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Disco de la Semana: Lucy Dacus / Home Video

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Ese experimento llamado boygenius fue uno de las mejores regalos musicales que nos dio 2018, y lo cierto es que desde entonces las carreras de sus tres componentes no han dejado de crecer. Pero, si Phoebe Bridgers es sin duda la que más éxito ha conseguido y Julien Baker la más aclamada por la crítica, Lucy Dacus se había quedado en un terreno más intermedio, en parte porque su material posterior se limitó a un (muy digno) disco de versiones y poco más. ‘Home Video’ viene a solucionar eso.

Con un estilo cohesionado que seducirá tanto a los fans de sus discos anteriores como a los que la descubrieron por boygenius, Dacus se luce evocando con voz y melodías el ambiente de nostalgia del que precisamente trata el disco, y demuestra de nuevo sus excelentes habilidades como letrista. No hay más que irse a su último single: “you call me cerebral, I didn’t know what you meant / but now I do, would it have killed you to call me “pretty” instead?” canta en ‘Brando‘ (quizás su ‘Kyoto’ particular). Es encomiable cómo consigue describir tan bien a una persona (o un tipo de personas) con una frase aparentemente tan sencilla. Y no es, en absoluto, el único ejemplo de brillantez que podemos encontrar en ‘Home Video’.

“When I tell you you were born and you are here for a reason / you are not convinced the reason is a good one”, que canta en ‘VBS’ (grandioso también su subidón metal cuando se menciona a Slayer), o el “when I asked you to coffee / could you tell I don’t drink it?” son otros momentos en los que vemos esta capacidad de construir frases que dicen mucho más de lo que parece. La cosa es que, con excepciones (‘Cartwheel’), el estilo de Dacus tiene mucho más de prosa que de poesía, y uno de los mayores exponentes de esto es el outro de ‘Thumbs’. Fue la primera canción que conocimos del disco, y no puede tener más diferencia entre la voz y melodía, y la letra: con mucha delicadeza, Lucy habla… de matar al padre de su amiga aplastándole los ojos cual Oberyn Martell. Y usa ese método precisamente porque es lo que a ella más le aterrrorizaba de pequeña.

Para continuar decide darnos un respiro con la que ella misma define como “canción de hoguera”, una ‘Going Going Gone’ en la que ha llamado a las amigas (sus compis Bridgers y Baker, ¡pero también Mitski!) y en la que, “canción de hoguera” aparte, se cuela una interesante lectura de género y educación. Y es que en los distintos cortes del álbum Lucy habla de feminismo, religión y política, dotando todo de un tono nostálgico al recordar historias de su infancia y adolescencia, que van desde el punto naif -y queer- de ‘Triple Dog Dare’ a la oscuridad de la citada ‘Thumbs’ o a ‘Please Stay’, más esperanzadora pero que al fin y al cabo aborda sin tapujos los pensamientos suicidas de una amiga.

Al ser todo tan personal, tiene sentido que en la producción haya decidido repetir esquema: además de ella misma, ha vuelto a contar con Jacob Blizard, Jake Finch y Colin Pastore (este último colaborador también de Julien Baker). Y, dentro de lo homogéneo del álbum, hay ciertas sorpresas, como el instrumental a lo The War On Drugs que comentaba mi compañero Fernando sobre la genial ‘Hot & Heavy’ o el acertadísimo uso del Autotune en la excelente ‘Partner in Crime’.

La canción, que contiene uno de los estribillos más pop del disco, no estaba pensada así inicialmente, pero Dacus cuenta que lo que en principio iba a ser un apaño porque tenía mal la garganta acabó convirtiéndose en algo que tenía todo el sentido: “es una relación de adolescente con alguien mayor que yo, intento hacerme la adulta para ganarme el respeto de esa persona, y el autotune falsea tu voz para hacerla más «perfecta» técnicamente, o más atractiva”. Especialmente curioso ese punto autoconsciente porque una de sus bazas es justo la sencillez y naturalidad de su discurso, que con este ‘Home Video’ alcanza su cumbre (por ahora) tocando una gran variedad de vivencias. De hecho, este disco podría describirse con una frase de esa obra maestra que es ‘If You’re Feeling Sinister’ de Belle & Sebastian – no nos extraña que compartan fans. Sí: she was into S&M and Bible studies.

Kaotica, el planeta de Coldplay, recuerda a ‘Terminator’, ‘Blade Runner’, ‘Guardianes de la Galaxia’…

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Al igual que ha hecho en ‘Bad Habits’ (Ed Sheeran), el director Dave Meyers mezcla todo tipo de referentes cinematográficos en ‘Higher Power’. El ruinoso planeta Kaotica está hecho de pedazos de la saga ‘Terminator’, restos de ‘Blade Runner‘, chatarra de ‘El quinto elemento’ y trozos de cualquier ficción ciberpunk que te puedas imaginar, incluyendo el reciente videojuego ‘Cyberpunk 2077’.

La vuelta que le da Meyers a estos referentes, más bien oscuros y distópicos, consigue convertirlos en espacios lúdicos, en lugares de esparcimiento donde canturrear y bailar con los amiguis intergalácticos. Una visión de la ciencia ficción juguetona y dionisiaca que recuerda a ‘Guardianes de la galaxia’. Chris Martin como un Peter Quill con los walkman enchufados, cantando y bailoteando en un planeta en ruinas.

No es la única referencia a Marvel. El espíritu recreativo del vídeo también se nota en la dirección. Meyers juega con los efectos visuales en varias secuencias que recuerdan a los momentos más espectaculares de ‘Doctor Strange’, otra película de ciencia ficción que apostaba por la comedia relajada y refrigerante. Continuando con ese espíritu, ‘Higher Power’ tiene una versión dance a cargo de la Ambiguous Dance Company de Seúl.

Nathy Peluso combate la misoginia a golpe de salsa en ‘Mafiosa’

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A pesar de que ‘Calambre‘, el álbum debut de Nathy Peluso, se mantiene entre los 40 discos más exitosos de España más de medio año después de su lanzamiento, la cantante argentina afincada en Barcelona ha decidido que es momento de sacar una canción nueva ajena a este álbum, del cual no se ha olvidado en absoluto, cabe apuntar, pues en este momento se encuentra presentándolo de gira por nuestro país.

‘Mafiosa’ es una composición de la propia Nathy escrita junto a Rafa Arcaute (colaborador de ‘Calambre’ y de otros artistas como Calle 13, Aterciopelados o Lali) que reincide en la vena salsera de ‘PURO VENENO’, uno de los mayores éxitos que ha dejado ‘Calambre’ sobre todo después de que Nathy lo presentara en directo en el canal COLORS de Youtube. La canción es una de las más apasionadas jamás cantadas por Nathy y lo mejor es que su estructura es 100% clásica, alcanzando los 4 minutos y medio de duración entre estrofas dobles, estribillos y varios segmentos cantados y recitados. No se ha querido dejar nada fuera ni mucho menos podar la canción para que dure dos minutos menos.

En cuanto a la temática de ‘Mafiosa’, la narradora de la canción es una versión exagerada de esa Nathy Peluso tan empoderada que causa miedo en los hombres. «No cualquiera se me acerca» es la primera frase que entona la artista en la canción, a la que añade que «dicen que hay que tener agallas pa’ comerme» y que hay que «tener cuerpo pa’ aguantarme». Más adelante, Nathy reflexiona: «Todos tienen excusas para pasar inadvertidos / ¿Acaso están asustaos? Yo ya no me lo puedo creer / Al menos haría plata si diera miedo a los del poder».

Podría hacerse una lectura feminista de todo esto: Nathy se presenta a sí misma como una mujer empoderada, fuerte, y los hombres ven reflejado en ella un poder que supuestamente les corresponde a ellos y, por lo tanto, se asustan. Lo que viene siendo misoginia de toda la vida. Y Nathy la combate convirtiéndose en ese ser peligroso que los demás ven ella: «Voy a ser mafiosa, la maravillosa / Que me teman los hombres malos / Cuando yo llego en mi carro / Normal, se desesperan».

El videoclip de ‘Mafiosa’, entre lo almodovariano y el desfile de personajes que ya vimos en el videoclip de ‘BUSINESS WOMAN‘, lleva el mensaje de la canción a otro lugar, con bailes de sobremesa, asaltos a coches, coreografías imposibles y platos rotos por doquier. Ya es tendencia en España. Entre tanta mala noticia, por fin una buena.

‘La mujer del espía’ es un elegante y clásico thriller de espionaje

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Kiyoshi Kurosawa es uno de los directores japoneses que gozan de más fama internacional desde hace ya más de dos décadas, y cuya prolífica y ecléctica filmografía hace que sea imposible saber qué esperar de cada nuevo trabajo suyo. El año pasado presentaba en el Festival de Venecia ‘La mujer del espía’, con la que acabó llevándose el premio a la mejor dirección. Alejado de todo lo que ha hecho anteriormente, en las antípodas del J-Horror de ‘Cure’ o ‘Pulse’ y de los más recientes dramas intimistas ‘Journey to the Shore’ y ‘To The Ends of the Earth’, este nuevo trabajo es una suerte de thriller de espionaje ambientado en los años 40, durante la Segunda Guerra Mundial en Japón.

El cineasta disecciona el pasado de su país y los horrores de la guerra desde la historia del director de una importante compañía comercial que descubre en un viaje a Manchuria una serie de espeluznantes filmaciones que ponen en evidencia las operaciones del gobierno de la época. La película se centra en su mujer y en cómo esta decide apoyarle en sacarlas a la luz a pesar de que vaya a ser visto públicamente como un enemigo nacional.

