‘El guardaespaldas’ pudo ser un exitazo de taquilla y su banda sonora de ventas, pues es la banda sonora más vendida de todos los tiempos incluso a día de hoy y, por lo tanto, el disco más vendido de Whitney Houston (en torno a las 45 millones de copias), pero la crítica nunca valoró demasiado bien la película. En otras palabras está muy mal considerada por la crítica especializada y lo estuvo desde el principio, como indica su media en agregadores como Metacritic o Rotten Tomatoes.
Quizá por este motivo, Hollywood considera que ‘El guardaespaldas’ merece un «remake». No será difícil encontrar actores con mejor química que la que se mostraban Whitney Houston y Kevin Costner. Vulture ha confirmado que dicho «remake» está en proceso de preparación y que estará escrito por Matthew López, conocido por su trabajo en la obra de teatro ‘The Inheritance’ (2018). Lawrence Kasdan, guionista de la película original, estará involucrado en el «remake» como co-productor.
Por si hace falta recordarlo, ‘El guardaespaldas’ narra la historia de amor entre la actriz y estrella del pop Rachel Marron (Whitney Houston) y su guardaespaldas Frank Farmer (Kevin Costner), quien es contratado por el mánager de ella para que la proteja de un acosador. La película original se estrenó en 1992 y fue uno de los mayores éxitos cinematográficos del año, de aquella década y a la postre de la historia, si bien Kasdan la escribió años atrás, en los 70, pensando en que la protagonizaran Diana Ross y Steve McQueen.
Mucho mejor considerada que la película está la banda sonora de ‘El guardaespaldas’, la cual contiene cuatro de los mayores éxitos de toda la carrera de Whitney Houston: su versión de ‘I Will Always Love You’ de Dolly Parton, su versión de ‘I’m Every Woman’ de Chaka Khan, ‘I Have Nothing’ y ‘Run to You’.
Por otro lado, el «remake» de ‘El guardaespaldas’ no es la única noticia reciente que relaciona a Whitney Houston y el mundo del cine. En la actualidad se está preparando un biopic de la artista llamado ‘I Wanna Dance with Somebody’ y la actriz que está «en negociaciones» para interpretar a Whitney es la británica Naomi Ackie, conocida por su fantástico papel de Bonnie en la serie ‘The End of the Fucking World‘ y en la película ‘Star Wars: El ascenso de Skywalker‘.
Pocas veces se da el caso de una artista semi desconocida promocionada tan a saco por el mainstream como ha ocurrido con Yebba. Antes de publicar su debut, la cantante de Arizona ha aparecido en álbumes superventas de Drake y Ed Sheeran, ha hecho triplete como artista invitada en el último disco de Mark Ronson, ha aparecido también en trabajos de Sam Smithy A Tribe Called Quest y ha ganado un Grammy. Con este currículum cualquiera pensaría que está de lo más curtida en la industria, pero ella empezó a darse a conocer en 2016, publicó su primer single en 2017 y solo tiene 26 años. ¿Cuál es el secreto?
La respuesta a esa pregunta es fácil: ESA voz. Yebba canta como una verdadera estrella de la canción, una estrella como las de antes. Su voz no es tan potente como las de Aretha Franklin o Whitney Houston pero sí es corpulenta, elástica y flexible y lo suficientemente moldeable como para que Abbey Smith haga con ella lo que quiere. Yebba es tan adicta a los melismas como Mariah Carey pero a la vez tan capaz de acariciarte los oídos como Norah Jones o Eva Cassidy. Es la vocalista con la que todo compositor y productor sueña trabajar y ella claramente les ha concedido el deseo.
Esta última comparación no es casual pues el jazz es una influencia marcada en ‘Dawn’, un disco que ha contado con la producción de Mark Ronson y con músicos tan respetados como Questlove de The Roots a las baterías, James Poyser al teclado y Pino Palladino al bajo. Estos dos últimos aparecen en ‘Voodoo’ de D’Angelo, uno de los discos favoritos de Yebba… y de cualquier aficionado al R&B. Para colmo, el rapero A$AP Rocky aparece en ‘Far Away’. Producido con sumo gusto, ‘Dawn’ pone sobre la mesa un cancionero dramático pero atmosférico que se nutre de otros sonidos como el soul, el folk pastoral, el neo-soul o el hip-hop para ofrecer un trabajo variado en el que la voz de Yebba se ha querido destacar por encima de todo, no siempre para bien.
La mayor pega que hay que ponerle a ‘Dawn’ es que las canciones no están a la altura de la vocalista. Por mucho que la industria intente muy fuerte vendernos que Yebba es una superestrella, de momento no lo es y estas canciones no harán que su fortuna cambie de momento. Yebba tiene el talento suficiente para vender tantos discos como Adele y, aunque sus canciones son más que dignas, cuando no estupendas, no son ni históricas ni espectaculares, lo cual es obvio si atendemos solo a los singles: al soul 70s de ‘Distance’ le faltan bastantes mariposas para ser un clásico de Minnie Riperton, el western de ‘Boomerang’ es un muy buen ejercicio de estilo pero suena, a su vez, algo manido y el folk salpicado de jazz de ‘October Sky’ impresiona más en el aspecto vocal.
La voz de Yebba sí logra transmitir las grandes emociones que expresan las letras, lo cual tiene sentido si se atiende al contexto en que ‘Dawn’ ha sido creado. Dawn es el nombre de la madre de Yebba, que se suicidó en 2017, y la artista explora esta pérdida en la preciosa canción de apertura, ‘How Many Years’, en la que, desde un fondo de jazz-pop etéreo, se pregunta «cuándo se secarán de una vez estas lágrimas». Por otro lado, en el exquisito neo-soul de ‘Louie Bag’ con Smino Yebba manifiesta que prefiere «mirar a mi madre a los ojos» que cualquier lujo material y, en la pista final, la folki ‘Paranoia Purple’, es Dawn quien se despide de Yebba, desde su lecho de muerte, para animarle a encontrar a otra persona que la ame de igual manera.
No obstante, ‘Dawn’ no es en absoluto un disco conceptual dedicado a la pérdida de un familiar o ser querido, a la manera de Mount Eerie o Arooj Aftab. Si las canciones de Yebba son clásicas, también lo son unos textos centrados principalmente en el amor y en el desamor. El soft-rock-soul de ‘Stand’ declara «eres la luz de mi mundo, no tienes que esforzarte tanto», el folk-soul divino (esos coros, esas cuerdas) de ‘All I Ever Wanted’ lamenta la marcha de un amor que ya no es posible y el elegante disco de ‘Love Come Down’ celebra, por contra, la llegada de un nuevo amor en el momento más oportuno. Temas universales y sonidos a veces demasiado familiares los que conforman el debut de Yebba, que de momento no da el salto a la categoría de diva.
El periódico de Hortaleza ha dado en exclusiva los detalles del plan de obra que Nacho Cano ha ideado para la parcela de 19.000 metros cuadrados que le ha cedido temporalmente el Ayuntamiento de Madrid por un coste de 450.000 euros anuales, y que ha provocado las críticas de Más Madrid y PSOE por su cesión «a dedo», y también de los residentes de Hortaleza, que demandaban la construcción de un Centro de Formación Profesional en ese mismo solar.
La idea de Nacho Cano es extravagante cuanto menos. El ex-integrante de Mecano levantará (él no, la mano de obra) un teatro con forma de pirámide azteca de 30 metros de altura y «7.500 metros cuadrados de planta» y, junto al edificio, construirá un macroparking para 400 coches que tendrá una superficie de otros 1.000 metros cuadrados. La construcción de la pirámide empieza el próximo mes de noviembre y se espera que se finalice en el segundo semestre de 2022. El Periódico de Hortaleza indica que «el presupuesto del conjunto del complejo asciende hasta los 11,4 millones», 8 de los cuales se destinarán a la construcción del teatro.
El teatro, que se levantará en la Avenida de Machupichu y contará con más de 1.300 butacas en su interior, recibirá el nombre de Teatro Malinche en honor a la que fuera pareja y consejera de Hernán Cortés precisamente porque, en él, se representará un musical sobre la vida del conquistador del imperio Azteca, originario de Extremadura. La representación se extenderá a lo largo de cuatro años. El objetivo de Nacho Cano con la erección de dicho teatro es «trasladar la cultura a los distritos periféricos de la ciudad de Madrid».
Sega Bodega es un cantante y compositor de Londres que se encuentra al frente del sello NUXXE junto a Coucou Chloe, Shygirl y Oklou, lo cual da una idea clara de dónde ubicar su sonido. El artista, cuyo nombre real es Salvador Navarrete, practica un pop electrónico de tendencia futurista y alienígena que admite influencias del UK bass, el trance o el hip-hop sin olvidar la melodía. A veces suena como Caroline Polachek -que es fan- producida por Amnesia Scanner, otras simplemente a él mismo.
Después de casi 10 años en activo (el primer single de Sega Bodega sale en 2013) y de varios singles publicados a lo largo de los años, ‘Salvador‘, el debut oficial de Navarrete, llegó el año pasado y obtuvo buenas críticas en general, y estos días el artista ha vuelto con un nuevo single que se ha postulado inmediatamente como uno de los mejores que ha publicado.
‘Only Seeing God When I Come’, hoy la Canción Del Día, es también uno de sus temas más inmediatos y reconocibles en estilos tan familiares como el breakbeat o el drum ‘n bass, especialmente ahora que estos han encontrado un nuevo público gracias a las adictivas canciones de PinkPantheress. ‘Only Seeing God When I Come’ no dura 1 o 2 minutos como las composiciones de esta, sino 3 minutos y 20 segundos, lo que significa que su base se desarrolla y expande a gusto, resultando una producción inmersiva.
