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Bad Gyal y grandes imitaciones en el mejor capítulo de Drag Race España hasta la fecha

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Esta domingo se ha emitido el cuarto episodio de Drag Race España, que ha contado con la participación de Bad Gyal en el jurado oficial. (ATENCIÓN SPOILERS) La autora de ‘WARM UP‘ ha valorado positivamente la mayoría de looks de las reinas y ha dicho que ella misma se siente drag queen, a lo que las concursantes han respondido que estarán encantadas a ayudarle a vestirse y maquillarse como tal. La canción que ha sonado en el «lip synch» final ha sido ‘Pussy’ y no ’44’… quizá porque el episodio lleva meses grabado. Puedes comentar el programa en nuestros foros.

Otra invitada estelar en el programa ha sido Samantha Hudson, que acaba de presentar single con La Prohibida producido por PUTOCHINOMARICÓN, ‘Disco Jet Lag’, y que ha participado en el panel de «Snatch Game» junto a la drag Kika Lorace. Una decisión extraña la de juntar a las dos carismáticas artistas a la vez en un mismo programa. ¿No merecía Hudson ser jurado junto a Supremme Deluxe, Los Javis y Ana Locking en otra ocasión? Por cierto, Alaska será jueza el domingo que viene.

El juego de «Snatch Game», en el que las reinas imitan a una serie de personajes conocidos, es uno de los más esperados en cualquier edición del programa, y el primer «Snatch Game» español se puede decir que no ha defraudado en absoluto. Las imitaciones de Duquesa de Alba, Belén Esteban, una Isabel Díaz Ayuso atacada por los tics, Karina, Dakota de ‘Hermano mayor’ o Encarnita, la señora del Baptisterio Romano, han sido delirantes (mucho menos acertada ha estado la Mona Lisa).

Si el capítulo de esta noche de Drag Race ha sido el mejor hasta el momento no ha sido solo gracias al «Snatch Game», donde han estado especialmente acertadas Dovima, Killer Queen, Saggitaria y Pupi Poisson. La prueba de «readings» o lecturas también ha dado lugar a frases espectaculares como «no te muevas que se te va el filtro» o «tienes cuerpo de mujer y cara de ‘Proyecto hombre'». Hasta las bromas edadistas han estado bien por mal que pese decirlo, porque lo de «eres tan mayor, tan mayor, tan mayor… punto» es para integrarlo en el vocabulario propio.

La guinda del pastel en el cuarto episodio de Drag Race España ha llegado con la pasarela triple donde las concursantes han tenido que vestirse de tres «looks»: choni de barrio, ejecutiva agresiva y socialité de Marbella. La mayoría de «looks» han sido fantásticos -especial mención a la ejecutiva de Carmen Farala y a la choni de Killer Queen- hasta que ha llegado Pupi Poisson vestida de «Rappela» (¿o era Lydia Lozano calva?) y se las ha merendado a todas. Ha sido la ganadora moral de este cuarto capítulo de Drag Race España, el mejor hasta la fecha.

Aly & AJ / a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun

Catorce años después de su último largo, Aly & Aj regresan con ‘a touch of the beat gets you up on your feet gets you out and then into the sun’, del que se pudieron ir escuchando adelantos de lo más prometedores desde el año pasado. Las hermanas Michalka renacen como artistas pop a las que tener en cuenta y tomar en serio, alejadas ya del sonido “teen” que poblaba sus tres primeros discos y abrazando por completo el synthpop.

Pretty Places’ sirve como apertura para el álbum, en el que se invita al interés amoroso de la narradora (las canciones están en primera persona) a escaparse juntos. Es una sentida balada indie pop en la que prácticamente uno puede sentir que está en un coche recorriendo la costa californiana. Lejos de buscar un hit, Aly & Aj optan por alargarla hasta los cinco minutos, reforzando aún más esa sensación que transmite de empezar una aventura nueva dejando el pasado atrás. Ese “Tenemos tiempo/ siéntate y te llevaré a todos los sitios bonitos” que suena en el pre-estribillo es extrapolable al resto del disco: el viaje comienza, déjate llevar, déjalo en sus manos.

En seguida la dulzura de la primera canción se vuelve amarga con ‘Lost Cause’ y ‘Break Yourself’, pese a que melódicamente pueda parecer lo contrario. La primera habla de una relación que está muerta aunque ambas partes han luchado todo lo posible por ella: “Tal vez simplemente siguió su curso/ e intentarlo demasiado solo lo hace peor”. La segunda reflexiona sobre si ha llegado el momento de un cambio. Paradójicamente, es la canción que más usa la repetición de todo el álbum, ya que los dos versos son los mismos y el estribillo repite continuamente las dos palabras que le dan título. En lo musical además de la percusión, presente prácticamente todo el tiempo, hacia el final hay una sección de trompeta que lleva a la composición a uno de los grandes momentos del proyecto.

El primer single y su mayor éxito de esta era, ‘Slow Dancing’, redirige al álbum a la balada romántica, esta vez muy en la línea de la última Taylor Swift, con un sofisticado conjunto de guitarras y sintetizadores en el que dan ganas de quedarse a vivir. Pero en general ‘a touch of the beat…’ ofrece más canciones con ritmos animados que lentos, más allá de que las letras hablen de sentimientos dolorosos. Como la joya del álbum, ‘Symptom of Your Touch’, una melancólica y azucarada canción de ruptura que crea adicción y que incluso coquetea con ciertos sonidos propios del dream pop. Como también lo hace ‘Listen!!!’, que captura mediante una nube de sintetizadores, baterías y guitarras eléctricas lo que supone estar atrapado en una relación tóxica.

Como separación entre la primera parte y la segunda está el tema más extraño que se puede encontrar aquí: ‘Lucky to Get Him’, que huye de la estructura convencional, y pese a que no sea uno de los puntos más álgidos del proyecto, resulta de lo más refrescante. Al igual que también lo es ‘Don’t Need Nothing’, cuyo estribillo da nombre al larguísimo título del álbum. Casi al final, destaca sobre todo la estupenda ‘Stomach’, probablemente donde estén las letras más tristes, sobre una relación que está acabando y cómo ese dolor se vuelve físico “Me duele la tripa, me corta como un cuchillo / todos estos recuerdos no parecen míos / Simplemente no puedo soportar ser tu exmujer”.

‘a touch of the beat…’ se caracteriza por tener un sonido cohesivo durante sus 12 canciones, que fluyen entre sonidos synthpop oníricos y escapistas casi sin que te des cuenta. Quizá lo único que se echa en falta es un temazo más tipo ‘Joan of Arc on the Dance Floor’ (aunque se entiende su ausencia en el disco). Pero esta colección de canciones dejan claro que Aly & Aj han regresado para quedarse, y su álbum es toda una lección de cómo hacer pop del bueno, sin atender a listas de éxitos, simplemente guiándose por su sensibilidad y siendo fieles a ellas mismas.

Depresión Sonora es el capitán de su mundo en su «casa del árbol»

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Depresión Sonora, el alias del cantante y compositor madrileño Marcos Crespo, ha publicado este año su segundo EP, el primero desde que, durante la pandemia, se diera a conocer gracias a canciones como ‘Ya no hay verano’. ‘Historias tristes para dormir bien’ es otra colección de producciones de post-punk y coldwave existencialista que ha sido presentada por singles estelares como ‘Apocalipsis virtual‘, que pasara por nuestra sección Canción Del Día hace unos meses.

Y en este día gris de domingo -al menos en Barcelona- es el turno para detenernos en otro de los cortes destacados de ‘Historias tristes para dormir bien’, el que se utilizó para promocionar el EP a su lanzamiento. El título de ‘La casa del árbol’ puede sugerir que el tema habla de la niñez, pero en realidad trata sobre adaptarse a un nuevo entorno.