Durante los primeros minutos, la narrativa puede resultar algo confusa, aunque siempre es seductora gracias a la elegante y sinuosa puesta en escena, que sin duda se encuentra entre lo más destacado. Kurosawa se toma su tiempo para presentar espacios y construir personajes y no es hasta bien entrada la media hora cuando se asienta como un estupendo y muy clásico –en el mejor sentido de la palabra- thriller de espías que recuerda a aquellas espléndidas producciones de cine negro que tan de moda estuvieron en el Hollywood de la década de los 40. De esta manera, a pesar de ese principio que puede descolocar, el resto es un más que interesante ejercicio fílmico que culmina con un epílogo que consigue dejar poso en el espectador y supone el broche perfecto a una película que, bajo su intrigante trama, en el fondo habla del dolor de una nación destruida por la brutalidad de la guerra.

El dominio del director tras las cámaras es el motor de una cinta que enamora por su narrativa audaz, siempre accesible y a la vez inteligente. Además, se sustenta de una fotografía de Tatsunosuke Sasaki particularmente bella y en unas interpretaciones poderosas que realzan aún más si cabe la cuidadísima propuesta. Especialmente la de su protagonista, Yū Aoi, que aprovecha cada instante en pantalla para brillar, haciendo justicia a un personaje fascinante y complejo.

‘La mujer del espía’ es la mejor película de Kiyoshi Kurosawa en muchos años, y lo es precisamente por esa mirada al pasado tan preciosista y melancólica que resulta irresistible. Una rara avis en una filmografía plagada de ellas de un director que por camaleónico que sea, siempre sabe imprimir su sello.

Pet Shop Boys, The Killers, Caribou… entre los confirmados de Bilbao BBK Live 2022

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En el día en que tendría que haberse celebrado Bilbao BBK Live 2021, la organización anuncia las novedades sobre la 15ª edición del festival que se celebrará en Kobetamendi los días 7, 8 y 9 de julio de 2022. La noticia es que se reconfirman para el año que viene a las siguientes bandas ya anunciadas: The Killers, Pet Shop Boys, Placebo, Bomba Estéreo, Caribou, BICEP live, Supergrass y slowthai.

Dice el comunicado: «Seguimos negociando con todas las demás y habrá nuevas e importantes incorporaciones». JENESAISPOP volverá a ser medio colaborador de Bilbao BBK Live el año que viene.

Continúa la nota de prensa, lamentando lo siguiente: «Llevamos más de un año aplazando y cancelando conciertos y festivales. Hemos decidido tomar las cosas con un poco más de sosiego y cautela, y esperar a después de verano para anunciar el cartel completo, esperamos que en un contexto más positivo y esperanzador». Es decir, hay más nombres ya confirmados, pero van a esperar a que las cosas mejoren para darlos.

Courtney Barnett espera que el mundo remonte desde ‘Rae Street’

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Courtney Barnett publicará a finales de año un nuevo disco llamado ‘Things Take Time, Take Time’, sucediendo a obras tan bien acogidas por la crítica como ‘Sometimes I Sit and Think and Sometimes I Just Sit‘ (2015) y ‘Tell Me How You Really Feel‘ (2018). De su próxima obra presenta hoy un single titulado ‘Rae Street’ que, con el sabor dylanesco que tanto hemos degustado en sus canciones, ofrece una nueva muestra de su peculiar visión ante la vida. Es hoy nuestra «Canción del Día».

Ha contado Courtney Barnett que la canción la escribió durante la pandemia de 2020, «mientras observaba el mundo ir cuesta abajo». Pero que nadie huya, porque esto no es una canción post-pandemia típica: ni lo es desde un punto de vista pesimista, ni tampoco lo es desde un punto de vista ultra edificante. En la letra la autora mira la vida pasar, ofreciendo un relato costumbrista (“el día empieza a brillar, el padre/madre enseña al hijo/a a montar / la bici se tambalea de lado a lado”), equiparando en el estribillo el valor “del tiempo” al del “dinero”; y sobre todo, dejando un lugar para la esperanza, si bien animándonos a actuar: “el sol saldrá hoy y mañana / tenemos un largo camino por recorrer”.

En el vídeo, vemos varias Courtneys realizando diversas actividades en el mismo vecindario que da título a la canción (‘Rae Street’), incluso dentro del mismo plano. De la Barnett reportera a la Barnett que recuerda cómo es montar en bicicleta por primera vez, como mostraba el texto del tema.

Sobre el resto del disco, Barnett ha dicho: «algunas canciones son cartas que escribo a mis amigos. También hacia mí misma. El álbum al completo muestra un ejercicio de paciencia». Como veis, ‘Rae Street’ será la primera canción del largo.

1.-Rae Street
2.-Sunfair Sundown
3.-Here’s the Thing
4.-Before You Gotta Go
5.-Turning Green
6.-Take It Day By Day
7.-If I Don’t Hear From You Tonight
8.-Write a List of Things to Look Forward To
9.-Splendour
10.-Oh the Night

Lo mejor del mes:

Sesión de Control: Los Punsetes, Bearoid, Melenas, Ángelo Nestore, María Hein…

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Renovamos nuestra playlist de música nacional y escrita en castellano quincenal «Sesión de Control». Abre la secuencia el saltarín nuevo single de Los Punsetes, ‘Todo el mundo quiere hacerte daño’, con referencias al 5G y a las vacunas; seguido por otro tema publicado hoy mismo, el colorido ‘No es barato’ de Bearoid con Ganges, que gustará a los autónomos. Melenas sorprenden con su single de krautrock sci-fi de ‘Osa Polar’, Ant Cosmos se marca otro hit con ‘Llámame’ y Baywaves con su viraje hacia el neo-R&B alternativo de la mano de Megansito El Guapo en ‘Drip’. Foto: Ángelo Nestore

Entre las promesas que cabe destacar en la playlist hay que hablar de Maria Hein, que presenta un precioso tema de folk-pop en catalán llamado ‘Els teus ulls davant la mar’; y también de LA ÉLITE y del electro-post-punk de ‘Bailando’. Por otro lado, Luna Valle han vuelto con ‘La mejor canción jamás’ (sic), una colaboración con Tórtel que suena como la Björk de ‘Isobel’ por la vía del bedroom-pop; y Ángelo Nestore ha presentado el tecno-poema ‘Poeta Ciborg Pecador’, toda una reivindicación de la fluidez de género.

También han lanzado estos días nuevos temas artistas veteranos como León Benavente, en su caso, todo un glosario de adjetivos imposible llamado ‘Niño futuro’ que es puro texto recitado; o Roldán, que se ha acompañado de Lorena Álvarez, Kiev cuando nieva, Ibon Errazkin, El Hijo y Alonso Diaz Carmona para probar las aguas de la bossa nova lo fi en ‘Construcción’. Además, J’aime (Jaime Cristóbal de ‘Popcasting’ y ‘Hit de ayer’) presenta el country de ‘Cherry Berry Wine’, Tachenko el disco-rock de ‘Cuatro estrellas’ y Carlos Gasca vuelve con una «torch song» 60s para «la noche de San Juan».

La nueva entrega de «Sesión de control» incluye algunas sorpresas llamativas, como la colaboración de Yana Zafiro y valverdina que está 100% inspirada en la PC Music y en las percusiones resbaladas de SOPHIE pero que termina con una locura de drum ‘n bass o, en un estilo parecido, la producción de cyborg-pop extremo de ’20-Q’ de VAN17INO6 («vanilino seis»). Dentro de este universo se puede mencionar también el reggaetón futurista de MARÍA SIOKE en ‘Kawaii’ o el eurodance por la vía de PC Music de ‘Bésame’ de Robie.

Más sutiles y orgánicos, Tears to Go propone el apañado soul-pop de gran título ‘Patronizing Self-Help’, Eva Calyza seduce con el quiet storm de ‘Flotando’; Dotore vuelven con una composición de pop ambiental que se tensa y tensa y tensa y nunca se llega a resolver; Hnos Mnoz continúan absorbentes en ‘Se me olvida’, Detergente Líquido suenan tan encantadores como siempre en el indie-pop sesentero de ‘¿Has escuchado la radio?’ y Ronroneo propone un tema intimista a lo Sen Senra llamado ‘Recaída’.

Finalmente, en la playlist encontrarás también novedades como el nuevo tema de indie-pop de MENTIRA, el regreso en plan Novedades Carminha de Colectivo da Silva, la producción house-pop a lo Disclosure de D3LLANO con dani y Kimberley Tell, el pop-punk de ‘Lo impactante’ de Bicho Raro, ecos a Carolina Durante en ‘Nada que hacer’ de Impacto Vudú, un corte de noise-pop por parte de Paula y Eigen Risico, el reggaetón aflamencado de Khaled y La Cebolla, la psicodelia de Jurel Sónico & Los Impuros, un nuevo tema extraído del álbum de Carlota producido por Diego Escrache de La Plata o el nuevo single de The Parrots que hemos destacado en portada.

