Un juzgado de Madrid ha albergado hoy un acto de conciliación entre la representación legal de Julio Iglesias y la de elDiario.es después de que el cantante pidiese al medio la rectificación y eliminación de todas las noticias publicadas sobre él a partir del 13 de enero. El medio, su director y los periodistas involucrados en la investigación se han negado.
Así lo ha aclarado Ignacio Escolar en un vídeo subido a la cuenta del medio: «No nos retractamos». Este continúa asegurando que «Julio Iglesias no quería que quedara ni rastro de nuestra información, tampoco de los detalles más turbios, como esas pruebas de enfermedades de transmisión sexual que realizaban a estas mujeres. Un tipo de pruebas médicas que solo pasaban ellas, las cocineras y las criadas, no los jardineros».
Tras la demanda de conciliación, queda abierta posibilidad de que Julio Iglesias presente una querella contra elDiario.es y, de hecho, el cantante ha asegurado que así será: «No es fácil aguantar estas presiones, pero es nuestro trabajo publicar información contrastada y veraz. En este caso, una rigurosa investigación que nos llevó 3 años de trabajo», explica Escolar. Una querella abre la puerta a reclamar penas de cárcel. Sin embargo, el director del medio mantiene su posición: «Si Julio Iglesias se querella contra nosotros, nos defenderemos en los tribunales».
En agosto de 2024, los tres conciertos de Taylor Swift que iban a celebrarse en Viena como parte del Eras Tour fueron cancelados después de que las autoridades confirmasen un intento de atentado terrorista que dejó tres personas detenidas. Ahora, uno de ellos ha pedido perdón antes del veredicto del juicio.
El hombre austriaco de 21 años, al que se han referido en el juicio como Beran A., se enfrenta a 20 años de prisión por ofensas terroristas y membresía en una organización terrorista. El acusado se declaró culpable de los cargos durante el primer día de juicio, que tuvo lugar el mes pasado.
Los fiscales aseguran que Beran A. tenía como objetivo atacar a las personas que se encontrasen fuera del estadio Ernst Happel con cuchillos y bombas caseras. Mientras que el recinto tiene un aforo de 65.000 personas, se esperaba que más de 200.000 se presentasen en Viena durante las tres fechas que Swift tenía planeadas. Ahora, antes de su veredicto, el acusado ha pedido disculpas: «Me gustaría decir que lo siento».
El abogado del acusado aseguró en el juicio que su cliente no era un «genio ideológico», apuntando a las otras dos personas con las que comparte juicio y de las que se piensa que planeaban llevar a cabo varios ataques simultáneos en Arabia Saudí, Turquía y Emiratos Árabes Unidos durante el Ramadán. Solo Beran A. ha sido acusado de lo relacionado con el concierto, declarándose no culpable del resto de ataques.
Gracie Abrams ha anunciado hoy su gira de arenas, The Look At My Life Tour, que pasará por Norteamérica, Europa y Reino Unido. Esta comenzará en Estados Unidos el 2 de diciembre de 2026, y no será hasta mayo de 2027 cuando la autora de ‘Hit The Wall’ pase por nuestro país, con dos fechas exclusivas en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
La etapa europea de la gira de Gracie Abrams llevará a la artista a Barcelona durante los días 27 y 28 de mayo de 2027, donde estará acompañada por Jake Minch como artista invitado. Esta será la culminación de un tour que previamente pasará por Estados Unidos, Canadá, Francia, Bélgica, Holanda, Irlanda, Reino Unido, Alemania, Suecia e Italia.
La preventa de los conciertos de Gracie Abrams tendrá lugar el próximo martes 2 de junio a las 9h y quienes reserven su nuevo álbum, ‘Daughter From Hell’, antes del lunes 1 de junio a las 13h recibirán un código para acceder a la preventa. Quien ya lo haya reservado, recibirá un código automáticamente.
Por otro lado, habrá una preventa para usuarios de Live Nation el jueves 4 de junio, también a las 9h. La venta general comenzará el viernes 5 de junio a las 9h en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.
