La banda de rock experimental estadounidense Deerhoof ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum el próximo 22 de octubre, que tendrá por nombre ‘Actually, You Can’. Y para no dejarnos con las ganas, también han descrito en detalle y estrenado el single debut del álbum, ‘Department of Corrections’.
‘Actually, You Can’ será su decimoctavo álbum de estudio, producido por los propios integrantes de la banda (Satomi Matsuzaki, Ed Rodríguez, John Dieterich y Greg Saunier). Y contará con la siguiente tracklist:
Be Unbarred, O Ya Gates of Hell
Department of Corrections
We Grew, and We Are Astonished
Scarcity Is Manufactured
Ancient Mysteries, Described
Plant Thief
Our Philosophy Is Fiction
Epic Love Poem
Divine Comedy
El tema de este próximo álbum es descrito por la banda de la siguiente manera: «Piensa en toda la belleza, la positividad y el amor que los autoproclamados guardianes del ‘sentido común’ consideran feo, negativo y odioso. Difícilmente estaríamos destruyendo la sociedad desmantelando su economía colonial y las prisiones y los roles y la estética de género. ¡Lo estaríamos creando!».
En cuanto al single debut del álbum, que ya está disponible en YouTube, ‘Department of Corrections’, tal y como explica la banda: «trata sobre todos los maravillosos misterios de la vida que no se suman en una hoja de contabilidad ni figuran en un algoritmo de inteligencia artificial. Se trata de que Judas se vuelva eléctrico. Se trata de cómo la propia especia humana no tiene sentido sin un planeta en el que vivir. Cómo superaríamos en número a nuestros aspirantes a maestros si tan solo pudiéramos organizarnos».
‘Dance Monkey’ es la tercera canción más escuchada de la historia de Spotify con 2 mil millones de reproducciones, la más buscada en Shazam y ha superado el récord de semanas en el número de Reino Unido de dos clásicos como ‘Umbrella’ de Rihanna y ‘I Will Always Love You’ de Whitney Houston. Si hablamos de listas oficiales, ‘Dance Monkey’ ha sido número 1 en 30 (!!!) países. No hay que ser un lince para darse cuenta de que la canción tiene algo: por mucho que los berreos de Toni Watson te hagan querer arrancarte los pelos o recuperar tu disco favorito de Anastacia, por mucho que prefiera que me caiga un sofá encima antes que volver a escucharla; no se puede negar que es una canción pegadiza. ¿Puede tantísima gente que ha llevado esta canción infernal a lo más alto estar equivocada? Sí, por supuesto que puede.
Tones and I no ha querido desarrollar el sonido de ‘Dance Monkey’ en su primer disco en absoluto. Esto parece una buena noticia pero no lo es. En realidad, ‘Welcome to the Madhouse’ es un disco muy poco divertido, de producción caricaturesca, en el que Watson canta sobre sus problemas de salud mental o sobre una ruptura sin una pizca de humor ni imaginación, en letras harto genéricas que podría haber escrito cualquiera, y lo peor es que está plagado de baladas soporíferas que hacen sonar a Tones and I como un híbrido entre la peor Sia y Melanie Martínez, es decir, sin personalidad. El doo-wop machacón de ‘Lonely’ es uno de los pocos buenos temas que es posible encontrar por aquí y, entre los más animados, el EMD-pop de ‘Fly Away’ suena a que podría sonar en algún anuncio veraniego si no lo ha hecho ya; y el buenrollismo trompetero de ‘Cloudy Day’ da alguna idea de hacia dónde podría evolucionar para bien el sonido de esta artista.
La cantante y compositora australiana, que se dio a conocer cantando en las calles de Melbourne (existen viejos vídeos de ella en Youtube presentando ‘Dance Monkey’ meses antes de editarla oficialmente), no es una «one-hit-wonder» en su país, donde otras de sus composiciones, como ‘Johnny Run Away’ o ‘Never Seen the Rain’, han sido sendos éxitos. Pero ‘Dance Monkey’ claramente los ha eclipsado y lo hará para siempre salvo milagro. En ‘Welcome to the Madhouse’, como decimos, no hay posibles sucesores, más bien sucedáneos distorsionados de Melanie Martinez (‘Won’t Sleep’), otros de Paloma Faith con estribillos torpes (‘Just a Mess’), ritmos de dancehall-pop completamente insípidos que esperamos Aluna no escuche nunca (‘Westside Lobby’), baladas heroicas a lo Rag’N’Bone Man pero sin ser buenas (‘Not Going Home’), melodías más genéricas imposible (‘Sad Songs’) y un tema de «rap» (‘Bars’). Y todavía no he mencionado LA VOZ. ¿Hace falta?
RTVE anuncia hoy la vuelta del Festival de Benidorm, desde el cual se celebrará la preselección de España para Eurovisión 2022. Un cambio importante respecto a los últimos años, donde la propia cadena ha escogido a dicho representante a través de Operación Triunfo (Amaia y Alfred, Miki Núñez) o directamente a dedo (Blas Cantó).
El festival es análogo a San Remo de Italia o a Melodifestivalen de Suecia y desde 2006 no se ha vuelto a celebrar. Su primera edición tuvo lugar en el año 1959, basándose precisamente en Sanremo y, entre sus ganadores históricos, se encuentran Raphael con ‘Llevan’ y Julio Iglesias con ‘La vida sigue igual’. Otros artistas que han pasado por el festival de Benidorm son Tino Casal, Víctor Manuel, Los Bravos, Dyango, Coral Segovia, Alazán o Pasión Vega. El galardón volverá a ser la famosa Sirena dorada.
El evento, que ha sido presentado este mediodía con la actuación musical de Ruth Lorenzo, que ha cantado varias versiones de ABBA, buscará ser un «gran espectáculo televisivo» y constará de tres galas, dos semifinales y una final, y la organización quiere que acoja tanto a artistas noveles como a artistas consagrados, aunque hace especial hincapié en la música joven. La votación será mixta y tendrá en cuenta valoraciones del jurado y del público, sin que quede descartada una posible participación de expertos internacionales.
Según RTVE, «el acuerdo nace con el objetivo de perdurar en el tiempo y busca la renovación y modernización de un festival que nació en 1959, siguiendo la estela del exitoso y mítico Sanremo italiano. El renacimiento de este certamen se hace con la intención de darle un aire nuevo con perspectiva de futuro y aprovechando una marca que se conoce y que RTVE desea que evolucione de acuerdo al panorama musical actual». Un «grupo de trabajo de RTVE con profesionales conocedores del festival» será creado para la ocasión.
Hoy el Mercury Prize ha dado a conocer los 12 discos que compiten por el preciado galardón este año. Entre los nominados se encuentran dos debuts tan destacados como han sido los de Arlo Parks, ‘Collapsed in Sunbeams‘; y Celeste, ‘Not Your Muse‘, y también dos artistas que reciben la tercera nominación de su carrera, algo no al alcance de muchos; por un lado, Wolf Alice (que ya ganaron el premio en 2018) con el formidable ‘Blue Weekend‘ y, por el otro, Laura Mvula con su reinvención popera en el estupendo ‘Pink Noise‘. Otra de las revelaciones británicas de los últimos tiempos, la misteriosa banda SAULT, aparece nominada con ‘Rise‘, uno de los varios discos que ha sacado en el último año. El ganador de la edición de 2020 fue ‘KIWANUKA‘ de Michael Kiwanuka.
También recibe nominaciones el último disco de Mogwai, ‘As the Love Continues‘, que ha dado a la banda de post-rock su primer número 1 de álbumes en las islas británicas, tantos años después; y en un lado menos comercial y mucho más ambiental, jazz y experimental, el maravilloso ‘Promises‘ de Floating Points con Pharoah Sanders y la London Symphony Orchestra.
Curiosamente, el disco nominado con más opciones de ganar a día de hoy no es ninguno de los mencionados, aunque Wolf Alice, Floating Points y Laura Mvula tienen muchas posibilidades; sino ‘Conflict of Interest’ de Ghetts, actualmente es el disco mejor valorado de 2021 en Metacritic con un 95 sobre 100. Se trata del tercer álbum de estudio de este MC y artista de grime que en realidad lleva en activo desde 2003. ‘Conflict of Interest’ incluye colaboraciones de Ed Sheeran, Skepta, Emeli Sandé o Stormzy.
El resto de nominados son el hip-hop lo-fi de ‘Demotape/Vega’ de Berwyn, el post-punk de ‘For the First Time‘ de Black Country, New Road, la electrónica de ‘Fir Wave’ de Hannah Peel y el jazz de ‘Source’ de Nubya Garcia. El álbum de Black Country, New Road es el único nominado de la lista que tiene algo que ver con el post-punk, pues los excelentes ‘Bright Green Field‘ de Squid y ‘Cavalcade‘ de black midi (quienes compitieron en el Mercury conn su debut) no han recibido nominación alguna.
Son dos de las ausencias destacadas en las nominaciones de esta edición del Mercury Prize que se celebrará el día 9 de septiembre, y entre las que también cabe mencionar títulos como ‘Róisín Machine‘ de Róisín Murphy, muy querido por la crítica; el tremebubdo ‘Black to the Future‘ de Sons of Kemet, el fantástico segundo disco de Kelly Lee Owens o el álbum de Dry Cleaning, que, con su estilo híbrido de post-punk y spoken word, ha llegado a ser top 5 en Reino Unido.
