Sharon van Etten y Angel Olsen han sorprendido estos días con el lanzamiento de una canción conjunta, ‘Like I Used To’, que en realidad ya habían avanzado en sus redes sociales días atrás. La colaboración llega después de que tanto Sharon como Angel hayan lanzado este año sus respectivos proyectos en solitario, en ambos casos basados en trabajos anteriores: la primera ha publicado un recopilatorio con versiones de ‘Epic’ por su décimo aniversario (con colaboraciones estelares como las de Fiona Apple, IDLES o Lucinda Williams) y la segunda una caja de ‘All Mirrors’ con música extra.
La colaboración de Sharon y Angel, ‘Like I Used To’, está a la altura de lo que cabe esperar de dos de las cantautoras anglosajonas más importantes de nuestro tiempo, como demuestra la recepción obtenida por dos de los mejores discos de los últimos dos años, ‘Remind Me Tomorrow‘ y el mencionado ‘All Mirrors‘. No es uno de esos duetos compartidos entre grandes estrellas que decepcionan.
‘Like I Used To’, hoy la «Canción Del Día», ha sido producida por el gran John Congleton y suena exactamente a lo que imaginas que suena una colaboración entre ambas: la canción es gloriosa y apoteósica como un clásico de Bruce Springsteen que escuchar durante un viaje en carretera, pero tremebunda como la «torch song» más ampulosa que te pueda venir a la mente. Las voces de Sharon y Angel, como si estuviéramos hablando de Ella Baila Sola, «empastan» a la perfección.
Si ‘Like I Used To’ suena, en realidad, más como una canción de Sharon van Etten que de Angel Olsen es porque de hecho es una composición de Sharon que esta mandó a Angel cuando estaba inacabada para que la completara con su parte. Angel aceptó y Sharon cuenta que la ha hecho «mejor de lo que nunca lo habría sido». A la química que muestran Sharon y Angel en la canción probablemente haya contribuido que ambas son seguidoras la una de la otra y durante años han estado en contacto apoyándose «en los momentos buenos y en los momentos malos».
Si, para Angel, ‘Like I Used To’ le recuerda personalmente a «aquellos tiempos en los que la gente no esperaba música de mí, ni nadie esperaba demasiado de mí, ‘Like I Used To’ es de hecho una composición tan nostálgico como sugiere su título, el cual alude a aquellas cosas que Sharon y Angel «solían hacer» como «encenderse un cigarrillo, «bailar a solas», «abrir mi corazón», «enamorarme» o «darnos las manos en público». Angel, que este año ha salido del armario, aparece en el videoclip de ‘Like I Used To’ con un arcoiris proyectado en su cara.
Anne Lukin logra su primer número 1 en JNSP con la canción que cierra su debut, ‘V’, y sobre la que hablamos recientemente con ella. Curiosamente está coescrita junto a Miss Caffeina, que llegan al número 5 con su pseudo-reggaetón (no exactamente, pero…) ‘Me voy’. También entran en el top 10 Jessie Ware y Mujeres.
Al top 20 llegan Leon Bridges y Garbage, mientras en la parte baja de la tabla encontramos nombres tan dispares en todos los sentidos como Queralt Lahoz, ernesto y Dinosaur Jr.
Eurovisión 2021 ya ha dado mucho de sí: hemos sufrido la pérdida de propuestas tan válidas en las semifinales como el currazo de puesta en escena de Irlanda y los Varry Brava de Dinamarca, el eurodrama del covid de Islandia, que forzará que el grupo participe con una actuación pregrabada como se acordó en el protocolo anti-covid19, y también conocemos el resultado del sorteo de orden definitivo.
España actúa en un simbólico 13º lugar, en sintonía con la predicción de las apuestas, que nos sitúan exactamente últimos. En este artículo hacemos un resumen de lo ya explicado en las previas y crónicas de las dos semifinales, una breve guía si vives en el mundo real y no sabes lo que es una semifinal eurovisiva.
La noche se abrirá con Chipre y la divertida actuación de ‘El diablo’ que encendió Twitter el pasado martes por la divinidad de Elena Tsagrinou y el parecido de su tema con ‘Bad Romance’ de Lady Gaga. Tras Albania y la decente presentación de Israel, con la muy Dua Lipa ‘Set Me Free’, entraremos en materia.
4.-Hooverphonic: favorita en redacción
En 4º lugar esta noche actuará Hooverphonic, cuya larga carrera de más de 20 años y casi igual número de cantantes, hemos repasado con un artículo y una playlist. ‘The Wrong Place’ cuenta con una puesta en escena sobria pero elegante, que ojalá corra igual suerte que hace unos años The Common Linnets por Holanda.
A continuación, la extraña puesta en escena de Rusia en un número muy casero que habla de feminismo apelando a la historia de la mujer en este controvertido país.
6.-Malta: favorita en las apuestas
A medio camino entre Lizzo y Netta, Destiny tiene serias posibilidades de dar a Malta su primera victoria en Eurovisión con el típico pastiche triunfito-eurovisivo.
Tras la que es una de las grandes favoritas no cambiéis de canal ni vayáis al baño, pues os perderíais la canción clásica de tintes blues de Portugal, a las Destiny’s Child de Serbia y a James Newman con un número muy 2013 de Reino Unido.
10.-Grecia: favorita en redacción
Más deslumbrante y original, y eso que tira de croma, es el número mágico que se monta Stefania con la pegadiza ‘Last Dance’ de Grecia. Recuerda en efectividad al espectacular número que ganó hace unos años por Suecia, ‘Heroes’.
11.-Suiza: favorita en las apuestas
La balada de Gjon’s Tears sigue entre las favoritas para ganar, y recibirá un fuerte apoyo de España por su promoción en Telecinco.
12.-Islandia: favorita en redacción
La producción más próxima a nuestros gustos estéticos por su querencia disco-funky no podrá tristemente realizarse en directo, por positivo en covid-19 de un par de personas de la delegación islandesa. Daði og Gagnamagnið lograron viralizar su candidatura 2020, que fue remezclada por Hot Chip, pero ’10 Years’ también es excelente.
España sale después de esta actuación pregrabada, y también sin opciones acuden Moldavia y Alemania, esta última con un buenrollito que parece una cortinilla de Youtube.
16.-Finlandia: favorita en las apuestas
Blind Channel concentrarán el voto metalero con una canción que también se parece un poco al ‘Baile del gorila’.
17.-Bulgaria: favorita en redacción
Desinflada en las apuestas por una bonita pero tibia puesta en escena, ‘Growing Up Is Getting Old’ continúa siendo una de las canciones más 2021 del certamen, en concreto por la vía de Clairo y Billie Eilish.
A su puta bola, el extraño grupo The Roop por Lituania, en 18º lugar.
19.-Ucrania: favorita en redacción y apuestas
La canción de Ucrania avanza del folclore hacia la rave y la locura total «no intente esto fuera de una máquina elíptica», entre gritos que suplican por la presencia de Baiuca en el Festival de Eurovisión.
20.-Francia: favorita en redacción y apuestas
Nuestro reino por que gane Francia de una vez con esa maravilla tipo Édith Piaf que presenta Barbara Pravi… pero preparados para lo peor, pues ya hemos visto a este país caer yendo como favorito. Saludos a Amir, sobre todo, pero saludos también a Madame Monsieur.
Azerbaiyán nos hará en cambio visitar el pasado para mal con ‘Mata Hari’, antes de que Noruega apunte al medio camino entre HIM y Backstreet Boys. Holanda, organizadora, acude a todo esto en modo “yo no vuelvo a comerme este marrón ni muerta”.
24.-Italia: favorita en las apuestas
Italia compite con Finlandia por llevarse al público rockero, con la ventaja de que es un país que siempre queda bien.
Cerrarán Suecia, con una de sus peores actuaciones de los últimos años, una ‘Voices’ casi sin voz propia; y finalmente la bomba de San Marino con el conocidísimo rapero Flo Rida haciendo un featuring, con bastantes posibilidades en el televoto. De hecho, ya es un milagro ver a San Marino por aquí.
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Podcast: ¿Quiere España realmente ganar Eurovisión
Este sábado, cuando Hooverphonic se suban al escenario del Festival de Eurovisión para representar a Bélgica, parte de los 200 millones de espectadores viendo el show se preguntará qué había pasado con ellos. La otra parte de la audiencia, la más joven y también la mayor de todas, quién diablos será esa banda totalmente diferente a lo que suele verse en el festival. En pleno debate sobre «ageism», ellos mismos se reconocen «los mayores del certamen, pero jóvenes de corazón».