En declaraciones a JENESAISPOP, Marcos Crespo ha explicado que «‘La casa del árbol’ habla de cambio, de cuando sales de tu casa y ese nuevo sitio al que has ido te hace sentir pequeño, pero aún así recuerdas los motivos por los que te fuiste y sigues adelante. Esta vez sin olvidar el pasado y a tu gente».

Para Marcos, el entorno le es hostil ya desde la primera estrofa de la canción, cuando anuncia que «todo el mundo se ríe a mi alrededor», que «entre tanta gente me siento pequeño» y que prefiere «pasar el tiempo en mi imaginación». Dentro de su mente, él y su persona amada son felices solos: «descubriremos que este no es nuestro lugar, siempre quise una casa del árbol, tener un barco y ser el capitán». Sin embargo, cuando vuelve a la realidad y «baja a la calle» para conocer el barrio, cierta sensación de ansiedad vuelve a apoderarse de él. Así, el artista sentencia que «no conozco a ningún vecino y te echo de menos».

‘La casa del árbol’ no presenta el nervio de la mencionada ‘Ya no hay verano’ ni la profunda melancolía de ‘Tú no me tienes que salvar’ sin que eso sea malo en absoluto. Más bien, la canción se crece a través de un sentimiento de serenidad y cierta resignación, como da a entender ese «desastre nacional» repetido varias veces al final, muy adictivo, que suena como una autoflagelación y, a la vez, como una aceptación total de las circunstancias.

Françoise Hardy, en un delicado estado de salud, pide la eutanasia

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Françoise Hardy es noticia después de haber hablado sobre su estado de salud con la revista francesa Femme Actuelle. La popular cantante gala, que lleva 20 años luchando contra un cáncer de faringe, el tratamiento para el cual le ha dejado graves secuelas, se encuentra en un momento de salud muy delicado y ha reclamado el suicidio asistido.

En la entrevista, Hardy ha declarado que «mis noches son peores que mis días» y que «sus días son un infierno». Ha detallado que (los médicos) llevan dos años pudriendo mi vida y debilitándome, cada vez más por culpa de la ausencia de saliva, la falta de irrigación de toda la zona otorrinolaringológica, sequedad generalizada y hemorragias nasales, y la dificultad respiratoria ”. La artista se enfrenta a su vez a un problema de audición pues, como relata la revista, «a raíz de una otitis serosa agravada por los rayos, Françoise Hardy perdió el uso de un oído».

Debido a su estado de salud, Hardy ha abogado por la eutanasia pero asegura que su «pequeña notoriedad» en Francia le está dificultando someterse a tal intervención, como recoge La Vanguardia. “No se trata de que los médicos accedan a todas las peticiones. Se trata de acortar el sufrimiento innecesario de una enfermedad incurable desde el momento en que se vuelve insoportable. Pero dada mi (pequeña) notoriedad nadie querrá correr el riesgo de ser retirado de ejercer la medicina”.

La historia del Ochoymedio y sus anécdotas más salvajes

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En el nuevo episodio de «Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP», repasamos la historia del madrileño Ochoymedio Club en compañía de sus tres socios, David «Smart», Belén «DJ Manazas» y Luis «Luiliminili», estos dos últimos también muy conocidos por proyectos musicales como L Kan y Bla. Repasar la historia del club es repasar también la historia del pop del siglo XXI desde los tiempos del tontipop y los homenajes a Family hasta la aceptación del trap actual, pasando por la eclosión indiemainstream de Lori Meyers y Love of Lesbian. Como en los últimos casos, la versión ivoox de este podcast contiene un par de canciones que asociamos a la sala.

Sebas y Claudio de JENESAISPOP revelan de qué nos conocemos la gente de la web y Ochoymedio (la era del supuesto garrafón), recordamos los tiempos de las piruletas y las tarimas y hablamos de la profesionalización del DJ. Hablar de Ochoymedio es hablar también de la historia de sus conciertos: Luis recuerda el día que tuvo que improvisar como parte del equipo de seguridad de Lady Gaga, David celebra haber apostado por Carolina Durante antes de que pasaran a tocar al WiZink, y Belén recuerda de qué manera intentó remontar el Franela de los jueves cuando vio que no funcionaba, entre muchas otras cosas.

De la escatología de todo tipo y aquellos míticos grifos de los que solo salía agua caliente, hasta la incorporación de Cayetanos en la Sala But, el 9º capítulo de «Revelación o Timo» llega con el deseo de que este y otros clubs de nuestro país puedan volver a enriquecer nuestras vidas y el mundo de la cultura como han hecho durante décadas. Gracias infinitas a David, Belén y Luis por su participación.

Lorde, Ava Max, Troye Sivan, Punsetes, Tinashe, Arab Strap, dani… entran en el top 40 de JNSP

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Varias canciones son capaces de llegar al top 10 de lo más votado en JENESAISPOP, como es el caso de ‘Solar Power’ de Lorde, la última de Ava Max y el viral de Troye Sivan con Regard… pero ninguna es capaz de derribar ‘ZITTI E BUONI’ de Måneskin del número 1, que abraza por segunda semana consecutiva mientras otras canciones de Eurovisión se van desinflando.

En otros puntos de la lista entran Tinashe, Los Punsetes, James, Arab Strap y dani en el último lugar. También hay que hablar de un clásico de la web que nos deja después de casi medio año: ‘Perra’ de Rigoberta Bandini, que no fue número 1 por muy poco, quedando en el número 2.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 2 ZITTI E BUONI Måneskin Vota
2 2 1 Solar Power Lorde Vota
3 3 3 2 Love Again Dua Lipa Vota
4 5 4 2 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
5 40 5 2 El jilguerillo Idoipe Vota
6 6 1 Everytime I Cry Ava Max Vota
7 2 2 3 Voilà Barbara Pravi Vota
8 4 4 3 The Wrong Place Hooverphonic Vota
9 8 2 5 Please Jessie Ware Vota
10 10 1 You Regard, Troye Sivan Vota
11 10 9 3 Like I Used to Angel Olsen, Sharon van Etten Vota
12 7 7 3 deja vu Olivia Rodrigo Vota
13 9 1 7 berlin U5 Zahara Vota
14 17 14 2 Smile Wolf Alice Vota
15 6 1 4 Selección natural Chica Sobresalto Vota
16 16 1 Pasadena Tinashe, Buddy Vota
17 12 5 5 Me voy Miss Caffeina Vota
18 23 18 2 Live to Survive Vota
19 16 16 2 Lost Cause Billie Eilish Vota
20 34 2 9 Purge the Poison Marina Vota
21 14 2 6 Veleno Baiuca, Rodrigo Cuevas Vota
22 22 1 Shiseido Los Punsetes Vota
23 22 1 37 Levitating Dua Lipa Vota
24 11 11 3 Famoso en tres calles Carolina Durante Vota
25 19 19 3 Via Torino Cabiria Vota
26 18 2 7 Your Power Billie Eilish Vota
27 27 1 Beautiful Beaches James Vota
28 28 1 The Turning of Our Bones Arab Strap Vota
29 21 1 34 El encuentro Alizzz, Amaia Vota
30 35 1 12 White Dress Lana del Rey Vota
31 28 28 2 Talk About It JUNGLE Vota
32 24 2 8 How Does It Feel London Grammar Vota
33 30 1 22 MERICHANE Zahara Vota
34 13 9 6 Tiroteo Marc Seguí, Pol Granch Vota
35 31 5 9 Kiss Me More Doja Cat, SZA Vota
36 32 2 11 MONTERO (Call Me By Your Name) Lil Nas X Vota
37 15 1 6 V Anne Lukin Vota
38 36 2 16 Ingobernable C. Tangana Vota
39 20 1 11 Momentismo absoluto Fangoria Vota
40 40 1 Me da igual dani Vota
Candidatos Canción Artista
Got Me Laura Mvula Vota
Free Parcels Vota
Savage Good Boy Japanese Breakfast Vota
My Life Again Christina Rosenvinge Vota
Thot Shit Megan Thee Stallion Vota
Need to Know Doja Cat Vota
Meiuqèr IZAL Vota
Thank You Diana Ross Vota
Let Them Know Mabel Vota
LUMBERJACK Tyler, the Creator Vota

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Efterklang se acercan al pop con ‘Living Other Lives’, inspirada en Instagram

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Efterklang han anunciado que su nuevo disco ‘Windflowers’ sale el 8 de octubre. Será su primer lanzamiento en el sello City Slang, casa de José González, Caribou o Noga Erez, y su primer adelanto es sorprendente. Es la Canción Del Día.

