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‘Donda’ de Kanye West arrasa en streaming… pero decepciona a la crítica

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‘Donda’ de Kanye West veía la luz este domingo después de tres «listening parties» celebradas en diversas ciudades de Estados Unidos y varias fechas confirmadas que después no se cumplieron. Y, al parecer, sin el consentimiento del propio Kanye, como él mismo ha confirmado en Instagram. El caos habitual en el mundo de Kanye West, un caos que llevamos viviendo especialmente desde los tiempos de aquel «disco vivo» que fue ‘The Life of Pablo‘ y que no sabemos cuándo Kanye dejó de editar… si alguna vez lo hizo.

El décimo álbum de estudio de Kanye se presenta al mundo como un trabajo complicado, de 27 pistas nada menos (las cuatro últimas son versiones alternativas), alcanzando las casi dos horas de duración como si de un disco doble se tratase, y con una portada completamente negra y opaca. En realidad muchas de las composiciones ni siquiera suenan acabadas y la razón no es que la mayoría de ellas no tengan bases rítmicas. Por lo menos la producción se puede decir que suena mejor acabada que la de ‘ye‘. Por otro lado, esta vez los colaboradores son especialmente polémicos: por alguna razón a Kanye le ha parecido buena idea invitar a DaBaby y a Marilyn Manson a este disco dedicado a su madre, aunque visto su gusto por la controversia no sorprende.

A pesar de lo difícil que lo ha puesto Kanye con este disco larguísimo en el que no es tan fácil como antes hallar singles claros, quizá porque tampoco ha sido la intención, el disco ha despertado tanta curiosidad (con el «hype» que había como para no hacerlo) que está batiendo varios récords de escucha en Apple Music y en Spotify, donde ya puede presumir de haber protagonizado el mejor debut para un disco de la historia de la plataforma sueca, desbancando a su amiga Taylor Swift (que ha preferido apoyar a Halsey en Twitter) y su ‘folklore’.

Las cifras que están dejando las pistas de ‘Donda’ por separado vuelven a ser fantásticas y por supuesto están al alcance de muy pocos: la totalidad del álbum ronda el top 50 del global de Spotify, con ‘Jail’ por encima de los 9 millones de streamings diarios tanto el domingo de lanzamiento como este lunes. Mientras en España un par de temas luchan por entrar al top 100 (‘Jail’ y el entonado por The Weeknd), en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos puede pasar cualquier cosa, puesto que Kanye West está ocupando el top 10 de Spotify US al completo. HDD estima por tanto que el disco será holgadamente número 1 en el Billboard la semana que viene con tantos streamings como para equivaler a 300.000 copias vendidas, aun habiéndose editado en domingo.

A espera de que pase el tiempo suficiente para comprobar qué lugar ocupa ‘Donda’ en la discografía de Kanye o cualquiera de sus pistas sueltas en una hipotética lista extendida de mejores canciones del rapero, de momento ‘Jail’ es por tanto la canción que más está gustando en Spotify, seguida de ‘Hurricane’ con The Weeknd y ‘Off the Grid’, la tercera de las cuales es una de las pocas composiciones del disco que entran dentro de los cánones del hip-hop convencional. ‘Ok Ok Pt. 2’ sorprendentemente ocupa la cuarta posición a pesar de no distinguirse demasiado de la original (apenas cuenta con la producción adicional de Louis Bell) y a continuación les siguen ‘God Breathed’, ‘Praise God’, ‘Moon’, ‘Jonah’, ‘Believe What I Say’ y ‘Junya’.

Cabe preguntarse hasta qué punto las escuchas recibidas por ‘Donda’ en sus primeros días de lanzamiento se deben a la pura curiosidad o a que el disco está gustando de verdad a la audiencia. Es pronto para saberlo pero la crítica tampoco lo está aplaudiendo de manera unánime. Dejando de un lado el 0 que le ha plantado The Independent a raíz de que DaBaby y Manson aparecen en el álbum, Pitchfork y NME lo han puntuado con un 6 y la media agregada de Metacritic apunta ya a su disco peor valorado junto a ‘Jesus is King‘.

Aitana y Zzoilo se acercan al número 1 en España

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Farruko vuelve a ser número 1 en la lista de singles española con su tema ‘Pepas’, pero seguro que ya siente a Zzoilo y Aitana susurrándole al oído «te quieros» o poniéndole «caras tontas» después de haber conseguido el mayor incremento de la lista y alcanzar el top 2 con el remix de ‘Mon Amour’. El tema es ahora mismo el primero en ‘Éxitos España‘ en Spotify y lidera el top 5 de las tendencias musicales de YouTube.

Por otra parte, la entrada más fuerte de esta semana ha sido para el dúo de Justin Quiles y Maluma y su tema ‘La Botella’, en el puesto 43. Y en cuanto al resto de nuevas entradas, las encontramos todas al final de la lista. Tini y Manuel Turizo han entrado en el puesto 87 con su última colaboración ‘Maldita Foto’; Doja Cat se encuentra en el número 89 con ‘Woman’; Anuel AA ha entrado en el 94 con ’23 Preguntas’ y finalmente, el puesto 96 también es para Justin Quiles, pero esta vez en solitario con su tema ‘Colorín Colorado’.

Y en lo que respecta a las reentradas, esta semana solo hay una, y ha sido para el trío de artistas Jay Wheeler, DJ Nelson y Myke Towers en el puesto número 86 con su colaboración ‘La Curiosidad’.







Lorde, top 6 en España con ‘Solar Power’ (y top 1 en vinilos)

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Una semana más, Rauw Alejandro lidera la lista de álbumes en España con ‘VICE VERSA’, pero muy cerca ha estado de reemplazarlo Olivia Rodrigo con su disco ‘Sour‘, que ha tenido el mayor incremento de la semana volviendo a escalar al puesto top 2. La entrada más fuerte es Justin Quiles y su disco ‘La última promesa’, que llega al número 4.

Lorde queda un par de puestos por debajo en España con ‘Solar Power‘, pues ha conseguido entrar en la lista de esta semana en el número 6. A pesar de eso, Lorde ha conseguido ser el top 1 de la lista vinilos en nuestro país. El disco de Lorde ha sido número 1 en Australia y Nueva Zelanda, es decir, en casa, quedando en el puesto 2 en Reino Unido y en el puesto 5 en Estados Unidos. Según las midweeks británicas, el álbum podría caer del top 30 en su segunda semana. El álbum se vende en una caja de CD sin CD por razones ecológicas, aunque sí se está comercializando en vinilo y por supuesto de manera digital.

En el resto de nuevas entradas, Lit Killah ha llegado al puesto número 15 con su álbum ‘MAWZ’; Feid ha entrado tres puestos más abajo, en el 18, con ‘INTER SHIBUYA – LA MAFIA’; Trippie Redd se encuentra en el número 65 con ‘Trip At Knight’ y finalmente, en el puesto 67, han entrado Stray Kids con su último álbum ‘NOEASY’.

Y en lo que respecta a las reentradas de la lista, vuelven los chicos de Tomorrow X Together en el puesto número 32 con su disco ‘The Chaos Chapter: Freeze’; ZOO reaparece en el 95 con ‘Llepolies’; un puesto más abajo vuelve Ed Sheeran con ‘No.6 Collaborations Project‘ y casi al final, en el 99, Lady Gaga con ‘Chromatica‘.

Lizzo enfada a los fans de Madonna tras declarar a Janet Jackson «reina del pop»

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Lizzo es fan de las listas, como nosotros, y en Twitter ha compartido algunas con sus artistas favoritos. Y a todos ellos les ha plantado un título. La autora de ‘Rumors’ ha dicho que Michael Jackson es el «rey del pop», Janet Jackson la «reina del pop», Justin Bieber el «príncipe del pop», Britney Spears y Rihanna las «princesas del pop» (en inglés sus títulos admiten un matiz diferente, «princess of pop» y «the pop princess», respectivamente), y Beyoncé la «reina de la música».

En otro tuit, Lizzo ha declarado a Usher «rey del R&B» y, en otro, a Mariah Carey «reina del R&B», a Aretha Franklin «reina del soul», a Mary J. Blige «reina del hip-hop soul» y a Tina Turner «reina del rock’n roll». La artista ha señalado que «obviamente hay una nueva escuela que está de camino, pero todos estos artistas son los grandes, ellos son el estándar». La autora de ‘Cuz I Love You‘ no enumera a sus raperos favoritos porque dice que el rap tiene «más variables» que el pop y que es más complicado de categorizar.

