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Purity Ring / purity ring

El mundo en 2025 necesita espacios seguros en los que refugiarse de un apocalipsis que parece acechar permanentemente. En su cuarto álbum, homónimo, Purity Ring quieren evitar la palabra «escapista» o «fantástico» porque, mejor aún, quieren que más bien sea el primer paso para crear un lugar «en el que se escuche al vulnerable, se dé voz al dolor, la familia sea un verbo y no un sustantivo, y la esperanza y el hogar florezcan juntos».

La naturaleza tiene mucho que ver con la creación de ese espacio. En el vídeo de ‘imanocean’ aparecen con el cuerpo metido dentro del mar. ‘place of my own’, que lo dice todo con su título, la crearon en un bosque, inspirados por la nube que tenían encima.

Por si esto no funcionase, el álbum también presenta una coartada conceptual, más abstracta. Se trata de una banda sonora imaginaria para un videojuego de los años 2000, del tipo ‘Final Fantasy’, a cuyo sonido recuerda a veces. Los protagonistas son dos personajes que son ellos mismos, pues llevan sus iniciales (mj es Megan James) o directamente sus nombres (Corin es Corin Roddick), aquí desarrollando cierto carácter narrativo tanto en cuanto a letras como en cuanto a música.

La «viudedad» de ‘relict’ es la de un mundo que ha colapsado, que ha muerto porque «nadie ha venido a salvanos». Su sonido es por tanto como un «bug» que hace a la canción sonar como una intro o como un error. ‘many lives’ presenta su coda, ‘mistral’ es un interludio a piano, y también lo es hacia el final del álbum, ‘mj odyssey’. Pese a que la muerte sobrevuela muchas de estas canciones, especialmente ‘red the sunrise’ y ‘imanocean’, que es directamente una despedida, la luz y la esperanza están muy presentes.

«No estás solo» es el estribillo de la edificante ‘many lives’. ‘the long night’ ofrece una mano a la que agarrarse. ‘glacier ::in memory of rs::’ no sabe a derrota como final, ni siquiera cuando tanto habla de fuertes cambios.

Musicalmente, sería reduccionista situar a Purity Ring en el revival drum&bass que hemos visto en el último lustro, por mucho que ese tipo de beats inunden diversas producciones, como ‘many lives’, ‘between you and shadows’ o «glacier». También lo sería decir que Megan suena como una estrella de k-pop o hyper pop con su voz aniñada. El dúo asentó su sonido hace mucho en discos tan reivindicables como ‘shrines’ o ‘another eternity’, y ‘purity ring’ les muestra en forma. A lo sumo, podríamos argüir que los singles están demasiado bien elegidos, o que es una pena que no exploren más el registro acústico de ‘imanocean’ y ‘part ii’. Les sienta como un guante.

La divertida promo de Mariah Carey para ‘Here for it All’

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Mariah Carey se está marcando una de las ruedas promocionales más divertidas del año, en apoyo de su nuevo disco, ‘Here for it All‘. Cada una de sus entrevistas está dejando un momento viral gracias a la espontaneidad de Carey, que desde que pronunciara su ya icónica frase «I think I’ve done enough» el pasado mes de agosto, no ha parado de regalar momentazos casi involuntarios.

Recientemente, otra noticia le ha pillado por sorpresa, y esta le toca de cerca: Nick Cannon, su ex-marido y padre de sus hijos, ha asegurado sus testículos por 10 millones de dólares. Cuando Andy Cohen le pregunta a Carey, durante su entrevista en ‘Watch What Happens Live’, si los «huevos de Cannon valen realmente eso», Carey pide «pasar a la siguiente pregunta». Su cara es un poema. Como diría Melody: «no digo mucho, pero se me entiende».

En el mismo programa -que utiliza preguntas atrevidas enviadas por espectadores- Carey habla brevemente sobre su beef con Eminem y sobre su relación con Whitney Houston, pero sobre todo deja una sorprendente revelación: un dueto con Michael Jackson que nunca ha visto la luz. Se trata de una versión de un clásico de Jackson en la que Carey canta a dúo con el artista y añade nuevos coros. La cantante deseaba incluir esta grabación en ‘Here for it All’, pero cuenta que los herederos de Jackson se lo impidieron porque están preparando «algo muy grande» con el legado del fallecido artista. «Habría sido usurpar lo que están haciendo», señala Carey. Cabe recordar que el biopic de Michael Jackson sigue en pie.

@bravowwhl

Will we ever hear Mariah Carey's collaboration with Michael Jackson? #WWHL

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La promo de ‘Here for it All’ ha incluido también entrevistas con Jennifer Hudson, Keke Palmer (más personal y extensa) e incluso SZA, una de las cantantes favoritas actuales de Carey. No podemos dejar de mencionar la emotiva escena en la que Carey, entrevistada por SZA, se emociona al recordar a su madre. SZA gestiona la situación de la mejor manera.

Las escenas divertidas han seguido acumulándose, y el programa de Jimmy Fallon ha aportado varias más. Carey ha vuelto a recordar su álbum de grunge, grabado allá por 1996 y que pretende publicar tarde o temprano. Además, ha participado en un divertido juego de máscaras para adivinar a la persona famosa: a Carey le han tocado artistas musicales como Beyoncé o Taylor Swift, y cuando ha aparecido Lady Gaga, con la pista de que forma parte de la «realeza» del pop, no tarda en adivinarlo (no, no dice Madonna). Cuando le toca describir a ella al famoso, lo peta con Oprah Winfrey, pero con Timothée Chalamet duda.

Que Mariah Carey, autora de la famosa frase «I don’t know her», es la «reina del shade», ha vuelto a quedar claro en otro instante viral, en que Carey dedica unas palabras a la institución de los GRAMMY, que históricamente ha ignorado su trabajo. Cuando Kelly se refiere a Carey como «ganadora de Grammys», Carey puntualiza: «No exactamente. Me hicieron de lado. No voy a ser políticamente correcta al respecto, porque pasé mucho con aquello». Carey se refiere a la famosa gala de 1996: hizo la actuación de apertura y sumaba seis nominaciones, pero volvió a casa con las manos vacías.

Rochelle Jordan te da ya el disco que esperas de Madonna

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¿Harto de esperar desde hace un año el nuevo disco dance de Madonna? ¿Ese que, co-producido por Stuart Price, se supone que se va a sumergir en la música de los 90? A falta de 4 o 5 meses de que vea la luz, tenemos una solución para ti.

El tercer disco de Rochelle Jordan, ‘Through the Wall’, está lleno de bops inspirados en el house de dicha década, en su caso con retazos de R&B.

A Rochelle Jordan, que es mitad británica, mitad canadiense, y de origen jamaicano, puede que la recuerdes de ciertas colaboraciones con el entorno de The Weeknd, o Kaytranada.

Su nuevo disco es un paso en firme, sobre todo porque está producido con la sofisticación de artistas de revival posteriores como Luomo. A este recuerda más que a gente como Jessie Ware o Kelela, en producciones como ‘Sweet Sensation’, que empieza bastante ochentera.

En ‘Through the Wall’ destacan pepinazos como ‘Ladida’ y ‘TTW’, siendo el buen nivel tan significativo que la crítica «best new music» que le acaba de realizar Pitchfork ni siquiera menciona ‘The Boy’, nuestra Canción del Día hoy.

‘The Boy’ es una producción precisamente de Kaytranada, vaporosa, con más humo dentro que pájaros caben en nuestra cabeza, justo porque Rochelle Jordan está tratando «de olvidar a ese chico». La artista «intenta concentrarse en otro», mientras «el corazón le dice otra cosa», en una de esas canciones que consiguen que te olvides de todo, adentrándote en la pista de baile.

Lo mejor del mes

Nadadora vuelven con nostalgia, en pleno revival dream pop

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Nadadora, uno de los grupos nacionales del indie pop de finales de los 2000, ha sacado su primer tema en 15 años. El mundo ha cambiado y ojo porque no todo ha sido para mal. Hoy por hoy estilos como el dream pop son totalmente mayoritarios si atendemos a los virales en TikTok de gente como Beach House, o a los streams absolutamente monstruosos de Cigarettes After Sex. Hasta Slowdive han vuelto tras un lapso mayor que el suyo, sumando a muchísimos aficionados jóvenes a su ejército.

El grupo formado por Sara Atán (voz y guitarra), Gonzalo Abalo (voz y guitarra), Edu Romero (bajo), Daniel Abalo (batería) y Montxo Couselo (teclados) retoma su sonido donde lo dejó. Su nueva imagen solo podía estar difuminada, distorsionada.