El trío danés formado por Mads Brauer, Rasmus Stolberg y Casper Clausen es conocido por su sonido de chamber pop electrónico y preciosista, expuesto en buenos discos como ‘Parades’, o por el más folk de su anterior obra; pero ‘Living Other Lives’ presenta novedades respecto a lo que ha solido hacer.

El tema busca una grandiosidad épica, hasta el punto de que su introducción dura 1 minuto, y se basa en un marcado compás de ritmo programado que suena vagamente breakbeat. El grupo acompaña esta base con ritmos de guitarra acústica y otras melodías de guitarra, flauta o sintetizador para crear un tapiz muy rico de sonidos donde cabe lo bucólico con lo espacial, mientras la melodía vocal es 100% Bon Iver aunque no haya sido intencionado. Por momentos da la sensación de que los Coldplay de ‘Viva La Vida’ podrían haber hecho una canción así. El videoclip ha sido rodado en la isla danesa de Møn, al sur del país, con una vieja cámara de 16mm rusa.

Si el álbum habla sobre «existir, solos o juntos en la naturaleza» y «sobre reconectar y dejarnos crecer los unos a los otros», ‘Living Other Lives’ lo hace desde una perspectiva muy actual. Cuenta Clausen que ‘Living Other Lives’ nació cuando trasteaba con un 404 sampler mientras navegaba a través de Instagram, lo cual le hizo reflexionar sobre esta red social y su rol en el mundo de hoy. «La imaginación salta de un lugar a otro, de una vida a otra. Me vuelvo a encontrar conmigo mismo, me actualizo a mí mismo, absolutamente exento de cuerpo, mientras navego por la red…. Es un mundo fascinante el que estamos viviendo, es tan simbiótico, todos sabemos lo que los demás están haciendo… Siento que estoy viviendo múltiples vidas al mismo tiempo, que estoy observando a esta gente expresarse y cambiarse a sí mismas desde tan lejos pero a la vez en el mismo planeta».

01) Alien Arms
02) Beautiful Eclipse
03) Hold Me Close When You Can
04) Lady Of The Rocks
05) Dragonfly
06) Living Other Lives
07) Mindless Center
08) House On A Feather
09) Åbent Sår (Feat. The Field)

‘Destello bravío’: señoras de pueblo que están “hasta el coño”

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En 2005 se estrenó ‘El cielo gira’. El premiadísimo debut de Mercedes Álvarez llamó la atención por dos aspectos: su mezcla, muy libre y porosa, de ficción y documental; y su mirada, poética y antropológica, a lo que ahora se llama la España vaciada. A través de la senda abierta por esta película llegaron muchas otras. De repente, todos los festivales tenían su documental sobre la vida rural. La España vaciada se llenó de aspirantes a directores preguntando cosas a los lugareños y haciendo planos “artísticos” de las casuchas de los pueblos. La mayoría eran bastante intrascendentes y pretenciosos. Pero hubo excepciones: ‘El somni’ (2008), ‘No todo es vigilia’ (2014), las películas de Ramón Lluís Bande (‘Vida vaquera’, ‘El nome de los árboles’, ‘Equí y n’otru tiempu’)…

‘Destello bravío’ no es un documental sobre la España despoblada, pero sí recoge parte de esa tradición. Su directora, la también debutante Ainhoa Rodríguez, hizo como Mercedes Álvarez en el pueblo soriano de Aldeamayor: estuvo varios meses en Tierra de Barros ganándose la confianza de los vecinos y empapándose de la vida de esa comarca pacense. Y su periplo festivalero ha sido casi idéntico: estreno en Rotterdam, y luego en Málaga, donde se ha llevado el premio del jurado y el de mejor montaje.

Sin embargo, la mirada de Ainhoa Rodríguez es muy diferente a la de Álvarez. ‘Destello bravío’ documenta la España vacía conservando parte de esa herencia formal observacional: planos fijos, atención a las texturas lumínicas y sonoras del paisaje y el paisanaje, utilización de actores no profesionales… Pero incluye otros elementos, otros “destellos” además del realismo “bravío”, que la convierten en una película enormemente singular.

Por un lado, la directora utiliza un costumbrismo irónico, extravagante y feminista que recuerda –aunque no sea tan tronchante- a las películas de ‘Carmina’ de Paco León. Por otro, un suspense de ecos lynchianos que no acaba de funcionar. La directora siembra un misterio, lo riega con sonidos extraños, planos inquietantes y una atmósfera amenazante, donde parece que va a suceder un hecho trágico -otro Puerto Hurraco u otra “manada”-, pero no termina de florecer. Acaba resultando algo impostado.

En cambio, hay un tercer elemento mucho más interesante. Rodríguez aplica una mirada surrealista a la película que rotura como un tractor el sustrato naturalista de este tipo de propuestas y lo emparenta con el cine de Luis Buñuel. De hecho, la secuencia más celebrada de la película, aquella en la que un grupo de señoras experimentan una orgía etílica y bollera (de bollos), una catarsis donde se libera el deseo sexual reprimido (“una oda al autoplacer de la mujer madura”, según su directora), es plenamente buñueliana.

Esta secuencia resume las características de ‘Destello bravío’: un gazpacho con fondo tradicional, al que le han añadido ingredientes y técnicas “de autor” como el humor esquinado, el naturalismo onírico, la denuncia feminista y los planos estáticos, como estampas, del cine de vanguardia. No sabe a gloria, pero está rico.

Justicia para ‘Justicia universal’: el «documental» de Dorian en Youtube

Dorian son un grupo con suerte: pudieron terminar su gira mundial, que recorrió España y varios países de América, a finales de 2019. En 2020 tenían programados los típicos conciertos de transición entre disco y disco (algún festival, algún evento aislado), que tuvieron que cancelarse debido-a-la-pandemia, pero eso no es lo que se nos cuenta en este documental sobre la banda que se ha compartido en Vevo, Tidal y aparecerá próximamente en Filmin.

Lo que vemos en este nuevo ‘Justicia universal’ es una recopilación de actuaciones durante dicha gira, grabadas en distintos escenarios del mundo, del Low Festival a México pasando por Razzmatazz en Barcelona y un largo etcétera. Hay una querencia excesiva en la industria musical actual por llamar «documental» a lo que es básicamente un concierto, lo cual va en perjuicio del proyecto por las expectativas que genera en el público. Por otro lado, es una gozada que cada vez sea más habitual tener la posibilidad de ver la gira de tu banda favorita, convenientemente editada (a menudo con el audio sobreproducido, es la moda), en plataformas como Netflix, Amazon o en este caso Youtube. Es el antiguo DVD. A falta de lugar donde meter estos, el formato es más que bienvenido.

