Beach House han publicado estos días las primeras cuatro canciones de ‘Once Twice Melody’, el disco doble que publican en febrero, y que irán presentando en series precisamente de cuatro epés o «capítulos».
El nuevo disco de Victoria Legrand y Alex Scally se diferenciará del resto de sus obras por su componente orquestal: las cuerdas presentes en las canciones de ‘Once Twice Melody’ han sido grabadas en directo. Y tienen especial protagonismo en la pista titular y también en la siguiente, ‘Superstar’, de lejos la que más ha gustado a los lectores de JENESAISPOP que han votado en la encuesta subida recientemente a portada y que hoy es la Canción Del Día.
En las cuatro nuevas canciones que Beach House acaban de publicar, los autores de ‘Bloom‘ presentan una nueva y emocionante lectura de su habitual sonido dream-pop. En el caso de ‘Superstar’, el impulso rockero de ‘7‘ se mantiene en el motor de la base rítmica, pero la oscuridad de aquel álbum deja definitivamente paso a la luz a través de la luminosa y brumosa instrumentación, la producción de Beach House y la incorporación de una orquesta sinfónica.
‘Superstar’ es una de esas canciones de Beach House que se benefician de no presentar la típica estructura de canción pop. En su caso, los versos y estribillos parecen sucederse los unos tras los otros solo para dirigirse hacia el momento en que Victoria pronuncia el título de la canción: «superstar, shining far». La melodía vuelve a ser tan hermosa como esperas de Beach House y, a partir de este momento, ‘Superstar’ se sumerge en una vorágine musical que eleva la canción hasta los cielos.
En cuanto a la letra, ‘Superstar’ expone el fin de una relación mediante una serie de imágenes que evocan obviamente las estrellas, el cielo o el sol. «Caímos a través del cielo» es una de las frases de esta canción que parece encapsular todo el misterio del mundo en sus 6 minutos.
Esta mañana se ha hecho pública la entrevista que la periodista Luz Sánchez-Mellado le ha hecho a Miguel Bosé para el diario El País. El motivo de la entrevista es la presentación del libro autobiográfico del cantante ‘El hijo del Capitán Trueno’, donde narra la dura relación con sus padres, sus memorias y «su despertar sexual con hombres y mujeres.»
Desde el primer momento Bosé se encuentra a la defensiva con las preguntas de la periodista: “¿Esta es su letra? Sí, una de ellas. ¿Por qué? ¿Tiene varias? Sí, igual que tengo varios abrigos, y son diferentes. Pero, a ver, vamos a ver dónde vamos.” Tras unas preguntas relacionadas con su publicación, llega el momento más tenso de la conversación, cuando se le pregunta por su bisexualidad explicada en el libro, a lo que él simplemente pasapalabra con un “Siguiente pregunta”. Sánchez-Mellado insiste con que es algo que se cuenta en ‘El hijo del Capitán Trueno’, a lo que él contesta arrogante “Pero no con ese tono que le pones, amarillista y sensacionalista.” El diálogo continúa preguntando por su peor enemigo. Bosé responde contundente “En este momento, mi peor enemigo eres tú”.
Para terminar se le pregunta por sus declaraciones polémicas sobre la pandemia y sin contestar dice “No voy a hablar sobre cosas que no tengan que ver con el libro. Se os dijo. Tú puedes preguntar y yo no responder”. La entrevista acaba con un reclamo a Sánchez-Mellado por ser “tensa entrevistando” y sin una despedida por parte del cantante. Ella ha manifestado en redes sociales “no estar orgullosa de esta entrevista” y haberse quedado con un “mal sabor de boca.”
Este no ha sido el primer encontronazo de Bosé con la prensa en la promoción de su libro. Hace unos días acabó marchándose de la entrevista con Cristina Pardo al ser preguntado por el coronavirus y se encaró con los periodistas del programa ‘Viva la vida’ en la calle.
Taylor Swift se pasó anoche por el programa Saturday Night Live para presentar la reedición de su álbum ‘Red’, que se publicó el pasado 12 de noviembre bajo el nombre de ‘Red (Taylor’s Version)’.
En su actuación en directo interpretó la canción ‘All Too Well’, que originalmente contaba con cinco minutos de duración, alargada hasta los diez. Mientras estaba en el escenario, a su espalda se proyectaba el cortometraje que acompaña a la nueva versión del tema, protagonizado por Sadie Sink (‘Stranger Things’) y Dylan O’Brien (‘El corredor del laberinto’, ‘Teen Wolf’…) y escrito por la propia artista.
‘All Too Well’ narra su experiencia tras la ruptura con el actor Jake Gyllenhaal en 2010. Cuando Taylor tenía 21 y Jake 29. Los rumores sobre la ruptura apuntaban a que Gyllenhaal no se sentía cómodo con la atención mediática que empezaron a recibir, ni con la diferencia de edad entre ambos. Con las nuevas letras que la Taylor ha añadido al tema:
“Dijiste que si hubiéramos tenido una edad más cercana, tal vez hubiera salido bien / Y eso me dio ganas de morir”, canta la estadounidense, que cuenta que esta ruptura fue particularmente dura para ella. “Dicen que todo lo que está bien, termina bien, pero paso un nuevo infierno / Cada vez que cruzas por mi mente.”
Durante la visita al Saturday Night Live, Taylor no ha estado sola. Su mejor amiga, Selena Gomez, acudió a la primera presentación de ‘Red (Taylor’s Version)’ para apoyarla. Así se puede ver en un vídeo que han subido en TikTok.
‘Red (Taylor’s Version)’ ya está batiendo récords. El primero ha sido al obtener más de 90.8 millones de reproducciones en su día de lanzamiento. El récord anterior lo tenía el álbum ‘folklore‘, que se lanzó en 2020 y obtuvo 78.7 transmisiones en un solo día. El segundo récord que ha batido ha sido el de la mujer más reproducida en un solo día en la historia de Spotify, con 122.9 millones de reproducciones el viernes.
En uno de los vídeos promocionales de ‘I Don’t Live Here Anymore’, en concreto en el de la canción que da título a este quinto trabajo de The War on Drugs, vemos a la banda de Adam Granduciel junto a Lucius entonando esta canción con la ciudad de Los Ángeles al fondo. Es una de esas imágenes -la de los rascacielos- que definen América, como, salvando las distancias, aquel vídeo que a Ryan Adams se le ocurrió grabar frente a las Torres Gemelas, exactamente 4 días antes de su caída. En esta canción, el mundo de la banda también se ha desmoronado («he tenido mucho miedo de todo / necesito una oportunidad para renacer»), por lo que tratan de salir del fango con el sonido que han ido creando a lo largo de su trayectoria, y que define América también.
Las canciones de los autores de ‘Lost in the Dream‘ nunca han ocultado sus raíces, en ocasiones resultando una recreación demasiado fidedigna. ‘I Don’t Live Here Anymore’ contiene no uno sino dos homenajes a Bob Dylan, pues por un lado hay un guiño a ‘Shelter from the Storm’ (la frase «A creature void of form») y por otro una mención expresa («Como cuando fuimos a ver a Bob Dylan / y bailamos ‘Desolation Row’ / Pero ya no vivo aquí / No tengo ningún sitio donde ir»). Adam Granduciel cuenta igualmente que ‘I’m on Fire’ del Boss ha sido la inspiración de ‘Change’. Estos dos grandes nombres empapan muchos otros momentos de este álbum, como antes otros anteriores de la banda; solo que por el camino The War on Drugs han sabido también marcar el curso de otras bandas amigas como The Killers, e incorporar detalles a un repertorio ya lleno de los mismos.
‘A Deeper Understanding‘ (2017) vio a The War on Drugs crecer por el camino de lo sintético. En ‘I Don’t Live Here Anymore’ se sigue esa línea: Adam, que reconoce lo importante que ha sido el guitarrista Anthony Lamarca para desarrollar el ritmo de ‘Change’, se nos muestra como un músico capaz de tocar la guitarra acústica, la eléctrica y el piano en la mayoría de los temas, así como un Hammond en tres de las canciones, un Wurlitzer en otras tres, un 808’s en ‘Victim’, un Prophet-6 en ‘I Don’t Wanna Wait’, un Korg K2 en el tema titular, y un Mellotron en las dos últimas pistas, entre otros.