Sin éxito significativo en Reino Unido ni mucho menos Estados Unidos, el grupo belga sí obtuvo cierta popularidad en algunos países europeos como España en torno al año 2000. Gracias al apoyo que recibieron muy especialmente de Radio 3, sobre todo las canciones contenidas en sus 3 primeros discos forman parte de la vida de una generación por mucho que la crítica especializada de la época no los apoyara en absoluto. Era fácil adivinar por qué: eran más acaramelados incluso que Morcheeba, casi siempre eran sólo una banda de pop, tontamente asociada a la escena trip hop. Es fácil imaginarse a Geoff Barrow de Portishead tomando trankimazines durante semanas o años por estar en la misma página de los libros de historia que a Hooverphonic. En defensa de los belgas hay que decir que son bastante anteriores a Goldfrapp, y eso incluye el juego con la canción de hoguera y circense (Alison había colaborado tímidamente con Tricky, eso sí).
Siendo Alex «Morritos» Callier el compositor principal de Hooverphonic y su productor, el grupo tuvo desde el principio graves dificultades para retener al frente a su vocalista principal. En el primer disco, el más fiel al trip-hop, canta Liesje Sadonius, pero la formación más popular, estable y duradera fue la que incluyó a Geike Arnaert. Por eso es que Hooverphonic vuelven a la primera plana, y por eso probablemente se hayan clasificado para la final de Eurovisión: no hay nada que le guste más al respetable que una reunión, y a Geike pertenecen los años dorados de la banda.
El tercer disco de Hooverphonic, ‘The Magnificent Tree’, llegó a ser doble platino en Bélgica, ‘Mad About You’ habría sido top 10 del año 2000 para nuestra redacción en caso de haber existido, el álbum se completaba con canciones tan apañadas y vehementes como ‘Vinager & Salt’ y ‘Out of Sight’, y recuerdo con muchísimo cariño un concierto en la Sala Arena de Madrid donde sonó todo esto junto a todos los éxitos de los dos primeros álbumes: la romántica ‘Eden’, la favorita del público ‘2Wicky’… y también largas conversaciones en el Gris con gente que a duras penas recuerdo sobre qué sería aquello que se oía en castellano en ‘Cinderella’. “Nunca le preocupa lo que puede pasarle a su hijo”, repetía un sample de aquella canción una y otra vez. Había internet, pero no smartphones. No teníamos otra cosa que hacer.
Desde 2002 las cosas se fueron complicando, ‘Hooverphonic Presents Jackie Cane’ supuso un bajón de calidad importante incluso para quienes teníamos el baremo más bajo que la crítica tipo Wired, y sus álbumes fueron teniendo cada vez menos proyección internacional. Geike se bajó del barco después de un par de álbumes más, y la sustituyó Noémie Wolfs entre 2010 y 2015, y Luka Cruysberghs entre 2018 y 2020. Esta última llegó a ser candidata para ir a Eurovisión en 2020, pero el festival se suspendió por la pandemia.
En esta playlist recordamos algunos de los mayores éxitos de Hooverphonic, junto a algunas debilidades de la redacción fruto de haber descubierto a la banda en una edad muy mala, como la impresionante ‘Battersea’; incluimos algún tema de sus últimas cantantes, y ojo porque estos singles continuaron logrando discos de oro y platino para Hooverphonic en Bélgica a lo largo de los años; y finalmente la reconciliación con Geike. Hay nuevo disco ya en el mercado, bajo el nombre de ‘Hidden Stories’.
Este contiene un tema que también está sonando mucho entre sus fans, ‘Thinking About You’, pero sobre todo ese misterioso ‘The Wrong Place’ que no ganará Eurovisión pero sí ha devuelto desde ya la curiosidad en torno a ellos. La canción habla sobre una mañana post-algo llena de arrepentimientos, resultando la cumbre un extraño “no te atrevas a ponerte mi camiseta de Johnny Cash”… que se entiende mucho mejor viendo su videoclip lleno de humor. Fin de estribillo, vídeo con traje de novia y producción -se trabajaron hasta 21 mezclas diferentes- conservan ese punto de locura que siempre tuvo la música de Hooverphonic.
Weezer continúan para bingo con un nuevo álbum llamado ‘Van Weezer’, que sale solo unos meses después de ‘OK Human‘ (su álbum orquestado por 38 músicos), pero que tenía que haber salido el año pasado. Este se diferencia de otros porque ahora el grupo tiene como referencia cosas como Ozzy Osbourne, como es visible en ‘Blue Dream’; AC/DC, como pretenden en ‘She Needs Me’; Metallica y Van Halen, como se aprecia en ‘The End of the Game’; citan a Aerosmith incluso en un tema para el que llegó a grabar voces el pobre Ric Ocasek, ‘I Need Some of That’; y se van de gira con gente como Green Day y Fall Out Boy.
La banda de Rivers Cuomo en realidad no se ha vuelto tan jevi, no sobran solos ni virtuosismo por doquier en este ‘Van Weezer’: su esfuerzo ligeramente más rockero se concentra en unas quintas y algún ritmo con el que agitar melena en el caso de que la hubiere. Con letras como «el rock and roll suena mejor en el coche / simplemente me gusta cómo ella toca la guitarra» (‘All the Good Ones’), uno se prepara de una vez para bajarse del carro de Weezer: mucha gente ya no podrá más con esta tontería.
Sin embargo, por a o por b, son varias las canciones que les siguen funcionando, bien sea porque la melodía tipo Beach Boys permanece, como en ‘Sheila Can Do It’ (que podría haber firmado Jenny Lewis), bien sea porque no hay quien se tome en serio textos como «en el jevi metal confiamos», como asegura ‘Beginning of the End’. Es tan improbable que los propios Weezer vayan en serio con este cúmulo de tópicos y obviedades que, al final, te tienes que reír.
Los clichés inundan riffs y puentes metaleros, mientras persisten las canciones de amor de toda la vida, y luego las que cuestionan el legado de Weezer y su lugar en la industria musical, como viene sucediendo en sus últimos discos. El grupo ha logrado cierta relevancia con singles como ‘Hero’ y ‘The End of the Game’, pero es en esas otras dos vertientes donde encontramos lo más atractivo de ‘Van Weezer’. Es otro cliché pero la balada acústica final, dedicada a una «Precious Metal Girl», es muy eficiente, en este caso es más Oasis, intrascendente pero mona (pienso más en ‘Married with Children’ que en ‘Don’t Look Back In Anger’). Y luego está lo de ‘1 More Hit’, supuestamente sobre una prostituta adicta a las drogas, pero jugando con el doble sentido de hasta dónde llegaría Rivers Cuomo por otro éxito tipo ‘Say It Ain’t So’. Weezer, cada vez más bobos, cada vez más intrascendentes… ¿cada vez más divertidos?
Como se viene anticipando en los últimos días en redes sociales, la banda mallorquina Antònia Font se reunirá el año que viene con motivo de la edición del año que viene de Primavera Sound 2022, tras haber tenido que posponerse en varias ocasiones debido a la pandemia.
El grueso del cartel del festival no se revelará hasta el próximo martes 25 de mayo, pero ya se avanza que se extenderá 11 días en Barcelona, desde el jueves 2 al domingo 12 de junio, con más de 400 artistas actuando en lo que anuncian como «un despliegue sin precedentes para un festival urbano a nivel mundial». El festival espera que sea «la edición más importante de toda su historia» tras no haberse podido celebrar en 2020 ni 2021 y detalla que «el reto es mayúsculo, pero también lo es la excepcionalidad de la situación: ante una industria herida de muerte, una respuesta superlativa».
La nota de prensa de la organización detalla que «serán 11 días ininterrumpidos de conciertos que tendrán sus jornadas principales en el Parc del Fòrum durante dos fines de semana, del 2 al 4 de junio y del 9 al 11 de junio, y que el domingo 12 de junio despedirá con la fiesta Brunch -On The Beach. Por su parte, del 5 al 8 de junio se celebrarán los tradicionales conciertos Primavera a la Ciutat: 150 shows en diferentes salas de Barcelona.
