Sónar ha celebrado esta semana una rueda de prensa en la Fàbrica Estrella Damm de Barcelona para presentar a los medios la programación de Sónar y Sónar +D de 2024 que se desplegará los días 13, 14 y 15 de junio.
En el encuentro con la prensa, Sónar ha confirmado que el festival pasará a celebrarse únicamente en la Fira Gran Via de L’Hospitalet (su ubicación nocturna) a partir de 2026 por las obras de remodelación de los espacios feriales que se llevarán a cabo en Montjuïc. Se prevé que las obras acaben en 2029.
Hoy, Sónar ha revelado horarios y programación por días. Como siempre, el jueves 13 se celebrará solo en horario diurno -Sónar de Día- en la Fira de Montjuïc. Por este espacio pasarán Olof Dreijer a las 17.00, Judeline a las 17.45, Sevdaliza a las 18.45 o Folamour AV a las 22.00.
El viernes 14, Sónar de Día contará con la presencia de Laurent Garnier, que se subirá al escenario a las 18.55. En Sónar de Noche -en Fira Gran Via- Air presentará ‘Moon Safari’ a partir de las 22.00 y Jessie Ware actuará a partir de las 23.30. Ben Böhmer está programado a las 1.05 y Kaytranada a las 2.25, entre otros.
En cuanto al sábado, la programación de Sónar de Día contará con la presencia de Mainline Magic Orchestra a las 16.20, Tommy Cash a las 18.40 o Laurel Halo a las 19.45. Inaugurará Sónar de Noche Paul Kalkbrenner a las 22.00 y le seguirán Vince Staples a las 23.30, Charlotte De Witte a las 1.15 o Floating Points a las 2.30. Todos los horarios están disponibles aquí.
Con la tontería, Jessica Pratt se ha convertido en un pequeño icono del folk de nuestro tiempo. Residente de Los Ángeles, Pratt ha cultivado un sonido intimista y onírico, ha firmado clásicos como ‘This Time Around’ u ‘On Your Own Love Again’, ha puesto en el mapa una de las voces más peculiares del pop actual y ha conquistado a superestrellas como Troye Sivan, que la ha sampleado en su último disco.
Este es el escenario en que se publica ‘Here in the Pitch’. El nuevo álbum de Jessica Pratt -el cuarto en total- supuestamente es más “terrenal” y “presente” que el anterior, ‘Quiet Signs’, un disco -según la nota de prensa-, al contrario que aquel, más etéreo e “ingrávido”. Lo cierto es que, los dos discos, que han sido producidos por la misma persona, Al Carlson, no son tan diferentes. Y eso que el primer single, ‘Life Is’, anticipaba lo contrario.
Los redobles y goteos de piano de ‘Life Is’ llevaban a Pratt a los sesenta psicodélicos de Jefferson Airplane y Mamas and the Papas, sin perder de vista la sensibilidad tan “hauntológica” de su autora. Dedicada a los misterios de la vida, ‘Life Is’ evoca el “lado oscuro” de la era hippie y es, por sonido, una canción excepcional en el repertorio de Jessica Pratt. Habría sido grato que más canciones de ‘Here in the Pitch’ siguieran su pauta, pero no es el caso.
En su lugar, Jessica Pratt tira del hilo de ese folk taciturno que ya exploraba en su trabajo interior y, sobre todo, ahonda más que nunca en los misterios de la bossa nova. En ‘Better Hate’ “aguarda tiernamente un amor” esculpiendo una melodía que vale oro. La influencia de la bossa es tan obvia en ‘By Hook or By Crook’ que es fácil imaginar a Julie London cantándola. También en la oscuridad.
Porque la atmósfera de ‘Here in the Pitch’ es de solitud absoluta. Quienes están “aquí” presentes son Pratt y la noche. Las percusiones emergen sutiles, casi imperceptibles, en ‘Better Hate’ o ‘The Last Year’, se pueden sumar tímidamente vientos metales aquí y allá, pero la base de las canciones es principalmente acústica. Desde esas coordenadas Pratt suma un nuevo clásico a su repertorio llamado ‘World on a String’, otra canción de Pratt preocupada por el paso del tiempo y la trascendencia que, irónicamente, logra detener el presente. Pero la noche, a Pratt, puede cegarle un poco.
En ‘Nowhere it Was’ la oscuridad es total y absoluta. Apenas un suave órgano acompaña a Pratt en una travesía que se presume sin dirección clara. Es uno de esos momentos que, en un disco tan corto, hacen que el conjunto sepa a poco. ‘Glances’, un interludio dentro de un disco de apenas nueve pistas, contribuye a esta sensación. Y, aunque la melodía de la fantasmal ‘Empires Never Know’ es de las más bonitas del disco, casi propia de Carole King, como canción no parece tan desarrollada como debería.
A medida que ‘Here in the Pitch’ avanza y el sonido de ‘Life Is’ queda completamente relegado a esa pista inicial, el nuevo disco de Jessica Pratt termina pareciendo más una extensión del anterior, que una obra con una entidad igual de propia. Sin embargo, con melodías tan bellas como la de ‘Get Your Head Out’ o, sobre todo, ‘The Last Year’, la pista de cierre, tan clásica en el mejor de los sentidos, Pratt sigue dándonos lo que, en el fondo, queremos.
Dúo Dinámicoha concedido una entrevista a El Mundo con motivo de la entrega a sus dos integrantes, Ramón Arcusa y Manuel de la Calva, de la Medalla de Honor de la SGAE por sus 65 años de carrera.
En la entrevista, Dúo Dinámico habla sobre su carrera y también sobre política, preguntado por su opinión sobre el mundo actual. Ni Arcusa ni De La Calva se muerden la lengua elaborando su opinión sobre feminismo -desfavorable- o sobre el cambio climático, el cual tildan de «timo».
Arcusa, en primer lugar, se posiciona contrario a la Agenda 2030 y sus premisas porque, dice, es un «relato de un comité de expertos de la ONU que decide cómo hemos de vivir, pensar, soñar, comer o tener relaciones sexuales». A continuación, Arcusa asegura que el cambio climático le parece el «timo más universal jamás perpetrado en favor de negocios eólicos y solares para hundir los del petróleo», y acusa al Gobierno de Pedro Sánchez de tapar la «verdad» usando el «bulo como arma».
En contra del «feminismo radical» se muestra De La Calva porque, dice, ha ayudado a construir un «relato» que enemista a mujeres y hombres. De La Calva opina que el feminismo radical «ha conseguido que muchas mujeres nos vean a todos los hombres como asesinos, violadores y maltratadores» y añade que esta circunstancia puede suponer un peligro para la «continuación de la especie» porque «crea una desconfianza mutua antes de que nada empiece». A continuación, el Dinámico sentencia: «A las mujeres no les hace falta el empoderamiento. Desde tiempos inmemoriales tienen el mando a distancia para controlar a los hombres y todos sabemos cuál es. Dicho esto, no podríamos vivir sin ellas».
En los últimos años, Dúo Dinámico ha vuelto a la actualidad musical participando en el festival Sonorama Ribera y, después, de manera involuntaria, poniendo banda sonora a la pandemia en España con el viral de ‘Resistiré‘. Sin embargo, sus declaraciones sobre feminismo parecen obviar las crecientes cifras de mujeres víctimas de violencia machista y/o doméstica. Por otro lado, el calentamiento global es una realidad ratificada por el consenso científico.
Dua Lipa acaba de lanzar su esperado tercer álbum. ‘Radical Optimism‘ no es ese disco «radical» que anticipaba la confirmación de Tame Impala y Danny L. Harle en el papel de productores, ni mucho menos el contundente sonido de ‘Houdini’, pero el repertorio incluye temas tan reivindicables como el que se ha elegido para servir de «focus track» en la semana de lanzamiento del disco.
Mientras la bailonga ‘Illusion’ no termina de morir en listas -en Reino Unido acaba de subir al puesto 16 de la lista oficial, mientras en el global de Spotify ronda el top 50-, ‘These Walls’ tiene todas las papeletas de convertirse en el cuarto sencillo del álbum. Es la Canción Del Día de hoy.