La idea de Lizzo, que pasaría desapercibida en cualquier foro de música, ha abierto un debate en Twitter sobre quién es la verdadera «reina del pop», pero ninguno sobre quién es el verdadero «rey del pop»… otra muestra más de que Michael Jackson está muy lejos de ser cancelado. Es de suponer que, si Lizzo tiene que escoger entre Ed Sheeran, Drake o The Weeknd o entre quedarse con Michael Jackson, se quedará con este último, como probablemente haría casi todo el mundo.

El título de «reina del pop», por otro lado, no es que «pertenezca» a Madonna, pues no «pertenece» a nadie puesto que no existe título como tal, solo en nuestros corazones; pero de todos es sabido que Madonna es conocida por este sobrenombre desde hace décadas, especialmente porque es la artista femenina que más discos ha vendido de todos los tiempos y ha sido (y sigue siendo) una de las mujeres más famosas de la historia. En este caso hay que dar algo de razón a los fans de Madonna que la han defendido en redes, sin dejar de tener en cuenta que Lizzo tiene derecho de llamar «reina del pop» a quien quiera.

De la polémica lista de Lizzo se concluyen dos cosas: por un lado, a Lizzo no le interesa Madonna en absoluto a pesar de que la ha referenciado en alguna ocasión y, por el otro, la cantante considera el R&B un género «pop» más, lógicamente pues Janet también ha vendido millones y millones de discos… aunque también Mariah y ella no la enmarca en la categoría de pop a pesar de que su villancico es más popular cada Navidad que Michael Jackson y Madonna juntos. Pero también es una manera de reivindicar a Janet una vez más: ahora que ha sido el cumpleaños de su hermano nunca está de más recordar que ella también le pudo hacer sombra en alguna ocasión, al menos en cuanto a talento. Para Lizzo, claro, ambos están a la par.

La cultura, al borde del colapso, denuncia la inacción de las instituciones

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«Catalunya descarta reabrir el ocio nocturno en las próximas semanas». Otro titular inquietante que ha dejado la prensa estos días relacionado con la pandemia. Es ya septiembre, quedan muy pocos meses para que termine el año pero la cultura sigue con el agua al cuello. La Generalitat quiere evitar una «desescalada rápida» que provoque una sexta ola de covid-19 y prefiere no reactivar el ocio nocturno de momento y a pesar de las presiones, pero tampoco «contempla pedir el pasaporte covid para acceder a bares, locales de ocio o comercios» aunque la vacunación avanza de manera exitosa y otras ciudades europeas como Berlín ya han implementado dicha estrategia. Razzmatazz permanecerá cerrado un mes más, así como la sala Apolo y otros locales.

Como informa RTVE, casi el 70% de la población española está vacunada con la pauta completa. En cuanto a comunidades individuales, Andalucía, Asturias, Galicia, Extremadura, Castilla y León, Aragón y el País Vasco «superan ya ese umbral». No es el caso de Cataluña (66,3%) ni tampoco el de Madrid (66,8%), que contienen las dos capitales culturales del país, pero ambos porcentajes indican que queda poco tiempo para que se alcance el 70% de vacunación en ambos territorios. Es una buena noticia porque significa que el plan de vacunación va viento en popa. El problema es que dicha cifra ha dejado de ser tan relevante con la variante delta. Y la cultura poco tiempo más puede aguantar.

En una entrevista a El Diario, Paco López Martín, presidente de la Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo (ARTE), ha denunciado que «lo peor en estos momentos es que las directivas sanitarias vigentes se escribieron en abril y no se han modificado, a pesar de tener casi un 70% de la población con la pauta completa», ha pedido «valentía y voluntad» a la clase política para «ayudar a los sectores más damnificados» y, en concreto, ha sugerido que se empiece a hablar lo antes posible del pasaporte COVID. Además, ha señalado que «si no pueden aprobar el aforo al 100%, que nos ayuden económicamente para no cerrar» como, por ejemplo, ha hecho Francia con las salas de cine.

En el mismo artículo se da a entender que uno de los «espacios de conciertos más importantes de España», situado en Madrid, está al borde del cierre. Su responsable declara que «si en noviembre no tengo el 100% del aforo y con el público en pie, cierro». No es el único y, desde luego, si un espacio masivo no ve la luz al final del túnel, menos esperanza pueden tener las salas pequeñas. Por supuesto nadie duda de la necesidad de mantener la prudencia ante una situación de crisis como la actual y no se puede dejar de subrayar que la vacunación en España va muy bien, pero no puede ser buena señal que la cultura se sienta ignorada de tal manera incluso en estas circunstancias, viéndose obligada a exigir que se le haga caso o que se le ayude de alguna manera.

Yola baila las penas en la disco… de los años 70 con su himno al desamor

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Tanto se habla de esas canciones que te hacen «bailar llorando» que parecen un género en sí mismo. Género que, por cierto, no inventó Robyn aunque a todos nos venga a la mente ‘Dancing on My Own’ cuando pensamos en una canción de dicho estilo. Muchos años antes, Ultravox publicaron una llamada ‘Dancing with Tears in My Eyes’ y la música disco ha producido decenas de ellas, algunas de las cuales no te hacen llorar de tristeza precisamente: ahí están ‘Dancing Queen’ de ABBA o ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor para demostrarlo.

Entre las canciones recientes hechas para que llorar las penas en la pista de baile, Yola ha decidido presentar su nuevo disco con una que suena decididamente atemporal, entiéndese atemporal por «canción que podría haber salido en los años 70». Dan Auerbach de The Black Keys ha producido el álbum, un ‘Stand for Myself‘ absolutamente retro que no está nada mal, y uno de sus singles más claros ha sido este ‘Dancing Away in Tears’ que abandona los tempos baladescos de otros cortes como ‘Starlight’ o ‘Barely Alive’ para soltar unas lágrimas bajo la luz de una bola de discoteca.

Merecedora de ser una de las canciones de Yola más escuchadas a la larga, ‘Dancing Away in Tears’ desprende un poso añejo en todos los sentidos, no solo en la producción, sino también en el dramatismo de la melodía, majestuosa pero sin caer en el exceso. Las típicas percusiones de bongos (o un instrumento parecido) presentes en la música disco de la época bailan de la mano de vientos metales, teclados y otros instrumentos orgánicos que aportan una textura definitivamente vintage a la grabación, mientras Yola se luce vocalmente como solo puede hacerlo una persona que suena como una Aretha Franklin resucitada.

Como tantas canciones que te hacen llorar en la disco, ‘Dancing Away in Tears’ habla sobre una ruptura. «Romper siempre es difícil, lo único que deseo es un último baile contigo» es uno de los mensajes que deja la letra, de nuevo, expresando cierto carácter añejo, pues parece que estemos en un baile de los de antes. Cuando «la fiesta ha terminado» y Yola acepta que «tú ya no eres mío y yo ya no soy tuya», la cantante es capaz de pasar página, y la canción termina con unos melancólicos «adiós, cariño, te deseo lo mejor» que ponen los pelos de punta. Aún con el corazón roto, Yola entiende que la mejor forma de demostrar tu amor a alguien es dejar ir a esa persona cuando es necesario.

BLACKSTARKIDS no temerán al hip-hop ni al rock en su debut

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El álbum debut del trío de Kansas fichado por Dirty Hit BLACKSTARKIDS está cada vez más cerca y para hacer más amena la espera han vuelto a publicar un nuevo sencillo, ‘FIGHT CLUB’.

El tema ha venido acompañado por el videoclip, que ha sido dirigido por los propios miembros de la banda, Tyfaizon, Deiondre y TheBabeGabe. El grupo explica en un comunicado que este tema «captura la forma en que nos sentimos cuando estamos todos juntos y todo va bien para nosotros». La complicidad es evidente en el vídeo, los miembros del grupo se hacen cargo de una tienda de conveniencia (parecido a un 24h) al ritmo de su rap y complementándose con la letra y el baile.

Este es su segundo tema desde el lanzamiento hace tres semanas de ‘JUNO’, el sencillo principal, hace tres semanas. «Un reflejo realmente honesto de cómo nos sentíamos en el momento de trabajar en el álbum (…). En el contexto del álbum, es uno de los momentos más personales y reflexivos». A veces más orientados al rock, a veces más al hip hop, BLACKSTARKIDS son uno de esos grupos actuales para los que no existen las etiquetas: en un fragmento de su música pueden sonar a The Go! Team (su viejo tema ‘TOO DEPRESSED 4 SEX‘), en el siguiente a Drake (‘LOVE, STARGIRL’).