Los teclados y sintetizadores llevan voluntariamente muchas de estas canciones hacia los años 80, sin que pierdan atemporalidad o contexto. ‘Harmonia’s Dream’ recibe su nombre de la banda alemana de los años 70 , con esos teclados acariciando de derecha a izquierda y viceversa en tu par de auriculares favoritos; ‘Victim’ está duchada de efectos, mientras en ‘I Don’t Wanna Wait’ la voz está procesada al modo de las voces en bandas de sonido tan distinguido como Radiohead.
Es esta última una composición en la que Adam Granduciel lucha, como siempre, por salir del laberinto eterno que parece su cabeza, siempre sin perder la esperanza de llegar a buen puerto. A cada «me perdí en la oscuridad» sucede un «pensé que llegaría a algún lado»; a cada «¿te estoy hiriendo por nada?» sucede un «tengamos un poco de fe». Es por eso que las melodías y las producciones de The War on Drugs han de resultar tan constructivas, incluso aunque visiten viejos hogares que ya no son tales (‘Living Proof’), se quejen de haber «nacido mal y en el día equivocado» (‘Change’), ser «víctima de nuestro propio deseo» (‘Victim’) o plantear «qué sería de mí sin ti» (‘Occasional Rain’). Siguiendo por el camino hacia la luz, ‘Wasted’ no puede sonar más pop.
Granduciel, que ha sido padre recientemente, como manifiesta en ‘Rings Around My Father’s Eyes’, un tema en el que trata de cerrar cuentas con sus propios ancestros, otorga a sus creaciones un carácter poético y también revitalizante más por sus arreglos que por sus sencillos textos. Así se siente ya en los primeros 60 segundos del álbum, bellísimos, y por el modo en que va situando esos pilares. Los desarrollos instrumentales siempre han sido un fuerte para The War on Drags y aquí eso se mantiene, por ejemplo, en los dos últimos minutos de ‘Change’, la vitalidad que aportan cosas como ‘Wasted’, el ritmo y la percusión de la desaforada ‘Victim’ y la construcción mediante clímax armónico de ‘Old Skin’.
Rigoberta Bandini logra su primer número 1 en JNSP. La cantante, que ganó el JSNP Song Contest de nuestros foros con ‘Too Many Drugs’ mucho antes de ser famosa. Llegó a ser top 7 en nuestra tabla con ‘In Spain We Call It Soledad’ y luego top 2 con ‘Perra’. Las tres tienen suficientes streamings a día de hoy como para ser consideradas “disco de oro” en España, pues casi todos sus reproducciones tienen lugar dentro de nuestro país.
C. Tangana con Nathy Peluso marcan nuevo máximo en el puesto 3, como sucede con Band of Horses en el puesto 9. La entrada más fuerte es la de Angèle, seguida por Maria Rodés con La Estrella de David, Carolina Durante y Algora. Nation of Language también llega a la tabla.
Estos días se ha publicado el disco de Self Esteem, recomendado por nuestro compañero Raúl Guillén en su playlist Flores en el Estiércol. Lo reseñaremos próximamente; de momento ‘I Do This All the Time’, su single principal, es nuestra “Canción del Día”, pues no ha dejado de crecerse desde que fuera publicada hace unos meses.
‘I Do This All the Time’ empieza como una especie de medio tiempo “spoken word” que recuerda a los Saint Etienne de ‘Good Humour’ y a la Lily Allen del primer álbum. En verdad, sus inspiraciones han sido ‘Everybody’s Free (To Wear Sunscreen)’ de Baz Luhrmann y ‘Dirrty’ by Christina Aguilera, pero lo importante es que la canción es una completa preciosidad en la que Self Esteem habla sobre lo insegura que se puede sentir una persona en una fiesta en la que no sabe qué decir, trabajando en un McDonald’s o cuando llega cierta edad y no se tienen hijos. “Casarte no es el día más importante de tu vida”, trata de convencerte.
Frases que ganan en emoción cuando comprobamos en el vídeo que Self Esteem se abraza a sí misma, es decir, abraza sus viejas inseguridades para decirles adiós. Su inspiración ahí ha sido la película de Elton John ‘Rocketman’.
La producción, in crescendo, añade finalmente una sección de cuerdas, que seguro que tienen mucho que ver con el hecho de que esta sea, según la propia Self Esteem (antes en los muy queridos Slow Club), la canción que siempre soñó hacer. La hizo en una toma, “como si la hubieran poseído” y ha de ser por ello que funciona tan bien a modo de exorcismo.
Snail Mail se hizo un hueco hace 3 años con ‘Lush‘, disco en el que recuperaba el grunge y el indie-rock de los años 90, con bandas como Pavement y Smashing Pumpkins en el punto de mira. Es amiga de Clairo. Waxahatchee le hace coros en este nuevo álbum. Aquí, el proyecto de Lindsey Jordan ha dado a su amplia base de seguidores todo lo que esperaba con el single principal y corte de apertura y titular ‘Valentine’, una canción de desamor marca de la casa con dos bazas infalibles: unas guitarras eléctricas en sintonía con la primera era de Radiohead y una letra muy descriptiva que dice cosas como «Odio imaginar a alguien contigo / Me tumbo y empiezo a llorar».
Otras pistas de ‘Valentine’ siguen esa línea, aguardando a ser también pequeños hits en el futuro, como es el caso de ‘Glory’, otra pista fruto del desencanto y el enfado, si bien el gran acierto de este álbum es su voluntad para ir incorporando novedades. La grabación más avispada es ‘Forever (Sailing)’, basada en un sample de una canción sueca de los años 80 llamada ‘You & I’, de Madleen Kane, que da a la pista un decidido carácter funky, cuando la propia Snail Mail confiesa que no es que supiera mucho de música disco. Es, de nuevo, otra canción de desamor («el tiempo tiende a pasar, pero 11 meses después, todavía te busco algunas noches como si estuvieras a mi lado») que seduce al final por esa nueva puerta que abre a su carrera.
‘Forever (Sailing)’ es la cumbre de una gran primera mitad en la que encontramos ‘Light Blue’, una canción para la exnovia que tenía a los 19 años, embellecida con un piano y una sección de cuerda, con un estribillo marcado («nada me va a parar») y un final amargo («no voy a volver»). También ‘Ben Franklin’, sobre engañarse a una misma y su proceso de rehabilitación por el que estuvo mes y medio interna; y ‘Headlock’, sobre el suicidio y una maraña de guitarras muy del indie de los 90, además de igualmente un piano lozano.
Esa deuda con un tipo de música tan concreto limita un tanto el impacto del álbum, pues tampoco es que aporte mucho a lo que Torres nos ha contado hace demasiado poco, lo cual queda más evidenciado en una segunda parte, más correcta que brillante, con temas como ‘Madonna’, sobre idealizar a una persona y la influencia de la religión en su vida; y ‘c. et al’, una acústica escrita en la furgoneta de gira que parece estar ahí sólo para que ‘Glory’ a continuación parezca incluso mejor de lo que es.
El álbum recupera pulso al final con una estupenda canción llamada ‘Mia’ que no suena a nada de lo que hemos escuchado a lo largo de ‘Valentine’ -parece más bien un musical, incluso con su pequeña orquesta- pero que encaja con su título y con aquella voluntad noventera de cerrar discos con la canción más emocional. Escuchamos a Snail Mail en un registro vocal teatrero y desgarrado hablando de nuevo de amor. «Ojalá pudiera tumbarme contigo», confiesa mientras hace la declaración a la que aferrarse a la salida de este disco. «Mia, no llores. Te quiero, pero ahora tengo que crecer». Que así sea.
Esta noche ha tenido lugar la entrega de los premios 40 Music Awards 2021 en el Velòdrom Illes Balears de Palma de Mallorca. A la gala han asistido numerosos artistas nacionales e internacionales como Ed Sheeran, Nicki Nicole, Rosalía, Sebastián Yatra, Lola Índigo, Rauw Alejandro, Aitana, Natalia Lacunza, Alfred García… y un largo etcétera.
Además, ha contado con la presencia de celebridades como la influencer María Pombo, la presentadora Sandra Barneda, Samantha Hudson, Lydia Valentín o Maestro Joao.
El gran ganador de la noche fue Ed Sheraan, que se alzó con cuatro galardones: mejor artista, mejor canción y mejor videoclip por su tema ‘Bad Habits‘ y mejor directo en la categoría de internacional. Una de las veces que subió al escenario a recoger su premio fue con botella en mano y con parte de su equipo, que ya iba un poco perjudicado.