‘These Walls’ representa la faceta «optimista» de ‘Radical Optimism’. No en el sentido espiritual -esa descripción se la lleva ‘Happy for You’- pero sí en el de la luminosidad que irradia la producción. En lugar de bajos funk y ritmos disco, ‘These Walls’ opta por un sonido de pop-rock liviano que parece inspirado en el trabajo de Texas o los Cardigans. Baterías, guitarras acústicas e incluso el efecto «pedal steel» de guitarra eléctrica acompañan ahora a Dua Lipa.
Por su sonido orgánico, sorprende que ‘These Walls’ no haya sido una de las canciones de ‘Radical Optimism’ que Dua Lipa ha elegido para promocionar el disco en directo estos días, primero en Saturday Night Live y, después, en un directo gratuito en Times Square.
‘These Walls’ será conocida en el repertorio de Dua Lipa por la frase de su estribillo «si estas paredes hablaran, nos dirían que rompamos». En ‘These Walls’, Dua afronta la dura realidad de una relación sentimental truncada por las diferencias y la falta de comunicación. Pero, aunque ella lo tiene claro, no quiere ser ella quien dé el paso: «No quiero ser yo quien rompa», canta.
Travis Kelce, jugador de fútbol americano conocido a escala global, también, por ser pareja de Taylor Swift, hará su debut en la televisión de la mano de Ryan Murphy, confirma Deadline. El director de ‘American Horror Story’le ha fichado para su nueva serie.
La serie en cuestión se llama ‘Grotesquerie’ y se sumergirá en el género de terror. Kelce formará parte del reparto de ‘Grotesquerie’ junto a Niecy Nash-Betts, conocida por su papel de vecina de ‘Dahmer‘, serie también dirigida por Murphy; Courtney B. Vance, famoso por su papel de fiscal adjunto en ‘NBC Law & Order: Criminal Intent’, y Lesley Manvill, quien acaba de encarnar a la Princesa Margarita en ‘The Crown’ y a la abuela de Amy Winehouse en ‘Back to Black’.
Aunque no han emergido más detalles acerca de ‘Grotesquerie’, ni de la trama ni del resto del reparto, se sabe que la serie se encuentra ya en proceso de producción con el objetivo de que se estrene en otoño. La llegada de ‘Grotesquerie’ a las pantallas coincidiría con el inicio la próxima temporada de fútbol americano en Estados Unidos. Kelce estará de vuelta jugando en los Kansas City Chiefs tras su victoria en la última Super Bowl, donde fue visto encariñado con Taylor Swift.
Las acampadas universitarias de estudiantes que protestan contra la masacre de Gaza se han extendido desde Estados Unidos por todo el mundo y han llegado a España. La Facultad de Filosofía de Valencia acoge desde hace una semana la primera en nuestro país, a la que pronto -informa El País– se sumarán más acampadas en campus de Madrid, Cataluña y Andalucía.
En el mundo de la cultura, mientras la UER critica que los artistas expongan símbolos palestinos en Eurovisión, otros artistas se suman a la causa libremente. Es el caso de Vetusta Morla, que visitará la Universidad Complutense de Madrid este mediodía a las 13 horas, y del rapero estadounidense Macklemore.
Macklemore, conocido en el mundo del pop por su éxito de 2012, ‘Thrift Shop’, junto a Ryan Lewis, sigue su carrera en solitario y ha estrenado un tema inspirado por las acampadas universitarias en Estados Unidos. ‘Hind’s Hall’ se llama como el edificio ocupado por el estudiantado en la Universidad de Columbia, a su vez, rebautizado con este nombre por la muerte de la niña de seis años Hind Rajab, en Gaza.
En ‘Hind’s Hall’, Macklemore rapea sobre las acampadas, sobre la complicidad de Estados Unidos con Israel y sobre racismo institucional, entre otras cosas, sobre un sample de ‘Ana La Habibi’ de Fairuz, la icónica cantante libanesa.
En una de las líneas más llamativas de la letra, Macklemore llama la atención a la industria musical por su «silencio» sobre el conflicto… y cita por nombre a uno de los raperos más populares del mundo: «Nunca nos vencerán mientras la libertad permanezca en el horizonte / Pero la industria musical sigue callada, cómplice en su plataforma de silencio / Quiero un alto al fuego, que le den a una respuesta de Drake«.
‘Hind’s Hall’ está disponible en Youtube y pronto lo estará en el resto de plataformas de streaming. Todas los beneficios obtenidos por ‘Hind’s Hall’ serán donados a la UNRWA, la Agencia de Naciones Unidas para la población refugiada de Palestina.
The Blaze se ha convertido en uno de los grupos de música electrónica más populares de los últimos años. Sus eufóricas y emocionantes canciones, y sus asombrosos videoclips, en los que reflexionan sobre temas como la inmigración o la masculinidad, han conquistado a un público masivo que abarrota sus conciertos. La gente quiere volar con los hipnóticos sonidos de ‘Territory’, ‘Eyes’ o ‘Virile’ -probablemente su mejor canción- y sus shows no son auténticos portales hacia algún lugar sublime. Sus autores e integrantes de The Blaze, por cierto, son primos: Jonathan y Guillaume Alric me atienden por Zoom para hablar de su segundo disco, ‘JUNGLE’, y de otros temas. The Blaze estará actuando en Tomavistas el viernes 24 de mayo y en Mallorca Live el sábado 15 de junio.
Estáis constantemente de gira. ¿Os ha dado tiempo de perder algún instrumento?
Jonathan: Hemos tenido problemas perdiendo parte del equipo y, en algunos conciertos, hemos tenido problemas técnicos debido a ello. Sin embargo, nunca hemos perdido nada importante ni nos hemos enfrentado a una situación grave. Siempre que nos ha pasado algo hemos encontrado una solución.
Hablando de las giras, ¿os gusta la vida de hotel?
Jonathan: Me gusta relajarme, tomarme una siesta, pero la vida de hotel no es interesante, no tienes tiempo de ver la ciudad como un turista. Te sientes un poco solo y es un poco aburrido. Y al día siguiente ya tienes que coger otro avión.
Guillaume: La mejor parte de hacer giras es mostrar el concierto a nuestro público. Y ver al equipo. Juntos somos una familia.
¿Cuál es vuestro primer recuerdo musical?
Guillaume: Recuerdo que mis padres solían poner música clásica los domingos cuando salíamos pasar el día fuera en en el bosque que había cerca del pueblo donde vivíamos. Al volver a casa, encendía una pequeña hoguera y ponía la misma música. Cuando escucho esa música recuerdo la misma emoción que sentí cuando la escuché de pequeño por primera vez.
Jonathan: Me viene a la mente cuando mis padres ponían la radio en el coche. Mi padre también sintonizaba música clásica. Cuando era adolescente también escuchaba música clásica porque mi novia la tocaba. Pero, la música que realmente me impactó en mi vida, es la que escuchaba en película. La banda sonora de ‘Reservoir Dogs’ de Quentin Tarantino me encantaba.
Es interesante que vuestros primeros recuerdos musicales conecten música e imágenes, como hacéis ahora. ¿Creéis que este primer contacto musical ha influido vuestra carrera?
Jonathan: Cuando me empezaba a gustar la música, la escuchaba mucho y escribía historias. Cada vez que quería escribir una historia escuchaba música y, en concreto, escuchaba música clásica, porque es instrumental, no tiene letras y estimulaba mi creatividad. La música me ayudaba a escribir historias y a ser creativo.
Gullaume: Emocionalmente, creo que escuchar música clásica de joven me inspiró a aplicar esa emoción a mi propia música. Después, en la adolescencia hice amigos que tocaban la batería, la guitarra o el piano, y me di cuenta de que quería probar otras cosas. Quería experimentar con el hip-hop y con los sintetizadores. Y de ahí a donde estamos ahora.
¿Cómo lleváis el «hype» en torno a The Blaze? En los festivales la gente se muere por veros.