Ambos temas estarán incluodos en su álbum debut ‘Puppies Forever’, que llega el próximo 15 de octubre. Este es su tracklist:

  1. So Sweet!
  2. Revolt Syndrome
  3. JUNO
  4. Pals
  5. Jimmy Neutron
  6. FIGHT CLUB
  7. All Cops Are Bastards
  8. Piss Drunk Kids
  9. Clueless America
  10. Time Flies When You’re Having Fun
  11. I Hate Being in Love
  12. Somedaze


Little Mix anuncian nuevo single para este mismo viernes con estilo de deidades

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El trío de Little Mix ha anunciado un nuevo single para el próximo viernes, un anuncio de lo más escueto con muy pocos detalles pero con un adelanto visual bastante interesante.

La primera noticia se conoció ayer a través de sus redes sociales, un brevísimo vídeo de 3 fotogramas, uno por segundo de duración, en el que se escucha un poco de la sintonía y donde se pueden ver las imágenes de un posible videoclip, aunque esto último no está confirmado todavía.

La portada del single se ha publicado hoy en su perfil de Instagram. Los detalles que han revelado han sido mínimos, pero muy concretos. Nombre, ‘Love (Sweet love)’, y fecha de estreno, el viernes 3 de septiembre. El nombre parece la continuación del tema ‘Sweet Melody’ de su anterior disco, ‘Confetti’.

En la imagen podemos ver juntas a las tres chicas del grupo en un ambiente que es una mezcla del tema de Lola Indigo, Danna Paola y Denise Rosenthal, ‘Santería‘, y de la portada de ‘Puta’, de Zahara, de la que tanto se ha hablado estos últimos meses. Leigh-Anne Pinnock preside el trono de lo que parece ser una especie de jardín, sus compañeras Jade Thirlwall y Perrie Edwards la acompañan a ambos lados. Las tres lucen vestidos sencillos pero elegantes y unas coronas muy similares a la de la Virgen, muy deidades ellas. A ver si esta vez no hay ofensa de ningún tipo.

El próximo álbum del grupo, ‘Between Us’, se lanzará el 12 de noviembre para celebrar su décimo aniversario. En palabras de las artistas: «incluye todos nuestros éxitos, así como algunas canciones nuevas que no podemos esperar a que las escuches». El tracklist aún se desconoce, así que no está confirmado si este nuevo tema formará parte del álbum.

Kim Petras no suena a «futuro»… pero se luce en el épico primer single de su nuevo disco

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Kim Petras no considera ‘Clarity‘ su álbum debut aunque «claramente» lo era, y como tal aparece definido en su página de Wikipedia -además fue uno de los mejores discos de 2019– y prepara el lanzamiento de su álbum «debut» de «verdad». El primer single oficial de este trabajo se titula ‘Future Starts Now’, se ha dado a conocer estos días y hoy es nuestra Canción Del Día.

Recordando a la estrategia de lanzar ‘Let it Happen’ como primer single de ‘Currents‘ de Tame Impala, ‘Future Starts Now’ es una canción-viaje divida en varias secciones que alcanza los casi cinco minutos de duración, algo no tan habitual hoy en día, mucho menos en el ámbito de la música pop, donde los temas se conforman ya con durar 1 o 2 minutos, esclavas del algoritmo. Lejos de ser un chute de adrenalina pop como los que pueblan la discografía de Kim Petras, ‘Future Starts Now’ busca crecer con las escuchas y trascender.

¿Lo consigue? Más o menos. El «futuro» al que alude su título está muy poco presente en la producción -a cargo de un Dr. Luke que ya no se esconde detrás de ningún alias, envalentonado por el enorme éxito de Doja Cat– pero la canción consigue elevar el repertorio de Kim Petras a un nuevo lugar de madurez sin traicionar su discurso de pop divertido y despreocupado… pero también perfecto.

La cantante alemana ha dicho que su nuevo disco estará inspirado en el French House, en Daft Punk y en la música dance-pop europea que escuchaba de pequeña y que ha recuperado durante la pandemia, y ‘Future Starts Now’ ejerce de inmejorable entrada hacia ese universo pues suena a todo lo descrito. Ya no hay restos de Cyndi Lauper, Britney o Madonna en esta producción de dance-pop épica que no busca la inmediatez «bubblegum» de antaño, sino que apuesta por una composición melódica más madura que gana con las escuchas.

En el mismo año que Daft Punk se han separado, Kim Petras presenta en ‘Future Starts Now’ un homenaje explícito al sonido del dúo francés, especialmente notorio en la segunda coda de la canción (porque sí, hay dos codas), que no obstante no olvida de sellar con su icónico grito de guerra «ooh ah». Ya era posible percibir la influencia del French House en ‘Sweet Spot‘, pero ‘Future Starts Now’ profundiza en ella a lo grande.

Meister of the Week: rusowsky habla de Yutaka Nakamura, ‘Devilman Crybaby’, ‘Kite’…

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rusowsky es uno de los nombres que más han llamado la atención en una nueva generación de artistas que crean música intimista desde sus habitaciones pero que no necesariamente hacen «bedroom pop». Y lo de «llamado la atención» va en serio: las delicadas producciones de Ruslán Mediavilla Solovieva le han llevado, por ejemplo, a colaborar con C. Tangana en ‘Bien:(‘, la incursión del artista ahora conocido como El Madrileño en el llamado «lo-fi hip-hop».

Pero las canciones de rusowsky no se limitan a ese estilo aunque sí se circunscriban a una filosofía de sonido intimista, cálido y reconfortante. Su gusto por el jazz y el neo-soul se nota en ‘So So’, pero la base de esta canción, la más exitosa de su carrera hasta la fecha con 5 millones de reproducciones en Spotify, se adscribe en el bedroom house; o ‘Disorder Waves’, pero el artista gravita también hacia el Caribe (‘+ suave’ puede ser su mejor grabación), los vibráfonos (‘esa carita’), el deep-house (‘micro’) o un tipo de hip-hop muy mimado y elaborado que recuerda a J Dilla (‘bamboo’, ‘+1’), al tiempo que sus melodías cantadas como a duermevuela, como si fueran secretos, tienen cosas en común con rebe.

En lo extramusical, rusowsky se ha declarado seguidor de los animes y, aprovechando que es el último invitado en nuestra sección «Meister of the Week» patrocinada por Jägermeister, el artista nos responde unas preguntas sobre su afición a la animación japonesa y sobre sus animes favoritos.

¿Por qué has decidido hablar sobre anime?
pense en hablar de videojuegos pero me parecia mas interesante hablar sobre esto + q nada xq es lo que mas me gusta consumirrr y tenia curiosidad por saber q tipo de preguntas podiais hacer sobre este tema

¿Cuál es tu primer acercamiento a este género de animación? ¿Empiezas por los mangas?
como casi todo el mundo, los tipicos shonen como dragon ball, naruto y el rollo cuando eres enano.
En la eso me empezó a interesar mucho mas, creo que el primero fue death note y dsd entonces me puse a consumir como un loco lo que encontraba y compraba mangas en la local store jajajajajaja

¿Qué te atrae del anime? ¿Más la animación o las tramas, que no serían posibles en otros formatos?
al principio era el argumento, aunque en una gran parte de los animes casi todo es bastante predecible tampoco me disgustó nunca. si que es cierto que lo que mas m flipa ahora tiene mas que ver con la animación, precisamente porq se pueden hacer cosas que en otro genero no podrias ver aunq sigo tragandome series que no tienen una pizca de fluidez y dinamicas y lo gozo d igual manera

¿Por qué has seleccionado a Yutaka Nakamura entre tus favoritos?
yutaka nakamura fue el primer nombre que encontré cuando me empecé a enamorar de la animacion de verdad, fue cuando vi boku no hero y one punch man por primera vez y no entendia como de repente una escena podia verse tan detallada y fluida, las sensaciones de la velocidad y los efectos eran algo que nunca habia contemplado hasta entonces, por lo visto este momento dentro de la accion lo hacen llamar sakuga, y pasan infinidad de tiempo detallando cada frame. busqué el trabajo de este animador desde el principio, referencias, y acabaron apareciendo una infinidad de animadores extremadamente talentosos que admiro de igual manera, pero este para mi fue el precursor

