven a la que alude el título parece haber desaparecido. En esta canción, Beach House adaptan ‘Snowdon Song’ de Tony, Caro and John, un grupo de folk psicodélico de los 70, cambiando el tono de la canción y el tempo, y originalmente no acredita a sus autores por desconocimiento, porque un grupo que está empezando «no sabe que así es como funcionan las cosas en la industria musical». El trío será acreditado cuatro años más tarde, pero la magia de ‘Beach House’ prevalece: es el disco de una banda que no conoce las normas de la industria, hecho por amor a la música, y que transmite una pureza que ya no se repetirá en su discografía. Una pureza enturbiada, eso sí.
Con motivo de la Semana Beach House, reajustamos al alza las calificaciones de 3 discos suyos: ‘Teen Dream‘, ‘Bloom‘ y ‘Depression Cherry‘.
La historia de ‘All the Young Dudes’ parece casi propia de una película, o al menos parte de la trama de una. Una especie de descarte imaginario de un film tipo ‘Velvet Goldmine’ (y no tanto ‘Stardust’) en el que David Bowie salva la carrera del grupo Mott the Hoople con enorme generosidad, regalándoles una canción que termina convirtiéndose en el himno no oficial de la generación glam. Difícil resistirse, ¿no? Especialmente tratándose de la que quizá es mi canción favorita de David Bowie, y eso que clásicos tiene a docenas, como quedó bien claro hace pocas semanas en un estupendo episodio del podcast de JNSP.
La cosa empieza el 26 de marzo de 1972: el grupo inglés de rock Mott the Hoople lleva tres años en Island Records pero su carrera está en horas muy bajas. En un momento totalmente Spinal Tap, el grupo llega al local en el que tocarán su concierto de esa noche en Suiza y descubren con zozobra que se trata una antigua gasolinera reconvertida. Sintiendo que han tocado fondo, tras una gran discusión deciden separarse. Nada más volver a Londres el bajista Pete Overend llama a David Bowie con la esperanza de que pueda contratarle. Bowie, horrorizado ante la idea de que un grupo que le gusta tanto desaparezca, contraataca: “Mira, tengo una canción a medio escribir. Te llamo en un par de horas, tengo que hablar con mi mánager”.
Días después Bowie queda con Overend y le toca el esbozo. Overend alucina, y entusiasmado consigue reunir al resto de la banda en la oficina del mánager de Bowie, cerca de Regent Street (no muy lejos, por cierto, de la mítica cabina de teléfono de la portada de ‘Ziggy Stardust’). Verden Allen (teclista): “Se sentó en el suelo con una acústica y nos tocó ‘All the Young Dudes’. Sólo era una estrofa y un estribillo, pero se veía inmediatamente que era una canción fantástica”. En las siguientes semanas los Hoople prosiguen con su gira, que tenían que terminar por obligación contractual. Al acabar el último concierto del tour reciben un telegrama de David Bowie diciéndoles que ha terminado la canción y hasta ha reservado una fecha en un estudio.
Mientras tanto la trama se complicaba: el grupo está dispuesto a intentar ese último cartucho, pero necesita salir de Island Records: su apoyo es nulo y encima la idea de separarse ha sentado fatal al sello. En otro admirable alarde de generosidad, Bowie pide a su propio mánager (Tony DeFries) que intente desenredar el lío y consiga liberarles de su contrato. Con ese panorama llegaron Mott the Hoople a los legendarios estudios Olympic de Londres, 14 de mayo, en una sesión secreta y con nocturnidad por lo delicado de la situación. Sin tiempo ni para ensayar la canción bien, simplemente la prepararon con Bowie en el estudio en un ratito. Dale Griffin (batería): “Bowie nos tocó la canción y nosotros la repetimos en formato de banda”. En dos horas tenían las pistas principales grabadas, incluido ese mítico punteo inicial que Mick Ralphs inventó allí en el momento, incrementando instantáneamente el potencial de himno que la canción ya tenía de por sí. La voz de Ian Hunter con un fraseo muy Bowie y el propio David grabando los exquisitos coros del estribillo, redondearían la faena al final de la sesión.
La suerte de la banda parecía cambiar por fin, porque DeFries consiguió poco después liberarlos de Island y que firmasen con Columbia Records, que lanzaría el flamante single en verano. Pero cuando todo estaba ya casi listo surgió un nuevo problema: los abogados del sello pusieron pegas al verso “Stealing clothes from Marks and Sparks”, una referencia a la cadena de tiendas Marks & Spencer. La BBC podría muy bien no radiar la canción si contenía publicidad, así que de un día para otro hubo que traer desde Nueva York a Ian Hunter para que regrabase el verso cantando “unlocked cars” en vez de “Marks and Sparks”. Acto seguido cogió un vuelo de vuelta. (La letra original volvería a usarse para la versión del LP).