Escrita en realidad no por Sega, si no por su amiga Donna Missal, ‘Only Seeing God When I Come’ profundiza en uno de los temas favoritos del músico: el cielo, en este caso desde un punto de vista sexual. «Estoy esperando a las puertas de tu amor, y estaré esperando por toda la eternidad», canta, antes de reconocer que él no puede ir al cielo. «El cielo es un lugar al que tú perteneces, yo ni siquiera sé de dónde soy, solo veo a Dios cuando me corro».
Acorde al mensaje de la canción, el vídeo de ‘Only Seeing God When I Come’ alterna escenas celestiales con otras más carnales y húmedas. Son especialmente llamativas las escenas en que Sega restriega su cara en una superficie de cristal recubierta de un líquido denso.
El Petit de Cal Eril, el proyecto de Joan Pons, llega este viernes 17 de septiembre a su octavo disco tras haber conseguido una sólida base de fans en Cataluña, sobre todo con discos como ‘La força’ (2016), ‘△’ (2018) y ‘Energia fosca’ (2019), que incluían pequeños éxitos como ‘El plor’, ‘Som transparents’ y ‘Sento’, respectivamente. El nuevo álbum se llama ‘N.S.C.A.L.H.’, siglas que esconden la frase «No Sabràs Com Acabarà La Història», y ha sido presentado por multitud de temas, como ‘Cauen les estrelles’, ‘Non tornerai’, ‘Cap a tu’ y ‘Ara o mai’. Hoy estrenamos en JENESAISPOP el vídeo de su primera canción en castellano, ‘Las cosas que creo’.
La misma psicodelia sesentera que tanto gusta a El Petit de Cal Eril se despliega aquí ahora en español, acompañada de un vídeo que estéticamente sólo puede remitirnos a la película ‘Hard Candy’ y a la serie ‘Dark’, aunque aquí, inmerso en el bosque, reincida en el sentido espiritual de la letra, que habla de origen, reencarnación y muerte. “Recuerdo vivir antes de mí, flotando menguante en medio del aire”, dice también un texto que apela a ciervos y peces, a “cosas” que se diluyen en el viento. Como la voz de Joan Pons en Autotune, al modo ya oído en ‘Cauen les estrelles’.
La portada de ‘N.S.C.A.L.H.’ es un óleo sobre lienzo de firma David de las Heras, artista que ha trabajado el concepto del álbum, «la temporalidad de la historia y la relatividad del tiempo», con preguntas como «cuántas historias caben dentro de un instante» y «cuántos momentos hay dentro del tiempo», jugando con la idea de que «todo es efímero y eterno a la vez».
Se trata de un álbum corto en minutaje, pero con multitud de estímulos que «aparecen solo una vez y no se repiten». Un disco grabado por Joan Pons (voz y guitarra L), Jordi Matas (guitarra R, teclados y mezclas del álbum), Dani Comas (bajo), Ildefons Alonso (batería) y Artur Tort (teclados) en Casafont, un estudio de montaña en el Solsonès, Lleida, siendo masterizado en Brooklyn por Joe Laporta. Este es su tracklist:
1.-Cauen les estrelles
2.-Cap a tu
3.-Quan estic amb tu
4.-Ara o mai
5.-Non tornerai
6.-Les hores
7.-Cada dia surt el sol
8.-Las cosas que creo
9.-No sabràs com acabarà la història
Arlo Parks ha sido la ganadora del Mercury Prize 2021, insuflando nueva vida a su debut ‘Collapsed in Beams’. Laura Mvula, nominada por tercera vez, con su tercer disco, perdía por tercera vez y se pillaba un sonoro cabreo que manifestaba en las redes de esta manera: «Me roban. Mucho».
No es nada habitual asistir a estos «beefs» en el Mercury. El que es uno de los premios más prestigiosos del mundo y uno de los que han mostrado mejor gusto, de ‘Dummy’ a ‘Let England Shake‘, de ‘I Am a Bird Now’ a ‘The xx‘, de ‘Overgrown’ a ‘Kiwanuka‘, tiene un talante serio. Sus actuaciones son muy formales, no se parecen nada a las de unos premios MTV. Casi diría que son grises de más. Por eso es tan raro que Mvula haya polemizado al respecto. Y sin embargo, hay que entender su frustración.
‘Pink Noise‘ es un buen álbum en el que la artista expande su sonido. Si su debut, uno de los discos clave del siglo XXI, era deudor del sonido clásico de los hermanos Gershwin, ahora ha llevado ese sonido hacia texturas más sintéticas para rendir homenaje a la música que sonaba en el año de su nacimiento, 1986. Michael Jackson es una influencia innegable en sencillos como el vibrante ‘Got Me’. La exuberancia orquestal se mantiene en joyas como ‘Magical’, solo que el disco ahora presenta otro color. Literalmente, rosa.
Su evolución es clara e interesante y ‘Pink Noise’ es mejor que el disco de Arlo Parks, que también está bien, por otro lado. Y no lo digo yo, sino la crítica en general. Hay gente que ha recriminado a Laura Mvula, y con razón, que no haya dejado a Arlo Parks disfrutar de su noche, de su momento, y no se haya esperado unos días para hacer la reflexión que tuviera que hacer. Tras un año y medio de desconcierto para todos, de enorme incertidumbre para los músicos, y de una insoportable crispación social y política en las redes, en un mundo sensibilizado con la salud mental, dejar mensajes así de tóxicos ya no es bienvenido. Ella lo sabe porque es la tercera vez que acude como nominada a esta ceremonia tan seria y hasta cierto punto poco mediática. Así de harta tiene que estar al respecto.
«No espero ser entendida por el público británico», decía en otro de sus tuits. Es fácil imaginar lo que Mvula quiere decir. A sus 35 años y después de 3 buenos álbumes, quizá espere más de la vida que un 89/100 en Metacritic y 1 sola semana en el top 100 británico de álbumes. El puesto 21 logrado por ‘Pink Noise’ durante una semana y después «hasta nunca» sabe demasiado a palmadita en la espalda. Quizá no sea realista esperar que Radio One la apoye ahora, pues parece estar tan pronto como ya en los territorios de la mediana edad, como Jessie Ware, por marciano que nos pueda parecer. La pena es que la lista de álbumes británica ha empezado a ser también territorio hostil para artistas de álbumes como los mismísimos Wolf Alice, CHVRCHES o incluso favoritos del público británico como The Killers.
Efectivamente, por un lado la lista de singles británica está dominada por lo que pincha Radio One y sobre todo lo que quiere Spotify UK meter en la millonaria playlist «Hot Hits UK». Para sorpresa de nadie, no se comen nada la cabeza y se arriesgan menos todavía: Drake, Ed Sheeran, EDM con sabor a pasado tipo Joel Corry, Olivia Rodrigo, Dua Lipa, Doja Cat… y así con ellos meses y meses. Lo más osado que han abrazado en ese tipo de playlists últimamente es a los italianos Måneskin tras un récord de paciencia, y a ABBA. Salvo estos últimos, y porque han vuelto tras 40 años, «singles» y «playlists» es el dominio de la Generación Z.
Por otro, estaría el extremo de lo que se llama de manera peyorativa «pollavieja», la lista de álbumes. Laura Mvula debería encajar ahí, como en otras generaciones han encajado Björk, todo el Brit Pop o cosas como Portishead que conseguían en Reino Unido sus discos de platino en un tiempo lejano. Pero el problema es que CD’s ya no se venden, el aumento del «share» del vinilo no deja de ser solo un divertimento residual y lo que prima en las listas de álbumes de manera escandalosa es lo que antes denominábamos «series medias».
El 55% de los discos del top 100 británico lleva más de un año en listas
46 de los 100 discos más vendidos esta semana en Reino Unido llevan más de 100 semanas en lista, es decir 2 años. Si sumamos los que llevan más de un año en lista, suben a 55. Es decir, el 55% de los discos que encontramos en las listas británicas tienen más de un año de vida. Son ‘Gold’ de ABBA, ‘Rumours’ de Fleetwood Mac, el ‘Greatest Hits’ de Queen… es decir, los de siempre, sumando ‘Back to Black’ de Amy Winehouse, ’25’ de Adele, ‘Divide’ de Ed Sheeran… y en última instancia, un par de discos del último par de años de Billie Eilish, el difunto XXXTentacion y el difunto Juice WRLD.
Esta devoción por escuchar todo el rato lo mismo ahoga todas las posibilidades de nuevos artistas de álbumes como Laura Mvula que están desarrollando su carrera muy a trancas y barrancas, con más dificultades aún desde que no pueden realizar una gira propiamente dicha debido a la pandemia. Sus discos duran 1 o 2 semanas en las listas y después no vuelve a oírse jamás hablar de ellos. Un dato: Laura Mvula tiene, a nivel mundial, la mitad de oyentes en Spotify que Zahara, Love of Lesbian o Vetusta Morla.
La cantante ya causó un revuelo en 2017 cuando afirmó en Twitter que la habían echado de Sony. Rag’n’Bone Man, uno de los artistas más exitosos en las islas, declaró que no se lo podía creer, considerándola «su autora favorita actual en Reino Unido». Mvula ha sufrido ansiedad y ataques de pánico debido a sus compromisos con la fama durante los primeros años, inmersa en una rueda que nunca se detenía. «Me preocupaba pedir algo y que la gente pensara que yo era una diva. O que si decía que no a algo pareciera desagradecida o que no tenía ambición», confesaba en The Independent.
Aquella rueda la llevó en 2013/2014 a estar nominada en los Brits, en los Ivor Novello, a ganar en los MOBO… pero ahora está en una situación distinta. Todos sabemos que galardones como los Mercury, salvo excepciones tamaño ‘AM’, tamaño PJ Harvey, se enfocan en los artistas nuevos, precisamente porque en las listas de éxitos siempre aparecen los mismos, si bien dejando en una posición incómoda a quien sigue haciendo cosas interesantes en un tercer disco.