Arlo Parks – Collapsed In Sunbeams
Berwyn – Demotape/Vega
Black Country, New Road – For The First Time
Celeste – Not Your Muse
Floating Points – Promises
Ghetts – Conflict of Interest
Hannah Peel – Fir Wave
Laura Mvula – Pink Noise
Mogwai – As The Love Continues
Nubya Garcia – Source
SAULT – Rise
Wolf Alice – Blue Weekend
Lorde ha dado señales de vida cuando acaba de cumplirse un mes del lanzamiento de ‘Solar Power’, su primer single en 4 años, que ha pasado completamente sin pena ni gloria por las listas de éxitos, y había anunciado que el segundo single de ‘Solar Power’ saldría hoy miércoles 21 de agosto, como así ha sido. El tema escogido es el que presenta el título más curioso de todo el disco, ‘Stoned at the Nail Salon’. Puedes comentar las novedades de Lorde en nuestro foro de la artista.
En una entrevista reciente con The Guardian, Lorde había comentado este tema. La neozelandesa habla de un “tipo de búsqueda, de sentirte insegura sobre el camino que has elegido o sobre sentirte sola”, pero añade que “no pienso que estas emociones sean malas o permanentes, todas forman parte de la vida, de sentir esa emoción trepidante”. El tema nace de una revelación que experimenta Lorde cuando descubre que «las modelos sexys de Instagram que me han hecho sentirme inferior… ellas también van a envejecer, todas estamos subidas en el mismo autobús y, en algún punto, nos tenemos que subir en el bus de vuelta».
En ‘Stoned at the Nail Salon’, Lorde canta que «todas las chicas hermosas caducarán como las rosas», pero la canción habla también de otras cosas. La cantante neozelandesa reflexiona sobre su vida, se pregunta si «hay algo que falta», recuerda momentos con su perra u otros que pasaba desnuda en la cama con su persona amada, aconseja que «pases todas las tardes que puedas con la gente que te ha criado» y concluye que «es momento de relajarse, me lleve esto donde me lleve».
En cuanto a la propuesta musical, si ‘Solar Power’ era minimalista, y eso que llegaba a recordar a ‘Loaded’ de Primal Scream y a ‘Freedom 90’ de George Michael a la vez, ‘Stoned at the Nail Salon’ lo es más todavía, al ser prácticamente una canción a guitarra y voz, si bien la voz de Lorde suena multiplicada por capas, enriqueciendo la grabación. Se trata de una bonita balada de folk luminosa y optimista, pero en la que también se percibe un poso de melancolía. Clairo y Phoebe Bridgers hacen coros pero a quien recuerda la composición es a la última Lana Del Rey.
En uno de sus curiosos mails, Lorde ha explicado que ‘Stoned at the Nail Salon’ nació después de un tiempo en que empezó a sentirse insegura por su lugar en la industria: «estaba empezando a sentirme fuera de la onda culturalmente, y sentía que la nueva tanda de adolescentes precoces estaban empezando a salir y podían comerse mi merienda en algún momento», y añade: «Sabía que estaba construyendo una vida hermosa para mí pero no estaba segura de que esa vida fuera a satisfacer a aquella persona sedienta y valiente que podía romper un escenario o estar en siete países distintos en siete días. Ahora sé que, por mucho que intente separar estas dos partes de mi vida, ambas forman parte de quien soy».
Mahmood no ganó Eurovisión en el año 2019, pero quedar en segundo puesto no le perjudicó en absoluto, más bien al contrario: ‘Soldi’ fue un hit en Europa y, en estos últimos tiempos, el artista italiano ha seguido sumando otros a su repertorio como ‘Rapide’, ‘Barrio‘, ‘Inuyasha’ o ‘Dorado’ en los que ha profundizado en unos sonidos más agresivos, oscuros y urbanos. ‘GHETTOLIMPO’, su segundo disco, ha salido este año y hace poco tuve oportunidad de reunirme con su autor en un hotel de Barcelona. Alessandro Mahmood no puede esconder su cansancio pues lleva días viajando de promoción pero aún así es un entrevistado amable y alegre que sigue con ganas de contar cada detalle de este trabajo. A veces hablando una especie de «espaliano» o «itañol» para que la conversación sea más fluida (y de todas formas se entiende perfectamente), Mahmood comenta ‘GHETTOLIMPO’, sus colaboraciones con Sen Senra o Woodkid o, por supuesto, Eurovisión.
¿Qué has querido expresar con el título de ‘GHETTOLIMPO’?
Es una mezcla de dos de mis grandes pasiones. Cuando era pequeño mi mamá me compró una enciclopedia para niños que incluía un diccionario mitológico, y me encantaba leer esas historias. Ghettolimpo alude a un nuevo mundo pero su significado real se encuentra en la mitad de este mundo. La cosa más alta es el Olimpo y la más baja el guetto pero para mí las dos son igual de importantes. Es un disco que habla de mitos pero que también está inspirado en el anime y en los videojuegos, donde cada canción es un personaje distinto.
¿Recuerdas qué mitos leías en aquella enciclopedia?
Me interesaban todos, por ejemplo la historia de Cronos, el padre de Zeus, que se come a sus hijos y después ellos le matan. El mito de Narciso es uno de mis favoritos, por eso he decidido ponerlo en la portada del disco.
En la portada eres Narciso, ¿él es el narrador del disco?
No es el narrador pero sí es uno de los discursos más importantes. En la canción ‘Ghettolimpo’ me comparo con él. Pero es un Naraciso al revés. El personaje clásico se enamora de su imagen reflejada en el agua, pero mi Narciso se mira en el reflejo y no se reconoce, ve su imagen distorsionada. Esta imagen expresa lo que sentí en 2019 cuando concursé en Eurovisión y mi familia me decía que me veía cambiado, aunque no había cambiado para nada, yo seguía y sigo siendo el mismo.
La producción es un poco oscura y dura, sobre todo en ‘Kobra’. Cuando vas a hacer un disco, ¿tienes clara la idea en tu cabeza o vas adonde te llevan las canciones?
Más bien me dejo llevar. Solo creando y escribiendo consigo ver la pintura final del disco. No me gusta pensar una cosa antes de escribirla porque te limita, me gusta ser siempre lo más libre posible.
En cuanto a las influencias presentes en el disco, ¿has trabajado con algún «moodboard»?
No pero al final sí hemos ajustado el tiro de los sonidos. A nivel de producciones la grabación de ‘GHETTOLIMPO’ fue una experimentación total, pero luego estas producciones tienen alguna conexión entre ellas. Por ejemplo, canciones como ‘Dorado’, ‘Kobra’ o ‘Talata’ están relacionadas en la producción porque incorporan sonidos que recuerdan a las sintonías de los videojuegos.
¿Cómo es tu relación con tu voz?
Muy buena, gracias (ríe).
Te lo pregunto porque tienes una voz muy potente que se impone bastante a las canciones.
Tengo que entrenarla porque si no… Yo tengo la fortuna de no fumar cigarrillos, aunque en los últimas semanas sí me he bebido algún gintonic, los fines de semana (ríe) Pero tengo que entrenar mi voz porque es muy «pigra», muy gandula, tengo que calentarla durante una hora.
En la portada soy un Narciso al revés, que se mira en el reflejo y no se reconoce
No es habitual que salgan canciones sobre personajes de manga. ¿Consideras ‘Inuyasha’ un personaje mitológico?
Realmente no. Esta canción la escribí por la cuestión del medio demonio. Yo veía Inuyasha constantemente en la MTV cuando tenía 13 años y me inspira mucho. En la serie, el personaje protagonista intenta cerrar su parte mala en una crisálida, y eso es algo que yo también he intentado hacer en mis relaciones.
¿Ves mangas actualmente?
Sí, ‘Demon Slayer’ es mi favorito ahora mismo. También estoy viendo la tercera temporada de ‘My Hero Academia’.
Me ha gustado el recuerdo que has contado de cuando estuviste en El Cairo. ¿Qué me puedes contar de esta ciudad? ¿Que es lo que más te gusta, lo que menos?
En El Cairo solo he estado dos veces, cuando era pequeño. Recuerdo los olores, los sonidos… En ‘Ghettolimpo’ he hecho una melodía que se inspira en un recuerdo que tengo de las Cinco Oraciones del Día (canta melodía). Fue en el desierto, estaba con mi padre. He visto las pirámides, la Esfinge… Quiero regresar a esta ciudad para crear nuevos recuerdos.
He leído que ‘Dorado’ se parece a ‘Con altura’. ¿Ha sido una influencia o en absoluto?
¿Sí? No creo que lo haya sido… ‘Dorado’ la escribí en Madrid con Sen Senra. Fue muy guay. Fue la primera vez que escribí en español en España. La compuso sobre un beat de Dardust y salió bastante natural porque la melodía vocal reproduce la misma que está presente en el beat. Hace dos meses estuve en España traduciendo ‘Klan’ en español con Marc Seguí y Xavibo.
Marc Seguí lo está petando ahora con ‘Tiroteo’ con Pol Granch.
¡Qué guay!
¿Cómo fue trabajar con Sen Senra?
Me ayudó con la letra y con la melodía. En ‘Dorado’ canto «sueño un Ferrari dorado, derrapando en medio del Cairo, piso a fondo nunca lo paro, apriétalo, préndelo, si este mundo fuese un mercado, yo sería el bolso más caro»… Yo no suelo decir palabras como Ferrari, mercado… Él ponía «derrapando»… Son palabras que a mí no me suelen salir.
No escucho rock italiano pero Måneskin merecían ganar Eurovisión
¿Qué canción de Lana Del Rey cantas en ‘Dorado’?