Guillaume: Estamos muy agradecidos a la gente, a los fans y a los que no son fans, pero ese «hype» a nosotros no nos llega. En la vida real somos gente normal, y cuando digo normal quiero decir muy, muy normal (ríe). En casa vivimos en nuestra burbuja, y eso nos ayuda a mantener los pies en la carrera.
Vuestras canciones buscan la euforia. ¿Vosotros cómo bajáis de esa nube?
Jonathan: Me gusta ir al cine, ver una peli solo, escondido en la oscuridad, no tengo que socializar (ríe) Cuando voy al cine sé que la película que vea va a reclamar toda mi atención y me ayudará a estar presente en el momento. Así que disfruto mucho de ir al cine, excepto cuando la película es mala. También me gusta salir con amigos. Ahora que empieza a ser primavera, salir a tomar algo en París es agradable.
Guillaume: Me gusta ir a exposiciones, leer cómics y, cuando puedo, cuando vuelvo a mi pueblo, caminar por la naturaleza y contemplarla. Simplemente mirar la naturaleza me ayuda a inspirarme.
Vuestro disco, ‘JUNGLE’, salió el año pasado. ¿Creéis que es una evolución de vuestro debut, o más bien un refinamiento?
Jonathan: Lo considero una evolución. En el disco hemos intentado proponer algo diferente, ir a otro lado. En ‘JUNGLE’ hay temas pop, otros más bailables y tecno. El disco lo creamos durante el confinamiento, pasamos por estados de ánimos muy diferentes, y creo que eso se refleja en la música, y en la historia que cuenta.
Guillaume: También es diferente en el sentido técnico. En ‘JUNGLE’ hemos usado más sintetizadores analógicos que en el debut. Hemos grabado todas las voces con efectos analógicos antiguos. En ‘DANCEHALL’, por contra, casi todo estaba grabado en ordenador.
«El título de ‘JUNGLE’ habla de la jungla que puede ser también la humanidad»
¿Cómo es vuestro proceso? ¿Sois metódicos o más de improvisar y dejaros llevar?
Guillaume: Cuando componemos somos totalmente de improvisar (NdE: enseña el estudio por la cámara del ordenador). No tenemos una receta, trabajamos y esperamos a que la inspiración llegue. A veces eso pasa y otras no. Nos gusta que la inspiración venga no por accidente, sino de manera orgánica y natural.
¿Los visuales vienen antes que la música o al revés?
Jonathan: No hay receta, depende de la canción, depende del vídeo. En ‘DREAMERS’ queríamos hablar del tema de los refugiados y, cuando compusimos la canción, ya teníamos imágenes en nuestra cabeza. Generalmente tenemos la música hecha y después pensamos en el vídeo. En ocasiones, cuando ha tocado editar el vídeo, hemos modificado la música para que encaje mejor, por ejemplo, con ‘MADLY’: la versión del vídeo es diferente a la del disco.
¿Por qué tituláis vuestros discos con géneros musicales?
Jonathan: ¿Por qué no? (reímos todos)
Guillaume: Con ‘DANCEHALL’ queríamos hablar no solo de esta música sino de la gente que baila en esos salones. En ‘JUNGLE’ nos hacía gracia seguir la idea. Pero el título de ‘JUNGLE’ tiene otro significado inspirado en el concepto de jungla de hormigón. La portada es una fotografía tomada desde el aire de México, donde vive gente de muchas partes del mundo. Es un sitio muy social. El título de ‘JUNGLE’ habla también de la jungla que puede ser la humanidad.
Steve Albini ha muerto a los 61 años a consecuencia de un ataque al corazón. Así lo confirma Pitchfork. Considerado uno de los mejores productores del underground de todos los tiempos, Albini fue responsable del sonido de discos tan icónicos como ‘In Utero’ de Nirvana, ‘Surfer Rosa’ de Pixies, ‘Rid of Me’ de PJ Harvey o ‘Things We Lost in the Fire’ de Low.
Además, fue parte de formaciones como Big Black, Rapeman, Flour y Shellac, el grupo que quizá más ha actuado en Primavera Sound de la historia: casi todos los años desde 2006, excepto 2007 y los años de pandemia, hasta un total de 15 ediciones. Este año Steve Albini volvía con Shellac como siempre, nos informan desde la organización.
Entre los artistas para los que ha trabajado están también The Breeders, Godspeed You! Black Emperor, Mogwai, Low, Joanna Newsom, Manic Street Preachers y Jarvis Cocker, entre otros cientos y cientos y más cientos. Pero sobre todo definió un tipo de sonido crudo y áspero, que ha marcado profundamente el trabajo de una generación underground. Aunque solo fuera a veces por una cuestión de principios: además de su rechazo a las multinacionales, le gustaba ser acreditado como ingeniero de sonido y no tanto como productor.
En España muchos artistas reclamaron sus servicios a raíz de haber participado en algunos de los mejores discos de la historia, como 12Twelve. La M.O.D.A. lograron que grabara uno de sus EP’s y nos hablaban así de la experiencia: “Él te dice sí o no: si le cuadra. Te pide 3 canciones. Pregunta qué tipo de grupo es, si está en una multi… y decide con quién trabaja y con quién no. Nos dijeron que curra como 2 días a la semana, la mitad del mes. No anda pillado”.
Albini también podía ser una persona polémica y de hecho conocidas eran sus opiniones desinhibidas y sin filtro, como cuando llamó «idiota» a Amanda Palmer por recurrir a los crowdfunding. Por ejemplo, La M.O.D.A. nos contaban que no le gustó Rosalía cuando se la pusieron. En cierta ocasión dijo que Sonic Youth deberían avergonzarse de haber fichado por Geffen, o que la cultura club versaba sobre «la ropa y sobre las drogas».
Aunque nada tan icónico en su carrera como aquella grabación de ‘In Utero’ de Nirvana, controvertida como pocas. Al final se publicaron mezclas distintas para los tres principales singles, para sonado cabreo de Steve, que había pedido que no se tocara nada de lo que grabase. Algunas de sus últimas obras han sido para Black Midi, Nina Nastasia y Cat’s Eyes.
Lady Gaga nos ofrece al fin novedades, si bien no sobre la música que está grabando. A falta de que se estrene ‘Joker’, la cantante anuncia que el ‘Chromatica Ball Tour’ se subirá a la plataforma HBO el próximo 25 de mayo. Esto es, en menos de 2 semanas.
La gira que presentaba Chromatica tuvo que aplazarse primero sine die a causa de la pandemia, pero finalmente pudo realizarse en 2022. Fue breve en duración y no pasó por España, pero sí amplia en cuanto a grandes estadios. De los 20 shows mundiales, solo 6 tuvieron lugar en Europa y Reino Unido, de los cuales reseñamos el monstruoso show de París.
El concierto incluía algunos de los temas de ‘Chromatica’, quizá el mejor disco de su carrera, pero siendo también generoso en hits como ‘Bad Romance’, ‘Just Dance’, ‘Poker Face’, ‘Telephone’, ‘Born this Way’ o ‘The Edge of Glory’. Curiosamente no estaban en el repertorio ‘Bloody Mary’, viralizada después de la pandemia, ni ‘Judas’, que también ha tenido un gran recorrido en los últimos tiempos.
Alizzz, autor de nuestro penúltimo Disco de la Semana ‘Conducción temeraria‘, visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP. Cuando está a punto de presentar el disco en Tomavistas («Yo soy un artista de noche. La gente viene a saltar a mi concierto»), nos cuenta los entresijos de un álbum que según él mismo, ha orquestado con la guitarra eléctrica como elemento distintivo. Por ahí, nos descubre la conexión curiosa entre ‘La canción que no quiero cantarte’ de Amaia y Aitana, y su nuevo último hit con Maria Arnal, ‘Despertar‘.