En la misma entrevista con The Independent la periodista sugería que si fuera un hombre blanco, las cosas serían más fáciles para ella, y Laura Mvula asentía. Igual no es el único problema, pero desde luego no ayuda: «Al 100%. Es la realidad de toda la vida de ser una mujer negra. ¿Artistas femeninas negras? Dios, estás a la cola de la cadena de montaje. ¿Y no estás en el mainstream? Olvídalo. ¿Quién quiere esta vida? ¡Nadie!». El mensaje final de la polémica dejado por Laura Mavla en Instagram es claro: «intentad no juzgar mi tristeza, solo estoy cansada. Por favor, comprad mi álbum si podéis y venid a un concierto. Muchas gracias. Os quiero».
El parkour se desarrolló en las banlieues francesas de los años ochenta. Luego se popularizó gracias al incipiente internet y a sagas de películas como ‘Yamakasi’ o ‘Distrito 13’. Su influencia ha sido tal que no hay película de acción moderna que no incluya su escena de persecución parkour.
‘This Song’ parece extraído de una de esas películas. Protagonizado por el ex futbolista británico Stuart Pearce, un defensa de los 80 y 90, muy fan de las pintas y el punk, al que apodaban “psycho” (imaginad por qué), el videoclip narra justamente eso: una persecución a ritmo de guitarra y saltos de parkour.
Pearce, elegante como un James Bond de misión en los suburbios, corre por los callejones huyendo de un grupo de “traceurs” embozados. Sin embargo, a esta interpretación se le puede sumar otra. Tras la reciente muerte por coronavirus del teclista de The Stranglers, Dave Greenfield, podríamos ver este vídeo como una metáfora sobre el negacionismo. Pearce ya no sería un héroe de acción, sino un Miguel Bosé perseguido por la sociedad para que deje de dar la tabarra y se ponga la p*** mascarilla.
‘This Song’ es uno de los singles de ‘Dark Matters’, lo nuevo de The Stranglers, ya disponible.
¿De cuántas maneras puede reciclarse un grupo sin perder su esencia? Low dieron una lección al respecto en ‘Double Negative‘ (2018), un álbum clave en su carrera en el que dejaron correr la sangre de la distorsión, sólo para desembocar en una de las mejores canciones de su repertorio, ‘Disarray‘. En ‘HEY WHAT’, igualmente producido por BJ Burton, que se ha transformado más aún en su mano derecha tras el abandono del bajista Steve Garrington tras 13 años de fidelidad, siguen por el camino de llevarse a sí mismos hasta el límite.
Low ya son sólo un dúo, el conformado por los que siempre fueron los líderes del grupo, el inseparable matrimonio de Alan Sparhawk y Mimi Parker. Ni después de una docena de grandes álbumes conocen acomodamiento ni, en el lado malo, tampoco confianza en sí mismos, lo cual utilizan al menos de manera creativa. Alan se siente acomplejado como «hombre blanco de 53 años» y antes de alzar su voz «para hablar de sus sentimientos» por enésima vez, prefiere pensárselo dos veces para asegurarse de que lo que tiene que decir «merece la pena ser escuchado».
‘HEY WHAT’ es un álbum que parte de la idea de utilizar los nuevos campos semánticos hallados en el álbum anterior en lo sonoro, para representar lo que Alan escucha en su cabeza desde pequeño. Y no es nada bueno. «Quiero destrozar tanto la tecnología, como la tecnología me ha destrozado a mí», declaraba recientemente.
La portada de ‘HEY WHAT’ muestra, por tanto, una repetición de líneas que sugiere el futuro digital. Como indicaban en Mondosonoro, «cada línea tiene imperfecciones y eso te permite ver que hay más cosas ocurriendo bajo la superficie». Así, el disco vuelve a acoger una amalgama de miedos, terrores e inquietudes: un peso que llevamos sobre los hombros persiguiéndonos allá donde vamos (‘Hey’), la impaciencia y la ansiedad (‘I Can Wait’) y el miedo a perder a quien más queremos (‘Don’t Walk Away’).
El álbum se abre como el anterior con una serie de canciones que se fusionan y se confunden. La agónica ‘White Horses’, estructurada a través de unas guitarras distorsionadas que llegan a nuestros oídos con forma de interferencia, arde en llamas en su tramo medio para después dar lugar poco a poco a la más melódica ‘I Can Wait’… cuyos últimos 30 segundos no son otra cosa que el principio de ‘All Night’. Para esa altura del álbum (pista 3) ya hemos pasado por varios pasajes más y menos ambient, si bien en esta ‘All Night’ lo que destaca es el tarareo «la la la» de Mimi Parker, siempre maravilloso.
En pocos grupos encontramos una radicalidad tan extrema en ambos sentidos: por un lado los sonidos disruptivos y desagradables; por otro, sus voces angelicales, armónicas y siempre combinadas con restos de su educación religiosa. Lo normal es que cuando un grupo se exprime a sí mismo por la vía de la experimentalidad se aleje de las armonías, como Radiohead en sus momentos más extremos, en los que incluso han prescindido de las voces, pero Low son otra cosa. En realidad siempre están recordando que son personas que rezan todas las noches y que lo hacen juntas. Y aseguran que ese es el secreto del éxito de su matrimonio. Más osado es apuntar a lo que siempre han cuidado la melodía pop, en el fondo. Ni Radiohead ni tampoco Sigur Rós harían una canción sobre vivir un calvario en Michigan, para después titularla ‘Hey’.
Prueba del culo inquieto de Low, también en lo lírico, es el último giro que han decidido dar a su disco. Si bien sus textos continúan siendo universales en su generalidad, en su falta de concreción, para los videoclips de esta era han decidido jugar con sus propios prejuicios y hablar de la identidad de género. A raíz de una conversación con Dorian Wood a través de Twitter, Alan se dio cuenta de que había hecho un comentario un poco prejuicioso, reflexionó sobre ello, y como resultado nos han entregado vídeos como ‘More‘ y sobre todo ‘Disappearing‘.
Son dos obras muy sutiles en su mensaje, que en realidad encajan con la imagen que siempre ha tenido el grupo con Mimi tranquila a la batería y Alan temblando como un niño -o como mínimo con cierta actitud shoegazer- frente al micrófono. Así, han enriquecido también el discurso de Low. ‘HEY WHAT’ no es un disco tan rompedor e inesperado como lo fue ‘Double Negative’, ofreciendo a cambio una visión más accesible para el oyente casual. Aquí, por cada arduo ‘There’s a Comma After Still’ emerge un medio popero ‘More’ (ambos cortes de 2 minutos de duración), como antes tras la brumosa segunda parte de ‘Hey’ había emergido el single ‘Days Like These’. Una gozada seguir escuchando el infierno interior que suena dentro de las cabezas de Low, con el único deseo de que algún día puedan encontrar la paz.
Malamute, el dúo de punk-pop de la cántabra Irene Gutiérrez y el madrileño Diego Jiménez que se ha dado a conocer en los últimos tiempos con canciones como ‘Buenos días’, ‘Solo confío en mi perro’, ‘Todo el mundo está en Japón’ o, sobre todo, ‘La espiral’, una de las mejores canciones de 2020, prepara ya su debut oficial, que saldrá en algún momento de los próximos meses bajo el amparo de Snap! Clap! Club/Intromúsica Records.
En JENESAISPOP tenemos el honor de estrenar el primer single de este nuevo trabajo de Malamute. El título es llamativo, pues alude a una de las bandas españolas más populares de la historia, pero ‘La Oreja de Van Gogh’ no suena a La Oreja de Van Gogh y nadie esperaba que lo hiciera. Malamute entregan un tema de power-pop y punk-pop marca de la casa que encajaría lo mismo en el repertorio de Axolotes Mexicanos que en el de Los Punsetes, mientras la letra nos narra un momento de bajona durante el cual lo único que apetece a Irene es meterse en la cama, llorar a moco tendido y ver películas de Hugh Grant. ¿Qué tiene que ver La Oreja de Van Gogh en todo esto? El propio grupo lo explica.
«La Oreja de Van Gogh habla de que, por muy punki que seas, hay días que solo te apetece encerrarte en tu habitación y hacerte un maratón de películas y canciones moñas. Y también de que ‘El Viaje de Copperpot‘ es el mejor disco del pop español», señala la banda. «La frase que abre la canción («Te voy a lavar la boca con jabón si te vuelves a meter con La Oreja de Van Gogh») la teníamos escrita desde antes de montar el grupo, era una frase recurrente que usábamos y que al final nos sirvió para tener algo por donde empezar el disco. Es el primer single porque tiene nuestros dos estados de ánimo principales: estrofas alegres y estribillos tristes».
Sobre la concepción de ‘La Oreja de Van Gogh’ y su inspiración, Malamute cuenta que «era un poco diferente a las otras (que tiran más por el rollo Weezer/Rentals) y la hicimos sonar pensando en grupos como Juniper Moon. La versión definitiva la produjo Carlos Hernández en El Castillo Alemán, cambiando alguna cosa de la estructura y metiéndole toda la zurra que pudo». ‘La Oreja de Van Gogh’ ha sido maquetada «en casa Fran J. Baez (Chef Creador) en Salamanca, junto con el resto de canciones del disco».
Y en cuanto al videoclip, Malamute declaran que «queríamos exagerar más lo que cuenta la letra de la canción y convertirnos en una especie de grupo clandestino que obliga a gente con otros gustos musicales a escuchar nuestras canciones en bucle. La idea era coger algo del imaginario de las películas de Cronenberg y Soderbergh (las cintas de vídeo VHS, las videocámaras…), mezclándolo con internet y redes sociales. El videoclip lo grabamos un sábado en una jornada muy larga ya que no teníamos a nadie de equipo: Diego grababa todo menos los planos en los que sale él, que los hizo Irene. Llamamos a nuestro amigo Gabriel Pout (que es realizador y co-dirigió el videoclip de Amaia Romero «Quiero Que Vengas») para que interpretara al crítico fulminante y de paso nos grabara el único plano en el que salimos juntos de todo el vídeo»
Spoiler: el regreso de ‘La Hora Musa‘ sigue en el aire. Volverá, pero no de momento. Su presentadora, Maika Makovski, que antes de ponerse al frente de este programa de música en directo de La2 ya era una artista de renombre por su cuenta, ha publicado este año ‘MKMK‘, un nuevo disco en el que la amiga y otrora colaboradora de John Parish (productor de PJ Harvey) sigue explorando su gusto por la música rock de raíz americana… hasta el punto de haberse ido a Arizona a grabarlo. Segundo spoiler: no ha sido la mejor de las ideas. Charlamos con Maika sobre ‘MKMK’, Tucson, su trabajo con Asier Etxeandia, esa curiosa portada… y sobre ‘La Hora Musa’. Tercer spoiler: también sobre el fenómeno Måneskin. Maika presentará ‘MKMK’ este viernes 17 de septiembre en el Tomavistas Extra de Madrid junto a Rufus T Firefly.