En ‘Justicia universal en directo’ vemos a Dorian ensayando armonías en el camerino, respondiendo entrevistas revueltas por aquí y por allá, pero nunca revelando demasiado sobre sí mismos. Parcos en su propio sentir y respecto a su intimidad, lo que se ve de su vida privada (ese lugar en el que viven) o sus pensamientos personales (su opinión política) son meras pinceladas en este documento: a nadie sorprende que a Marc Gili normalmente le veamos en penumbra sobre el escenario, adoptando la escena oscura de grupos del post-punk y el movimiento neorromántico que tanto les ha influido en cuanto a estética.

Lo que no se contradice con la explosión de alegría, confetis y guirnaldas que suelen llenar sus conciertos. En este documento no se han dejado a un lado esas explosiones colectivas de energía que representan en vivo sus hits ‘Cualquier otra parte’ y ‘La tormenta de arena’, que suma ya 50 millones de reproducciones en Spotify (!!), si bien este documental sirve sobre todo para reivindicar lo sólido que era su último disco ‘Justicia universal’, realmente el más completo y mejor de toda su carrera.

Este documental de algo más de 1 hora de duración se corresponde con la interpretación de muchos de estos temas: la tarareable y casi Western ‘Noches blancas’, ‘Hasta que caiga el sol’, ‘Duele’ -a la postre la canción más escuchada de ese álbum-, ‘Vicios y defectos’, ‘Buenas intenciones’ junto a Nita de Fuel Fandango, ‘La isla’ o lo infravalorada que ha quedado la final ‘Cometas’ convierten este show en el perfecto para poner en la tele cuando tus amigos vienen a tomar algo a casa. Representa, de momento, el recuerdo de lo que fueron los conciertos masivos, los festivales, la gente subida a hombros y la comunión entre banda y público. Está además dedicado a la memoria de Ernesto González, un detalle que la industria musical solo puede agradecer.

Taylor Swift anuncia su siguiente disco regrabado: así será el nuevo ‘RED’

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Demostrando que la regrabación de sus viejos álbumes tras haber perdido los derechos de los mismos va completamente en serio, Taylor Swift ha desvelado cuál va a ser el siguiente de la lista. Tras la nueva versión de ‘Fearless’ que se ha editado este año, el siguiente será ‘Red’.

‘Red’ fue el disco que supuso un gran punto de inflexión de la cantante de country hacia el pop gracias a la pegada de singles como ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, que incluimos entre las 20 mejores canciones de 2012, o ‘I Knew You Were Trouble’.

Si el disco original tenía 16 pistas (22 en la edición deluxe), la nueva edición llegará hasta las 30 con una pista de 10 minutos, y verá la luz el 19 de noviembre. Así lo explica en un largo post de Instagram en el que recuerda la temática de ruptura del disco e indica que los extra serán lógicamente canciones de aquellas sesiones.

Japanese Breakfast / Jubilee

Dice el mito que los terceros discos son difíciles, pero Japanese Breakfast ha aprovechado la creación de ‘Jubilee’ para reinventarse. Sus dos primeros trabajos, ‘Psychopomp’ y ‘Safe Sounds from Another Planet’, versaban en gran medida sobre la muerte de su madre y se anclaban en un sonido de indie-rock, shoegaze y dream-pop melancólico por el que, de vez en cuando, asomaban otros estilos. ‘Jubilee’ no abandona radicalmente estos géneros pero sí los pasa por un prisma más positivo a la vez que se abre a sonidos más luminosos y, en definitiva, novedosos para la artista.

Ha contado Michelle Zauner que «después de pasarme los últimos cinco años cantando sobre la pérdida de un ser querido, quería que mi siguiente trabajo hablara sobre la alegría», que fuera un trabajo «bombástico» en el que «volver a vivir la pura alegría de la creación». Para ello, Zauner recuperó sus apuntes de teoría musical para mejorar su habilidad en la disciplina y así crear un álbum que se equiparara con sus ambiciones actuales. Ninguna canción de ‘Jubilee’ representa esta realidad mejor que ‘Paprika’, una oda a la creación musical misma tan llena de trompetas y redobles que parece una canción de Beirut. Y eso, en este caso, es un cumplido.

A partir de esta pista, ‘Jubilee’ discurre por senderos de lo más dispares. ‘Kokomo, IN’, que habla sobre vivir un amor a distancia, es una canción absolutamente encantadora cuyos arreglos de pop barroco y pinceladas de country-pop no desentonarían en el repertorio de Elefant; el single ‘Savage Good Boy’, en el que Zauner declara que iría con su persona amada hasta el fin del mundo, en concreto hasta el interior de un búnker en el que subsistir con «comida congelada», se mueve entre el vocoder de Bon Iver y el lo-fi pop nervioso de The Microphones; y para sorpresa la que ha dado el también single ‘Be Sweet’, todo un hitazo 80s, muy Blondie, en el que Zauner descarga toda la euforia que se había reservado en los álbumes anteriores.

Si en Michalle Zauner hay una diva 80s como lo era también Kristin Kontrol de las Dum Dum Girls, ‘Jubilee’ desde luego no es el disco que lo confirma. Su ambición pasa por no casarse con ningún estilo. La bailable ‘Slide Tackle’ también incorpora sintetizadores -además de trompetas- pero lo hace para sonar como una canción de Pheonix o su inspiración reconocida, Future Islands. La atmosférica ‘Posing in Bondage’, que no va sobre BDSM sino sobre anhelar desesperadamente una «conexión» que parece imposible, tiene un poso de electrónica sueca, a lo Fever Ray o iamamiwhoami, y el álbum decide acabarse con ‘Posing for Cars’, una balada acústica que empieza en plan Waxahatchee para desahogarse en un crescendo de shoegaze-pop muy gratificante.

A pesar de lo vibrante que suena ‘Jubilee’ y todos los estilos que toca, sus pistas permanecen agridulces. Dice Zauner que «las canciones tratan de recordar el optimismo de la juventud y de aplicarlo a la edad adulta», lo cual implica «tomar decisiones difíciles, luchar contra impulsos ignominiosos y afrontar la lucha constante que tenemos con nosotros mismos para ser mejores personas». ‘In Hell’ recuerda el sacrificio de su perro y, en ‘Tactics’, muy Randy Newman como la autora ha indicado, Zauner parece comentar su complicada relación con su padre. Al hablarnos no solo de la muerte sino también de la soledad y, sobre todo, de lo que implica madurar más temprano de lo que esperabas, Japanese Breakfast nos deja una lección muy valiosa en ‘Jubilee’, la de aprender a encontrar la luz.

Samantha Hudson y La Prohibida vencen al «muermo» con su single ultracamp

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Samantha Hudson estrena hoy single con varios reclamos: por un lado, ‘Disco Jet Lag’ cuenta con La Prohibida como artista invitada, aunque el resultado es más bien un dueto que una colaboración anecdótica. Por el otro, el tema ha sido producido por Chentsa Tseng, más conocido por todos por el alias de PUTOCHINOMARICÓN.

Lanzada de cara a la celebración del Orgullo, ‘Disco Jet Lag’ es una producción discotequera que recuerda a ‘I Feel Love’ de Donna Summer pero pasada por un filtro más future disco y acid house. La canción es camp a rabiar y está dedicada a la pista de baile, a esa desesperación por pisar una discoteca que se ha sentido durante la pandemia, pero también al hecho de entregarse a ella. Mientras a Samantha Hudson le vuela la cabeza, La Prohibida te invita al «núcleo de la pista». Ambas sienten el «frenesí» porque están «nacidas para el placer».