Eso sí, estamos hablando de guitarras rotas y tratadas hasta la saciedad, a menudo como si fueran sintetizadores, lo que nos sirve para hablar con Cristian Quirante sobre la diferencia entre producir y escribir un tema. Nos explica sobre producción: «es la búsqueda estética del vestido que le das a una canción. Una canción es una estructura y una letra. Y luego tú eso lo puedes transformar de la manera que sea. La búsqueda de esa forma es lo que hace un productor».
Quirante se crio en los 90 obsesionado por el segundo disco de Oasis o el álbum ‘Blur’ más por ‘Beetlebum’ que por ‘Song 2’, pasando después a la electrónica. Sin embargo, afirma no tener realmente un artista o un productor de cabecera: «No tengo referencias como «A, B y C, y este es mi imperio romano»».
Nos sorprende cuando afirma que no le gusta el rap: «No me gusta el rap (risas) No he sido rapero. Me gusta el rap pero mezclado con más cosas. En general la música pura… siempre me han gustado las cosas cuando se encuentran y se fusionan. El rap me empieza a gustar cuando se mezcla».
Hablamos sobre su trabajo en discos como ‘Ídolo’ o ‘El Madrileño’ de C. Tangana, sobre cómo fue la grabación histórica de ‘Antes de morirme’ y sobre el futuro de la música pop en la actualidad. Y ahí se muestra un poco reticente: «Siento que hay un colapso, un bloqueo. Una ida hacia lo genérico. Sobre todo en España y en el mundo latino hemos tenido una explosión de creatividad increíble con todo el pop urbano. Ha sido una de las explosiones culturales más jevis que hemos tenido, pero como todas las tendencias, se satura».
Continúa, sobre la deriva de la industria: «Se está jugando a ir hacia algo más genérico, y eso va a explotar en algún momento. La gente que escuchamos mucha música puede que estemos ya cansados. Y tenemos hastío de esos géneros. Hay gente que va haciendo cosas interesantes. Pero no sé hacia dónde va a ir. O no sé si vamos a seguir yendo hacia ningún lado, yendo hacia lo genérico, genérico, genérico. Veo ahí como un nexo entre la inteligencia artificial y el mundo genérico. Como que se mezcla. Cada vez me interesan menos los fenómenos pop mundiales. No encuentro nada que me parezca interesante. Lo último interesante fue lo de Artemas o la balada de Joji que fue número 1 mundial, a piano. Hay cosas outsiders que se llevan éxito y popularidad. Pero no sé qué va a ser lo próximo genérico formulaico que triunfe».
En esa línea y por motivos parecidos, Alizzz nos revela que nunca ha sentido mucho a Beyoncé ni el pop escrito como «por por 7 tíos encerrados en una sala. Lo escucho y no dejo de pensar en esa imagen. Pero no es por Beyoncé, es por ese tipo de proyectos». Por el contrario, elogia ‘Motomami’ de Rosalía por sus imperfecciones, y tiene ganas de escuchar el nuevo de Lana del Rey.
«Hay un nexo entre inteligencia artificial y el pop genérico. No sé si vamos a ir hacia ahí»
Un capítulo interesante es en el que recuerda lo que sucedió al lanzamiento de ‘Que pasa nen‘ en Cataluña, su primer tema en catalán, que hablaba sobre la escena con humor y un punto crítico. Alizzz tuvo dudas sobre si lanzarla, por lo que iba a pensar su madre: «Fue jevi. Levantó un revuelo bestia. Fue entretenido. Fue un reto surfear esa ola tan grande. Puedes sacar cosas buenas o puedes ser arrastrado y salir mal parado. Gestionar eso fue emocionante. Creo que lo hice bastante bien. Hay gente que me puso una cruz y una raya pero creo que gané respeto artístico. Creo que es lo más importante que he sacado de esa canción. Si haces una canción de amor puedes conseguir respeto artístico por la producción o la manera de explicarlo. Pero algo político, eso no lo hace un cantante. Eso lo hace un artista. Y hacerlo de una manera inteligente, me sirvió para entregar un Premio Gaudí. Si no, ¿de qué voy a entregar yo un Premio Gaudí?», bromea.
Los seis concursantes mejor clasificados de Operación Triunfo 2023 interpretan ‘La Gravedad’, tema con el que la industria musical brinda su apoyo al equipo español en los Juegos Olímpicos 2024 de París celebrando su «constancia, esfuerzo y sacrificio».
Naiara, ganadora de Operación Triunfo 2023, interpreta el tema junto a los finalistas Paul Thin, Ruslana, Juanjo, Lucas y Martin. Todos ellos han compuesto ‘La Gravedad’ junto a Juan Figols y Mario Lazaro, y Figols la ha producido junto a DJ Nano.
‘La Gravedad’ es una canción escrita en un estilo de pop-rock uptempo y épico, acorde con el mensaje de superación de su letra, de la que se extraen frases como «la gravedad no podrá conmigo» o «hasta el final seguiré mi destino». Cada uno de los seis ex-concursantes del talent canta por separado, y todos juntos armonizan el estribillo.
‘La Gravedad’ se ha estrenado hoy en un encuentro celebrado en los Centros de Alto Rendimiento del Consejo Superior de Deportes. En su videoclip aparecen los mencionados concursantes, así como imágenes deportivas de nadadores y gimnastas.
Daga Voladora es el proyecto de Cristina Plaza, a la que probablemente conozcas por ser una de las mitades de los Clovis junto a Fino Oyonarte (ex integrante de Los Enemigos), por su participación también en Los Eterno o por su último alias Gran Aparato Eléctrico.
Bajo el alias de Daga Voladora, Plaza -afincada en Madrid- ha situado el sonido de sus primeros lanzamientos entre el lo-fi de los primeros Beach House y la total libertad de explorar otras estéticas vinculadas tanto a lo naíf (‘Bengala’) como a la discoteca de los ochenta (‘Entre las sombras’). Su voz, personal en su sequedad, aporta una capa diferente a las composiciones.
Después de publicar estos dos trabajos autoeditados en 2016, ‘Chiu-Chium‘ (en el estadounidense OSR Tapes) y ‘Primer segundo‘ (Gramaciones Grabofónicas), y después un puñado de singles sueltos, Daga Voladora prepara el lanzamiento de su tercer larga duración, ‘Los manantiales’.
De este trabajo que se publica el 17 de mayo se han extraído ya dos adelantos. Por un lado, ‘Quise ser’ es el más influido por Broadcast en el aspecto sonoro, pues su producción devanea entre el dream-pop y las maquinitas del BBC Radiophonic Workshop. No obstante, la melodía es atemporal como la de una canción de pop español de los sesenta y setenta.
Y, estos días, ha salido ‘Diamante’, segundo adelanto de ‘Los manantiales’. En este corte más alegre y uptempo aún los sintetizadores exploran texturas experimental, pero la guitarra y la melodía encuentra un punto medio entre los universos de Elefant y Austrohúngaro. Se trata de un tema que «podría ser una oda a Syd Barret o al bocata de calamares» pero que, en realidad, «no habla más que del potencial desaprovechado». De potencial, en ‘Los manantiales’, parece haber de sobra.
Reconozco que me acerqué a Alcalá Norte con la alarma “industry plant” en la cabeza: de repente estaban por todas partes, gente del mundillo hablaba de ellos como de la Segunda Venida de Cristo, su «community manager» era un genio que dejaba en bragas al de MediaMarkt, etc.
Ciertamente el CM es un genio, pero lo cierto es que Alcalá Norte no están “de repente” por todas partes, sino que llevan un largo camino detrás, y, aunque es cierto que hay ejemplos de bandas que te quieren meter por narices (también os digo que esto no siempre funciona), todas las generalizaciones incluyen sus excepciones, y lo de la banda de Ciudad Lineal es una excepción clarísima. Y oye, qué gusto da cuando te callan la boca de esta manera.
Álvaro Rivas (voz), Juan Pablo “Juampi” Juliá Ciarelli (guitarra), Jaime Barbosa (batería), Pablo ‘Admin’ (bajo), Laura de Diego (teclados) y Pablo Mendoza (guitarra) son la formación actual de la banda, pero ésta ha sufrido numerosos cambios desde que naciera en 2019, entre Barbosa (que venía de tocar siete años en otra banda) y Juampi. Rivas se les unió para cantar unas versiones de ‘Boys Don’t Cry’ y ‘Perlas ensangrentadas’, y comenzó la fiesta, que se iría perfilando durante la post-pandemia, con búsquedas de miembros en foros de Internet.