¿Has podido presentar tu disco como querías?
Todavía no he podido. Ha ido todo un poco escalonado. Íbamos a sacar el disco el año pasado y decidimos seguir adelante con los conciertos que seguían en pie, así que antes de que saliera el disco ya lo habíamos tocado, pero yo tenía una serie de ideas de vestuario, de escenografía y de luces que no estábamos pudiendo llevar a cabo. Ahora estamos llegando a esa visión.
El disco tiene mucha energía, está pensado para el directo aunque la producción también está muy cuidada.
Cuando lo estaba escribiendo me imaginaba a mi banda al lado y al público en frente escuchando la música de esa manera que ya no se ve. Sin embargo, la vida siempre se encarga de darte sorpresas y este caso no ha sido una excepción. Ahora el directo se vive diferente, sentado y con mascarillas, pero la experiencia es potente también. La energía que llega de fuera es muy bestia. La gente tiene tantas ganas de música, de vivir en general, que eso se termina transmitiendo.
¿Qué destacas de haber viajado a Arizona para grabar el disco?
Por un lado destaco haber podido reconectar con Howe Gelb, a quien conocí hace mucho tiempo… Y, por el otro, haberme dado cuenta de que, quizá, no necesitaba irme tan lejos para grabar el disco (ríe).
¿De verdad? ¿A qué te refieres?
Yo siempre he hecho lo que he creído que es mejor para la música y muchas veces he acertado. Por ejemplo, no me arrepiento en absoluto de haberme ido a Inglaterra a grabar con John Parish. Pero viajar tan lejos tiene una doble cara: por un lado es poco ecológico y, por el otro, la diferencia horaria hace que te pases el día grogui intentando hacer la mitad de lo que harías si estuvieras descansada. También te das cuenta de que la única diferencia que existe entre los buenos músicos de Estados Unidos y los de España es que los de Estados Unidos no dudan de sí mismos.
¿Te refieres a que, cuando haces una música inspirada en la americana siendo española, te preocupa no sonar auténtica?
Yo no tengo esas preocupaciones pero lo veo mucho en los músicos con los que he tocado alguna vez, que dudan de su nivel. Sin embargo, la idea del error en la música es muy relativa y, en realidad, los músicos españoles no tienen nada que envidiarles a los americanos ni a nivel técnico, ni en sabiduría, ni en cultura musical. Así que, cuando viajé a Tucson me di cuenta de que no me hacía falta irme a buscar músicos fuera. Yo no hago música «de género» como tal y muchas veces es más importante conocer al artista con el que tocas que conocer determinado género al dedillo.
En Arizona me di cuenta de que no me hacia falta irme a buscar músicos fuera
Cuéntame cómo es Tucson, qué hacías en tu día a día.
Es una ciudad muy relajada en la que se nota la proximidad con México. En Tucson hay una convivencia de mexicanos y estadounidenses muy natural y amigable. El lema de la ciudad es «be kind», está escrito por todas partes, y la gente es muy hospitalaria. Por otro lado, es una ciudad que está en el desierto, tiene un paisaje árido y disperso, excepto el centro, que es un poco Dubái. En mi día a día intentaba ver todo lo que podía fuera del estudio. Por las mañanas, en alguna ocasión iba a desayunar a un sitio que se llama Five Points. No hay nada que me guste más en el mundo que un desayuno y, si es americano, más todavía. También me pasaba el día quitándome cucarachas de encima porque estaba el estudio infestado.
Leo muchas historias de gente que “pasaba por allí” en el estudio y de repente terminan trabajando en un disco. Ha sido el caso de Howe Gelb, aunque su colaboración es más bien puntual.
A Howe le conocí cuando yo tenía 19 años, yo fui su telonera e hice un concierto horrible, no se me afinaba la guitarra y estaba hipertímida. Al término del concierto me fui entre bambalinas y le pedí un abrazo y me lo dio, un poco flipando. Con el tiempo nos volvimos a ver en alguna ocasión porque tenemos a John Parish en común, pero sucedió pocas veces. En Tucson, un día estábamos grabando y él vio que había una española en el estudio de Craig Schumacher (productor de Calexico e ingeniero de ‘MKMK’) y, como él tiene mucha relación con España, se metió en el estudio a fisgonear y se encontró conmigo. Nos dimos un abrazo como el de 17 años atrás, más adelante nos fuimos a tomar algo y terminó grabando 3 temas del disco. Ahora nos hemos hecho amigos de verdad.
Craig Schumacher ha producido el álbum…
No, al final el disco lo he producido yo, Craig ha sido el ingeniero.
En nuestra reseña de ‘MKMK’ indicamos que Craig había producido el disco (NDE: el texto original ha sido editado con la información correcta). ¿Ha habido algún malentendido con esta información?
Soy poco incisiva en las cosas que hago yo porque no me gustan los artistas que recalcan todo el tiempo sus méritos, no me parece que tenga valor para nadie que lo lea, pero es un trabajo que he hecho yo y es cierto que, quizá, hay una tendencia a pensar que una artista (femenina) no puede desempeñar esta labor.
Lo preguntaba también por si ha habido algún error en la nota de prensa…
Seguramente no lo pone. Es cierto que, en un momento determinado, se habló de que Craig fuera el productor del disco pero, a medio trabajo, me dijo que la producción la estaba haciendo yo, y que él estaba contento con salir en los créditos como arquitecto sonoro.
Hace unos días, Guille Mostaza comentó en Twitter decepcionado que no aparecía acreditado en una serie de canciones en Spotify que él había producido. Algunos artistas le han contactado para resolver el problema.
Hay mucha gente que no sabe ni lo que es un productor…
¿Tú cómo definirías la labor de un productor en comparación con la de un ingeniero?
Un productor es esa persona que te ayuda a afinar en tu visión. Cuando llevas una canción al estudio, el productor puede vestirla de arriba a abajo o ayudarte a llevar a cabo tu visión. Te ayuda a resolver los problemas dentro de una canción.
En el disco tienen cierto peso los sintetizadores. ¿Hay una época musical concreta a la que hayas decidido apelar?
El disco bebe mucho de los 70, es mi década preferida. En esa década se dieron un montón de ramas musicales que estaban funcionando a la vez, como la música disco o el punk, estaba empezando la new wave y el rock tenía mucho músculo y estaba en muy buena forma. Todos estos estilos musicales me gustan especialmente y el disco contiene elementos asociados a ese momento histórico, aunque las letras tienen más que ver con el momento histórico actual.
¿Cómo fue trabajar con Asier Etxeandia como director del vídeo de ‘Love You Till I Die’? ¿Fue duro, divertido o más bien colegueo?
Fue muy divertido, un placer de principio a fin. A Asier nunca le acabaré de decir lo agradecida que estoy con él. Cuando le propuse trabajar conmigo le comenté que ya no tenía presupuesto para rodar más vídeos pero que nos quedaban dos más por hacer. Yo le propuse una idea de video pequeño, pero el que iba a ser el videoclip más sencillo del mundo se acabó convirtiendo en el rodaje de un cortometraje. El vídeo cuenta con el equipo de especialistas de ‘Sky Rojo‘, con la dirección de La Caña Brothers, con un equipo de maquilladores y estilistas increíbles, actores… A mí me desbordaba todo pero nos los pasamos muy bien.
¿Qué has querido expresar con la portada?
La portada habría sido otra si no hubiera sido por la borrasca Filomena. Estábamos haciendo todas las cábalas para que yo saliera colgada de un paracaídas encima de un árbol, pero al final salimos a cazar imágenes, nos fuimos al Parque del Oeste y yo llevaba unos pantalones que no quedaban bien en las fotos, me los quité y por eso salgo en bragas en la portada. No buscábamos algo hiperconceptual.
‘We Live in a Boat’ tiene un sonido muy tabernero, con percusiones muy marcadas y robustas. Entiendo que, con este disco, te apetecía divertirte más allá de tocarlo en directo.
Es una canción que habla del aislamiento, de estar en el centro de la capital y sentir que estás sola en un barco en alta mar. ‘We Live in a Boat’ es el tronco del disco porque recoge un sentimiento un poco chungueras y lo lleva hacia un sitio más luminoso, de «no me da la gana revolverme en mi propia miseria y seguir estando triste, voy a utilizar la música como antídoto». Porque, como dices, a la vez tiene un sonido muy vital.
Hay dos tipos de música reinando ahora mismo, que son el reggaetón y el trap: es de una pobreza estilística preocupante
Haces «yodeling» en ‘Places Where We Used to Sit’ y en ‘Tonight’. O una «especie de». ¿Cómo se dio? ¿Tienes referentes de este estilo vocal?
(Sorprendida) ¿Hago yodeling?
¿No es yodeling?
El yodel es subir y bajar mucho de una manera muy rápida.
Es una cosa más country.
Yo diría que sí.
Te iba a preguntar si tienes algún referente vocal en este estilo, pero ya imagino que no.
¡Qué va! (ríe) Me podría poner a bucear en el yodel y seguro que me partiría de risa. En busca de las estrellas del yodel.
¿Qué te pareció la victoria de Måneskin en Eurovisión? Están arrasando en streaming, ¿se puede decir que el rock ha vuelto?