Su single de comeback opta por la nostalgia. Si antes tenían un tema llamado ‘1987’, el nuevo se llama ‘1997’.

La melodía de ‘1997’ es tristona, y la instrumentación más rock y shoegaze que onírica. La primera línea del tema contiene contradicciones (“En la radio vuelven a sonar / canciones que ya nadie quiere escuchar»), mientras el estribillo trata de extraer belleza de una angustiosa fugacidad: «Ahora explotaremos en el cielo / seremos un destello / brillaremos esta noche de nuevo / tan solo un momento / nada más”.

En el vídeo de María López veis a Martí Perarnau IV (Zahara, León Benavente, Juno) porque se ha encargado de la producción de Nadadora, mientras la ingeniería de sonido ha sido de Pablo Pulido (Estudio Uno).

Ana Mena se desnudará en su próximo álbum

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Ana Mena ha estado un tanto apartada del foco este año. Ha realizado algún concierto aislado, el último nada menos que en Tokio. Pero su único single ha sido una colaboración con Pepe y Vizio y KIDDO que salió en abril.

Un par de meses después de su última publicación en Instagram, ha subido una foto en la que aparece desnuda, acompañada de una reflexión sobre su próximo disco muy relacionada con tal desnudez.

La cantante explica que durante 9 años ha trabajado «sin descanso» y que este año ha parado porque «estaba agotada» y «necesitaba respirar»: «tener tiempo para ver a mis padres, pasar semanas largas en casa, irme de viaje, escribir canciones sin presión ni prisas, encontrar lo que me gusta, probar, borrar, empezar otro tema, estar con amigos, tener vacaciones, tener vida de persona, volverme a enamorar».

Ana Mena reconoce que no termina de disfrutar del foco, de «tener una cámara delante» y que eso va a nutrir su próximo trabajo. «Esto que os cuento lo vais a poder notar también en muchas de las canciones que irán saliendo y sobre todo en el álbum tan increíble que os estoy preparando con todo mi corazón». La artista empezó este trabajo en enero y aún está «en construcción», descubriendo «cómo lo van a vestir», es decir, a producir. «Va a ser más auténtico y más de verdad que nunca, y no veo la hora de que podáis conocerme más a través de todas las letras». En una de sus últimas frases, asegura estar «lista para renacer».

El siguiente disco de Ana Mena, que suponemos saldrá avanzado 2026, será el sucesor de ‘bellodrama‘ (2023), el álbum donde se incluyeron hits como ‘LAS 12’ y ‘Música ligera’ junto a temas como ‘Un clásico’. Ha pasado 97 semanas en el top 100 español, la última hace muy poco. Después, vinieron otros éxitos como ‘Madrid City‘ o ‘CARITA TRISTE‘ con Emilia.

Entrevista a Ana Mena

El beef entre Nicki Minaj y Cardi B ya es incómodo

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Cardi B es número 1 del Billboard 200 y doble platino directo con ‘Am I the Drama?‘. Esto último se debe a la inclusión de viejos hits como ‘WAP’ en el tramo final del largo-larguísimo. Además, el álbum se ha beneficiado de una oferta de venta digital a 5 dólares y de diferentes ediciones. Nicki Minaj simplemente no se podía quedar callada.

La autora de ‘Anaconda‘ acudía a las redes simplemente para postear «$4,99» en relación a susodicha oferta. También ha aprovechado para anunciar su comeback a 6 meses vista, para el 27 de marzo. Cardi B ha contestado. Y el infierno se ha desatado.

Entre las lindezas que Nicki Minaj ha escrito en redes: «estás cayendo en listas con una gran panza» -en referencia a su cuarto embarazo- o «no pudiste vender más que yo». Cardi B no ha pasado del tema como SZA y también ha atacado a Nicki en lo personal. El tuit «Barbie cocainómana» va a pasar a la historia, pero después ha ido más allá. Cardi se pregunta en X por qué Nicki Minaj no se compara con otros artistas: «Has estado en el juego durante 16 años, tienes que compararte con la gente que empezó en tus tiempos: Rihanna, Taylor Swift, Drake… Esos son los números con los que tienes que competir».

El asunto se ha puesto más chungo aún cuando Cardi B ha criticado que mencione su embarazo… aludiendo a los supuestos problemas de fertilidad de Nicki, y acusándola de estar siempre drogada y de tener otros problemas de salud mental. «Te diagnosticaron esquizofrenia y bipolaridad durante casi 9 años y estás enganchada a drogas duras como la cocaína y el xanax. No escuchas a nadie a tu alrededor».

Por si fuera poco, el caso del hermano de Nicki Minaj, acusado de abusar de una menor, también ha salido a colación, en un «beef» que si alguna vez fue divertido, hace tiempo que no retiene nada ni parecido. Cardi B ha asegurado en un post que es la última vez que la va a contestar, le pide que vaya a terapia para resolver sus traumas y que la deje tranquila, ¿pero será capaz de cumplir su promesa?

Podría decir que mientras se está cometiendo un genocidio, en un mundo en el que Trump se entretiene planeando detenciones en torno a la Super Bowl de Bad Bunny, en un mundo en el que proliferan los bulos en las redes sociales, no tengo ni tiempo ni ganas de esto ya. Pero eso sería fácil e injusto para Cardi B y Nicki Minaj. Lo que tampoco se nos puede escapar es que la mejor manera de la que ambas podrían salir de esta mierda es con un buen «diss track», porque hace ya demasiado tiempo que ninguna de las dos tiene siquiera un hit en las listas que merezca la pena. Dadnos un ‘Not Like Us‘ o dejadnos tranquilos.

joseluis reivindica el country más clásico

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Por ahora para siempre‘ es uno de los mejores discos de 2025 en nuestra redacción. En las últimas semanas, joseluis acaba de lanzar su primera línea de merchandising, y ha anunciado una decena de conciertos por todo el país, que le llevarán a Madrid, Valencia, Sevilla, Málaga, Murcia, Barcelona o Torremolinos. Además de a Murcia, claro.

Invitado en MEISTER OF THE WEEK, la sección de JNSP que comisaria Jägermusic, el artista ha escogido hablar de música country. Sobre todo de country clásico. Además, ha realizado una playlist de Spotify para nosotros.

¿Por qué crees que te atrapa la música country? ¿Qué te sugiere, en líneas generales? ¿Algo más como «paz», «calma», cualquier otra cosa?
Es como esas cosas que un día descubres, y son como un flechazo instantáneo. Fue una música que empecé a escuchar en mi adolescencia, me ha ido acompañando mucho tiempo, y en la que he ido profundizando. No es que me sugiera un sentimiento u otro, que al final cualquier género te lo puede transmitir. Creo que parte del magnetismo que tiene para mí es ver cantando a esos tíos machotes, duros, americanos, que te pueden hacer la canción de amor más tierna. O se ponen a corazón abierto porque su mujer los ha dejado.

¿Cuáles podrían ser tus discos o canciones favoritas de este estilo?
Pues hay muchas: tanto clásicos como contemporáneos, pero sobre todo mi cosa fuerte está en los clásicos. Voy a hacerte una lista de reproducción con canciones y con eso también se va a ver lo que para mí es el country.

Cuando te entrevistamos hablabas de Lucinda Williams, pero también de Bill Callahan o Wilco. No sé si el concepto «americana», «alt-country» o «country alternativo» en realidad te mola más.
No es que me mole más, yo creo que me mola igual. Incluso puede que un poco menos. Pero claro, yo de hecho entré a profundizar en esta movida por ese alt-Country/americana/eso, que al final es un sitio un poco ambiguo para mí y para mucha gente. ¿Dónde empieza el country y termina la americana? Hay una confusión también con el bluegrass, el folk y todo eso.

¿Qué te parece que haya aportado en los últimos años al género gente como Big Thief / Adrianne Lenker?
Evidentemente lo que hace Adrianne Lenker me parece increíble. Me parece la compositora más brillante de nuestro tiempo, pero ponerte un sombrero no hace que lo que hagas sea country. Yo creo que circunda más este mundo de americana y folkie, ella tiene un universo muy propio. Si hablamos estrictamente de género, no creo que ella esté en el country.