No veo demasiada relación entre tu música y el anime. ¿Existe, pero es invisible o son dos aficiones separadas para ti?
no diria que van de la mano, pero siempre saco algun tipo de inspiracion, ya sea el sentimiento que me evoca al terminar una serie, o la banda sonora, un personaje etc digamos que son independientes pero casi siempre me acabo viendo condicionado

¿Por qué eres fan de Devilman Crybaby? ¿Es tu anime reciente favorito?
devilman crybaby es un anime que me flipa esteticamente, tiene un aire distinto, una animacion suuuuper fluida, colores super llamativos me encantó el primer contacto, me gustó mas que devilman(el primer anime que hicieron) la musica es muy guay, pero para nada es mi favorito, me pareció 1buen anime para deciros porq para mi sobresale y sobre todo porque fue de los primeros que vi que aparecian en netflix y me puso muy contento que un anime asi de peculiar estuviera en una plataforma tan mainstream

Kite es estilo hentai y fue prohibida en varios países por su contenido pedófilo. ¿Por qué dirías que este tipo de contenido encuentra su lugar en el anime?
los japoneses tienen una cultura diferente, no se que tipo de estima le tienen a este tipo de obras, pero no deja de ser como cuando se hace una pelicula gore, es obvio que va a tener criticas, sobre todo en la epoca en la que se hizo, a mi personalmente me encanta que les exploten los cerebros con bombas jajaja y si, tiene una trama sobre explotacion de niños y lo muestran sin tapujos, por lo que no creo que sea del todo aceptado alli, de hecho esta prohibida en varios paises. yo la descubri cuando vi la escena de animacion en kill bill, y busque que referencias habia tenido el loco de tarantino y taraaan

¿Te interesan especialmente los anime de ciencia ficción, como ‘Afro Samurai’? ¿Qué te atrae de esta serie?
no especialmente, pero en los que mas se aprecia la animacion super dinamica de la que hable en su mayoria es en animes con partes de accion, elegi tambien afro samurai porq me parece un ejemplo muy interesante, tiene una estetica extremadamente peculiar, los trazos son como muy descuidados, tiene hip hop de bso y es un pibe afro con un piti y una katana que se pasa el dia cortando peña por la mitad jajajajaj esq creo que no tengo mas que decir, ademas su productor y doblador al ingles es Samuel L Jackson, para q se vea el level de expansion

‘Boli No Hero’ ha levantado polémica porque los lectores del manga original no son muy fans de la serie. ¿Tú opinas lo mismo? ¿Por qué destacas esta serie?
la verdad no he leido el manga, es de los pocos animes que me gusta disfrutar solo del anime, le tengo especial cariño porque fue de los primeros en los q me di cuenta del rollo superfluido del que hablaba antes, tampoco adoro la serie en si, me gustan sus escenas de pelea porque son muy locas y poco mas, los personajes meh y el argumento meh

¿Qué crees que los animes y los mangas comunican sobre la sociedad japonesa? ¿Y por qué crees que son tan famosos en Occidente?
si que es cierto que leyendo manga y viendo anime se aprende un monton sobre la sociedad/cultura de japon, pero x otro lado estoy seguro de que crea una cantidad inmensa de prejuicios sobre todo en occidente el cual tiene un estilo de vida muy distinto, no se por que seran tan famosos es algo q nunca me planteé jajajaja pero es vd que ultimamente esta ganandose un puesto muy importante, ahora hay anime hasta en filmin!!

¿Existe algún estereotipo o falsedad sobre el manga que quieras aclarar?
lo cierto esq no, quizas el estereotipo de que son comics d crios y dibujos para niños, pero bueno quien no quiera entender se lo pierde :))), pero bueno poco a poco creo que la gente se adaptará cada vez mas y no dirá tonterias con la super expansion que esta habiendo, cuando en el instituto hablaba de evangelion nadie sabia a lo que me referia, ahora muchisima gente al menos sabe lo que es JAJAJA



Halsey / If I Can’t Have Love, I Want Power

Halsey atraviesa una etapa especialmente inspirada y tan sólo un año y medio después de ‘Manic‘, su primer gran disco y el que parecía que podía ser el mejor de su carrera, se saca de la manga otro superior. Desde que Apple Music apostó por ‘New Americana’, la que parecía su canción más emblemática, y a día de hoy por cierto ni encontramos en su top 10 en Spotify, hemos conocido a diferentes Halseys: la más pop (‘Colors‘), la que se arrima al R&B (‘Without Me’), a la EDM (‘Closer’ con The Chainsmokers supera los 2.000 millones de escuchas), a la guitarra acústica (‘You should be sad‘), etcétera. Casi todas están presentes en este nuevo álbum llamado ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ que, paradójicamente, sólo suena a Halsey.

Ashley Nicolette Frangipane pertenece a esa generación de artistas que evita definirse en todo sentido, y ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ es presentado por ella misma «como el disco que siempre quiso hacer, pero pensaba que no era lo suficientemente «cool»». En eso han tenido muchísimo que ver Trent Reznor y Atticus Ross, Nine Inch Nails. La cantante confiesa que siempre quiso hacer un pop industrial como el de la seminal banda, desde sus inicios, pero que hasta ahora no se había atrevido a dar el paso. La primera reacción de Reznor al escuchar las maquetas de estas canciones es que no necesitaban su intervención, pues le parecía que el producto estaba acabado, si bien finalmente ha decidido participar para llevarlas un poco más allá, alejándolas del sonido de las playlists de moda.

‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ es por tanto un álbum que rehuye de modas y featurings y que ha llegado al mercado sin single de presentación. Lo que no quita que cada canción sea una aventura realmente excitante. Literalmente no adivinarás a qué suena la siguiente composición del álbum, sin que quizá por el tipo de melodías o quizá por lo que une la distintiva voz de Halsey, tengas la sensación de estar ante un pastiche.

‘The Tradition’ abre el álbum a piano, pareciendo que se puede convertir de un momento a otro en ‘Pimpf’, aquella joya instrumental sublime que había en ‘Music for the Masses’ de Depeche Mode. En el álbum cabe trip-hop y guiños al rap (‘Lilith’), rock (‘Easier than Lying’, ‘honey’), sintes ochenteros y beats drum&bass noventeros (‘Girl Is a Gun’) y folk (‘Darling’, con un Lindsey Buckingham que acude más bien en modo ‘Landslide’), entre otras cosas. La producción de Nine Inch Nails es especialmente electrizante en ‘Bells in Santa Fe’, con ese final electrónico que incluso a Björk nos remite, pero no es una opción en pleno 2021 darles el mérito que sólo se le puede conceder a Halsey. El álbum funciona tan bien porque el nivel compositivo de las canciones de base era muy alto.

‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ se beneficia también de llegar en un momento perfecto para la multitud de estilos que presenta. En un escenario saturado hace rato de hip hop, reggaetón y temas colaborativos a la desesperada, el giro al pop-rock de Miley Cyrus o después el de Olivia Rodrigo han sido recibidos como un soplo de aire fresco. Por paradójico que pueda parecer, estamos hablando de grunge y pseudo-grunge más que en lustros, y aquí ‘You asked for this’ y ‘The Lighthouse’, cuyo desenlace no puede resultar más Garbage, saben sacar partido de ello. Parece haberlas producido Butch Vig.

Menos logrado está el objetivo de ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ de revelarse como un disco conceptual «sobre el embarazo y el alumbramiento», como anuncia esa portada inspirada en el Renacimiento, que quiere contraponer a «la virgen y a la puta». Atendiendo a los textos, estamos ante un álbum que sí habla sobre la feminidad y el feminismo de manera puntual («pide perdón, nunca permiso», dice por ejemplo ‘The Tradition’), pero en el que predominan más bien temas como la inseguridad, la falta de autoestima, la falta de confianza en nosotros mismos y la autodestrucción. «Me colgaré a mí misma si me das cuerda, perdí mi fe y toda esperanza», dice ‘Easier than Lying’. «Soy disruptiva, me han corrompido», anuncia ‘Lilith’. «Quiero un puño alrededor de mi garganta, quiero llorar tan fuerte que me ahogo», es otra de las frases atormentadas del álbum, en este caso de ‘You asked for this’.

El single ‘I am not a woman, I’m a god’ se recrea en su contradicción, planteando: «no soy una mujer, soy una diosa / no soy una mártir, soy un problema / no soy una leyenda, soy un fraude», poniendo sobre la mesa que el álbum habla más que nada sobre estar hecho un verdadero lío. ¿Quién no lo está en los tiempos que corren? ¿Cuándo se ha hablado tanto del síndrome del impostor como ahora? «Saboteo las cosas que más amo, me camuflo para alimentar la mentira que compongo», dice secamente ‘Whispers’.