He visto un par de cosas de ellos, me alegro que sea música de guitarras pero no porque yo quiera que haya una hegemonía de la música de guitarras sino porque me parece muy sano que haya más tipos de música. El problema es que hay dos tipos de música reinando ahora mismo, que son el reggaetón y el trap, y esta circunstancia es de una pobreza estilística preocupante. Yo no quiero que deje de haber reggaetón ni trap porque refleja la manera de expresarse de un segmento de la población y de una generación y me parece de puta madre, lo que quiero es que haya más variedad. La música tiene una riqueza y una variedad increíble, y me pregunto por qué esto no está reflejado en los medios. El éxito de Måneskin pone en un sitio importante un tipo de música que no está reinando ahora mismo.
Además, Måneskin cantan en italiano.
Es bien curioso. Es una rareza que no sabes cómo lo ha petado y ni siquiera si las discográficas se atreverían a replicarla. España tiene unos códigos distintos. No sé si se debe a que hubo una dictadura durante muchos años, durante la cual no entró una determinada música, y se forjaron las reglas como se forjaron, pero las cosas que me han formado a mí (son otras). A mí me resulta chocante, por un lado, no entender lo que está pasando a mi alrededor y, por el otro, sentir que no se entiende lo que yo estoy proponiendo.
En España, el rock vive una saludable cultura de salas, pero luego te pasas por el top 100 de Promusicae y el 90% son canciones de reggaetón.
Y los medios están poniendo de su parte al 100% para que esto sea así. Por otro lado, no es el folclore patrio y, como no hayas tenido una biografía un poco extraña o unas aficiones que te hayan llevado por ahí, vas a tener muchas lagunas en lo que a la historia del rock se refiere. No me parece descabellado que exista gente de 40 años que no haya escuchado a Elvis.
¿Crees que los medios miman al reggaetón y al rock no tanto?
No sé si lo miman pero sí lo fomentan porque es la música que ponen y, llegados a ese punto, no sabes si es antes el huevo o la gallina, si la gente escucha eso porque realmente quiere escucharlo o porque se lo dan día y noche, y sin ninguna alternativa. La música tiene un componente muy social, los chavales escuchan música juntos y esas canciones significan cosas porque están juntos. Si se crearan momentos alrededor de otro tipo de música también serían válidos.
Yo no soy periodista, eso lo tengo muy claro: en ‘La Hora Musa’ las entrevistas las hago desde el amor por la música
En febrero declaraste, en un medio mallorquín, que no sabías lo que iba a pasar con ‘La Hora Musa’. Estamos en septiembre, ¿se sabe algo ahora?
No se sabe. Hasta que no esté claro si los artistas internacionales que dicen que van a venir en 2022 vayan a venir de verdad, no se sabrá lo que pasa con ‘La Hora Musa’. Para La2 es un programa que tiene que respetar ese formato de artista nacional y artista internacional, y este último par de años no ha venido nadie a tocar por la situación actual. Están por la labor pero aún no sabemos.
¿Cuál es tu mejor recuerdo profesional del programa como presentadora y también como música?
Recuerdo la ilusión que me hizo estar en el plató con Franz Ferdinand, verlos tocar tan de cerca y verlos tan contentos de estar ahí. Quizá ese también es mi mejor recuerdo como músico, ver que mis compañeros se van del programa tan contentos con cómo los han tratado y con cómo han sonado en directo. Yo he vivido situaciones rocambolescas en este sentido… A veces vas a un plató a tocar y no te puedes lucir porque vas con una guitarra acústica o te colocan en un plató súper feo, y en ‘La Hora Musa’ los grupos que vienen lo hacen para presentar su propuesta en su mejor luz, y eso me da mucha alegría.
¿Cuál ha sido su entrevista más difícil? ¿Te has planteado hacer entrevistas más periodísticas y afiladas, menos informales o amables?
La entrevista con los Hellacopters fue difícil, el cantante no quería hablar y algunos integrantes de la banda ya no están entre nosotros. Yo no me sentí muy cómoda porque no soy periodista, es algo que tengo muy claro. Yo tengo un respeto por vosotros muy grande, pero yo soy músico y hablo con mis colegas de profesión desde ese punto, intento que me cuenten quiénes son, entender qué tipo de músico viene y guiarle para que lo cuente él o ella. No pretendo sacar sus trapos sucios, solo intento que la gente los conozca por puro amor a la música.
‘Jagged’, el documental que narra el ascenso de Alanis Morissette dirigido por Alison Klayman se ha estrenado esta semana en el Festival Internacional de Cine de Toronto, pero la artista se ha mostrado «descontenta» con el resultado y no ha acudido al estreno.
Según informa el ‘Washington Post‘, la película «no cuenta la historia que quería contar», palabras de Alanis. Esto es lo que la ha llevado a tomar la decisión de no acudir al estreno y también de no hacer publicidad cuando se lance en la plataforma HBO, que ha producido el documental.
El hilo conductor del documental es una entrevista a la cantante en su casa de California. Además de hablar del ascenso de su carrera profesional, revela que Morissette fue víctima de una violación múltiple cuando tenía solo 15 años. «Me tomó años en terapia admitir incluso que había habido algún tipo de victimización por mi parte», comienza a explicar. «Siempre decía que lo estaba consintiendo, y luego me recordaban: «Oye, tenías 15 años, no podías dar tu consentimiento». Ahora pienso: «Sí, eran todos unos pedófilos, es una violación de una menor»».
Este documental le habría servido para hacer público este hecho por primera vez de manera explícita, su canción ‘Hands Clean’ podría haber sido una primera pista. También recalca aspectos muy importantes de las consecuencias de una violación para la víctimas: «El hecho de que yo no contara información específica sobre mi experiencia como adolescente fue casi únicamente por querer proteger: proteger a mis padres, proteger a mis hermanos, proteger a las futuras parejas».
La misma información del ‘Washington Post’ afirma que el martes, unas horas antes del estreno de la película, Morissette acusó a Klayman y a su equipo de que la película «incluye implicaciones y hechos que simplemente no son ciertos». Y añadió: «Me siento aquí ahora experimentando el impacto total de haber confiado en alguien que no merecía ser de confianza». Aun así, antes de estas declaraciones, su directora confirmó que para ella fue «un privilegio» hacer la película y que estaba «muy orgullosa de ella».
Parcels han anunciado que su nuevo disco ‘Day/Night’ saldrá el 5 de noviembre a través de Because Music. Después de deslumbrarnos con su álbum debut, uno de los mejores ejercicios de pop retro que se han podido escuchar en el último lustro y, por supuesto, uno de los mejores discos de su año, el cual contenía 12 pistas y se alargaba hasta la casi una hora de duración, el grupo australiano presenta un nuevo trabajo más ambicioso todavía, pues será doble, 19 pistas divididas en dos partes.
El nuevo trabajo de Parcels ha sido grabado en los estudios parisinos de La Frette bajo la producción de la propia banda, la mezcla por cortesía de James Ford y los arreglos a cargo de Owen Pallett. Según la nota de prensa oficial, «Day/Night aborda temas opuestos como la identidad versus anonimato, familia versus independencia, pertenencia versus aislamiento y nostalgia versus proyección: el yo y el yo oscuro» y su música reúne elementos del «folk occidental y el pop clásico».
‘Somethinggreater’, el tercer adelanto de ‘Day/Night’, ya puede escucharse y es otro corte de inspiración disco exquisitamente arreglado, producido, cantado, armonizado y desarrollado por Parcels. Una canción compuesta en modo «in crescendo» que va de menos a más hasta explotar en un post-estribillo eufórico que busca tocar el cielo con las manos. 3 de 3.
Solo un día después de anunciar su compromiso con su pareja, Sam Asghari, Britney Spears desactivó su cuenta de Instagram por decisión propia para tener un «descanso» y así centrarse en celebrar sus inminentes nupcias.
A pesar de esta desactivación de su Instagram, su perfil de Twitter sigue abierto y ahí se conoció la noticia: «No os preocupéis amigos… Solo un pequeño descanso de las redes sociales para celebrar mi compromiso. ¡¡¡¡Volveré pronto!!!!». Al mencionar las redes sociales en plural da a entender que su Twitter seguirá activo, pero sin demasiada actividad.
A veces las redes sociales pueden ser un poco tóxicas, perdón por el chiste fácil y malo. Britney no lo ha tenido fácil en los últimos meses y es comprensible que quiera tomarse ese «descanso» digital después del enfrentamiento con su padre, Jamie Spears, en los tribunales, donde se juega su propia libertad individual. Un enfrentamiento que, por otra parte, todavía no ha terminado, al menos hasta la continuación del juicio el próximo 29 de septiembre.
Con esta decisión, Britney se suma a la lista de famosos que abandonaron temporalmente sus redes sociales para centrarse en el trabajo, por cuestiones personales o de salud, sobre todo mental. Esta semana hemos tenido un caso reciente, el de Lana Del Rey. Otros ejemplos los encontramos en Dulceida, que volvió a principios de mes, en Ariana Grande, Justin Bieber o Rihanna, que en su momento también se tomaron descansos digitales.
Últimamente están muy de moda los regresos de las series de televisión, lo vimos hace poco en ‘Friends’ o, si nos vamos más cerca, en ‘Física o Química’. Sin embargo, en este caso, no veremos a la clásica familia Banks en el regreso de ‘El Príncipe De Bel-Air’ el próximo año, pues se trata de un reinicio desde cero en el que Jabari Banks interpretará el personaje de Will Smith, productor de la serie.
«Vamos a #BelAir. Saluda a los nuevos residentes del drama más fresco de Peacock», así ha comunicado la noticia la plataforma en streaming de NBC, Peacock. Adrian Holmes y Cassandra Freeman interpretarán al padre y a la madre de familia, Phillip y Vivian Banks, respectivamente. Esperemos que esta vez los actores interpreten a sus personajes hasta el final y no se hagan cambios a última hora como si nada.