Quizás este pequeño caos dilatado en el tiempo ha contribuido a la heterogeneidad del grupo, porque, en palabras del propio Barbosa: “Describir el sonido es complicado simplemente porque es el que sale. Me parece más sano y bonito que en las bandas a cada uno le guste una cosa, para que cada uno aporte su estilo y se cree un Frankestein nuevo. Si te montas un grupo de seguidores solo de Iron Maiden, te va a quedar Iron Maiden mal”.
Efectivamente: en ‘Alcalá Norte’ (publicado por el sello Balaunka) hay post-punk, sí, pero es que de repente hay temas de corte bastante brit-pop, e incluso deciden despedirse con una canción que parece el resultado de meter a Medina Azahara en una rave (la estupenda ‘El Guerrero Marroquí – Bakala Norte Mix’, inspirada en un capítulo de ‘A sangre y fuego’ de Chaves Nogales y producida por Adri de [VVV] trippin you).
Se habla de gente como The Smiths, The Cure, Joy Division, The Clash, The Stone Roses o Echo & the Bunnymen a la hora de sacarles parecidos, pero me parece curioso que, a nivel nacional, solo se esté mencionando a Carolina Durante; imagino que es porque nos recuerda al fenómeno que tuvieron ellos en su día, pero a mí me viene a la cabeza también gente tan dispar como Burning, Love of Lesbian (la manera de intepretar tan particular de Álvaro Rivas la encuentro en un punto entre los vocalistas de ambas bandas), Alaska y Dinarama, Pistones o El Último Vecino.
Y me parece significativo cómo varias de sus canciones son capaces de sonar 100% generacionales… y a la vez podrían ser perfectamente una banda ficticia que Carlos Alcántara va a ver en un capítulo de los 80 de ‘Cuéntame’. Hablo de ‘La Calle Elfo’, ‘Los chavales’, ‘La vida cañón’ o ‘La sangre del pobre’, cuatro temazos que se harán competencia entre sí para estar en el Top de 2024.
“Es el amor de madre una cuestión social / son esos ojos negros los que aprendieron a odiar” cantan en ‘La Calle Elfo’ (con guiño a la Cantata 147 de Bach), o “dice dar la limosna cuando eyacula sobre miseria / ocho familias reparten el pan / y si ganas una barra de más será por casualidad” en ‘La sangre del pobre’. Aunque, sin duda, la corona en cuanto a letra se la lleva ‘Westminster’: “tengo el decreto secreto de Dios en mis manos / y he pensado que quizás sea mejor no leerlo / no sabré si mi destino es de salvado o de caído / pero así conservaré del pecado su atractivo”, dicen en un tema rarísimo con spoken word incluido y que, por momentos, parece un feat de Nine Inch Nails con Grimes. Es uno de los momentos más destacados de la producción, a cargo de Carlos Elías Caballero (Doctor Rock) y Pablo Fergus.
Carlos y Pablo han querido alejar a la banda de la oscuridad de sus primeras maquetas y centrarse en una misión: que esto sonase como sus directos. Y desde luego puedo imaginar lo bien que funcionarían ahí la excelente ‘No llores, Dr. G’ (nunca imaginé sentir melancolía en una canción sobre Goebbels), o la versión de La Paloma ‘El Rey de los Judíos (Un Cosquilleo)’. Ojalá pronto pueda no solo imaginarlo sino vivirlo, porque con este disco ocurre algo más difícil de lo que parece: escuchar estas once canciones hace que te entren mil ganas de verles en concierto. Verdaderamente, hacía mucho que no veía en la escena española un debut tan potente, hasta el punto de que, si mañana Alcalá Norte se separasen, apuesto a que esto se quedaría como disco de culto. Pero eh, no quiero comprobar esta teoría: ¡seguid sacando más canciones!
Dorian estrenan hoy en exclusiva en JENESAISPOP el vídeo que presenta su nueva era. ‘Algo especial’ es el primer single de su nuevo disco. Una canción que regresa a su sonido clásico tras los experimentos de su último álbum ‘Ritual’, algo incomprendidos entre sus fans, aunque interesantes. Pocas veces el grupo ha sonado tanto a OMD. Después, parece haber una referencia más inesperada a Sabina en aquella canción del “bulevar de los sueños rotos”, que a su vez era un homenaje a Chavela Vargas.
Nuestra Canción del Día hoy retrata una ruptura («Mataste por mí, pero algo se perdió»), pero quedándose con lo positivo. «Ahora que hemos llegado al final, quiero recordar que fue especial», es su lema. El vídeo captura los mejores momentos de una joven pareja, con la nostalgia y el mimo habituales en la discografía de Dorian.
Nos lo cuenta el propio Marc Gili: “’Algo especial’ es una canción que habla sobre la superación positiva del duelo causado por una ruptura sentimental. Una vez superada la necesaria fase de dolor, tenemos dos opciones: focalizarnos en los malos recuerdos que nos trae evocar dicha relación, o centrarnos en recordar las buenas experiencias que vivimos junto a esa persona, y en todo lo que hayamos podido aprender a su lado. La letra de ‘Algo especial’ apuesta por esta segunda opción».
Es, además, una ruptura que se ha producido dentro de la banda, y que el grupo siempre había llevado en total discreción. Belly y Marc eran pareja, pero según detalla la nota de prensa, dejaron de serlo «hace unos años». Nos cuenta Marc: «Si Belly y yo no hubiésemos sido capaces de pedirnos disculpas mutuamente y de volcarnos en los recuerdos positivos, Dorian habría terminado y, lo más grave, tampoco seguiríamos siendo amigos. Por fortuna, fuimos capaces de centrarnos en lo bueno, en lugar de dejarnos arrastrar hacia el lado oscuro».
Dorian ya tienen cerrada una serie de fechas por festivales que tendrán lugar los próximos meses, como el FIB, Antorchas Festival en Albacete o Spring Alicante.
11 de mayo: Sonoramex, Ciudad de México
18 de mayo: Interestelar Sevilla
31 de mayo: Spring Alicante
1 de junnio: Talavera Spring Festival
13 de junio: Feria de Plasencia, entrada libre
22 de junio: Antorchas Festival
5 de junio: Oasis Sound, La Solana
18-20 de julio: FIB
25-27 de julio: Brisa Festival
09-11 de agosto: BRUNCH! ELECTRONIK FESTIVAL
15-17 de agosto: Mediterránea Festival
29 de agosto: Festival Gigante
06-07 de septiembre: Vive Latino
04 de octubre: SUM FESTIVAL
11-12 de octubre: Love to Rock
Supersubmarina han acudido a La Resistencia para promocionar ‘Algo que sirva como luz’, el libro de Penguin en el que el periodista Fernando Navarro narra su ascenso a la fama truncado por un accidente de coche, y ‘La maqueta’. El disco sobre sus inicios les ha dado recientemente su primer número 1 de ventas en España, sobre todo gracias a su buen funcionamiento en vinilo.
Esta entrevista ha estado felizmente más marcada por el humor que las del día en que presentaron el libro, lógicamente. Aquel día que emocionaron a la prensa y a unos cuantos fans, recibiendo un minuto de aplausos en pie, ha dado paso a la alegría. Si aquel día en que pidieron que si alguien llorara, fuera de felicidad, ya había dejado alguna nota de humor, el programa de David Broncano ha sido el perfecto para desarrollar esa faceta. El grupo está contento de haber vuelto a aparecer en los medios y quiere celebrarlo.
El presentador de La Resistencia no esquiva alguna mención al grave accidente, pero es superflua. Esta es la ocasión de contar por ejemplo cómo les ayudó la preparación del libro a reencontrarse como amigos. «Estamos supercontentos de volver a hacer cosas», indica Juanca. «Las entrevistas de Fernando nos sirvieron mucho como terapia y nos han llevado a tomar decisiones que nos han ayudado a estar mucho mejor», añade.