¿Qué pasará con las entradas adquiridas para las ediciones 2020 y 2021? El comprador deberá escoger: en el caso de los abonos, entre uno de los dos fines de semana, y también será posible adquirir un abono adicional para poder ir a ambos; en el caso de las entradas de día, el comprador escogerá entre uno de los seis días principales en el Parc del Fòrum, sin importar de qué fin de semana se trate. Las nuevas entradas para Primavera Sound 2022 se pondrán a la venta el martes 1 de junio.
Olivia Rodrigo publica hoy ‘SOUR’, su álbum debut. El disco viene precedido por tres éxitos mastodónticos como están siendo ‘drivers license‘, ‘deja vu‘ y ‘good 4 u‘, tres temas que han venido a reflejar muy bien lo que el disco contiene al fin y al cabo: guitarras, matices alternativos, pasión y despecho adolescentes pero sobre todo muchas baladas.
Muchas de estas baladas ni siquiera parecen de Lorde o Taylor Swift, como ‘drivers license’. ‘enough for you’, el «focus single» ahora mismo, es la típica canción acústica, de hoguera, que habría hecho el primer Ed Sheeran, ‘traitor’ desprende el dramatismo de una balada de Adele o Lana Del Rey, ‘happier’ es incluso más clásica, casi propia de Brill Building (Olivia creció escuchando a Carole King), y ‘1 step forward, 3 steps back’ es la más intimista de todas, al componerse exclusivamente de un delicado arreglo de piano.
La gran sorpresa de ‘SOUR’ la pone su gusto por las sonoridades del grunge de los años 90: ‘brutal’ no se sabe si se inspira en Hole o en Alanis, pero suena a las dos (en realidad parece que samplea ‘Voodoo Child’ de Rogue Traders); y las guitarras eléctricas de ‘jealousy, jealousy’ y la pista final ‘hope ur ok’ apuntan también a este sonido mientras, como hemos dicho, ‘good 4 u’ es pop-punk y ‘deja vu’ más rock alternativo. Es a través del grunge donde Olivia explora su rebeldía adolescente, porque las letras no pueden estar más llenas de inseguridad.
Los desamores de Olivia la hacen dudar de sí misma, de su propia belleza, de su propio talento; en ‘enough for you’ se pregunta por qué «no ha sido suficiente» para esa persona y en ‘happier’ le pide que encuentra a una chica que mole pero que no sea mejor que ella. Cuando, en ‘drivers license’, Olivia alertaba de que la chica con la que sale su ex representa «todo aquello por lo que me siento insegura», nos avisaba también de por dónde irían las letras del disco.
Las primeras escuchas de ‘SOUR’ descubren un talento muy maduro para los 18 años de Olivia: las canciones están perfectamente construidas, la producción incorpora algún matiz electrónico que no se pasa de la ralla y el disco se pasa en un suspiro. Se echa de menos más unidad entre canciones, menos baladas intimistas y más variedad en las letras pero Olivia tiene toda su vida por delante para limar las asperezas de lo que no deja de ser su primer disco.
Y eso mismo parecen opinar en los foros las personas que ya están escuchando ‘SOUR’. En Popjustice se destaca especialmente la calidad de las melodías y de las actuaciones vocales de Olivia, así como la rapidez con la que ha llegado este lanzamiento, apenas unos meses después de que ‘drivers license’ haya arrasado, pero se critica para mal lo monotemáticas que llegan a ser las letras, dedicadas a esa ruptura sobre la que Olivia canta una y otra vez.
GusGus, el dúo de música electrónica islandés compuesto por Biggi Veira y Daníel Ágúst, publica nuevo disco el 28 de mayo, un ‘Mobile Home’ que ha contado con cuatro adelantos como han sido ‘Our World’, ‘Higher’ con VÖK, ‘Stay the Ride (Cast a Light)’ y ‘Love is Alone’ con John Grant. JENESAISPOP tiene el honor de estrenar en exclusiva mundial el videoclip de este último single, hoy la «Canción Del Día».
Si los tres singles previos a ‘Love is Alone’ han destacado por su sonido clubero o synth-pop, ‘Love is Alone’ lo ha hecho por ser el más pop de todos, una idea a la que por supuesto ha contribuido la bonita y cristalina voz de John Grant. No es, por cierto, la primera vez que Grant colabora con GusGus, como, por otro lado, tampoco es de extrañar, pues el cantautor estadounidense, que el 25 de junio saca su propio disco, reside en Islandia desde hace varios años.
‘Love is Alone’ presenta el tipo de sintetizadores gélidos y ásperos que tanto les gusta a GusGus pero también una extraña base rítmica que no se decide a ser del todo bailable, optando por centrarse en un «groove» sensual con ciertos ecos acid y deep-house y texturas fluorescentes y alienígenas. La voz de Grant planea sobre esta base con sumo gusto y elegancia mientras la letra plantea que el amor es solitario «como un satélite desconectado» y lo compara a un «apetito monocromático».
El videoclip de ‘Love is Alone’ ha sido creado por Arni & Kinski con la colaboración de Hrafnhildur «Raven» Hólmgeirsdóttir y vestuario de Palomo Spain y sitúa a sus dos protagonistas en algún lugar remoto de Islandia, frente a una pared llena de grafittis y ante la inmensidad de la montaña, «felices» en su soledad compartida y vivida en una caravana. Estas dos personas resultan ser los integrantes de GusGus superpuestos en sendos cuerpos que no son los suyos pero que llevan bastante marcha en el cuerpo. El vídeo bordea el mal rollito de Aphex Twin por momentos pero sin alcanzar sus mismos niveles.
El 29 de mayo, a las 20.00 hora española, GusGus presentará su nuevo disco en un único concierto retransmitido por streaming para todo el mundo desde Sundlaugin Studio, el mítico estudio de ensayo y grabación de Sigur Rós, donde también han grabado Björk o Jon Hopkins, entre otros. JENESAISPOP regala 2 invitaciones para presenciar el show a los dos fans de GusGus que envíen a jenesaispop(a)gmail.com las respuestas más ingeniosas a la siguiente pregunta: «¿adónde te irías en caravana ahora mismo si pudieras?»
El concierto, que se retransmitirá a través de la plataforma Moment House, contará con estrellas invitadas como John Grant o Margrét Rán de VÖK y contará con «espectaculares» visuales ideados para la ocasión. A través de este enlace se pueden adquirir ya las entradas, así como reservar un «meet & greet» con GusGus, comprar nuevo merchandising y ganar acceso a la after-party online que el grupo celebrará en el mítico Kaffibarinn de Reykjavík.