Al inglés le siguen Sebastián Yatra y Rauw Alejandro, con dos premios cada uno en categoría latina. Sebastián Yatra ha sido reconocido como mejor artista y también se ha alzado con el premio al mejor videoclip por Pareja del Año. En el caso de Rauw Alejandro, ha recogido el premio al mejor artista urbano y a la mejor canción por su tema ‘Todo de ti’.
La sorpresa de la noche llegó de mano de Rosalía, que apareció en el escenario para entregar varios premios junto al el streamer Ibai Llanos. Uno de ellos lo recibió la pareja de la catalana, Rauw Alejandro. Cuando este acudió a recibir el galardón le dio un beso a Rosalía, algo que todos estaban deseando ver en directo desde que se hizo pública su relación. Sin embargo, desde casa no se pudo ver porque Ibai se interpuso entre la cámara y los artistas. En Twitter se comentaba cómo se había chafado el esperado beso.
En la categoría España, los premiados han sido C. Tangana (que no asistió a la gala) como mejor artista y Álvaro de Luna como artista revelación. El premio al mejor álbum ha sido para Pablo Alborán por ‘Vértigo’, mientras que la mejor canción ha sido para ‘Portales’, de Dani Martín. El premio al mejor videoclip ha recaído en ‘La Niña de la Escuela‘ de Lola Índigo, Tini, Belinda y el premio al mejor artista en directo se lo ha llevado Aitana.
En la categoría Internacional Griff ha sido elegida como mejor grupo revelación, Olivia Rodrigo se ha llevado con ‘Sour‘ el premio a mejor álbum y Topic ha sido reconocido mejor artista o productor dance. Por su parte, Nicki Nicole se ha llevado el premio al artista o grupo revelación en categoría Latina y Ana Mena ha sido votada por el público como Artista del 40 al 1.
Puedes consultar el listado completo de los ganadores de los 40 Music Awards 2021 aquí:
No es la primera vez que se intenta resucitar ‘Historias para no dormir’, la mítica serie de Chicho Ibáñez Serrador emitida en España a finales de los años 60. El propio director lo intentó en los 80, pero solo pudo rodar cuatro episodios de los trece previstos. En 2005, tras el éxito de la edición de la serie en DVD, Chicho impulsó el proyecto ‘Películas para no dormir’, compuesto por seis telefilmes rodados por seis directores diferentes. La serie fracasó, emitiéndose solo dos episodios en Telecinco (los restantes se pudieron ver años después en el canal FDF).
‘Historias para no dormir’, versión 2021 (producida por el hijo de Chico, Alejando Ibáñez, y distribuida por Amazon), es una mezcla de las dos anteriores. La serie está compuesta por cuatro telefilmes dirigidos por cuatro cineastas distintos, pero con la particularidad de que cada episodio adapta una historia de la serie original: ‘El doble’, ‘El asfalto’ y ‘La broma’, las tres de 1966, y ‘Freddy’, de 1982. Las reseñamos según el orden establecido en Prime Video:
El doble (Rodrigo Sorogoyen)
La que menos se parece a la original. Sorogoyen ha llevado a su terreno –el del thriller, el del drama romántico de ‘Stockholm’ (2013)- una historia ambientada en el futuro cercano (a su vez basada en el cuento ‘Marionetas S.A’, de Ray Bradbury). ‘El doble’ es un eficaz drama de pareja con toques de intriga y ciencia ficción. Una distopía urbana a lo ‘Black Mirror’ y una reinterpretación del tema del doble a lo ‘Enemy’ (2014). Destaca por tres aspectos: su visión “futurista” de Madrid (con una concepción de los espacios que recuerdan a los de Jim Jarmusch en ‘Los límites del control’), sus ocurrentes guiños al presente (esas mascarillas tan sugerentes), y por una narrativa elíptica, con muchos giros, que contribuye a inyectar suspense y extrañeza en la historia, pero que también provoca cierta desconexión emocional entre el espectador y la pareja protagonista, interpretados con solvencia por David Verdaguer y Vicky Luengo. 6,9.
Freddy (Paco Plaza)
La más disfrutable de las cuatro historias. Sobre todo si estás familiarizado con las claves genéricas y los códigos culturales que maneja Paco Plaza: mucho giallo, mucho terror con “muñeco diabólico” y ventrílocuo chiflado, y muchísimo homenaje a una época, la España de 1982: vedettes, destape, humor zafio… ‘Freddy’ recrea el rodaje de ‘Freddy’ (1982), el primer capítulo de la frustrada tercera temporada de ‘Historias para no dormir’. Y lo hace con un notable sentido lúdico y afán laudatorio. Plaza rinde tributo a Chicho (es el único de los cuatro directores que trabajó con él) convirtiéndolo en un personaje de ficción (encarnado por Carlos Santos). El director de ‘La abuela’ juega con la metanarracción para construir una divertida historia de terror, llena de imaginativos asesinatos, chistes irreverentes y toneladas de nostalgia ochentera. ¿Un poco visto? Sí, pero funciona. Y lo inusual del escenario (los estudios de RTVE en el Paseo de La Habana), contribuye mucho a su buen resultado. 7,5.
‘El asfalto’ (Paula Ortiz)
La peor de todas. La historia original, interpretada por un estupendo Narciso Ibáñez Menta (padre de Chicho), tenía mucho encanto estético (esos decorados de Mingote) y una sutil pero muy potente fuerza satírica. Paula Ortiz ha intentado trasladar su discurso y ambiente surrealista a la actualidad. Pero no le ha salido muy bien. La historia no funciona ni como denuncia social -de la precariedad laboral (está protagonizada por un repartidor ciclista de 40 años interpretado por Dani Rovira), la insolidaridad urbana, el “circo mediático”- ni como relato de humor absurdo, ni como cuento de terror claustrofóbico. Los distintos elementos no están bien engarzados, y todo resulta muy forzado y poco creíble. En algunos aspectos se quiere parecer a la gloriosa ‘La cabina’, pero termina pareciéndose a la fallida ‘La chispa de la vida’ (2011). 4.
La broma (Rodrigo Cortés)
La más fiel a su referente. ‘La broma’ fue otra de las grandes historias interpretadas en el original por Narciso Ibáñez Menta. Aquí es Eduard Fernández quien da vida al empresario protagonista, un bromista pesado, desagradable y “asesinable”. Le acompañan Nathalie Poza, como su mujer, y Raúl Arévalo, como su empleado de confianza. Sus actuaciones son lo mejor de este thriller. ¿Lo peor? Que la historia se ha quedado más vieja que la Ruperta. ‘La broma’ es un relato criminal, influenciado por clásicos del cine negro como ‘Perdición’ (1944), cuyos giros de guión se ven venir de muy lejos (ya se veían a la legua cuando la rodó Ibáñez Serrador). A pesar de tener una de la mejores secuencias de toda la serie, la del coche esperando a que pase el tren en el paso a nivel, esa falta de originalidad termina por lastrar el resultado final de este remake. 6.
Termina la pesadilla de Britney Spears: la jueza Brenda Penny ha ordenado a última hora de este viernes el fin de la tutela legal de la cantante después de 13 años de espera. Era lo que se esperaba unas semanas después de que la Corte Superior de Los Ángeles determinase que su padre no podía seguir siendo su tutor legal, siendo en principio sustituido por John Zabel. Jamie Spears había tenido la tutela de su hija Britney desde 2008, cuando tuvo varios problemas que la llevaron a perder la custodia de sus hijos.
Britney, que había realizado una emocionante declaración el pasado mes de junio, pidiendo desesperadamente su libertad tras haber sido obligada a tomar litio o sin que se le permitiera quitarse un DIU que le impedía tener más hijos, ha acudido a Instagram para confesar que este es «el mejor día de su vida». «¡Dios mío, amo tanto a mis fans que es una locura! ¡Creo que voy a llorar el resto del día! El mejor día de mi vida, alabado sea el Señor. ¿Puedo recibir un amén?», son las palabras que acompañan a las imágenes de sus seguidores celebrando su libertad en las inmediaciones del juzgado de Los Ángeles lanzando confeti rosa. Britney después ha compartido media decena de fotos de sí misma en el día de la noticia, ya sin texto.