Además, pese a que Jose El Chino ha perdido la memoria de lo que sucedió unos años antes y unos años después del accidente, los demás le ayudan a hacer conexiones que le hacen recuperarla. Pese a que no recuerda ni sus propios conciertos ni sus propias canciones, Jaime cuenta que cuando salió de la UCI, un amigo empezó a tocarle una escala de ‘Puta Vida’, este se equivocó en una nota y El Chino, que no podía ni hablar, dijo: “te has equivocado en un semitono. ¡Era Re sostenido, que no era Re!”. Bromean también sobre un un bajo que alguna vez entró demasiado tarde.
En la parte clásica del programa en que se habla de follar y de ahorros bancarios, Supersubmarina se muestran satisfechos, especialmente El Chino en lo primero: «Intentamos uno a la semana por lo menos», cuenta en referencia a su novia. Jaime sobrevive con las indemnizaciones que recibe por haber estado a punto de sufrir una amputación de su pierna y haber pasado 8 años de operación en operación, y Juanca es el que se muestra más justo, pues su esposa está embarazada de 7 meses y es autónomo. El libro ‘Algo que sirva como luz’ va ya por su tercera edición en un mes.
Este martes se ha celebrado la primera semifinal de Eurovisión y la primera incursión de un símbolo palestino en el escenario está sobre la mesa. Sucedió exactamente durante la primera actuación del festival, un popurrí de canciones que no ganaron pero han sido escogidas por la organización como icónicas. La primera fue ‘Fuego’, la tercera ‘Slomo’ y en medio ‘Popular’ de Eric Saade.
Se da la circunstancia de que Eric Saade es un cantante sueco de padre libanés de origen palestino. Como informa Vertele, este fin de semana había escrito un mensajes muy claro en redes sociales: «El manejo de Eurovisión por parte de la UER es vergonzoso. No permiten ningún símbolo palestino dentro del estadio, mientras que los símbolos que representan cualquier otra etnia del mundo son bienvenidos. Su eslogan ‘Unidos por la música’ (si no eres palestino) ya es una broma. ¿Transmitiendo propaganda israelí en horario de máxima audiencia a todo el mundo, centrándose al mismo tiempo en prohibir la bandera palestina? Por lo tanto, es más crucial que nunca para mí estar presente en ese escenario. Podéis tomar nuestros símbolos, pero no podéis eliminar mi presencia”, retaba.
Lo que no sabía la organización es que portaría un pañuelo palestino (kufiya) envuelto en una muñeca. Y así fue. No será la única reivindicación de que oigamos hablar a falta de ver qué ocurre en el escenario. Este jueves se han convocado manifestaciones en Suecia contra la participación de Israel al mismo tiempo que su representante Eden Golan se subirá al escenario como 14ª participante de la segunda semifinal.
La Unión Europea de Radiodifusión ha condenado el gesto de Eric Saade a través de la productora ejecutiva Ebba Adielsson: «Nos parece triste que utilice su participación de esta manera. Eurovisión es un programa en directo. Todos los artistas son informados de las bases del concurso. Lamentamos que Eric Saade haya optado por ignorar el carácter apolítico del evento». Además, no se ha compartido este vídeo en las redes sociales ni en Youtube, a diferencia de las demás actuaciones.
Posteriormente Eric Saade les ha contestado, acusando a la organización de racismo: «Mi padre me regaló ese pañuelo cuando era pequeño, para no olvidar nunca de dónde viene la familia. Entonces no sabía que algún día se llamaría ”símbolo político“. Es como llamar símbolo político al caballo de Dala. En mi opinión, eso es simplemente racismo. Sólo quería ser inclusivo y usar algo auténtico para mí, pero la UER parece encontrar controvertida mi etnicidad. No dice nada de mí, pero sí todo de ellos. Lo digo como lema de la ESC de este año: Unidos por la música».
Oficialmente en Eurovisión está prohibido entrar con banderas de países que no participen, pero no están prohibidos los símbolos. Durante la actuación de Madonna en el festival, celebrada en Israel, una de sus bailarinas, Mona Berntsen, subió una bandera de Palestina que no había aparecido en los ensayos, siendo posteriormente retenida e interrogada en el aeropuerto de Tel Aviv cuando intentaba salir del país, durante una hora y media.
Some news from Eurovision
The Swedish-Palestinian artist Eric Saade (who came in third place in ESC 2011) showed up in the opening act with a keffiyeh and a Palestinian flag 🇵🇸 to protest Israel's participation in the Eurovision Song Contest amidst the genocide in Gaza. pic.twitter.com/F8CTnNFr0R
— Omar El Fares 🇵🇸🍉 عُمَر الفارس (@3lfares) May 7, 2024
🇪🇺Ayer, Eric Saade, artista sueco-palestino que brilló en el ESC 2011, alzándose con el tercer puesto, regresó al escenario de Eurovisión desafiando las reglas de la UER. Con valentía, con su muñeca envuelta en la keffiyeh, alzó su voz en el acto inaugural, denunciando la… pic.twitter.com/ADLv5zJJoE
Las semifinales de Eurovisión no parecen aclararse entre el desinterés general -esa emisión en La 2- y el revuelo que generan en redes sociales. La de este martes ha sido de las mejores. Si en algún momento algún medio español estuvo tentado de titular su crónica del evento «Chanel vuelve a robar el show en Eurovisión» seguro que después ha tenido que repensárselo cuando actuaron países como Irlanda, Croacia o Finlandia.
Tres ejemplos de lo divertida que puede ser la final del sábado, justo este año en el que menos nos apetecía divertirnos con el gran show de la UER. Recordemos que el jueves se han convocado manifestaciones en Malmö al mismo tiempo que Israel competirá en la segunda semifinal, mientras sigue asediando Gaza.
La semifinal de este martes comenzó con un popurrí de temas que NO ganaron Eurovisión, como metáfora de que a veces no es necesario ser el número 1 para triunfar. No salieron Mocedades, pero sí Eleni Foureira con su mítico ‘Fuego’, que terminó oscureciendo a Neta; Eric Saade con ‘Popular’, colando un pañuelo palestino; y finalmente Chanel, en su momento tercera, pero primera en nuestros corazones. Y como ya no puede reproducir la misma coreografía de ‘Slomo’ porque «hay muchas cosas que no sabemos«, probó otra cosa… y acertó.
Volando por los aires y aterrizando en el suelo cual aeroplano sin romperse la crisma, Chanel demostró -porque las mujeres siempre tienen que demostrar la misma cosa muchas veces- que tiene mucho que decir en la industria si logra dar con las producciones adecuadas. Eso sí, la balada ‘Agua’ no era una de ellas.
Croacia partía como gran país favorito y Baby Lasagna no decepcionó. Con conexiones con la audiencia tamaño Queen, las posibilidades rockeras de unos Måneskin y un tema tan resultón como el año pasado ‘Cha Cha Cha’, tenía asegurada la clasificación. La audiencia estaba a tope jaleándolos, y eso se valora en casa y entre el jurado.
Pero ojo, porque hay dos serios competidores. Nadie sabe dónde puede llegar el alcance del dúo cómico de Finlandia, si Ojete Calor han terminado llenando estadios. Uno de los miembros de Windows95man se pasa media actuación ocultando el miembro detrás de una cámara, detrás de un minúsculo slip, detrás de la nada, y la tontería atrapa como si siguiéramos en los tiempos de Benny Hill -que en paz descanse- y Austin Powers. La referencia más directa parece la peli de Eurovisión de Will Ferrell.