En lo que respecta al resto de la familia, la hermana mayor de la familia, Hilary Banks, será interpretada por Coco Jones, al primo de Will, Carlton Banks, le dará vida Olly Sholotan y la peque de la familia, Ashley Banks, será para Akira Akbar. También se han confirmado a tres personajes clásicos de la serie, Jimmy Akingbola como el mítico mayordomo Geoffrey, Jordan L. Jones como el mejor amigo de Will, Jazz, y Simone Jay Jones como Lisa, que en la serie original fue la principal novia de Will, pero en este caso es pronto para hacer una predicción como esa.
Sobre todo porque la comedia que conocimos en los 90 no tendrá nada que ver con el estilo dramático que adoptará esta nueva versión coescrita y dirigida por Morgan Cooper, que en 2019 lanzó un falso trailer que se hizo viral y que expresaba la idea de esta nueva serie, pero siendo fiel a la trama original. Esta es la sinopsis de ‘Bel-Air’: «El complicado viaje de Will desde las calles del oeste de Filadelfia hasta las mansiones cerradas de Bel-Air. Con una visión reinventada, Bel-Air se sumergirá más profundamente en los conflictos, las emociones y los prejuicios inherentes que eran imposibles de explorar por completo en un formato de comedia de situación de 30 minutos, sin dejar de ofrecer arrogancia y guiños al programa original».
Hubo un tiempo, hace muchos, muchos años, cuando ‘Masterchef’ era el formato revelación, en que lo más rancio del programa era su prueba de exteriores. La misma era propaganda del Ejército, del mundo del toreo, de la «jet set» color Marbella y cosas así. Corría el año 2013, gobernaba Rajoy, y de no ser por lo innovador del formato, el target del programa parecía el de ‘Las noches de tal y tal’, aquel programa que Telecinco decidió regalarle a Jesús Gil en algún momento del siglo XX.
Hoy el programa no ha renunciado a esa parte de la sociedad, que emerge de vez en cuando, pero qué duda cabe de que ya es otra cosa. No hay más que echar un ojo al cásting conseguido para el nuevo Masterchef Celebrity. Vamos ya por la 6ª edición de este desdoble del programa con más spin-offs que ‘CSI’, y el cansancio lleva tiempo haciendo mella, por lo que la productora se ha esmerado especialmente por hacerse con un cásting de lujo.
En su afán por contar con más chicas Almodóvar tras el éxito de Loles León, Bibiana Fernández y Anabel Alonso en estas cocinas, han reunido a Verónica Forqué y a Victoria Abril, esta en el peor momento de popularidad de su vida tras su cuestionamiento de la pandemia. Después, han alternado un comentarista deportivo con una performer y activista LGTB+ tan de moda como Samantha Hudson; lo mismo les ha dado llamar a cantantes populares desde hace 20 años, como David Bustamante y Tamara (la de los boleros, no Yurena), que a un rapero underground -para los estándares del programa- como Arkano.
Decían Los Javis sobre su hit ‘Paquita Salas’ y a pesar de que algunos se hayan apropiado la palabra «España», que la serie era ante todo un homenaje a nuestro país. «A nosotros nos encanta España, nos encanta nuestra cultura, nuestra tele, nos encanta ‘Sálvame’, nos encanta la tía borracha de las bodas». Y eso es precisamente la 6ª temporada de ‘Masterchef Celebrity’, un programa en el que lo mismo cabe Carmina Barrios que Terelu Campos, Miki Nadal que Yotuel de Orishas, Juanma Castaño que Eduardo Navarrete. Unos te serán más afines que otros, como otras personas se reflejarán más en quien más odias, pero todos conforman un conglomerado representativo de lo que tenemos en las calles de nuestro país.
Así, ‘Masterchef Celebrity 6’ habrá dejado sus momentos destacados en el mundo deportivo, del corazón y a nuestros padres y abuelos, mientras para una web de cultura pop como la nuestra, los highlights han sido otros. Una nueva Verónica Forqué, que ahora quiere ser conocida como «Vero» y está harta de oír hablar de sus Goyas, se terminó de confirmar como revelación asegurando que es mucho mayor que Victoria Abril y que podría ser su “tita”, cuando le saca 3 años. Tuvimos también a Arkano sin poder parar de rapear por todas las esquinas, provocando que hasta Pepe se arrancara con unos versos. Un recurso que hay quien criticará por cansino, si bien apuesto a que el rapero nos va a acabar conquistando por lo que tiene de tierno.
Vimos a una Victoria Abril equilibrada, trabajadora, disciplinada y educada que en las entrevistas promocionales se está deshaciendo en elogios hacia RTVE por no haberla cancelado y haberle dado una segunda oportunidad, hablando de la depresión que ha sufrido. Y tuvimos -y necesitamos- a Samantha Hudson, dando visibilidad a una nueva generación que habla exactamente como ella lo está haciendo en pantalla: llamando al elenco en su conjunto «travestis desinhibidas», desfilando orgullosa con un «modelazo de sueca en Benidorm», citando a Ed Gein como si de un ídolo pop se tratase… A Jordi Cruz se le escapó un masculino plural al dirigirse a ella y a Vanesa Romero, pero ha de ser la falta de costumbre, y se rectificará seguro. ¿Y no fue este diálogo digno de una película de Almodóvar?
-Vero: «La presentación es muy importante. ¿Tú cómo sales al escenario?»
-Samantha: «Pues hecha una mierda».
-Vero: «Bueno, porque ese es tu rollo».
Así las cosas, esta tenía que ser la «edición más extrema» de Masterchef, como se había prometido al principio de la noche. Lo que no sabíamos es que lo sería también en duración, terminando a las 2 de la madrugada. Ni aun estando ya curados de espanto hubiéramos adivinado que el programa se estiraría, por ejemplo, con una intro en presentación de los personajes tan insufrible.
TVE no va a recular, y menos después de reunir de nuevo al 20% de la audiencia, y a casi 2 millones de espectadores. Es un dato más modesto que en otras ocasiones, pero aún muy superior a la media de la cadena, por lo que un Masterchef editado y recortado, emitido de 22.00 a 0.00, existirá solo en nuestras fantasías. Pero sigue siendo una pena. Porque podría ser un programa muy divertido y ágil, con un montaje vertiginoso en el que ver a Verónica Forqué lanzando unas cacerolas sucias por los aires, porque sí, para desahogarse; en el que de repente a alguien se le vuela la comida por una ráfaga de viento; en el que Carmina Barrios cocina con “los pantalones y las bragas” caídos por los suelos; en el que Victoria Abril habla de sus dos ángeles de la guarda, «uno verde y otro azul», para más señas, mientras suena la banda sonora de ‘Expediente X’. En su lugar, ha escogido ser un programa de 4 horas que tienes que ver literalmente en 3 sentadas, mientras has de vivir tu vida y trabajar sin entrar en Twitter para no enterarte de quién ha sido el expulsado. Ellos nos dieron el cásting. Lo de seguir con tu vida, ya apáñate tú como puedas.
La poeta y rapera Laura Sam, muy conocida en el panorama de la poesía escénica y el spoken word, y el músico Juan Escribano, miembro de la banda vizcaína de dance-rock We Are Standard, ahora WAS, han unido fuerzas en un proyecto conjunto que mezcla poesía, hip-hop y música electrónica. Su primera propuesta llegaba de la mano de un single llamado ‘Nadie nada’, al que más tarde daban continuación con ‘Búnker’. Hoy estrenamos el tercero en JENESAISPOP.
Según la RAE, «algoritmo» es un «conjunto ordenado y finito de operaciones que permite hallar la solución de un problema». En ‘Algoritmo’, Laura Sam y Juan Escribano cuestionan el poder que este conjunto de operaciones ejerce sobre la creación de cultura. «¿Seguimos al talento o a una imagen distorsionada del mismo construida sobre los pilares de la estética, los likes, las modas y el consumo visual?», pregunta la nota de prensa oficial acerca de este lanzamiento.
Y continúa: «‘Algoritmo’ despotrica sobre esta y otras ideas relacionadas con la pérdida de identidad y la falta de control de nuestro sentido crítico respecto al consumo digital; ese mundo en el que resulta complicado distinguir entre la tendencia y la sustancia, el arte y el producto, arrojándonos al artificio, al filtro y la máscara. Así, nos descubrimos gravitando en universo vacío y superfluo en el que todo es una parodia barata de nosotros mismos y del resto. Adictos al reconocimiento, víctimas del súper yo, este tema analiza las diferentes caras del mismo input, reflejando en su musicalidad la actividad frenética y la soledad que acompañan al individuo en el mundo tecnológico actual».
El tercer adelanto de un disco que llegará a principios de 2022, ‘Algoritmo’ es una cápsula perfecta de las dos personalidades que se han juntado en este proyecto. La voz de Laura Sam pasa de lo desafiante a lo aterciopelado, resultando de lo más adictiva; mientras, en la letra, declara que «no quisiera convertir en cifras lo que no es talento» y que «solo veo marcas y secuencias, cerebros y ausencias, modas y tendencias, busco la sustancia pero viene el algoritmo con su magia» y se pregunta «a quién le importa la verdad si la verdad es ilícita».
El fondo musical que la acompaña, un poco kraut, es minimalista e hipnótico, lo suficientemente discreto para que el mensaje resalte, pero lo suficientemente interesante como para no pasar desapercibido. Todo viene presentado, por cierto, por un videoclip realizado por Derek Van Den Bulcke en el que Laura Sam interpreta la canción a través de diversos filtros de Instagram.
España es un país muy fiel al jevi y aquí Drake no ha tenido nada que hacer en la parte más alta de la tabla. A diferencia de lo que ha ocurrido en Estados Unidos y Reino Unido, aquí, sin formato físico, ‘Certified Lover Boy’, ese nuevo trabajo de Drake, es número 5. La misma posición que alcanzaba ‘DONDA’ de Kanye West la semana pasada, también sin apoyo de CD’s o vinilos.