Efectivamente, la función de sus fans con el movimiento #FreeBritney ha sido fundamental para entender la deriva del caso, culminando con el reportaje de New York Times ‘Framing Britney Spears‘ sobre esta extraña figura legal de la tutela en Estados Unidos, y llevando a otros documentales después como fue el de Netflix. Ahora será el momento de comprobar hacia dónde se dirige la vida pública y privada de Britney, que no publica disco desde el año 2016, y recientemente anunció su compromiso.
‘Leave the Door Open‘ ha sido uno de los éxitos más improbables de 2021. Para empezar es tremendo baladón, y no de Adele, sino que su carga de intensidad y brilli-brilli lleva en realidad a los tiempos de Babyface, Toni Braxton, Boyz II Men, Jodeci… y de aquel artista que ya se llamaba Silk y sonaba más o menos igual (aunque cantaba mucho peor). ‘An Evening with Silk Sonic’ se centra en el sonido de ‘Leave the Door Open’ cuando no en el funk de James Brown o Parliament, que para algo Bootsy Collins es el artista invitado en el disco, con resultados desiguales.
Silk Sonic es el dúo formado por Bruno Mars y Anderson .Paak. ‘An Evening with Silk Sonic’ supone el primer lanzamiento largo de Peter Hernandez desde que ganó el Grammy a Álbum del año por ‘24k Magic‘ y, aunque Anderson .Paak sacó disco en 2019, su proyecto con Bruno le está reportando los mayores éxitos comerciales de su carrera. Juntos celebran el R&B y el soul de los años 70 y las baladas «cheesy» de los 80 y 90 y reproducen todos estos sonidos en sus temas sin mayor misterio. El resultado es equivalente a ver Soul Train y la MTV al mismo tiempo: un pastiche nostálgico de los buenos.
Pasado el tiempo es posible afirmar que ‘Leave the Door Open’ es una canción dramática excelente, un clásico, y sin duda la obra maestra de este disco. También es un homenaje a ese vibrante soul de Filadelfia que parece haber servido de base para la composición de otras canciones incluidas en el largo como ‘Put on a Smile’, menos convincente. La pista final, ‘Blast Off’, también parece nacer del mismo lugar, pero es mucho más sensual, y termina con una coda épica que es puro «fin de gala».
El álbum es corto, tanto que a veces su secuencia le juega un poco en contra. Y no porque la rumoreada colaboración con Beyoncé, ‘Sweet Thing’, no esté incluida. Una de las pistas es una intro en la que Bootsy Collins anuncia la llegada de Silk Sonic, pero deja un extraño sabor de boca que la canción siguiente sea ‘Leave the Door Open’, una balada, pues el disco pasa del «hype» a la bajona. ‘Skate’, el animado segundo single, de tintes disco, no aparece hasta el final, y algunas de las pistas quedan claramente por detrás de los mejores, como la mencionada ‘Put on a Smile’ o la funky ‘777’ protagonizada por Anderson .Paak.
El autor de ‘Ventura’ se vuelve a poner el disfraz de James Brown en una de las mejores canciones del disco, el funk descarado de ‘Fly as Me’, tan retro que Brandon canta desde un «Monte Carlo de 1977»; pero Silk Sonic se crecen, sobre todo, en las baladas y medios tiempos. ‘Leave the Door Open’ aparte, la noventera ‘Smokin’ Out the Window’ es el divertido retrato de dos perdedores que untan a su chica a regalos pero que, al final, se quedan a dos velas. Y ‘After Last Night’ es la obligada balada «horny» del disco: por ella pasan Thundercat pero también el espíritu de las baladas de Janet Jackson o Aaliyah y un buen solo de guitarra, tan apasionado como seguramente esperas.
De ‘Factor X’ al mundo, Little Mix es una de las exportaciones musicales británicas más exitosas de la última década. Su repertorio de éxitos -entre ellos 5 singles número 1- ya da para un «grandes éxitos», y ‘Between Us’ sale hoy acompañado de 4 canciones nuevas, pero sin una de las integrantes originales de Little Mix. Jesy Nelson abandonaba la formación el año pasado para cuidar de su salud mental y, el pasado mes de octubre, lanzaba su primer single en solitario.
JENESAISPOP tiene oportunidad de charlar, vía Zoom, con el trío formado por Leigh-Anne Pinnock, Perrie Edwards y Jade Thirlwall unos días antes de que se edite ‘Between Us’. Es curioso ver a las tres en un contexto tan completamente natural y desenfadado, sin el maquillaje y atuendos espectaculares, sin la fantasía en general, que suelen presumir en los videoclips y las alfombras rojas. Visten sudadera y dos de ellas acaban de ser madres, por lo que durante la entrevista se escuchan puntuales llantos de bebé de fondo.
Leigh-Anne, el otro día vi el último programa de RuPaul’s Drag Race UK y eras la persona invitada en el jurado. ¿Cómo fue la experiencia?
Leigh-Anne: «Me encantó. Es más impresionante estar en el programa que verlo desde casa, todo por todas partes brilla y te deslumbra. Me gustó mucho vivir el lip-synch en directo y poder ponerme ese pedazo de vestido que llevaba». ¿Quién es el diseñador?
Leigh-Anne: «Moschino».
¿Las tres veis DragRace?
Perrie: «Yo nunca lo había visto antes. Con Jade llegué a ver algún programa cuando estábamos de gira en Estados Unidos pero nunca me he sentado a verlo de verdad, aunque no sé por qué porque estoy segura de que me encantaría».
Jade: «Yo lo empecé a ver en Estados Unidos. Estoy obsesionada con la versión británica pero una de mis ediciones favoritas es de la americana, la que ganó Bianca del Rio. Soy súper fan».
¿Habéis visto la versión española?
Jade: «Todavía no. Es una de las pocas ediciones de DragRace que no he visto, pero estoy familiarizada con algunas de las reinas porque las he visto en las redes sociales, y he escuchado muy buenas cosas sobre el programa. Lo veré. ¿Está en Netflix?».
Creo que no, solo se puede ver en una plataforma española.
Jade: «En cualquier caso la veré. Hay tantas ediciones que es difícil ponerse al día».
Vuestro nuevo disco es un recopilatorio. ¿Qué es lo más valioso que habéis aprendido en estos 10 años de carrera?
Perrie: «Que nuestra amistad es lo más importante que tenemos. Es clave. Y que es importante trabajar duro. Nosotras nos lo hemos currado para llegar adonde hemos llegado, lo cual puede ser muy difícil de conseguir en una industria tan dura como esta. Hemos aprendido que nadie se preocupará por nosotras más que nosotras mismas. Somos una piña y siempre nos apoyamos las unas a las otras».
¿Recordáis escuchar recopilatorios de pequeñas?
Jade: «Yo me acuerdo de los CDs de ‘NOW'».
Leigh-Anne y Perrie: «¡¡Sí!!»
Jade: «Y recuerdo que uno de mis recopilatorios favoritos se llamaba «Pop Princesses»».
Leigh-Anne y Perrie: «¡¡Dios mío, sí!!»
Jade: «¿Os acordáis? Era un recopilatorio que reunía canciones de todas las princesas del pop del momento: Sugababes, Avril Lavigne, Kelly Clarkson, Beyoncé, Rihanna, Christina Aguilera… Estaban todas. Era el la recopilatorio de princesas del pop definitivo. Estaba obsesionada».
Perrie: «Personalmente cuando escucho a algunos artistas siempre me pongo sus grandes éxitos: los «greatest hits» de Céline Dion, los «greatest hits» de Shania Twain, los «greatest hits» de Britney Spears».
Leigh-Anne: «Los «greatest hits» de Mariah Carey».
Perrie: «El de Mariah Carey me lo ponía todas las noches».
Los 25 números 1 de Mariah Carey.
Little Mix: «¡Ese!»
Los discos de grandes éxitos están de moda otra vez, ¿no?
Perrie: «Y para sacar uno tienes que haber tenido una carrera larga. No es tan habitual que una girl band como nosotras saque un grandes éxitos. Para mí es increíble. Es una manera de saber que has triunfado».
Anastacia sacó un «greatest hits» cuando solo llevaba tres discos a sus espaldas, y su carrera no ha sido la misma desde entonces.
Perrie: «Es una de mis artistas favoritas. Justo ayer estaba hablando de ella».
Jade: «Para nosotras tiene sentido sacar un recopilatorio porque llevamos 10 años de carrera, hemos sacado un montón de singles».