Lana del Rey ha estrenado este jueves por sorpresa 3 canciones nuevas extraídas de lo que suponemos será su próximo álbum. Las portadas de ‘Blue Banister’, ‘Text Book’ y ‘Wildflower Wildfire’ están dentro de la estética de lo que había anunciado como su disco ‘Blue Banisters’ de cara al 4 de julio, por lo que suponemos que a ese pertenecen. Estos nuevos temas llegan tan solo un par de meses después de otro disco, el excelente ‘Chemtrails Over the Country Club‘. A continuación, parte de la redacción evalúa los tres temas en conjunto. Una valoración a favor y otra en contra:
«¿Es casualidad que estas tres canciones salgan justo un año después (bueno, un día antes, porque pa qué lo va a hacer un viernes) de su polémica carta, y con esas portadas, después de que ya nos espantara la de ‘Blue Banisters’? Puede que sí, o puede que todo forme parte de una actitud “me la suda” de Lana frente a quienes salivan a la espera de que se equivoque para poder atacarla. En ese caso, good for her, porque además parece estar más cómoda que nunca con su música; el continuismo en estos tres temas respecto a “Chemtrails” es evidente. Y tanto ‘Blue Banisters’ como ‘Wildflower Wildfire’ funcionan en ese aspecto, ambas con pequeñas sorpresas de producción en el tramo final, y más cerca de la Lana confesional que de la metafórica, acordándonos por ejemplo de “Mariners”. Pero mi favorita es ‘Text Book’, también la más innovadora de las tres, y a su vez con un regusto a su EP ‘Paradise’. Con un inicio que recuerda a ‘Bang Bang’, se le están haciendo también comparaciones con Amy Winehouse, y es cierto que hay algo de eso aquí. Lana recuerda en ‘Text Book’ el día en que conoció a su actual pareja, se muestra ilusionada con las esperanzas que tiene puestas en esta relación frente a su pasado, e incluso se adelanta a un posible final, y a intentarlo de nuevo. La estupenda progresión de los instrumentos, las joyitas que se pueden encontrar en la letra (del «Let’s rewrite history, I’ll do this dance with you», al juego de «in your back / finally, I’m not wondering why» o , sí, al verso de Black Lives Matter) y una entregadísima interpretación de Lana, dulce y honesta, ‘Text Book’ tiene pinta de acabar convirtiéndose en un clásico de la artista». Pablo Tocino
«Está bien que Lana saque música cuando quiera, aunque hayan pasado apenas unos meses desde su último disco; está bien incluso que use las portadas que quiera, por feas y desprovistas de cualquier atisbo de talento gráfico que sean. También está bien pasar página de un artista cuando ya no te ofrece nada que tú consideras interesante. ‘Chemtrails Over the Country Club’ es un disco demasiado conservador para mi gusto, y estas tres canciones siguen una línea parecida, con algún matiz recuperado de la Lana del pasado en arreglos. El momento «Black Lives Matter» de ‘Text Book’ quizá pase a la historia, pero la canción tampoco es particularmente memorable, y las otras dos parecen simples «album tracks» de sus anteriores discos. ‘Blue Banisters’ es una balada a piano soporífera que Lana ha escrito ya 200 veces, y ‘Wildflower Wildfire’ es igual pero incorpora una base electrónica un tanto extraña y amateur que termina por echarme totalmente para atrás. Son tres canciones anecdóticas en la carrera de Lana y poco más». Jordi Bardají
Como había prometido, Lil Nas X ha publicado hoy viernes su nuevo single, ‘Sun Goes Down’, cuando ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’ sigue siendo una de las 3 canciones más exitosas actualmente a nivel global… y lo que le queda. Este sábado, Lil Nas X presentará ‘Sun Goes Down’ en Saturday Night Live.
El tercer single de ‘MONTERO’, el álbum que Lil Nas X publica este verano, es diferente a lo ofrecido por ‘HOLIDAY’ y ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’, pues se entrega al formato de medio tiempo acústico, aunque incorporando una percusión programada que se aproxima al pop-rock. Dos precedentes recientes del sonido ofrecido por Montero en ‘Sun Goes Down’ es ‘Delete Forever‘ de Grimes o el trabajo de Post Malone.
En ‘Sun Goes Down’, Lil Nas X recuerda su juventud, marcada por la soledad y la depresión «desde que tenía 10 años». Canta que se solía preguntar por qué sus «labios son tan grandes» y si era «demasiado oscuro» para ser aceptado por los demás, y reflexiona sobre la homofobia interiorizada que ha sufrido. «Estos pensamientos gays siempre me perseguían, rezaba a Dios para que me librara de ellos».
Todas estas ideas llevaron a Montero a pensar en el suicidio, como de hecho reza el mismísimo estribillo de esta canción: «Quiero escapar, no te voy a mentir, no quiero vivir, pásame una pistola y veré el sol». Su refugio era Nicki Minaj, mencionada en la letra, y por la que Montero «militaba de la noche a la mañana». Como es sabido, el cantante llevaba una página de fans de Nicki en Twitter antes de hacerse famoso.
El vídeo de ‘Sun Goes Down’ pone estos temas en contexto para mostrar a un adolescente Lil Nas X que lidia con sus problemas rezando o llorando en el baño en el baile de fin de curso. Finalmente, es él mismo quien logra salir de la depresión.
Hoy 21 de mayo sale el esperado debut de Olivia Rodrigo, así como los nuevos álbumes de Kokoshca, que reseñamos en portada; Twenty One Pilots, Gary Numan, Mdou Moctar, CHAI, Erika de Casier, Georgia Anne Muldrow o el recopilatorio ‘Hotel Records España, Vol. 1’ con temas de Los Nasty, Las Odio, Los Bengala o Exnovios. También salen nuevos EPs de la revelación Biig Piig y de la también revelación rebe.
Otra gran novedad de la semana son los tres nuevos singles de Lana Del Rey, así como la canción de Florence + the Machine para la banda sonora de ‘Cruella’, pero desde hoy viernes es posible escuchar también nuevos temas de BTS, el discotequero nuevo single de Little Mix con Galantis y David Guetta, la colaboración de Marshmello con Jonas Brothers o el remix de ‘Starstruck’ de Years & Years con Kylie Minogue.
A ellos se suman nuevas propuestas de Rufus T. Firefly, Viva Suecia, Tirzah, HAERTS, Los Vinagres con dani, A.G. Cook con Oklou, Zenet con Sílvia Pérez Cruz, Twin Shadow, BTS, Gabriella Richardson, Grasias, Arnau Griso, Angel Stanich, Duncan Laurence o Rocío Saíz.
Habíamos avanzado la playlist de novedades «Ready for the Weekend» con los nuevos singles que han salido en los últimos días. Sharon van Etten y Angel Olsen han lanzado single conjunto, Garbage han seguido avanzando su disco con ‘Wolves’, Bleachers (el proyecto de Jack Antonoff) ha anunciado el suyo por fin con ‘Stop Making this Hurt’, MARINA ha sorprendido con el sonido de ‘Ancient Dreams in a Modern Land’, Faye Wesbter ha estrenado la encantadora ‘I Know I’m Funny haha’ y Oneohtrix Point Never y Rosalía han presentado una versión actualizada de ‘Nothing’s Special’.
Entre las novedades que ha dejado la semana previamente al viernes hay que contar también los nuevos temas de Lucy Dacus, black midi, Mr Jukes (Jack Steadman de Bombay Bycicle Club) y Barney Artist, John Grant, Okkervil River u Orquesta.
Albania, Serbia, Bulgaria, Moldavia, Portugal, Islandia, San Marino, Suiza, Grecia y Finlandia son las 10 clasificadas para la final de Eurovisión el próximo sábado, tras una segunda semifinal menos reñida que la del pasado martes, cuando Hooverphonic lograron clasificar a Bélgica, se desconoce si por los pelos.
Eso significa que el sábado veremos propuestas tan distintas como el rap de San Marino featuring Flo Rida, la canción clásica con final bluesero de Portugal o la espectacular puesta en escena de Grecia, cuyos cromas con bailarines nos han dejado anonadados como si nunca hubiéramos visto uno.
Islandia ha podido clasificarse pese al positivo en covid-19 de su delegación, y proyectar un vídeo de los segundos ensayos como estaba acordado. El grupo, divertido, ha sido saludado en vivo con dos componentes -los contagiados, suponemos- representados en forma de ipad. Algo decepcionante ha resultado en cambio la Billie Eilish de Bulgaria, que no obstante, continúa bien situada en las apuestas, al igual que la balada suiza.
También se podrá disfrutar el sábado del tema metalero de Finlandia, pese a lo que han debido de sufrir sus representantes al ser los últimos anunciados. Y pueden darse con un canto en los dientes las Beyoncés de Serbia, la Britney de Moldavia o el popurrí de Albania. El simpático representante checo no ha tenido tanta suerte como ellas.
Aunque si hay que lamentar alguna ausencia entre los clasificados, ha sido el caso del dúo danés, a los que habíamos calificado como «los Varry Brava de Dinamarca», dado su homenaje a los 80 de Modern Talking y CC Catch. Quizá la canción se hacía un poco larga para lo que representaba la propuesta, pero peores cosas han pasado. Puedes leer nuestra reseña de las 17 canciones de la semifinal, aquí.
Conocimos a los navarros Kokoshca con canciones tan icónicas como ‘La fuerza’ y ‘No volveré’, punk pop agitado de base underground pero con el potencial comercial de Alaska y los Pegamoides. La banda liderada por Iñaki López y Amaia Tirapu ya va por su 6º disco y en esta década de carrera les hemos visto pegarle a géneros dispares como el bolero, la canción latina o incluso el flamenco, siempre a modo más bien de condimento, sin alejarse demasiado de su esencia rock.
En este disco homónimo, Kokoshca han querido dejar en un segundo lugar la guitarra para jugar más bien con los teclados y los ritmos, con la asistencia del productor Raúl Pérez y los teclados de Javier Carrasco «Betacam». Como resultado, hemos conocido singles que se salen bastante de su zona de confort, como ‘Himno de España’, uno de esos temas en fases en que caben los ritmos funk y los acordes andaluces; y el kraut ‘Asia’, dedicado a Iñaki Ochoa de Olza, un montañero de Pamplona, «punk, fan de Bob Dylan, escritor y alma libre que murió en la pared sur del Annapurna».