‘Video Games’. (Canta) «It’s you, it’s you, it’s all for you…»
Es mi favorita.
¿Sí? También me gustan ‘Born to Die’, ‘Blue Jeans’, ‘High By the Beach’…
¿Has escuchado lo último?
Sí. Pero el vídeo de ‘Chemtrails Over the Country Club’… está loca. Cuando se transforma en mujer lobo.
Se la ve un poco perdida anunciando discos cada dos por tres.
Sí, con esas portadas hechas con el iPhone. Pero yo la amo por eso.
¿De qué canción del disco estás más orgulloso?
De todas porque todas son como un hijo para mí, pero especialmente de ‘T’Amo’. Es el ADN del disco. En ‘T’Amo’ canta mi madre y colaboro con el coro sardo de mi país de origen, INTREMPAS, es un coro femenino compuesto por niñas y señoras. Fue muy divertido grabarla.
¿Cómo ha sido trabajar con Woodkid?
Fue increíble porque era la primera vez que intentaba escribir en inglés. ‘Karma’ surgió de unos primeros acordes que Woodkid tocó en un órgano, después yo escribí la melodía de la estrofa y la canción se fue desarrollando poco a poco. El estribillo al principio no nos salió, la melodía no nos gustaba y la modificamos una y otra vez. Viajé dos veces a París para trabajar con él, fue muy inspirador.
Obviamente te tengo que preguntar por Eurovisión. Italia ha ganado. ¿Qué te parecen Måneskin? ¿Te gusta la canción?
Yo no escucho mucho rock en italiano pero creo que son chicos muy talentosos y que se merecían ganar. A nivel de performance fueron los mejores.
‘VICE VERSA’ de Rauw Alejandro vuelve a ser el disco más popular del país, al recuperar el número 1 oficial de Promusicae, siendo además la subida más fuerte en número de copias de la semana.
El disco homónimo de ‘Flavio’ -conocido por su paso por Operación Triunfo- es la entrada más fuerte, pero ha de conformarse con el puesto 2. El disco incluye varios singles de adelanto, como la balada ‘Yo con yo mismo’ editada el año pasado; ‘Ya’ junto a daniel sabater, en estos momentos su canción más escuchada; y la popera y colorida ‘Dejarse llevar’.
Algo más abajo, en el número 8 encontramos ‘Cuídate’ de NIA, un EP de 6 canciones que supone el debut de la cantante también de OT, incluyendo ‘Cúrame’ con Blas Cantó, ‘Malayerba’ y la reciente ‘Mi luna llena’ con India Martínez, entre otras. Fuera del top 10, de hecho en un modesto puesto 29, queda ‘Magia’ de Álvaro Soler, incluyendo el tema titular, que suma 33 millones de streamings en Spotify.
Una entrada destacada es la de Muse con la Edición «XX Aniversario Remixx» de ‘Origin of Symmetry’. La encontramos en el puesto 14 de la lista general de discos, beneficiada por ser el número 1 en vinilos. La única otra entrada son los Rolling Stones con el directo ‘Bigger Bang’ en Copacabana Beach, en el puesto 64.
Destacamos la subida de ‘Grande Raffaella’ de Raffaella Carrá, el recopilatorio de la cantante de Sony Music que alcanza por primera vez el top 50 tras su fallecimiento. En concreto sube del 67 al 49, representando un nuevo máximo.
The Goon Sax llegan a su tercer álbum consolidados como favoritos de la escena indie pop: no es que este ‘Mirror II’ represente en su camino lo que a los Smiths ‘The Queen Is Dead’. Ni la producción de John Parish les da ese poso de madurez. A cambio, sí afianza una propuesta cada vez más particular en la que el protagonismo del contrapunto femenino de la batería Riley Jones, que se incorporó la última a la banda, es cada vez más relevante. Y digo particular porque puede que los australianos hayan puesto siempre muy fácil con qué compararlos y este nuevo disco no sea una excepción; pero la suma de los ingredientes -de sus talentos- da lugar a cosas cada vez más excepcionales.
Podemos continuar considerando a Louis Forster, hijo de Robert Forster de los míticos The Go-Betweens, el líder de The Goon Sax. Suyos son los dos singles principales del disco, un ‘In the Stone’ que nos habla de perder el sentido de uno mismo y también de nuestras adicciones («¿crees que es mejor no sentir nada de esto en absoluto?»), y un glorioso ‘Psychic’ en el que merece la pena detenerse. Una canción supuestamente influida por ‘Godstar’ de Psychic TV que se redondea con una sucesión de pre-estribillos y estribillos insigne, además de por un estupendo teclado. Adiós, Love y compañía. Hola, John Maus.
Louis dirige otros puntos importantes de ‘Mirror II’, si bien es muy visible que este disco no sería lo mismo sin las aportaciones de sus compañeros, las cuales van más allá de los cambios que sugirieron para ‘Bathwater’, la cual fue evolucionando «de Raincoats a más bien Kiss», con retazos de indie-rock, saxo y según ellos música disco. Y es que Riley por un lado aporta piezas tan interesantes como ‘Tag’ y ‘Desire’, que consigue con su producción noise pop convertirse en una de las claves del álbum (pese a que la supuesta influencia de Kylie Minogue anunciada ni se huele, suena a boutade); y por otro tiende a llevar con sus coros las canciones de Louis, no hacia los territorios de The xx, pero sí hacia los de The Raveonettes.
Y mención aparte merecen las composiciones de James Harrison: pueden ser inasibles, deliberadamente bobas y abstractas, como indican el mismo título de ‘Carpetry’, una letra como «I need carpetry me happy» y también su sonido saltarín. Cuenta el artista que le parecía demasiado sencilla, pero que después al grupo le gustó. Y es que hay algo en The Goon Sax que más que con el pop británico de los 80 por su evidente conexión cultural con Australia y con sus ancestros, hace pensar en el trío como una banda sui generis, capaz de rehuir la fama tanto como unos MGMT o como unos Foxygen. A veces da la impresión de que no quieren bordar sus ideas como un grupo realmente atemporal -‘Caterpillars’ es una cosa que habrían hecho mejor Vampire Weekend-. Otras, que ellos lo que quieren es volar libres.
‘Todo de ti’ de Rauw Alejandro vuelve a ser esta semana la canción más escuchada de nuestro país. Además, algunas de las pistas de su último álbum también han subido respecto a la semana pasada como ‘Cúrame‘, que ahora está en el puesto 28, o ‘La Old Skul‘, que ha llegado al 81.
La subida más destacable esta semana ha sido para Farruko con su tema ‘Pepas‘, distribuido por SONY MUSIC y llegando al puesto número 10 de la lista con más de 13 millones y medio de visualizaciones en YouTube y a punto de alcanzar las 14 millones de reproducciones en Spotify. Es el actual número 1 Spotify España, por lo que podría ser el próximo top 1 oficial la semana que viene.
Esta semana recuperan posiciones artistas como Bad Bunny (3) con ‘Yonaguni’ o Marc Seguí, Pol Granch y, de nuevo, Rauw Alejandro con su tema ‘Tiroteo’ (4). En cuanto al resto de novedades, The Kid Laroi y Justin Bieber han entrado en el puesto número 69 con ‘Stay’; el remix de ‘Diablita’ de Fabbio, Omar Montes, Lennis Rodríguez y Chus Santa en el 73; Ozuna en el 82 con ‘Este Loko’; detrás de él el grupo BTS con su nuevo ‘Permission To Dance’; Nathy Peluso llega al puesto 89 con ‘Mafiosa‘ y finalmente Jennifer López junto a Rauw Alejandro en el 98 con ‘Cambia El Paso’.
The War on Drugs, uno de los grupos de rock americano más queridos de la última década gracias a discos como ‘Lost in the Dream‘, ha dado al fin los detalles de su esperado nuevo disco, el quinto de su carrera. ‘I Don’t Live Here Anymore’ saldrá el 29 de octubre vía Atlantic con un tracklist de 11 pistas. Será el primer álbum de la banda estadounidense desde 2017, año en que salió ‘A Deeper Understanding’, uno de los 10 mejores álbumes de aquel año.
En todo este tiempo es cierto que Granduciel ha aparecido en el último trabajo de los Killers, el Disco Recomendado ‘Imploding the Mirage’, que sonaba muy The War on Drugs, pero ‘I Don’t Live Here Anymore’ supone su regreso oficial aunque se presenta con un tema que, quizá, descolocará ligeramente a sus seguidores. No es que ‘Living Proof’ no lleve el sonido de la banda, que lo hace y mucho, sino que no es exactamente el primer single que probablemente esperabas.
‘Living Proof’ es el tema de apertura de ‘I Don’t Live Here Anymore’, pero también es una balada que se desarrolla con calma hasta alcanzar los cinco minutos de duración, entre rasgueos de guitarra acústica y notas de piano. Un corte emotivo en el que Granduciel reflexiona sobre la naturaleza de la vida y los baches con los que cualquier persona se puede encontrar: «llévame a casa, siempre estoy cambiando, ahora estoy en Chicago, ven a mí, conozco el camino, sé que está cambiando, conozco el dolor que has estado sintiendo, he estado en ese lugar del que has intentado escapar».