«Es importante no perseguir continuamente la idea de obtener un número 1»
Las canciones nuevas están desperdigadas a lo largo del disco, no están ni al principio ni al final. ¿Esta decisión se debe a que confiáis en que también son “hits”?
Jade: «Sí, las cinco canciones son potentes. Nosotras siempre nos hemos enorgullecido de no meter relleno en nuestros discos y este caso es igual. Nos gustan que las canciones nuevas estén mezcladas con las viejas en el álbum porque todas ellas encajan las unas con las otras. Queríamos que la gente percibiera que en el disco todos los singles tienen la misma importancia, y los temas nuevos también».
¿Cuál es vuestro criterio de cara a grabar canciones? ¿Cómo habéis preservado el «sonido Little Mix» a lo largo del tiempo?
Leigh-Anne: «Tiene que ser una canción que te empodere. Nunca escribimos una canción que no te haga sentirte bien o no te eleve los ánimos. Si lo consigue, es una canción de Little Mix. Nosotras queremos hacer sentir bien a la gente. Y nuestras canciones tienen que empoderar… y también ser un poco descaradas. Las canciones nuevas del disco tienen esa actitud».
En el álbum hay una balada, la que da título al disco. Yo cuando pienso en Little Mix no me vienen muchas baladas vuestras a la cabeza. ¿Os apetecía explorar este formato?
Perrie: «Nos encantan las baladas. En cada disco metemos al menos una o dos, pero solo hemos sacado una de single, ‘Secret Love Song’. ‘Between Us’ es una canción de amor para nosotras, habla sobre nuestra amistad y sabemos que cuando la cantemos en directo nos va a ser difícil hacerlo sin llorar. Es una canción que significa mucho para nosotras y los fans la van a adorar».
Leigh-Anne: «Y no olvides el vídeo. ¡Es precioso!»
‘Sweet Melody‘ ha sido vuestro primer número 1 en Reino Unido en 4 años. ¿Cómo os sentisteis con la noticia? ¿Os interesan especialmente este tipo de logros?
Jade: «Es importante no perseguir continuamente la idea de obtener un número 1. Al principio de nuestra carrera nos preocupábamos por conseguir números 1, pero ahora creemos que, si la canción se sigue escuchando con el paso del tiempo, aunque no sea número 1, es incluso mejor. El número 1 de ‘Sweet Melody’ significó mucho para nosotras porque sucedió en el momento en que cumplíamos diez años de carrera. El significado de ese número 1 es lo más importante para nosotras».
¿Cómo habéis vivido los cambios de tendencias musicales en esta década? Vuestra música los refleja de cierta forma: escuchas ‘Wings’ y piensas en 2011, ‘No More Sad Songs’ y es puro tropical pop.
Jade: «Little Mix siempre se ha adaptado a los nuevos tiempos sin dejar de sonar a Little Mix. Esta es una de las razones por las que hemos superado el paso del tiempo. Aunque cuando sacamos los primeros singles de cada disco siempre nos aseguramos de que no se parezcan a nada de lo que suene en la radio en ese momento. Es difícil adivinar qué va a funcionar y qué no, y más aún encontrar el equilibrio perfecto entre adaptarte a los tiempos y no perder tu esencia como artista. Creo que nosotras lo hemos conseguido».
«Hemos superado el paso del tiempo»
¿Cómo veis las listas de éxitos actuales? ¿Qué estilos pensáis que predominan?
Leigh-Anne: «No presto mucha atención a las listas de éxitos, ni siquiera las entiendo. Supongo que hay de todo, pero a mí me gusta lo que me gusta y tiendo más a escuchar música de la vieja escuela. No soy necesariamente una gran conocedora de las listas de éxitos».
Perrie: «Yo voy por fases también. Hay días que solo escucho lo que triunfa en listas y otros en los que solo escucho música de la vieja escuela. Últimamente no les he prestado demasiada atención».
Las tendencias varían en cada país. En España el 90% de lo que triunfa es el reggaetón.
Leigh-Anne: «¡Me encanta el reggaetón!».
¿Qué canción de vuestro repertorio os da pena que no haya sido single?
Todas a la vez: «‘Wasabi'».
¿Por qué?
Jade: «Queríamos que ‘Wasabi’ fuera uno de los singles de ‘LM5‘ pero, por una serie de circunstancias relacionadas con el cambio de sello, al final no pudo serlo. Es realmente desafortunado. De hecho, ‘Wasabi’ tiene más reproducciones que algunos singles de ese disco y cuando la tocamos en directo la gente se vuelve loca».
A mí me gustan mucho vuestras canciones más 60s, como ‘Love Me Like You’. ¿Os interesa especialmente esta faceta de vuestra música?
Perrie: «Nos gusta explorar todo tipo de sonidos. Lo bueno de estar en una girl band es que puedes hacer cosas diferentes. Nos encanta experimentar, sobre todo cuando lo hacíamos en los primeros discos».
Las colaboraciones con otros artistas también están incluidas en el recopilatorio, como las de Galantis, Anne-Marie o CNCO. ¿Creéis que también forman parte de la historia de Little Mix? ¿No queríais hacer un recopilatorio solo de vuestras canciones?
Jade: «Estamos muy orgullosas de todo lo que hacemos, sea una colaboración o no. Y ‘Heartbreak Anthem’ lo petó, no nos lo esperábamos».
Beyoncé ha publicado hoy single sin avisar a nadie. ¡Bien! Es una banda sonora. ¡Oh! La comisaria de la banda sonora de ‘El rey león‘ recupera algo de garra no obstante en una canción de raíces rockeras que vuelve a bucear en los orígenes del rhythm & blues. ‘Be Alive’, de la banda sonora de ‘King Richard’, en la que Will Smith interpreta al padre de Venus y Serena Williams, tiene su «punch». Es sólo que es un truco que la familia Knowles ya ha jugado demasiadas veces.
Beyoncé ya se había mostrado como una rockera en el tracklist de ‘Lemonade’, en concreto colaborando con Jack White en aquella joya llamada ‘Don’t Hurt Yourself’. Pero además, había hilvanado su hit ‘Ring the Alarm’ con ‘Five to One’ de The Doors en directo. La base de aquella canción de los de Jim Morrison vuelve a azotar este tema con el que Beyoncé no podía presentar nuevo disco porque es un truco que ya le conocíamos. Esto ha de ser por tanto un pasatiempo.
Siempre es una gozada que una canción nueva descubra una vieja, en concreto este clásico perdido de The Doors que cerraba ‘Waiting for the Sun’, su tercer disco, en 1968, sin haber sido uno de sus singles principales. El problema es que también Mr. Knowles, Jay-Z, ya lo había sampleado en ‘Takeover’, la pista 2 de ‘The Blueprint’, uno de los álbumes que, publicado en 2001, cambiaron el rumbo del siglo XXI. ¿Habrá cuarta canción por parte del matrimonio rebozada sobre la misma base? ¿En algún momento empezará a saberles mal el mismo aceite?
LCD Soundsystem, J Balvin, The Killers y Pet Shop Boys son los anunciados cabezas de cartel de la próxima edición de Bilbao BBK Live, que se celebra los próximos 7, 8 y 9 de julio de 2022 en Kobetamendi tras dos años de forzado parón. Bilbao BBK Live será el único festival europeo en el que actuará LCD Soundsystem en 2022.
Stromae, que acaba de publicar su primer single en 8 años; Moderat, Placebo, M.I.A., Nathy Peluso, Bomba Estéreo y Four Tet también se suman a la cita bilbaína, así como la programación completa de Basoa, la carpa electrónica del festival, que contará con The Blessed Madonna, Carl Craig, Helena Hauff o John Talabot, entre otros.
En el festival quedan confirmados también, en el plano internacional, Phoebe Bridgers, Caribou, Supergrass, slowthai, Joy Crookes, BICEP, Planningtorock, BADBADNOTGOOD, Peaches, Inhaler, TOMM¥ €A$H, Stella Donnelly, Mykki Blanco o Moses Sumney.
En el ámbito nacional, el festival contará con Zahara, Nacho Vegas, Dorian, Lori Meyers, Sen Senra, Carolina Durante, Ginebras, rusowsky, Confeti de odio, VVV [Trippin’you] o Laura Sam y Juan Esribano en su proyecto conjunto, además de la «cuadrilla de Iruñea» Chill Mafia, Verde Prato, Nøgen, Ezpalak y DouleurDolor, entre otros.