Jordi Cruz, compañero de Samantha Hudson en su podcast de Netflix, aparece en el vídeo de ‘Disco Jet Lag’ como presentador de un telediario atento a la noticia de un posible fin al «virus» del aburrimiento. El vídeo es un desfile de «looks» imposibles que tiene lugar en un «disco bunker» futurista en el que Hudson y La Prohibida terminan electrocutadas y con sobredosis de hedonismo.

La nota de prensa oficial explica así ‘Disco Jet Lag’: «Dos generaciones de transformismo y vanguardia destiladas en una obra ambiciosa a la par que pegadiza. Disco Jet Lag es un híbrido perfecto entre homenaje y crítica sin pretensiones al mundo de la noche y la cultura del club, los cuáles se han visto realmente afectados por la reciente pandemia de la Covid-19. Erotismo, abatimiento y frenesí son los pilares que conforman la narrativa de esta oda triste en clave de fiesta, perfectamente retratada en su correspondiente videoclip, dirigido por Fran Granada y acompasado por múltiples cameos de diversas artistas drag contemporáneas».

El texto concluye que ‘Disco Jet Lag’ es «un relato eurítmico que nos traslada la congoja de un universo agridulce e histriónico, castigado por la situación sanitaria actual y atenazado por dos sentimientos que se riñen en la pista de baile: no poder más con tu vida y querer extender la diversión hasta el infinito».

‘Disco Jet Lag’ es la primera producción vinculada a La Prohibida desde que en 2019 lanzara su estupendo álbum ‘Ruido‘, más italo disco. Por parte de Samantha Hudson, hace poco publicó el sencillo ‘Dulce y bautizada’ también producido por PUTOCHINOMARICÓN. Este ha colaborado recientemente con otros artistas como Rakky Ripper o Delaporte y actualmente trabaja en su próximo proyecto musical.

Tove Styrke deja con ganas de más en su single de regreso

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Entre los regresos destacados que ha dejado este viernes la playlist de novedades se encuentra el de la cantante de pop sueca Tove Styrke, que ha estrenado su primer single oficial en varios años, llamado ‘Mood Swings’ y producido por Cristoph Anderson y Noah Conrad.

Fue en 2017 cuando Styrke sorprendió con la fresquísima ‘Say My Name’, una de las mejores canciones de aquel año. Hubo de llegar 2018 para que la artista, que se diera a conocer en un talent sueco, lanzara el álbum ‘Sway’ que la incluía, un trabajo de electropop minimalista que pasó injustamente desapercibido, pero que logró crear un pequeño culto a su alrededor gracias también a joyas como ‘Mistakes’, ‘On the Low’, la titular ‘Sway’ o una versión de ‘Liability’ de Lorde que podía ser mejor que la original.

‘Mood Swings’ trae una noticia buena y otra mala. La buena es que es una solvente producción de trap-pop que no desentonaría entre los hits del top 40 de Spotify USA. Además, el precioso registro vocal de Tove, medio aniñado y cautivador en su registro arrastrado, no se ha ido a ninguna parte y sigue siendo de lo mejor de la grabación. Lo malo es que la frescura de ‘Sway’ sí se ha ido a alguna parte, en concreto a Mordor en esta producción comercialota que podría ser de cualquiera.

Tampoco suena Tove especialmente convincente en ‘Mood Swings’ cuando canta literalmente «I’m a savage» como si fuera Megan Thee Stallion… y luego «I’m a bad bitch» como si fuera, pues también Megan Thee Stallion, en esta canción que por lo menos nos deja claro que la artista «contiene multitudes». El vídeo juega con el significado de su título presentando a varios personajes de lo más dispares. Es un buen añadido para esta buena canción que, no obstante, no es de lo más interesante que Tove ha publicado.

Mabel te lleva a la discoteca con su nuevo himno de house-pop

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Mabel ha vuelto con un nuevo single llamado ‘Let Them Know’ que ha sido 100% escrito para las discotecas (bueno, quizá en un 70%, el resto para las playlists y la radio). Es un corte de house-pop con espíritu de himno que se lo debe todo a uno de esos estribillos más grandes que la vida diseñados para hacerte volar, como dirían Fangoria. ¿Lo malo? El tema dura solo 2 minutos y medio, cuando en otra época habría durado el doble y pedido a gritos remixes a tutiplén.

‘Let Them Know’ ha sido co-escrito y co-producido por SG Lewis, uno de los productores electrónicos de moda después de su trabajo propio o de sus colaboraciones con Robyn, Dua Lipa, MØ o Jessie Ware; y la cantante y compositora RAYE, quien tras lanzar el EP ‘Euphoric Sad Songs‘ acaba de arrasar en las listas británicas con ‘BED’ junto a Joel Carry y David Guetta.

Previamente al lanzamiento de ‘Let Them Know, Mabel ha contado que, en los últimos tiempos, ha aprendido a aceptar que ella «es suficiente» y que lo vale después de un largo periodo de sentirse muy insegura como estrella del pop en una industria tan competitiva; y ‘Let Them Know’ busca ser un himno de empoderación para su audiencia. Su letra incluye ya una referencia a Doja Cat así como a una conocida marca de refrescos azucarados o a un personaje de ‘Juego de tronos’.

La autora de ‘High Expectations‘, hija de Neneh Cherry, aparca definitivamente el sonido dancehall-pop de su mayor éxito hasta la fecha, ‘Don’t Call Me Up’, en este ‘Let Them Know’ que queda mucho más cerca de su single con Tiësto lanzado el año pasado, ‘God is a Dancer’. Es el primer adelanto de un álbum que llevaría por título ‘About Last Night’, como parece dejar entrever su videoclip.

Lola Indigo estrena el vídeo pop de ‘CULO’ y detalla su disco ‘La Niña’

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Lola Indigo estrena hoy ‘CULO’, el enésimo adelanto de su nuevo disco ‘La Niña’. Se trata de una colaboración con el rapero argentino KHEA que suena más en la línea R&B-pop de ‘Mala Cara’ que en la de reggaetón de ‘CALLE’. El vídeo es ultrapop y profundiza en la estética rosa / Barbie de toda esta nueva era para mostrarnos a Mimi Doblas cenando la cabeza de su ex, dentro de una cárcel o vestida de científica en un laboratorio. ‘CULO’ es una de las novedades que puedes escuchar en nuestra playlist actualizada.

La artista había confirmado que su nuevo disco ‘La Niña’ sale el 2 de julio. Es imposible no pensar en la influencia de ‘El Madrileño‘ con ese título que revela una especie de nueva identidad de Mimi Doblas y que además incluye la letra ñ, pero la artista no ha dejado de recordar que lleva 2 años trabajando en este proyecto y está claro que va a ser muy diferente, como se puede deducir de los sencillos que se han lanzado hasta el momento y del tracklist, ya disponible.

La secuencia de pistas de ‘La Niña’ se compone de 15 temas, 15 «temazos del verano» según ha llegado a Doblas en un stories, muchos de los cuales ya se conocen. Están ‘4 besos‘ con Rauw Alejandro y Lalo Ebratt, lanzado en marzo del año pasado, y ‘Lola Bunny‘ con Don Patricio, lanzado hace dos veranos, aunque estos cierran el largo a modo de «bonus tracks»; y también los recientes singles ‘Spice Girls‘, ‘CALLE‘ con Guaynaa y Cauty y ‘Mala Cara‘, aquel tema co-escrito por Sen Senra y producido por Alizzz que ha pasado algo desapercibido.