‘All the Young Dudes’ se lanzó el 28 de julio y entraría en los charts británicos inmediatamente hasta alcanzar el número 3, resucitando así la carrera de la banda incluso en EE.UU., donde consiguieron un digno Top 40. Pero el impacto de la canción trascendió ese éxito. Las letras que hacían alusión a morir joven (“Billy rapped all night ‘bout his suicide / How he’d kick it in the head when he was 25”), hacer el gamberro, vivir rodeado de cemento, la revolución fracasada de los Beatles y los Stones, personajes andróginos pero duros de pelar («Now Jimmy looking sweet though he dresses like a queen he can kick like a mule») o la mítica “no necesitas la TV cuando tienes a T.Rex” conectarían inmediatamente con esa nueva generación de “young dudes” de los 70 quienes la convertirían rápidamente en un himno de la contracultura glam.
La música glam es la colisión más dulce y satisfactoria entre esos dos mundos llamados “pop” y “rock”, un punto de encuentro donde lo mejor de ambos estilos dio lugar a la pura magia de canciones como esta. A nivel técnico, uno de los secretos musicales de la canción es lo que Julian Cope llama “The Glam Descend»: las notas del bajo comienzan en la nota principal del acorde y luego van bajando a la séptima, sexta, quinta, etc mientras el acorde se mantiene. Bowie ya lo había hecho en ‘All You Pretty Things’ y sería una técnica muy imitada en décadas posteriores: de ‘Sowing The Seeds Of Love’ en los 80 a ‘Whatever’ de Oasis en los 90.
Años después Bowie explicaría que la canción inacabada en realidad la había compuesto para el “Ziggy Stardust” pero que se quedó fuera. Recordemos que el bienio 1971-72 fue el más fértil del artista, docenas de brillantes canciones le sobraban y se acumulaban. Y en esa explicación incluiría una relativa a la letra: el mensaje que los “jóvenes muchachos” traían no era el de la nueva era glam sino que eran en realidad los mensajeros de Ziggy trayendo la misiva de que el mundo acabaría en cinco años. Bowie: “no es un himno a la juventud, sino completamente lo opuesto”.
¿Importa eso? Por supuesto que no. Cuando un artista lanza su canción al mundo, lo que signifique deja de estar bajo su control, y si las masas lo abrazan con otro sentido, no hay nada que hacer (un saludo desde aquí a ‘One’ de U2 sonando en miles de bodas). Así que ‘All the Young Dudes’ sigue recordándose ahora que se cumplen 50 años de su grabación como la canción estandarte del glam. O en las entusiastas palabras de Lou Reed: “¡Es un himno gay! Una llamada a todos los jóvenes muchachos para que salgan a la calle y muestren que son hermosos, gays, y orgullosos de serlo”.
Bowie interpretó en directo «All the Young Dudes» ya desde la gira de Ziggy, y se acabó convirtiendo en uno de sus clásicos más recurrentes en directo en las restantes décadas. Fue sin duda el momento más hermoso del concierto de Bowie al que asistí en 1996: en aquella noche de agosto la canción sonaba eterna y joven, tan inmortal como -aparentemente- Bowie. Merece la pena despedir este artículo escuchando la excelente versión de Mott the Hoople con él cantando la voz principal, y que incluye el final extendido de la canción en su grabación original de los estudios Olympic:
‘All the Young Dudes’ sonó en el programa nº 132 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Hits
Taylor Swift ya no vende 10 millones de copias o casi como en los tiempos de ‘Fearless’, ‘Red’ o ‘1989’. Más bien la mitad. Desde el tropezón de ‘Reputation’ ha bajado un peldaño en sus expectativas, y sin embargo, domina el discurso y las críticas de una manera que impiden que nadie tenga la sensación de que le va mal, porque lo cierto es que le sigue yendo muy bien. Al menos muy por encima de la media.
Y eso que le ha llevado un año y medio conseguir el disco de platino para ‘folklore‘ en Reino Unido, su 2º principal mercado. Hace tan sólo unos días que esto se anunciaba, este mismo mes de febrero, lejos del cuádruple platino para ‘1989’. Pero es que Mediatraffic estima en casi 5 millones de copias las vendidas por ‘folklore’ y 3 millones para su disco hermano ‘Evermore‘, así que, ¿quién puede hablar de fracaso cuando ni Adele vende ya 10 millones de nada?