Bobby Gillespie & Jehnny Beth / Utopian Ashes

Buena pareja sin serlo, Bobby Gillespie y Jehnny Beth publican un disco conjunto esta semana, en principio unidos tanto por su interés por lo experimental al frente de Primal Scream y Savages, como por su gusto por lo clásico. Se conocieron en un concierto de Suicide cuando Alan Vega aún estaba vivo, y allí interpretaron una versión de ‘Dream Baby Dream’, terminando por hablar de su gusto en común por gente como la malograda Tammy Wynette. Un año después de aquello, en 2016, Jehnny Beth se unió a Primal Scream durante un concierto para hacer de Kate Moss en su versión de ‘Some Velvet Morning’, la obra maestra mayúscula de Lee Hazlewood y Nancy Sinatra, cuya adaptación Primal Scream habían incluido en el infravalorado ‘Evil Heat’.

Al unirse en un proyecto paralelo han decidido dejar de lado su vena más experimental, y es una pena porque ambos han sido en diferentes momentos firmes representantes del sonido del siglo XXI, pese a venir Gillespie de décadas más remotas (¿alguien se ha olvidado ya de cuando era batería en The Jesus & Mary Chain?). ‘Utopian Ashes’ renuncia a ser un disco tan revolucionario como ‘XTRMNTR’, por ejemplo, para ahondar en su lugar en el sonido de los 60 y los 70, quizá porque el disco, con alguna salvedad como la referencia a los inmigrantes de ‘English Town’, documenta un divorcio ficticio, una relación de amor en absoluta decadencia.

Son diáfanas las letras en ese sentido, de lo más explícitas y narrativas. Un ejemplo sería la muy Badalamenti ‘Remember We Were Lovers’: «¿recuerdas que fuimos amantes? Hace tanto tiempo / Y ahora el amor es solo un recuerdo / que las viejas fotografías mostrarán / Nunca querías abrazarme / o besarme ya más / Puede que durmamos juntos / Pero en realidad estamos solos». Y otro igual de ilustrativo, es el de ‘Living a Lie’: «Estás fuera hasta tarde / No vienes a casa en días / No sé dónde estabas ni con quién / ¿Y te preguntas por qué ya no tengo sexo contigo? / Sin confianza, ¿cómo puede haber amor?».

Es realmente excepcional encontrar a Bobby Gillespie, tan conocido por el público por canciones como ‘Swastika Eyes’ o ‘Rocks’, en esta tesitura. Pues además hay que señalar que el papel de Jehnny Beth es muy secundario, salvo excepciones. A nadie puede extrañar que este disco se haya etiquetado finalmente también como una obra de Primal Scream, puesto que Andrew Innes ha escrito letras y ha tocado guitarras y bajos, Darrin Mooney ha tocado la batería y Martin Duffy los pianos. ¿Es por tanto un álbum de Primal Scream, solo que un poco más personal para Bobby, y con unos coros muy puntuales de Jehnny Beth?

Esa puede ser la mayor decepción de ‘Utopian Ashes’: que lo que podría haber sido un gran disco de dúos, como tantos se han hecho en recuerdo de Nancy & Lee, desde She & Him a Tracyanne & Danny, no termina de definir qué representa para cada uno de sus integrantes. Por un lado, ni es un disco desgarrado por parte de Gillespie (que según The Guardian sigue felizmente casado con su mujer), ni Jehnny Beth tiene suficiente protagonismo en esta historia ficcionada.

Lo cual no quiere decir que carezca de momentos mágicos: nunca había sonado ella tan cerca de Patti Smith como al principio de ‘Your Heart Will Always Be Broken’ (o en ‘Stones of Silence’); pocas veces hemos oído a él cantando sobre pianos tan hermosos como el de esta canción o muy especialmente ‘English Town’, la composición más afrancesada del conjunto y la gran joya de la corona. ¿Para cuándo un larguísimo tributo a Serge Gainsbourg por parte de Bobby Gillespie y Jehnny Beth?

Iván Ferreiro recupera, con humor, una vieja mala crítica de JNSP en su show

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Iván Ferreiro actuaba anoche como parte del ciclo madrileño Noches del Botánico, por segunda vez, tras haberlo hecho con gran éxito de público también el día 29 de junio. En su repertorio, como es obvio, temas de su carrera en solitario, de Los Piratas, versiones (por ejemplo de Annie Lennox)… pero solo 2 canciones del mismo disco, el denostado en su momento ‘Picnic extraterrestre‘.

El artista considera que con aquel álbum «les fue muy mal» y, para explicar lo que sucedió, programó en su show un pantallazo de la crítica de JENESAISPOP escrita en su momento por Lolo Rodríguez, la misma persona que había escrito una discografía de Los Piratas. En aquel 2010, criticábamos la toxicidad de la letra del tema más popular del álbum, ‘Fahrenheit 451’ («cerdos ignorantes / sois todos unos hijos de puta» o «yo era el dedo en el culo / de aquellos que me cruzaba»); cuestionábamos la evolución de su voz y concluíamos que el disco te gustaría «si te gusta mucho, mucho, mucho Iván Ferreiro».

Como podéis ver en el vídeo que grababa anoche una gran amiga de la redacción y muy fan de Ferreiro a la vez, Dididj, Iván comenta con gran sentido del humor que aquella crítica influyó, pues otros medios la copiaron y pegaron, de manera que era lo único que salía en Google, y habla de los cambios en su voz. Sin embargo, afirma que tanto les gusta aquel disco, que era el único lanzamiento del que iban a interpretar 2 temas anoche. No fue ninguno ‘Fahrenheit 451’, eso sí, sino ‘Paraísos perdidos’ -el mejor para Lolo en su momento- y ‘Picnic al borde del camino’. Iván, ¿para cuándo una visita a nuestro podcast para una revisión de álbum, crítica y una lectura conmemorativa de los 75 comentarios de aquel post? Hasta que esto sea posible, puedes recordar nuestra entrevista con Iván y Zahara con motivo de ‘Contrapunto’ (2019), aquí.

Amber Mark no quiere «competición» sino compañerismo en su elegante último single

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Hace unos años os hablábamos de la cantante Amber Mark con motivo de su llegada a Mad Cool. La artista estadounidense de origen germano-jamaicano, que se ha criado en varios países, entre ellos India, donde vivió varios años, publicó su EP de debut en 2017, ‘3:33’, un trabajo de neo-soul y neo-R&B por el que asomaban influencias brasileñas o latinas y que se presentó con un single estelar llamado ‘Lose My Cool’ que sonaba a medio camino entre el soul contemporáneo y los ritmos caribeños.

Varios años después de aquello se espera con ganas el lanzamiento del debut oficial de Amber Mark, quien cuenta entre sus seguidoras a Rihanna. El disco, que saldrá este año, sigue sin ser anunciado pero la artista lo ha presentado en los últimos meses con hasta dos sencillos oficiales, por un lado, el híbrido de R&B y dancehall de ‘Worth It’; otro tema que vale mucho la pena, y ‘Competition’. El segundo pasa hoy por nuestra sección «Canción Del Día».

‘Competition’ es un sofisticado corte de R&B contemporáneo basado en un ritmo de hip-hop clásico, y que cuenta con un estribillo adictivo que parece doblarse o desviarse elegantemente hacia la mitad, marcándose a fuego en el cerebro. ‘Competition’ es una de esas maravillas que encontrarás en nuestro foro de R&B, hip-hop y soul.

Pese a aludir a una «competición», el tema no alenta en absoluto a la rivalidad, sino que celebra el compañerismo y el trabajo en equipo: «Esto no es una competición, tú no eres mi enemiga, yo quiero verte triunfar, no me pongas en esta posición, esto no es una competición, por favor, déjame entrar, quiero ser la mejor, pero quiero compartirlo con alguien».

Lo mejor del mes:

Sufjan Stevens vuelve al folk junto a Angelo de Augustine: escucha 2 temas nuevos

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Desde hoy pueden escucharse dos nuevas canciones de Sufjan Stevens que van a dar una alegría a los que echen de menos su faceta ‘Carrie & Lowell‘. Se trata de dos composiciones acústicas firmadas junto a Angelo De Augustine, con quien va a sacar un disco colaborativo tan pronto como el 24 de septiembre bajo el nombre de ‘A Beginner’s Mind’. Será una manera de reivindicar al artista que ha publicado un par de álbumes en su sello, Asthmatic Kitty Records, tras un debut autopublicado.

Los dos nuevos temas se llaman ‘Reach Out’ y ‘Olympus’ y puedes escucharlos bajo estas líneas junto a una colaboración previa en ‘Time’, que en su momento produjo Thomas Bartlett, con Stevens solo al piano. El vídeo de ‘Reach Out’ ha sido grabado por Sufjan y Angelo con cámaras VHS-C desde sus respectivas costas, de Nueva York y California. La nota de prensa especifica que aparecen sus perros Joku (un chindo) y Charlie (un bichón habanero).

El sello Everlasting es muy generoso en detalles sobre el proceso: «‘A Beginner’s Mind’ comenzó cuando los dos músicos y algunos compañeros del sello de Asthmatic Kitty se mudaron a la cabaña de un amigo en el norte de New York como forma de retiro sabático para centrarse en la composición. Como veían una película al final de cada día de trabajo empezaron a notar que cada una de ellas comenzaba a influir sus canciones y decidieron investigar estas conexiones.