Casi que podría fusilar la introducción que escribí para la crítica de ‘Consagración’ (2018): “siete años sin La Estrella de David han sido demasiados. Vale que David Rodríguez no ha estado precisamente inactivo…”. Bueno, ahora han sido siete y medio. Y en ese lapso David ha sacado singles, un disco de country con Maria Rodés, ha producido a Soleá Morente…
Esta vez edita Sonido Muchacho. ‘Máximo’ rompe la línea estilística de La Estrella de David. ‘Consagración’ era la continuación de ‘Maracaibo’ (2011) que, a su vez, era la evolución lógica de ‘La Estrella de David’ (2007). La producción es más pulida. Es todo más rock, menos lo-fi. Se aparta de su sonido más pop, ese que le situaba entre New Order y el noise. Algunas neuras del autor siguen ahí, pero son neuras menos personalizadas, menos concretas. Ha cambiado la perspectiva: de añorar mucho a alguien que se fue/te dejó/dejaste, ha pasado a estar con alguien de quien te quieres prendar, pero, ay, no lo logras. Y aparece Madrid mentado mucho más que el Baix y que Sant Feliu. Definitivamente, ‘Máximo’ es su disco madrileño.
Este cambio lírico y el lifting estético hace que, al principio, no acabe de arrancar en las primeras escuchas. Se echa de menos las sonoridades y las canciones que toquen la fibra desde el minuto cero. Tampoco hay hits tan significativos como ‘Cariño’ o ‘Vejaciones en la costa’. A cambio, hay una colección de canciones más compactas y costumbristas.
Después de una breve introducción instrumental, abre con ‘Yo quiero enamorarme de ti’, lo más parecido a un hit del álbum. Una pieza muy dura, sincopada, rockera y pegadiza, con la voz de David enterrada entre riffs y golpes de batería (Jordi Irizar otra vez). David canta con un ahínco similar a las ganas de enamorarse que tiene. ‘No me quieras tanto’ tiene un bonito deje a The Cure y refleja la frustración que genera estar siempre buscando algo más de lo que se tiene, sentimentalmente hablando. ‘Demasiado bien contigo’, es poperilla y alegre pero no mucho, con él gritando al final “vete ya de mi cabeza”.
En general ‘Máximo’ suena más animado, a pesar de que sobrevuela en él la idea del peso de la edad y el paso del tiempo. ‘Látigo negro’ rompe un poco la progresión del disco: postpunk épico y oscuro, recuerda a ‘La primera piedra’ de ‘Consagración’. Explica la historia del látigo negro, sobre el pastor del pueblo de su padre que se fue a Madrid. “Nunca saldrás de pobre si no robas”. Pura sabiduría capitalista, la del látigo. Y puro lamento anti-gentrificación, el de David “¿A dónde ir, si siempre vendrá Amancio Ortega a recibirme?”.
En general las canciones son simpáticas. ‘Haciendo el tonto’, pizpireta canción de clásico pop rock hispánico, con dejes de Joe Crepúsculo. O ‘Nombre provisional’, un anhelo de redención a través del amor con unas bonitas guitarras muy británicas, muy primeros ochentas. Sólo que no acaban de explotar del todo. Les falta ese drama cotidiano, ese toque que las hace memorables, al que tan bien nos tenía acostumbrados David.
Pero como para romper tanta ligereza, ya en el tramo final, irrumpe ‘Andrés’, la que nos devuelve al crooner arrastrado y emotivo. Es circular, hermosa y triste: “si no pierdo la cabeza es que no va bien”. Un mea culpa en que David admite que añora el dolor, donde reflexiona que “pa qué te voy a querer”. Entre los New Order y Los Planetas más sensibles, se desnuda, se desgarra, se convierte en baladón sentido, desgarrado, en la canción romántica de partirse la camisa. Hay una asunción total de la derrota: “esto no va a ningún lado”. La saltarina ‘Cariño madrileño’ (letra de Luis Troquel) después suena rarísima, tan feliz, tan risueña. A pesar de lo raro de la secuencia, es otra de las canciones destacadas. Y el cierre con el costumbrismo de ‘Mari Carmen’, con referencias a su padre y Manolo Escobar, con bien de ruidismo, espíritu pop, coros de Joe Crepúsculo… Como que hacia el final se dibuja un disco de La Estrella de David más La Estrella de David clásico.