La sorpresa que da ‘La Niña’, aparte de que Mala Rodríguez volverá a aparecer en otro disco de Lola Indigo después de triunfar con ‘Mujer bruja‘, en un corte llamado ‘Nada a nadie’ (como apunte, La Mala ya tenía una canción llamada ‘La Niña‘), es que ‘Santería‘ con Danna Paola y Dennis Rosenthal no forma parte de la secuencia a pesar de que es el mayor éxito logrado por Lola Indigo en los últimos tiempos: un tema lanzado en plena pandemia -el pasado mes de agosto- que supera los 40 millones de reproducciones en Spotify. El sucesor de ‘Akelarre‘ contará también con colaboraciones de Roy Borland, autor de ‘ESPESSO‘ o el cantante de trap argentino Khea, entre otras.

RFTW: Kali Uchis, Polo & Pan, Cola Boyy, Sally Shapiro, La La Love You…

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Este viernes 17 de junio sale el esperado nuevo disco de Kings of Convenience, el primero en 12 años. También ve la luz el álbum debut de la cantante estadounidense de R&B H.E.R. La artista ha ganado Grammys y hasta un Oscar pero todavía no había publicado su primer disco. Otros artistas que lanzan álbum este viernes son Mikky Blanco y El Buen Hijo, entre otros.

Desde ya es posible escuchar el nuevo hit para las discotecas de Mabel, así como el esperado nuevo single de la cantante sueca Tove Styrke y un dueto de Samantha Hudson y La Prohibida producido por PUTOCHINOMARICÓN. Otra colaboración sorprendente: Annie une fuerzas con Jake Shears de Scissor Sisters para un tema llamado ‘Neon Nights’. En un estilo similar vuelve Sally Shapiro. También hay temas nuevos de Polo & Pan, Lola Indigo con Khea, Adiós Amores, Natalie Imbruglia, DaBaby, Kamasi Washington, El petit de cal eril, Emilia y Pablo o Floridablanca.

Entre las canciones que han salido a lo largo de los últimos días hemos destacado lo nuevo de Izal y también los singles con los que Parcels, Tyler, the Creator y BANKS presentan sus próximos lanzamientos. Atención al interesante nuevo single de Efterklang, con el que la banda danesa se estrena en el sello City Slang. Especialmente sorprendente ha sido la colaboración de The Killers y Bruce Springsteen, y también han seguido avanzando sus álbumes TORRES, Liars o The Go! Team.

En la playlist de novedades que avanzamos ya también puedes escuchar lo nuevo de Aldous Harding, Little Simz, Yves Tumor o La Luz, así como nuevas propuestas de Emotional Oranges, The Body con BIG|BRAVE o koleżanka.

Tyler, the Creator publica su disco el viernes que viene y estrena ‘LUMBERJACK’

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Tyler, the Creator ha estrenado ‘LUMBERJACK’, el primer single de su esperado nuevo disco, que el rapero presentará el año que viene en Primavera Sound y se titulará ‘CALL ME IF YOU GET LOST’, frase que aparece en el vídeo de esta nueva canción. El disco sale tan pronto como el viernes que viene, 25 de junio.

Sin depender de un gancho melódico de viejo soul como el excelente single ‘BOY IS A GUN*’, de sonido psicotrópico a su vez, ‘LUMBERJACK’ apuesta por una composición desquiciada e impredecible por momentos, así como por un beat más duro e intoxicado que recuerda al hip-hop más grimoso de la vieja escuela pero también a las producciones opresivas de gente como Yves Tumor.

En el tema, Tyler saluda a su madre, a su padre y a sus ancestros y presume de riqueza y de ser capaz de «agotar» conciertos al contrario que sus rivales. De hecho, el título de ‘LUMBERJACK’ («leñador») se debe a que Tyler juega con las palabras homónimas «wood» y «would» para usar la expresión «I wish a nigga would race» con la que desafía a sus contrincantes a igualar su éxito.

Por otro lado, Tyler sigue apegado a la estética retro-pastel de ‘IGOR‘ en el vídeo de esta canción, que dura un minuto menos que la grabación original y en el que se le ve hablando por teléfono, subido sobre una montaña de maletas o enfrentándose a una tormenta de nieve sin perder la elegancia, todo dentro de una ambientación tipo años 30 o 40. Antes, el artista ya había publicado el adelanto de otro tema llamado ‘SIDE STREET’, cuyo visual guarda una estética parecida.

Diana Ross anuncia disco de material inédito, con Jack Antonoff entre los colaboradores

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Diana Ross ha anunciado su primer álbum de estudio en 15 años, que a su vez es el primero de material inédito en más tiempo, pues el anterior era de versiones. ‘Thank You’ sale en otoño y ha contado con la colaboración de, entre otros, Jack Antonoff, que entre producir nuevos trabajos de Taylor Swift, Lorde, Lana Del Rey o Clairo, además del suyo propio bajo el alias de Bleachers, que sale el 30 de julio, ha encontrado el tiempo de involucrarse en el nuevo trabajo de la ex Supreme.

No se acaban aquí las colaboraciones interesantes en el disco de Diana: el colorido corte titular, que ya puede escucharse, ha sido producido por Troy Miller, conocido por su trabajo con gente como Emeli Sandé o Laura Mvula, de cuyo nuevo single hablamos justamente hoy en estas páginas; y su composición ha contado, además con Diana, con Amy Wadge, conocida colaboradora de Ed Sheeran. En realidad, ‘Thank You’ es una cálida y, ejem, agradecida producción de disco-soul que Diana podría haber lanzado en los años 80, y que desprende un buen rollo embriagador.

A sus 77 años, Diana es la última superviviente de la formación original de las Supremes, ya que Mary Wilson falleció hace unos meses. Por supuesto, con ‘Thank You’ Diana pretende dar las gracias a la audiencia por el apoyo que le ha brindado a lo largo de su dilatada trayectoria y, en una nota de prensa, se ha mostrado agradecida por «haber podido grabar esta gloriosa música en este momento», indicando que el álbum es una expresión de «su voz y de su corazón».

01 Thank You
02 If The World Just Danced
03 All Is Well
04 In Your Heart
05 Just In Case
06 The Answers Always Love
07 Let’s Do It
08 I Still Believe
09 Count On Me
10 Tomorrow
11 Beautiful Love
12 Time To Call
13 Come Together

Kings of Convenience / Peace or Love

Kings of Convenience publican su primer disco en 12 años, volviendo justo en el punto donde se quedaron. Inmunes al huracán de modas que hemos visto nacer, crecer y en algunos casos morir entre 2010 y 2020, el dúo formado por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe sigue fiel a su espíritu: dos voces y dos guitarras, con algún ornamento por aquí y por allá, pero muy escaso. Su única ansiedad en esta nueva entrega, llamada ‘Peace or Love’ siguiendo su gusto por la paradoja, como si fuera imposible tener ambos, ha sido mantener la frescura de las tomas en vivo, la magia de las primeras aproximaciones a una composición, seguir resultando sencillos, algo que ellos mismos catalogan como «muy, muy difícil». El movimiento danés Dogma 95 está en la lista de influencias.

¿Qué ha pasado en este tiempo entre ambos? Han tocado en directo, se han dedicado a proyectos paralelos y han mantenido el contacto de manera regular, si bien reconocen que han llevado vidas bien diferentes: Eirik era más de estudio, Erlend de conciertos; Eirik se quedó en Bergen y tuvo tres hijos, Erlend se dedicó a viajar por el mundo en lo que Eirik llama como estudiante de Psicología «neofilia» («está enamorado de cualquier nueva experiencia», dice sobre su amigo). Ahora Eirik se ha separado de su esposa tras 21 años. Ambos han perdido a sus padres. ‘Peace or Love’ es un álbum autobiográfico sobre el amor, que huye de un sonido lineal y monocorde a través de detalles que se van revelando como pequeños secretos.