¿Has escuchado aproximaciones más pop como Kacey Musgraves o las canciones con banjo de Sabrina Carpenter?
Pues la verdad es que no. Tampoco me interesa mucho honestamente. Y lo de la canción de Sabrina Carpenter… he intentado buscarla pero tampoco la he encontrado. Pero bueno, no creo que un banjo enmarque automáticamente una canción en un género. La verdad, que me escucho hablándote de género de manera tan cerrada que me sueno un poco «viejo cabreado», así con el puño en alto, refunfuñando. No soy ningún purista ni desprecio eso. Como dijo Jesulín de Ubrique, «los puristas caben en un autobús».

«No he escuchado a Kacey Musgraves ni a Sabrina Carpenter. Pero no soy ningún purista ni desprecio eso. Como dijo Jesulín de Ubrique, «los puristas caben en un autobús»»

¿Qué opinas de la polémica sobre si ‘Cowboy Carter’ de Beyoncé es o no música country?
Pues no estoy al tanto de la polémica. La verdad es que no lo he escuchado. Lo único que he escuchado ha sido un trozo de un audio en TikTok, con una canción de ese disco que decía no sé qué de un Lexus [NdE: ‘Texas Hold’Em’]. Me pareció más una parodia country que algo real. Pero bueno, sé que el country también ha sido una tendencia muy clara, se ha puesto muy de moda. Hasta Ringo (Starr) está haciendo canciones con un sombrero.

¿Crees que el country debe renovarse, o mantenerse en su esencia es vital, en este caso, y si no, no es country, es «otra cosa»?
Bueno… Evidentemente como todos los géneros, va a evolucionar y va a ir hacia nuevas cosas. Es verdad que por ejemplo en Estados Unidos es un género muy masivo y se hacen cosas nuevas que yo personalmente no escucho. Me parece -la mayoría de cosas- una horterada bastante fina. Yo me quedo con los comienzos, con la época dorada de esto. De Hank Williams en adelante… pues yo que sé: Willie Nelson, Merle Haggard, Kris Kristofferson, Waylon Jennings, Johnny Cash, Loretta Lynn, Tammy Wynette… Todas estas cosas.

¿Qué opinas del country puro y duro, que vende 5, 6 y 7 millones de copias por disco? Gente como Morgan Wallen o antes Garth Brooks.
Te puedo responder lo mismo: no estoy conectado. Todo lo que ha ido llegando del country así más masivo de radiofórmula, me parece una horterada que flipas.

«Si ya nos hemos comido todo de los americanos, ¿por qué el country no?»

¿Algún artista actual masculino masivo que te guste? ¿Quizá Zach Bryan? ¿O sueles fijarte más en el underground?
No es masivo, pero es muy grande allí Charley Crockett. Un tío que está sacando discos como churros y ninguno malo. A mí especialmente me gusta uno que se llama ’10 dollar Cowboy’, que recupera mucha esencia de country clásico y y para mí tiene una parte irónica, tratando todo el tema este del country moderno del que hablábamos antes.

¿Te verías haciendo una canción más próxima a este género, tras la aceptación de algo tan acústico y lo-fi como ‘Guapo’?
Yo creo que sí me puedo ver, no haciendo una canción de género como tal, sino como tú bien dices una aproximación más en la estética. Tampoco creo que esté tan lejos si escuchas cualquier canción de ‘Red Headed Stranger’ de Willie Nelson. O, no sé, Hank Williams mismo es muy acústico y muy lo fi, ¿así que por qué no?

¿Crees que el country puede hacerse con dignidad desde España y en español o el resultado sería algo como Dinamita pa los pollos? Que ojo, a mí me hacían mucha gracia…
Si te dijera que no se puede hacer, sería por mi parte una postura bastante pureta. Ya te he comentado que no soy nada de eso. Evidentemente se puede hacer con dignidad en España. Si total, ya nos lo hemos comido todo de los americanos, ¿por qué esto no? Pero bueno, creo que como todo, consiste en hacerlo, no partiendo de la premisa tan estricta de hacer country o hacer cualquier cosa, porque también deja de interesarme. Sino que para mí la clave es hacerlo, primero desde el conocimiento, y segundo desde la libertad de poder hacer tú lo que te dé la gana y y poner ahí tu parte. Como conclusión: ¿se puede hacer country? Sí. Lo que no se puede o no hay que hacer es confundirlo con disfrazarse de americano.

«Nuestra industria musical es adolescente»… ¿pero hasta cuándo?

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No todos los días va uno a la sede de la CEOE. Ni a este sitio en particular, ni al Barrio Salamanca en general. La última vez pudo ser para entrevistar a Vanesa Martín. La penúltima, para nosequé de Mónica Naranjo. La intención de BIME y la editorial LIBURUAK de Last Tour situándose en este espacio es muy clara: profesionalizar de una vez la industria musical española, aún solo una sombra de lo que podría ser, sobre todo si tenemos en cuenta el auge de nuestro idioma en el mundo del pop. Quizá algún día lamentaremos las oportunidades que estamos dejando pasar delante de nuestras narices.

El libro que nos ocupa hoy se llama ‘De pasión a profesión. Manual de Industria Musical’. Antonio Garamendi, presidente de la CEOE, presenta el acto a las 9.00 clavadas -nada de retrasos en la CEOE, cómo se nota que no se lanzaba un cartel de artistas o algo así-. Garamendi se queda un total de 7 minutos y después se excusa porque se tiene que ir «a la tele». Pero al menos tiene tiempo de contarnos dos cosas.

La primera es que tiene un hijo músico, en concreto este. Y la segunda y más enriquecedora es que la cultura representa el 3,5% del PIB español, y unos 700.000 puestos de trabajo. «La cultura es empresa porque genera riqueza», comienza diciendo, relacionándolo también con el turismo. Solo al final apostilla que «las empresas son también personas», quizá consciente del duro público de la jornada, que terminaría preguntando por los fondos de inversión que inundan la escena, cuando él ya estaba muy lejos de nuestro alcance.

«De pasión a profesión» es un tochazo en dos tomos, que el editor Jon Icazuriaga presenta dividido en 6 partes. Las inquietudes del artista, la inteligencia artificial y hasta el periodismo musical aparecen diseccionados, pero el plato fuerte parecen los tres últimos bloques: la música grabada, los derechos editoriales y la música en vivo. El libro explora cómo el sector ha estado marcado por su tradición autodidacta, lo paulatino que está siendo que la música deje de ser una pasión para terminar siendo una profesión para muchos, y lo que puede venir en el futuro. «La IA no se cansa, no tiene crisis creativas, ni reclama derechos», indica la experta Vanessa Jiménez Serranía, que habla en el libro sobre cómo se está aplicando a procesos creativos.

Preguntado por la profesionalización del sector en España respecto a otros países, Icazuriaga cree que «Estados Unidos sigue siendo el gran mercado referente». También Reino Unido, desde los 60, por cómo han trabajado las «estructuras formativas» y por lo bien que percibe la sociedad anglosajona a la propia industria musical. Icazuriaga cree que las cosas mejorarán en España cuando los propios ciudadanos respeten la cultura «como se respeta, ya que estamos aquí y por decir algo, la industria del automóvil».

Isabel Villanueva, directora de BIME, ha explicado que incluso desde los fondos de inversión se percibe al sector musical como «muy inestable». Si recordamos los estragos que causó la piratería, el descontento de Spotify, la crisis de la covid, la amenaza eterna de la burbuja festivalera… nos lo creemos. Villanueva considera que aún «nuestra industria es adolescente» y detalla: «Está empezando a mostrar los primeros síntomas de madurez, pero aún estamos ahí: cuando la industria empieza a ser sólida».

¿Cómo se puede subsanar eso? Según ella por dos vías: con las inversiones en cultura que se vienen realizando desde la Unión Europea, y con la certeza -aunque no existen datos- de que el idioma español está tomando la delantera en consumo musical respecto al inglés. Las iniciativas público-privadas también son apuntadas como necesarias, como señalan siempre distintos agentes en este tipo de eventos. «¿Subvenciones? Sí. Pero con planes de viabilidad», se dice con distintas palabras.

Es muy curioso que en el sector se mire con envidia el modo en que se organiza la industria cinematográfica. Dice Villanueva que «va por delante porque trabajan con una voz única, es una industria sana, de la que tenemos mucho que aprender». El cine está en esa posición, cuando es la música en español la que parece encerrar más posibilidades comerciales. Hoy por ejemplo encontramos entre los 100 temas más reproducidos del mundo varias canciones en castellano de Béele, obviamente Bad Bunny y también el mallorquín Rels B.