‘Máximo’ es un disco simpático, en general. Pero echo de menos más debacles emocionales. Me faltan hits, me faltan más canciones que me hagan llorar. Los intentos de enamorarme de los temas son los mismos que hace David de enamorarse de sus interlocutoras. Pero como David, tampoco lo consigo del todo. Quizás no es él, quizás soy yo.
Barry Gibb ha sido la última víctima de un bulo viral que anunciaba falsamente su muerte. Según informa TMZ, el miembro de los Bee Gees se encuentra “sano, feliz y disfrutando de la vida” en su casa de la zona de Miami, pese a los rumores que han circulado en redes sociales durante las últimas horas.
El origen del fake habría sido una página de Facebook titulada “R.I.P. Barry Gibb” que acumuló cerca de un millón de interacciones y compartía una supuesta noticia detallando el fallecimiento del músico. El contenido, claro, era falso, pero muchos usuarios le dieron credibilidad y el rumor no tardó en expandirse por distintas plataformas y foros online.
No es la primera vez que una estrella internacional se convierte en objetivo de este tipo de noticias inventadas. En los últimos años, Justin Bieber, Morgan Freeman, Madonna o Jon Bon Jovi también han tenido que desmentir falsas informaciones sobre su muerte que circularon como la pólvora en internet. Desde España le tocó hacerlo a José Luis Perales.
A sus 79 años, Barry Gibb sigue siendo el último miembro vivo de la formación clásica de Bee Gees, uno de los grupos más exitosos de la historia del pop. Maurice Gibb falleció en 2003, y Robin en 2012.
Manuel Carrasco está en plena promoción de su nuevo disco ‘Pueblo Salvaje I’ y ha pasado por El País dejando varias reflexiones y una pulla directa al medio. Con buen humor, el artista reprocha a El País que no cubriera su concierto en el Santiago Bernabéu en 2024. “Fui el único músico español que actuó allí y no se cubrió. Creo que no contaron ustedes algo resaltable… con toda la humildad, pienso que era un acontecimiento para hacer una crónica”, comenta, mientras desde el medio le recuerdan que sí hubo cobertura de otros hitos como su multitudinario show en La Cartuja o varias entrevistas en 2022.
Carrasco aprovecha para ir un poco más allá y critica un supuesto problema estructural en la música relacionado con los prejuicios y las etiquetas. “No solo en el periodismo, en toda la industria musical la gente te cuelga una etiqueta que nunca es buena”, dice, e insiste en que muchas veces su trabajo se ha leído desde la superficie, sin demasiado análisis, algo que arrastra desde que se dio a conocer en Operación Triunfo hace más de dos décadas.
El cantante, en realidad, parece referirse a un viejo debate entre el flamenco y el indie, y afirma que “hay una parte de la prensa que no se ha parado a ver qué ha pasado ahí, y creo que debería”, mencionando casos de artistas como Extremoduro o El Barrio, que jugaron con el flamenco y también tuvieron que pelear contra ciertos prejuicios en sus inicios en los medios. “Porque es una música que bebe de algo muy nuestro, que es el flamenco”, afirma.
Desde ahí, Carrasco plantea que en España muchas veces se mira con más entusiasmo lo de fuera que lo propio. “A veces le damos demasiada bola a lo que viene de fuera y arrinconamos lo nuestro”, dice, y cita incluso el fenómeno de Bad Bunny como ejemplo de cómo lo local también puede convertirse en global. El artista remata con una frase de Lola Flores que resume su idea: “¿Por qué lo nuestro tiene que ser peor?”.
En la entrevista también aparece otro frente abierto: la multa de 400.000 euros por ruido tras el concierto del Bernabéu. Carrasco confirma que “no está solucionada”: “Hemos pagado, pero está recurrido”.