Grabado en 5 años en 5 ciudades distintas y en 5 intentonas hasta dar con la grabación perfecta, ‘Peace or Love’ es un disco 100% Kings of Convenience donde nunca asoma el afán bailable de ‘I’d Rather Dance With You’. A lo sumo, podría ir por ahí el single ‘Rocky Trail’. Por lo demás, estamos ante una sucesión de canciones románticas sobre una relación que ya no existe (‘Comb My Hair’), con reflexiones sobre el dolor que provoca a fin de cuentas el amor (‘Love Is a Lonely Thing’) y el enamoramiento hasta el olvido de uno mismo (‘Catholic Country’).

También se cuela algún tema ligeramente diferente como la amistad (‘Ask for Help’) o ‘Rumours’, que abre ‘Peace or Love’ con un texto bastante diferente, de fe hacia un colega al que se está acusando de algo que es falso: «No es verdad lo que dicen de ti / Sé que eres generoso y amable, nunca ciego a las injusticias de este mundo loco». Pero aquí todo va de sentimientos a flor de piel, bien sea por el camino de los susurros blues (‘Angel’), de la preciosa voz que Leslie Feist aporta en ‘Love Is a Lonely Thing’ y ‘Catholic Country’ (con la colaboración de The Staves y un maravilloso piano en la segunda mitad), del desenlace también a piano de ‘Fever’, o de la inquietud y el miedo en torno a una espera que transmite ‘Killers’, triste como una balada de Paul McCartney de los años 60.

Largas explicaciones para lo que no lo necesita: la cadencia de los acordes de ‘Comb My Hair’ o el ritmo de ‘Angel’ hablan por sí solos. Presume la letra de ‘Washing Machine’: «es verdad que soy más sabio que cuando tenía 21 años / es verdad que tengo menos tiempo que a los 21». Es quizá más reseñable que lo que hayan aprendido siendo más «sabios», lo que no han desaprendido. Lo que no se les ha olvidado hacer bien.

Izal, Primal Scream, Metronomy, Amaia, Sen Senra… entre los 30 confirmados de Low Festival 2022

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En los dos últimos días de julio, Low Festival organiza un pequeño concierto bajo el rótulo de «Low in the City», en que actuarán Shinova, Arde Bogotá y Locos de Atar (viernes 30) y Dorian, La La Love You y Malamute (sábado 31). Pero para el verdadero festival habrá que esperar al año 2022, como en otros casos, y hoy se revelan 30 nombres de ese cartel.

Será los días 29, 30 y 31 de julio de 2022 cuando se reúnan en Benidorm nombres como Izal, que acaban de presentar un llamativo single llamado ‘Meiuqèr’, Primal Scream y Metronomy. En cuanto a pop nacional destacarán nombres tan queridos y populares como Amaia y Sen Senra, uno de los que más han crecido durante la pandemia; mientras en el plano internacional estarán !!!, Temples y White Lies.

Otros nombres que se dejarán caer por Low Festival son León Benavente, Belako, Triángulo de Amor Bizarro, El Columpio Asesino, Anni B Sweet, Novedades Carminha, Biznaga, Sidonie, Carlos Sadness, Carolina Durante, Ojete Calor, La Habitación Roja, Mueveloreina, Joe Crepúsculo, La La Love You, Colectivo Da Silva y Marcelo Criminal.

Las entradas adquiridas para Low Festival 2020 y 2021 serán válidas automáticamente para la nueva edición. Para quien no pueda asistir, hoy mismo se abre el plazo de devoluciones, activo durante 15 días. Bastará con escribir a info@lowfestival.es con el número de localizador del ticket a devolver. Por otro lado, también han salido nuevos abonos a la venta desde 70€.

Laura Mvula rinde un homenaje muy explícito a Michael Jackson en ‘Got Me’

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Laura Mvula estrena hoy el vídeo de una balada de R&B junto a Dann Hume llamada ‘What Matters’ que subraya la inspiración ochentera que encontraremos en el disco que saca el día 2 de julio, ‘Pink Noise’. En el vídeo de neones aparecen los dos protagonistas dentro de un cubículo mientras otra pareja baila. El tema se suma a otros singles anteriores que ya conocíamos como ‘Church Girl’, que ya fue “Canción del Día”, o ‘Got Me’, que es la que hoy seleccionamos como tal.

Suponemos que algún despistado vinculará rápidamente ‘Got Me’ al revival 80’s de Dua Lipa y The Weeknd, y es cierto que estas llegaron antes, pero también lo es que ninguno inventó nada y que este homenaje a Michael Jackson no puede ser más puro. De hecho es indisociable de hits como ‘The Way You Make Me Feel’ o ‘Billie Jean’ en todo: su línea de bajo, su euforia en el estribillo, sus elementos sincopados… hasta el punto de que es difícil creer que Justin Timberlake, quien más copiara al Rey del Pop, no tuviera una canción que sonara exactamente así. Ni siquiera ‘Rock With You’ era tan revivalista.

Este paso supone un enorme cambio de tercio para la autora de ‘Sing to the Moon’ y ‘The Dreaming Room’, dos discos de sonido más clásico. Laura Mvula está presentando este disco indicando que al fin se ha encontrado a sí misma, que su obsesión es el pop y que le encanta la nostalgia.

Lo mejor del mes:

Te invitamos a ver a Novedades Carminha en El Bosque Sonoro junto a 2 amigues

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El Bosque Sonoro se celebra en Mozota, Zaragoza, una localidad de 60 habitantes, en un par de semanas siguiendo todos los protocolos de seguridad pertinentes. En el ciclo de conciertos actuarán Novedades Carminha y Media Punta (el jueves 1 de julio); Viva Suecia, que acaban de sacar single en Universal (tocan el viernes 2 de julio), La Habitación Roja y Niños Mutantes (sábado 3 de julio por la mañana), Iseo & Dodosound e Irregular Roots (mismo sábado, pero por la noche), mientras el domingo 4 será el turno de La Pegatina con Samba da Praça (13 horas) e Iván Ferreiro (22 horas).

La peculiaridad de este festival dirigido por Sr. Búho, Sr. Conejo y Sr. Lobo, y que lucha contra la España vaciada, es que es de pie. Para ello, El Bosque Sonoro apuesta por la fórmula «nido» como informamos al lanzamiento del festival. La fórmula «nido» permite acudir al festival y bailar de pie «con todas las medidas de seguridad en tu grupo burbuja». La organización informa: «Los nidos serán espacios delimitados con capacidad para tres, cuatro, cinco o seis personas y contarán con una barra lateral donde recibir los pedidos de comida y bebida realizados a través de una app y restringir así los movimientos dentro del recinto y no perder ni un detalle del escenario». La fórmula permite a los asistentes estar de pie, amparándose en varios estudios universitarios que recuerdan que bailar mejora la salud mental, así como nuestro propio cuerpo.

JENESAISPOP, en colaboración con El Bosque Sonoro y cervezas Ambar, te invita al concierto de Novedades Carminha el próximo jueves 1 de julio en esta localidad zaragozana, para que asistas junto a dos amigues. Te facilitamos por tanto tres entradas en total para este concierto, así como la posibilidad de utilizar el autobús que te llevará de Zaragoza a Mozota, ida y vuelta.

Para participar tan sólo has de mandarnos tu frase favorita con la palabra NIDO al mail jenesaispop@gmail.com. La respuesta más divertida recibirá las 3 entradas. El plazo para participar termina este viernes a las 12.00 horas. Toda la información sobre Bosque Sonoro, aquí.