Y la gran sorpresa de la noche la dio Irlanda. Detrás de esa tontería de etiqueta llamada «ouija pop», Bambie Thug tenía un plan: dejar muda a la audiencia con una presentación terrorífica de ‘Doomsday Blue’ que nunca dejó de sorprender. Tras una sucesión de ideas tomadas de Lady Gaga -circa ‘Paparazzi’ y ‘Judas’- y Marilyn Manson -circa cuando se le podía citar como influencia-, llegó un grito que hizo temblar en su tumba a Edvard Munch y una derrota de la bestia que ni Álex de la Iglesia. El escenógrafo es el español Sergio Jaén. Simboliza una violación que Bambie Thug sufrió en 2023.
Con este panorama y sumando la imaginativa propuesta de Reino Unido, que presenta a Olly Alexander y su corte de bailarines boxeadores desafiando las leyes de la gravedad; es comprensible que España no levante cabeza en las apuestas. Concedámosle el beneficio de la duda porque no hay mucho synth-pop onda Depeche Mode, ni competidores tan sexualizados (lo de Finlandia es puro humor), pero hay cosas que un jurado habrá de priorizar siempre. Y este año hay muchos países que se lo han currado.
Algunos tanto que se han pasado de frenada. Ha sido el caso de Polonia, eliminada frente al temblor de la pobre Luna, que no podía creérselo. Nosotros tampoco. ‘The Tower’ era una de las producciones más actuales, pero su presentación era un exceso viejuno de cambios de vestuario y escenarios -algunos deslucidos fuera de plano o en plano general-, perjudicada también por una pobre toma vocal.
Salvó un poco mejor los muebles Lituania. Silvester Belt acudía con una de las canciones más elegantes en su propuesta electrónica, pero su puesta en escena quedaba algo diluida entre tan feroz competencia o la exhibición de la de Olly Alexander, de bastante más presupuesto.
Con la clasificación de Ucrania todo el mundo contaba, pero no desde luego con la de Portugal. Iolanda ha actuado en Sonar Lisboa, quizá porque Maria Arnal lo ha hecho en Sonar Barcelona, y por un momento temimos que terminara aglutinando el mismo televoto que Blanca Paloma (un 0 o casi). Quizá la salvó actuar en la segunda mitad. Como a Luxemburgo, que volverá al festival detrás de tres décadas.
La lista de clasificados se completa con Serbia, que acude con una presentación sencilla que apela al renacer del país tras la Guerra Mundial con una flor proyectada gigante; Chipre, quizá gracias a una realización muy loca del minuto final no apta para personas sensibles; y Eslovenia, gracias a ese grito que la representante irlandesa hubo de maldecir desde algún rincón de la oscura Malmö.
Con la salvedad de Polonia, pocas injusticias entre los eliminados: este año fueron solo 5, y las presentaciones de Islandia y Azerbaiyán lucían estancadas en algún lugar remoto entre 1989 y 2001. Entre las sorpresas que sí veremos el sábado, la presentación alemana: su balada rock funciona mejor con bien de fuego.
Podcast: Comentamos las favoritas de Eurovisión 2024
El desastroso desempeño comercial del nuevo disco de Sia se debe a varios factores, pero no dice nada directamente de la calidad de la música. ‘Reasonable Woman’ no es -viendo el vaso medio lleno- un disco catastrófico en el aspecto artístico. Tampoco es el brillante hallazgo que regenerará la popularidad de Sia después de sus turbulentos últimos años. Peor aún, pasará desapercibido por no tener realmente demasiado que contar, ocho años después del último.
A Sia la fórmula del saque de pecho melódico le sigue funcionando, más o menos. ‘Gimme Love’ no ha sido un megahit a lo ‘Chandelier’, pero ha animado ligeramente su carrera. No es su mejor canción pero, siguiendo la pauta 100% Sia de principio a fin, tampoco es la peor.
Esa pauta de melodías heroicas y letras de autoayuda y superación sigue presente en ‘Reasonable Woman’ hasta el punto que el título del disco promete una obra más interesante de la que es. La portentosa voz de Sia y sus melodías siguen siendo una mezcla explosiva en ciertos puntos y consiguen que la desfasada producción del disco no importe tanto. La inicial ‘Little Wing’ gana más por su melodía que por su letra “te quiero, sigue intentándolo”; la épica ‘Immortal Queen’ con Chaka Khan es otro ejemplo de esa melodía gloriosamente esculpida que Sia es capaz de escribir. Y ‘I Had a Heart’ parece la típica balada anodina de Sia, pero su atlética voz la eleva. La firma de Rosalía no se nota y queda en una mera curiosidad que probablemente olvidaremos.
Pero no se puede pasar por alto que la producción de ‘Reasonable Woman’ parece anclada en otro tiempo. Por culpa de ella melodías aceptables como la de ‘Towards the Sun’ pasan a un segundo plano mientras te preguntas quién ha podido firmar una caja de ritmos tan chatarrera. ‘Dance Again’, la colaboración con Kylie Minogue, es simpática y bailonga, pero Minogue ha tenido mejor ojo eligiendo producciones con más enjundia, como la de Tove Lo.
En otros puntos las composiciones bajan el nivel y Sia empieza a sonar simplemente aburrida de sí misma. En ‘Wanna Be Known’ y el baladón ‘I Forgive You’ parece que está buscando una melodía y eso es lo que ha grabado. En ‘I Forgive You’, las sílabas alargadas hasta el infinito de las estrofas son prácticamente imposibles de digerir. ‘Champion’ y ‘Go On’, como canciones, suenan ya a tomadura de pelo. Las escuchas y piensas que Sia no puede ir en serio.
Hay algún momento de ‘Reasonable Woman’ en el que Furler no parece atrapada dentro de su propia versión comercial. O dentro de su propia parodia. El álbum se cierra con una nana llamada ‘Rocks and Balloons’ que, mezclando guitarras y cuerdas, ofrece una faceta de Sia más orgánica. Y, en el lado electrónico, la producción de Labrinth en ‘Incredible’ hace verdaderas cosquillas. La manera en que la voz de Sia se funde con la base es excitante.
Pero Sia no ha elegido ni un camino ni el otro en ‘Reasonable Woman’, sino que, partiendo del sonido de sus últimos dos trabajos, ha optado por no renovarse ni un poco y seguir pegada al piloto automático, una vez más. Confirmado que sus canciones siguen teniendo capacidad de emocionar, y ahí está ‘Little Wing’, urge un cambio radical de dirección, de sonido, de estética. De peluca, al menos.
Hinds anuncian su nuevo álbum, el sucesor de ‘The Prettiest Curse‘ (2020) y el primero como dúo. Se llamará ‘Viva Hinds’ y saldrá el 6 de septiembre.
Si ya habíamos escuchado el primer single, el excelente ‘Coffee’, hoy también se da a conocer el segundo, y viene con sorpresa: ni más ni menos que una colaboración con Beck. El productor hace coros en este nuevo tema que se llama ‘Boom Boom Back’ y que es el primero que escribieron tras la marcha de Ade y Amber. La nota de prensa de Sonido Muchacho detalla que Hinds «conocieron a Beck por casualidad en la proyección de una película en Los Ángeles».
Otro invitado que encontramos en el disco será Grian Chatten, el líder de Fontaines DC, como revela el tracklist:
01 Hi, How Are You
02 The Bed, the Room, the Rain and You
03 Boom Boom Back [ft. Beck]
04 Stranger [ft. Grian Chatten]
05 Superstar
06 Mala Vista
07 On My Own
08 Coffee
09 En Forma
10 Bon Voyage
En el vídeo de ‘Boom Boom Back’ no aparece Beck, solo le oímos, pero sí vemos a Carlotta Cosials y Ana Perrote pasándoselo bien en lo que parece un homenaje a las road movies americanas, o un recordatorio de sus largas giras por territorios anglosajones. De hecho ya facilitan más de una veintena de fechas del tour, con solo dos paradas en España: una en Barcelona y otra en el madrileño Tomavistas.