Por otro lado, el artista ha sido el invitado musical de esta noche en La Revuelta, donde ha interpretado ‘La humanidad’. En El País, explica el sentido del tema, señalando la falta de empatía de los “dominadores del mundo” y dejando una lectura bastante directa del contexto actual: habla de gente “puteada”, con vidas complicadas y frustración acumulada, que encuentra en ciertos discursos políticos más extremos una respuesta fácil a su cabreo, incluido el voto joven, cada vez más expuesto -según dice- a ese tipo de mensajes.
Olivia Rodrigo es la última invitada al Popcast de The New York Times presentado por los críticos musicales Jon Caramanica y Jon Pareles. La entrevista completa se estrena a lo largo del día de hoy, pero el podcast ha publicado un adelanto en sus redes sociales en el que Olivia responde a las críticas que recibió por el vestido tipo babydoll que ha solido llevar en algunos de sus conciertos.
Rodrigo se muestra “molesta” con las críticas y considera que responden a la normalización cultural de la pedofilia. “Me enfada mucho, es realmente perturbador. He llevado outfits reveladores en el escenario, lo cual es mi derecho. Ese vestido tipo babydoll, con el que estaba completamente cubierta, no era inapropiado. La gente lo consideró infantil y eso muestra cómo normalizamos la pedofilia en nuestra cultura. Es el discurso con el que crecemos como chicas: que nos dicen «no te pongas esto o un hombre sexualizará tu cuerpo y será tu culpa», asegura.
Olivia aclara, por si fuera necesario, que no se sentía “sexy” en absoluto llevando ese vestido, a diferencia de otros conciertos en los que ha usado estilismos más “reveladores”. Indica que, en realidad, le pareció un conjunto “muy bonito”, que le recordaba a ciertos looks que han llevado sus ídolas Kathleen Hanna y Courtney Love en el pasado.
“Soy muy protectora con las mujeres jóvenes y las niñas. No deberías ser responsable de que un hombre te sexualice de una manera que nunca fue tu intención”, matiza.
Jungle siguen presentando su nuevo disco, ‘Sunshine’, que sale en agosto y que presentarán con dos conciertos en España los días 26 y 28 de noviembre en el Movistar Arena de Madrid y el Palau Sant Jordi de Barcelona, respectivamente.
Después de ‘Carry On‘, un primer single de corte bossa nova, llega un segundo adelanto que confirma que Jungle quieren volver a adueñarse del verano.
‘The Wave’, la Canción Del Día de hoy, también se presenta inspirada en la música brasileña de los años 60 y 70, según la nota de prensa oficial. En concreto, J Lloyd, Tom McFarland y Lydia Kitto han querido plasmar en ella la «calidez y musicalidad de aquella era», pero valiéndose de una «producción especialmente lustrosa», es decir, contemporánea. Y también muy bailable: ‘The Wave’ es, ante todo, un tema de corte nu-disco, uno de los más sólidos de Jungle dentro de ese estilo, aunque manteniendo la calidez vocal retro de las armonías y de la voz de Lydia, tan distintiva.
La razón de ser de esta excursión nu-disco es que, en el fondo, ‘The Wave’ busca acompañar al oyente mientras atraviesa un bache emocional. La canción, concretamente, versa sobre «encontrar la fortaleza para perseverar en una relación que afronta retos», por lo que ofrece «una dosis de optimismo para enfrentar los tiempos difíciles». Así, si el preestribillo clama «no digas que se acabó cuando todo se derrumba; sabes que se vuelve más fácil si resistimos», el estribillo eleva el componente emocional: «Oh, no llores, lo tenemos todo, no te preocupes; podemos encontrar el camino a través de la oscuridad, podemos volver adonde empezamos».
El videoclip lleva el mensaje de ‘The Wave’ a la coreografía, como ha venido siendo habitual en Jungle: pura emoción sincronizada, esta vez ambientada en una gasolinera nocturna. Como pasó con ‘Back to 74’, ardemos de ganas de presenciarla en directo.