Los abonos continúan a la venta y existe la opción de pagarlo a plazos. Las entradas de día se ponen hoy 11 de noviembre a la venta a un precio promocional hasta el próximo 16 de diciembre. Habrá camping disponible como en otras ediciones para quien desee alojarse en plena montaña.
Hoy salen los nuevos discos de Silk Sonic (Bruno Mars y Anderson .Paak), Taylor Swift (la versión regrabada de ‘RED’), Kylie Minogue (la reedición de ‘DISCO‘), Damon Albarn, Courtney Barnett, IDLES, Colectivo da Silva, Little Mix (su nuevo recopilatorio de éxitos), Jon Hopkins, The Dodos, Dave Gahan & Soulsavers o Angela Pardal. También están disponibles los nuevos EPs de Beach House y Holly Humberstone.
‘LA FAMA’ de Rosalía y The Weeknd es el gran lanzamiento de la semana en el plano nacional o internacional, y hoy también la Canción Del Día en el site. Es uno de los estrenos musicales que han dejado los últimos días junto a los nuevos singles de Avril Lavigne, Mitski, Arca, Placebo o Let’s Eat Grandma.
Entre las novedades que cabe destacar de la playlist, Arca ha lanzado el primer single del segundo álbum que sacará en diciembre; Jenny Hval presenta single en su fichaje por 4AD; Nilüfer Yanya adelanta su nuevo disco con otro tema guitarrero de los suyos, MØ invoca a ‘Brad Pitt’ y DORA vuelve con ‘Sorry’ tras protagonizar la nueva película de Paco León, que se estrenará el año que viene.
Otros dos lanzamientos notables de la semana son ‘Be Alive’, la canción de Beyoncé que sonará en el biopic ‘King Richard’ sobre el padre de Venus y Serena Williams; y ‘A Drug from God’, el primer single de NPC, la girl group de Grimes creada por inteligencia artificial, cuyos miembros son infinitos.
En la playlist escucharás también novedades de DELLAFUENTE, Baby Queen, Chavales, Flight Facilities, BROODS, Fresquito y Mango, No Rome, León Benavente, Korn, Fort Romeau, Ariadna, Amber Mark, Blanco Palamera o Josephine Foster, LUNA KI, Niños Luchando, Sarria o The Hepburns. Para conocer las novedades más interesantes del indie nacional os invitamos a suscribiros a nuestra playlist quincenal «Sesión de control».
Arranca la era ‘MOTOMAMI’ de Rosalía con el lanzamiento de ‘LA FAMA’, un primer single que adopta forma de bachata ahora que está tan de moda (al menos en España, porque en América Latina realmente nunca se ha dejado de hacer) y que cuenta con la colaboración de uno de los artistas más exitosos de la actualidad en Estados Unidos y obviamente también en todo el mundo, el canadiense Abel Tesfaye aka The Weeknd. Podéis comentar ‘LA FAMA’ en nuestros foros.
Apenas 3 minutos dura ‘LA FAMA’, la nueva bachata de Rosalía y The Weeknd producida por los susodichos y también por Noah Goldstein, Frank Dukes, Dylan Wyggins, Tainy, Sky Rompiendo y El Guincho. Parece que el productor canario continúa su andadura con Rosalía en esta nueva etapa, evidentemente la de mayor proyección comercial de su carrera hasta la fecha.
El tema presenta pocas novedades respecto a lo que ya se conocía, pues Rosalía lo había adelantado ya en TikTok, en concreto su pegadizo estribillo. The Weeknd, que no es Romeo Santos aunque lo parezca, canta en español y goza de generoso protagonismo en la grabación. Sin buscar la vanguardia de ‘El mal querer‘, que se echa de menos, ‘LA FAMA’ opta por equilibrar tradición y el sonido «urbano» contemporáneo sin más misterio.
El vídeo de ‘LA FAMA’ presenta una actuación de Rosalía en una glamuroso evento con el público sentado en mesas. Uno de los asistentes es The Weeknd, que termina apuñalado por la catalana y postrado en unas escaleras, malherido, como si de un capítulo de La Hora Chanante se tratase, y sin que se sepa muy bien si el humor del vídeo es intencionado o no. Es el único pero -junto a la ausencia de la vanguardia de ‘El mal querer’- en un single que ha sido añadido ya en la mayor playlist del mundo, ‘Today’s Top Hits’, que siguen 30 millones de seguidores. El vídeo parece efectivamente una metáfora sobre el peligro de la fama.
Finalmente, no vamos a dejar de comentar el parecido casual de la portada de ‘LA FAMA’ con el de ‘Waste Management‘, la edición en inglés del tercer disco de las rusas t.A.T.u. Mismo concepto, distinta ejecución.
Edgar Wright, el director de ‘Shaun of the Dead’, ‘Baby Driver’ y la próxima ‘Última noche en el Soho’ se estrena como documentalista con su grupo favorito, Sparks. ‘The Sparks Brothers’ no es el primer documental que existe sobre el dúo. Pero sí que es el primero en el que Ron y Russell Mael se implican (y se explican) plenamente. Su reticencia a los documentales, cuentan, es debida a que los ven como un artefacto para homenajear a gente muerta o ya en las últimas. Sin embargo, la insistencia del “fanboy” (así aparece jocosamente en el film) Wright y su carrera como director, ayudaron a hacer el proyecto feliz realidad, dada la querencia de los hermanos Mael por el cine.
Wright explica la historia de Sparks en estricto orden cronológico. Desde del nacimiento de los hermanos Mael en California y su pasión por la música desde bien pequeños, a toda su carrera desde la etapa Halfnelson, llegando hasta la reciente ‘Anette’ de Léos Carax. Un periplo extensísimo que ocupa más de dos horas de metraje, en la que se repasan sus más de 50 años de carrera y sus 25 discos, el fracaso inicial, la marcha a Reino Unido, el bombazo de ‘Kimono My House’ y todo el movimiento fan que conllevó, el paso de epítomes del glam a máximas estrellas del techno-pop, su desaparición entre 1988 y 1994, su pletórico regreso y su fenomenal estado de gracia durante los dos miles. Y, sobre todo, la inquebrantable voluntad del dúo de hacer siempre lo que les ha dado la gana, ajenos a modas o presiones comerciales.
Todo a ritmo Wright. El director sabe imprimir al documental su sello, el frenesí que brilla en sus obras de ficción. ‘The Sparks Brothers’ tiene una estética ultra-pop y algo kitsch, está repletísimo de fantásticas imágenes de archivo (la palma se la lleva un loquísimo concierto en Birmingham de 1974 con las fans desatadas) y anécdotas fabulosas. Y sí, este también es un documental de “cabezas parlantes”. Los primeros, los hermanos Mael narrando su propia historia, claro. Aquí hay una ingente cantidad de entrevistas: amigos y colaboradores (Christi Haydon, Alex Kapranos), productores (Todd Rundgren, Giorgio Moroder, Tony Visconti…), mánagers, fans e incluso alguna que otra víctima colateral de la ambición musical de los Mael. Y donde no hay archivos visuales, Wright se saca de la manga montajes con imágenes de stock o unas divertidísimas animaciones que salpican todo el metraje e ilustran montones de anécdotas. Y lo más importante: el documental está repleto de música, música y más música: clips, actuaciones televisivas y fragmentos de conciertos se muestran de manera generosa.
‘The Sparks Brothers’ es una rendición incondicional y en ningún momento oculta que es producto de un fan. Y quizás es ese el único pero que se le puede poner: que hay demasiados admiradores rindiendo pleitesía. Wright subraya en exceso que Sparks son un grupo de culto idolatrado por otros artistas de culto. La presencia de dúos de electrónica se comprende por la afinidad espiritual: por aquí están “The Other Two”, Stephen Morris y Gillian Gilbert o Erasure. Pero la participación de gente como Beck, Mike Myers, o Flea (entre otros muchos) tampoco aporta nada; el documental habría ganado en agilidad sin ellos. No son necesarios para mostrarnos que Sparks son muy grandes.