Y es que puede que ninguno de los últimos singles de Taylor Swift supere los 500 millones de reproducciones. En ese sentido, su amigo Ed Sheeran la golea con ‘Bad Habits’ o incluso ‘Shiver’. Sin embargo, la de Taylor está siendo ya la carrera de la constancia y el furor por su pasado en general. Durante todo el año 2021 ha sido habitual encontrar 5, 6 o 7 discos suyos en el top 100 de varios países, incluso en la complicada -para artistas anglosajones- España. Algo que sigue siendo así en Reino Unido o Estados Unidos. Una semana cualquiera como esta en las islas encontramos en el puesto 36 ‘Red (Taylor’s Version)’, en el 42 ‘folklore’, en el 43 ‘1989’, en el 55 ‘Lover’ y en el 77 ‘Evermore’.
Lo mismo para el Billboard 200, donde encontramos ‘Red (Taylor’s Version)’ en el puesto 15, en el puesto 48 ‘folklore’, en el 67 ‘Lover’, en el 85 ‘Evermore’, en el 95 ‘1989’, en el 151 ‘Fearless (Taylor’s Version)’ y en el 152 ‘Reputation’. Siete álbumes de Taylor Swift en el top 200, algunos con varios años de antigüedad.
‘Red (Taylor’s Version)’, con sus 2 millones de copias, solo puede ser considerado por tanto otro hit en su carrera, especialmente encabezado por la nueva versión de ‘All Too Well’, compitiendo en las listas con el nuevo de Ed Sheeran incluso varios meses después de su edición.
Flops Sería lo fácil argumentar que Taylor Swift convierte en oro todo lo que toca, pero 2021 sí presentó un pequeño nubarrón en su discografía: sus dos colaboraciones con Big Red Machine, el proyecto de Aaron Dessner (The National) y Justin Vernon (Bon Iver), que no ha podido pasar más desapercibido tanto en las listas de éxitos como en las listas de lo mejor del año. Su álbum ‘How Long Do You Think It’s Gonna Last?‘ lograba una posición muy mediocre en todas partes: un top 45 en Reino Unido, un top 82 en Estados Unidos, y ninguna permanencia ni estabilidad.
Habrá quien crea que este proyecto era más underground y modesto, pero hay que recordar que tanto The National como Bon Iver saben lo que es ser número 2 en Estados Unidos con sus discos de estudio, y el último tiene varios discos de platino en este país. Es solo que la suma de los tres esta vez no ha servido para añadir: por alguna razón (¿credibilidad? ¿saturación? ¿pandemia?), ni los fans de Taylor Swift, ni los de Bon Iver, ni los de The National se han interesado por esto. Os dejamos con el vídeo de ‘Renegade’, que todavía tiene que llegar a los 5 millones de visualizaciones, mucho menos de lo que un vídeo de Taylor suele lograr en un día.
Tras un disco bastante flojo, para el nivel que nos tenía acostumbrados, como lo fue ‘High As Hope‘, es toda una alegría encontrarse con que el primer single del nuevo proyecto de Florence + the Machine suene así de bien.
La cantante reflexiona sobre los roles de género, subvirtiéndolos en las líneas «No soy madre, no soy una novia, soy un rey» que se repiten no solo en el estribillo sino también al final de cada verso. La canción comienza sosteniéndose casi al completo en su poderosa voz, con tan solo una batería de fondo, pero progresivamente la producción de Jack Antonoff se va volviendo más épica y compleja, y va envolviendo a Florence en una mayor instrumentación.
El clímax, intenso y sorprendente, llega con un simple «Ooooh» en el puente y se cierra con una preciosa melodía guiada en su mayor parte por una guitarra acústica. ‘King’ como presentación de una nueva era, cumple con creces su cometido: es bello y prometedor. Qué gusto ver que Florence sigue a su bola, completamente ajena a las modas, dotando a su música de esa sensibilidad característica suya, siempre tan especial.
‘Santo’ de Christina Aguilera y Ozuna se mantiene como lo más votado de JENESAISPOP seguida por ‘SAOKO’ en el que puede ser el top 2 más extraño de nuestra historia. Otras cosas pasan en el top 10 y los últimos temas de FKA twigs, Caroline Polachek y Röyksopp alcanzan nuevos máximos.
Entra en el top 10 ’Simulation Swarm’ de Big Thief y quedan a las puertas del mismo temas de Kim Petras, Troye Sivan y Orville Peck. alt-J llega al top 20 y en la parte baja de la tabla entran Future Islands y Cupido, lo que significa que tenemos en el top 40 un ‘Santo’, una ‘Santa’ y un ‘Santé’.