‘Himno de España’ fue el primer single y ‘Asia’ es lo primero que encontramos al enfrentarnos al disco ‘Kokoshca’, si bien la banda de Pamplona no ha descuidado sus himnos de pop prestos para el pogo. Incluso se le dan mejor: la historia de Asia fluye ayudada por su guiño a ‘Heroes’ de Bowie’, pero lo de ‘Himno de España’ es complicado. Presenta un retrato satírico de las contradicciones de nuestro país, con un mensaje que se queda en medio de la nada, incomodando a propios y extraños por su tibieza, en tiempos sin lugar para las medias tintas. Y, sobre todo, su clímax (los últimos «hace mucho calor») tarda minutos y minutos en llegar, haciendo que nos preguntemos si para ese final explosivo imaginario del concierto, quedará ya alguien en «la sala Dabadaba».
En cambio, lo de ‘Te sigo esperando’ y ‘Voy a salir de esta’ es amor a primera vista. Esta última es muy Punsetes en lo melódico, o muy Ataque de Caspa si lo preferimos, pero añadiendo un teclado muy eficiente y sobre todo un buen estribillo con una letra de lucha interna, que trata de levantarse para superar un momento bajo. Es una gran canción de autoayuda. Y ‘Te sigo esperando’, con la colaboración de Mujeres, es la típica canción perfecta de Kokoshca, con ritmazo trotón, estribillaco, ganchos y una historia con la que la generación Tinder va a comulgar muy fácilmente: la letra habla sobre no perder la fe en encontrar el amor. Y lo hace con ternura («aunque me han hecho mucho daño, no he aprendido a hacer daño») y humor («me he tatuado tu nombre sin conocernos, para que no haya dudas al conocernos»).
Kokoshca completan su álbum con canciones muy buenas, como la historia costumbrista de ‘Regresando a la ciudad’, en la que Iñaki y Amaia dialogan para contar una historia de amor y reencuentros (el registro pimpinelesco no es el que más explotan como dúo, por lo que la canción funciona por lo que tiene de excepcional); y no tan buenos. La psicodélica ‘El rayo’ y sobre todo ‘Lo tiro’, sobre una pelea con el director de su sello (Luis de Sonido Muchacho, también bajista de Punsetes), vuelven a quedarse en la broma interna como ellos también suelen acostumbrar.
La balada 50’s ‘Aire’ situada al final y dedicada a un amigo fallecido, y el atractivo juego de teclados de ‘Confusión’, una canción que llama a apreciar las cosas importantes, terminan de equilibrar la balanza hacia el notable alto. Pese a la errática elección de singles y a cierta tendencia a complicarse la vida, a fin de cuentas el disco reúne interesantes pedazos de nuestra sociedad -de ese barrio que vota al completo al PP a ese personaje que no pierde la fe en el pop- junto a una considerable amalgama de estilos. Se percibe en los textos promocionales cierto empeño (cierto agobio) por la llegada del disco definitivo de Kokoshca que les haga subir ese peldaño en la industria musical que merecen desde el principio, y por eso quizá este álbum es, a estas alturas, homónimo. Pero hay otra cosa que poner en valor y es el gran número de canciones sobresalientes que acumula el cuarteto después de 6 discos. Si este no lo peta, fliparemos con el «Kokoshca Greatest Hits Tour».
Kelly Reichardt se dio a conocer en 2006 con ‘Old Joy’, una delicada y melancólica historia de amistad masculina protagonizada por el músico Will Oldham (más conocido como Bonnie «Prince» Billy), escrita por Jonathan Raymond (su guionista habitual, autor también del libreto de la estupenda serie ‘Mildred Pierce’, de Todd Haynes), ambientada en el estado de Oregon (como casi todas sus películas), y musicada por Yo la tengo.
Quince años después, tras varios retratos femeninos (las extraordinarias ‘Wendy y Lucy’ y ‘Certain Women’), un western poético y anti-épico (‘Meek’s Cutoff’), y un sugerente thriller (‘Night Moves’), la directora regresa con otra historia de amistad masculina. Otro western atípico, ambientado en Oregon (en 1820, durante la fiebre del comercio de pieles), escrito nuevamente por Jonathan Raymond, y con música de William Tyler, antiguo miembro de Lambchop.
Si en ‘Old Joy’ se narraba el fin de una amistad, en ‘First Cow’ se cuenta el inicio: el encuentro entre un sensible cocinero de una expedición de cazadores de pieles y un enigmático inmigrante chino. La historia de estos dos hombres fluye, tranquila y sosegada, como el rio Columbia por donde llega esa “primera vaca” que da título a la película. Una vaca que le sirve a la directora como observadora silenciosa de los humanos y como metáfora para hablar sobre el establecimiento del capitalismo durante la conquista del Oeste.
Como ‘Meek’s Cutoff’, ‘First Cow’ es un western heterodoxo y a contracorriente. El paisaje no es amplio, seco y filmado en panorámico, sino estrecho y húmedo como un bosque y filmado en 4:3. Los protagonistas no son duros cowboys, sino hombres tiernos y delicados que cocinan buñuelos en vez de marcar reses, y se mantiene al margen en las peleas de bar. No hay épica ni trascendentalismo crepuscular, sino intimismo y cotidianidad. No hay grandes acciones, sino pequeños gestos.
‘First Cow’ es la confirmación (si es que hacía falta) de que Reichardt es una cineasta vocacionalmente independiente. Una autora irredenta e insobornable, con discurso y mirada propia, que no utiliza el “indie” como trampolín para dar el salto a Hollywood y rodar una de superhéroes (como la oscarizada Chloé Zhao), sino como espacio de libertad creativa. No es una cuestión de romanticismo, sino de coherencia moral y artística. Ya le gustaría a Reichardt, como dice ella misma, “tener un sueldo y una casa a mis cincuenta y muchos años”. Pero no a cualquier precio. Afortunadamente mantiene su ritmo de trabajo. La próxima: ‘Showing Up’, con Michelle Williams nuevamente como protagonista.
Con motivo del final del ciclo de Girando por Salas, el circuito de música emergente anuncia que mostrará en su página web y en su canal de YouTube una canción en directo de cada uno de los artistas participantes en su décima edición. Durante los próximos días, Girando por Salas publicará vídeos de estreno, grabados en exclusiva para este festival online.
En orden alfabético, los grupos y artistas que participan en la décima edición de Girando por Salas son Aaron Rux and the Crying Cowboys, Artistas del Gremio, Ayoho, Balkan Paradise Orchestra, Bambikina, Carlos Cros, El lado oscuro de la broca, Embusteros, Iván Sanjuán Cuarteto, J Dose, Kitai, La Sra. Tomasa, Las Sexpeares, Los Fesser, Los Saxos del Averno, Machete en Boca, Marem Ladson, Mourn, Sweet Barrio, The Levitants, The Prussians, Tu Otra Bonita, Uniforms, Veintiuno, Wily Naves y Wom’s Collective.
Han sido centenares de grupos y solistas los que han participado en las 10 ediciones de Girando por Salas, entre los que destacan bandas como Sidecars, Triangulo de Amor Bizarro, Los Chicos del Maíz, Varry Brava, Novedades Carminha, Rayden, Izal, La M.O.D.A., Miss Cafeina, Carmen Boza, Tórtel, El Kanka, Antonio Lizana, Sexy Zebras, Viva Suecia, Morgan, Alice Wonder y Los Estanques, entre otros.
Mad Cool ha anunciado que su edición de 2021 queda aplazada a 2022 «por las circunstancias que todos conocemos». El macrofestival sigue la estela marcada por otros como Primavera Sound, Sónar o, recientemente, Bilbao BBK Live y Azkena Rock. No hace falta recordar que la situación de la pandemia no hace viable aún la celebración de un festival de su magnitud.
Las nuevas fechas de Mad Cool son los días 6, 7, 8 y 9 de julio. El próximo 7 de julio, el festival dará a conocer el cartel de la edición del año que viene, la de su quinto aniversario, «manteniendo los máximos artistas de este año y sumando novedades». A partir de esta fecha se abrirá el proceso de devolución o cambio de entradas, que se prolongará hasta e día 21.