Porque al final, lo que hace a ‘The Sparks Brothers’ un film irresistible y memorable es su apabullante cantidad de guiños y detalles, lo abigarrado y excesivo que es. Como los propios Sparks. Pero, sobre todo, por el lujo que supone contar con los Mael explicando su historia. Tan lacónicos como una puede esperar, pero con el punto justo de ironía y desmitificación, sin abandonar nunca sus personajes: Russell el cantante guapo de gran voz, Ron el genio musical impávido e inquietante. ‘The Sparks Brothers’ es una gozosa celebración de su personalidad y su música. Después de verlo, es probable que a) si no eras fan, te vuelvas inmediatamente b) Si ya lo eras, lo seas aún más y te pases semanas obsesionade con su música. SPOILER: A mí me ocurrió.
El Festival Internacional de Benicàssim ha desvelado los primeros nombres de su cartel para la edición de 2022, la cual se celebrará del día 14 al 17 de julio del año que viene.
De artistas nacionales han confirmado a Love Of Lesbian, Cariño, Ginebras, Carolina Durante, La M.O.D.A., La Habitación Roja, Zahara, Miss Caffeina, Izal, Viva Suecia y La La Love You.
De artistas internaciones el FIB contará con la presencia de Two Door Cinema Club, Circa Waves, Tom Walker, The Kooks, Tyga, Sea Girls, Declan McKenna, Kasabian, Steve Aoki, The Hunna, Tom Grennan y de Joel Corry.
Los abonos han ido vendiéndose desde 39,99 euros a través de su página web fiberfib.com, con el derecho a cámping, glámping o ducha aparte. Esta es la info que han colgado en Instagram:
⛺️ Entrada de Villacamp: desde 25€ + gg, es la zona de acampada que se encuentra en el pueblo de Benicàssim, para disfrutar de su gastronomía y playas. Aquí sólo puedes acamapar si alquilas una tienda de Glamping ya montada.
🎪 Glamping: desde 50€ + gg, es el servicio de tiendas ya listas para que disfrutes de toda la comodidad, tienes de modelos más básicos a las deluxe con colchones y desayuno buffet.
🚿 Duchas: desde 10€ + gg, es el vale de duchas ilimitadas que tienes que comprar de forma anticipada para usar durante los 6 días de camping de #FIB2022
🔁 Reaceso: desde 10€ + gg, compra online este bono que te servirá para entrar y salir de la zona de conciertos de forma ilimitada de jueves 14 a domingo 17.
Mónica Naranjo se pasó anoche por La Resistencia para promocionar el nuevo reality de Netflix ‘Amor con fianza’ del que es presentadora, para el que pone banda sonora con ‘Lágrimas de un ángel’ y que ya está disponible en la plataforma de streaming.
Durante la entrevista no pudo faltar la mítica pregunta que David Broncano hace a sus invitados sobre sus relaciones sexuales en el último mes y sobre el dinero que tiene en el banco.
“Yo hace muchos años, me casé conmigo misma. La mayoría de veces estamos de acuerdo en todo, también en sexualidad”, respondió. “Porque siempre estás con tu pareja, que eres tú”, añadió Broncano. Para finalizar su explicación Mónica dijo sin tapujos “¿Hoy tengo ganas? Toco la guitarra. ¿No tengo ganas? Pues no la toco”. Esto provocó la risa y aplausos entre el público.
Sin duda, el momento más bizarro de la noche sucedió a final de la entrevista cuando conectaron con dos miembros de público que habían juntado para ver si surgía la llama del amor entre ellos. De repente, pasaron de estar tranquilamente charlando en una sala a estar manteniendo relaciones sexuales. Mónica Naranjo se quedó con la boca abierta del asombro y hasta tuvo que abrazar al oso de peluche del programa para “protegerse” ante semejantes imágenes.
No hay una sola nueva entrada en todo el top 10, pero ‘Dictadura’ de Anuel AA podría llegar a él pronto. Es la entrada más fuerte directa al top 13 y ahora mismo la encontramos algo más alto en Spotify España, por lo que podría seguir subiendo en las próximas semanas.
En plena promoción por España, Nicki Nicole llega al puesto 28 en este caso acompañada de Rauw Alejandro en el tema ‘Sabe’. A esa altura de la lista, hay que destacar que ‘Salimo de noche’ de Tiago PZK y Trueno protagoniza la subida más fuerte, del número 42 al número 24.
Las entradas de la semana se completan con ‘Oh na na’ de Myke Tower en el puesto 51, ‘Anuel AA: BZRP Music Session’ de Bizarrap y Anuel AA en el puesto 73, ‘Overpass Graffiti’ de Ed Sheeran en el número 81, ‘Cuarentena’ de Eladio Carrión en el 91 y ‘Vacaxiones’ de Feid’ en el 92.
Destacamos el caso de Ed Sheeran, que sigue en el puesto 29 con un ‘Bad Habits’ que nunca ha pasado del número 26 pero es disco de platino; y ‘Shivers’, que sube al 45, su máximo por el momento. El álbum ‘=’ es número 1 en España.
El dúo Let’s Eat Grandma, formado por Rosa Walton y Jenny Hollingworth, ha anunciado su nuevo disco ‘Two Ribbons’, que verá la luz el próximo 8 de abril. Además, ha sacado el single principal homónimo del disco.
En un comunicado, Jenny Hollingworth ha explicado que ‘Two Ribbons’ es una canción que trata “sobre dos de las personas más cercanas en mi vida” y sobre cómo su relación con ellas “ha permanecido a través del tiempo a pesar de la pérdida y de los cambios”.
También recalca que la canción habla sobre el aislamiento por duelo y la impotencia ante la muerte. Recordemos que el novio de Hollingworth falleció en abril de 2019, lo que provocó la cancelación de la gira americana del grupo aquel año.
Let’s Eat Grandma tiene previsto dar dos conciertos íntimos en Reino Unido y en su ciudad natal, Norwich, en enero de 2022.
Este nuevo disco es el primero desde 2018, año en que el dúo publicó su tercer LP ‘I’m All Ears’. Te dejamos el tracklist de ‘Two Ribbons’ que incluye el single ‘Hall of Mirrors’:
01 Happy New Year
02 Levitation
03 Watching You Go
04 Hall of Mirrors
05 Insect Loop
06 Half Light
07 Sunday
08 In the Cemetery
09 Strange Conversations
10 Two Ribbons
¿Los discos dobles vuelven a estar de moda? Parcels acaban de sacar uno, Beach House han anunciado el suyo… Jack White sube la apuesta y anuncia hasta dos nuevos álbumes, individuales el uno del otro. ‘Fear of the Dawn’ sale el 8 de abril y ‘Entering Heaven Alive’ el 22 de julio.
‘Taking Me Back‘, el single que Jack White estrenaba hace unas semanas, asociado a la banda sonora de ‘Call of Duty’, es la primera pista de ‘Fear of the Dawn’, y de momento el único single que se ha extraído de alguno de los dos proyectos. Desde hoy se puede ver el videoclip para este tema.
El lanzamiento casi seguido de ‘Fear of the Dawn’ y ‘Entering Heaven Alive’ compensa con creces el hecho de que White no saca disco desde hace 4 años. ‘Boarding House Reach‘ salió en 2018. ¿Quizá la acumulación de proyectos durante la pandemia haya tenido algo que ver con esta doble entrega?
Jack White se dio a conocer, por supuesto, como mitad de los White Stripes, una de las bandas de rock más importantes del siglo XXI, así en general. Después, en solitario, especialmente su disco ‘Lazaretto‘ fue un éxito de ventas físicas, en concreto de vinilos. Su debut oficial, ‘Blunderbuss’, vio la luz en 2012.
Fear Of The Dawn:
01 “Taking Me Back”
02 “Fear Of The Dawn”
03 “The White Raven”
04 “Hi-De-Ho” (Feat. Q-Tip)
05 “Eosophobia”
06 “Into The Twilight”
07 “Dusk”
08 “What’s The Trick?”
09 “That Was Then (This Is Now)”
10 “Eosophobia (Reprise)”
11 “Morning, Noon And Night”
12 “Shedding My Velvet”
Entering Heaven Alive:
01 “A Tip From You To Me”
02 “All Along The Way”
03 “Help Me Along”
04 “Love Is Selfish”
05 “I’ve Got You Surrounded (With My Love)”
06 “Queen Of The Bees”
07 “A Tree On Fire From Within”
08 “If I Die Tomorrow”
09 “Please God, Don’t Tell Anyone”
10 “A Madman From Manhattan”
11 “Taking Me Back (Gently)”
En un mundo en el que ‘Easy on Me‘ de Adele es la canción más escuchada en todo el globo terráqueo, ¿por qué Parcels no pueden quedarse también con una «parcelita» de ese éxito? Lo tienen (casi) todo: melodías a punta pala, canciones con madera de clásico, estética de los años 70, un estilo casi tan hortera como el de Silk Sonic… y un directo de los que se no ven todos los días. Su debut fue a todas luces uno de los mejores discos de 2018, un ejercicio retro de lo más divertido. Y con el segundo es imposible ya no tomárselos muy en serio.