El álbum resultante tiene 14 canciones basadas (esencialmente) en películas conocidas. Escribieron en tándem—uno se encargaba del verso mientras el otro se centraba en el estribillo-, generando progresiones de acordes y letras de forma conjunta, normalmente terminando uno las frases del otro. A este proceso le siguió una edición y reescritura rigurosa. Los resultados no son tanto una «exégesis cinematográfica» como una “indagación filosófica algo divagante” que permite que las canciones tengan una interpretación bastante libre. Los momentos de la trama, los resúmenes de escenas y los personajes principales se ven desplazados por las interpelaciones más esotéricas que plantean la pregunta más relevante: ¿Qué significa ser humano en un mundo roto?».

Stevens y De Augustine compusieron todos los temas guiados deliberadamente por el shoshin—el concepto del budismo zen que dio nombre al álbum y que empoderó al dúo para buscar y escribir sobre la inspiración sin nociones preconcebidas acerca de lo que una película debe decir (Las Estrategias Oblicuas de I-Ching y Brian Eno también sirvieron de incentivo en ese trayecto). Las películas se convirtieron en mensajes retóricos, que los compositores usaron como base para permitir que sus distintas reacciones e instintos creativos gobernaran todo el proceso. El objetivo final consistía en generar una empatía y una apertura, la ausencia de juicio: observar con los ojos de un niño.

La portada del álbum fue realizada por el artista de Ghana Daniel Anum Jasper. A finales de los 80 surgió en Ghana una cultura basada en el «cine móvil» cuando cinéfilos comenzaron a emitir blockbusters de Hollywood en la parte trasera de sus pickup usando generadores portátiles. Para promocionar las películas, varios artistas pintaron posters alternativos inspirados por la escasa información que tenían de cada película. Sufjan y Angelo encargaron a un pionero en este estilo—Jasper—pintar unas nuevas imágenes para A Beginner’s Mind (incluyendo portadas para tres singles de 7 pulgadas). La información sobre el proyecto fue vaga de forma deliberada, para que Jasper pudiera trabajar con libertad».

SUFJAN STEVENS & ANGELO DE AUGUSTINE—A BEGINNER’S MIND
1. Reach Out 3:43
2. Lady Macbeth In Chains 3:42
3. Back To Oz 4:25
4. The Pillar Of Souls 4:04
5. You Give Death A Bad Name 5:11
6. Beginner’s Mind 2:36
7. Olympus 3:07
8. Murder And Crime 3:43
9. (This Is) The Thing 3:13
10. It’s Your Own Body And Mind 2:27
11. Lost In The World 3:20
12. Fictional California 3:03
13. Cimmerian Shade 5:01
14. Lacrimae 2:05


Tomavistas Extra reubica sus fechas de 2021

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Como se ha venido informando a través de las redes sociales, los conciertos de Tomavistas Extra anunciados para los días 23, 24 y 25 de julio de 2021 en IFEMA MADRID LIVE no van a poder llevarse a cabo en las fechas marcadas por causas ajenas a la organización de Tomavistas y a las bandas programadas.

Hoy se informa de que los tres conciertos han sido reubicados de la siguiente manera: Rufus T. Firefly junto a Maika Makovski el 17 de septiembre, León Benavente junto a Chaqueta de Chándal el 18 de septiembre, ambas fechas en Recinto Ferial IFEMA MADRID en formato aire libre y, ya varias semanas después, Manel el 4 de noviembre en La Riviera. Disponéis de más información a través de la web de Tomavistas Extra.

Al margen de esto, os recordamos que Tomavistas 2022 ya ha anunciado algunas actuaciones de su edición del año que viene, que será en el IFEMA: JUNGLE, Suede, Jarv Is, Kings of Convenience, Rolling Blackouts C.F., Carolina Durante, Shame, Alizzz y La Luz.

Suede celebrarán el 25 aniversario de ‘Coming Up’ en Barcelona en 2022

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Este año se cumplen 25 años de ‘Coming Up‘, el tercer álbum de Suede, y el grupo británico liderado por Brett Anderson celebrará la efeméride con una gira en la que tocará el disco al completo y que pasará por España. La cita está programada para el día jueves 19 de mayo de 2022 en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas estarán a la venta en DICE a partir del viernes 9 de julio al precio de 40 euros + gastos de distribución.

Con ‘Coming Up’, cuenta la nota de prensa, Suede «afrontaban uno de los mayores retos de su carrera: un tercer disco que sucediera al brillante ‘Dog Man Star’ tras la partida del guitarrista Bernard Butler, que virara de nuevo hacia las raíces glam de la banda y que, sin perder esencia, se quitara de encima para siempre la molesta etiqueta de britpop que nunca les hizo justicia a pesar de ser una de sus piezas fundacionales». El disco «pasó a la historia gracias a 10 canciones que van de los himnos indie color flúor a baladas de belleza sobrecogedora como By The Sea, con el humor y el punto justo de autocrítica, una sección rítmica metronómica a cargo del bajista Mat Osman y el batería Simon Gilbert, los teclados quirúrgicos de Neil Codling, los asombrosos riffs de un jovencísimo Richard Oakes y claro, la voz definitoria y carisma arrollador de un frontman que puso el mundo a sus pies».

‘Coming Up’ es uno de los discos que seleccionábamos hace unos años en un artículo sobre discos «para follar mejores que la banda sonora de ’50 Sombras de Gray'». El tercer álbum de Suede, en ese sentido bastante salvaje, «se abre con dos personas jactándose de ser basura (‘Trash’), con momentos desbocados (‘Beautiful Star’), de subidón (‘Starcrazy’) e incluso otros más románticos sobre follar en el mar (‘By the Sea’)».

Podcast: Música para follar

Marc Seguí pide perdón por sus viejos tuits gravemente machistas y homófobos

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En estos durísimos días para la comunidad LGTBQ+, que se enfrenta a una nueva ola de violencia homófoba tras el asesinato de Samuel Luiz a manos de un grupo de 12 personas que le gritaban «maricón» mientras le daban una paliza en A Coruña, un asesinato a todas luces homófobo aunque algunos se nieguen absurdamente a reconocerlo; han resurgido en Twitter unos viejos tuits de Marc Seguí en los que expresaba mensajes gravemente machistas y homófobos, los cuales él mismo reconoce pueden haber servido para alentar este tipo de actitudes.

El cantante mallorquín, que este año ha arrasado con su single ‘Tiroteo‘ con Pol Granch, al que después se ha unido Rauw Alejandro en un remix igualmente exitoso, respondió a las críticas hace unos meses con el lanzamiento de un tema llamado ‘Verdadero’ en el que cantaba sobre haber sido inmaduro en el pasado. Sin embargo, ante la polémica suscitada en las últimas horas por sus tuits rescatados, el artista ha acudido a Instagram para comunicar a través de los stories que se arrepiente de dichos mensajes y para «pedir disculpas públicamente».

«Hace unos años me puse a tuitear burradas increíbles haciendo el gilipollas con el motivo de llamar la atención», empieza su comunicado. «Era un chaval sin conocimiento que convivía con actitudes y comportamientos que eran asquerosos. Estoy obviamente avergonzado de que algún momento de mi vida haya podido poner cosas tan heavys. Tengo muchas cosas que desaprender. Quiero formar parte de una sociedad justa, de la que creo que hace ya tiempo que formo parte. El desconocimiento y la edad que tenía en ese momento no me exceden de la culpa y quiero pedir perdón y deciros que me arrepiento. Después de esto quiero ser mejor persona».

Muchas de las críticas dirigidas a Seguí, entre ellas una publicada por su antigua compañera de instituto, Samantha Hudson, que ha recordado un día en que le «tiró una manzana y una bola de papel albal en las escaleras por ser maricón», se han centrado en su estética, que Seguí reconoce está inspirada en la cultura LGTBQ+, a raíz de que el artista parecía no estar pronunciándose al respecto de la violencia homófoba que está teniendo lugar estos días, cuando ha explotado la estética de dicho colectivo (sin mencionarle, Recycled J parecía dirigirse a él en un stories para denunciar su silencio). En su comunicado, Seguí señala que «sé que tengo una responsabilidad con el mundo queer y LGBT porque gracias a ellos, ellas, elles soy como soy y visto como visto, y si no me he posicionado antes públicamente es porque he sido un cobarde y tenía miedo».

En el último de la serie de stories, Seguí insiste en su disculpa: «Después del asesinato de Samuel mucha gente me ha comparado con esos monstruos por mis tuits, que me comparen con gente así es algo que realmente ha estado acabando conmigo, es algo que me parte en dos. Quiero pedir perdón por si con mis agresiones verbales he podido hacer algo parecido. No quiero formar parte del bando opresor, todo lo contrario. Quiero aprender, agradecer, compartir, y quiero hacer de cualquier sitio en el que yo esté presente un lugar seguro para cualquier persona del colectivo».

‘Tiroteo’, el mayor éxito de Marc Seguí hasta la fecha, es un dueto con Pol Granch, otro artista que ha estado en el punto de mira estos días y que ya se disculpó en el pasado por unos mensajes machistas y franquistas que colgó en internet cuando tenía 15 años. En un stories, el cantante y productor mori ha pedido a Sony Music que le «cierre el grifo» porque sabe de primera mano que detrás de los focos hace gala de comportamientos homófobos y misóginos; y, a colación de un mensaje de valverdina en el que se dirige a sus fans para advertir de que no separar al artista de su arte permite financiar el trabajo de «abusadores, homófobos y racistas»; Natalia Lacunza ha trasladado este mismo mensaje a sus «compañeres de industria»: «Lo mismo pasa con seguir trabajando con esa gente aún sabiendo todo, la diferencia está entre tomar o no esa decisión, si sigues alimentando su tranquilidad de que da igual que seas un desgraciado porque no te va a pasar nada, ¿qué estás haciendo?»