En un comunicado, Mad Cool explica que el aplazamiento de esta quinta edición del festival «es una decisión muy meditada y dolorosa, porque nuestra ilusión y la de todos era volver a encontrarnos de nuevo en Mad Cool, pero también queremos transmitiros que es una decisión que creemos coherente, acertada y correcta. La salud está por encima de todo».
La edición de Mad Cool 2021 había confirmado la presencia de Red Hot Chili Peppers, The Killers, Deftones, Placebo, Mumford & Sons, Faith No More, Pixies y Royal Blood como cabezas de cartel. También estaban confirmados Carly Rae Jepsen, Glass Animals, Wolf Alice, Angel Olsen, Foals, Alt-J, London Grammar, Puscifer, Major Lazer, The Rapture y muchos más.
Sentimos tener que comunicar que nos vemos de nuevo obligados a aplazar nuestro 5º aniversario.
Desde ya, trabajamos en #MadCool2022. El reencuentro con vosotrxs, con la música, con la normalidad y en definitiva con la vida, promete ser inolvidable.
Esta noche se celebra la segunda semifinal de Eurovisión, en la que participarán países favoritos como Bulgaria o San Marino. Islandia no podrá actuar en directo debido al positivo en covid de una de sus integrantes. En el caso de España, un adelanto de la actuación de Blas Cantó podrá verse esta noche, con el cantante seguramente más aliviado de la pequeña polémica que ha protagonizado en las últimas horas, sin quererlo ni beberlo. Te invitamos a comentar la noticia en el foro de Eurovisión.
Un programa de la televisión noruega que comenta las candidaturas de Eurovisión ha metido la pata criticando ‘Voy a quedarte’ con las palabras menos adecuadas. Un colaborador ha afirmado que la balada, dedicada a la abuela de Cantó, fallecida por covid, no transmite, pero luego otro ha expresado que la actuación «parece un sketch» y que «hay algo paródico ahí» e incluso ha sugerido que «tal vez sea» la abuela «quien acuda» a Eurovisión, dando a entender que ese será el golpe de efecto de la actuación o incluso que de hecho debería serlo.
Ante las palabras de los colaboradores de ‘Adresse Rotterdam’, el público ha entendido que el programa noruego se ha burlado de ‘Voy a quedarme’ y Blas Cantó ha decidido contestar afirmando que «nadie sabe por lo que estoy pasando ni el esfuerzo que hago incluso para seguir vivo», añadiendo a sus palabras: «No les culpo, seguro que ellos están perfectamente. Todo mi amor siempre».
Tras la polémica, la televisión noruega ha decidido disculparse con Blas Cantó explicando que «‘Adresse Rotterdam’ es un espacio en el que invitamos a famosos y colaboradores de la televisión pública para que compartan sus opiniones subjetivas sobre las candidaturas de Eurovisión» y que, «en la valoración de España, algunos de estos miembros emitieron algunas declaraciones sobre el vídeo que pueden ser interpretadas como insensibles. Esto es desafortunado. Queremos compartir nuestra simpatía por Blas».
A falta de que se produzcan cambios significativos, la puesta en escena de ‘Voy a quedarme’ estará presidida por la presencia de una Luna gigante. Dicha puesta en escena era desvelada a la audiencia hace unos días, cuando Blas Cantó era noticia otra vez sin buscarlo, al sufrir un hackeo en sus redes sociales.
Muchos recordaréis a Ethan Gold por ser uno de los personajes secundarios de ‘Queer as Folk’, interpretado por Fab Filippo, pero resulta que este también es el nombre de un artista neoyorquino que este viernes ha lanzado uno de los singles que has podido escuchar en la playlist de novedades.
Ethan Gold es conocido por haber compuesto bandas sonoras para películas como ‘Adventures of Power’ o ‘The Song of Sway Lake‘, dirigidas por su hermano gemelo Ari Gold, pero también ha emprendido su propia carrera de cantautor y, después publicar su debut ‘Songs from a Toxic Apartment’ en 2017, se prepara para publicar una trilogía de álbumes sobre la vida neoyorquina, el primero de los cuales verá la luz el 11 de junio bajo el título de ‘Earth City 1: The Longing’. Los otros dos saldrán ya en 2022.
Hasta la fecha, los avances del disco han sido dos, ‘Alexandria & Me’, de ecos grunge-pop, e ‘In New York’, más pianística y jazzy. Pero es el tercero el que puede despertar verdadero interés por el proyecto. ‘Pretty Girls’ es la típica canción mona de cantautor que se mueve a medio camino entre el pop-rock y el folk sin dejar de lado ciertos destellos electrónicos, pero a Ethan Gold le ha quedado una composición especialmente pegadiza esta vez, como demuestra su uso de una melodía tarareada que podría durar horas.
Algo más desfasada suena la letra de esta canción dedicada a las «chicas guapas» que «parece que siempre están ligando» y que «ciegan a los hombres, sin importar lo que hagan» y que, bajo su bella máscara, solo esconden dolor e incluso «se desvanecerían si pudieran». Cuando Ethan Gold canta que el amor de estas chicas «nunca es sincero» pero que a «nadie parece importarle», me parece escuchar de lejos la alarma del frágil ego masculino. Pero ese tarareo final es demasiado irresistible para tener eso demasiado en cuenta.
Cher, que hoy 20 de mayo cumple 75 años, ha anunciado que se encuentra trabajando en su propio biopic con los productores de ‘Mamma Mia!’, estos son, Judy Craymer y Gary Goetzman. Universal producirá la cinta biográfica con guion de Eric Roth, ganador del Oscar por ‘Forrest Gump’, y quien ya trabajó con Cher en la película de 1987 ‘Suspect’.
La película narrará la historia de Cher como icono de los 60 por su etapa en Sonny & Cher, icono de los 70 por su etapa televisiva, icono de los 80 por su etapa rock y cinematográfica, icono de los 90 primero como actriz de anuncios de televisión y después por el lanzamiento del histórico single ‘Believe’ e icono del siglo XXI por hitos como su exitosa residencia en Las Vegas, que ha continuado hasta nuestros días; o por curiosidades como su divertido uso de Twitter o los virales que suele protagonizar de vez en cuando en las redes. Vienen a la mente aquella entrevista en la que llama «gilipollas» a David Letterman en la cara o aquella otra en la cuenta que, cuando su madre, la cantante Georgia Holt, le sugirió que se casara con un hombre rico, ella contestó que ella ya «es un hombre rico».
Como es sabido, Cher formó parte del reparto de ‘Mamma Mia! Here We Go Again‘, la segunda parte de la exitosa comedia romántica estrenada en 2008, que llegó 10 años después, e incluso lanzó un cuestionable álbum de versiones de ABBA. Los creadores de la película han declarado que están «emocionados» de volver a trabajar con Cher esta vez para «llevar a la gran pantalla la verdadera odisea que ha sido su vida» porque «uno no puede evitar sentirse atraído por su talento, fortaleza, ingenio, calidez y visión».
El de Cher se sumará a la lista de biopics con los que Hollywood está haciendo caja en los últimos tiempos: el de Queen ha hecho historia al convertirse en la película biográfica más taquillera de todos los tiempos a pesar de sus malas críticas, y estos días ha vuelto a ser un enorme éxito en su estreno en Telecinco. Y el de Elton John también ha sido un gran éxito. Mientras Madonna dirige el biopic sobre Madonna, lo cual es a todas luces una idea pésima, está por ver si el de Cher sumará un nuevo hito a la carrera de esta multipremiada artista.
Este jueves a las 21.00 se celebra la segunda semifinal de Eurovisión, en la que sorprendería bastante que Islandia y Bulgaria no se clasificaran, si bien hay que recordar que ninguno de los dos países cuenta con un historial demasiado boyante en el certamen. Bulgaria pudo quedar 2ª hace pocas ediciones, pero tan sólo se ha clasificado en 4 de las 12 ocasiones en que ha concurrido a las «semis». Por su parte, Islandia solo ha conseguido 1 de los 5 últimos pases para la gran final, por lo que, pese a la falta de competencia en esta segunda semifinal, abramos por si acaso la puerta de esa posibilidad, la del EURODRAMA. De hecho, Islandia no podrá actuar en la segunda semifinal tras haber dado positivo en covid-19 uno de sus miembros, por lo que toda la banda está en cuarentena. Os dejamos con nuestra tradicional guía para seguir la semifinal del jueves, en la que vota España.