Todo esto pasa en 42 minutos porque además de todo lo expresado, ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ también es un álbum conciso en el que las canciones duran una media de 3 minutos. Hacía muchos meses que no teníamos entre manos un disco de pop tan redondo y suculento, supongo que desde ‘Future Nostalgia‘. Con esta obra Halsey no podrá competir en streaming con Dua Lipa, Justin Bieber y Ariana Grande, ni siquiera con sus propios números pasados. Pero hay un momento en el desarrollo de un artista en que los números dejan de ser primordiales, en favor de cierta visión artística (el álbum se presenta junto a una película), y qué duda cabe de que la artista ha tomado aquí las mejores decisiones posibles.

Drake confirma que su nuevo disco ‘Certified Lover Boy’ sale este viernes

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‘Certified Lover Boy’, el esperado nuevo disco de Drake, viene retrasándose desde el pasado mes de enero, cuando estaba prevista su salida. Según podía verse en un brevísimo spot que se ha dejado ver como «por accidente» en Sportscenter (y por todos es conocida la pasión de Drake por el deporte), la salida del disco estaba fechada para el próximo 3 de septiembre, que no en vano es viernes, día de grandes lanzamientos. En el anuncio simplemente aparece un letrero en el que se lee “CLB September 3”, es decir, las iniciales del disco y su supuesta fecha de edición. La cadena ha llegado a pedir perdón por la interferencia, en clave de humor. Drake finalmente ha confirmado el lanzamiento de ‘Certified Lover Boy’ en la fecha indicada. La supuesta portada muestra un grupo de mujeres embarazadas en forma de emoji.

El álbum competirá en listas con lo nuevo de superventas como Imagine Dragons y Iron Maiden, y también con ‘DONDA’, lo nuevo de Kanye West, que ha salido este domingo.

No se ha facilitado tracklist para ‘Certified Lover Boy’, si bien se espera que el single ‘Laugh Now Cry Later’, que salía el año pasado, aparezca en él. El tema fue número 2 en Estados Unidos, número 4 en Reino Unido, pero tan sólo número 86 en España, a diferencia de otros temas del rapero. El tema supera eso sí, los 500 millones de reproducciones en Spotify, si bien lejos de los 2.000 millones de ‘One Dance’. Es decir, el tema fue un éxito, pero no uno de sus mayores éxitos.

WARM UP anuncia edición especial para octubre con aforo reducido: artistas confirmados

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WARM UP anuncia una edición especial del festival que se celebrará en octubre con medidas y protocolos especiales y un aforo reducido a 5.000 personas, pero sin asientos. Warm Up Days se celebrará los días 8, 9, 10 y 11 de octubre en La Fica de Murcia con un cartel que incluye la presencia de Vetusta Morla, Leiva, Mando Diao, La Casa Azul o Viva Suecia.

En concreto, el viernes 8 de octubre, en horario de tarde-npoche actuarán en WARM UP DAYS Leiva, Los Zigarros y Santero y los Muchachos. El sábado 9 de octubre, en horario de mediodía, tarde y noche, será el turno de Carlos Sadness, Kuve, Mando Diao, Varry Brava y Viva Suecia. El domingo 10 de octubre, en horario de mediodía, tarde y noche, están previstos los conciertos de La Casa Azul, La M.O.D.A., Rufus T. Firefly, Sidonie y trashi. Por último, el lunes 11, en horario de tarde-noche, tendrá lugar la jornada de clausura con Niños Mutantes y Vetusta Morla.

Para poder acceder a La Fica, la organización solicitará el pasaporte vacunal que demuestre que se ha completado la pauta de vacunación, o bien una prueba negativa de antígenos realizada en las 24 horas anteriores. Este filtro sanitario se aplicará también al personal del evento y a los músicos, quienes deberán realizar pruebas diarias de antígenos.

El uso de mascarilla será totalmente obligatorio en la zona de conciertos, habiendo otra zona de grandes dimensiones dedicada a la restauración que contará con vistas al escenario principal y mesas que garantizan el distanciamiento reglamentario. Esta será la única zona donde el uso de mascarilla no será obligatorio mientras se esté consumiendo, además de ser la única zona donde el consumo de comida y bebida estarán permitidos.

Las entradas para WARM UP DAYS son completamente independientes de los abonos de WARM UP Estrella de Levante 2022 (la experiencia WARM UP al completo volverá los días 6 y 7 de mayo). Podrán adquirirse en warmupfestival.com a partir de mañana martes 31 de agosto a las 11:00 horas a precio promocional de solo 1.000 entradas durante 24 horas o agotar cupo que va desde 35 euros a 45 euros. También habrá opción de abonos de dos días (sábado y domingo).

Fallece Lee ‘Scratch’ Perry, visionario del reggae que voló cabezas

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El cantante y productor jamaicano Lee ‘Scratch’ Perry ha fallecido este domingo 29 de agosto en Lucea, Jamaica a la edad de 85 años a causa de una enfermedad no determinada. Perry residía desde hace varios años en Suiza pero recientemente se había trasladado de nuevo a Jamaica, en concreto el pasado mes de enero, alegando que necesitaba el sol de su país natal.

Nacido en 1936, Perry era conocido por sus innovaciones en el mundo de la producción de estudio, en concreto del dub, y el disco de los Upsetters (su banda) ‘Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle‘ es uno de los trabajos originarios del género. Sin embargo, la influencia de Perry traspasó a otros géneros como el hip-hop o la música dance. Perry trabajaba con múltiples capas de sonido y efectos de estudio, como los presentes en ‘Mr. Brown‘ de los Wailers, es especialmente conocido su sample de un bebé en el single de 1968 ‘People Funny Boy‘, que utilizaba una base de reggae cuando aún este término no se había establecido en el vocabulario popular, y entre sus experimentos de estudio se encontraban grabar con instrumentos de jardinería o soplar humo de marihuana al micrófono.

El músico jamaicano, que empezó a trabajar en la industria de la música en los años 50, para después mudarse a Kingston durante los años 60 tras una revelación espiritual, montó su propio estudio/sello Black Arc en los 70 y produjo varios álbumes de Bob Marley, como ‘Soul Rebels’ (1970) y ‘Soul Revolution’ (1971), y Diplo, que considera a Perry su mentor y su mayor influencia, recuerda que el músico «dio a Bob Marley su primer sonido» y que sus producciones de dub «cambiaron la manera en la que la música puede ser creada y allanaron el camino para el nacimiento de muchos géneros musicales que hoy amamos».

Aunque la carrera de Perry dio tumbos en los 80, el artista nunca dejó de trabajar y de dar conciertos, especialmente en Europa; se vinculó a otros artistas contemporáneos como Animal Collective, Forest Swords o el propio Diplo y en 2019 publicó un disco con Mr. Green que fue aplaudido por la crítica, ‘Super Ape vs. 緑: Open Door’.

Entre quienes han recordado a Perry en sus redes sociales se encuentran los Beastie Boys, que invitaron al jamaicano a aparecer en su disco de 1998 ‘Hello Nasty’; The Prodigy o Flying Lotus, tres artistas en cuyo trabajo se puede percibir la influencia de Perry.

CHVRCHES / Screen Violence

CHVRCHES han huido desde su excelente debut de ser una banda insustancial de pop, y su cuarto álbum ‘Screen Violence’ no es una excepción. Esta vez la inspiración es la «violencia en las pantallas, por las pantallas y a través de las pantallas», el cine de terror con el que se han criado y el papel de la mujer en todo ello, consolidando el discurso enriquecedor que siempre ha tenido Lauren Mayberry al respecto.

En producción y autoría, CHVRCHES no caen en los errores de su tercer disco, un ‘Love Is Dead’ bastante decepcionante aunque hubo a quien le gustó y mucho, y esta vez ellos mismos se bastan y se sobran sin necesidad de llamar a nombres tan recurrentes como Greg Kurstin o Steve Mac. ‘Screen Violence’ es un álbum autoproducido, como ‘The Bones of What You Believe’ y ‘Every Open Eye‘, en el que subrayan lo importante que ha sido siempre para ellos el synth-pop de los 80. Otros son ahora los advenedizos.

‘Asking for a Friend’ es una de esas canciones de CHVRCHES en las que los amantes de los sintetizadores que inundaban las radios en aquella década se pueden recrear, tratando temas como el miedo a morir, el arrepentimiento y la soledad, dejando un poso escapista al final, cuando Mayberry propone una y otra vez: «can we go?». ‘California’ incorpora el clásico punteo que podíamos encontrar en hits de New Order y The Cure, y ‘Nightmares’, que podríamos considerar de su vertiente emo-metalera, se recrea también en los teclados en uno de sus pasajes.

A su vez, ‘Screen Violence’, aun siendo un álbum 100% CHVRCHES, hasta el punto de que el single ‘He Said She Said’ no sonaba en principio demasiado excitante (ahora tiene más sentido dentro de la secuencia, como suele ocurrir), presenta el número suficiente de novedades como para mantener a la gente bien despierta. Hablando de The Cure, Robert Smith aparece en la que es claramente la mejor canción del grupo en 6 años. El mánager de CHVRCHES contactó con el prestigioso artista sin decírselo a la banda, y una vez Robert respondió, espetó: «le tenemos, ¿qué le queremos proponer?».

Lo que le propusieron finalmente es sumarse a una segunda estrofa de una canción que Lauren Mayberry ya estaba trabajando, inspirada en Virginia Woolf, obsesionada con la idea de morir ahogada. ‘How Not to Drown’ resulta la balada más oscura e inquietante que jamás hayan escrito CHVRCHES, extendiéndose casi 6 minutos sin que lo parezca, como sucedía con muchos éxitos de The Cure. Casi deseas que las texturas de su outro se extiendan más y más.

También son llamativas la guitarra un tanto jangle pop de ‘Final Girl’, la inspiración en los también escoceses The Blue Nile en los teclados de ‘Lullabies’ y la base big beat de ‘Violent Delights’, que referencia abiertamente a ‘The Fat of the Land’ de The Prodigy. La canción habla de pesadillas y se inspira en el ‘Romeo y Julieta’ de Baz Lurhmann, si bien es el cine de terror el que realmente aporta los matices más interesantes al disco. Esos guiños están presentes en la mismísima portada y son muy perceptibles en la mencionada ‘Final Girl’. La «final girl» es la última chica en morir o sobrevivir en los clásicos del terror, recientemente hubo incluso una peli titulada así, y en esta canción Lauren lo relaciona con la función de la mujer en nuestra sociedad. «Debería dejarlo, quizá debería casarme, solo el tiempo lo dirá (…) Intenté parecer más atractiva, solo el tiempo lo dirá», dice la letra, versando sobre el modo en que la mujer es «perseguida» y «cazada» en ese tipo de películas o en nuestras calles.

Lo que se espera de una mujer ocupaba la relevante letra de ‘He Said She Said’ («luce sana, pero sin obsesionarte», «aliméntate, pero mantén la línea») y vuelve en ‘Good Girls’, sobre lo que supuestamente «las buenas chicas» no pueden hacer. A veces Lauren, una observadora crítica de la realidad, toma notas tras una discusión en un pub con unos amigos, y años después le viene definitivamente la idea para su composición, como fue el caso de esta última.

La modestia de CHVRCHES no impide que el enfoque de sus canciones sea siempre interesante. No conocimos en los 80 tantos grupos de synth-pop de líder femenina que llegaran a un cuarto disco con tantas ganas de seguir retorciendo mensajes. Ni de líder masculino, tampoco.

Kanye West publica ‘DONDA’, su «álbum negro» con The Weeknd, Marilyn Manson, Chris Brown…

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El 29 de agosto ha sido finalmente la fecha elegida por Kanye West para publicar su nuevo disco ‘DONDA’ tras varias intentonas que se han venido sucediendo durante las últimas semanas de julio y agosto. El álbum ha sido presentado en tres fiestas celebradas en Estados Unidos, cada vez con cambios respecto a la versión anterior. La versión definitiva del disco -al menos por el momento, se conocieron varias versiones de su álbum ‘The Life of Pablo’ (2016)-, contiene 27 canciones y se extiende casi hasta las 2 horas de duración. La portada es completamente negra, mientras en los créditos encontramos a gente como The Weeknd (en ‘Hurricane’), Jay-Z y Marilyn Manson (en ‘Jail’) y Chris Brown (en ‘New Again’), entre muchos otros.

Diane Warren saca disco con Rita Ora, Luis Fonsi, John Legend, Céline Dion, largo etcétera

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El nuevo álbum de Diane Warren, ‘Diane Warren: The Cave Sessions, Vo.1’, se ha estrenado esta semana promocionado por el tema ‘Seaside’, en el que han participado Rita Ora, Sofía Reyes y Reik.

Estos tres artistas son solo los últimos de una larga lista que ha acompañado a Warren a lo largo de los quince temas que componen este disco, como por ejemplo G-Eazy y Santana en ‘She’s Fire’, Luis Fonsi en ‘When We Dance Slow’, John Legend en ‘Where Is Your Heart’ o James Arthur en ‘You Go First’. Otros invitados son Céline Dion, Paloma Faith y Leona Lewis.

El álbum completo se ha promocionado junto al videoclip de ‘Seaside’, donde podemos ver combinando el inglés y el español a Rita Ora y a Sofía Reyes disfrutando al máximo de la playa y del mar, algo comprensible, pues el verano está llegando a su fin y este tema ha llegado en el momento preciso para captar esa esencia.

Ambas artistas han tenido más protagonismo que Reik, al que no se le ve ni un minuto en pantalla. Puede que Warren haya querido sacar más partido a la complementariedad de Rita y Sofía, teniendo en cuenta que hace un par de años colaboraron juntas en ‘R.I.P.‘. Algo que ocurre sobre todo al final del vídeo, cuando las dos cantantes disfrutan de la fiesta alrededor de la hoguera. Los más avispados habrán visto a Dianne tras la barra del chiringuito bailando el tema y sirviendo copas.

Aunque Dianne Warren lleva componiendo temas desde los años 80, este es su primer álbum. Habitual en los Oscar, donde ha sido nominada hasta 12 veces, eso sí, sin haberse llevado nunca la estatuilla, Warren es la autora de éxitos como ‘Because You Loved Me’ de Céline Dion, ‘I Don’t Want to Miss a Thing’ de Aerosmith, ‘Til It Happens To You’ con Lady Gaga, ‘Rhythm Of The Night’ con DeBarge o ‘Nothing’s Gonna Stop Us Now’ con Startship.







Tokischa ya molaba antes de colaborar con Rosalía y J Balvin

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Antes de grabar una canción llamada ‘Linda’ junto a Rosalía, a punto de salir, y otra llamada ‘Perra’ con J Balvin, que puede que hayas escuchado este fin de semana, Tokischa ya era una artista muy conocida. La cantante de dembow dominicana se daba a conocer gracias a trallazos como ‘Tukuntaso’ o ‘Desacato escolar’, que apelaba a la «verdadera calentura vaginal».

Su música, rítmica y con énfasis en la repetición, es idónea para seguidores de Lírico en la Casa o Systema Solar y la artista cuenta entre sus seguidores a Bad Bunny, Ozuna y Anuel AA. Otras canciones de Tokischa se relajan en tempos medios, como ‘No me falles’, o se inspiran en el trap, como ‘No me importa’; o en el R&B-hop de principios de siglo, como ‘Varón’ o la reciente ‘MALA’. Por otro lado, ‘Siete’ presenta una base carnavalesca y es prácticamente instrumental y la artista ha aparecido en numerosos singles como artista invitada, a destacar ‘Yo no me voy a acostar’ con Yailin La Más Viral y La Perversa y uno llamado ‘Bellaca putona’ con Químico Ultra Mega, en los que reincide en su gusto por los ritmos machacones.

Las letras de Tokischa, que apelan a la libertad sexual y no se han cortado en hablar del consumo de drogas, la han llevado a ser una artista polémica en República Dominicana, hasta el punto de que, el pasado mes de mayo, el periódico español ABC la calificaba como «probablemente la artista más controvertida e iconoclasta del Caribe en la actualidad».

En la entrevista, Tokischa hablaba sobre su single ‘Desacato escolar’, hoy nuestra «Canción del Día», en la que se monta una orgía con sus compañeros de instituto, también con «los maricones»: «Cuando quisieron prohibir ‘Desacato escolar’, se volvió una ola. La tumbamos de YouTube y la gente la necesitaba escuchar a todas horas. En lugar de censurarla, lo que consiguieron fue que la gente la quisiera más, porque a la gente le gusta lo prohibido. Cuanto más tratan de prohibirme, más me quiere la gente».

Si esta historia te suena es porque has estado atente a lo que ha pasado estos días con Zahara. Pero resulta que la conexión va más allá porque Tokischa acaba de protagonizar una polémica muy parecida tras posar «semi desnuda y en poses sexuales» en el altar de la Virgen de la Altagracia en Jarabacoa, municipio situado en la provincia dominicana de La Vega. Según Diario Libre, el gobierno de Jarabacoa «rechaza la actitud irreverente e irrespetuosa de la joven Tokischa, quien faltó a las normas éticas y los valores morales que rigen la convivencia civilizada y ejemplar de nuestro municipio». Tokischa se enfrentaría a una querella y su abogado ha declarado que la artista «se ha arrepentido y pide sinceras excusas formales a la sociedad, veganos y católicos , a quienes respeta».

En una entrevista de Rosalía, la catalana ha echado un cable a Tokischa, asegurando que no ve «nada de malo» en las imágenes. «Yo no conozco lo suficiente este país, entiendo que cada país tiene sus leyes, que cada cultura es distinta, pues ante todo respeto, pero si me preguntas a mí personalmente yo te diría que cuando veo esas imágenes me parecen bonitas, no me parecen que tengan nada de malo y de hecho entiendo el mensaje desde el que ella lo está diciendo».



La NO cancelación de Michael Jackson

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Con el estreno de un documental que revolvía las tripas, ‘Leaving Neverland‘, fueron muchos quienes creyeron que Michael Jackson sería cancelado. Nada más lejos de la realidad: su influencia es más evidente que nunca tanto en el mainstream -y para muestra la deriva artística de The Weeknd- como en proyectos menos conocidos -el último álbum de Laura Mvula-.

En el nuevo episodio de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP», Sebas y Claudio analizan lo que ha pasado o lo que no ha pasado con Michael Jackson, en compañía de Álvaro Cuesta, viejo amigo y puntual colaborador de la web, en el día que habría sido su 63º cumpleaños.

Durante más de 1 hora, los tres debaten sobre si es el mejor artista de todos los tiempos, cuál es el mejor álbum de Michael, lo que representó la famosa «Disco Demolition Night», la amplia videografía del artista, el vitiligo o la relación con Diana Ross. El podcast cuenta con dos invitados más: La Terremoto de Alcorcón y el productor musical y gran fan de Michael Jackson Gabi Oré, que recuerda los conciertos de Michael Jackson, y lo que representó para las instituciones de Valladolid y Zaragoza durante los años 90 su presencia; así como el momento en que pudo conocerle en Londres.

The Mountain Goats / Dark in Here

John Darnielle no puede parar de componer y grabar discos. En 2020 publicó dos: ‘Getting Into Knives’ y ‘Songs for Pierre Chuvin’. De hecho, ‘Dark in Here’ iba a aparecer junto a ‘Knives’: ambos formarían un díptico. Si ‘Knives’ era un disco alegre, basado más o menos en la película ‘Puñales por la espalda’, ‘Dark’ iba a ser algo así como su “reverso oscuro”. Ambos álbumes fueron grabados en marzo de 2020, su publicación estaba programada ese mismo abril. Pero la pandemia se llevó los planes al traste. Así que, aprovechando el confinamiento, Darnielle grabó en su casa el muy maquetero ‘Songs for Pierre Chuvinis’, que fue el disco que finalmente apareció en abril. ‘Knives’ se editó en octubre del año pasado. Y ‘Dark in Here’, el que nos ocupa, ha tenido que esperar a junio de 2021. De rebote, ha alcanzado el honor de ser el ¡vigésimo! álbum de The Mountain Goats.

‘Dark in Here’ es indudablemente la mejor obra surgida de toda esta efervescencia creativa. Lo de calificar este disco como “oscuro” hay que ponerlo muy en cuarentena, por más que lo manifieste su propio título: lo más oscuro, de hecho es su portada. No es tan dicharachero como ‘Getting Into Knives’, pero es un fenomenal compendio de clasicismo indie-pop de guitarras mezclado con aires jazz y canción de autor de los setenta a la Carole King; un disco repleto de oficio, de canciones delicadas de recias melodías, con una producción que llena de aire los temas y les otorga una cálida textura de directo.

En ‘Dark in Here’ tampoco parece haber una temática clara, como sí había en muchos de sus anteriores álbumes. Sus letras, salpicadas de alusiones religiosas, refieren un vago malestar (mental, social, espiritual), un malestar que no se refleja musicalmente. Al contrario. ‘Parisian Enclave’, una introducción entre el western y el pop de los sesentas, pone la miel en los labios: brevísima, pero rica en detalles (panderetas, pianos breves). ‘Mobile’ es un medio tiempo que discurre como agua, de melodía cristalina y clásica sencillez, donde Darnielle va desgranando los versos con gran calidez. Pero también hay fiereza y contundencia elegante en la homónima ‘Dark in Here’, en la que los protagonistas son los timbales y la batería o en ‘Lizard Suit’, compleja y hermosa, donde toda la base rítmica y el piano de jam sesion jazz se conjuga con unos coros chispeantes.

Los aires jazz, continúan, en vertiente sofisticada, en la estupendísima ‘When a Powerful Animal Comes’. Su atmósfera es palpitante, con leve recuerdo a Sufjan Stevens en su estribillo y un hermoso final aéreo, a base de saxos y piano. Pero es que la fórmula aún mejora en ‘To the Headless Horseman’: más leve, más bonita, más Carole King.

Para que no nos quedemos suspendidos de tan bellas tonadas, Darnielle nos despabila con ‘The New Hydra Collection’ o con bromas disfrazadas de medio tiempos dulces como ‘The Slow Parts on Death Metal Albums’, que tiene poco de Death Metal y sí mucho de R’N’B elegante y de coros bordeando lo góspel. Pero para hermosa ‘Before I Got There’, probablemente el tema más bello y destacado del disco, gracias a la tensión que crea Darnielle con su voz, anhelante en el puente, que se resuelve en un estribillo precioso y pegadizo, eterno, entre pianos, vientos; un dechado de arreglos sencillos y primorosos, que elevan aún más la canción y la lleva prácticamente a niveles de Joni Mitchell. Definitivamente, John Darnielle no sacaría un disco feo y/o malo ni queriendo. Y ‘Dark in Here’ es todo un derroche de buen gusto, emoción sosegada y delirio pop contenido.

‘Shtisel’: anhelando una cuarta temporada

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‘Shtisel’, la serie israelí de judíos ortodoxos, no termina de confirmar tras su estreno en marzo en Netflix, una cuarta temporada que se antoja fundamental. El enamoramiento no surge a primera vista -a pesar del actor Michael Aloni-, sino después, con el detallado retrato de una familia que lleva su fe religiosa a todos sus usos diarios: cuatro generaciones consanguíneas, asentadas en un barrio ortodoxo de Jerusalén, viviendo su día a día como vaca sin cencerro.

Pero que no cunda el pánico entre los ateos: estos abuelos, hijos y nietos caminan sin rumbo en un drama similar al de la sociedad menos creyente, y se digiere con el mismo pulso. Los problemas son idénticos: tener pareja, envejecer, las enfermedades mentales, la infidelidad, la educación de los nuevos vástagos… Solo cambia la escala y la fe a la hora de buscar soluciones.

‘Shtisel’ se puede afrontar con ciertos prejuicios si no vives ahora mismo en una lectura constante de la Torá. La ambientación gris desde los primeros capítulos -pues sus personajes están a todas luces atravesando un calvario- puede llevarte a desertar. Sin embargo, es mejor no tirar la toalla porque los milagros existen, en sentido literal y metafórico.

Literal por esa impagable escena del silenciado de unos coyotes a las afueras de la ciudad. Metafórico porque aquí todo va de menos a más, sin caer en el juicio de comportamientos o en la opresión religiosa como su oponente ‘Unorthodox’. ‘Shtisel’ habla con sensibilidad un lenguaje universal desde una cultura que está en las antípodas de la nuestra.

Hay que destacar a un elenco de actores espectacular, cada uno de ellos con una facultad incuestionable, sobre todo niños y adolescentes. Y también unos planos fijos deslumbrantes: en cualquier momento que pares la serie para ir a la cocina (se pasan el día comiendo y te apetecerá acompañarles), a la vuelta te quedarás fascinado, observando sin pestañear. Pero lo mejor, sin ningún lugar a dudas, es cómo ofrece un nuevo enfoque sobre ciertos temas desde la templanza.