Por si sirve de algo sobre lo orientada que va nuestra «industria», ninguno de estos artistas con millones de escuchas a nivel global está editado por una major. El sello de «La Plena» es Kristoman LLC, el sello de Bad Bunny es Rimas Entertainment, el sello de Rels B es Dale Play Records.

Louis Tomlinson se pone psicodélico y anuncia gira

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En las últimas horas, Louis Tomlinson nos ha inundado de novedades. En primer lugar, ha estrenado un single llamado ‘Lemonade’, de corte psicodélico.

Los beats de ‘Lemonade’ trotan a diferentes tempos, y los teclados recuerdan incluso a proyectos tipo Tame Impala. Como co-autor, junto a Louis encontramos a Theo Hutchcraft, conocido por ser el líder de Hurts. Produce el tema Nicolas Rebscher, quien ha trabajado con AURORA o con el propio ex One Direction anteriormente. Por ejemplo, en ‘Out of My System’.

Además, Tomlinson ha anunciado un álbum llamado ‘How Did I Get Here?’ que verá la luz el 23 de enero. Serán 12 pistas de las que aún no se han revelado los nombres. Tan sólo sabemos que ‘Lemonade’ será el corte 1.

Aunque lo más importante es que habrá presentación en vivo. La gira de Louis Tomlinson recorrerá Europa y Norteamérica a partir de marzo de 2026. Respecto a España, estará el 12 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 13 de abril en el Movistar Arena de Madrid. Las entradas salen a la venta el 10 de octubre en Live Nation y Ticketmaster. Habrá una preventa en Live Nation-S.SMusic a partir del miércoles 08 de octubre a las 10h. La preventa en Live Nation es el jueves 9 de octubre a las 10h. Las entradas estarán disponibles desde 35 € (+ gastos de distribución).

Os dejamos con las fechas en Reino Unido y Europa:

Lun 23 de marzo – Barclays Arena, Hamburgo
Mié 25 de marzo – Unity Arena, Oslo
Vie 27 de marzo – Helsinki Halli, Helsinki
Dom 29 de marzo – Avicii Arena, Estocolmo
Lun 30 de marzo – KB Hallen, Copenhague
Mié 1 de abril – Uber Arena, Berlín
Jue 2 de abril – Lanxess Arena, Colonia
Sáb 4 de abril – Arena Gliwice, Gliwice
Dom 5 de abril – O2 Arena, Praga
Lun 6 de abril – Marx Halle, Viena
Jue 9 de abril – Unipol Arena, Bolonia
Vie 10 de abril – Unipol Forum, Milán
Dom 12 de abril – Palau Sant Jordi, Barcelona
Lun 13 de abril – Movistar Arena, Madrid
Mié 15 de abril – LDLC Arena, Lyon
Vie 17 de abril – Olympiahalle, Múnich
Dom 19 de abril – Lotto Arena, Amberes
Lun 20 de abril – Ziggo Dome, Ámsterdam
Mar 21 de abril – Accor Arena, París
Vie 24 de abril – Co-op Live, Mánchester
Sáb 25 de abril – Utilita Arena, Birmingham
Lun 27 de abril – OVO Hydro, Glasgow
Mar 28 de abril – First Direct Arena, Leeds
Jue 30 de abril – 3Arena, Dublín
Sáb 2 de mayo – The Brighton Centre, Brighton
Dom 3 de mayo – The O2, Londres

Olivia Dean / The Art of Loving

La vida de Olivia Dean ha cambiado radicalmente en las últimas semanas. De repente, ha dejado de tener sentido que telonee a Sabrina Carpenter en Estados Unidos a finales de este mes. Tras su debut ‘Messy’, ya os contamos que ‘Nice to Each Other’ estaba teniendo una muy buena acogida como presentación de este segundo álbum. Sumaba también la colaboración para Sam Fender que fue ‘Rein Me In’. Después, las cosas se han salido de madre con el pelotazo dado por ‘Man I Need’. Una nueva alegría para la cuenta de Tobias Jesso Jr, su co-autor.

Al tiempo que el single ‘Dive’ de su primer disco resurgía, ‘Man I Need’ ha llegado al número 2 en Reino Unido y al puesto 8 de las listas globales que organiza Billboard. Luminosa y alegre, es una propuesta romántica digna de una simpática sitcom, acompañada de suaves notas de piano y un ritmo casi bailable. «No seas tímido, sé el hombre que necesito» es su petición.

Esta canción habla de «bailar bossa nova toda la noche», pero la que hace eso de verdad en este disco es ‘So Easy (To Fall In Love)’. Caetano Veloso está entre las influencias declaradas de la artista y el ritmo brasileño, junto a las trompetas tipo años 70, representa el punto en que el soul conecta con Jobim y Burt Bacharach.

También encontrábamos en aquella lista de influencias a Nick Drake, algo muy palpable en ‘Loud’. Se trata de una preciosidad a guitarra y cuerdas que derrite en su tramo final, cuando escuchamos ya tan sólo la voz de Olivia y una línea de piano. Volvemos al minimalismo de su principio, solo que cambiando de instrumento.

La lista de canciones que no han sido single pero tienen ese algo que las hace especiales podría completarse con ‘Close Up’, de estrofas tremebundas y estribillo más luminoso; la balada soul a la guitarra ‘A Couple of Minutes’ (fans de Amy Winehouse, es aquí); ‘Baby Steps’ con ese balbuceo «ba-ba-ba»; o la final ‘I’ve Seen It’, la típica composición de 2 minutos, sencilla, que las grandes vocalistas se meriendan casi con solo aparecer por el estudio y grabar su toma en 1.

Canta Olivia Dean en ‘The Art of Loving’ sobre los sinsabores del amor porque cuenta que ha crecido viviéndolo «en blanco y negro» tras haberlo idealizado durante toda su vida. La voluntad de ‘Nice to Each Other’ o la de ‘Man I Need’ es la de los grandes clásicos del soul: transformar ese «blanco y negro» en «color» a través de melodías, voz, cuerdas, vientos. Si el mundo no es mejor después de Olivia Dean, al menos lo pareció durante un instante.

Sorpasso: ‘Die with a Smile’ es el mayor hit de Gaga y de Mars

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Die with a Smile‘, la espléndida balada de Lady Gaga y Bruno Mars que destacamos como una de las 15 Mejores Canciones de 2024, acaba de rebasar los 3.000 millones de streams en Spotify. Es la canción que más rápidamente ha llegado ahí. Han sido unos 410 días de éxito, la mitad de los cuales (201), los ha pasado en el número 1 del Global de la plataforma sueca, estableciendo un récord histórico.

Desde hace unas semanas, ‘Die with a Smile’ es también la canción más popular de la historia tanto de Lady Gaga como de Bruno Mars, siempre según Spotify. En cuanto a ella, supera a balada ‘Shallow’, que se acerca a los 2.900 millones, siendo también un dueto, en ese caso con el actor Bradley Cooper. Lógicamente, todas las canciones más escuchadas de Bradley Cooper pertenecen a la banda sonora de ‘A Star Is Born’. Si alguien se lo pregunta, Cooper tiene unos 15 millones de oyentes mensuales.

Lady Gaga tiene 102 millones y es la 3ª artista más escuchada en todo el mundo en este momento. Sus grandes clásicos poperos (‘Poker Face’, ‘Just Dance’, ‘Bad Romance’) alcanzarán en meses venideros los 2.000 millones de streams, pero hay que insistir en la aceptación global de sus baladas, que trascienden a todos los estratos de la sociedad, jóvenes y no tan jóvenes. De hecho, ‘Always Remember Us This Way’ también logrará el hito de los 2.000 en aproximadamente un año.

Curiosamente, las baladas no parecen las favoritas de sus seguidores más fieles, al menos entre nuestro público y nuestros comentaristas y foreros. ‘Die with a Smile’ es uno de los pocos sencillos de Gaga que no ha logrado ser ni una sola vez lo más votado de la semana en JENESAISPOP. ‘Abracadabra’, que tiene 500 millones de streams, lo consiguió durante nada menos que 6 semanas. Es claramente una de vuestras (y nuestras) canciones favoritas de 2025.

Los números globales de Bruno Mars son incluso mejores: es el 2º artista más oído del mundo, solo por detrás de The Weeknd. Eso es porque a la buena aceptación de ‘Die with a Smile’ hay que sumar la de ‘APT.’ con Rosé. Este otro tema supera los 2.000 millones de streams.