San Marino: el featuring de Flo Rida
San Marino ha dado esta semana una enorme campanada al añadir al rapero Flo Rida a su presentación en directo, que además abrirá la segunda semifinal de este jueves. Senhit acude con ‘Adrenalina’, una canción de tintes orientales de los que tan buenos resultados ha dado en otras ocasiones a Grecia y a Turquía. El rapero, de origen americano, había formado parte de la producción del tema y del vídeo, y se ha fraguado un permiso especial para que pueda desplazarse a Rotterdam, siguiendo los protocolos pertinentes. San Marino, que a duras penas suele clasificarse para la final, ronda el top 10 en las apuestas.
El “Hurts” de Estonia
Con muchas menos opciones, el medio tiempo ochentero de Uku Suviste por Estonia, ‘The Lucky One’. Pese a que su puntito Hurts / Spandau Ballet no es lo peor que escucharás esta noche, aparece a la cola en las casas de apuestas. Ojalá tenga suerte superando la maldición de salir en 2º lugar (saludos a Amaia y Alfred).
El simpático popurrí de República Checa
Tampoco merece su penúltimo lugar en las casas de apuestas Benny Cristo, que al menos pondrá un poco de ritmo sobre el escenario de Rotterdam. ‘omaga’ es en lo musical una producción de pop-rock bailable por la vía de Maroon 5 y DNCE (los de ‘Cake by the Ocean’), mientras su vídeo rinde homenaje a clásicos del cine pop como ‘Grease’, ‘El resplandor’ o ‘Forrest Gump’, entre otros.
El baile virtual de Grecia
Se da por segura la clasificación de Stefania por Grecia, sobre todo porque excepto en 2 ocasiones, este país siempre ha llegado a la final. Pero también porque ‘Last Dance’ se levanta en su segunda mitad para dejar un mensaje optimista, y lo celebrará en vivo con un acompañante virtual.
El otro “Amen” de Austria
Dos canciones concurren este 2021 para Eurovisión llamándose igual, ‘Amen’. Ninguna con la contundencia de una verdadera «oración». El primer ‘Amen’ era la balada de Eslovenia, tipo ‘Hello’ de Adele y ya eliminada; mientras el ‘Amen’ de Austria trata de ser un poco más reconfortante y optimista, inclinándose hacia Take That. Pelea por pasar, pero va muy justa.
Polonia, entre a-Ha y Abel Tesfaye
Marcada por un positivo en covid-19 en su delegación, Polonia interpretará, si la última hora se lo permite, su canción de pop-rock. Si no, se proyectará la actuación grabada previamente, a la australiana. RAFAL presenta una ‘The Ride’ llena de luces de neón sacadas de los tiempos de a-ha, que tratará de aprovecharse también del éxito del último The Weeknd.
La Britney de Moldavia
Ni Polonia ni Moldavia parecen tener demasiadas opciones de ganar. La apuesta de estos es el tema de baile de Natalia Gordienko, que en caso de llegar a clasificarse tendrá que enfrentarse a la retahíla de Arianas, Duas y Gagas que lo dieron todo en la primera semifinal. ‘SUGAR’ es una canción peor dibujada, que deja su gancho a un break instrumental, como si siguiéramos en 2014.
Islandia, nuestra ganadora
Después de que un miembro de la delegación islandesa diera positivo en covid-19 este domingo, la banda fue puesta en cuarentena, pero un componente del grupo ha dado positivo unos días después. Por tanto, no podrán actuar en directo. Se emitirá un vídeo suyo de los segundos ensayos, pero suponemos que interferirá en las posibilidades de Islandia. El año pasado Daði og Gagnamagnið lograron viralizar su canción, consiguiendo que su tema fuera uno de los más imitados durante el confinamiento (y ser remezclado por los mismísimos Hot Chip). Este vuelven con un exquisito tema de disco-funky moderno que tenía todas las de ganar esta semifinal. Veremos si las condiciones de actuación no repercuten en el voto, de momento han bajado un puesto en las apuestas, al 6º lugar.
Las Lolas Indigo de Serbia
Hablando de divas, Serbia presenta tres: las componentes del grupo Hurricane, que lejos de referentes clásicos del R&B como Destiny’s Child y TLC, tirarán aquí más bien por la moda latina/tropical que no se termina de ir. ‘LOCO LOCO’, así chillado, podría ser un temita de Lola Indigo.
Georgia, posible farolillo rojo
Tornike Kipiani compite constantemente con España por el último puesto en las casas de apuestas. Pocas posibilidades para la balada ‘You’, que supera todos los límites de lo adormilado para un festival de estas características. En el vídeo aparece Tornike incluso sentado en una silla: no hace falta decir nada más.
El popurrí folclórico de Albania
Con muy pocas posibilidades más aparece la canción “chan chan chan” de Albania, con una Anxhela Peristeri que va evolucionando de la película de terror a la balada y de la balada al medio tiempo folclórico de tintes brostep. Es la versión “quiero y no puedo” de Ucrania.
Portugal vuelve a diferenciarse
La victoria de Salvador Sobral hace pocos años anima a Portugal a volver a jugar la carta de la diferenciación. Esta vez la canción de Black Mamba parece un poco menos evidente, por lo que todo dependerá del grado de puretas que sintonicen con Eurovisión no el sábado, sino el jueves, que es cuando la canción necesita despuntar. Las apuestas son favorables, pero cualquiera se fía.
Bulgaria, otra gran favorita
Otra de las grandes favoritas de las apuestas y también en la redacción es ‘Growing Up Is Getting Old’, una canción de Victoria, una cantante de 23 años con cualidades musicales y vocales para conectar con seguidores de Clairo o Billie Eilish. Una buena producción minimalista y con arreglos muy bonitos, cuya puesta en escena en vivo puede conquistar también al público familiar.
Finlandia, metal y gorilas
Finlandia es uno de los mercados clave para las bandas de jevi, hardcore, y amigos. Sin competencia rockera, la clasificación de Blind Channel parece asegurada con este ‘Dark Side’ que puede conquistar a los seguidores de Chester de Linkin Park… y también un poquito a los del ‘Baile del gorila’ de Melody. De clasificarse, en la final tendrán que vérselas con la canción de rock de Italia y la puesta en escena de ángeles caídos de Noruega, en verdad mucho más pop.
La canción “Diploide” de Letonia
Más suspicacias ha despertado la clasificación de Letonia, con una canción, ‘The Moon Is Rising’, que opta por los ritmos que Mad Decent convirtió en éxitos masivos ya hace casi más 10 años que 5. Samanta Tina va a tener que currarse mucho la puesta en vivo para no resentirse a estas horas de la noche de cierto agotamiento, pues sale antes y después de favoritos.
El hype de Suiza
Megapromocionado en Telecinco y otras televisiones, el suizo Gjon’s Tears actúa en Rotterdam en buena posición, penúltimo lugar de la segunda semi, pero con el hype un poco apagado. España vota en esta semifinal, por lo que sus puntos los tiene asegurados, pero el sábado habrá de competir con la balada francesa, que es la que más se ha destacado en los últimos días. Veremos qué sucede porque Francia tampoco se caracteriza por sus grandes alianzas.
Los Varry Brava de Dinamarca
Cerrará la noche y con posibilidades de clasificación la canción de Fyr & Flamme, que comienza con un beat de C.C. Catch, sigue como una producción de ABBA y termina como una canción de Los Pecos. Sí, queremos ver esta constante explosión de confetti imaginario en la final. Te gustará si te gusta… Varry Brava.
Miren Iza, Tulsa, parece ya definitivamente lejos del rock angosto que practicaba en ‘Espera la pálida‘ o ‘Solo me has rozado’. ‘Ese éxtasis’ ahonda en la vena más pop, la que se abrió en la era ‘La calma chicha‘. Después del pletórico ‘Centauros’, Tulsa se muestra más synth-pop que nunca. ‘Ese éxtasis’ fue grabado en Daimiel en julio, en una casa en la piscina, junto con los músicos, entre ellos Betacam, justo en ese momento en que la pandemia y el confinamiento se relajaban y todos nosotros respiramos… antes de que el zarpazo de la Covid-19 regresara para amargarnos otra vez. Esta “calma chicha” (si se me permite el chiste), se refleja muy bien en el disco, más fruto del azar que de una planificación, si hemos de hacer caso a su hoja promocional. Aunque hay tres temas que ya eran conocidos de antemano: ‘Autorretrato’, ‘Tres venenos’ y ‘Yo no nací así’.