01 Living Proof
02 Harmonia’s Dream
03 Change
04 I Don’t Wanna Wait
05 Victim
06 I Don’t Live Here Anymore
07 Old Skin
08 Wasted
09 Rings Around My Father’s Eyes
10 Occasional Rain
Selbor es el alias de un artista andaluz afincado en Londres que algunos recordaréis de alguna playlist por un EP de pop electrónico que publicaba el año pasado bajo el nombre de ‘Smile to the Camera’. Dirigió su vídeo Nuria Giménez, conocida por haber estado detrás de la que fue una de las revelaciones de la temporada, cinematográficamente hablando, ‘My Mexican Bretzel‘.
En aquel momento, Selbor reconocía como influencias a Blood Orange, Lykke Li, Caribou y Rosalía, y nada menos que a Machado y Lorca entre los referentes de sus letras en inglés. La electrónica intimista y melosa, poco bailable -de Rhye a How to Dress Well- podían ser también una referencia, lo cual ha cambiado bastante desde que esta semana ha lanzado un nuevo tema al mercado.
‘Your Love’ es su tema más bailable, ya antes de que fuera remezclado por Hot Chip, con los que comparte definitivamente su gusto por el synth-pop, el funk ochentero y las bandas sonoras más divertidas de aquella época. Las «melodías de kalimba y arpegios al estilo Moroder» son citadas expresamente en la nota de prensa. Selbor, que lleva 15 años en Londres, ya había trabajado antes en los Hackney Road Studios de la ciudad, que además a de Hot Chip ha acogido a Jehnny Beth y Ghostpoet.
La obra machacona y repetitiva se ve complementada por una portada que es un dibujo de la artista LGTBQ+ madrileña Alejandría Cinque, y sobre todo un vídeo dirigido por Harry Deadman. Una obra sobre manías un tanto Roman Coppola (circa ‘Revolution 909‘) con final sorpresa.
Shakira ha publicado esta semana su gran single de regreso en inglés después de 5 años, un ‘Don’t Wait Up’ escrito junto a la co-autora de ‘Don’t Start Now’ Emily Warren, y co-producido junto al responsable de la misma canción de Dua Lipa, Ian Kirkpatrick.
La jugada, en cambio, no parece haber sido suficiente para encandilar al público, y ‘Don’t Wait Up’ ha desaparecido del top 200 de Spotify incluso de los países latinos en cuestión de días. Salvo que la rescate TikTok o alguna presentación en vivo realmente apoteósica, parece imposible que el tema llegue a las listas británicas y estadounidenses, pero es que puede que ni llegue al top 100 español. ¿Merece Shakira este descalabro? La redacción de JENESAISPOP ofrece una opinión a favor y otra en contra de la canción.
«Shakira se ha apuntado varios éxitos en los últimos tiempos: le salió bien subirse a lo último de Black Eyed Peas, pues por inexplicable que pueda parecer, estos siguen arrasando, y también la hemos visto triunfando en ‘Me gusta’ de Anuel AA. ‘Don’t Wait Up’ es su primer single en solitario en casi un lustro y por tanto el que tenía que ser un gran «comeback» tras el pelotazo dado por la cantante en la Super Bowl. De momento no lo está siendo, pero no sorprendería que este se convirtiera en uno de los muchos sleepers que Shakira ha ido acumulando a lo largo de su carrera.
En lugar de volver con otro reggaetoncito u otro vallenato, fórmula cada vez más agotada, la cantante colombiana se sube a la moda 90’s que tanto se ha visto recientemente a través de samples y beats, desde el mainstream (los mismos Black Eyed Peas) al underground (Róisín Murphy), y lo cierto es que le sienta muy bien a su voz y a la melodía, que brilla en esas notas tan machaconas y en ese puente de piano house. Irresistible como tantos «one hit wonders» noventeros, solo se le puede reprochar haber llegado un año más tarde que ‘Chromatica‘». Sebas E. Alonso.
«Shakira se ha fabricado junto a Ian Kirkpatrick este ‘Don’t Wait Up’ con ínfulas de ser el «perfecto hit 2021». ¿Synth-pop y neones ochenteros? Check. ¿Eurodance noventero? Check. ¿Gancho pegadizo (el riff de teclado)? Check. ¿Estribillo memorable? Pues aquí es cuando empieza a fallar la cosa, porque al tercer o cuarto «don’t wait up», la atención ya se va a otra cosa. Y es que este ‘Don’t Wait Up’ está milimétricamente pensado y facturado, pero es excesivamente repetitivo, escasamente imaginativo y carece del fulgor que sí tenían los macrohits de Dua Lipa (su referente obvio). Y lo peor es que, sin llegar a los tres minutos y medio, se hace interminable». Mireia Pería
Clairo iba a retirarse de la música, decepcionada con una industria a la que todavía le falta mucho para superar su machismo, después de vivir una serie de experiencias incómodas con algunos hombres que parecían saber mejor que ella lo que le convenía… y entonces adoptó a su perrita Joanie. A Clairo Cottrill, icono de la generación Z donde los haya, cuidar de su mascota le hizo descubrir que la «vida doméstica era aquello que anhelaba», que faltaba en su vida, pero que no podía expresar con palabras. Le hizo reflexionar sobre la maternidad y, en su segundo disco, le ha hecho acogerse a una música serena y reconfortante, inspirada en el pop de cantautor de los años 70.
Es significativo que el primer single de ‘Sling’ haya sido el pastoral e intimista ‘Blouse‘, un corte que versa sobre la sexualización que Clairo ha sentido dentro de la industria de la música y que, de manera simbólica, cuenta con dos coristas de lujo: Lorde y Phoebe Bridgers. No es un tema comercial, pero gana con las escuchas gracias a su bonito arreglo vocal y sí es representativo de un trabajo donde mandan las guitarras acústicas, los pianos Wurlitzer, el Mellotron, los violines, las flautas, los vientos metales y en general unos arreglos delicados y bucólicos, tan 70s que el propio Jack Antonoff se ha encargado de la producción, haciendo de ‘Sling’ un álbum hermano de los últimos de Lana Del Rey y Taylor Swift, pero más íntimo si cabe. Es un cambio radical respecto a ‘Immunity‘ pero que no deja de sonar personal.
En este disco tan otoñal, tan de escuchar en el porche café en mano, mientras sale el sol, la artista de Atlanta se transforma en una de esas cantautoras que más que narrar historias parecen contarte un secreto desde lo más hondo de su alma. Sería posible hablar de Clairo en los mismos términos en los que hablamos de Sybille Baier, Elliott Smith o incluso Stina Nordenstam, pero las canciones tienen un poso más clásico y vintage. ‘Bambi’, el conmovedor tema de apertura, que habla sobre los confusos primeros pasos de Clairo en la industria, es una pequeña joya que recuerda a los Carpenters, y el álbum está lleno de bonitas baladas que entran en los cánones de un folk introspectivo y pastoral que puede incorporar guiños country (‘Wade’), armonías celestiales (‘Managament’) o guitarras intensas a lo Joni Mitchell (‘Zinnias’).
Algunas de estas baladas, como ‘Partridge’ o ‘Harbor’, deben demasiado a sus floridos arreglos e instrumentación y, sin que sus melodías terminen de definirse del todo, terminan resultando algo pantanosas, sin destacar en el conjunto. Esta circunstancia es especialmente decepcionante porque, como letrista, Clairo puede dejar con la boca abierta en algunos momentos. Cuando describe las dificultades que ha pasado para llevar una relación adelante lidiando, a su vez, con su ansiedad y su depresión (‘Partridge’), cuando nos cuenta sus momentos más íntimos (‘Harbor’) o cuando vuelve a recordar aquel momento en que por poco acabó con su vida (‘Just for Today’), se revela como una letrista clara, lúcida y honesta que nada tiene que envidiar a su contemporánea Lorde. Si estas baladas tuvieran formas más definidas y sólidas, su mensaje calaría más profundamente, sin embargo, se quedan a medio camino de conseguirlo.
Que Clairo haya descubierto que lo que más desea en su vida es estar en casa, cuidar de su perrita y, quizá en un futuro, de sus hijos, y simplemente ser feliz en la montaña, tras mudarse de la ruidosa Nueva York a Massachusetts (qué envidia), significa que este disco siempre iba a ser profundamente introspectivo. Pero ‘Sling’ tiene más dimensiones de lo que parece a simple escucha. Más allá de los pequeños detalles de producción, de una melodía que se te revela como mágica en el momento más inesperado (‘Little Changes’) o de sus poéticas letras, el álbum se va de la tangente en algunos puntos para bien. El ritmillo disco-pop vintage de ‘Amoeba’ trae a la mente a la mejor Natalie Prass, dando lugar a otro tema ultra-adictivo de Clairo; pero también son gratificantes momentos como el clímax orquestal de ‘Wade’, muy Joanna Newsom, o una ‘Joanie’ que aporta un necesario momento de oxígeno instrumental al largo. No es un sonido que parta necesariamente de ‘Immunity’, pero a Clairo le sienta como un guante.
Coldplay han dado los detalles de su nuevo disco, el décimo de su carrera. ‘Music of the Spheres’ sale el 15 de octubre. El pre-pedido del álbum ya está disponible y la web de la banda británica muestra desde hoy todas las ediciones físicas con las que contará este trabajo, incluido un «cassette bundle» de lo más pintón.
El tracklist de ‘Music of the Spheres’ incluye 11 pistas, y cuatro de ellas están tituladas con emojis. En las plataformas de streaming está disponible también desde hoy una pista nueva de Coldplay llamada ‘Overtura’ que en realidad es el «trailer» del álbum, con el que se avanzan todas sus pistas, entre las que es posible apreciar producciones tipo llenaestadio, otras más electrónicas, otras más rockeros o baladas con arpas. El álbum ha sido íntegramente producido por Max Martin.