Pero Bruno también se ha beneficiado de Gaga: ambos se han beneficiado mutuamente. ‘Die With a Smile’ acaba de superar los streams de ‘Just the Way You Are’, ‘Locked Out of heaven’, ‘When I Was Your Man’ y ‘That’s What I Like’, todas ellas a punto de superar los 3.000 millones de streams. Sin embargo, ha sido ‘Die with a Smile’ la que primero ha rebasado esa frontera, y además, sigue muy fuerte en las listas.

¿Cuántas canciones a día de hoy superan los 3.000 millones de streams en Spotify? Pues con esta son exactamente 33. ‘Blinding Lights’ continúa en el número 1 de esa lista con más de 5.000 millones de streams. De seguir creciendo a este ritmo de 3 millones diarios, ‘Die with a Smile’ tiene fácil llegar en unos meses al top 20 o incluso más alto.

Y es que en el top global de Spotify a día de hoy encontramos aún a muchas de sus competidoras, como ‘Yellow’ de Coldplay o ‘I Wanna Be Yours’ de Arctic Monkeys. Pero hay otras canciones que ya llevan un tiempo de capa caída, como ‘Dance Monkey’ o ‘Heat Waves’.

Las mejores canciones del momento: septiembre 2025

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Cerrado el mes de septiembre, recopilamos todas las «Canciones del Día» en una nueva playlist que ya podéis escuchar en Apple Music (el viejo link de Spotify continúa operativo). Es ocasión de degustar o redescubrir algunas de las canciones que más están funcionando a nivel global, como es el caso de los singles de RAYE u Olivia Dean; y también de descubrir nuevos artistas, como aleksiah, sleepazoid, Laaza, Amor Líquido, Teo Planell -que al fin llega a su debut- o así te voy a recordar. Entre los últimos Discos Recomendados, por supuesto Blood Orange, Big Thief, Lola Young, Belén Aguilera y JADE.

RAYE / WHERE IS MY HUSBAND!
Olivia Dean / Man I Need
KNEECAP, Paul Hartnoll / Sayonara
John Summit, Inéz / crystallized
Blood Orange / Mind Loaded
Doja Cat / Gorgeous
Demi Lovato / Here All Night
aleksiah / Punk Drunk Love
YUNG PRADO / Pensando en ti
Rex Orange County / Take a Drive

Miley Cyrus, Lindsey Buckingham, Mick Fleetwood / Secrets
Wolf Alice / Just Two Girls
sleepazoid / NEW AGE
Lola Young / Not Like That Anymore
Amor Líquido, Las Petunias / No seré una estrella
Judeline, Amaia / com você
Belén Aguilera / Bruja
Teo Planell / Cómo pensarte mal
Big Thief / Words
Mac DeMarco / Shining
David Byrne, Ghost Train Orchestra, Hayley Williams / What Is the Reason for It?
Nacho Vegas / Alivio
Tame Impala / Dracula

Lady Gaga / The Dead Dance
Mónica Naranjo / Por un like
JADE / Unconditional
JUVENTUDE / Morir en primavera
La M.O.D.A. / No te necesito para ser feliz
Zaz / Sains et saufs
Laaza / De ciudad
Mon Laferte, NATHY PELUSO / La Tirana
asi te voy a recordar / primera estampida
Elmiene / Useless (Without You)
Turista Sueca / Síndrome de Estocolmo
Floodlights / Can You Feel It

así te voy a recordar: el mejor indie pop

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El próximo 10 de octubre habrá un doble programa de indie pop en Madrid. Se trata del concierto conjunto entre Sanhugus y así te voy a recordar, que tendrá lugar en Maravillas Club. Forma parte del ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou, que como cada mes incluye shows de indie, jazz, soul o rock.

Sanhugus pasa del noise al post-punk de canción a canción, siendo la más popular con que cuenta ‘la hermana de mulder’. En cuanto a «así te voy a recordar», está más centrado en el jangle pop de unos Smiths o los The Cure más pop. Al menos a eso apuntan las dos canciones que tiene subidas a plataformas.

así te voy a recordar es el proyecto de Marcos de López, antes en bandas como Olivia Is a Ghost y Las Hadas. Ambos proyectos llegaron a subir temas a streaming. En Instagram, Marcos ha anunciado que pronto tendrá una nueva composición en solitario en el mercado -el mismo día del concierto-. De momento puedes escuchar ‘culto de noche’ y ‘primera estampida’, que seleccionamos como Canción del Día.

Con una melodía un tanto Triángulo de Amor Bizarro (en concreto ‘Baila sumeria’), pero una sonoridad mucho más pop, la letra habla de la ausencia de alguien. «primera estampida sin ti» debería ser su título, si bien con la negatividad de su letra («no sé qué decirte», «no hay nada que contarnos») contrasta su percusión y optimista melodía.

Para las influencias reconocidas de así te voy a recordar, hay disponible una playlist de Spotify. Allí ha incluido temas como Yo La Tengo, The Pastels, Another Sunny Day o The Field Mice.

El álbum más optimista de Melody’s Echo Chamber, en diciembre

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Melody’s Echo Chamber, el proyecto de la música francesa Melody Prochet, muy querida por aquí por discos como su álbum homónimo de 2012 o ‘Bon Voyage‘, anuncia su regreso. Su cuarto álbum de estudio, ‘Unclouded’, se arriesgará a salir al mercado el complicado mes de diciembre. En concreto el día 5 de ese mes.

‘Unclouded’ pretende abrir una nueva etapa de optimismo para Melody’s Echo Chamber. Según informa su sello en España, el título del álbum está inspirado en una cita del animador japonés Hayao Miyazaki sobre cómo alcanzar el equilibrio: «Debes ver a través de ojos despejados por el odio. Ve lo bueno en lo malo y lo malo en lo bueno. No te comprometas con ninguno de los dos lados».

Continúa: «Cuanto más experimento la vida, más la amo y menos necesito escapar de ella. Si mi corazón sigue perteneciendo a la hora azul, también siento que he reunido todas las piezas de mí misma que estaban dispersas por todas partes y las he pegado con oro, como el kintsugi japonés».

Su optimismo se retrataría tanto en los ritmos del disco como en sus letras más terrenales. El primer avance de todo esto se llama ‘In the Stars’ y llega con un vídeo dirigido por Diane Sagnier.

En cuando al disco, co-produce y co-escribe Sven Wunder (Danny Brown), y colaboran el baterista británico Malcolm Catto (Madlib y DJ Shadow); Reine Fiske (Dungen), a quien se acreditan guitarras a lo Johnny Marr; o Leon Michels (Wu-Tang, The Carters, Norah Jones y Clairo).

El tracklist también incluye otra canción revelada anteriormente, ‘Daisy’, como pista final:

1.-The House That Doesn’t Exist
2.-In The Stars
3.-Flowers Turn Into Gold
4.-Eyes Closed
5.-Childhood Dream
6.-Memory’s Underground
7.-Broken Roses
8.-Burning Man
9.-Into Shadows
10.-How to Leave Misery Behind
11.-Unclouded
12.-Daisy (feat. El Michels Affair)

«¿Discografía de Tamara? Bastante ha tenido con sobrevivir»

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Superestar‘ ha sido la serie del verano en JENESAISPOP. Aprovechando el hype que ha supuesto la serie de Nacho Vigalondo, lo que ha desembocado con el anuncio de un gran concierto de Yurena en el Palacio Vistalegre, grabamos un podcast sobre la carrera musical de la artista. A tal efecto, qué mejor que invitar a Enrique Aparicio, que ya la reivindicó en nuestro podcast «Buena música de mierda» y grabó con la mismísima Yurena el 100º episodio de Puedo hablar.

Enrique Aparicio no solo viene a hablar del álbum ‘Superestar’, disco sobre el que Elena Cabrera elaboró un extenso reportaje para El Diario. Esnórquel viene con ganas de reivindicar sus pasos previos, por ejemplo el álbum perdido que se está vendiendo con una portada falsa en Wallapop. También el álbum que Tamara ideó de manera paralela a ‘Superestar’, y del que se conocen temas filtrados como ‘Mi novio y tú‘. Este llegó a presentarse en Crónicas Marcianas.

Debatiendo sobre la artisticidad de Yurena, sus limitaciones vocales, la diferencia entre artista y personaje o por qué no ha hecho más discos, Enrique recuerda que ha tenido dos intentos de suicidio: “Cosas que nosotros podemos debatir con ligereza son su vida (…) Bastante ha tenido con sobrevivir”.