Samantha Hudson publicó a todas luces una de las mejores canciones de 2021, ‘Por España’, de vídeo inenarrable inspirado en Bigas Luna, Almodóvar y Fernando Trueba. Fueron muchos los singles de éxito que poblaron su álbum ‘Liquidación Total’ y su talento como performer se confirmó en un improbable Especial de Navidad por el que se asomó la mismísima Amaia Romero con su primera canción política, ‘Óyeme’.
Están siendo muchas las sorpresas dejadas por la carrera de Samantha Hudson desde que realizara aquel trabajo escolar llamado ‘Maricón’ que soltó a los medios, y por tanto su gira está resultando un éxito. Tras un doble concierto en el Ochoymedio de Madrid debido a la alta demanda de entradas, este sábado 26 de febrero actúa en Razzmatazz Clubs con los tickets agotados.
Os dejamos con el test que nos ha respondido sobre sus discos favoritos y con las siguientes fechas que le aguardan:
19 de marzo: Mallorca, Fiestas San Sebastiá
26 de marzo: Madrid, Wizink Center. Festival Horteralia
2 de abril: Murcia, Festival Xtrafresh
9 de abril: Alicante, Sala The One
23 de abril: Sevilla, Sala Custom
6 de mayo: Hospitalet, Sala Salamandra. Monjamon Festival
7 de mayo: Valencia, Flow Festival
20 de mayo: Burgos, Sala Anden 56
11 de junio: Santander, Espacio Santander
25 de junio: Gran Canaria, Teatro Victor Jara (Vecindario)
7 de octubre: Salt (Girona), La Mirona
8 de octubre: Vilanova i la Geltrú (Barcelona), La Daurada
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
No me gusta hablar en esos términos tan contundentes. Creo que en la música no se puede dictar sentencia… de cualquier manera, ‘Tocata y Fuga en re menor’ de Bach es la canción que suena en mi cabeza cuando entro a los sitios. ‘La salchipapa’ de Leticia Sabater también ocupa un lugar muy especial en mi vida. ¿Y disco?
‘The Fame Monster’ de Lady Gaga y ‘Confessions on a Dancefloor’ de Madonna.
¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
Estoy en Loop con el nuevo LP de Kim Petras, ‘Slut Pop’. Pero si tuviera que escoger un tema en particular diría ‘Violetas Imperiales’ de Luis Mariano. ¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Despacito’ de Luis Fonsi.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
‘La viuda de O’Brian’ de Mägo de Oz.
Un remix que te haya vuelto loca
La remezcla de ‘Criticar por criticar’ de las Chicks on Speed y ‘Don’t wanna dance with U’ de Sonikku.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál es o ha sido tu formato favorito?
La fiebre del compact-disc me pilló muy pequeña.
¿Alguna compra que recuerdes con cariño de la era CD o nunca fuiste muy del formato físico?
Lo más parecido a comprar un disco que he hecho fue una vez que presioné a una chica francesa que conocí en un after para que me regalara un recopilatorio que tenía de Paquita la del Barrio. Al final me lo dio por pesada, luego me enteré de que Paquita es una homófoba.
¿Qué canción de tu propio repertorio crees que funcionará mejor en tu show o sorprenderá aparte de las más famosas ‘Por España’, ‘Disco Jet Lag’, ‘Dulce y Bautizada’?
‘Demasiado Coño’ es un subidón y ‘Perra’ va a ser un escándalo. Después, ‘Chicote’ siempre suele ser bastante bonita.
Uno de tus hits ha sido el Especial Navidad, ¿pero puede haber hueco en tus shows para alguno de sus temas, como la balada ‘Óyeme’ con o sin Amaia? ¿O como Mariah Carey, esas solo las interpretarás en Navidad?
Depende de la disponibilidad que tenga la susodicha. A mí me haría mucha ilusión que la cantáramos juntas en directo, pero de momento la dejo en la recámara y fingiré que no existe hasta que hagan una retrospectiva de mi vida dentro de 40 años y la desentierre para hablar de mi juventud con nostalgia.
Sería lo fácil argumentar que Taylor Swift convierte en oro todo lo que toca, pero 2021 sí presentó un pequeño nubarrón en su discografía: sus dos colaboraciones con Big Red Machine, el proyecto de Aaron Dessner (The National) y Justin Vernon (Bon Iver), que no ha podido pasar más desapercibido tanto en las listas de éxitos como en las listas de lo mejor del año. Su álbum ‘
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