HIGHER POWER
HUMANKIND
✨
LET SOMEBODY GO
❤️
PEOPLE OF THE PRIDE
BIUTYFUL
🌎
MY UNIVERSE
♾️
COLORATURA
En redes, Coldplay anuncia que el viernes verá la luz la última pista de ‘Music of the Spheres’, ‘Coloratura’, pero que el siguiente single oficial del álbum no llegará hasta septiembre, sin que se conozca su título por el momento. Un rumor apunta a que el segundo single de ‘Music of the Spheres’ sería ‘My Universe’ y que contaría con la colaboración de BTS.
‘Higher Power’ ha sido un éxito modesto para la banda, especialmente tras la recepción más tibia que obtuvo su largo anterior, ‘Everyday Life‘. Aunque quizá lo subestimamos por llegar demasiado a la cola de ‘Blinding Lights’, como si eso fuera algo malo, ‘Higher Power’ es un buen tema de synth-pop que, con razón, se mantiene dignamente en el top 30 de la lista de singles británica.
‘Llámame’ de Ant Cosmos es una de las canciones que has podido escuchar recientemente en la playlist de novedades «Ready for the Weekend» y también en la playlist de música nacional y escrita en castellano «Sesión de control«. ‘Llámame’ es un fresco tema de pop caribeño que va en camino de convertirse en el mayor éxito de Javier Auserón hasta la fecha, pues pronto alcanzará los números de ‘Tal vez‘ cuando este tema salió hace 5 meses y ‘Llámame’ hace dos semanas.
Como la de Tiburona, ‘Llámame’ es a todas luces una de esas canciones del verano alternativas de 2021 y, también, una producción muy Ant Cosmos en su fusión refinada y minimalista de ritmos propios del reggaetón-pop y guitarras luminosas entre el jangle-pop y el rock surfero. Con motivo de que ‘Llámame’ es hoy la Canción Del Día hemos solicitado a Ant Cosmos que arme una playlist con las que están siendo sus canciones del verano.
En la playlist sorprende, o no tanto, el gusto de Ant Cosmos por la música de los 80: es posible encontrar en la lista un tema de post-disco en francés, ‘Dans l’eau de Nice’ de Alec Mansion, irresistible, y otro en brasileño, ‘Moral Tem Hora’ de Cristina Camargo, muy boogie a su vez; pero también temas bastante conocidos de Madonna (‘Lucky Star‘) y Grace Jones (‘Pull Up to the Bumper’).
La reivindicación coterránea de la playlist de Ant Cosmos llega con la banda de Santa Cruz de Tenerife Palmera y su tema de 1983 ‘Luci’, a medio camino entre el rock’n’roll y las armonías del Dúo Dinámico. Pero la lista viaja por diversos lugares y sonidos: de la serenidad de ‘Guapa’ de Juan Wauters pasamos al chill-out de ‘Loverboy’ de Lomboy y de ahí al dancehall duro de ‘Popalik’ de CHO. El tema más reciente, de los que no son propios, es de Kali Uchis y en la playlist hay espacio también para los ritmos del UK garage y las melodías de piano.
Intercaladas entre todas estas pistas aparecen varias canciones de Ant Cosmos. A parte de ‘Llámame’ suenan la alegre ‘After Party’, una ‘Tal vez’ que ya fue Canción Del Día en estas páginas por su sonido melancólico a lo Drake; y finalmente el trap melódico y envolvente de ‘Tu tejado’.
Carolina Durante han cancelado su concierto en el Wizink Center de Madrid del 20 de diciembre. Es el mismo evento que ya había sido pospuesto en una ocasión (la fecha original era el 28 de diciembre de 2020). La devolución de los importes de las entradas se efectuará de manera automática o presencial, dependiendo de dónde se adquirieran las mismas.
En un comunicado, Sonido Muchacho explica que «el motivo de dicha cancelación es que (el concierto) no podrá celebrarse en las características y montaje con que fue previsto inicialmente, y tanto el grupo como el organizador han decidido cancelarlo a la espera de una mayor certidumbre a la hora de organizar eventos musicales». Carolina Durante han dicho que «lo sentimos mucho, para nosotros es muy frustrante todo esto. un abrazo y ojalá vernos pronto».
La noticia es a todas luces decepcionante para el grupo y las personas que planeaban acudir a verlos actuar en el que iba a ser el concierto más importante de su carrera. Quedan varios meses para diciembre y en España el ritmo de vacunación es el mejor de toda Europa. Sin embargo, y a pesar de que por ejemplo Lola Indigo acaba de actuar en el Wizink Center, parece que no termina de verse claro que este tipo de conciertos se celebren todavía. Como apunta Arturo Paniagua, «la luz está al final del túnel, pero parece que el túnel es cada vez más largo».
Carolina Durante acaban de ser noticia tras el lanzamiento de su divertido nuevo single, ‘Moreno de contrabando‘, que ha pasado por la sección Canción del Día. Un tema que precisamente está inspirado en la pandemia para hablar de una Madrid «vacía» y distópica donde el verano está prohibido. El nuevo disco de la banda sale «a la vuelta del verano».
cancelado el wizink de diciembre. lo sentimos mucho, para nosotros es muy frustrante todo esto. un abrazo y ojalá vernos pronto 🖤 pic.twitter.com/YWYfColHMh
BIME Live, uno de los festivales referencia del otoño, volverá este año para celebrarse los días 29 y 30 de octubre, en torno a las fechas habituales. Manteniendo el formato de festival de dos días y con un aforo adaptado a las circunstancias actuales, el festival se traslada al Bilbao Arena de Miribilla.
Hoy, el festival presenta su cartel completo, centrado en los sonidos urbanos. Entre los artistas confirmados se encuentran el dúo de raperos Natos y Waor, uno de los más exitosos de nuestro país; y también la archiconocida Bad Gyal, así como Trueno, autor del hit ‘Mamichula‘.
A ellos se suman Ana Tijoux, Iruña, Chill Mafia, Maikel Delacalle, Frente Cumbiero, el cuarteto liderado por el compositor y productor Mario Galeano; y la poeta Laura Sam junto al productor Juan Escribano en su proyecto conjunto.
Los abonos de BIME Live saldrán a la venta el jueves 22 de julio a las 12 horas y se podrán adquirir en la web del festival.
Mientras el debate en torno a la terminología de que lo que se llama «música urbana» continúa abierto siguen apareciendo artistas en España que florecen dentro de sus parámetros, como es el caso de Lix Molina. La artista valenciana empezó en la música tocando la batería, por lo que se considera músico antes que cantante, y después pasó también a ejercer de intérprete. Hoy tiene varios singles publicados en los que plasma su gusto por los sonidos del R&B y el neo-soul contemporáneos, a los que no se cierra en absoluto.
Ahí está, por ejemplo, uno de sus mayores éxitos. ‘Fasterossa’ está lleno de referencias a las motos, a «quemar llanta», pero Andrea Felix no solo se monta en una moto en esta canción, también se sube a una base de electro-house que nos lleva a las discotecas de Nueva York de finales de los 70 y primeros 80. De hecho, ‘Canino’ empieza como un tema de R&B contemporáneo lleno de detalles para terminar también en la pista de baile sin que nadie lo espere; y una de las mayores sorpresas de su repertorio es ‘TOY-ASK’: si pensabas que solo a Bruno Mars y Cardi B le interesaba hacer new jack swing en el siglo XXI, te equivocabas.
Entre otras interesantes producciones como ‘Trash’ termina destacando el single más reciente de Lix Molina. ‘Lento’ puede ser su grabación más sofisticada al moverse a medio camino entre el deep-house, el post-disco y las profundas y evocadoras producciones de Kaytranada. Una canción de voces susurradas que narra una noche de pasión con tirones del pelo pero también momentos de cierta violencia, con su amante enfadado de repente, al que ella advierte: «la cosa es muy simple, te he dicho que no me grites».
Sobre ‘Lento’, la comunidad de música independiente Acqustic, de la que forma parte Lix Molina, ha explicado que «es un tema que habla desde la libertad las noches de Madrid, de enamorarse, de pelear, de sentimientos viscerales del comienzo de una relación», y que «habla de ese momento que no quieres que acabe, pero que te da miedo que dure para siempre. Nos contextualiza las primeras citas en bares emborrachándote con un desconocido, el liarla por la calle, llegar a casa borrachos y bailar y besaros descalzos, despertaros con el suelo pegajoso de cerveza y vino y de esa incertidumbre sobre si os volveréis a ver… O no».
La adaptación de ‘Memphis Blues’ continúa formando parte importante del repertorio en directo de Kiko Veneno. Fue de lo mejor, por ejemplo, de su reciente concierto de presentación en un acto de los Premios MIN. Una máxima dylanesca, «el hambre por absorber, investigar y expresarse», inspira el título del nuevo disco que este verano ha sacado Kiko. Y hay que decir que ese «hambre», esas ganas de sumergirse en cosas diferentes, se ve en pocos artistas de 70 años, sean de aquí o de fuera, y en ese sentido ‘Hambre’ es todo un regalo para los aficionados a la reinvención.