SAULT anuncian nueva música: ‘NINE’ estará sólo 99 días online

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El misterioso grupo SAULT que el año pasado fue aupado por la prensa especializada -en especial la británica, con The Guardian a la cabeza- tiene un nuevo proyecto entre manos. Tras haber aparecido en las listas de los mejores discos de 2020 con ‘Untitled (Black Is)’ y/o ‘Untitled (Rise)‘, su nueva idea será muy particular. El proyecto se llama ‘NINE’, se presupone un nuevo disco y se anuncia en Instagram que solo estará disponible durante 99 días. Al leerse en la web sault.global que «quedan 107 días de ‘NINE'» y no «quedan 107 días para ‘NINE'», se cree que el disco se desvelará el día 25 de junio, que además es viernes, día normal de lanzamientos, y se retirará a principios de octubre. Habrá vinilos y llegada a las plataformas de streaming normales, además de descargas en la enlazada web.

Rodrigo Cuevas se crece como estrella en unos Premios MIN dedicados a la España vaciada

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Este miércoles se ha celebrado la XIII Edición de los Premios MIN y por primera vez la gala ha salido de Madrid. Burgos era la ciudad elegida, y el Teatro Principal, el marco-incomparable. Esta edificación isabelina de mediados del siglo XIX dio empaque a unos galardones que se han asentado hace tiempo entre los más dignos del país. Y lo han hecho al no seguir un criterio tan random como el de los Premios Odeón, y con un cometido claro en su apoyo a los sellos pequeños, por mucho que algunas cosas sucesivamente fichadas por Sony, Universal o Warner se les vayan quedando fuera, cuando en espíritu siguen perteneciendo aquí. Fotos: Gianfranco Tripodo.

Esta vez el elenco de ganadores y performers conformó una de las mejores ediciones: Delaporte se hicieron con 3 premios -mejor artista, mejor vídeo, mejor grabación electrónica- y realizaron una presentación preciosa junto a DORA, la balada ‘La bestia’ en el modo de su proyecto ‘Titanas’. Rigoberta Bandini se hizo con los galardones a mejor artista revelación y mejor canción del año (‘In Spain We Call It Soledad‘), y además protagonizó uno de los momentos más cómicos de la noche al recorrer el patio de butacas tan cargada de premios, obsequios y botellas de Ribera del Duero que a duras penas podía llegar a su sitio. Y Triángulo de Amor Bizarro se hicieron con el Álbum del Año, como casi siempre, de nuevo muy merecidamente. Eso sí, a falta de que alguien acaparara todos los premios importantes, diría que Rodrigo Cuevas fue quien robó la noche como maestro de ceremonias.

Los Premios MIN siempre han intentado currarse las presentaciones de la gala. Eso supone una lista que incluye nombres tan pintorescos como Anne Igartiburu y el equipo de El Mundo Today. Dentro de su modestia, la selección del autor de ‘Manual de cortejo‘ fue un acierto. Además de interpretar una estupenda versión a piano, con samples, de ‘Rambalin’, e improvisar un tema a capella mientras Triángulo terminaban de montar, se coló entre el público para tomarle el pelo durante sus presentaciones. A Alizzz, Rodrigo le amenazó con colarse en su hotel para tatuarle el logo de los MIN para que no se olvide de ellos en los Grammy latinos.

Como presentador, Cuevas había comenzado en un vídeo desnudo de cintura para abajo, si bien con los genitales pixelados, en un gag en que fingía que la ceremonia la iba a presentar por Zoom desde casa; salió a escena portando una gigantesca bandera recordando a la ‘Libertad guiando al pueblo’, en honor a todos los bares y teatros que abrieron en toda España, no solo en Madrid, en crítica de la visibilidad que ha recibido por este asunto Isabel Díaz Ayuso; bromeó sobre los solteros que hay cada 37 kilómetros en la España vaciada (exactamente 1); y muy agudo estuvo cuando recordó que Mujeres era la única forma de encontrar mujeres nominadas en 2009. No fue el caso de esta noche en que además de las artistas citadas también triunfaron Maria Rodés por el excelente ‘Lilith’, Ginebras y Belako, quienes devanearon entre la denuncia de la precariedad del sector antes de la pandemia, y el grito de «menos heteras, y más bolleras».

De la presentación en vivo de ‘Todo me sabe a poco’ de Alizzz hasta la de Triángulo de Amor Bizarro para cerrar -lástima esa guitarra que no quiso sonar al final de una ‘ASMR para ti’ que nos estaba trasladando al Roadhouse de ‘Twin Peaks’-, la ceremonia se desarrolló bastante ágil, sobre todo gracias a que algunos premios se presentaron en bloques de 4. La reivindicación del euskera con la actuación de Zetak, o del asturiano y el aragonés en boca de Rodrigo se convirtió en una broma recurrente en lugar de un lastre, y además se vivió un momento emocionante cuando Julio Ruiz, a punto de retirarse, recibió el Premio Mario Pacheco, entrevistado brevemente por Mark Kitcatt.

Siempre hay alguien que se aburre en una ceremonia de este tipo, como en los Goya en directa relación con el número de obras que conozcas, que hayas visto o hayas escuchado. Si en los últimos meses Rodrigo Cuevas y Rigoberta Bandini son dos de los artistas que más te han revitalizado, si quieres disfrutar de Alizzz antes de que se lo lleven los Grammys (aunque al recoger su premio aseguró ser de la generación FIB/Planetas y pertenecer a este lugar), también si no te cuadra que Triángulo hayan hecho el Disco del Año pero no a la vez el Disco de Rock del Año, que fue para Belako, se te quedaba una noche de lo más pintona. Lo que incluyó después la toma de los bares de la ciudad, abiertos hasta las 2, por parte de todos los asistentes. ¿En cuál era el after-party, preguntaba alguien? En cualquier cosa abierta, parecía la respuesta.

‘Mejor Grabación de Electrónica’: Delaporte por ‘Las Montañas’
‘Mejor Álbum de Música Clásica’: Alba Ventura por ‘Mozart Piano Sonatas Vol. 1’
‘Mejor Álbum de Pop’: Ginebras
Premio SAE Institute a ‘Mejor Producción’: Triángulo de Amor Bizarro por Triángulo de Amor Bizarro
‘Mejor Álbum en Gallego’: Néboa por ‘A Realidade Enganosa’
Premio Instituto Ramón Llull al ‘Mejor Álbum en Catalán’: Renaldo & Clara por L’amor Fa Calor
Premio Instituto Etxepare al ‘Mejor Álbum en Euskera’: Zetak por Zeinen Ederra Izango Den
Premio Soundie al ‘Mejor Videoclip’: Delaporte por ‘Las Montañas’
‘Mejor Álbum de Flamenco’: Astola y Raton por Rock de Palo
Premio Gibson al ‘Mejor Álbum de Rock’: nBelako por Plastic Drama
Premio Ribera del Duero al ‘Mejor Artista Emergente’: Rigoberta Bandini
Premio al ‘Mejor Diseño’: Crudo Pimento por 7 Acúfenos
Premio al ‘Mejor Álbum de Música de Raíz’: Maria Rodes por Lilith
Premio AIE al ‘Mejor Álbum de Jazz’: Jorge Pardo y y Gil Goldstein por Brooklyn Sessions
Premio Amazon Music al ‘Mejor Artista’: Delaporte
Premio a Mejor Grabación de ‘Músicas Urbanas’: Alizzz
‘Mejor Álbum Internacional’: Fontaines DC por A Hero’s Death
Premio Radio 3 a la ‘Canción del Año’: Rigoberta Bandini por ‘In Spain We Call It Soledad’
Premio The Orchard al ‘Álbum del año’: Triángulo de Amor Bizarro por Triángulo de Amor Bizarro