Y precisamente, abrir con ‘Autorretrato’, una de las mejores canciones de 2020 puede ser un tanto arriesgado. ¿Es el mejor tema de la historia de Tulsa? Al menos lo parece. Una balada inmensa en su emotividad y en su calma, un tanto tensa, hasta que rompe en su última parte, pletórica, en la que Miren canta como nunca. Como bien señalaba mi compañero Sebas, Tulsa ya tiene una andanada de himnos, pero este conmueve especialmente, porque es realista y es tierno, porque tiene una letra memorable, porque todos podemos sentirnos reflejados en alguno de sus versos. Mi favorito es «me gusta tener hermanos / ellos ya saben cómo soy».
No sé hasta qué punto abrir con una canción tan buena es contraproducente para el resto del álbum. Porque después de un retrato tan íntimo, esperas un disco confesional. Pero más bien Miren se decide por un disco de relatos, de retratos bufos sobre las relaciones, o las convenciones sociales. Y muchos temas parecen hechos como un patchwork; algunos brillan más en sus partes que en su conjunto. ‘Destrucción mutua asegurada’ tiene un aire medio reggae medio pop sofisticado muy ochentas, en que una letra aparentemente amorosa acaba deviniendo un agridulce retrato de la guerra fría en el amor. A ‘Tres venenos’, tras un puente un tanto insulso, la rescata un estribillo rotundo. ‘Dinero caído del cielo’, una fábula anticapitalista, va creciendo en su desarrollo de los R.E.M. más dulces.
Pero también hay temas redondos de principio a fin, como el disco chungo y asfixiante a la New Order de ‘Los volcanes avisan’, lo más parecido a un hitazo bailable que nos ha regalado Miren. Al final, las canciones que tienen más fuerza son las confesionales, emotivas, autobiográficas. Es el caso de ‘Os oigo follar’, un relato de anhelos y melancolías un tanto amargo, un tanto resignado, o de ‘Yo no nací así’, un desarrollo lírico, doliente, de esos que sólo Miren sabe cantar, que acaba estallando en otro precioso estribillo.
Por mucho savoir faire y más calma que pretendan aparentar, las canciones de Tulsa siempre esconden algo inquietante e inasible. Y ‘Ese éxtasis’ no es una excepción. Tengo la sensación constante de que aquí hay algo que se me escapa, por más escuchas que le dé: un motivo más para ir volviendo, hasta que descubra el secreto. Y, como siempre, es un gustazo siempre encontrarse con Tulsa, su voz rasposa, dulce y desafiante, esa manera suya de escribir, tan literaria, que juega a descolocar letras y música. Sí: queremos mucho a Tulsa.
Marina publica hoy el tercer adelanto de su nuevo disco, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’, que sale el 11 de junio. El tema escogido es el que da título al álbum y musicalmente es el más potente de todos. Sus baterías remiten primero a la Katy Perry de ‘I Kissed a Girl’ y después a los himnos de los Depeche Mode más comerciales o incluso a los Muse de ‘Uprising’, que incluso parece una referencia directa por lo épico y grandilocuente de la composición, pero después el tema introduce una capa de sintetizadores que tiran más por los Goldfrapp más electro. Todas estas influencias asoman en una canción que no deja de resultar distintivamente propia de MARINA, por otro lado.
La letra de ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ vuelve a hacer gala de la responsabilidad que sienta MARINA por hacer de este un mundo mejor, ante las adversidades a las que se enfrenta la humanidad hoy en día. Si ‘Man’s World‘ afrontaba el heteropatriarcado y ‘Purge the Poison‘ otros temas como el cambio climático o el movimiento #MeToo, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ habla sobre la importancia de no conformarse con el estatus quo y ser una misma. «No tienes que ser como todo el mundo, no tienes que adherirte a la norma, no estás aquí para conformarte» es el mensaje que deja el robótico estribillo de la canción, en el que después MARINA pasa a hacer sus habituales piruetas operísticas.
En sintonía con el resto de singles del álbum, ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ busca una solución en el pasado para solucionar los problemas del presente. Vuelven a resultar algo naífs frases como «nuestros ancestros tuvieron que luchar para sobrevivir, para que nosotros pudiéramos tener una oportunidad en la vida, no estamos aquí para echarlo todo por la borda» o «intento volver atrás en el tiempo, a un tiempo antes de que yo tuviera forma, a un tiempo antes de que yo naciera», pero no queda muy claro a qué tiempo busca MARINA regresar y por qué le parece el pasado tan sumamente atractivo. Seguramente se refiera a un tiempo sin redes sociales ni teléfonos móviles, en el que la humanidad estaba en mayor contacto con la naturaleza.
El caso es que a Rosalía también le ha gustado especialmente y ahora ha decidido sumar su voz a esta grabación. La letra es la original pero traducida al castellano. Culminan así unos rumores de colaboración que nos remiten a 2018, cuando la cantante catalana compartía una instantánea de ambos juntos, desatando la imaginación popular.
Curiosamente, ya en nuestra crítica de ‘Nothing’s Special’ una hipotética aparición de Rosalía en la canción nos parecía posible, quizá por lo dramático de su preciosa melodía: «Es una balada de formas abstractas, pero una balada al fin y al cabo, con cara y ojos, que pasará desapercibida por el público generalista pero que merecería una aparición en cualquier banda sonora en la que Lopatin trabaje próximamente. ¿No pegaría por aquí su amiga Rosalía?»
‘Magic Oneohtrix Point Never’ fue lanzado el 30 de octubre de 2020 e incluía la voz del productor ejecutivo, The Weeknd, en ‘No Nightmares’. Las colaboraciones entre Oneohtrix Point Never y The Weeknd han sido constantes en los últimos meses, lo que incluye la mismísima Super Bowl y también la ceremonia de los Brits. Rosalía también ha colaborado con el propio The Weeknd en un remix de ‘Blinding Lights’: aquí todo queda en casa.
En el disco de OPN también encontrábamos a Caroline Polachek, Arca, Nate Boyce y Nolanberollin. Los cineastas Josh y Benny Safdie dirigieron el videoclip para el tema ‘Lost But Never Alone’, una continuación de la colaboración entre los hermanos Safdie y OPN para dos de sus icónicas películas: ‘Uncut Gems’ y ‘Good Time’, por la que recibió el premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival de Cine de Cannes en 2017.
Entre la playlist de este mes de nuestro excodirector Raúl Guillén «Flores en el estiércol«, aparece Fred again.., el proyecto del productor británico Fred John Philip Gibson, que posiblemente te suene por su colaboración reciente con FKA twigs, por sus créditos en la discografía de Ed Sheeran o en varios hits de los últimos años, como es el caso de ‘After the Afterparty’ de Charli XCX.
Esta primavera ha publicado un disco llamado ‘Actual Life (April 14 – December 17 2020)’, en el que muy al margen de su trabajo con Ed Sheeran, que seguramente le dé de comer, exprime su faceta de productor a medio camino entre Jamie xx y el Moby de ‘Porcelain’. Algo perceptible en canciones de ritmos house como su hit ‘Kyle (I Found You)’, recogida aquí aunque procede de 2019, o la estupenda ‘Julia (Deep Diving)’, que salía a finales de 2020 remitiéndonos ligeramente a The Field o a Burial, a quien reconoce como influencia fundamental en sus tiempos mozos.
Fred again.. está triunfando con su bonus track junto a The Blessed Madonna, ‘Marea (We’ve Lost Dancing)’, que incluso se ha quedado a las puertas de ser top 40 en Reino Unido. Pero hoy seleccionamos como “Canción del Día” una de las joyas perdidas del álbum, la llamada ‘Yasminah (See Your Face Again)’.
También cercana en espíritu a Caribou, la canción no deja de repetir simplemente “I can’t wait to see your face again” una y otra vez (luego sí se añaden unas palabras extra), dejando que guíen el tema los trucos de producción que se van sumando. Entre ellos, samples vocales, una percusión que va ganando peso y una nube de sintetizadores relacionados con el mundo dream pop, que sitúan su proyecto junto a los que, dentro de la electrónica, cuentan con una sensibilidad especial.
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