‘Hambre’ es la continuación del disco experimental anterior de Kiko, ‘Sombrero roto‘, hasta el punto de que 6 de sus composiciones proceden de aquella época, sólo que no se terminaron a tiempo. No es, en cambio, un álbum de descartes, pues el nivel compositivo es alto, pero sí se puede decir que sigue donde el anterior se quedó, en este caso producido por Javi Harto Rodríguez, conocido por sus trabajos con ANTIFÁN, Rels B, Pedro LaDroga, Cariño, Erik Urano o C. Tangana. Muy reseñable esto último si recordamos que Kiko Veneno acaba de sumarse un disco de platino por el éxito del single ‘Los tontos’ del disco de ‘El Madrileño‘.
No es esa faceta alegre, en cambio, la que predomina en ‘Hambre’, lo cual es una decisión totalmente deliberada. Cuenta Kiko Veneno en varias entrevistas que «le cansa que la gente le vea como algo alegre», y por eso ha querido tratar también lo trágico en este disco especialmente, hablando «por primera vez de cosas como el dolor o el cansancio». Es esto algo muy visible en canciones como ‘Estoy cansado’, que se alarga hasta los casi 6 minutos de duración entre electrónica meditativa, un goteo martilleante y frases tan representativas como «sabes en el fondo de tu piel, que nada volverá a ser como ayer»; o también en la hermosísima ‘Duele’, con una serie de detalles en su segunda mitad en cuanto a producción, que podrían haber sido ideados por genios tan polifacéticos como Vincent Delerm.
Por más que el disco comience «estoy fatal de la voz y la letra se me ha olvidado», no se refiere Kiko Veneno a sí mismo especialmente, pues él continúa con ganas de hacer cosas, sino más bien a la gente de su edad que ha empezado a tirar la toalla, a los que pretende animar. Aunque quizá eso lo consiga más bien con ese lado alegre que sobrevive en este disco, muy especialmente en la canción del ‘Gitano Dave’, que por tener, hasta parece contener un guiño melódico a ‘Oh! Susanna’, quizá porque se inspira en ‘Gypsy Davy’ de Woody Guthrie.
Es ahí cuando Kiko Veneno logra sacarnos una sonrisa, si bien no es que lo más serio le haya quedado mal en absoluto. Hay una maravillosa calma coheniana en la final ‘La felicidad’, en este caso con ecos de dream pop, resultando uno de sus temas más poéticos y sanadores. Una tranquilidad universal que trasciende dejando atrás los momentos más chocantes del álbum: el extraño parecido de ‘Luna nueva’ con ‘Black or White’ de Michael Jackson, o el de las manecillas del reloj de ‘Dónde van’ con ‘What Do You Mean’ de Justin Bieber. Entre conexiones con ‘Omega’ puntuales, como en ‘Madera’, ‘Hambre’ avanza reservando ciertas sorpresas en su secuencia y en sucesivas escuchas. No sé si han sido sus singles de presentación los adecuados para revelar al mundo la grandeza de lo contenido aquí, pero lo seguro es que lo grande permanece, desde el reconocimiento de la pena y los problemas sociales en ‘Duele’ a lo saltarín del ‘Gitano Dave’.
En la primavera de 2015 visité Roma con unas amigas durante mi Erasmus (yo viajaba desde Praga) y, de camino a algún lugar que no recuerdo, cerca de la Piazza del Popolo, en el barrio de Campo Marzio, nos topamos con un avistamiento inesperado: Owen Wilson pedaleando su bicicleta. El actor estadounidense se encontraba en la capital italiana rodando la segunda parte de la película ‘Zoolander‘ y, supusimos que durante un descanso, decidió callejear por Roma montado en su bici.
6 años después de aquello he tenido una revelación leyendo los stories de Deuxmoi, la cuenta privada de Instagram que publica rumores de famosos que la mayoría de veces terminan siendo verdad, pues en muchas ocasiones proceden de gente cercana a ellos; y también historias de gente anónima que ha visto a cierto famoso en el lugar más inhóspito probadas con una foto de dicho famoso tomada a escondidas. Entre los «followers» de Deuxmoi en Instagram se encuentran Dua Lipa, James Blake, FKA twigs o Antoni Porowski de ‘Queer Eye’: ¿tendrán curiosidad por ver si alguien les ha avistado a ellos?
Entre las celebridades que aparecen de manera regular en la cuenta de esta «gossip girl» de la vida real cuya identidad Hailey Bieber cree conocer, se encuentran Shawn Mendes, Rihanna, Timothée Chalamet o el también actor Owen Wilson. Y es aquí cuando empieza a materializarse un extraño fenómeno que Deuxmoi ha terminado de sacar a la superficie porque, si alguna vez creí que mi anécdota sobre Owen Wilson era especial, nada más lejos de la realidad: la gente lleva años encontrándose a Owen Wilson yendo en bici por todas partes.
using the hype around #loki to reminiscence over the time i walked into a church in rome and literally found owen wilson looking at caravaggio's paintings dressed like a german tourist who then proceeded to leave on a comically small red bike
This is gonna sound crazy y’all. Yesterday I was in downtown Manhattan and a guy that looked just like Owen Wilson was riding a bike. I looked him in the face while he was 10 feet away from me, stopped at the cross walk and said “y’all that looks just like Owen Wilson” and I- 😂 pic.twitter.com/Ou0VTmI2Qf
Las últimas historias relacionadas con este fenómeno se centran en la «terrorífica» cantidad de veces que Owen Wilson ha estado a punto de atropellar a los viandantes con su bicicleta en algún punto del mundo. El actor ha estado a punto de cobrarse vidas en Harlem, Vancouver, Montmartre (lo cuenta este story reciente) o Roma, entre otras ciudades. Hay gente que se lo ha encontrado hasta en dos ocasiones. Un tipo se lo ha encontrado en una tienda de bicis. Y lo mejor es que no hace falta entrar en Deuxmoi para comprobar el fenómeno: una simple búsqueda en Twitter de «Owen Wilson bike» revela decenas de historias similares que datan del año 2011 hasta ahora. Owen Wilson lleva 10 años apareciéndose a la gente con su bicicleta y algunos nos estamos enterando ahora.
«He visto a Owen Wilson yendo en bici hoy», relata un tuit. «Owen Wilson casi me atropella con su bici en Soho», «mis padres acaban de ver a Owen Wilson yendo en bici en Nueva York», «¿por qué mi madre y mi hermana acaban de ver a Owen Wilson yendo en bici en Santa Monica?», «me acabo de cruzar con Owen Wilson yendo en bici en París», «Owen Wilson acaba de pasar por delante de mí en bici en Atlanta y por poco empiezo a perseguirle», «acabo de ver a Owen Wilson yendo en bici: cuando hicimos contacto visual no estaba seguro de que fuera él, pero cuando hicimos contacto nasal entonces ya sí», «acabo de ver a Owen Wilson yendo en bici y le he gritado «Luke Wilson» a la cara», «me acabo de topar con Owen Wilson yendo en bici en Santa Monica, unas 7 personas lo han visto en Soho». Y estas son solo las historias que están publicadas en las redes sociales. No se sabe a cuánta gente más se le habrá aparecido. De hecho, él mismo es consciente de este fenómeno, pues como llegó a declarar en una entrevista: «estuve en Roma dos o tres meses y creo que, para cuando me fui, todas y cada una de las personas que viven en Roma me han visto como mínimo 10 veces yendo en bici».
Nunca pensé que, tanto tiempo después de ver a Owen Wilson callejeando tranquilamente por las calles de Roma con su bici, esta pequeña anécdota se convertiría en una historia casi universal. Cuando sea mayor le diré a mis nietos que soy una de las 80.000 personas que se han cruzado con Owen Wilson montado en su bici.
‘La niña’, el segundo disco de Lola Indigo, es el nuevo número 1 del país. Y no siempre estuvo tan claro a juzgar por la aceptación desigual que han tenido sus muchos sencillos de presentación. En el momento de esta entrevista no sabemos que ‘La niña de la escuela’ va a ser un hit, tan sólo que es el «focus track» del disco el día de salida.
Ahora que esta nueva canción ronda el top 15 en España, la indiferencia puede transformarse en alivio, pero en esta charla Lola Indigo se muestra alejada -quizá incómoda- por las presiones de llegar al «top 50 de Spotify». Mimi Doblas sigue mostrando cierta inseguridad en algunos momentos, como vais a leer en algunos puntos, si bien eso no es incompatible con la ilusión que muestra por este proyecto y la decisión de su línea artística.
¿Cómo es hacer un disco en mitad de la pandemia?
Tirarte 2 años con canciones en el móvil y que no saber qué hacer. Me decía Pimp Flaco el otro día: «¿te renta sacarlo ahora con los pocos conciertos que hay?». Yo decía: «sí, la gente necesita música». Te da más tiempo a pensar en el concepto. Desde ‘Lola Bunny’ sabía cuál quería que fuera el siguiente paso, pero han nacido otras cosas en mí. También he aprendido a valorar cosas que antes no percibía, me ha venido bien.
¿El concepto entonces lo tenías claro desde ‘Lola Bunny’?
A raíz de querer ir haciendo cositas, dije: “me gustaría hacer un álbum pop, de diva pop, de popstar”. Sonar Britney. Sonar Missy Elliott. Lo que me inspiraba cuando yo era «La Niña».
Tu primer disco también es un disco de pop…
Sí, pero estaba más inspirado por el reggaetón. En este también hay reggaetón, pero sobre todo old school, como en ‘Calle’. O ‘Killa’, que es de mis favoritas, y me recuerda a Don Omar. Tiene un guiño.
¿Cómo has visto la evolución de la música latina? Bad Bunny haciendo algo tan diferente como ‘Safaera’, C. Tangana incorporando el folclore…
La gente está empezando a hacer genuinamente lo que le da la gana.