El número 1 es obviamente para Iron Maiden, muy queridos en nuestro país, con ‘Senjutsu’, que además es puesto 1 también en la lista de vinilos más vendidos. Iron Maiden son igualmetne esta semana número 1 en Suiza, Suecia, Italia, Alemania y Finlandia, quedando en Reino Unido en el puesto 2 por el huracán Drake, como comentábamos, y en el puesto 3 en Estados Unidos. Ellos son británicos y este es de hecho su mejor top histórico en USA. En España, es el tercer número 1 para Iron Maiden, y el tercero consecutivo tras ‘The Final Frontier’ y ‘The Book of Souls’… y multitud de sleepers durante los años 80 y 90 que tendían a rondar el top 20 en nuestro país.
La segunda entrada más fuerte en España no es la de Drake sino la de Jhay Cortez con ‘Timelezz’. Mientras Kanye West cae del puesto 5 al puesto 16 en la segunda semana de ‘DONDA’, la subida más fuerte es para Lady Gaga con ‘Chromatica’, que pasa del puesto 79 al puesto 27. Parece que en España se le han sumado los puntos del disco de remezclas ‘Dawn of Chromatica’ que se publicará en formato físico más adelante, por lo que su repercusión internacional ha sido más bien tímida. Tanto CD como LP llegarán en próximas semanas.
Especial ilusión nos hace comprobar cómo Little Simz, autora de nuestro “Disco de la Semana” hace unos días, llega al top 100. Hasta ahora solo conocida en Reino Unido, donde de hecho acaba de conseguir el primer top 5 de su carrera con su cuarto disco, logra situar el espléndido ‘Sometimes I Might Be Introvert’ en el número 79 en España, además de en el número 14 en la tabla de vinilos.
La lista de entradas se completa con Pearl Jam, que sitúan en el puesto 63 una reedición de ‘No Code’ y la banda sonora de ‘Cenicienta’, con Camila Cabello, en el puesto 94.
Mónica Naranjo dio la noticia hace unos días a través de sus redes sociales. Aunque no lo expresó de forma explícita en el post, un nuevo álbum podría estar en camino: «Hoy empieza el camino para vosotros… El trayecto de descubrir qué llevamos tanto tiempo preparando…».
El nombre de este posible nuevo álbum podría ser ‘MIMÉTIKA’, y no, no es un error ortográfico, la cantante le ha dado mucha importancia a la letra k: «Un KaleidosKopio* y muchas MóniKas* dentro de él», continuaba escribiendo al más puro estilo del año 2013. No dio muchas más pistas, tan solo que este nuevo «trayecto» será en palabras textuales: «Un sonido diferente a todo lo que haya hecho hasta ahora… Porque todo lo que soy es músiKa*».
Además, Naranjo fue entrevistada el mes pasado en La Voz De Cádiz y afirmó lo siguiente: «Estamos trabajando en un álbum que me apetecía mucho hacer. Un disco de rock electrónico, acompañado por voces e instrumentaciones contundentes y poderosas». Unos sonidos que se confirman en el teaser que acompaña al post de Mónica.
Según esa misma entrevista, este disco podría haber sido la continuación de ‘Mes excentricités’, que tiene volumen 1 y volumen 2, pero todo apunta a que será el primer álbum de larga duración desde ‘Lubna‘ en 2016. El tiempo hablará, porque la totalidad del trabajo no verá la luz hasta 2022.
Seguramente este fin de semana hayas topado en algún informativo, red social o periódico con las imágenes de las Torres Gemelas siendo derribadas hace justo 20 años. Al mismo tiempo se ha publicado este viernes el 10º disco de Saint Etienne, y no es casualidad. El trío recordado por una docena de top 40 conseguidos en Reino Unido durante los años 90 y principios de los 2000, y también por una posterior colección de temas que no corrieron tanta suerte aunque lo merecieran, es igualmente conocido por su ambición documental y por sus intereses políticos.
Como hastiados de su suerte en el pop del siglo XXI, Saint Etienne recuperan el carácter más experimental y ambiental de obras pasadas como ‘Sound of Water’ (2000) en un nuevo álbum que se recrea en los sonidos entre 1997 y 2001 con una intención muy concreta. La de recordar una época de «excepcional optimismo» y relativa felicidad cuando Tony Blair llegó al poder, un tiempo que ahora el crítico Simon Price describe en la nota de prensa que ha escrito para presentar este largo «como una edad de oro perdida, un periodo de ingenuidad, delirio y estupidez, con el millón de sombras que caben en medio».
Para ilustrar aquellos años, Saint Etienne han elaborado este disco a través de samples, a menudo nada evidentes, todos extraídos de la época citada. Y ni siendo el primer disco de Avalanches una referencia expresa, han recurrido a clásicos reconocibles de vez en cuando. Al contrario. Es una canción bastante perdida de Natalie Imbruglia lo que sostiene el single ‘Pond House’. En ‘Little K’ se han basado en un tema del único disco de la modelo, actriz y presentadora irlandesa Samantha Mumba, y no en su hit, sino en el último track de aquella obra. The Lightning Seeds están en la formación de ‘Penlop’; ‘Music Again’ se basa en un top 10 olvidado de 1999, ‘Love of a Lifetime’ de Honeyz, top 10 en las islas británicas; y quizá el tema referenciado más popular sea ‘Raincloud’ de Lighthouse Family, pero su protagonismo es muy limitado en la parte más bailable de ‘Fonteyn’, la segunda.
Lighthouse Family eran desde luego un dechado de felicidad, optimismo y buen rollo en aquel histórico 1997, si bien ‘I’ve Been Trying to Tell You’ conoce diversas tonalidades de grises. Su sonido es onírico porque Saint Etienne han querido apelar a la nostalgia y al mundo de los sueños, a través de sintetizadores y texturas que parecen situarse en un crucero mediterráneo, con un traje de baño como los que vemos en la portada.
Las sensaciones son agridulces cuando en los últimos instantes de ‘Music Again’ el lamento suena más bien a Radiohead, mientras ‘I Remember It Well’ entronca más que nada con el post-rock del que también se hablaba tanto a finales de los años 90. Seguramente durante la escucha de este disco, más dinámico de lo que esperabas, pienses en ‘Yeah Yeah Yeah’, esa enciclopedia que Bob Stanley escribió sobre el pop moderno, pero es esta vez Pete Wiggs quien acapara sobre todo los créditos de producción.
Es la primera vez que los tres han trabajado en remoto, enviando ideas y grabaciones a través del mail, algo que ya pensaron antes de la pandemia, y es esa combinación la que crea momentos tan mágicos como ‘Little K’, el recuerdo de ese chill en el que también sonaban Tricky y dub (‘Fonteyn’), aquel viejo mundo en el que algo como ‘Avenue’ podía alcanzar el top 40 de las listas de éxito.
‘I’ve Been Trying to Tell You’ se cierra con ‘Broad River’, un tema de «shoegaze balearic» resultante de ese gran trabajo en equipo: fue idea de Bob samplear a Tasmine Archer, fue Pete quien lo produjo y es la dulce voz de Sarah Cracknell la que lo remata con esa outro que suspira «un amor como este, un amor como este de nuevo…» El álbum, que se presenta junto a una película, parte de la idea de la desesperanza, pero Saint Etienne al menos nunca nos la quitaron.
Zzoilo y Aitana vuelven a estar en el top 1 esta semana en la lista de singles española con su remix de ‘Mon Amour’. Farruko se mantiene en el top 2 con ‘Pepas’, al igual que Rauw Alejandro con ‘Todo De Ti’ y ‘Cúrame’ en los puestos 3 y 4, respectivamente.
La entrada más fuerte esta semana se la han llevado Jhay Cortez y Anuel AA con su ‘Ley Seca’, llegando al top 6 de la lista. Unos cuantos puestos más abajo, concretamente en el 20, se encuentra el mayor incremento de la semana, para el dúo de Jc La Nevula y Atomic Otro Way ‘Búscate Otro’.
En cuanto al resto de nuevas entradas, aunque se esperaba que entrase en la lista, Rosalía no ha tenido con Tokischa el mismo éxito que tuvo con otras colaboraciones como ‘Con Altura’, ‘La noche de anoche’ y ‘TKN’, que fueron número 1 en España (en total lleva 7 en nuestro país) o ‘Lo vas a olvidar’ con Billie Eilish, que se quedó en el puesto 15. Esta vez, ‘Linda‘ logra una posición más modesta y se ha quedado en el top 22, resultando un éxito eso sí para Tokischa. Además, parece que el tema se mantendrá en próximas semanas, pues ahora mismo aún lo encontramos en el número 27 en Spotify España: no ha caído demasiado en los últimos días.
Por lo demás, Moncho Chavea, Yotuel, Original Elías y C de cama han entrado en el puesto número 48 con el remix de ‘RAKATA’; les sigue Duki en el 67 con ‘Ley de Atracción’; más abajo, en el puesto 81, entran Blessd, Javiielo, Neutro Shorty y Big Soto con el remix de ‘Dos Problemas’; unos puestos más abajo, en el 89, entran Drake y Lil Baby con ‘Girls Want Girls’; en el puesto 94 se sitúan Nicki Nicole y Mora con ‘Toa La Vida’ y casi al final de la lista, en el 99, de nuevo entra Drake junto a Travis Scott y su tema ‘Fair Trade’.
Nicki Minaj se ha metido en un jardín más complicado que su repertorio de «featurings». La rapera no ha acudido ni a los premios MTV VMA ni a la MET Gala y ha insinuado que la razón de su ausencia de ambas ceremonias es que ha contraído coronavirus. Además ha aprovechado para confirmar que aún no se ha vacunado. ¿Es la autora de ‘Queen’ anti-vacunas? Sigan leyendo.