11 de mayo: Barcelona (España). Fango (La Monumental)
17 de mayo: París (Francia). Supersonic Records [SOLD OUT]
19 de mayo: Münich (Alemania). Theatron Pfingstfestival [SOLD OUT]
21 de mayo: Berlín (Alemania). Monarch [SOLD OUT]
24 de mayo: Madrid (España). Festival Tomavistas
26 de mayo: Brighton (Reino Unido). Prince Albert (Matinee and Evening) [SOLD OUT]
27 y 28 de mayo: Londres (Reino Unido). Lower Third [SOLD OUT]
13 de septiembre: Londres (Reino Unido). Lafayette
9 de octubre: Ciudad de México (México). Foro Indie Rocks
12 de octubre: San Diego (USA). Casbah
15 de octubre: San Francisco (USA). Chapel
17 de octubre: Portland (USA). Mississippi Studios
18 de octubre: Seattle (USA). The Crocodile
20 de octubre: Madison (USA). High Noon
21 de octubre: Chicago (USA). Thalia Hall
22 de octubre: Cleveland (USA). Grog Shop
23 de octubre: Toronto (USA). Lee’s Palace
25 de octubre: Philadelphia (USA). FUC
26 de octubre: Washington DC (USA). Union Stage
28 de octubre: Boston (USA). Brighton Music Hall
29 de octubre: Brooklyn (USA). Warwaw
Un hombre, identificado como guarda de seguridad de Drake, ha sido disparado esta mañana sobre las 2 de la madrugada en las afueras de la residencia de Drake en el barrio de Bridle Path, en Toronto, confirman medios como Rolling Stone o Billboard. El hombre ha sido hospitalizado con heridas graves, si bien no se teme por su vida. Toronto Star informa que una persona «sospechosa» ha huido de la escena en un vehículo. Se desconoce si Drake se encontraba en el interior de la residencia en el momento del disparo.
CBC y Toronto Star informan que el acceso a la residencia de Drake ha sido acordonado y que la policía local se encuentra en estos momentos investigando el caso saliendo y entrando de la casa.
Acorde con la información publicada por la policía de Toronto, el disparo ha tenido lugar exactamente a las 2.09 de la madrugada en la ubicación de Bayview Avenue y Lawrence Avenue East, cerca de la mansión de Drake.
Drake ha sido noticia estos días por enredarse en un mediático beef con Kendrick Lamar que parece no tener fin. Ambos han publicado varios «diss tracks» en los últimos días contra el uno y el otro.
El último capítulo en el beef Drake vs. Kendrick, ‘The Heart Pt. 6’, ha sido la respuesta de Drake a ‘Not Like Us’ de Lamar. La portada de ‘Not Like Us’ se compone de una imagen a vista de pájaro de la mansión de Drake, la misma cerca de la cual ha ocurrido el suceso.
Después del gran éxito de ‘yes, and?’, el primer single de ‘eternal sunshine‘, y del impacto aún mayor del segundo, ‘we can’t be friends (wait for your love)‘, Ariana Grande extraerá un tercer sencillo de su último disco, ‘the boy is mine’.
US Radio Updater revela a través de X que ‘the boy is mine’ será enviada a las radios de Estados Unidos en función de tercer single de ‘eternal sunshine’, aunque sin confirmar fecha. ‘the boy is mine’ es actualmente «una de las 10 canciones más añadidas en las emisoras pop» en el país.
El lanzamiento de ‘the boy is mine’ está confirmado en el merchandising de Ariana Grande disponible en su página web. Otros tres sencillos aparecen listados, si bien sus títulos permanecen escondidos. Esto significa que ‘eternal sunshine’ se promocionará con seis sencillos en total.
‘the boy is mine’ ha sido una de las canciones de ‘eternal sunshine’ favoritas del público desde su estreno. Inspirada en el clásico de Brandy y Monica, ‘the boy is mine’ cifra sus streamings actuales en torno a los 130 millones. La pregunta es si Ariana apostará por la versión original de ‘the boy is mine’ o por un remix con artista invitado.
Ariana Grande ha sido una de las invitadas a la gala MET celebrada este lunes. Además, Grande ha ofrecido un concierto durante la ceremonia junto a Cynthia Erivo. Juntas han cantado ‘When You Believe’ de Mariah Carey y Whitney Houston, entre otras canciones.
Con razón del lanzamiento de ‘eternal sunshine’ este año hemos repasado la carrera de Ariana Grande en el podcast de JENESAISPOP.
Bilbao BBK Live se celebrará un año más los días 11, 12 y 13 de julio con un cartel que incluye pesos pesados de la música nacional e internacional como Arcade Fire, Massive Attack, Los Planetas, The Prodigy, Grace Jones o Jungle. El monte de Kobetamendi volverá a acoger una nueva edición del festival vasco del que JENESAISPOP es medio colaborador.
Además, Bilbao BBK Live volverá a desplegar su programación urbana, Hirian, «en la calle» en vasco, con una serie de artistas que actuarán al aire libre, de manera gratuita, en el barrio de Rekalde, el sábado 1 de junio.
Entre los artistas confirmados se encuentran algunos como Carlangas y Los Cubatas, Las Odio y otros artistas que hemos recomendado últimamente en la web, como Maren o Pipiolas, así como clásicos recomendados como Pablo Und Destruktion.
Alice Wonder Dillom, Putilatex y Doctor Explosión, estos últimos conocidos por su versión de ‘Soy un truhán, soy un señor’ de Julio Iglesias, figuran a su vez en la programación de Hirian, que e expande hasta los 18 artistas confirmados, sumando también a DJs Coolnenas, Euskoprincess, Ezpalak, Germán y La Alegría del Barrio, HUDA, DJ Juguete, Mirua, Ruptura y $kyhook.
Hirian es un proyecto de Fundación Industrias Creativas que, junto a Bilbao BBK Live, informa el festival, «se consolida con el objetivo de crear una experiencia que trascienda los límites del festival y se convierta en un catalizador para el cambio social promoviendo la participación de toda la población y aportando valor a la comunidad en la que impacta».
Tomavistas ha revelado los horarios de su edición de 2024, por la que pasarán artistas como Phoenix, Belle and Sebastian, Los Planetas, The Blaze o The Jesus and Mary Chain, los días 24 y 25 de mayo en la Caja Mágica de Madrid.
El cartel por días de Tomavistas se conoció con el cierre de la programación, no así sus horarios especificados, ya disponibles.
El viernes 24 Dinosaur Jr. subirá al escenario a las 20.25 y Los Planetas y Dry Cleaning se solaparán a las 21.30, mientras Editors actuará a las 22.40 y The Blaze a las 00.55. De otro lado, el sábado 25 Villagers tocará a las 18.30, Belle and Sebastian a las 20.30, Cariño a las 21.45, a la vez que Los Estanques; The Jesus and Mary Chain a las 22.40, a la vez que Adiós Amores, y Phoenix a la 1.15.
Otros solapes a tener en cuenta en los horarios del cartel de Tomavistas son los de Baiuca y Joe Goddard, que coinciden el viernes a las 23.55; Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Hurray for the Riff Raff, que actúan a la vez el sábado a las 19.25, y Alizzz y Georgia, que solapan también el sábado a las 00.05.
Todos los horarios están disponibles en la web del festival.
La artista nos presenta así el primer adelanto de su tercer disco. La canción se llama ‘Más divertido’ y supone un giro hacia «el indie rock confesional». El tema además ejerce de sintonía del podcast sobre sexualidad «Platanomelón». ‘Más divertido’ es nuestra Canción del Día hoy.
Si conocimos a Casero en los días en que colaboraba con Russian Red, este tema la muestra tan «horny» como está luciendo Lourdes Hernández en su última etapa. Dice la letra de esta canción que «masturbarse es mucho más divertido / desde que pienso en lo que voy a hacer contigo». Oficialmente el tema se inspira en los primeros días de una relación, pero en un momento en que no puedes estar con esa persona.
Así, destacan frases como «quiero dormir pero las ganas no me dejan», «quiero tenerte detrás y en todas partes» y «sobre todo no quiero enamorarme». El culmen de la canción, marcado por unas guitarras influidas por el legado de leyendas como las Breeders o proyectos más recientes como Soccer Mommy, es el grito de «me dan todos igual». La producción ha corrido a cargo de Bearoid y la propia Casero.