Mucho más dura con Granch ha sido la rapera Sara Socas, que en Twitter se ha dirigido directamente a él para acusarle de haberle tratado «como una putísima mierda» en una gala de Los40 de 2019. «Sales en Élite, te vistes como Harry Styles y cantas baladitas tontipop porque mucha gente ha mirado para otro lado. Por mi parte: que te jodan. Eres un misógino de mierda … No solo me has tratado mal a mí, que me faltaste el respeto y me empujaste varias veces, sino a muchas chicas de distintas formas y mucho peores. No especifico la situación porque implicaría a terceras personas y quizá no se sientan cómodas, pero no aguantaba más viendo cómo te trata de bonito la industria mientras tú has tratado como un trozo de mierda a mucha gente. Y me da igual que fuera drogado que sobrio». Socas señala que está en contra de la cultura de la cancelación pero que «una cosa es una cagada y otra es un patrón: repetir una y otra vez actitudes y comportamientos de mierda». Granch no se ha pronunciado sobre la polémica por el momento.

Ed Sheeran decepciona en la lista de singles española

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Como hemos comentado, ‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro sigue siendo la canción más escuchada en nuestro país una semana más. El disco que la incluye ha entrado en el número 1 de álbumes española y, por lo tanto, es posible encontrar varias de sus pistas en la lista de singles. Así, ‘Sexo virtual’ aparece en el número 22, ‘Cúrame’ en el 72, ‘Nubes’ en el 81, ‘Aquel Nap Zzzz’ en el 82, ‘La Old Skul’ en el 90 y ‘Cosa guapa’ en el 91.

La entrada más fuerte de la lista de singles esta semana es para el remix de ‘AM’ de Nio Garcia con J Balvin y Bad Bunny, que se posiciona directo en el número 6. El tema original, producido por Flow La Movie, sumaba ya más de 200 millones de reproducciones en Spotify, mientras el remix alcanzará pronto las 40 millones. ¿Se avecina número 1?

Como ha solido ocurrir recientemente con los nuevos singles de artistas anglosajones como Justin Bieber o Billie Eilish, Ed Sheeran tampoco obtiene una buena posición de entrada en la lista de singles española con ‘Bad Habits‘. El primer single del próximo disco de Sheeran debuta en el número 48, a años luz de los datos británico (top 1) y estadounidense (top 5). ¿Tendrá algún recorrido el tema en nuestro país? ‘Bad Habits’ ya está fuera del top 50 de Spotify Spain pero es número 7 en la lista de Los 40 Principales.

En cuanto al resto de entradas, ‘BOBO’, la divertida versión españolizada de ‘No Scrubs’ por Mariah Angeliq, Bad Gyal y María Becerra, entra en el número 41, la nueva sesión de Bizarrap con Nicky Jam lo hace en el 58 tras viralizarse; el remix de ‘2:50’ de Mya, Tini y Duki aparece un puesto por debajo, en el 59; el remix de ‘Mándame un audio’ de Fresquito y Mango con Aitana en le 69 y ‘Dos veces’ de Davis Bisbal y Luis Fonsi en el 79.

Finalmente, completan la tanda de entradas ‘Rakata’ de Original Elias, Moncho Chavea, Yotuel y C de Cama (93) y el remix de ‘No me conocen’ de Bandido, Duki, Rei y Tiago PZK (100). Con todas ellas os dejamos… aunque solo adjuntamos una de Rauw Alejandro, que ya acapara suficiente la lista de singles.










Rauw Alejandro, número 1 de álbumes en España

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Rauw Alejandro, que sigue en el número 1 de singles en la lista de singles española con ‘Todo de ti’, debuta en el número 1 de álbumes con ‘VICE VERSA’. Esto significa que Alejandro es número 1 simultáneo en las listas de éxito españolas, algo que no sucede tan habitualmente. La última vez que ocurrió fue tras el lanzamiento de ‘El Madrileño‘ el pasado invierno.

Los alemanes Helloween, anterior número 1 de álbumes, un dato sorprendente pues no suele verse un disco de heavy metal en esta posición a pesar de las saludables ventas físicas que sigue produciendo el rock en nuestro país; baja hasta la novena posición, mientras Olivia Rodrigo permanece en el 2, C. Tangana en el 3 y Camilo en el 4, seguidos -en este orden- por Dua Lipa, Karol G, Sech y el propio Rauw Alejandro con ‘Afrodisiaco’, su anterior disco.

Entre las entradas destacadas de la semana hay que mencionar ‘Hambre’ de Kiko Veneno en el número 60 y el disco de Los Suaves del año 2000, ‘Víspera de todos los santos’, que aparece en el número 18 de la lista de álbumes gracias a que ha sido de hecho el vinilo nº1 más vendido de la semana, tras ser reeditado en este formato. El segundo vinilo más vendido de los últimos siete días ha sido ‘Once historias y un piano’, el disco de Pablo López de 2013, también reeditado y que entra en el número 8; y ‘Lágrimas negras 20 aniversario’ de Bebo Valdés y Diego El Cigala, número 9 en vinilos y número 82 en la lista general.

Volviendo al top 100 de álbumes oficial, Doja Cat coloca ‘Planet Her’ en el número 16 después de entrar en el número 1 de la lista británica y en el 2 de la estadounidense, bloqueada por un Tyler, the Creator que coloca ‘CALL ME IF YOU GET LOST’ dos puestos por debajo de ella, en el número 20. Gran crecimiento comercial de Amala Ratna Zandile Dlamini en nuestro país después de que ‘Hot Pink‘ jamás entrara en lista y ‘Say So’ no pasara del número 80 de la tabla de singles. En cuanto a Tyler, la de «CALL ME» es su primera entrada en la lista de álbumes española.

Bad Bunny insiste en su vena trapera en ‘De museo’

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Mientras sigue triunfando en todo el mundo, pero especialmente en España y en los países hispanohablantes, con ‘Yonaguni‘, Bad Bunny ha estrenado un tema nuevo, el tercero del año y a pesar de que, en Apple Music, había explicado que no tenía planeado lanzar música en 2021.

‘De museo’ aparece en la nueva película de ‘Fast & Furious’, la novena, pero no así en su banda sonora oficial, en la que sí se incluyen temas de Don Toliver, Anitta o Jarina de Marco. El propio Benito hace un cameo en la cinta junto a Cardi B y Ozuna y como se esperaba, pues el portorriqueño aparece hace tiempo en el elenco de la película listado en IMDB.

‘De museo’ es otro tema de Bad Bunny hecho en su vena trapera, aunque para darse cuenta de ello hay que esperar un rato, porque el inicio del tema se compone básicamente de la voz de Benito y un fondo sintético ambiental que la acompaña.

En el melancólico tema, que habla sobre el paso del tiempo, Benito reflexiona sobre lo que ha sido su vida hasta el momento: «El tiempo pasa, pasa y no se detiene / Ya me estoy poniendo viejo y ayer era un nene / Los problema’ van y viеne / Pero еsto e’ lo que me entretiene / Y yo con mi Dios siempre estoy agradecido / Por to’ lo que he logrado y he vivido / Por to’ lo que he llorado, por to’ lo que he reído / Por lo’ hermano’ que están y to’ lo’ que se han ido».

Polo & Pan: «La pandemia nos ha hecho ver que ya no somos adolescentes ni jóvenes adultos»

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Polo & Pan es uno de los grupos favoritos de los festivales en la actualidad gracias a sus producciones de electrónica bailables, veraniegas y sofisticadas, perfectas para hacernos anhelar los tiempos pre-pandemia… o para aguardarlos con más ganas. Después de obtener un Disco de Oro con su debut ‘Caravelle’, el dúo francés compuesto por Paul Armand- Delille (Polocorp) y Alexandre Grynszpan (Peter Pan) acaba de lanzar un ‘Cyclorama‘ que narra «una odisea musical a través de las fases de la existencia humana, del nacimiento a la vida adulta hasta la muerte… y la trascendencia». Sobre la vida, la muerte y por supuesto su nuevo disco hablamos con Alexandre vía Zoom, una de esas personas que llevan gafas de sol en las videollamadas.

¿Que significa la palabra ‘Cyclorama’? ¿De dónde viene?

La palabra viene del mundo del teatro. El ciclorama es el fondo en una obra de teatro o en las sesiones de fotografía, suele ser un espacio de 360º. También buscábamos una palabra que hablara del ciclo de la vida y que fuera poética y por eso la hemos escogido para titular nuestro álbum.

¿Cómo os habéis enfrentado a la idea de sacar vuestro segundo disco durante una pandemia?
El disco iba a salir el verano pasado y probablemente habría sido muy distinto al actual, menos trabajado y con menos canciones. La pandemia nos permitió mimar más la creación y nos vino muy bien después de mucho tiempo de gira. El álbum no va sobre la pandemia en absoluto pero sí ha afectado en su calidad y probablemente en la de otros discos que saldrán más adelante porque los artistas tienen más tiempo para invertir en el estudio.

¿Por qué habéis querido contar el ciclo de la vida?
Queríamos trabajar este concepto porque la pandemia nos ha permitido darnos cuenta de que estamos en la mitad de nuestras vidas, ya no somos adolescentes ni jóvenes adultos. Es el momento en que nosotros mismos consideramos la paternidad mientras nuestros padres se hacen mayores. ‘Caravelle’ era un viaje en diferentes destinos y el viaje que propone ‘Cyclorama’ es más bien temporal. El disco no cuenta literalmente el ciclo de la vida, está organizado en un sentido más musical, pero creemos que la historia que cuenta es universal.