En Twitter, dónde si no, Nicki, a la que no se conocen estudios en microbiología ni en ningún otro campo de la ciencia, ha declarado que no se vacunará «hasta que haya investigado lo suficiente» sobre los efectos de dicha vacuna porque Drake le ha contado que él contrajo la covid aun habiéndose vacunado, y todo el mundo sabe que Drake es un experto en la materia. Drake, científico. La carrera de Nicki como rapera pasará entonces a un segundo plano mientras la artista se encierra en un laboratorio a comprobar ella misma, con sus propias manos, si la Pzifer es mejor que la Moderna o al revés.
Nicki ha sido lo suficientemente generosa como para compartir con sus seguidores algunos de los resultados de sus investigaciones. Por un lado niega categóricamente que la vacuna prevenga contraer síntomas graves de covid porque ella ha tenido «exactamente los mismos síntomas que gente que está vacunada»… a pesar del hecho demostrado de que las vacunas de Pzifer y Moderna tienen una efectividad preventiva de aproximadamente un 95%. Por el otro ha contado que el amigo de su primo (en serio) se ha vuelto «impotente» después de que la vacuna le haya inflamado los testículos a pesar de que este síntoma no está asociado en absoluto al coronavirus. También ha abierto en Twitter.
A pesar de todo, Nicki anima a sus seguidores a vacunarse si así lo desean, indica que de hecho «la norma» es vacunarse y no contraer covid y reconoce que se terminará vacunando tarde o temprano porque «tengo que salir de gira». Aun así no se quiere vacunar de momento y lamenta no haber podido cuidar de su bebé en una semana.
No se sabe muy bien qué información nueva sobre las vacunas puede aportar Nicki Minaj en septiembre de 2021 cuando estas llevan aprobadas casi un año por las instituciones, pero habrá que esperar a que concluya su investigación. Con su mano derecha, Drake, pegado al microscopio.
Festival Brillante es el nombre de la nueva cita con la música en directo que se puede disfrutar en Chapinería, a 50 kilómetros de Madrid (en la sierra oeste), para un aforo limitado de personas, y respetando los protocolos de la covid-19. JENESAISPOP es medio colaborador de este evento organizado por algunos históricos del underground nacional (sus socios son los responsables de Sonido Muchacho, Mont Ventoux, La Castanya), y en los últimos meses ya os hemos venido avanzando lo exquisito de su cartel. Los últimos abonos y entradas están a la venta.
Celebrado el fin de semana entre el viernes 24 de septiembre y el domingo 26 de septiembre, Festival Brillante cuenta con cabezas de cartel como Sen Senra, en un momento comercial estupendo tras la edición de ‘Sensaciones’ y ‘Corazón cromado’; Los Planetas en un concierto esencial en formato trío; y Panda Bear. Pero es que también estarán por allí Maria Arnal i Marcel Bagés presentando el que será en todos los medios uno de los discos del año, ‘Clamor‘; los infalibles Mujeres, Axolotes Mexicanos, Derby Motoreta’s Burrito Kachumba, Soleá Morente, Tronco, El Último Vecino, nuestra favorita internacional Oklou, Alondra Bentley, SIMONA, Marcelo Criminal y una decena más de revelaciones nacionales como Morreo y Rojuu, entre muchos otros. En este artículo, te informamos de todo lo que necesitas saber sobre este festival nuevo.
Cómo llegar y cómo volver
La organización ha puesto a disposición del público autobuses lanzadera que saldrán desde el Bar El Brillante de Atocha, llevándote al recinto de conciertos. En WeGow encontraréis los horarios al pinchar en «comprar» el ticket (6 euros el trayecto). Por otro lado, se ha llegado a un acuerdo con la empresa VTX Auro para ofrecer tarifas reducidas Madrid-Chapinería. También en WeGow se puede reservar el viaje (unos 60 euros el trayecto que puedes compartir con un par de colegas). Por otro lado, también se puede acudir con vehículo propio, y se puede reservar plaza de párking cerca de lo que será el Escenario Mirador.
Dónde dormir y planes gastronómicos, senderismo…
Si prefieres pasar un fin de semana en la Sierra de Madrid y conocer Chapinería y sus alrededores, la organización ofrece en su web una guía sobre dónde dormir y demás, otra con planes alternativos relacionados con el senderismo, el turismo, la gastronomía y el vino (se pueden visitar varias bodegas), y además te ofrece un mail de ayuda personalizada en el que responderán todas vuestras preguntas: ayuda@festivalbrillante.com. La previsión meteorológica a 10 días de Weather.com ofrece para Chapinería mínimas de 14º y máximas de 24º, mayormente soleado/parcialmente nuboso.
Los horarios
Como veis bajo estas líneas, hoy se comunican los horarios de los conciertos, que revelan que los conciertos terminarán a las 23.15 el viernes y el sábado, y tan pronto como a las 21.30 el domingo. Eso será en el Escenario Mirador. Por la tarde, habrá shows en los Escenarios Plaza y Palacio, con la oportunidad de ver el viernes a artistas tan interesantes como Axolotes Mexicanos, Depresión Sonora, Yana Zafiro o Chavales. El sábado por la mañana será el turno de Las Dianas, MILC, The Zephyr Bones o Tarik Rahum; mientras el domingo por la mañana se podrá ver a El Buen Hijo y La Paloma.
Tras el éxito cosechado en su formato adaptado, reuniendo a 40.000 asistentes en el Estadio Wanda Metropolitano, el Festival Río Babel volverá en 2022 con su formato original. En su regreso, el festival madrileño cambia de ubicación a la Caja Mágica, por lo que crece en dimensiones y aforo para su nueva edición, que se celebrará los días 30 de junio, 1 y 2 de julio de 2022.
El primer cabeza de cartel confirmado en Río Babel 2022 es C. Tangana. El artista presentará su disco ‘El Madrileño‘ por primera vez en directo. Un directo muy esperado tras el éxito de dicho álbum, de sus singles de presentación y la viralización de su «Tiny Desk» pero que todavía no ha podido llevarse a cabo a pesar de lo vibrante y rico que suena el trabajo, casi hecho para ser tocado en vivo. Las entradas salen a la venta el 16 de septiembre a las 12.00 horas en la web del festival.
No en vano, Antón compartió una pequeña muestra de lo que podría ser el concierto de ‘El Madrileño’ cuando, hace unas semanas, se subió al escenario de los los MTV MIAW (Millennial Awards) 2021 para interpretar ‘CAMBIA!’ y ‘Párteme la cara’. Eso sí, Río Babel indica que Pucho «ofrecerá un show totalmente renovado para la ocasión en el que demostrará el por qué su eclecticismo, su frescura y su descaro han marcado un antes y un después en la música española».
Por otro lado, C. Tangana volverá esta semana con nueva música. Él es el artista invitado en ‘Ya no vales’, el nuevo single de su amigo y colaborador habitual Alizzz, que sale este viernes 17 de septiembre. ‘Ya no vales’ es presumiblemente el cuarto adelanto oficial del disco de Alizzz después de ‘Todo me sabe a poco’, ‘El encuentro’ con Amaia, ‘Ya no siento nada’ y ‘Salir’. El último single de C. Tangana, ‘Yate‘, se mantiene en el número 21 de la lista de Promusicae.
Esta noche, solo un día después de la gala de los premios MTV VMA, se ha celebrado la MET Gala en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. La MET suele tener lugar a principios de mayo pero este año ha sido pospuesta debido a la covid. La temática de este año, la cual, como siempre, se basa en la exposición más reciente del Costume Institute, llevaba por título ‘In America: A Lexicon of Fashion’ y pretendía ser un homenaje a la moda «made in US». Estos son 10 de los artistas y celebrities que han desfilado por la alfombra roja de la MET, la más mediática del año.
Billie Eilish ha acudido a la gala con un «look» inspirado en el viejo Hollywood, siguiendo con la estética de su último disco. Su hermano FINNEAS tampoco se ha perdido la fiesta pero ha optado por un traje de color rojo.
Frank Ocean ha vuelto a hacer un poco lo que le ha dado la gana y ha aparecido en la alfombra roja con un bebé «fake» en los brazos. La idea recuerda a la que tuvo Azealia Banks cuando fue entrevistada por Pitchfork hace unos años.
Rosalía se ha estrenado en la MET con un atuendo de color rojo inspirado en un mantón de manila, una cosa de lo más americana. En concreto, y como puede verse en su cuenta de Instagram, la inspiración de su vestido ha sido Lola Flores.
Rihanna y A$AP Rocky han realizado su primera aparición pública como pareja en la alfombra roja de la MET Gala. Ella ha vestido totalmente de negro y él ha cubierto su esmoquin con un mantón de colores.
De las pocas que se han atrevido a hacer algo divertido con la temática de esta edición, Kim Petras ha llevado una especie de disfraz de caballo deconstruido. ¿El mejor «look» de la MET Gala 2021?
Respetando también la temática de su próximo proyecto, Grimes se ha presentado en la alfombra roja en su estilo. Llevaba un cuerno metálico en la cabeza y una espada medieval en la mano hecha a base de armas automáticas derretidas.
Lil Nas X, el gran protagonista de los MTV VMAs, se ha hecho un Lady Gaga y ha acudido a la alfombra roja con hasta tres atuendos diferentes: de una majestuosa capa ha pasado a una armadura dorada y, de esta, a un ajustado mono ornamentado también con detalles dorados.
Mucho más sencilla, Lorde ha paseado la alfombra con un atuendo que nada tiene que ver con la estética de ‘Solar Power‘. Más bien parece inspirado en el «look» de papisa de Rihanna de hace unos años, pero más discreto.
Otra que ha «entendido la materia», Jennifer Lopez ha ido más estadounidense imposible: por un lado parecía una vaquera de las antiguas -atención a las joyas tipo «western» que lleva- y, por el otro, parecía un águila.
Kim Kardashian y Kanye West han sorprendido presentándose cubiertos de negro de los pies a la cabeza… literalmente. Ni la cara se les veía. El «look» parece un homenaje a la portada de ‘Donda’ aunque hay quien dice que van vestidos de talibanes.