¿Antes no?
Sí, pero hubo un urbano más homógeneo y ahora estamos bebiendo de muchas cosas. Yo de pintura rosa y más pop. Hay gente haciendo de repente más club: viene Rauw Alejandro y saca ‘Todo de mí’… Es arriesgado porque no siempre se recibe igual algo así. Bad Bunny es un unicornio, da igual lo que saque. Evidentemente es un genio buenísimo.
La impresión es que la gente está abandonando los beats de reggaetón que tanto han sonado los últimos 5 años.
Ha nacido natural, yo necesitaba un cambio, soy una artista visual, y necesito un concepto. Siempre digo que me hice cantante para hacer videoclips. Mi sueño era salir en MTV. Disfrutaba mogollón de lo audiovisual, me parecía increíble. Ahora quería arroparlo con todo esto. Es un trabajazo.
¿Cuál es el vídeo del que estás más orgullosa?
‘CULO’. ‘CULO’. Y ‘CULO’ (risas). Es maravilloso. Willy Rodríguez entendió perfectamente lo que quería hacer. De la misma manera que te digo que en ‘Santería’ me monté yo la peli y es mi segundo videoclip favorito, en ‘CULO’ Willy vino y, podíamos haber hecho lo típico, pero me dijo que hiciéramos una carnicería: «tú vendes carne». Le dije: «tú eres un genio». Es el vídeo de mis sueños. Nunca me ha llegado un videoclip acabado y he dicho: «no tengo nada que decir». Es el mejor.
¿Qué aporta este ‘CULO’ a otros CULOS o a otros BOOTYS que ya hemos visto en el pop?
Es una canción que para mí trata de cómo he tenido que currármelo. Nunca la había hecho y me apetecía hacerla de una manera divertida. No estoy hablando de mi «booty», no es mi culo en sí. Estoy hablando de si quieres este éxito.
En mayúsculas.
Sí, muy en mayúsculas.
Y chillao.
Sí, chillao. Si quieres este culo tienes que currártelo y no admito garrapatas en mi vida que se adhieran.
Soy una persona que está disfrutando mucho de esta fantasía, pero echo mucho de menos las cosas cotidianas
Has hecho una canción sobre Spice Girls, muy años 2000. ¿Tenías Spice favorita? ¿Alguna que hayas seguido en solitario? ¿O alguna canción de su repertorio que no sea la típica y te encante?
No tenía favorita, me encantan siempre todas. No comparo mujeres. Cada una tiene su esencia. Es de mis canciones favoritas de las que he escrito, porque la letra es mi biografía. Soy una persona que está disfrutando mucho de esta fantasía, pero echo mucho de menos las cosas cotidianas, tener a mis colegas cerca. Tenía ganas de salirme del molde. Empecé cantándola en fiestas de amigos y era un exitazo en las fiestas.
En JENESAISPOP ya no comparamos mujeres con otras, como en la época de Lady Gaga con Katy Perry. Te preguntaba más que nada por si veías alguna Spice en solitario infravalorada, como Alberto de Miss Caffeína, que es fan de Mel C.
Siempre se ha hablado de cuál te gustaba más. Es normal, como con la Bratz. Pero mi pensamiento es que me gustaban las 5.
El disco empieza con ‘La niña de la escuela’ una canción muy divertida, que habla de una revancha…
Es ‘La venganza de los nerds’ (risas) Es la presentación de todo lo que viene después. El orden de las canciones va un poquito de eso. A todos nos ha pasado en algún momento de nuestra vida: te has sentido invisible, inadaptado… Y cuando te ha ido bien, has recibido la atención. Va sobre eso… con frases como «baja de la nube que no eres Goku». Es puramente la fantasía de la venganza de los nerds. Ser el patito feo. Es una cosa muy pop, ¿no? Es divertido.
No sé si todo el mundo se ha sentido inadaptado o al menos todos los que nos interesamos más por la música…
Acabamos siendo artistas.
No sé si tanto la gente que acosa.
La gente que acosa también tiene problemas, también son inadaptados.
Hablemos de la producción del disco. Me han gustado especialmente las baladas y no soy yo muy de baladas. Me refiero a ‘La Llorera’ y ‘CASH’, que empieza como…
Un bolero…
Me sonaba a Cuba.
Entonces me tengo que meter más en producción en el próximo disco, porque fueron ideas mías, así que gracias. ‘Cash’ la desarrollé con los niños de Medellín (Aeme). Quería hacer algo diferente, porque había hecho mucho reggaetón. Quiero bailar pero quiero que empiece bolero y que cante un chico. Y luego entro yo dura. Me imaginé que sonaba un poquito house music. Y cambiamos. Quiero una parte puente en que vuelva el bolero. Me sentí libre. Ese día me sentí muy bien. A veces me ha dado vergüenza participar (en producción). Ellos son los genios pero ese día me sentí libre de diseñar una estructura rara. En el caso de ‘Llorera’, fue Pablo Rouss el que se voló muchísimo. Es de las cosas más frescas de este país. Lo que hizo Pablo es mágico, es envolvente. El momento en que cambian los acordes al final y entran todos los coros y armonías… hace que te sientas como yo me sentía en ese momento. Pablo es mi amigo, estuvo ahí en ese momento, cuando yo no tenía fuerza para grabar ‘Nada a nadie’, que era la que tenía que grabar para mandársela a María (Mala Rodríguez). Y me salí de la pecera y dije: «que no puedo. Me siento como una mierda. No puedo decir esto porque no me está pasando».
Mala Rodríguez colaboró conmigo cuando nadie me hacía ni puto caso
En el tema con Mala Rodríguez, ¿cómo surgió la referencia a ‘Tengo un trato’?
No, no estaba. Le pedí permiso. Le mandé la canción, me mandó su chanteo y estábamos de acuerdo con que la canción tenía mucho que ver con ‘Tengo un trato’ (canta «no quiero deberle nada a nadie»). Es como «yo voy a mi rollo».
Y le dije: «¿y si al final cantamos un cachito de ‘Tengo un trato’ las dos?» Y le encantó la idea. Ha cumplido un sueño. Siempre le digo a María que la primera vez que me subí a un escenario fue en un desfile que organizaron en mi pueblo, a hacer ‘Tengo un trato’. Fue la primera canción que me aprendí en mi vida, toda entera. Imagínate un moco de 9 años cantando: «a mí no me saques el genio que te lo mato / si está gordo, lo dejo flaco». Mi familia decía: «¿pero y el moco?».
Venir aquí y tener eso ahora en un disco que es mío… es como «María, me caso contigo». Ella sabe que si yo saco un disco, va a estar. Si presenta un libro, yo voy. Si hace un concierto, yo voy. Es un apoyo real. Ella ha sido mi madrina: colaboró conmigo cuando nadie me hacía ni puto caso. Ella escuchó ‘Mujer bruja’ y le metió con maldad. Cuando escuché eso, ese «Abracadabra», se me pusieron los pelos de punta, lloré, me desmayé… Esa fue la primera vez que yo sentí el amor de alguien a quien yo respetaba.
¿Quién no te hacía caso? A ti te fue muy bien desde el principio, ¿no?
Nadie se quería montar en ‘Ya no quiero na’. Yo sabía que era un hit, pero yo no era la… finalista de Operación Triunfo.
¿Gente consolidada tipo Mala Rodríguez o del underground?
No sé a quién le mandaron ‘Ya no quiero na’, pero lo típico de la disquera. Al final me pegué yo sola, y fue muy bonito y es mi himno. Siempre va a ser una cosa muy especial para mí. Y ‘Mujer Bruja’ para mí era el himno de mujer y yo necesitaba una mujer con la que ser bruja. Solo podía ser La Mala.
Ella tiene un temazo llamado ‘La Niña’, que está un poco olvidado…
¡¿Quién ha olvidado esa?!
En 2003 según algunos medios fue la canción del año, pero nunca está entre lo más oído de La Mala.
(canta) «Por ella nadie apostaba…» Claro.
¿Te ha dicho algo de la coincidencia de nombre?
Ni siquiera lo hemos comentado porque es súper obvio. Yo hablo de Mala Rodríguez en todas las entrevistas. Si los fans hicieran un vídeo de todas las veces que yo he dicho Mala Rodríguez en las entrevistas… No es que lo oculte, es que lo llevo pegado en la frente.
¿Cuánto te importa el éxito? Que este disco iguale al primer disco.
Cero.
Hay mucho miedo a eso que nos inculcan las disqueras de la caída de los números. La música cambia, todo cambia. Yo tengo muchísima suerte porque vendo entradas, tengo un público que me viene a ver por mi show
¿En serio?
Sí, tío, ¿sabes por qué? Hay mucho miedo a eso que nos inculcan las disqueras de la caída de los números. La música cambia, todo cambia. Yo tengo muchísima suerte porque vendo entradas, tengo un público que me viene a ver por mi show. Ser artista de streaming está de puta madre, pero hacer un buen show y que la gente pague por verte en directo es increíble. Me gusta ser ese tipo de artista, y todo sube y baja. Soy muy tranquila con eso. Corro riesgos cambiando el sonido. ¿Pero qué coño voy a hacer? Sabemos la fórmula, sabemos lo que funciona, sabemos cuál es el sonido de Lola Indigo. Mi manera de hacer melodías está impregnada en ‘La niña’. ¿De qué sirve hacer otra vez ‘Mujer Bruja’ y ‘4 Besos’? Ofrecer algo nuevo y que suene pop, dosmilero, rosa, me parecía más interesante y ponía mucho más que ir a por la fórmula.
¿Cuál es el single más arriesgado de los muchísimos que hay en este disco?
‘CULO’, me molaba que el vídeo fuera una peli. Me gusta que me hayan apoyado, es muy fresita, como el disco.
Pensaba que ‘Spice Girls’: es un sonido que no se lleva, aunque de repente ha llegado Olivia Rodrigo con ‘Good 4 U’, que es una canción guitarrera que no vi venir…
Yo tampoco. Sí puede ser la más arriesgada (‘Spice Girls’), más que ‘CULO’. Es rara, es larga, me apetecía repetir el estribillo otra vez, hacer el break de la llamada de teléfono cuando digo lo del parque… Me apetecía hacer una canción de sacar una guitarra eléctrica para contar esto, de «no quiero hacer trap, ni reggaetón ni un pop. Quiero un guitarreo. Me apetece ponerme a pegar botes en el escenario con mi guitarrista».
¿Tienes el show ya ideado o qué planes tienes?
Sí, ya tenemos todo súper planeado, falta darle forma, que es lo que da más vértigo: ensayos, salir a correr para el fondo… Es un show muy complicado. Pero sé que si sigo entrenando como hasta ahora, lo puedo conseguir.
Ni siquiera cuando intento ser Lola Indigo me sale bien ser popstar
¿Algo más que quieras comentar?
El arte visual del disco, dar las gracias a Súper Fuerte. Es un pantone con el que estoy muy obsesionada, soy muy control freak, le pongo mucha atención a todos los detalles. Los chavales de Súper Fuerte me contactaron por Instagram y tuvieron unas ideas maravillosas. Hicieron unas vampiras y dije: «tenían que haber hecho lo de ‘Akelarre'». Y dije: «pues van a hacer ‘La niña'». Tuvieron ideas maravillosas y reflejaron muy bien la idea de que aunque yo me meta en una muñeca que se llama Lola Indigo para enfrentarme a todo esto, es una muñeca mal, una peluquera mal, una jardinera mal, una surfera influencer mal…. Ni siquiera cuando intento ser Lola Indigo me sale bien ser popstar».
¿Por qué mal?
Aunque pasan los años y he llegado hasta aquí, sigo sin sentirme adaptada y parte de esto, ¿no?
Pues qué pena, ¿no?
No, no es una pena. Es guay. Vivo en la realidad. No me siento parte de la farándula ni del decorado.
Me da un poco de pena observar, por las entrevistas que hago, que nadie disfruta realmente de su mejor momento de fama.
Nadie. Son momentos muy fugaces y nadie los disfruta. Estoy muy cerca de los chavales que POOOM y es muy complicado. Vienes de un pelotazo y sientes la presión de hacer otro. Me recuerda a mi época de ‘Ya no quiero na’. Antes de ‘Mujer bruja’. Que yo me sentí acojonada. Me senté en el estudio y dije: «qué cojones hago». Es una presión para los chavales. He disfrutado otras cosas, he disfrutado de dar un concierto y que venga toda mi familia a verme, y luego irme de fiesta. Pero de las cosas que tienen que ver con el top 50 de Spotify no se disfruta.
El disco es el que querías hacer, ¿no?
Totalmente…
Pues muchas gracias.
Gracias. Me encanta JENESAISPOP y os leo mucho.
Solo un año después de que viera la luz ‘Imploding the Mirage‘, el notable último álbum de The Killers, que fue Disco Recomendado en estas páginas, la banda de Las Vegas liderada por Brandon Flowers anuncia un nuevo trabajo discográfico que saldrá en torno a las mismas fechas que aquel. ‘Pressure Machine’ llegará el próximo 13 de agosto. The Killers han revelado la portada en sus redes sociales.
El disco, que ha sido co-producido por The Killers, Shawn Everett y Jonathan Rado de Foxygen, está inspirado en la vida de Flowers en Nephi, el pueblo de Utah donde vivió entre los 10 y los 16 años. Según The Line of Best Fit, las canciones de ‘Pressure Machine’ se basan en los recuerdos de infancia de Flowers, que son tan «tiernos» como provistos de una «enorme tristeza y miedo», y el álbum incorpora fragmentos de entrevistas que el grupo ha realizado a los habitantes del pueblo, donde relatan cómo es su vida allí.
‘Pressure Machine’ también será un disco post-pandemia, pues nace de comparar la vida de Flowers «en mitad de la nada» con el confinamiento: «Cuando todo de repente se paralizó sentí que era la primera vez en mucho tiempo en que me enfrentaba al silencio. Y este disco empezó a florecer a partir de ese silencio, llenándose de canciones que en otras circunstancias habrían sido ahogadas por el ruido de un típico disco de los Killers».
Después de varios dimes y diretes parece que el nuevo disco de Kanye West se acerca. El rapero lo ha presentado el domingo durante una «listening party» privada celebrada en Nevada, Las Vegas a la que han podido asistir familia y amigos. Un segundo evento tendrá lugar el jueves en Atlanta, confirma Def Jam Recordings.
Un artículo «qué se sabe del nuevo disco de Kanye West» siempre será un poco arriesgado de publicar porque todo lo que se conozca sobre este trabajo podría cambiar de la noche a la mañana. Pero el tuit de Def Jam confirma que efectivamente el álbum que está presentando Kanye es ‘Donda’, el mismo que supuestamente iba a salir justo el año pasado pero al final no lo hizo.
Si las informaciones sobre ‘Donda’ que están llegando a la red son ciertas, parece que el álbum contaría con colaboraciones de Tyler, the Creator, Baby Keem, Westside Gunn, Lil Baby, Travis Scott o Pusha T, entre otras, y que su tracklist sería el siguiente, sin huecos para los singles recientes de Kanye ‘Nah Nah Nah‘ o ‘Wash Us in the Blood‘, a menos que sus títulos hayan cambiado:
Donda
Remote
Daylight
Hurricane
No Child Left Behind
New Again
I Know God
Breathed On This
24/You’re Gonna Be OK
Come to Life
Asistentes al evento han subido vídeos de algunas canciones a internet, y se aprecia especialmente una en la que Kanye rapea sobre una situación familiar. La personalidad de internet Justin Laboy asegura que Kanye les ha puesto el disco a él y al jugador de baloncesto Kevin Durant este fin de semana y ha destacado que la producción del álbum suena «adelantada a su tiempo» y que Kanye suena «hambriento, como si quisiera ser fichado otra vez por una discográfica». Ha compartido esta información junto a una imagen de él en la que supuestamente aparece Kanye sentado con ambos, encapuchado.
De confirmarse el lanzamiento de ‘Donda’ llegaría al mercado el primer álbum de Kanye West propiamente dicho desde 2019, año en que salió el religioso ‘Jesus is King‘, al que Kanye sucedió más adelante con el instrumental ‘Jesus is Born‘, acreditado a su Sunday Service Choir. Eso sí, los tiempos en que esperábamos una nueva obra maestra rompedora de Kanye como ‘Yeezus‘ parecen ya cosa del pasado. ¿Cambiará ‘Donda’ las tornas?
Kanye played his new album for me & @KDTrey5 last night in Vegas. Man listen! The production is light years ahead of it’s time, and the bars sound like he’s broke & hungry trying to get signed again. Any artist who plan on dropping soon should just push it back 😤 #Respectfully
Koreless, el alias del productor de electrónica galés Lewis Roberts, acaba de publicar su álbum debut a pesar de llevar ya una década en esto de la música. ‘Agor‘ es el enésimo Disco Recomendado en la web y será el Disco de la Semana.
‘Agor’ es uno de esos trabajos de electrónica que han sido esculpidos al mínimo detalle (Roberts ha trabajado en él durante cinco años). Un disco en el que ritmos, voces y demás elementos suenan perfectamente secuenciados y mecanizados, pero que, dentro de esa búsqueda de la perfección, también hace hueco a las grandes emociones. En el álbum es posible identificar influencias de la música glitch y la electrónica minimalista, otras más próximas a la obra de Oneohtrix Point Never y otras más abstractas que son pura sinestesia para los oídos.
Antes de que ‘Agor’ fuera anunciado con la llegada de ‘Joy Squad’, que ya pasó por la sección Canción Del Día, Koreless lanzó ‘Black Rainbow’, su primer single en 5 años. Entonces no se sabía que iba a ser uno de los temas más importantes del álbum, pues es el que sucede a la intro en la secuencia y es el más épico de todos. Hoy es la Canción Del Día.
‘Black Rainbow’ es una producción de electrónica que va creciendo por capas y va creando más y más tensión hasta que explota. Hace uso de sintetizadores atropellados que se arrastran como cadenas, samplea voces que tartamudean o que parecen atascadas en el tiempo y que, prácticamente, funcionan a modo de percusión; e incluye otro tipo de sintetizadores más afilados y agresivos, haciendo de ‘Black Rainbow’ una verdadera odisea sonora. Todos estos elementos se van sumando a la producción como atraídas por un eje magnético que, primero, implosiona en una masa de sonido digital que recuerda a la obra de Alva Noto, y que más adelante las engulle en uno de esos agujeros de sonido que Roberts llama «ruptura».
El vídeo de ‘Black Rainbow’ es una de esas producciones bizarras que tanto se suelen asociar al trabajo de ciertos artistas de electrónica. En él vemos a un grupo de seres extraños brincando por el campo, pero lo que parece una historia alegre en papel se presenta en una atmósfera gris y siniestra.
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