‘Day/Night’ llega con la premisa de ser un disco doble dividido en dos partes: el día y la noche. En una entrevista con JENESAISPOP cuentan que han buscado explorarse como músicos, indagar en todas sus facetas sin presiones, en definitiva, hacer un disco que les diera el espacio suficiente para probarse a sí mismos, demostrar «lo que son capaces de hacer». Y, a su vez, han querido enmarcarlo en una historia sobre la juventud y la edad adulta, el hogar y la distancia. Consiguen su propósito de superarse con una pequeña reserva: la extensa secuencia de canciones (19 en total) se les termina desinflando por el camino. Lo que no quiere decir que no haya en ambos bastantes cosas a rescatar.
A Parcels esta vez les ha inspirado el «concepto de ópera rock». Pero si estás pensando en ‘Jesucristo Superstar’ o en lo que sea que hace ahora Mónica Naranjo, nada más lejos de la realidad. El debut de Parcels podía entrar dentro de lo kitsch por momentos, pero ‘Day/Night’ opta por perseguir el lado más elegante y tradicional de los años 70 sin dejar de tocar diversos palos (y desvaríos). Además, profundiza en el amor de Parcels por las bandas sonoras dando una gran importancia a los arreglos orquestales, los cuales han sido compuestos por Owen Pallett y se nota, pues algunos ponen los pelos de punta, como los de esa ‘SHADOW’ que pide ser tocada en un recinto tipo Palau de la Música. El espíritu desenfadado de ‘Parcels’ da lugar en ‘Day/Night’ a la madurez, el virtuosismo, la búsqueda del Grammy (que ojalá consigan). Y muchas de las canciones están a la altura.
La mayoría de ellas se encuentran en el primer disco. Están los singles, todos ellos espectaculares, quizá no tan ligeros e inmediatos como los del debut o los de su tema con Daft Punk, pero maravillosos en cuanto los mimas un poco. Y lo mejor es que el álbum los presenta en todo el esplendor de sus versiones originales, extendidas. El pop-soul retro de ‘Free‘ es un estallido de felicidad que habla sobre amar profundamente y anhelar la libertad, y la consigue cuando explota en el estribillo final: ‘Comingback’ es una canción pop absolutamente pletórica llena de guitarrazos que busca la esperanza en el año de la pandemia; el épico ‘Somethinggreater‘ es probablemente el mejor homenaje a ‘Get Lucky’ que se ha hecho hasta ahora y el soft-pop de ‘Theworstthing’ agrega una bienvenida capa de sensualidad al largo -es un poco Ferran Palau– pese a tratar una ruptura.
Otros momentos a destacar en la primera parte de ‘Day/Night’ son los coros sublimes de ‘Nowicaresomemore’, aunque la canción termina demasiado abruptamente por alguna razón; el paseíto de ‘Daywalk’ que visita los planos del country y el easy-listening, y el baladón ‘Outside’ en el que Parcels cantan que «no quiero ser como mi padre, pero tampoco quiero estar solo».
A partir del segundo CD, ‘Day/Night’ entra en terrenos más pantanosos. Y no solo porque la parte ambiental de ‘Nightwalk’ suene literalmente como un paseo por un pantano, para después la canción cambiar de tercio hacia un easy-listening que, por momentos, parece que va a tropezarse con la «exotica» de Les Baxter pero al final no. En el plano nocturno del disco, las composiciones se quedan por detrás del virtuosismo, lo cual es obvio en las estructuras episódicas y diversos cambios de ritmo de la «proggy» ‘Neverloved’ o sobre todo de ‘LordHenry’, que pasa de la música sinfónica a la discoteca y de ahí a un final cacofónico sin que nada parezca tener tanto sentido como en, qué sé yo, ‘Bohemian Rhapsody‘. De hecho, la canción dura 5 minutos y medio y parece el doble, lo cual nunca es buena señal.
La parte nocturna de ‘Day/Night’ claramente huye del hit fácil para mostrar a una banda que quiere experimentar con nuevos sonidos. Deja un hit disco como ‘Famous’, otro de los singles, pero en general opta por lo imprevisible. Así, ‘Once’ es una de las composiciones estilísticamente más puras del largo, en tanto parece una canción pop de los años 50 que podrían haber entonado Elvis Presley o Roy Orbison; y ‘Reflex’ viaja a los 70 espaciales de Vangelis o Jean-Michel Jarre. Ninguna de estas canciones tiene le pegada de los singles, pero serían gratos «album tracks» en un álbum que realmente no necesitaba ser doble. Así, la totalidad de ‘Day/Night’ resulta menos convincente que la del debut pese a su evidente ambición, pero tampoco se puede pasar por alto el nivel de prodigio musical que muestran muchas de estas composiciones, aunque no sean tan inmediatas como otras.
Rodrigo Cuevas lidera una campaña de financiación colectiva con la que se quiere rehabilitar el tejado de lo que será el futuro eje cultural de una de las zonas más despoblada de Asturias, La Benéfica de Piloña – Espaciu Cultural. La campaña, que busca recaudar idealmente un total de 130.000 euros o un mínimo de 94.000 (actualmente se han conseguido reunir 30.000), está activa desde el pasado 28 de octubre y finalizará el día 31 de diciembre de 2021.
El propósito de la rehabilitación de La Benéfica es construir «un espacio que aúne cuatro inquietudes: la expresión artístico cultural, la acción comunitaria, la lucha contra el abandono y la despoblación de las zonas rurales y la trasmisión de conocimientos».
El artista explica: «Queremos un proyecto que dé visibilidad a la expresión artística contemporánea y vanguardista, pero también a la cultura popular y tradicional, y que además facilite la transmisión de conocimiento entre las distintas generaciones». Sería, según nota de prensa, «un espacio totalmente entroncado en la comunidad, que estimule el ecosistema cultural del Conceyu de Piloña, y también un espacio de ocio para los jóvenes y no tan jóvenes», además de «una razón por la que no irse del pueblo, un lugar donde crear y disfrutar de la cultura». Al mismo tiempo, La Benéfica «es un proyecto ambicioso, que pretende tener impacto mucho más allá de Asturias, tejiendo alianzas con proyectos artísticos de toda Europa, y con una programación que haga del centro una referencia a nivel nacional».
Junto con dos de sus vecinos de Piloña (Asturias), el autor de ‘Manual de cortejo‘ compró el año pasado la nave que, en el pasado, sirvió de sede de La Benéfica de Piloña, Sociedad de Socorro Mutuo. Explica la misma nota de prensa que, en la época, «el fin de la sociedad era que los socios, vecinos del pueblo, se ayudasen mutuamente en sus problemas: enfermedades, viudedad, liquidez… Con las aportaciones de los asociados atendían necesidades que el estado, u otras instituciones, no cubrían». El texto señala que «la Sociedad de La Benéfica llegó a tener tanto éxito que construyeron una nave rectangular de unos 400m2 que funcionó como teatro, salón de baile, lugar de encuentro social y cine en domingo», pero que «esta pequeña utopía artística y solidaria finalizó en 1946, y la nave pasó a ser una fábrica de dulce, luego un parking y luego quedó en desuso».
Este año, Rodrigo Cuevas ha presentado la última edición de los premios MIN. Una edición precisamente dedicada a la «España vaciada» que premió a artistas como Rigoberta Bandini, Delaporte o Alizzz, entre otros. Hoy, Cuevas cuestiona el concepto de «España vaciada» en una entrevista porque «es más reconocible desde lo urbano que desde lo rural». Señala que «la gente no se siente muy identificada con esa etiqueta porque viene puesta otra vez desde las ciudades, en plan ‘ahora os vamos a repoblar'», dándose «por hecho que todo el mundo vive en ciudades y todo el mundo quiere vivir en ciudades».
Cargando ...
Fear Of The Dawn:
Entering Heaven Alive:
