Un tablón de anuncios aparecía en Islandia este jueves con una foto de Justin Bieber, y la palabra ‘SWAG’ inserta en él, junto al aviso de letras «explícitas». Enseguida se pensaba, por tanto, que ‘SWAG’ podría ser el nombre de un nuevo proyecto.
The Hollywood Reporter informaba en exclusiva a última hora de la tarde de que ‘SWAG’ es un nuevo álbum de Justin Bieber al completo y que saldría en la misma madrugada del jueves al viernes. Contendría colaboraciones de Gunna, Sexyy Red y Cash Cobain. Finalmente el disco ha llegado al mercado conteniendo hasta 21 pistas liderada por un single medio guitarrero, ‘DAISIES’.
Hits Daily Double ha considerado este disco «introspectivo» y asegura que «el disco de verdad» de Bieber llegará a finales de 2025 o principios de 2026. Billboard ha tildado el próximo proyecto de «más pop».
Un álbum «de verdad» de Justin Bieber es más necesario que nunca para que el artista se enderece, tras una etapa turbulenta marcada por los problemas personales y de salud. Sobre algunos de ellos ha hablado de todas las maneras posibles. ¿Volverá el artista que nos dio una joya de pop tan decidida y fundamental para el pop reciente como fue ‘PURPOSE‘?
A mysterious billboard featuring Justin Bieber with the tag “SWAG” was spotted in Iceland.
El grupo de pop electrónico Purity Ring, que nos ha regalado pequeños grandes discos como ‘Shrines‘, estará de regreso el próximo 26 de septiembre. Será entonces cuando publiquen un nuevo álbum que será homónimo. Es solo el cuarto de su carrera y el primero en 5 años, pues son los que han pasado desde ‘Womb‘.
De él ya conocemos 3 pistas: ‘many lives’, con cierto regusto drum&bass; una especie de reprise llamado ‘part ii’, y desde hoy un tercer corte titulado ‘place of my own’, que sucederá a ambos en la secuencia. El objetivo del tema nuevo es sacarnos de nuestro «espacio y tiempo», para que podamos disfrutar de «la calma y la soledad»: “all i want is a place of my own / some way to be alone”.
El grupo cuenta que esta es una de las canciones que les vinieron estando en un bosque entre montañas: «el beat vino como la nube que teníamos encima».
En el que definen como «el disco más inmersivo de su carrera», se han inspirado en lo físico, pero también en lo fantástico, mencionando videojuegos como Nier Automata o Final Fantasy X. El disco presenta a dos personajes, mj y Corin, que buscan construir un mundo mejor a partir de uno destruido. Eso sí, puntualizan que no va a ser una «fantasía escapista». Parte de todo esto se intuye en una secuencia que incluye títulos como ‘mj odyssey’, y también en la imagen seleccionada para Youtube.
1.-relict
2.-many lives
3.-part ii
4.-place of my own
5.-red the sunrise
6.-memory ruins
7.-mistral
8.-the long night
9.-Imanocean
10.-between you and shadows
11.-mj odyssey
12.-broken well
13.-glacier ::in memory of rs::
Siguen los intentos por hablar de salud mental en la industria musical. A pasos tan importantes como los dados por Ariana Grande, donando 1 millón de dólares en terapia para sus fans, o al de Chappell Roan hablando sobre la necesidad de que las discográficas ofrezcan terapia a los artistas (y no solo contratos leoninos), se suman nuevas iniciativas.
Esta semana hemos averiguado que Olivia Rodrigo ha puesto a disposición de todos los miembros de su equipo de gira algo tan improbable como terapia gratuita. Billboard no especifica si la oferta es aplicable hasta la última persona de las decenas y decenas que se encargan de montar un escenario, pero sí sabemos que ofrece este servicio justo en uno de los entornos menos seguros para un artista: la carretera y los hoteles. Esos espacios en que suelen abundar las drogas y el alcohol, y todo el mundo está lejos de su familia y amigos.
Billboard ha hablado con una de esas personas del equipo de Olivia Rodrigo, su guitarrista Daisy Spencer. Esta ha revelado que el ofrecimiento de terapia durante la gira no solo es para los días en que hay concierto, sino también para los lapsos en que no, suponemos que gracias a sesiones online.
«En la gira de «Guts» Olivia y Marty Hom (tour manager) nos han dado acceso a terapia gratuita a todo el personal de la gira. Nunca me lo habían ofrecido y he recuperado la importancia de la terapia, porque hace tiempo que no iba. Esta fuente de terapeutas increíbles tan accesible la he usado como si no hubiera mañana». Spencer opina que es de lo mejor que le podían ofrecer, porque ir a terapia es muy caro.
Olivia Rodrigo ha hablado sobre la importancia de ir a terapia en numerosas ocasiones, a pesar de que a veces hay gente que le ha dicho: «no necesitas eso, lo tienes todo, tu vida es increíble, ¿qué problema tienes?». O gente mayor le ha hecho comentarios como «eres una niña, ya lo superarás».
Olivia Rodrigo es una de las artistas que precisamente visita este mismo fin de semana Mad Cool. En Madrid la esperamos exactamente este sábado 12 de julio.
En los últimos años han vuelto las guitarras. Y quienes más las han recuperado han sido mujeres. Sobre todo si hablamos del sonido 90’s. Nombres como Soccer Mommy, Porridge Radio o beabadoobee, de una manera o de otra, se han nutrido del grunge, estilo retomado de manera muy heterodoxa por otros nombres como Wolf Alice, yeule, Olivia Rodrigo o Halsey en su mejor disco.
El caso de Wet Leg no ha sido exactamente ese. Lo podía parecer a primera vista: un dúo, como White Stripes -que aunque triunfaran después, llegaron a publicar su debut también en los 90-, y muchas ganas de huir del bedroom o el pop actual, en general. Pero había algo más casual, más humorístico, en las composiciones de Rhian Teasdale y Hester Chambers -ambas cantantes y guitarristas-. Lo que nos llevaba más bien a los 2000. Al legado de gente como Yeah Yeah Yeahs o Chicks on Speed, tan preocupadas por la fiesta como por otras cuestiones.
‘moisturizer’, el segundo álbum de Wet Leg, llega tras los Grammys recibidos por su debut, que fue número 1 en UK, pero sobre todo tras un buen chorreo de conciertos. Como a tantos grupos guitarreros antes, lo que les ha surgido después de tanto actuar, ha sido tratar de captar ese sonido tan crudo en un álbum. Para ello, han reclutando a una banda formada por Ellis Durand al bajo, Henry Holmes a la batería, y Joshua Mobaraki a la guitarra extra y sintetizadores; se han ido a un AirBnB para crear este álbum, e incluso han dado a los chicos algún crédito de composición, incorporándolos a Wet Leg de manera oficial, en todas partes excepto en la portada. Quizá habría sido demasiado shock, eso.
‘moisturizer’ es en todo caso un álbum continuista en el que predominan los tiros rockeros, como certifican los singles de presentación, pero con concesiones pop y a otros estilos. Y el alma femenina es evidente. La historia tras el rugiente ‘catch these fists’ ejemplifica muy bien todo lo dicho hasta ahora. La canción surgió en un lugar tan improbable como un concierto de Chappell Roan. Teasdale se sintió en un espacio seguro en el que todo el mundo respetaba su espacio, pero fui irse a un pub a rodearse de babosos, y esa sensación de seguridad, disiparse. ‘catch these fists’ surge de la necesidad de «sacar los puños» y de aprender a usarlos para parar a los acosadores.
Vale como canción protesta, como emblema y como cañonazo, y casi tanto también el aire a lo Pixies de ‘liquidize’ o la explosión de guitarras de ‘pillow talk’. ‘CPR’, con su estribillo «¿es amor o suicidio?» adopta un fondo más funk. Las composiciones de Wet Leg, que solían versar sobre tipos indeseables muy fáciles de caricaturizar, están marcadas ahora por la primera relación queer de Rhian Teasdale, pero el álbum no abandona nunca su tono jocoso. Para muestra, la letra absurda de ‘don’t speak’ llena de Doritos y torpes juegos idiomáticos. De manera que cuando dicen cosas como «me siento tan afortunada de estar enamorada de ti» (‘liquidize’) o «voy a ser tu Shakira, whenever, wherever» (‘davina mccall‘), nunca terminas de saber cuán en serio o irónicas están siendo. ¿Quizá una mezcla de las dos, como la vida misma? Algo que perjudica la balada del álbum, ’11:21’, algo desubicada en el contexto hedonista de Wet Leg.
‘mangetout’ es pura dinamita cuando repite «Get lost forever!», y en otro estilo, ‘Pond Song’ (que empieza un poco más electro) y ‘Pokemon’ (que empieza un poco más synth-pop), contribuyen a que este sea un buen disco veraniego que poner en bucle durante un largo viaje en coche o que disfrutar en casa. Esto es lo que propone ‘u and me at home’, hábilmente seleccionada como última canción de la secuencia. Es lo que mejor saben hacer: un estribillo eufórico, 100% casero, un tanto fumado, perfecto para el único grupo que podía viralizar algo llamado ‘Chaise Longue‘.
Las Sugababes más queridas por todo el mundo, Mutya Buena, Keisha Buchanan, y Siobhán Donaghy, están decididas a venirse con todo. Este año habían publicado ya un tema llamado ‘Jungle’, un baladón R&B titulado ‘Weeds’ y ahora acaban de sacar un ‘Shook’ que resulta el mejor corte de los tres. Es nuestra decidida Canción del Día hoy.
Amparada en la vena electropop que en parte identificó a Sugababes -en nuestro foro el usuario Me_Adri ya lo ha tildado «el Push the Button de 2025»-, la producción mejora bastante lo visto en ‘Jungle’.
Cabe preguntarse si el añadido de Big Softy como co-productor ha sentado bien a este tema en particular, pues suena algo menos maquetero que el trabajo de Jon Shave en solitario. Este aparece como productor en los tres temas que llevamos hasta ahora, pero solo en ‘Shook’ comparte créditos de un tema que, en todo caso, si vibra, es por la melodía de Mutya Keisha Siobhán.
Por lo demás, ‘Shook’ no tiene más objeto que convertirse en uno de los bangers del verano, como mínimo para todo nostálgico que disfrutara de Sugababes en los años 2000. Es un tema de apareamiento en la discoteca, porque «todo el mundo me aburre a los 20 segundos» pero da con alguien que tiene algo… I’m shook!
Acaso su mayor rareza puede ser ese segundo verso, una verdadera fumada, literal, en el que riman Nirvana con «marihuana» y también con Madonna: «do you wanna dance to Madonna? / Hold my hand, let’s reach for Nirvana». Una bobada, entonada en éxtasis, que da personalidad a la que suele ser la estrofa más olvidable de una canción pop.
El azar ha querido que la inauguración de la 15ª edición de Cruïlla Festival en Barcelona coincida con un temporal de lluvias que ha afectado de manera más contundente al interior de Cataluña, pero que en Barcelona ha dejado alguna trompa puntual y, sobre todo, la imagen en el Parc del Fòrum de un cielo encapotado que ha amenazado lluvia durante toda la jornada inaugural del miércoles, acompañada de un aire fresco que ha obligado a más de uno a recuperar la manga larga del armario.
Cruïlla celebra su 15º aniversario engalanando el recinto con fotografías colgadas de algunos de los artistas más destacados que han pasado por el festival a lo largo de su historia, como Kendrick Lamar, Juan Luis Guerra o Kylie Minogue, junto a simpáticas ilustraciones de Aurora, Residente o Lauryn Hill.
Por otro lado, el arte en directo sigue siendo una seña de identidad de Cruïlla -Gracie Abrams lo destacará durante su concierto, al verse a sí misma siendo retratada desde el escenario- tanto como su apuesta por la sostenibilidad. Esta vez, preside el recinto una curiosa figura de «Floquet de Neu», el gorila albino fallecido en 2003, icono de la ciudad de Barcelona.
Victor Parreño
Maria Hein congrega a un público respetable a eso de las 18.00 de la tarde, con una propuesta escénica que alterna coreografía y piano. Hein presenta su tercer disco, ‘KATANA‘, y luce su preciosa voz sobre todo en las canciones tocadas a la caja de teclas, especialmente en ‘Sa pell me torna blanca’ y ‘Katanas i pianos’. Da la sensación de que la propuesta actual de Maria Hein recoge (aún) el eco de ‘El mal querer’ de Rosalía y lo adapta a su estilo mallorquín. Xicu es el artista invitado en ‘No és real si no fa mal’, pero es Maria Hein la que roba todas las miradas bailando la caribeña ‘Temps’ o la rítmica ‘Betta’.
Samuraï actúa exactamente a la misma hora que Maria Hein, así que aprovecho para visitar la segunda parte de su concierto. El ambiente es muy distinto al de Hein: aquí predominan los tonos rojo intenso y una propuesta muy rockera. Aunque las canciones no lo sean tanto: el pop-rock de Samuraï, tanto cuando se acelera en ‘La despedida’, como cuando se relaja en la acústica ‘En el aire’, es agradable, pero sus letras sentimentales y llenas de clichés no me enganchan. No obstante, el entregado público que Samuraï congrega en las primeras filas opina lo contrario.
Xavi Torrent
La primera gran apuesta internacional del miércoles la protagoniza la noruega girl in red, que irrumpe en el escenario como un torpedo, corriendo de un extremo a otro, animada por el furor de sus seguidoras. En femenino, sí: girl in red sabe que la mayoría de sus fans son mujeres lesbianas y no duda en decirle al público lo que quiere oír: que «Barcelona es muy gay» y que está «llena de lesbianas». Seguro que no ha dicho lo mismo en otros festivales de otras ciudades.
Hacer sentir especial al público siempre ha sido una prioridad para las estrellas del pop, y Gracie Abrams se llevará la palma más tarde. Por ahora, girl in red ofrece un divertidísimo concierto de pop-rock que transita del estímulo total en ‘bad idea’ a la melancolía guitarrera de ‘We fell in love in October’. En ‘Hemingway’, Marie Ulven se emociona al recordar que, el año pasado, casi «muere en una habitación de hotel» durante un periodo en el que enfrentaba serios problemas de adicción que la llevaron a pasar tiempo en rehabilitación.
Pero que girl in red está recuperada es evidente cuando sobre el escenario se marca unos hairflips de órdago, corretea de un lado a otro, lanza su guitarra al suelo y, al final, se lanza al público en un generoso stage-diving que nos hace temer por su integridad física… hasta que regresa al escenario sana y salva. Pura «Serotonina» en el mejor concierto de la jornada. Sí, lo digo: ¡larga vida a girl in red!
Al mismo tiempo que Lia Kali, a la que acabamos de ver en Río Babel, actúa el reggaetonero mexicano NSQK. El artista afronta un público muy reducido pero entusiasta que parece componerse, más que de fans, de un grupo de amigos. Unas pocas filas corean sus canciones, mientras detrás de ellas la pista luce completamente despejada y la mayor parte del público observa el set con curiosidad desde las gradas. Sin embargo, NSQK sale del paso entregándose a su papel. Sus actuales ritmos urbanos apetecen mucho a esta hora del día -las 20.30- y, sin duda, merecían una audiencia mayor.
Gracie Abrams puede ser la estrella del pop más agradecida de la historia. Durante su concierto en Cruïlla no para de dar las gracias continuamente al público -también a su equipo y a montadores del festival, pero a su público sobre todo-, y de decirle que le quiere y le ama, prácticamente sin descanso. Simplemente no para y tanto agradecimiento termina empachando y sabiendo a escasez de imaginación, un poco la misma sensación que producen sus canciones.
Abrams cree en difuminar las líneas entre artista y público, tanto que cuando a una persona se le ocurre pasarle el móvil para que se grabe mientras canta, se abre la veda para que otras personas hagan lo mismo. Durante un rato de su set, simplemente los móviles no paran de llegar al escenario. Los guardas de seguridad tienen nuevo trabajo: pasarle el móvil a Gracie Abrams. Hasta una cámara Polaroid termina en sus manos y ella se toma una foto encantada. Al menos no le tiran objetos a la cabeza.
Abrams, en este sentido, es la antítesis de Chappell Roan, una artista que marca límites claros y no duda en antipatizar a sus fans si lo considera necesario. Abrams es todo amor, todo el rato, algo que está bien al principio, pero que resulta en una presentación lineal y monótona para todo aquel que no conecte profundamente con cada frase de sus canciones.
Porque el fenómeno fan de Gracie Abrams es muy serio. El público que corea sus temas en el Parc del Fòrum llega hasta distancias kilométricas y Abrams, en casi todo momento pegada a sus guitarras -acústica o eléctrica- o al piano, y acompañada de una banda, logra levantar grandes pasiones desde el principio hasta el final. Su presencia escénica cautiva: Abrams viste un glamouroso vestido plateado, pero actúa descalza, como si se hubiera arreglado para cantar en su habitación, imaginando un público millonario.
Éxitos de su repertorio como la inicial ‘Risk’, la electrónica ‘Where Do We Go Now?’ o la aclamada ‘I Love You, I’m Sorry’ se van sucediendo mientras Abrams se deshace en «thank yous» y «I love yous» infinitos. Se vive un momento de camaradería artística en ‘Two People’, balada al piano que Abrams dedica a girl in red porque la noruega ha asegurado, durante su set, que es su canción favorita de Abrams. El cierre con ‘That’s So True’ y ‘Close to You’ es apoteósico, representativo del poder de un artista que ya vuela muy alto.
«La Plena» vuelve a ser número 1 en España (triple platino) y Beéle sigue con todo el protagonismo, pues además de participar de esta canción de W Sound, baja tan sólo al top 2 con ‘No tiene sentido’… y además protagoniza en solitario la subida más fuerte de esta semana. ‘Si te pillara’ pasa del número 13 al número 6.
Así las cosas, y como lo de Beéle os lo llevamos contando varias semanas, hoy vamos a destacar un movimiento más llamativo: la subida fulgurante de una de las canciones contenidas en ‘Daisy‘, el flamante debut de rusowsky.
En su cuarta semana en listas, el merengue experimental de ‘malibU’ asciende al puesto 54. Es su máximo de momento, pero va a seguir subiendo. Lo sabemos porque estos días ronda más bien el top 40 de Spotify España. El tema -lo habéis adivinado- ha tenido una excelente acogida en TikTok, donde algunos comparten el tema con fotos de sus seres queridos («ella es mi Tatiana, ella es mi Daisy») y otros incluso lo comparan con ‘Despechá’ y ‘Si antes te hubiera conocido’, por lo que tiene de merengue.
‘malibU’ está siendo apoyada por varias playlists millonarias de Spotify: Viva Latino (15 millones de followers), Verano Forever (casi 4 millones) y Éxitos España, donde los artistas masculinos siempre tienen prioridad. En este caso, para bien, dado el riesgo del tema, que además no es de los que contiene «featuring».
‘malibU’ ha aparecido en las listas virales de Ecuador, Venezuela, Perú, Chile, Colombia o México. Seguro que, por tanto, será uno de los «highlights» del concierto de ruso en el Movistar Arena el próximo 25 de septiembre. Recientemente, se ha ampliado aforo.
Volviendo a la lista española de singles de la semana, la entrada más fuerte es la del ELECTROLATINO -así, chillado- de ‘No bailes sola’ de Juan Magan con Lucho RK (top 23), seguida de ‘Expectativas’ de Myke Towers (34) y ‘Little Demon’ de Anuel AA (40). La primera tiene opciones de ser una de las canciones del verano, pues estos días está en máximos en Spotify España, e incluso puede ser top 10 oficial.
Os dejamos con algunos de los TikToks más populares de ‘malibU’, uno de ellos, del propio rusowsky.
El próximo 12 de septiembre los herederos de David Bowie ponen a la venta ‘I Can’t Give Everything Away (2002-2016)’. Se trata de la sexta y última entrega de la colección de cajas que recorre toda su carrera desde 1969. Esta vez las cajas tendrán 13 CD’s, 18 LP’s y versión digital, que incluye los álbumes editados en esta época, desde ‘Heathen’ hasta ‘Blackstar’. El material ha sido remasterizado, excepto el EP ‘No Plan’, por Tony Visconti.
Pero por supuesto habrá mucho más: un concierto inédito de 31 canciones en directo desde el Festival de Jazz de Montreus (se interpretó ‘Low’ casi al completo, entre otras muchas cosas); y ‘Re: Call 6’ con 41 pistas inéditas. En este caso serán versiones no pertenecientes a álbumes, tomas alternativas, caras B y canciones de bandas sonoras, incluyendo temas inéditos hasta completar 3 CD y 4 LP por su propia cuenta. El disco se promociona con uno de estos temas: ‘New Killer Star (Sessions @ AOL Live Version, 23/09/03)’, una interpretación en vivo de un tema que estaba en ‘Reality’ (2003).
La caja de 13 CD’s incluye un libro de 128 páginas y la de vinilos un libro de 84 páginas con notas inéditas, dibujos y letras manuscritas de Bowie, además de fotos de Sukita (quien realizó la foto de portada), Jimmy King, Frank W. Ockenfels 3, Markus Klinko, Mark «Blammo» Adams y otros, además de recuerdos, notas técnicas sobre los álbumes del coproductor Tony Visconti y notas de diseño de Jonathan Barnbrook.
En la caja de CD’s, cada álbum reproduce fielmente el arte del vinilo original, y los CD serán dorados en lugar del plateado habitual. La caja de vinilo tiene el mismo contenido que la de CD y está prensada en calidad de audio de vinilos de 180 g, siempre según la información suministrada por Warner.
La serie completa estas cinco cajas anteriores:
DAVID BOWIE 1. FIVE YEARS (1969-1973)
DAVID BOWIE 2. WHO CAN I BE NOW? (1974-1976)
DAVID BOWIE 3. A NEW CAREER IN A NEW TOWN (1977-1982)
DAVID BOWIE 4. LOVING THE ALIEN (1983-1988)
DAVID BOWIE 5. BRILLIANT ADVENTURE (1992-2001).
DAVID BOWIE 6. I CAN’T GIVE EVERYTHING AWAY (2002 – 2016)
En cuanto al tracklist de los 13 CD’s y los 18 LP’s, queda como sigue:
CAJA DE 13CDS Y DIGITAL – TRACKLISTING
HEATHEN
1. Sunday
2. Cactus
3. Slip Away
4. Slow Burn
5. Afraid
6. Iʼve Been Waiting For You
7. I Would Be Your Slave
8. I Took A Trip On A Gemini Spaceship
9. 5:15 The Angels Have Gone
10. Everyone Says ʻHiʼ
11. A Better Future
12. Heathen (The Rays)
MONTREUX JAZZ FESTIVAL
CD1
1. Sunday
2. Life On Mars?
3. Ashes To Ashes
4. Cactus
5. Slip Away
6. China Girl
7. Starman
8. I Would Be Your Slave
9. Ive Been Waiting For You
10. Stay
11. Changes
12. Fashion
13. Fame
14. Im Afraid Of Americans
15. 5:15 The Angels Have Gone
CD2
1. ‟Heroes”
2. Heathen (The Rays)
3. Everyone Says ‟Hi”
4. Hallo Spaceboy
5. Let’s Dance
6. Ziggy Stardust
7. Warszawa
8. Speed Of Life
9. Breaking Glass10. What In The World
11. Sound And Vision
12. Art Decade
13. Always Crashing In The Same Car
14. Be My Wife
15. A New Career In A New Town
16. Subterraneans
REALITY
1. New Killer Star
2. Pablo Picasso
3. Never Get Old
4. The Loneliest Guy
5. Looking For Water
6. She’ll Drive The Big Car
7. Days
8. Fall Dog Bombs The Moon
9. Try Some, Buy Some
10. Reality
11. Bring Me The Disco King
A REALITY TOUR
CD1
1. Rebel Rebel
2. New Killer Star
3. Reality
4. Fame
5. Cactus
6. Sister Midnight
7. Afraid
8. All The Young Dudes
9. Be My Wife
10. China Girl
11. The Loneliest Guy
12. The Man Who Sold The World
13. Fantastic Voyage
14. Hallo Spaceboy
15. Sunday
16. Under Pressure
17. Life On Mars?
18. Battle For Britain (The Letter)
CD2
1. Fall Dog Bombs The Moon
2. Ashes To Ashes
3. The Motel
4. Loving The Alien
5. Breaking Glass
6. Never Get Old
7. Changes
8. I’m Afraid Of Americans
9. ‟Heroes”
10. Bring Me The Disco King
11. Slip Away
12. Heathen (The Rays)
13. Five Years
14. Hang On To Yourself
15. Ziggy Stardust
THE NEXT DAY
1. The Next Day
2. Dirty Boys
3. The Stars (Are Out Tonight)
4. Love Is Lost
5. Where Are We Now?
6. Valentine’s Day
7. If You Can See Me
8. I’d Rather Be High
9. Boss Of Me
10. Dancing Out In Space
11. How Does The Grass Grow?
12. (You Will) Set The World On Fire
13. You Feel So Lonely You Could Die
14. Heat
THE NEXT DAY EXTRA E.P.
1. Atomica
2. Love Is Lost (Hello Steve Reich Mix By James Murphy For The DFA)
3. Plan
4. The Informer
5. I’d Rather Be High (Venetian Mix)
6. Like A Rocket Man
7. Born In A UFO
8. I’ll Take You There
9. God Bless The Girl
10. So She
BLACKSTAR
1. Blackstar
2. ’Tis A Pity She Was A Whore
3. Lazarus
4. Sue (Or In A Season Of Crime)
5. Girl Loves Me
6. Dollar Days
7. I Can’t Give Everything Away
NO PLAN E.P.
1. Lazarus
2. No Plan
3. Killing A Little Time
4. When I Met You
RE:CALL 6
CD1
1. Slow Burn (Single Edit)
2. Wood Jackson
3. When The Boys Come Marching Home
4. Safe
5. Sunday (Moby Remix)
6. A Better Future (Remix By Air)
7. Slip Away (SACD Mix)
8. Slow Burn (SACD Mix)
9. I’ve Been Waiting For You (SACD Mix)
10. 5:15 The Angels Have Gone (SACD Mix)
11. A Better Future (SACD Mix)
12. Safe (SACD Mix)
13. Everyone Says ‘Hi’ (Radio Edit)
CD2
1. Sunday (Tony Visconti Mix)
2. Everyone Says ‘Hi’ (Metro Remix Radio Edit)
3. Heathen (The Rays) (Live In Berlin, 22/09/02)
4. Hop Frog — Lou Reed Featuring David Bowie
5. Saviour — Kristeen Young Featuring David Bowie
6. Isn’t It Evening (The Revolutionary) — Earl Slick Featuring David Bowie
7. Bring Me The Disco King (Loner Mix) — David Bowie Featuring Maynard James Keenan And John Frusciante (Taken From The Underworld Motion Picture Soundtrack)
8. New Killer Star (Radio Edit)
9. Love Missile F1-11
10. Fly
11. Queen Of All The Tarts (Overture)
12. Never Get Old (Single Edit)
13. Waterloo Sunset
14. Rebel Rebel (2003 Re-Record) (Taken From The Charlie’s Angels: Full Throttle Motion Picture Soundtrack)
15. New Killer Star (Sessions @ AOL Live Version, 23/09/03)
CD3
1. Days (Live)
2. 5:15 The Angels Have Gone (Live)
3. Rebel Never Gets Old (Radio Mix)
4. (She Can) Do That — David Bowie With BT (Taken From The Stealth Motion Picture Soundtrack)
5. Life On Mars? (Live At Fashion Rocks, 08/09/05)
6. Wake Up (Live At Fashion Rocks, 08/09/05) — David Bowie With Arcade Fire
7. Five Years (Live At Fashion Rocks, 08/09/05) — David Bowie With Arcade Fire
8. Arnold Layne (Live At The Royal Albert Hall, 29/05/06) — David Gilmour Featuring David Bowie
9. Love Is Lost (Hello Steve Reich Mix By James Murphy For The DFA Edit)
10. Sue (Or In A Season Of Crime) (2014 Version)
11. ’Tis A Pity She Was A Whore (2014 Version)
12. Lazarus (Radio Edit)
13. I Can’t Give Everything Away (Radio Edit)
CAJA DE 18LPS – TRACKLISTING
HEATHEN
Side 1
1. Sunday
2. Cactus
3. Slip Away
4. Slow Burn
5. Afraid
6. I’ve Been Waiting For You
Side 2
1. I Would Be Your Slave
2. I Took A Trip On A Gemini Spaceship
3. 5:15 The Angels Have Gone
4. Everyone Says ʻHiʼ
5. A Better Future
6. Heathen (The Rays)
MONTREUX JAZZ FESTIVAL
Side 1
1. Sunday
2. Life On Mars?
3. Ashes To Ashes
4. Cactus
Side 2
1. Slip Away
2. China Girl
3. Starman
4. I Would Be Your Slave
Side 3
1. I’ve Been Waiting For You
2. Stay
3. Changes
4. Fashion
Side 4
1. Fame
2. I’m Afraid Of Americans
3. 5:15 The Angels Have Gone
4. ‟Heroes”
Side 5
1. Heathen (The Rays)
2. Everyone Says ‟Hi”
3. Hallo Spaceboy
Side 6
1. Letʼs Dance
2. Ziggy Stardust
3. Warszawa
Side 7
1. Speed Of Life
2. Breaking Glass
3. What In The World
4. Sound And Vision
5. Art Decade
Side 8
1. Always Crashing In The Same Car
2. Be My Wife
3. A New Career In A New Town
4. Subterraneans
REALITY
Side 1
1. New Killer Star
2. Pablo Picasso
3. Never Get Old
4. The Loneliest Guy
5. Looking For Water
6. She’ll Drive The Big Car
Side 2
1. Days
2. Fall Dog Bombs The Moon
3. Try Some, Buy Some
4. Reality
5. Bring Me The Disco King
A REALITY TOUR
Side 1
1. Rebel Rebel
2. New Killer Star
3. Reality
4. Fame
5. Cactus
6. Sister Midnight
Side 2
1. Afraid
2. All The Young Dudes
3. Be My Wife
4. China Girl
5. The Loneliest Guy
6. The Man Who Sold The World
7. Fantastic Voyage
Side 3
1. Hallo Spaceboy
2. Sunday
3. Under Pressure
4. Life On Mars?
5. Battle For Britain (The Letter)
Side 4
1. Fall Dog Bombs The Moon
2. Ashes To Ashes
3. The Motel
4. Loving The Alien
5. Breaking Glass
6. Never Get Old
Side 5
1. Changes
2. I’m Afraid Of Americans
3. ‟Heroes”
4. Bring Me The Disco King
Side 6
1. Slip Away
2. Heathen (The Rays)
3. Five Years
4. Hang On To Yourself
5. Ziggy Stardust
THE NEXT DAY
Side 1
1. The Next Day
2. Dirty Boys
3. The Stars (Are Out Tonight)
4. Love Is Lost
Side 2
1. Where Are We Now?
2. Valentine’s Day
3. If You Can See Me
4. I’d Rather Be High
Side 3
1. Boss Of Me
2. Dancing Out In Space
3. How Does The Grass Grow?
4. (You Will) Set The World On Fire
Side 4
1. You Feel So Lonely You Could Die
2. Heat
3. So She
4. Plan
5. I’ll Take You There
THE NEXT DAY EXTRA E.P.
Side 1
1. Atomica
2. Love Is Lost (Hello Steve Reich Mix By James Murphy For The DFA)
3. The Informer
Side 2
1. I’d Rather Be High (Venetian Mix)
2. Like A Rocket Man
3. Born In A UFO
4. God Bless The Girl
BLACKSTAR
Side 1
1.
2. ’Tis A Pity She Was A Whore
3. Lazarus
Side 2
1. Sue (Or In A Season Of Crime)
2. Girl Loves Me
3. Dollar Days
4. I Can’t Give Everything Away
NO PLAN E.P.
Side 1
1. Lazarus
2. No Plan
3. Killing A Little Time
4. When I Met You
Side 2
Etching
RE:CALL 6
Side 1
1. Slow Burn (Single Edit)
2. Wood Jackson
3. When The Boys Come Marching Home
4. Safe
5. Sunday (Moby Remix)
Side 2
1. A Better Future (Remix By Air)
2. Slip Away (SACDMix)
3. Slow Burn (SACD Mix)
4. I’ve Been Waiting For You (SACD Mix)
5. 5:15 The Angels Have Gone (SACD Mix)
Side 3
1. A Better Future (SACD Mix)
2. Safe (SACD Mix)
3. Everyone Says ‘Hi’ (Radio Edit)
4. Sunday (Tony Visconti Mix)
5. Everyone Says ‘Hi’ (Metro Remix Radio Edit)
Side 4
1. Heathen (The Rays) (Live In Berlin, 22/09/02)
2. Hop Frog — Lou Reed Featuring David Bowie
3. Saviour — Kristeen Young Featuring David Bowie
4. Isn’t It Evening (The Revolutionary) — Earl Slick Featuring David Bowie
5. Bring Me The Disco King (Loner Mix) — David Bowie Featuring Maynard James Keenan And John Frusciante (Taken From The Underworld Motion Picture Soundtrack)
Side 5
1. New Killer Star (Radio Edit)
2. Love Missile F1-11
3. Fly
4. Queen Of All The Tarts (Overture)
5. Never Get Old (Single Edit)
6. Waterloo Sunset
Side 6
1. Rebel Rebel (2003 Re-Record) (Taken From The Charlie’s Angels: Full Throttle Motion Picture Soundtrack)
2. New Killer Star (Sessions @ AOL Live Version, 23/09/03)
3. Days (Live)
4. 5:15 The Angels Have Gone (Live)
5. Rebel Never Gets Old (Radio Mix)
6. (She Can) Do That — David Bowie With BT (Taken From The Stealth Motion Picture Soundtrack)
Side 7
1. Life On Mars? (Live At Fashion Rocks, 08/09/05)
2. Wake Up (Live At Fashion Rocks, 08/09/05) — David Bowie With Arcade Fire
3. Five Years (Live At Fashion Rocks, 08/09/05) — David Bowie With Arcade Fire
4. Arnold Layne (Live At The Royal Albert Hall, 29/05/06) — David Gilmour Featuring David Bowie
5. Love Is Lost (Hello Steve Reich Mix By James Murphy For The DFA Edit)
Side 8
1. Sue (Or In A Season Of Crime) (2014 Version)
2. ’Tis A Pity She Was A Whore (2014 Version)
3. Lazarus (Radio Edit)
4. I Can’t Give Everything Away (Radio Edit)
Este jueves 10 de julio comienza Bilbao BBK Live, donde aguardan cabezas de cartel como Kylie Minogue, Pulp, Raye, Kaytranada, Bad Gyal, Amaia, Nathy Peluso y un sinfín de artistas más en uno de los mejores carteles del año del estado. JENESAISPOP, una vez más, medio oficial del evento, recomienda en esta ocasión una serie de artistas de electrónica.
Al margen de BICEP o The Blessed Madonna, que podréis ver en los escenarios principales, BASOA volverá a ser un refugio tipo «rave», un «bosque electrónico» en plena naturaleza, que recuperará su disposición circular. En cuanto a LASAI, supone el compromiso de entregar música por debajo de los 100 BPM, desplegada «para la escucha activa y sin prisa». Estas serán algunas de las propuestas:
Tiga B2B Cora Novoa
El plato fuerte de Basoa este jueves 10 de julio tendrá lugar a partir de las 3 de la madrugada. Será cuando Tiga, autor de discos tan importantes para el electro de los 2000 como ‘Sexor’, vuelva a compartir platos con la productora y DJ gallega Cora Novoa. Ambos se conocieron en un Sónar, para Cora Novoa fue un sueño, pues Turbo Recordings era uno de sus sellos de referencia desde siempre, y además, tuvieron una conexión tan especial que han decidido volver a repetir. El mejor electro y el tech house se darán de la mano una vez más dentro de Basoa.
Verushka de Me siento extraña
Venezolana residente en Caracas, Verushka es una de las dos fundadoras del colectivo Me Siento Extraña. La tan inenarrable como icónica película de visibilidad lésbica (por llamarlo de alguna manera) protagonizada por Bárbara Rey y Rocío Dúrcal da nombre a este proyecto que porta la bandera FLINTA*. Con las siglas en inglés «mujeres, lesbianas, intersex, trans y agénero» han tomado las noches de Barcelona -especialmente los lunes- con unas fiestas inclusives en las que suele dominar el trance y el techno. La sesión de Verushka es igualmente este jueves a las 3 de la madrugada.
Octo Octa y una sorpresa
El viernes a la 1 de la madrugada, justo antes de un «special guest» que no se ha revelado, el plato fuerte de Basoa será Octo Octa. El proyecto de Maya Bouldry-Morrison, que nació en Chicago, lleva publicando discos que han ahondado de diferentes formas en el house, desde principios de la pasada década. ‘Resonant Body’ o el EP ‘For Love’ son algunos de los lanzamientos que la avalan. Uno de los últimos en solitario, en 2023, fue ‘Dreams of a Dancefloor’. Os dejamos con su hitazo de 12 minutos.
El «live» de Promising / Youngster
El sábado 12 en Lasai habrá un «live» a medianoche a cargo de Promising/Youngster, que no es otra cosa que el proyecto del DJ leonés Diego Cadierno. El artista realiza sus directos con instrumentación hardware, construyendo beats que pueden asociarse al IDM y al ambient, pero también al shoegaze y al dream pop. A principios de este 2025 ha subido el EP ‘Flux’ a plataformas.
Roman Flügel, por primera vez
Entre las leyendas entregadas durante décadas a la electrónica, se dejarán caer por Basoa nombres como Ángel Molina (el jueves) o Roman Flügel el sábado. El co-fundador de sellos como Playhouse, Klang Elektronic y Ongaku ha podido recorrer los caminos de la IDM, el trance o el techno, pero lo seguro es que su primera vez en Bilbao BBK Live no estará exenta de alma.
Avalon Emerson, como cierre
La responsabilidad de cerrar Basoa el sábado 12 de julio, es decir, la de cerrar el festival al completo, será de Avalon Emerson. Avalada por escenarios tan variados como Berghain y Coachella, defenderá a capa y espada el house y el techno, como se vio en su DJ Kicks de 2020. Pero que a nadie le sorprenda la aparición de concesiones dream pop, pues su madre estaba obsesionada con Cocteau Twins. Algo que se notó especialmente en su proyecto Avalan Emerson & The Charm. El mencionado DJ Kicks se abría también con una versión de… ¡Magnetic Fields!
Lana del Rey se ha pronunciado públicamente sobre el genocidio en Palestina en su cuenta de Instagram. Tras compartir un mensaje de apoyo a los afectados por las inundaciones de Texas, cuyo número de víctimas ya asciende hasta los 119 muertos, muchos fans se han preguntado por qué la cantante no había abordado el tema de Gaza.
Igual que otras celebridades, como Shakira o Billie Eilish, Lana rindió tributo a las víctimas de las terribles inundaciones que han sucedido en Texas esta última semana. Así, muchos comentarios se preguntaban por qué la cantante no había hablado todavía sobre la crisis humanitaria en Gaza: «Y sí, por supuesto que rezamos todos los días por Palestina», escribió Lana en el texto de la publicación.
«Deseo la paz entre todas las naciones y estoy al día en las noticias sobre el conflicto Israel-Palestina. Tenía mucha esperanza cuando estábamos cerca de un tratado de paz. Y ese ha sido mi mayor deseo a medida que he ido viendo las noticias desenvolviéndose desde la distancia», asegura la cantante.
Hablando más concretamente del hecho de no haber hablado antes públicamente sobre ello, Lana desvela su «verdad personal»: «Nunca hay una manera correcta de decir las cosas y que haga feliz a todo el mundo. Este es un conflicto que lleva mucho tiempo activo y uno que he estudiado mucho para poder entenderlo».
Finalmente, apunta que este «es un tema presente en muchas de mis conversaciones diarias y estamos considerando todo el tiempo lo que podemos hacer para contribuir en este tipo de situaciones». Lana despide el comunicado como solo ella sabe: «Siempre lo he hecho así», sentencia.
El impacto de un macroconcierto en la economía de una ciudad, o incluso un país, no es ninguna broma. Si el artista es Bad Bunny y el número de conciertos es de 30, los datos son impresionantes. Así lo ha adelantado hoy el alcalde de San Juan, Miguel Romero, según informa EFE. Se estima que el impacto económico de la residencia de Bad Bunny en el país será de 377 millones de dólares y de alrededor de 3.600 empleos nuevos.
La residencia ‘No Me Quiero Ir De Aquí’ en el Choli, que empieza este 11 de julio y durará hasta el 14 de septiembre, es el preámbulo de la gira mundial del puertorriqueño. Aunque inicialmente se anunciaron 21 conciertos, la demanda hizo que se extendiesen hasta las 30 fechas, vendiendo 400.000 entradas en cuatro horas.
Resulta que esta serie de conciertos coincide con la temporada baja de turismo de Puerto Rico, siendo justamente entre julio y septiembre, por lo que el alcalde de San Juan vaticina un gran resultado: «La residencia va a traer un flujo de personas a Puerto Rico que va a tener un impacto en la economía de toda la isla, en especial la ciudad capital», ha contado en una rueda de prensa.
Romero ha detallado que más del 80% de la actividad económica derivada de los conciertos se dará en San Juan, por lo que el impacto de la residencia en la capital estará alrededor de los 302 millones de dólares. También aclara que se han aumentado las medidas de seguridad, tránsito y limpieza en los lugares más turísticos, ya que el evento se celebrará durante 11 fines de semana seguidos.
Drake ha vuelto. Después de una serie de desconcertantes lanzamientos (la horrible ‘Wah Gwan Delilah’) y de algún que otro hit (‘NOKIA’, ‘DIE TRYING’…), el gigante canadiense parece haberse recuperado totalmente de su batalla contra Kendrick Lamar. ‘What Did I Miss’ es un ejemplo perfecto del Drake que amamos, aunque decida utilizar la misma fórmula de siempre.
«Me importa una mierda si me odias y me importa una mierda si me amas», rapea Drake en la primera línea marcando el tono de toda la canción. Esta se trata de un ajuste de cuentas a quienes le dieron la espalda durante el beef con Lamar. Por ejemplo, Lebron James: «Vi que el colega fue a Pop Out con ellos, pero ha estado lamiendo culos desde ‘Headlines'», suelta el canadiense.
¿Por qué funciona ‘What Did I Miss?’? Es un tema dinámico, el beat no es aburrido y, sobre todo, Drake está centrado en la letra. No hay un ápice de cringe en esta canción y, aunque parezca mentira, era algo bastante frecuente en los últimos lanzamientos del canadiense (¿Recordáis ‘MEET YOUR PADRE’?). Incluye un cambio de beat, lo cual llegados a este punto ya es un cliché de Drake, pero al menos esta vez la manida fórmula sí funciona.
Además, como primer single del próximo disco del canadiense, realmente consigue despertar un poco el hype. Hace unos meses, esto era impensable. Todavía no tiene fecha de salida, pero sí sabemos que el próximo LP del canadiense se titula ‘Iceman’. Parece mentira que hace poco este estuviese hablando de retirarse. Todavía queda Drake para rato.
‘Lotus’ es un disco que Little Simz necesitaba hacer. Es un punto de inflexión en su carrera, ya que es el primero que prescinde de los servicios de su ex productor de confianza y amigo de la infancia, Inflo, también productor de Adele y líder de SAULT, y al que acusa de deberle un préstamo de 1,7 millones de libras. Según la artista, un millón de esa suma se destinó a financiar el exuberante primer concierto de SAULT, celebrado en Londres en 2023. La deuda aparentemente dejó a Simbiatu Ajikawo sin poder cubrir sus impuestos en enero de 2024.
Varios temas de ‘Lotus’ se dirigen a Inflo de manera muy evidente. El tema de apertura, ‘Thief’ (nada más que añadir), retrata a un «lobo con piel de cordero». Es un tema peleón, como también lo es el primer single, ‘Flood‘, que clama: «No soy la típica persona que abusa de su poder». Conviene recordar, en ‘NO THANK YOU‘ (2022), Little Simz ya hablaba de afrontar problemas económicos. En ‘No Merci’, rapeaba: «todo el mundo hace dinero con mi nombre / la ironía es que soy la única que no está recibiendo nada».
Los problemas económicos de Little Simz se entrelazan con otras preocupaciones -familiares, sociales- en un disco cargado de ira, decepción y resentimiento (‘Hollow’) pero también de reivindicación del poder propio («No soy a la que debes poner a prueba, no tolero la falta de respeto», rapea en ‘Enough’). Little Simz ha afirmado que el contenido de ‘Lotus’ se parece al de su diario y se nota tanto en los mejores momentos del disco como en los más cuestionables.
La gama de sentimientos de ‘Lotus’ vuelve a ser rica y compleja, y también vuelve a serlo su propuesta musical. Simbiatu recurre a las guitarras post-punk en cortes como ‘Thief’ y la producción jazz-rock de ‘Young’, que incluye la frase «no quiero ir a la cárcel», contrasta con su melodía infantil. Sin embargo, Little Simz no renuncia en absoluto al sonido de Inflo. Esta vez lo recrea junto al productor Miles Clinton James en los románticos arreglos de cuerda de ‘Free’ -sobre el poder del amor- o ‘Hollow’. ‘Only’ es una bossa agraciada con la voz de Lydia Kitto, vocalista de Jungle.
Little Simz suena como pez en el agua rapeando, asertiva y tranquila, sobre bellos arreglos orquestales que evocan el soul de los 60, pero eso el mundo ya lo sabía. En ese sentido, ‘Lotus’ no es tanto un golpe sobre la mesa como una reafirmación de las capacidades de la rapera británica. Las canciones funcionan a modo de diario y las colaboraciones de Moses Sumney, Michael Kiwanuka, Obongjayar o Sampha se ajustan a lo esperado. Los diferentes fondos musicales del disco (retro-soul en ‘Lotus’, funk en ‘Lion’, folk en ‘Peace’) brindan un espacio cómodo y seguro a Little Simz para purgar sus ansiedades.
Sin embargo, la desnudez de ‘Lotus’ habría agradecido algún filtro en pistas como ‘Blood’, que expone el distanciamiento entre Little Simz y su hermano en una composición que parece más una conversación que debería haberse mantenido en privado, que una canción a la que volver. ‘Lonely’ transmite una sensación parecida: Simbiatu, rompiendo la cuarta pared, expone la soledad que ha sentido escribiendo un disco que ha empezado y desechado hasta en cuatro ocasiones. Es una pieza sincera y vulnerable, pero parece sobre todo material que desarrollar en una entrevista.
A pesar del esmero en la producción y la sensibilidad de las letras, ‘Lotus’ se percibe más como un disco de transición en la carrera de Little Simz, un trabajo que la rapera necesitaba sacarse de encima antes de dar el siguiente paso. Sin embargo, sabemos que la autora de ‘Sometimes I Might Be Introvert‘ -ganador del Mercury Prize en 2022- es capaz de ofrecer golpes mucho más contundentes.
‘KPop Demon Hunters‘ es el nuevo éxito cinematográfico de Netflix. Se trata de un musical animado sobre un grupo de K-pop, HUNTR/X, que canta durante el día y, por la noche, caza demonios. Su rival es el grupo musical Saja Boys, compuesto por tres demonios encubiertos.
El grupo femenino está formado por Rumi, representada visualmente por Arden Cho y cuya voz cantada es de EJAE; Mira, que tiene la apariencia de May Hong y la voz de Audrey Nuna; y Zoey, representada físicamente por Ji-young Yoo, con la voz de Rei Ami.
Tanto la película de ‘KPop Demon Hunters’ como su banda sonora se estrenaron el pasado 20 de junio y no han dejado de escalar posiciones en las listas. En Netflix, la película lleva desde su estreno dentro del top 10 de producciones más vistas.
En Spotify, 7 de los 12 temas que componen la banda sonora figuran en el top 50 global: ‘Golden’ de HUNTR/X está en el puesto 2 y ‘Your Idol’, de Saja Boys, en el 4. En Estados Unidos, el álbum acaba de subir hasta el tercer puesto entre los más exitosos del país, solo superado por Morgan Wallen y el nuevo lanzamiento de Lorde. En España, el disco ha ascendido del puesto 34 al 17 en su segunda semana en lista.
El tema principal de ‘KPop Demon Hunters’ es ‘Takedown’, de la popular banda de K-pop TWICE (que es real, no ficticia). TWICE aportan al repertorio también su single de 2024 ‘Strategy’. Entre las canciones «interpretadas» por los personajes de la película destacan la urbana ‘How It’s Done’ de HUNTR/X, que también canta la ochentera ‘Golden’, y la burbujeante ‘Soda Pop’ de Saja Boys.
Dirigida por Maggie Kang y animada por Chris Appelhans, ‘KPop Demon Hunters’ promete ser uno de los éxitos pop de la temporada.
Ethel Cain ha lanzado estos días el segundo single de su próximo disco, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You‘, un tema de 6 minutos llamado ‘Fuck Me Eyes’ que se conoce desde 2020 en su versión primigenia. ‘Fuck Me Eyes’ será la pista 3 dentro de un álbum de 10 pistas que incluye un «interludio» de más de 7 minutos y las versiones definitivas de dos demos muy queridas por el fandom de Ethel Cain, ‘Dust Bowl’ y ‘Waco, Texas’; esta última con una duración de 15 minutos.
1 – Janie – 5:00
2 – Willoughby’s Theme – 4:44
3 – Fuck Me Eyes – 6:04
4 – Nettles – 8:03
5 – Willoughby’s Interlude – 7:27
6 – Dust Bowl – 6:26
7 – A Knock at the Door – 5:24
8 – Radio Towers – 5:12
9 – Tempest – 10:00
10 – Waco, Texas – 15:15
‘Fuck Me Eyes’ no se titula así porque a un irlandés le haya caído líquido en los ojos, sino porque retrata unos ojos llenos de deseo, que no son los de Ethel Cain, sino los de una compañera de clase que pasa ratos al lado de Willoughby Tucker, protagonista del disco. Holly Reddick es una chica sexualizada por su entorno que va «de la iglesia directa a la discoteca» pero a la que nadie quiere amar.
La frase “They all wanna take her out / But no one ever wants to take her home» remite a la de «She’s got Bette Davis Eyes, she’ll let you take her home” y tiene sentido porque Ethel Cain ha afirmado que ‘Fuck Me Eyes’ es una canción inspirada en el éxito de Kim Carnes de 1981. De hecho, Cain ha versionado ‘Bette Davis Eyes’ en sus conciertos más recientes.
La inspiración ochentera de ‘Fuck Me Eyes’ se evidencia en la propuesta musical, ya que ‘Fuck Me Eyes’ es una balada synth-pop similar a las que escribía Ethel Cain en sus inicios. El country-folk de ‘Nettles‘ da aquí paso a unas melodías de sintetizador que suenan celestiales y más grandes que la vida.
En las últimas semanas no han sido pocos los artistas que han comunicado la cancelación de sus actuaciones confirmadas en festivales como Sónar o FIB, en protesta por sus vínculos con Superstruct Entertainment, una empresa controlada por el fondo de inversión KKR. La más reciente en sumarse a esta ola de cancelaciones ha sido Judeline, quien ha decidido no actuar en el FIB.
Sin embargo, ninguno de los artistas que han tomado esta decisión probablemente tengan el peso mediático de Residente. El rapero puertorriqueño ha cancelado sus presentaciones en el FIB de Benicàssim y el festival Morriña de A Coruña por los vínculos de ambos eventos con KKR. Dice que no «puede participar en ningún evento que contribuya a un genocidio, aunque sea indirectamente».
«Resulta que dos de los festivales en los que tenía previsto presentarme en España -el Festival Internacional de Benicàssim (FIB) y el Morriña Festival- están vinculados de forma indirecta a un fondo de inversión estadounidense llamado KKR», expresa Residente, que asegura haber verificado la información junto a amigos periodistas. «Este fondo invierte y respalda financieramente a empresas israelíes involucradas en tecnología militar, sistemas de vigilancia y espionaje, además de financiar proyectos inmobiliarios en asentamientos ilegales dentro de territorios palestinos ocupados, contribuyendo así, de forma indirecta, al genocidio y a violaciones sistemáticas de los derechos humanos contra el pueblo palestino».
«Quiero declarar públicamente que no puedo participar -ni por un segundo- en nada que esté conectado con esta tragedia, por más indirecta que sea esa conexión», declara. «Con todo el respeto, y ofreciendo mis más sinceras disculpas a todas las personas que compraron entradas para verme, anuncio oficialmente que no me presentaré en estos festivales».
El artista concluye: «No sé si esta decisión tendrá consecuencias legales para mí, pero, honestamente, no me importa. Mi postura al respecto es clara; siempre lo ha sido y siempre lo será».
Los Chivatos han publicado una de nuestras canciones favoritas esta primavera, ‘Tron’. Alcalá Norte ya se encuentran entre sus máximos seguidores. Fichados por Mushroom Pillow, el underground ya está pendiente de cuáles serán sus próximos pasos. Entretanto, su cantante, Marto, es el invitado de nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, en la que cada artista escoge hablar de su pasión oculta. Si Carolina Durante hablaron de bares y gentrificación, y PUTOCHINOMARICÓN de Charli XCX, Marto ha escogido hablar de grafiti. La conversación es muy enriquecedora.
¿Por qué has elegido hablar de graffiti en esta sección?
Es algo que siempre me ha fascinado desde pequeño y que a día de hoy sigo disfrutando, tanto yendo a pintar con algún amigo como viéndolo cuando voy de viaje a otra ciudad. Me gusta cuando veo el de un amigo desde el tren o el autobús, sobre todo cuando estoy lejos de casa y me encuentro uno. Me gusta cómo tiene su propio lenguaje y sus reglas, dentro de que luego decidas saltarte algunas de ellas. Entiendo como grafiti lo que empezó en Estados Unidos en los años 60 y 70, coincidiendo con el nacimiento del hip hop. No soy ningún experto, pero lo que sí que tengo claro es que el grafiti solo puede ser ilegal, y desde el primer momento en el que este se hace con permisos o se introduce en alguna galería, deja de serlo y pasa a ser otra cosa; ya sea grafiti-mural, street art o como se le quiera llamar. El grafiti puede ser espantoso y estar en el lugar más inoportuno del mundo, pero no es la calidad ni la temática lo que le da el estatus de grafiti.
¿Cómo llegaste a él? ¿Tienes artistas favoritos?
Desde muy pequeño tengo recuerdo de ir por mi pueblo en Eibar y ver los grafitis de La Puta Peste, que fue la primera crew que hubo aquí. Me acuerdo de ir con mis amigos siendo unos mocos y alucinar con los tags y las piezas que tenían por todo el pueblo y cómo iban apareciendo por diferentes partes de la ciudad. Otro de mis primeros recuerdos con el grafiti son en Estella, el pueblo de mi abuela. Solía ir con mi hermano a la piscina en verano y nos solíamos meter por un pasadizo que había de camino que estaba a reventar de grafitis. Me acuerdo todavía muy bien de muchos de ellos, había unos con conexiones y entrelazados que me explotaban la cabeza y no me cabía comprender cómo se podía llegar a hacer algo así. Mi artista favorito desde pequeño siempre fue Zener, que era de la crew que antes he comentado. He tenido la gran suerte de haberle conocido ya de mayor y a día de hoy suelo ir a pintar con él y con otro amigo.
¿Tienes grafiti favorito en algún lugar del mundo? ¿Has hecho turismo para ver alguno, algún mural o algo así? ¿A qué ciudad?
Me considero bastante profano dentro del grafiti a pesar de que me gusta mucho, pero no tengo el nivel de conocimiento que sí que tienen otros amigos que controlan mucho más de los estilos y artistas de cada país. Sí que dentro de España me gusta mucho el estilo que tienen en Madrid, en concreto en Alcorcón. Del resto de países me llama mucho la atención el estilo ignorante que tienen en los países soviéticos.
«El grafiti puede ser espantoso y estar en el lugar más inoportuno del mundo, pero no es la calidad ni la temática lo que le da el estatus de grafiti»
¿Qué opinas a día de hoy de Banksy? ¿Qué opinas de los museos que se han abierto en su honor?
No tengo una opinión muy formada, pero sí que tengo escuchado varios gestos bastante feos que ha tenido con algunas piezas antiguas de escritores famosos, en concreto una donde pintó por encima de una pieza de un grafitero mítico del Reino Unido ya fallecido. Personalmente no me interesa ese tipo de grafitis y no les veo interés. Sobre lo de los museos creo que es una manera de sacarle beneficio económico a la popularidad que ha tenido, pero a costa de quitarle legitimidad a su obra.
En el museo de Banksy de Madrid se pincha Massive Attack, jugando con la broma de que Banksy sea uno de sus miembros. ¿Qué opinas sobre el misterio en torno a su identidad? ¿Es importante o es secundario?
Me parece que forma parte del marketing que tiene todo ese rollo de su misterio. A mí personalmente hace ya tiempo que me aburre bastante su obra, ya que me parece que lleva haciendo lo mismo desde el principio y que se ha quedado en diseños originales para camisetas o ilustraciones para artículos de periódico.
¿De qué manera crees que el grafiti ha sido decisivo en el desarrollo de la cultura pop?
Creo que ha sido fundamental, más que el grafiti, la cultura hip-hop en general. Los escritores de grafiti, así como los b-boys/b-girls, mcs y djs vestían de una manera determinada, y el sistema enseguida se apropió tanto de su estética como del grafiti a la hora de vender ese tipo de prendas. Es bastante representativo el momento en el que el grupo RUN DMC empezó a vestir con las Adidas sin cordones, sombreros, chaquetas y vaqueros o con chándales. Se dice que fueron los primeros en introducir una manera de vestir más identificable con como solían vestir los chavales de esa época por ejemplo. Su logo también se usa muchísimo para poner diferentes mensajes con ese mismo sistema de 6 letras, como por ejemplo el de FCK NZS.
El grafiti ha inspirado portadas de discos, videoclips, letras… ¿algún ejemplo que te haya gustado?
La verdad es que no te sé decir ninguna ahora mismo. Sí que hay raperos que hacen grafiti y casi todas sus letras giran en torno a eso, de cuando salen a pintar, de los metros que han pintado, de sitios famosos donde se pinta normalmente. Victor Rutty, por ejemplo, aparte de ser rapero es muy conocido también en el mundo del grafiti.
¿Y en cuanto a pelis o series? ¿Alguno que te haya impactado?
La película más famosa sobre grafiti es ‘Style Wars’, un documental de 1983 donde se ve cómo era el grafiti en Nueva York en esa época. Hacen entrevistas a grafiteros, pero también a sus madres, a la policía y a gente de la calle que no tiene nada que ver. Explica cómo nació y cómo fue evolucionando en poco tiempo y cómo ya entonces había una cantidad increíble de estilos diferentes y una calidad altísima.
¿El grafiti ha nutrido de alguna manera el trabajo que hacéis en Los Chivatos? ¿Tiene algo que ver con la portada de ‘Tron’?
Del grupo yo soy el único al que le gusta y la verdad es que tampoco considero que haya influido de ninguna manera en las letras. Es un mundillo que me atrae mucho y me gusta ir de vez en cuando a pintar a sitios tranquilos, no soy lo que se dice un tipo de acción la verdad y no tengo ese gustillo por la adrenalina tan característico de los grafiteros. En cuanto a la portada de ‘tron’ sí que la ha hecho alguien que está metido en el grafiti de lleno y hace cosas de un nivel que muy pocos artistas, ya no solo del grafiti, sino del mundo del arte en general sean capaces de alcanzar. @juninnho.tatu en instagram, por si alguno quiere echar un vistazo.
Si hubiera un grafiti sobre un tema de Los Chivatos, ¿cuál sería?
No sé, supongo que con ‘Citroen AX’ se podrían dibujar el coche.
The Rapture ha confirmado una gira por Europa y América del Norte que incluirá una actuación en España a finales de noviembre. La banda neoyorquina, autora de la enorme ‘How Deep Is Your Love’, se presentará el próximo 23 de noviembre en la Sala 2 de Razzmatazz, en Barcelona.
Será la primera vez desde 2012 que The Rapture actúe en Barcelona. Aunque el grupo ofreció varios conciertos de reunión entre 2019 y 2020, después de separarse en 2014, esta gira se promociona como la primera oficial en 15 años.
Las entradas estarán a la venta en Fever a partir del 11 de julio a las 10 horas a un precio de 30 euros + gastos de distribución. La entrada está disponible con un 10% de descuento en Fever solo para clientes de Revolut. Os recordamos que podéis comprar las entradas para los conciertos de Primavera Tours con el Bono Cultural Joven del Ministerio de Cultura.
PRIDE! BCN está anunciando los primeros nombres de su programación musical, que tendrá lugar en diferentes puntos de Barcelona del 17 al 19 de julio.
Mónica Naranjo es la gran confirmación del 19 de julio. Cantará en el Passeig Lluís Companys, después de la manifestación, en un mismo lineup que incluye a Nebulossa, Chanel y Edurne. Sharonne será la presentadora de los conciertos tanto del 18 como del 19 de julio en Passeig Lluís Companys. En Plaça Universitat actuarán ese día Maria Hein, Rocío Saiz y la drag queen Lady Red Velvet.
El 18 de julio, también en Passeig Lluís Companys, se presentarán Melody, Samantha Hudson, cuyo discurso en el Orgullo de Madrid tanto se está comentando; Belén Aguilera, DeTeresa, Tommy Cash, Carla Frigo y K!NGDOM. Además, en Plaça Universitat, durante esa misma jornada, SVSTO, Bajocero X y Jimena Amarillo presentarán sus últimos discos, y actuará la drag queen Pitita, ganadora de Drag Race España.
El 17 de julio están confirmados en Plaça Universitat los conciertos de Anier, FADES y La Patrick y el pregón de Àngel Llàcer. Próximamente actualizaremos la noticia con más confirmaciones.
El programa de PRIDE! BCN incluye también una variada agenda de actividades sociales y culturales que comienzan hoy, 7 de julio, con exposiciones, talleres, proyecciones, encuentros y fiestas.
De premio Nobel a premio Nobel. Hace cien años, Thomas Mann publicaba su obra magna: ‘La montaña mágica’ (recomendable la nueva traducción de Isabel García Adánez). Cien años después, Olga Tokarczuk publica ‘Tierra de empusas’ (Anagrama), una fabulosa novela que dialoga con el libro del escritor alemán y lo confronta a través de una mirada feminista y contemporánea.
La escritora polaca (‘Los errantes’, ‘Los libros de Jacob’) sitúa su novela en 1913, en el sanatorio para tuberculosos de Görbensdof, en las montañas de los Sudetes. Hasta allí llegará el protagonista de la novela, un tímido estudiante de ingeniería. Durante su estancia conocerá a otros enfermos, con los que trabará amistad. Entre toses y sorbos de alcohol, discutirán, divagarán y pontificarán sobre cuestiones de todo tipo, en particular sobre las mujeres, siempre desde una posición de superioridad. Tokarczuk transforma la “montaña mágica” en una “tierra de empusas” (en la mitología griega, demonios femeninos que devoraban a los hombres), donde cuestiona los valores del viejo orden y los subvierte en un final sorprendente y catártico. 8,7.
Crisálida (Fernando Navarro)
Fernando Navarro es autor de algunos de los mejores guiones del cine español reciente: ‘Verónica’ (2017), ‘Segundo premio’ (2024) y el enormemente desaprovechado ‘Orígenes secretos’ (2020) (que bien merecería un remake). Tras su debut literario con el libro de relatos ‘Malaventura’ (2022), el autor granadino presenta su primera novela, la excelente ‘Crisálida’ (Impedimenta).
Lo más sorprendente de este libro, tratándose de un guionista, es que no se trata de una novela “cinematográfica”. Al contrario: lo más interesante de ‘Crisálida’ es su uso del lenguaje, de la voz narrativa -en primera persona y llena de modismos “granainos”- de su protagonista, una preadolescente llevada por su padre, un hippy trasnochado, a vivir en pleno bosque, en algún lugar entre las Alpujarras y Sierra Nevada, junto a su atribulada madre y sus cuatro “hermanicos”. Mezcla de folk horror lisérgico, crudo drama familiar e historia de aprendizaje y supervivencia, la novela funciona de maravilla como fábula siniestra: un cuento gótico, desgarrado, misterioso y poético sobre la infancia perdida. 8.
Imposible decir adiós (Han Kang)
Otra premio Nobel. La última novela de la coreana Han Kang (conocida por la recientemente reeditada ‘La vegetariana’) es una nueva demostración de la increíble capacidad de esta escritora para tratar temas extremadamente duros (en esta ocasión la traumática masacre de Jeju de 1948 y otros episodios de violencia ocurridos en la región de Gyeongsang) con una prosa delicada, poética y sofisticada, y una mirada humanista y compleja, sin caer nunca en la sensiblería o lo escabroso.
En ‘Imposible decir adiós’ (Random House), Han Kang ofrece una meditación íntima sobre la pérdida, la memoria y los lazos invisibles que conectan a las personas a través del tiempo. La novela parte de una situación de duelo, para desplegar una narración polifónica y fragmentaria, donde el pasado y el presente se entrelazan constantemente. La nieve se convierte en un recurso central que conecta generaciones y estados de ánimo. Sus bellísimas descripciones convierten al fenómeno atmosférico en un motivo casi espiritual. En la segunda parte, lo real se quiebra. No queda claro si los personajes están soñando, son espíritus, están muertos… Pero esa ambigüedad potencia la dimensión emocional del relato: el intento desesperado de comprender, de asimilar, de decir adiós cuando decir adiós parece imposible. 8,6.
Los náufragos del Wager (David Grann)
Con apenas dos novelas previas, ‘Z, la ciudad perdida’ (2010) y ‘Los asesinos de la luna’ (2019), David Grann se ha consolidado como uno de los más reconocidos escritores de narrativa de no ficción en la actualidad. A este reconocimiento han contribuido las adaptaciones cinematográficas de sus obras, en particular la reciente película dirigida por Martin Scorsese. Con su nuevo libro, ‘Los náufragos del Wager’ (Random House), la historia vuelve a repetirse: éxito de crítica y público, y futura adaptación al cine a cargo, nuevamente, de Scorsese y Leonardo DiCaprio, quienes han adquirido los derechos de la obra.
‘Los náufragos del Wager’ narra la increíble odisea de los tripulantes del buque británico HMS Wager, naufragado en las costas de la Patagonia en 1741. Grann reconstruye magistralmente esta terrible historia de supervivencia, motines y asesinatos, combinando una meticulosa labor de documentación con una prosa vibrante, de una potencia narrativa extraordinaria. El resultado es una absorbente mezcla de relato de aventuras marítimas, narración de la feroz lucha hobbesiana por sobrevivir en condiciones extremas y crónica de un juicio de gran repercusión, cargado de implicaciones morales. 7,9.
De fuego cercada (Servando Rocha)
Servando Rocha, conocido por su heterodoxa y provocadora labor editorial y ensayística (basta echar un vistazo al catálogo de La Felguera para ver que me quedo corto con esos adjetivos) y por su imprescindible pódcast ‘Brutalistas’ (realizado junto a David Bizarro), es el autor de uno de los “libros de viajes” más singulares que podrás leer este verano.
‘De fuego cercada’ (Alianza) funciona como una especie de contraguía de Madrid: una invitación a explorar la ciudad desde otro ángulo, con otra mirada; a (di)vagar para descubrir lo que se oculta en sus rincones, lo que está presente pero nos resulta ausente simplemente porque no sabemos mirar. Con las instrucciones del psicogeógrafo Iain Sinclair en la mochila, Rocha parte de la Puerta del Sol y avanza en línea recta hacia el norte, hacia los límites de la ciudad (si es que existen). Paso a paso, como un flâneur moderno, va trazando un mapa histórico y emocional del Madrid oculto, extraño, bohemio, insurgente… Un trekking literario para hacer sin GPS, lleno de curiosidades, reflexiones y (asombrosas) revelaciones. 8,3.
Orbital (Samantha Harvey)
La reciente ganadora del Premio Booker apenas es conocida en España. No se ha publicado ninguna de sus novelas, solo el ensayo sobre el insomnio ‘Un malestar indefinido’ (Anagrama, 2022). El prestigioso galardón ha propiciado que la quinta novela de Samantha Harvey se traduzca al español.
‘Orbital’ (Anagrama) narra 24 horas en la vida de seis astronautas a bordo de la Estación Espacial Internacional. En ese breve lapso, y a través de sus pensamientos y recuerdos, la autora compone un retrato coral profundamente humano, que mezcla la rutina diaria de los astronautas con la sobrecogedora realidad de estar orbitando en la inmensidad del espacio con la Tierra a la vista. Harvey despoja a sus personajes del aura de superhéroes de ciencia ficción para presentarlos como lo que son: personas complejas, con miedos, nostalgias, anhelos e inseguridades. Esa vulnerabilidad los acerca al lector y despierta una curiosidad genuina por sus dilemas existenciales y reflexiones más personales. ‘Orbital’ es una novela de pensamiento más que de trama, que invita a contemplar un escenario tan arraigado en el imaginario popular como el espacio desde una perspectiva íntima y humana. 7,8.
La magia del silencio (Florian Illies)
Recién concluida la gran exposición que el Metropolitan de Nueva York ha dedicado a Caspar David Friedrich con motivo del 250 aniversario de su nacimiento, llega a España el estupendo ensayo ‘La magia del silencio’ (Salamandra): un exhaustivo repaso a la vida y obra del gran pintor del Romanticismo alemán, cuya influencia ha marcado profundamente la estética del siglo XX (de Walt Disney a Rilke) y sigue impregnando la del XXI (basta con ver el ‘Nosferatu’ de Robert Eggers).
Estructurado a modo de collage, el historiador del arte Florian Illies combina todo tipo de elementos -datos biográficos, anécdotas, citas, reflexiones, impresiones personales-, expuestos de forma orgánica y elegante, con un claro afán divulgativo. El resultado es una lectura enormemente amena y didáctica. Este recorrido le sirve también al autor para trazar, en paralelo, la historia de Alemania durante los últimos 250 años, en particular la de Dresde, ciudad en la que residió el pintor y cuya exuberante naturaleza tanto lo inspiró para componer sus evocadores e inmortales paisajes. 7,5.
La picadura de abeja (Paul Murray)
Tragedia, humor y ternura. Esos son los tres ingredientes que ha mezclado el irlandés Paul Murray en su espléndida ‘La picadura de abeja’ (Anagrama). La novela se adentra en el núcleo de una familia de clase media precarizada (post 2008), marcada por los secretos, los silencios y los pequeños dramas cotidianos. A través de las diferentes (y distintivas) voces de sus cuatro miembros, la narración va componiendo un retrato de un hogar donde cada personaje carga con sus propios temores, traumas y heridas. Lo más notable es la manera en que el libro logra equilibrar el relato presente con las evocaciones del pasado, especialmente las infancias y adolescencias de los padres, cuyas experiencias terminan condicionando gran parte de los conflictos actuales.
Muy entretenida y ágil en su lectura, la novela no deja respiro, tanto para lo trágico como para lo cómico: siempre está ocurriéndole algo a algún miembro de la familia, lo que mantiene el interés constante. Hay una atención minuciosa a lo que sienten los personajes en cada momento. El autor construye así una historia emocionalmente rica, que combina tensiones familiares, secretos largamente guardados y una mirada empática a la complejidad de los vínculos afectivos. 8.
El romántico (William Boyd)
El novelista (‘Las aventuras de un hombre cualquiera’, ‘Suave caricia’) y guionista (‘Chaplin’, ‘Un buen hombre en África’) William Boyd se ha consolidado como un especialista en un tipo particular de narrativa que él mismo define como “novelas de toda una vida”. Se trata de extensos relatos en los que el lector acompaña al protagonista desde su nacimiento hasta su muerte.
‘El romántico’ (Alfaguara) narra la vida de Cashel Greville Ross, un escocés nacido en 1799 que, imbuido del espíritu del Romanticismo, recorre el siglo XIX: desde la batalla de Waterloo hasta la búsqueda de las fuentes del Nilo, pasando por la Italia de los Shelley y Lord Byron. Gracias a las extraordinarias dotes narrativas de Boyd, su novela se convierte en una placentera escapada literaria de quinientas páginas, llena de personajes, escenarios y situaciones construidos con enorme solidez y verosimilitud. Un delicioso viaje al pasado que el autor vincula con nuestro presente, marcado por continuas revoluciones tecnológicas y crecientes tensiones sociales. 7.
Ejercicios de observación (Nicolas Nova)
El verano es tiempo de cuadernos de vacaciones. ‘Ejercicios de observación’, editado con el esmero que caracteriza a la editorial Menguantes (han ganado dos premios nacionales a la mejor edición) no es exactamente ese tipo de cuaderno, pero resulta perfecto para las vacaciones estivales. El antropólogo Nicolas Nova, profesor en la Universidad de Artes y Diseño de Ginebra, invita al lector a despegar la nariz de la pantalla del móvil (esto lo digo yo) y “practicar el arte de observar”.
En un mundo saturado de estímulos, donde mantener la atención en algo durante más de dos minutos parece una heroicidad, este libro propone una tarea que casi podríamos calificar de gesto poético revolucionario: 19 ejercicios para entrenar y masajear la atención perceptiva, para mirar (y escuchar y oler) detalladamente el entorno como un antropólogo de lo cotidiano. Basándose en métodos de las ciencias observacionales y en prácticas artísticas dadaístas u oulipianas, el autor, recientemente fallecido, combina erudición y espíritu lúdico con el objetivo de “cambiar tu forma de percibir el mundo”. 8.
Kesha ha encontrado la felicidad en la independencia, en la autoedición, en la autosuficiencia. Como mínimo, en lo musical. Es el paso lógico tras haberse sentido durante toda su carrera en una cárcel, en concreto la de Kemosabe, el sello de Dr. Luke. Aparcado el litigio, ‘.’, que se lee «Period» (todos los títulos de este álbum suman un «y punto» al final), es el primer lanzamiento de Kesha Records.
Solo esta circunstancia explica cómo un disco de pop puede empezar con un tema llamado ‘FREEDOM.’ que pasa de ser new age o ambient a góspel, con trazos de piano house, sonido Madchester y recuerdos de ‘Sister Act’. «Solo bebo cuando estoy contenta, y ahora mismo estoy borracha», explica en esta composición, para más señas. Y solo esta gran dosis de libertad puede explicar que este disco continúe de manera tan loca como lo hace.
Si ‘FREEDOM.’ se presupone un puente entre el álbum anterior, más introspectivo, y «Period», lo que escuchamos a continuación solo nos lo podría ofrecer Kesha: un single con un sample de polka (‘JOYRIDE.‘), seguido de otro que no me atrevo a calificar como «country», por mucho que ella pasara su infancia en Nashville. ‘YIPPEE-KI-YAY.‘ es un delirio marca de la casa, en el que la cantante se roba un micro, asalta un karaoke y canta a destiempo y fuera de tono. Si te parece que Kesha está chillando en esta parte del álbum, es porque de hecho está cantando sobre eso mismo.
Es una alegría escuchar a Kesha tan desatada en estos singles asustaviejxs, carne del Billboard Bubbling Under. Y lo es más aún que siga sabiendo hacer canciones normales, porque no sé cuántos ‘JOYRIDEs.’ y cuántos ‘YIPPEE-KI-YAYs.’ mis oídos son capaces de tolerar dentro de un solo disco.
‘LOVE FOREVER.’ es una estupenda producción tipo Daft Punk, desarrollada por Stuart Crichton, y Zhone y la misma Kesha están bastante acertados a los mandos de tracks como ‘DELUSIONAL.’. Este disco habla de una ruptura y gran parte de las letras ridiculizan a un ex, en este caso porque el tipo se enfadó cuando la cantante no le llevó a una fiesta de Taylor Swift. Lo cual es bastante gracioso, porque ‘DELUSIONAL.’ suena un poquito a melodía de Taylor Swift.
En la divertida ‘RED FLAG.’, trata de evitar sentirse atraída por «losers», aunque lo bueno es que la música parece pisar el acelerador dirigiéndose hacia ellos, como quien no puede evitar acercarse a un precipicio. Y ‘BOYCRAZY’ se ha lanzado en el Pride Month porque es una celebración de los hombres, bastante marica, incluso en su vídeo, con la letra diciendo cosas como «los chicos son mi cocaína».
La vena hyperpop de este tema (bastante comedida) ha encontrado un mayor desarrollo en algún remix que se ha añadido posteriormente a la edición deluxe del disco (aparece AG Cook), mientras otras voces de Kesha siguen siendo posibles en la disco funk ‘TOO HARD.’ y en la balada ‘CATHEDRAL.’. No será tu canción favorita ni la que complemente un disco redondo, pero sí una que ayuda a comprender quién es la artista hoy. «Yo soy la catedral, finalmente en casa, la vida fue letal / Ahora soy la sabia, soy el altar, soy el Espíritu Santo (…) Pero yo soy la que necesitaba el perdón / Yo soy la catedral».
Bruce Springsteen y Lorde son las entradas más importantes de la semana en la lista española de álbumes. El gigante estadounidense se ha posicionado en el número 9 de la tabla gracias a ‘Tracks II: The Lost Albums’, mientras que ‘Virgin’ ha debutado en el número 13.
El disco de Lorde ya sabéis que ha sido número 1 en territorios como Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda, y ha quedado en el puesto 2 del Billboard 200. El resultado español no es de los mejores obtenidos a nivel internacional precisamente, sobre todo si recordamos que ‘Melodrama’ fue número 9 en nuestro país, y ‘Solar Power’, número 6. El vinilo ha tenido problemas de distribución y en tan solo un día se agotó en algunas tiendas. Aun así, ‘Virgin’ ha logrado aparecer por el número 4 de la tabla de LP’s.
Una de las mayores sorpresas de esta semana es Sen Senra, que ha ascendido casi 75 puestos en la lista con su último lanzamiento, ‘PO2054AZ (Vol. III)’. Seguramente, gracias a la edición vinilo (que es número 3 en la lista de LP’s) y/o al recopilatorio que junta las canciones de los tres volúmenes. De esta forma, el disco se ha colocado en el número 25 de la clasificación después de ocupar el puesto 93 la semana pasada. Originalmente, entró en el puesto 30 de la tabla.
En esta primera mitad de lista también han entrado Yung Beef, con ‘El Pluggg 3 Ova 1’ (#34); Arcángel, con ‘Sr. Santos II: Sueños de Grandeza’ (#45); y Barbra Streisand, con ‘The Secret of Life: Partners, Vol. 2’ (#48). A partir del top 50, encontramos ‘Beautiful Chaos’ de Katseye (#52), ‘Apocalipsis’ de Cris Mj (#63) y, por último, la banda sonora de la película ‘F1’, en el número 95.
Lewis Capaldi ha regresado con una nueva canción después de dos años fuera del foco mediático y ha conseguido otro número 1 instantáneo en las listas británicas. Eso es volver por la puerta grande. ‘Survive’ es otra emocionante y épica balada, muy en la línea de ‘Someone You Loved’ o ‘Before You Go’.
La respuesta al comeback de Lewis Capaldi ha sido abrumadora, con ‘Survive’ debutando en el primer puesto de las listas británicas. Hace dos años, el artista anunció que se iba a tomar un descanso para tratar una serie de problemas médicos derivados de su síndrome de Tourette. Ahora, ha demostrado que su capacidad para crear hits no se ha visto afectada de ninguna forma. Sin embargo, este éxito no se ha traducido a las listas nacionales.
«¿Cuánto tiene que pasar hasta sentir que la herida está finalmente curándose?», canta Capaldi en el nuevo sencillo. Este también ha adelantado que será parte de un EP que saldrá este mismo año. En cuanto a un tercer LP, el británico ha dicho que quizá llegue «el año que viene». También ha confirmado el lanzamiento de otro single antes de que termine el verano.
Roy Borland ha lanzado su mejor proyecto hasta la fecha. Una preciosa colección de canciones folk que evidencian tanto su intención de buscar la tranquilidad en tiempos frenéticos como su inmensa sensibilidad. En ‘Consideráme’, la Canción del Día, Borland entrega una de las piezas más bonitas que escucharás este año.
Un minimalista folk con múltiples arreglos de cuerdas, a cargo de Carlos Clerencia, y reminiscente del Sufjan Stevens de ‘Seven Swans’ es la base de ‘Consideráme’. Sin embargo, el alma del tema radica en el propio Borland, que demuestra una refrescante madurez. Este describe la canción como «el inicio de mi despertar en la música» y el primero en el que es «consciente de mi posición y tarea como músico joven».
Cantadas con una voz casi susurrada, las letras de Roy buscan destilar el amor hasta quedarse solo con la esencia: «Considérame un amigo para siempre, cuando quieras conversar / Considérate energía de una fuente, que jamás se acabará», entona en las primeras líneas. Imposible no derretirse con frases como esta: «Acomódate y cantamos lo que quieras, aunque no sea una canción».
‘Considérame’ es también el primer álbum en español de Roy. En él, traduce la música de otros tiempos, aquellos en los que la música era protagonista absoluta, a la actualidad y a las preocupaciones que esta trae. Borland cuesta que el disco se grabó en dos días y que representa una nueva etapa en su vida, componiendo «libremente desde la tranquilidad». El resultado de haber «internalizado y aceptado los primeros grandes golpes de la adultez».