Estamos en ese momento en que consideramos la la paternidad mientras nuestros padres se hacen mayores

Más que morir, lo que da miedo es no existir, ¿no? Es natural querer celebrar la vida con música que es eufórica como la de este disco.
Una canción como ‘Feel Good’ es una celebración de la vida. Cuando entiendes que la mayor parte del tiempo ni siquiera vas a existir, que tu vida solo abarca una ventana muy pequeña de tiempo, entiendes el regalo que es la vida. Por supuesto, la vida también es difícil, pero es hermoso cuando ves a una persona mayor que, después de haber pasado por tantas cosas, es feliz.

En el disco habéis trabajado con Vladimir Cosma.
Sí, él es un compositor de bandas sonoras y sintonías rumano que actualmente tiene 81 años. La melodía de ‘Bilboquet (Sirba)’ está sampleada de la película de 1976 ‘El gran rubio con un zapato negro’, cuya banda sonora compuso él en parte, y la hemos escuchado desde que tenemos uso de razón. La canción parece inocente, pero también habla sobre esa transmisión de energías que se da entre varias generaciones. Es admirable ver a un señor de su edad seguir trabajando tan duro como lo hace él.

Como dúo, ¿vuestros intereses musicales chocan o en absoluto?
Somos muy curiosos, nos encanta la exotica, nos gusta la misma música clásica, como Debussy o Ravel, nos encantan las bandas sonoras y el hip-hop de los 90. En cuanto a la electrónica los dos somos fans de LCD Soundsystem, Daft Punk y Giorgio Moroder. Más que en lo musical, diferimos en nuestras personalidades: Alex es más extrovertido y yo más introvertido, pero como nos gusta la misma música nos entendemos muy bien.

‘Ani Kuni’ es un homenaje a vuestra canción infantil favorita. Yo la escuché hace tiempo antes de un concierto de Ladytron y me encantó. ¿La canción original es conocida en Francia?
Es muy conocida, sobre todo la versión de una cantante canadiense llamada Madeleine Chartrand. Es una canción que se enseña en los jardines de infancia.


Para quien no os conozca, vosotros ya erais dos DJs conocidos antes de juntaros. En Polo & Pan cómo definirías qué aporta cada uno?
No hay roles definidos ni reglas, cada uno aporta lo que considera con las herramientas que tiene. Compartimos muchas referencias, lo cual nos ayuda a definir la dirección de las canciones. Antes yo ejercía más de productor, publiqué un álbum de pop, y Alex tenía un pasado más electrónico y llevaba más tiempo trabajando de DJ. Además, él maneja mejor el tema de los negocios, lo cual es muy importante en esta industria.

Es hermoso cuando ves a una persona mayor que, después de haber pasado por tantas cosas, es feliz


Magic‘ es uno de los temas destacados. Cuéntame sobre su composición…

Esta canción no iba a formar parte del disco. Viene de un DJ edit que hemos pinchado en nuestros conciertos. La canción samplea ‘Telescope’ de Pino Donaggio, canción que descubrí gracias al remix de Young Marco, y ‘Magic’ de Pilot, que descubrí al escuchar la banda sonora de ‘Happy Gilmore’. Tuve la idea de hacer un DJ edit y cuando la tocamos en el festival Chambord x Cercle la gente se volvió loca y el sello nos empezó a preguntar por ella. Así que decidimos producirla nosotros para darle un toque más Polo & Pan. La idea fue hacer una canción para Burning Man.

Hay varios temas en el disco que podrían sonar en ese festival, como ‘Oasis’. ¿’Gengis’ ha sido un punto de partida para vosotros a la hora de explorar sonidos más desérticos y esotéricos?
Precisamente esa canción no tiene samples, toda la música la hemos grabado nosotros, pero es cierto que ya apuntaba en la dirección que hemos explorado en este disco, con algunos sonidos chamánicos y flautas.

¿Cómo será el directo que estáis preparando?
Es un show visual, tenemos una cabina de DJ delante de nosotros con todos las mesas de mezcla y sintetizadores, y tanto detrás como delante de la cabina hay unas pantallas, por lo que parece que estamos insertados directamente en un paisaje.

Ana Torroja / Mil razones

De pequeño debí pedir a mis padres que me comprasen la cinta de casete de ‘Pasajes de un sueño‘ de Ana Torroja. No recuerdo por qué, ni siquiera conservo en mi memoria el momento de obtener la cinta, solo recuerdo que de vez en cuando la escuchaba en casa. Entre Britneys, Billie Pipers y Spice Girls, el segundo álbum en solitario de Torroja era el disco más diferente que tenía en mi colección (sí, yo coleccionaba casetes en lugar de coches de juguete o Barbies). Torroja no ha publicado muchos discos sola en su carrera, pero si ‘Sonrisa‘ pecó de blando y conservador, ‘Mil razones’ es todo lo contrario. Escuchado en el contexto del pop (español) actual, es casi como volver a esos viejos tiempos.

La ex integrante de Mecano sorprendía hace varios años cuando se revelaba que había estado trabajando en el estudio con Pional y Henry Saiz. ‘Llama’, el primer single de este disco, lanzado en febrero de 2019, cuando de hecho todavía no había disco alguno, estaba producido por El Guincho, Alizzz y Livinglargeinvenus y contenía una co-autoría de Rosalía. Todos estos nombres aparecen de manera prominente en ‘Mil razones’, el primer disco de Torroja en 11 años; y aunque su trabajo en este disco no es el mejor ni el más avanzado que han firmado, desde luego sí conforma un buen, si bien irregular regreso que además pocos han visto venir.

Llama‘, un sutil festival de ganchos entre los cuales se cuela un «¡ese!» como sacado del vocabulario de C. Tangana, todos ellos aplicados a un pegadizo ritmo de disco-pop contemporáneo y a un estribillo de «tuit tuit tuits» a los que responde el título del tema totalmente encantador, es la mejor canción que ha firmado Ana Torroja en muchos años, y también la mejor de este disco. Como tal abre la secuencia, en la que también es posible toparse con pequeñas sorpresas como ‘Cuando tú me bailas’, una composición entregada a la seducción en la que El Guincho, Alizzz y Luis Deltell tienen la extraña idea de fusionar percusiones tropicales con un beat electroclash (?), resultando airosos; o la balada electro-noir de ‘Antes’, llena de humo y miradas furtivas que nunca se resolverán en un encuentro real.

Cuando menos funciona ‘Mil razones’ es cuando queda demostrado que ha perdido la oportunidad de realmente llevar el pop español a otro lugar. ‘Ya fue’ está bien como corte hedonista que aboga por olvidar el pasado y bailar, pero suena demasiado al pop tropical de 2017 sin aportar nada realmente nuevo, y ‘Ya me cansé de mentir’ es uno de esos baladones pop que intentan armarse de poderío y pasión pero que se quedan a medio gas. No inspira estos sentimientos en absoluto. Por diferente destaca -para bien en este caso- el tema titular, un tapiz sonoro de palmas, vibráfonos, texturas orgánicas y samples de cuchillos que sonaría a vanguardia sino fuera porque es 100% hija de ‘Malamente’ aunque no esté producida por El Guincho, sino otra vez por Alizzz y Henry Saiz.

Si nos dejamos de centrar en la producción para hablar de las canciones hay que lamentar que, precisamente, Ana Torroja parece haberle puesto más esmero en lo primero que en lo segundo, porque el punto débil de estas piezas son las melodías. La autora de canciones atemporales como ‘Te he querido tanto’ o, lo voy a decir, ‘Sonrisa’ no deja melodías recordables ni cuando se acerca al french house (‘Volver’) ni cuando hace de hecho una balada como la mencionada ‘Ya me cansé de mentir’. ‘Hora y cuarto’, su sonada colaboración electropop con Alaska, no está mal, pero eso es lo mejor que se puede decir de ella. Al final, la sensación que deja ‘Mil razones’ es que, para todo lo que se ha dicho de su aproximación al underground, podría haber sido mucho mejor.

The Parrots se inspiran en LCD Soundsystem, Devo, el hip-hop, la «mutant disco»… en su nuevo álbum

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The Parrots dan señales de vida, como Lana Del Rey, después de publicar un nuevo single llamado ‘Maldito’ en el que colaboraba C. Tangana, de lo cual hace ya varios meses, pues el tema vio la luz en la pasada primavera. El grupo de garage-rock madrileño no saca disco desde 2016, cuando sus compañeras Hinds llevan ya unos cuantos a sus espaldas, y el 29 de octubre publicarán el segundo de su carrera, que han titulado simplemente ‘DOS’, a través de Heavenly Recordings. El álbum, que efectivamente sucede al aclamado ‘Los niños sin miedo‘, ha sido producido por Tom Furse, integrante de los Horrors.

‘You Work All Day And Then You Die’ es el nuevo adelanto que se ha dado a conocer de este disco, un corte de psych-rock lisérgico en el que es posible percibir cierta sensibilidad brit-pop también en la letra, la cual, entre menciones a Shoreditch (un barrio hipster de Londres), el éxtasis o la coca, funciona a su vez como reflexión sobre el capitalismo, al sentenciar que «trabajas todo el día y después mueres, es difícil encontrar un poco de paz mental».

Pero ojo porque las influencias de ‘DOS’ no serán tan obvias. En nota de prensa, el grupo cuenta: “Aunque el garaje sigue siendo una de nuestras mayores influencias, últimamente hemos escuchado muchas cosas que habíamos relegado a un segundo plano. Redescubrimos muchos artistas que escuchábamos cuando nos enamoramos de la música por primera vez: LCD Soundsystem, Gang of Four, mucho mutant disco… Y, como siempre nos ha gustado el hip hop, seguimos un enfoque diferente a la hora de componer las canciones, utilizando samples y sampleándonos mucho. Beastie Boys, ESG, Devo, Los Zombies (los españoles) fueron influencias muy grandes en el carácter del disco. También la escena musical española ha cambiado mucho en los últimos años, y escuchar a muchos artistas españoles nuevos nos ha ayudado a romper algunos muros y nos ha hecho crear música de una manera más libre.“

‘Godhead’ es el enésimo hitazo de Garbage

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Mientras el mundo espera con ansias la llegada del nuevo álbum de Halsey producido por Nine Inch Nails, desde hace ya unas semanas es posible escuchar un tema nuevo que puede dar una pista de por dónde irán los tiros… o no. ‘Godhead’ es uno de los temas destacados de ‘No Gods, No Masters’, el nuevo álbum de Garbage, y apuesta por un muro de sonido industrial similar al que suelen practicar Trent Reznor y Atticus Ross, sobre todo en los ataques del estribillo que enuncian el título de la canción.

‘Godhead’, hoy la Canción Del Día, denuncia el patriarcado desde el punto de vista de una mujer que ha despertado ante la injusticia que dicho sistema social supone. En Apple Music, Shirley Manson ha explicado la canción, indicando que hay cierto humor en ella, dentro de que el tema que trata es grave: «Si fuera hombre se me trataría muy diferente en el mundo. Sé esto debido al machismo y a la misoginia que he sufrido como músico profesional. Cuando tenía 30 años me enfurecía hasta el punto de que se me emborronaba la vista».

La cantante, que no es conocida por morderse la lengua, señala: «Ahora me hace hasta un poco de gracia que a un hombre se le dé tanta importancia en este mundo por tener una estúpida polla y dos bolas colgándole en las piernas y a una mujer no se le dé la misma importancia por tener vaginas. Cuando te das cuenta del modo en que el patriarcado influye en todo lo que ves, pues hasta Dios se te presenta como si fuera una figura masculina, empiezas a poder apreciar esa insidiosa locura que condiciona a los hombres a creerse más importantes, y que condiciona a las mujeres a pensar que lo son menos».

Efectivamente, Manson canaliza toda esta rabia en ‘Godhead’ a través de la ironía. En la canción desafía al oyente para preguntarle: «¿Me engañarías si tuviera una polla? ¿me la chuparías? ¿Me creerías? ¿Me dejarías en paz?» Y después canta, celestial: «el centro del universo eres tú, y la verdad sigue pesándome en la espalda, no importa lo que hayas hecho, tú eres el elegido». Más adelante, Manson se proclama a sí misma una «zorra» y una «terrorista».

En una entrevista con JENESAISPOP, Manson ha recordado la composición de ‘Godhead’ y ahondado en su temática: «Escribimos esta canción en Palm Springs, la toma vocal que se oye es la primera de esa sesión, nunca la he vuelto a grabar. Es una canción con mucho humor pero que en realidad habla de un tema muy frustrante para las mujeres y para cualquier persona que no sea un hombre cisgénero: los hombres se han colocado en la cima de todo y se han declarado dioses de todo. Estoy muy orgullosa de esta canción porque habla de un tema que es muy necesario poner sobre la mesa, pero lo hace desde el humor».

Por qué todo el mundo adoraba a Raffaella Carrà, una cómplice para todos

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Debía de tener unos 5 años cuando escuché por primera vez una canción de Raffaella Carrà. La experiencia no la puedo detallar como me gustaría, pero sí la recuerdo nítidamente como desconcertante: por algo no se me ha olvidado. ‘Qué dolor’ era el tema que sonaba en la radio y alguien de mi familia la canturreaba alegremente. ¿Qué sería aquello de que había una mujer metida en el armario? Hoy puedo hablar de que la producción de 1982 es realmente completa entre su bajo de música disco, su ritmo casi ska, esa caída en los arreglos de cuerda tan propia de finales de los 70 y los primeros 80 y, sobre todo, el fascinante cambio de melodía vocal en la parte de la letra que relataba la infidelidad («Y el caradura le dice que le deje que explique…»).

‘Qué dolor’ triunfó porque estaba en sintonía con la España que pasaría décadas montando gags en torno a una infidelidad, los tiempos del destape, de José Luis Moreno y las posteriores Matrimoniadas a ‘La que se avecina’. Hoy cabe preguntarse si puso un pequeño grano de arena en nuestra educación feminista. ¿Cómo puede sonar tan rematadamente alegre esta canción cuando hablaba de, aparentemente, algo malo? ¿Estaba quitando hierro a un drama doméstico si tenemos en cuenta que la Carrà era conocida por haber contado que «nunca había tenido intención de casarse»? Atendamos a la letra pequeña final, que revela que es la mujer engañada quien termina ganando: «así mi amiga a su marido, desde ese día, le encarga de la casa, (él) lava la ropa, se va a la compra y a mediodía prepara la comida / Después la espera, pero mi amiga regresa tarde, cuando le viene en gana». Eso era ella: una mujer que viene y que va, «cuando le viene en gana». Al menos hasta que nos ha dejado a la prematura edad de 78 años.

En la misma entrevista en la que la artista habla sobre su soltería, concedida tan sólo el año pasado, cuando contaba que la pandemia le había impedido hacer la adaptación italiana de ‘Mi casa es la tuya’ presentada por ella misma (qué envidia más cochina, pensar que Italia tenía a Raffaella Carrà y nosotros… a Bertín Osborne); Raffaella hablaba sobre lo que significó para la liberación de la mujer. El Vaticano le había hecho en los 70 la vida imposible por haber mostrado un ombligo durante una actuación del ‘Tuca Tuca’. En ’53 53 456′ había un doble juego entre el teléfono y la masturbación femenina («Mi dedo está enrojecido de tanto marcar, se mueve solo sobre mi cuerpo y marca sin parar»). Hoy Sergio del Molina recuerda que ella «votaba comunista, como era preceptivo en alguien de su condición en esa época, pero no se le notaba porque no sabía sermonear». Decía ella misma, pues, en El País, hace unos meses: «No solo era mostrar mi cuerpo, era hacer entender que el cuerpo de una mujer siempre está unido a su cabeza. La sensualidad no está reñida con la inteligencia, la simpatía, la ironía (…) Se hace bien en descubrir estos velos tupidos. Es importante, y no siempre pasa, que valoren tu talento y que no digan de ti que has hecho algo por acostarte con o ser novia de”.

Ella, desde luego, tenía la inteligencia, la simpatía y la ironía. Su faceta musical ha de ser la más reivindicada por el gran número de éxitos que construyó, algunos de ellos junto a su pareja durante 10 años Gianni Boncompagni, capaces de sobrevivir décadas. Pero son indisociables en gran medida de sus hits televisivos, pues el formato musical tan consentido en aquellos años -inconcebible hoy- era casi lo mismo. Raffaella Carrà llegó a RTVE a mediados de los 70 con el voto de confianza de Valerio Lazarov, y tras una primera aparición en ‘Señoras y señores’, en 1976 se le dio su propio programa, ‘La hora de Raffaella’.

Tras una década de los 80 más centrada en Italia, una nueva generación de españoles pudo saborear su desparpajo en ‘Hola Raffaella’, ‘A las ocho con Raffaella’ y ‘En casa con Raffaella’ en la primera mitad de los 90. Todos los programas tenían su nombre, porque ella era el programa, y su presencia era completamente hipnótica. Sólo ella podía tenerte atrapado a una chorrada de concurso tan genérico como «¿por qué te digo azul?». Sólo ella podía hacerte bailar con un spot publicitario «con este canguro ganar es seguro». Sólo ella podía hacer funcionar tan bien un fragmento de un hit propio (‘Bailo, bailo’) como símbolo de victoria en un concurso que presentaba. Boris Izaguirre asegura haberle copiado la manera de sentarse en un plató televisivo: no hace falta añadir nada más sobre lo que significaba su sola presencia.

‘La hora de Raffaella’ en 1976 tuvo mucho que ver con que en 1977 llegara el que fue el mayor éxito de Raffaella Carrá en España: ‘Fiesta’ alcanzaba el número 1 durante dos semanas en julio de aquel año, después de que ‘Rumore’ hubiera alcanzado un éxito moderado en las listas de 1975. Había sido esta una producción loca, con un ritmo como medio morse, que uno no sabe si vincular con Giorgio Moroder (es anterior a ‘I Feel Love’), con los experimentos de Kraftwerk o con la psicodelia de finales de los años 60. Alaska siempre vio en ella el cénit de la modernidad y por tanto la llegó a versionar y a incorporar en su repertorio en distintas etapas.

Raffaella Carrá decía que en Hollywood no la quisieron porque no bebía ni se drogaba, pero muchos de los vídeos que realizó y sus presentaciones en plató eran una verdadera fumada que pedía ser admirada en bucle, haciéndote perder la noción del tiempo y del espacio. Un festival de leggings, color, señores en topless, bailarines de todos los estilos y edades, que ríete tú del cuerpo de baile de hombres con tacones de Lady Gaga. No es de extrañar que en Cachitos se hayan puesto morados recordándola: su aparición solía ser lo mejor de toda la noche, como sucedía la pasada Nochevieja, cuando pusieron una actuación suya en la que la veíamos pasar de mano en mano en volandas, completamente despatarrada, con una falsa cara de susto. Anda que no sabía bien lo que se hacía.


Corría el año 1978 cuando Raffaella Carrá lograba situar una adaptación al inglés de ‘En el amor todo es empezar’ -otro gran hit educativo- en el top 10 británico. Sería su única incursión, pero lograba llevar aquel ‘Do It Do It Again’ previo a Robyn y a Britney a Top of the Tops, lo que significaba que pudo dar una clase a los ingleses sobre su icónico golpe de melena rubia hacia atrás, también visto en ‘Hay que venir al Sur’. Ella gritaba: “¡Sin amantes!” o «Explota, explótame, expló». ¡Y zas! Aun hoy todo el mundo tiene que seguirla, de Chueca al último chiringuito playero para toda la familia.

No sé si en Raffaella Carrá algunos vimos a una gran amiga, a una evidente cómplice (en 2017 se le dio un premio honorífico en el World Pride), o incluso a una madre. Tanto se metía en nuestros hogares cada semana -o cada día, incluso- que durante muchos años fue parte de una familia que hace demasiado tiempo que ya no visitamos. Que gente tan dispar como Roser y Soziedad Alkóholica la versionaran evidencia que a nadie podía caerle mal Raffaella Carrà. Una artista transversal que nos deja un repertorio rico en destalles al margen de sus grandes hits: hace poco la película ‘Explota, explota’, construida con sus canciones, reivindicaba algún tema perdido como ‘Lucas’, los arreglos de ‘Eres un bandido’ eran prodigiosos, Berlanga y Canut escribieron para ella ‘No pensar en ti’, un hit de HI-NRG en los mismos tiempos en que escribieron ‘Atrévete’ para Sara Montiel… Como apunta nuestro compañero Claudio M. de Prado, la muerte de Raffaella Carrà deja una semana gris para la comunidad LGTB+ que recuerda ligeramente a la coincidencia de Stonewall con la muerte de Judy Garland. En estos tiempos tan tristes con protestas por toda España contra la homofobia, en Madrid desembocando en cargas policiales, es un consuelo tener todo el verano por delante para recuperar los vídeos y el catálogo de Raffaella Carrá.

Laura Mvula / Pink Noise

Entre las reinvenciones más llamativas de los últimos tiempos hay que hablar de Laura Mvula. Hace unos años, la cantante británica recibió grandes elogios de la crítica especializada por el sofisticado sonido de pop-soul orquestado de sus dos primeros discos, ‘Sing to the Moon‘ (2013), uno de los discos clave del siglo XXI; y ‘The Dreaming Room‘ (2016). Con ambos, Mvula suma ya dos nominaciones al Mercury Prize y ninguna victoria, exactamente igual que Adele. Sin embargo, la buena aceptación crítica de la música de Mvula no fue suficiente para la multinacional Sony Music, que en 2017 le comunicó su despido en un e-mail de 7 líneas.

Hay que ser necio para dejar ir un talento como el de Laura Mvula, a todas luces una de las voces más impresionantes del pop actual, y también una de las compositoras más originales e inteligentes, y su nuevo disco ‘Pink Noise’ demuestra que Atlantic ha hecho muy bien sumándola a sus filas. Y si ese fichaje pasaba por hacer un disco lo más comercial posible, pues Atlantic también es una multi al fin y al cabo, la decisión ha sido totalmente acertada.

Mvula ha vuelto inspirada en los años 80 hasta el punto que parece Grace Jones en el vídeo de la balada ‘Safe Passage’ y hasta el punto que ‘Got Me’, el single más bailongo de este tercer trabajo, saquea sin ningún escrúpulo ‘The Way You Make Me Feel’ de Michael Jackson.

Pero ‘Pink Noise’, producido por un Dann Hume que se ha aprendido de pe a pa todos los trucos del op de los 80, no es solo un festival de referencias más o menos obvias, también es un disco de pop sintético que, a su vez, solo podría haber hecho Laura Mvula. No es un pastiche como lo de Bruno Mars o Dua Lipa, sino que está más cerca de la cohesión de Jessie Ware, solo que, en lugar de a las ballrooms, mira a las radios de la época.

Nacida en 1986, Mvula es lo suficientemente mayor (solo tiene 35 años) como para haberse criado con las baterías resonantes tamaño estadio de Janet Jackson o Phil Collins, las guitarras funky de Chic o Prince (tanto Nile Rodgers como el príncipe púrpura eran fans de ella) o las prom ballads de Lionel Ritchie o Cyndi Lauper. Todos estos ingredientes conforman un ‘Pink Noise’ en el que la personalidad de Mvula ejerce de pegamento.

La bailable ‘Remedy’ es su particular homenaje a la era ‘Rhythm Nation 1984’ de Janet Jackson, hasta el punto de que su letra también es una denuncia contra el racismo. Las bombásticas producciones de Jimmy Jam and Terry Lewis, de hecho, parecen una referencia en el adictivo single ‘Church Girl’, en el que Mvula canta sobre liberarse de sí misma. Y la tierna balada ‘What Matters’ con Simon Neil de Biffy Clyro, al que le sienta de miedo el papel ochentero por extraño que parezca, te hace querer estar en el baile de fin de curso de Olivia Rodrigo.

Sin que ‘Pink Noise’ vaya a pasar a la historia como muchas de sus influencias, su homenaje a los 80 suena tan convincente como los que han solido practicar Carly Rae Jepsen o Jack Antonoff. A Mvula también le interesa el post-disco de Patrice Rushen, como sugiere el corte titular; y ‘Conditional’ presenta una producción enrevesada que es posible vincular a la última Róisín Murphy.

Pero, al contrario que muchos de sus contemporáneos, Mvula se crece especialmente en las baladas. La joya de la corona es ‘Magical’, un baladón que cuenta con un estribillo tan grande que podría derribar un edificio y que describe un «romance tecnicolor» bañado en un «sueño interestelar». Escuchar ‘Pink Noise’ es vivir la misma experiencia.

Adiós a Raffaella Carrà, una diva con los pies en la tierra

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Raffaella Carrà ha fallecido a los 78 años de edad según ha comunicado su compañero desde hace varios años Sergio Japino a la prensa italiana. «Raffaella nos ha dejado. Se ha ido a un mundo mejor, donde su humanidad, su inconfundible risa y su extraordinario talento permanecerán para siempre», expresa el comunicado, en el que Japino informa que «desde hace un tiempo, la «enfermedad» atacaba el cuerpo de Raffaella, «tan diminuto pero tan lleno de energía desbordante».

En el texto, Jalpino destaca la «fuerza imparable» de Raffaella, la cual «la impuso en la cima del sistema estelar mundial», así como su «voluntad de hierro, que nunca la abandonó hasta el final, asegurándose de que nada de su profundo sufrimiento se filtrara: otro gesto más de amor hacia su público y hacia quienes compartían su afecto, para que su calvario personal no perturbara su brillante recuerdo».

La cantante, actriz y presentadora italiana, tan famosa en Italia como en España, pasará a la historia por haber interpretado éxitos pop tan icónicos como ‘En el amor todo es empezar’, ‘Rumore’, ‘Caliente, caliente’, ‘Explota explótame expló’ o ‘Hay que venir al sur’ y también por haber ejercido de presentadora de multitud de programas de televisión de entretenimiento durante los 70, 80 y 90.

Después de intentar triunfar como actriz durante la década de los 60, pues llegó a vivir en Los Ángeles y a aparecer junto a Frank Sinatra en una película, la artista nacida en Bolonia en el año 1943 decidió centrarse en el mundo de la televisión, gracias al cual alcanzó el éxito internacional sobre todo durante los años 70 y 80. En Italia presentó ‘Pronto…Raffaella?’, muy conocido por ser uno de los primeros programas de televisión que se emitieron en la franja horaria de mediodía, o ‘Carramba, che sorpresa’ y en España condujo espacios como ‘¡Señoras y señores!’ o, ya en 2008, ‘Salvemos Eurovisión’.

Autora asimismo de decenas de álbumes, el último de los cuales, ‘Replay’, editó en el año 2013, sonando inspirado en la moda EDM del momento, y aunque ninguno de ellos alcanzaría la popularidad de sus singles sueltos, Carrà deja un repertorio musical que no ha sido olvidado. Al margen de lo conocidas que siguen siendo canciones como ‘Hay que venir al sur’ incluso para las nuevas generaciones, hay que recordar que el remix discotequero de ‘A far l’amore comincia tu’ por Bob Sinclair ha calado como pocos en la imaginería popular, en lo que a remixes de hits pop viejos se refiere.

Y hablando de reivindicaciones, precisamente en octubre del año pasado se estrenó ‘Explota explota’, una película musical basada en las canciones de Raffaella Carrà, en la que la propia artista hacia un cameo. Una película que pudo ser mejor pero que sirvió para recordar que Raffaellà fue una de esas mujeres adelantadas a su tiempo que predicaron la modernidad, es decir, la liberación sexual femenina, en pleno franquismo con toda la gracia y espontaneidad que le caracterizaron.