Aparicio demuestra su documentación, sobre todo en torno a la primera etapa de Tamara. Los tiempos en que componía con los integrantes de dos bandas que puedes encontrar en las redes: 16 válvulas y Sueños virtuales. Reivindica la entrevista de EPSA de 2012 como “piedra roseta del Tamarismo” e invita a escuchar todas las versiones de ‘No cambié’ que hay en Youtube durante 1 hora.

También debatimos sobre los muy reivindicables singles que salieron después de ‘Superstar’. Hablamos de ‘Yo soy así’ y de ‘Vuelvo’, canciones que no deberían faltar en su repertorio, si bien sospechamos que su etapa EDM, la de ‘Around the World‘, será la que en verdad dominará su anhelado concierto de Madrid. ¿Qué podemos esperar del mismo?

Nick Cave no es «ni de izquierdas ni de derechas»

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Ian Allen

En respuesta a una de las preguntas que envían sus fans a su web The Red Hand Files, Nick Cave ha asegurado que «no es ni de izquierdas ni de derechas», aseverando que ya no reconoce el mundo, y afirmando que ha conocido buenas personas en ambos extremos del espectro político.

Dice su carta: «Querido Alistair (…) no estoy del todo seguro de mi postura sobre nada últimamente. A medida que el terreno se tambalea y se desliza bajo nuestros pies, y el mundo se endurece en torno a sus puntos de vista particulares, me siento cada vez más inseguro y menos seguro de mí mismo. No soy ni de izquierdas ni de derechas; encuentro ambos bandos, tal como se presentan principalmente, indefendibles e irreconocibles».

Nick Cave se define como «un conservador espiritual de tendencia liberal con «c» minúscula», lo que no considera nada político, sino «cuestión de temperamento».

Hablando sobre cuestiones del mundo, afirma: «Tengo una naturaleza devota y veo el mundo roto pero hermoso, y creo que es nuestro deber urgente y moral repararlo donde podamos y no causar más daño, o peor aún, provocar deliberadamente su destrucción (…) Creo que tenemos la obligación de ayudar a quienes se sienten realmente marginados, oprimidos o afligidos de una manera útil y constructiva, y no de explotar su sufrimiento para nuestro propio progreso profesional o supervivencia personal».

Sobre algunos problemas contemporáneos, reivindica el derecho al silencio: «Me perturba profundamente la política egoísta e infantil de algunos de mis colegas. No creo que el silencio sea violencia, complicidad ni falta de valentía, sino que el silencio suele ser la opción preferida cuando uno no sabe de qué está hablando, tiene dudas o está en conflicto, lo cual, en mi caso, ocurre la mayor parte del tiempo. Me siento cómodo con la ignorancia y considero que esta es una postura espiritual y creativamente dinámica. Creo que hay momentos en los que callarse la boca es casi un deber sagrado».

Continúa: «No me preocupa especialmente la postura de la gente; he conocido a algunas de las mejores personas de todo el espectro político. De hecho, me enorgullece y me da un inmenso placer tener amigos con opiniones divergentes. Mi vida es mucho más interesante y vibrante con ellos».

Finalmente, sobre la obligatoriedad de los músicos de opinar, concluye: «Considero mi rol como músico, compositor y escritor de cartas como un servicio activo al alma del mundo, y he llegado a comprender que esta es la postura que debo adoptar para intentar cultivar un cambio genuino. De hecho, ahora empiezo a comprender mi postura, Alistair: estoy con el mundo, en su bondad y belleza. En estos tiempos histéricos, monocromáticos y convulsos, invoco su alma, como lo hacen los músicos, a su naturaleza afligida y rota, a su significado erróneo, a su espíritu frágil y vacilante. Le canto, lo alabo, lo animo y me esfuerzo por mejorarlo: en adoración, reconciliación y fe plena».

El polémico Daniel Ek dejará de ser CEO de Spotify en 2026

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El fundador de Spotify Daniel Ek comunica en X que va a dejar de ser CEO de la compañía. Se desconoce si la decisión tiene algo que ver con la polémica que ha rodeado su nombre en los últimos meses, respecto a sus inversiones paralelas en drones militares equipados con inteligencia artificial. Muchos artistas, como por ejemplo Xiu Xiu, han sentido que se estaba matando personas con el dinero que generaban.

Desde el 1 de enero de 2026, Ek pasará a tener un cargo de presidente ejecutivo, pero no será el CEO. Esta función estará desempeñada por dos co-presidentes, Alex Norström -hasta ahora director comercial- y Gustav Söderström -hasta ahora líder de la unidad de productos y tecnología-. De hecho, se informa de que estos están comenzando a asumir las nuevas funciones.

El comunicado de Daniel Ek indica: “Como presidente ejecutivo, dedicaré más tiempo a las estrategias a largo plazo: estrategia, asignación de capital, medidas reguladoras y las decisiones que definirán la próxima década para Spotify”.

También asegura que se quiere dedicar a otros negocios. Daniel Ek no menciona ninguna de las polémicas que han sacudido a Spotify durante los últimos meses.

Sus negocios respecto a drones bélicos han sido los que han provocado que varios músicos abandonen Spotify durante los últimos tiempos. Entre otros, han sido Godspeed You! Black Emperor, King Gizzard & the Lizard Wizard, Xiu Xiu, Deerhoof o Deradoorian. Massive Attack también han manifestado su intención de irse de Spotify, aunque hoy por hoy, su catálogo permanece.

Lola Young cancela su agenda «de un futuro próximo»

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Lola Young, actual top 3 de las listas británicas con su notable nuevo álbum, ‘I’m Only F**king Myself‘, ha decidido parar. El pasado sábado sufría un desmayo durante un concierto, tras haber cancelado otro show por razones de salud mental. La cantante aseguró estar bien, pero finalmente no ha sido el caso.

Sin especificar cuándo volverá, la cantante dice que suspende las fechas de un «futuro próximo». Desde el 6 de octubre tenía varios conciertos en Manchester, Birmingham, Liverpool, Edimburgo, Newcastle o Londres, y en noviembre tenía fechas en Norteamérica. Ya en 2026 tenía conciertos en Europa, incluido Primavera Sound.

La cantante ha escrito: «Me voy a tomar un descanso. Me duele decir que tengo que cancelar todo lo que tengo en un futuro próximo. Gracias por todo el amor y el apoyo. Siento decepcionar a quien haya comprado una entrada para verme, me duele más de lo que imagináis. Por supuesto se devolverá el dinero». Y finaliza: «de verdad espero que me deis una segunda oportunidad una vez que tenga tiempo de trabajar en mí misma y poder volver más fuerte».

La artista ha sido siempre muy abierta hablando de salud mental tanto en sus letras como en sus entrevistas. Ya en 2022 reconoció sufrir un trastorno esquizoafectivo que trataba con medicación.

Doja Cat / Vie

Doja Cat ha afirmado que ‘Scarlet‘ (2023), su anterior disco, era una especie de «enorme pedo» que necesitaba tirarse, no porque le parezca malo, sino porque necesitaba «sacarse del organismo» un proyecto creativo y no comercial, demostrarse que podía crear un disco entero de rap. Su continuación, ‘Vie’, es una recogida de cable: Doja vuelve a hacer pop, aunque uno más evolucionado.

En esta ocasión, a Doja le ha inspirado el pop afroamericano de los ochenta, el de Janet Jackson, Prince y Alexander O’Neal, y todo el movimiento boogie y post-disco de la época. ‘Vie’ es abiertamente un ejercicio de pastiche y revisionismo. Por un lado, es de agradecer que Doja entregue un álbum comprometido con una única visión. Por otro, el sonido, aunque exquisito y trabajado laboriosamente junto a Jack Antonoff y compañía, es excesivamente nostálgico.

A esa nostalgia apuntan directamente los solos de saxofón de ‘Cards’, que abren el disco, o el nuevo single ‘Stranger’, la enésima referencia italo tan eficiente como predecible a estas alturas (por no hablar de algunas portadas alternativas, como la del coche). Amala Dlamini aporta su sello con sus rasposos raps y sus sigilosas y pegadizas melodías, pero el disco, aunque divertido, va perdiendo solidez a medida que avanza y sus pistas parecen menos esenciales.