Poco en su contra, quizá un costumbrismo lineal antes visto, cierto grado de predictibilidad a medida que avanza, y lo que cuesta pillar algunos toques de humor. Todo diluido ante un universo fascinante que nos vendieron erróneamente plagado de fanáticos religiosos. Con los Shtisel vamos al otro lado: lo que no se ve sí existe.

Más Madrid y PSOE cuestionan la cesión «a dedo» de una parcela a Nacho Cano

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Nacho Cano construirá un teatro en Hortaleza con el objetivo de «trasladar la cultura a los distritos periféricos de la ciudad de Madrid». El que fuera autor de la mitad de los éxitos de Mecano ha evidenciado en varios actos públicos su admiración por Isabel Díaz Ayuso, que representa el ala más derechista del Partido Popular, hasta el punto de que han pasado unos días juntos de vacaciones en Ibiza, como informa El Plural. Ahora se vincula con el Ayuntamiento de Martínez-Almeida, también del mismo partido.

El ayuntamiento ha cedido temporalmente a Nacho Cano una parcela de 19.000 metros cuadrados por tan sólo 450.000 euros al año, parcela para la que los vecinos de Hortaleza pedían la construcción de un Centro de Formación Profesional, pues este año 7.000 jóvenes se han quedado sin plaza de FP en la ciudad. Más Madrid, principal partido de la oposición, ha sido muy crítico con este anuncio. El concejal Miguel Montejo ha sentenciado: «Enésimo escándalo de gestión de Martínez-Almeida en lo que llevamos de verano. Es la cesión de suelo público para el amigo de Isabel Díaz Ayuso Nacho Cano para hacerse un teatro en Hortaleza», denunciando que la cesión se ha «producido con total opacidad», «a dedo», «sin ningún tipo de publicidad ni concurrencia pública», y sin informar a los grupos municipales ni al movimiento asociativo del distrito.

El PSOE también pide explicaciones sobre esta concesión “al músico, cuya amistad con la presidenta de la Comunidad de Madrid es bien conocida” y recuerda que «no es la primera vez que el PP utiliza esta parcela para favorecer los asuntos de amigos o allegados». Como informa Diario 16, se recuerda que ya se cedió este suelo a la productora de José Luis Moreno, en 2002, teniendo esta que ser revertida por incumplimiento de contrato.

‘Always’ es el mejor modo de entrar en el maravilloso universo de SPELLLING

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Nuestro “Disco de la Semana” es ‘The Turning Wheel‘, el tercer álbum de la artista estadounidense SPELLLING y el más accesible pese a que también encierra cierto carácter experimental.

No hay vídeo para el single principal del disco, ‘Little Deer‘, sí lo ha habido este mismo mes para ‘Revolution’, mientras ‘Boys at School’ es un corte favorito entre sus seguidores, pero extendiéndose hasta los 7 minutos de duración. Realmente, el vehículo que te proporcionará un viaje más cómodo para adentrarte en el maravilloso mundo de SPELLLING es la estupenda ‘Always’, nuestra «Canción del Día» hoy.

Lo más llamativo de ‘Always’ es el modo en que elige desarrollarse. La melodía apunta a clásicos tipo ‘Stand by Me’ de Ben E. King, incorpora un ritmo de power ballad ochentero a lo Jennifer Rush y contiene cierto halo girl group a lo ‘Be My Baby’ por ahí, además de un miedo al silencio que ni el muro de sonido. Pero la peculiaridad es esa toma vocal temblorosa, los arreglos de viento y los numerosos adornos que hacen de ‘Always’ una producción tan particular. Entre ellos, hay murciélagos.

La letra acumula un montón de preguntas sobre el amor eterno, del que dura para “siempre”; siendo a su vez una súplica que intenta dejar a un lado la traición. “Por favor, no me robes el corazón / No me hagas empezar de nuevo / Por favor, no dañes mi orgullo / No me hagas esconder mi amor del todo”, dice el estribillo, mientras el pre-estribillo cuestiona cómo podemos averiguar cuál es el amor verdadero.

Como curiosidad, SPELLLING ha indicado que se ha inspirado para hacer esta canción en ‘Dracula de Bram Stoker’ según la dirección de Francis Ford Coppola, lo cual nos hace pensar también en la Annie Lennox más atemporal. El ‘Dracula’ de los 90 es una de sus películas favoritas, y entiende que la canción es una especie de «romance vampírico». Por eso entre sus efectos de sonido está el aleteo de unos murciélagos. Os dejamos con la canción, pero también con un directo en el que suenan 5 canciones del álbum, a piano y guitarra. Son las siguientes:

Little Deer
Always
Awaken
Boys at School
Sweet Talk

Lorde logra su 5º top 1 en JNSP, entran The Killers, LVL1, Low, Blossoms…

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‘Mood Ring’ de Lorde sí ha convencido entre nuestros votantes y es la canción más votada de la semana, por encima de The Weeknd en este caso, que cae desplazado al top 2, y Billie Eilish, que no ha conseguido ser número 1 por aquí con ‘Happier than Ever’, pese a ser la canción más exitosa de las 3 a nivel internacional. Este es el 5º número de Lorde en JNSP tras ‘Magnets’ con Disclosure, ‘Green Light’, ‘Perfect Places’ y ‘Solar Power’.

En el top 10 encontramos también entradas de The Killers y la revelación nacional LVL1, mientras al top 20 llegan las novedades independientes internacionales de Low y Blossoms. Parquet Courts y Monarchy aparecen en la parte baja de la tabla.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 Mood Ring Lorde Vota
2 1 1 3 Take My Breath The Weeknd Vota
3 2 2 2 Happier than Ever Billie Eilish Vota
4 4 1 Runaway Horses The Killers, Phoebe Bridgers Vota
5 7 5 2 Bouncin Tinashe Vota
6 3 2 5 INDUSTRY BABY Lil Nas X, Jack Harlow Vota
7 13 7 2 Yate C. Tangana Vota
8 8 1 FVN! LVL1 Vota
9 5 4 5 Say What You Will James Blake Vota
10 12 1 7 NDA Billie Eilish Vota
11 17 9 5 Fuck Him All Night Azealia Banks Vota
12 4 1 5 Don’t Go Yet Camila Cabello Vota
13 8 8 4 Pond House Saint Etienne Vota
14 19 3 4 ¿Qué tal? El Buen Hijo Vota
15 11 4 6 Cure for Me AURORA Vota
16 18 5 6 Finisterre Vetusta Morla Vota
17 35 13 6 Moreno de contrabando Carolina Durante Vota
18 18 1 More Low Vota
19 19 1 Care For Blossoms Vota
20 31 2 15 Please Jessie Ware Vota
21 21 21 2 Jackie Yves Tumor Vota
22 26 2 12 Love Again Dua Lipa Vota
23 9 3 8 Bad Habits Ed Sheeran Vota
24 24 24 3 Wild Side Normani, Cardi B Vota
25 6 2 6 Don’t Wait Up Shakira Vota
26 14 14 5 Living Proof The War on Drugs Vota
27 36 1 17 berlin U5 Zahara Vota
28 28 1 Walking at a Downtown Parquet Courts Vota
29 16 16 2 Rumors Lizzo, Cardi B Vota
30 32 1 47 Levitating Dua Lipa Vota
31 20 20 2 Little Things Big Thief Vota
32 23 12 8 La voz del presidente Viva Suecia Vota
33 10 5 7 MAFIOSA Nathy Peluso Vota
34 15 15 3 Sex on the Beach Iggy Azalea, Sophia Scott Vota
35 40 2 12 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
36 37 10 10 Need to Know Doja Cat Vota
37 28 7 6 Bunny Is a Rider Caroline Polachek Vota
38 39 1 11 Solar Power Lorde Vota
39 39 1 Half a Song Monarchy Vota
40 25 6 10 Let Them Know Mabel Vota
Candidatos Canción Artista
In My Arms Disclosure Vota
estoy bien Karla Imbert Vota
brutal Olivia Rodrigo Vota
Little Deer Spellling Vota
Quiet On Set Remi Wolf Vota
I am not a woman, I’m a god Halsey Vota
justified Kacey Musgraves Vota
The First Day Villagers Vota
Hot N Heavy Jessie Ware Vota
You Can Do It Caribou Vota

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