‘Vie’ se abre y cierra con el nivel de ‘Cards’, un gran homenaje de tintes new jack swing que gustaría a Fabiana Palladino, y ‘Come Back’, que muchos están comparando con la banda sonora de ‘El rey león’. En toda su atmósfera a lo Phil Collins, ‘Come Back’ es un cierre ideal y lógico. Antes, ‘AAAHH MEN!’ se abre paso como la verdadera sorpresa del disco, un delirio funk que pone a Doja a rapear como una desquiciada sobre la base de ‘El coche fantástico’ (1982). ‘AAAHH MEN!’ retrata a una Doja «insaciable», en busca del hombre ideal, pero que se divierte por el camino.

En ‘Silly Fun’ se casa en Las Vegas y se imagina teniendo hijos con un nuevo ligue. No es casualidad que uno de los temas, el mismo en el que rapea la expresión «I eye you like a queer», se titule ‘Stranger’: ‘Vie’ es un disco sobre el proceso de encontrar a la persona adecuada, aunque por el camino haya que aprender a ser menos «celosa», como Doja se identifica en el trepidante primer adelanto, ‘Jealous Type‘; o «egoísta». Hablando de procesos, otra de las pistas se llama ‘Couples Therapy’.

Sin embargo, ‘Vie’ sería mejor si las producciones fueran menos recreativas, algo más imaginativas; si fueran tan dinámicas y contemporáneas como la de ‘Gorgeous’, o si la secuencia no incluyera temas tan medianos como ‘Lipstain’ o ‘Happy’, que bajan la media de calidad del álbum. Algunos cortes, como el hi-NRG de ‘One More Time’ o los traperos ‘Acts of Service’ y ‘Make it Up’ -que no encajan por estilo-, directamente parecen bonus tracks encubiertos. SZA aparece para darse un bailoteo con Doja en la sintética ‘Take Me Dancing’, pero parece metida en el último minuto: esto no es ‘Kiss Me More‘.

Mientras obras similares como ‘Future Nostalgia‘ (2020) de Dua Lipa o ‘What’s Your Pleasure?‘ (2020) de Jessie Ware dialogaban con los 80 desde el presente, convirtiéndose en obras atemporales, ‘Vie’ divierte a través de la imitación, como el mejor disco de Bruno Mars, aunque no logra sostener su concepto a lo largo de 15 cortes que son demasiados. Bruno habría dejado dentro sólo los mejores.

Operación Triunfo 2025 necesita egos como el de Iván Rojo

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Iván Rojo se ha convertido en el primer expulsado de Operación Triunfo 2025. Hacía tiempo que un primer eliminado del programa no daba tanto de qué hablar, aunque fuera por razones extramusicales. Su desorbitado ego, que tantos memes ha generado, algunos tan divertidos como el que colocaba a Rojo de cabeza de cartel en Primavera Sound, y después sus polémicas declaraciones sobre las lenguas co-oficiales de España, desmentidas rápidamente en medios y cuentas de fans.

Pero también ha tenido que ver su elección de canción. ‘It’s My Life’ de Bon Jovi no pide una interpretación melódica, como la que él ha propuesto, sino rockera. Además, no puede ser una canción más obvia. Claudia Arenas, su rival, ha acertado apostando por la sencillez de ‘El sitio de mi recreo’ de Antonio Vega, y ha marcado la diferencia tocando el piano en directo, emocionando a presentadora y jurado. En otras palabras: ha sabido concursar.


Chenoa ha estado acertada intentando amortiguar el impacto de las críticas que Iván Rojo se encontrará fuera del concurso. «Todos tenemos derecho a equivocarnos», expresaba en forma de consuelo, mientras Rojo aún digería la expulsión.

Aunque Iván Rojo haya exagerado imaginándose cantando en WiZinks o siendo votado por millones de personas, aunque según algunos viva en una «realidad paralela», el vallisoletano ha recordado a la audiencia que ser pop star también va de creérselo un poquito.

La Gala 2 de Operación Triunfo 2025 ha dejado los primeros tríos de la edición. Y de esos dos tríos han salido los dos nominados de la noche: Max, que no ha convencido en su papel de *N SYNC, mucho menos al lado de un Guillo Rist posicionado en el centro, por razones obvias; y Salma, que en ‘If You Could Read My Mind’ de Gordon Lightfoot ha quedado eclipsada por sus dos compañeras.

El favorito de la velada, Guille Toledano, ha reconocido durante la semana que ‘La Salvación‘ de Ardé Bogota no le ha supuesto ningún reto. Él parte con la ventaja de caer bien y dar buena imagen, y eso también suma. Ha cantado con Tinho, favorito de las madres, según él mismo, y también salvado.

Ninguna actuación de la noche ha sido sobresaliente. Guillo, al que constantemente dicen que parece profesional (porque lo es, ha salido de gira), es un finalista muy claro. Y Cristina también porque borda toda actuación aunque en ‘Dance Crip’ pareciera una concursante de Eurovision Junior.

Solo los concursantes saben cuán difícil es actuar en el plató de Operación Triunfo, pero ninguna actuación de la noche ha sido especialmente memorable: ‘Dance Crip’ con Cristina y Téyou al menos se ha diferenciado por ser un tema 100% de rap, pero ‘Clavaíto‘ con Crespo y María Cruz ha necesitado más rodaje; Lucía Casani y Judit cantan muy bien, pero han transmitido una cuarta parte de lo que requiere ‘En cambio no’ de Laura Pausini, y lo de Guille y Tinho ha sido directamente aburrido: demasiado fácil para ambos.

Es evidente que Operación Triunfo sigue apostando por la juventud de los concursantes (porque es la juventud de la audiencia) y no por perfiles que destaquen mínimamente: solo Dios sabe dónde habrán quedado los timbres y colores vocales más interesantes que han encontrado en esos interminables cástings. Aquí, desde luego, no están: los mejores vocalistas, Laura y Tinho, parecen salidos de 2001.

Mónica Naranjo y Nebulossa dan -ahora sí- con un hit potencial

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Mónica Naranjo fue este lunes la invitada de ‘La Revuelta’ de David Broncano. Gran parte de la conversación estuvo centrada en su papel en ‘La Isla de las Tentaciones’ y en lo icónica que fue la edición de Estefanía. Pero en verdad Mónica Naranjo acudía para presentar nuevo single. Y no un single cualquiera.

‘Por un like’ es una composición que Mónica Naranjo ha trabajado con Isra Dante Ramos en cuanto a la música, y con Nebulossa y Lorenzo Giner en cuanto a la letra. La producción es de Nebulossa. Nuestra Canción del Día hoy sucede a su grabación conjunta, la frustrante ‘Venenosa‘, que parecía una canción de Gloria Trevi, Thalía o Raffaela Carrá, por alguna razón. ‘Por un like’ es una composición mucho más certera, que curiosamente tiene el sello de Mónica Naranjo y el de Nebulossa a la vez, como ‘Venenosa’ no conseguía.

Por un lado, estamos ante la típica composición de Nebulossa, electrónica y con un montón de reflexiones sobre el «qué dirán». La letra retrata a una niña rara que busca aprobación, traducido en los términos de hoy, «likes»:
«Desde pequeña me quebré ante la realidad
Que ni era mona ni tenía ningún imán
Ni al hablar, ni al andar
Era invisible y lo tenía que remediar».

Por otro, la voluntad coral del tema es 100% ‘Palabra de mujer‘, con incluso referencias a ‘Desátame’, que parece que va a emerger en cualquier momento en forma de mash-up. Toda la grabación contiene el típico estilo rococó y recargado de Mónica Naranjo, bien aplicado: cuerdas, sintetizadores, voces y más voces, fantasía.

Ahora sí, esta parece la mejor vía de recordar que Mónica Naranjo tiene una gira de «grandes éxitos» que promocionar este otoño por toda España. El 11 de octubre la espera Sevilla y el 18 de octubre, Murcia. Ya en noviembre, el día 1 estará en Málaga y el día 22, en Valencia. El tour acaba el 15 de diciembre en Madrid; y el 19 de diciembre en Barcelona.

Entrevista a Mónica Naranjo

Taylor Swift sí referencia a George Michael en ‘Father Figure’

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Este viernes 3 de octubre se publica el nuevo disco de Taylor Swift, ‘The Life of a Showgirl‘. Su estrategia de lanzamiento ha sido diferente a la habitual estos días de 5 singles como avance: no hemos escuchado el single de presentación del álbum, ni tampoco sabemos oficialmente nada sobre su sonido.

La estrategia de la sorpresa no es nueva para Taylor Swift. Por ejemplo, ‘cardigan’ se lanzó como sencillo el mismo día que ‘folklore’. ‘Anti-Hero’ se lanzó como sencillo el mismo día que ‘Midnights’. Y ‘Fortnight’ se lanzó como sencillo el mismo día de lanzamiento que ‘The Tortured Poets Department’. Es decir, a Taylor le gusta vender todo el pack a la vez, y esta vez será igual.

La diferencia esta vez es que ‘The Life of a Showgirl’ parecía un regreso al pop junto a Max Martin y Shellback, lo que podría haber dado más de un número 1 en singles a la artista. Ese par de números 1 en todo el mundo que hace tiempo que no tiene, si no contamos el revival de ‘Cruel Summer’. ¿Por qué no haber lanzado el single ‘The Fate of Ophelia’ al número 1 durante el mes de septiembre y la semana que viene intentar que otro tema siguiera la misma suerte, por ejemplo la colaboración con Sabrina Carpenter, ‘The Life of a Showgirl’. ¿Acaso el álbum no es tan pop como nos lo imaginamos?

Esa no es la estrategia de Taylor, y en los últimos tiempos ha estado más concentrada en promocionar versiones exclusivas físicas de su álbum, como también es habitual. También han aparecido unos tablones referenciando esta era y su tour en distintos lugares del mundo. Ciertos tablones cuentan con fragmentos de letras, y hoy Billboard puede confirmar que el nuevo tema de Taylor ‘Father Figure’ sí contendrá una referencia al clásico de George Michael extraído de ‘Faith’ (1987). Se llevaba tiempo especulando con la posibilidad y finalmente se ha podido confirmar.

Por otro lado, el mismo 3 de octubre se proyectará la película ‘The Official Release Party of a Showgirl’ en cines de más de 100 países, incluyendo por supuesto España. Desde ese día y a lo largo de los siguientes, se espera que la cantante acuda a los programas de Jimmy Fallon y Seth Meyers, últimamente en el punto de mira de Trump; y en Reino Unido, el programa de Graham Norton. La promo está bien atada, es solo que tendrá lugar íntegramente después de la salida del álbum.

En todo caso, hay 5,5 millones de pre-saves en Spotify para la escucha del disco, con lo cual el éxito masivo está, de nuevo, garantizado.

Cardi B, fuera de listas españolas; Lola Young y NIN, dentro

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Bad Bunny mantiene el número 1 en España con ‘Debí tirar más fotos’, un disco que recordemos salió en enero. La subida más fuerte es la de Mora con ‘Lo mismo de siempre’, que pasa del puesto 11 al puesto 6, tras haber sido número 1 en su momento, editado por el mismo sello de Bad Bunny, Rimas Entertainment.

Ed Sheeran se desmorona con ‘Play’, pasando del puesto 7 al 27, por debajo incluso de otras entradas de la semana pasada como las de Twenty One Pilots (9-22) y Belén Aguilera (8-24).

Quizá la noticia de la semana es el disco que NO logra aparecer por todo el top 100 español. Nos referimos a ‘Am I the Drama?’ de Cardi B. El álbum no ha conseguido ni las ventas ni el streaming suficientes para llegar al top 100 de nuestro país. Curiosamente, es nada menos que número 1 del Billboard 200, además certificado como doble platino, al contar con ‘WAP’ y ‘UP’ al final de su secuencia.

El álbum también tiene discretos resultados en Reino Unido (26), Holanda (27), Francia (48) o Irlanda (68), salvando únicamente los muebles en Canadá (6) y Australia (8).

La entrada más fuerte en España es ‘Ascension’ de Paradise Lost, que ha llegado al número 39. Nine Inch Nails aparecen en el número 51 con ‘Tron: Ares Soundtrack’ -donde aparece Judeline, recordemos-, y ‘Buckingham Nicks’, en el puesto 89 con la reedición de este disco de cuando los dos Fleetwood Mac eran pareja.

Nos detenemos en la llegada de Lola Young al puesto 54 en España con su nuevo álbum ‘I’m Only F**king Myself’. También está en el puesto 4 de vinilos. El disco ha sido puesto 3 en Reino Unido, también en Bélgica, número 7 en Holanda o número 12 en Australia. La posición española de momento es la peor registrada en Europa, por debajo de Francia (35) o Irlanda (44), salvo aquellos países en los que ni ha entrado, claro.

Otras entradas interesantes, pero ya solo en la lista de vinilos, han sido las de Divine Comedy (puesto 26 con ‘Rainy Sunday Afternoon‘), y Soleá Morente (puesto 29 con ‘Sirio B‘).

Mariah Carey / Here for it All

Por primera vez en siete años, Mariah Carey celebrará la Navidad con un nuevo disco en el mercado. Curiosamente, ‘Here for it All’ parece pensado para ser consumido durante esta época, dado su estilo clásico. ‘Caution‘ (2018), el anterior LP de Carey, contenía producciones de Skrillex, Timbaland y un sample de Porter Robinson. ‘Here for it All’, por su parte, propone colaboraciones con las Clark Sisters y una bonita versión de ‘My Love’ de Wings. Es todo lo que ‘Caution’ no era.

Es bienvenido escuchar a Carey en este tipo de sonidos. ‘Play This Song’ con Anderson .Paak, el nuevo single, es puro soul exuberante, romántico y 100% Carey en su componente metamusical («play this song» se refiere a esta misma canción). ‘Here for it All’, el baladón final, es la lección de gimnasia vocal esperada. Aunque el deterioro de la voz de Carey es evidente en el disco, esta balada sabe a triunfo.

Un artista veterano no tiene por qué ocultar en un disco el envejecimiento de su voz. Este tipo de álbumes me parecen especiales, aunque pueden ser mejores (Björk, Tony Bennett) o peores (Aretha Franklin, Elton John). Hay momentos incómodos en ‘Here for it All’, como lo forzadas que suenan las notas altas en ‘In Your Feelings’, otra de las pistas soul. ‘Confetti & Champagne’, en un estilo de nocturno R&B, se habría beneficiado de una toma vocal menos rasposa.

Pero la manera en que Carey expone su voz en el disco sin filtros la honra. Curiosamente, esto hace que el álbum sea más agradable de escuchar, mientras que el continuado ejercicio de airbrushing vocal de ‘Me… I Am Mariah. The Elusive Chanteuse‘ (2014), a lo largo de casi una veintena de pistas, era prácticamente indigerible.

El material de ‘Here for it All’ no es tan sólido como el de los discos que Carey ha publicado durante el presente siglo, pero sí es refrescante su apuesta por los estilos más orgánicos no solo del soul sino también de la música disco: ‘Jesus I Do’ con las Clark Sisters es puro buen rollo. Aunque en alguna balada patina: ‘Nothing is Impossible’ parece una ordinaria aspirante al Óscar. Es aquí donde parece imponerse la Mariah generalista (la de ‘Hero’ y ‘Without You’) por delante de la exquisita productora y curadora que ha sido durante los últimos 20 años.

Ni siquiera cuando ese buen gusto hace amagos de aparecer en ‘Here for it All’, las canciones brillan como antes. ‘Type Dangerous’, el primer single, es un verboso pero poco memorable ejercicio de new jack swing, un intento de revisión de la Mariah urbana que no termina de explotar. ‘Mi’, en su faceta de «breezy R&B», es un estupendo inicio, pero no es tan bueno como ese ‘GTFO‘ recientemente reivindicado por Sabrina Carpenter, quien la cuenta entre sus canciones favoritas de la historia.

La excepción la ofrece ‘Sugar Sweet‘, que junto a Kehlani y Shenseea introduce a Mariah Carey en la tradición afrobeat a través de una producción elegante y dulce. Por qué Carey no había explorado este sonido antes, no lo sabe nadie. La canción es una gominola R&B que ha merecido mayor repercusión, y la letra matrimonial («I will absolutely get the ring / No hurry, no worries») no puede ser más Mariah.

‘Here for it All’ quiere ofrecer un producto identificable con su autora, pero que sea simultáneamente revisionista y actual, y quiere dedicarse al público que ha encumbrado ‘Obsessed’, pero se entrega al que la sigue identificando, sobre todo, con ‘Hero’. A falta de un single que sea milagrosamente impulsado por TikTok, ‘Here for it All’ es simplemente un buen y correcto disco de Mariah Carey, que, si recupera alguna de las virtudes de ‘Caution’, son su concisión, consistencia y cohesión.