Slayyyter está subiendo (algo) en las plataformas de streaming y hay ciertos indicadores de que sus temas empiezan a despuntar. La artista ha paseado su álbum ‘WORST GIRL IN AMERICA‘ por Coachella, casi sin concesiones a su pasado, lo ha llevado a Jimmy Fallon y sus temas empiezan a compartirse en TikTok. Nuestro colaborador Fernando García apuesta que una de sus canciones va a terminar de viralizarse este verano y así lo defiende en REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP.
¿Será esa canción ‘DANCE’? ¿Será ‘CRANK’? ¿Acaso alguna más antigua puede dar la sorpresa?
En este episodio debatimos sobre la calidad de ‘WOR$T GIRL IN AMERICA‘, que algunos defienden como uno de los mejores discos de 2026 -y otros no tanto-. No pasamos por alto las influencias de Justice y Crystal Castles, ni las historias tan personales de ‘GAS STATION’ o la picardía de ‘CRANK’.
Hablamos de sus orígenes de Misuri, la influencia de artistas como Britney Spears o Charli XCX y sus primeros trabajos. Si bien este ‘WOR$T GIRL IN AMERICA’ ha sido un claro punto de inflexión, también lo fue en cierta medida el anterior álbum ‘STARFUCKER‘, que ya incluimos en el Anuario de lo Mejor de 2023 -aunque en las últimas posiciones-.
Dedicamos unos minutos a recordar su primera mixtape de 2019, donde se incluyó el hit EDM ‘Mine’, y su debut oficial de 2021 ‘Troubled Paradise’, más influido por el hyperpop. Analizamos qué ha sobrevivido y qué ha cambiado desde aquellos primeros pasos, no muy exitosos, que casi le hacen dejar su carrera musical.
«El nuevo álbum es una llamada a despertar antes de que sea demasiado tarde. Los unos no somos los enemigos de los otros. Las personas trans y los inmigrantes no tienen la culpa de que los putos huevos estén tan caros». Genesis Owusu concedía el año pasado esta entrevista a The Guardian en la que anticipaba la temática de su tercer trabajo, ‘Redstar Wu & the Worldwide Scourge’.
Un sentir muy bien retratado en el tema cuasi titular ‘The Worldwide Scourge’, en el que menciona irónicamente arquetipos como «los palestinos odian a los gays» o «las personas trans son pecadoras».
El australiano de origen ghanés que se ha caracterizado por su mezcla de rap, indie, electrónica, ritmos africanos y funk, llevando a recibir comparaciones con gente que jamás había escuchado previamente, ha querido hacer un retrato de lo que es el planeta Tierra en la década de los 20. El primer tema del álbum, ‘PIRATE RADIO’, reparte contra Elon Musk (al que llama «puto raro»), Donald Trump o los fans de Kanye West. En ‘MOST NORMAL AMERICAN VOTER’ critica la falta de información de la gente que acude a las urnas.
Es extraño que un álbum que pretende ser un «azote global» como este, desarrollado junto al productor Dann Hume, suene a veces tan abotargado. Bajando el tempo y con cierto aire funk o jamaicano, ‘HELLSTAR’ y ‘BLESSED ARE THE MEEK’ no serán los himnos guerreros que te hagan querer tomar las calles a modo de protesta. Como tampoco el añadido de Ladyhawke a ‘FALLING BOTH WAYS’ eleva demasiado esa primera mitad del disco.
A Genesis Owusu se le da mejor soltar los perros de los que hablaba en su excelente álbum de debut, y es por eso que la electrónica ‘BIG DOG’ es una de las grandes dianas de este trabajo. Ojalá hubiera más canciones como esta o como la eléctrica ‘DEATH CULT ZOMBIE’, donde salen de nuevo a relucir sus conexiones con la cultura británica, esta vez a través de los Blur de ‘Parklife’.
El primer viaje que ha hecho a Ghana como artista, ahora que sus padres por fin se han podido permitir volver desde Australia a su país de origen, queda retratado en el vídeo de ‘LIFE KEEPS GOING’, más que en el sonido del álbum. Un disco variado como siempre lo han sido los trabajos de Genesis Owusu, en el que incluso cabe una rareza como ‘4LIFE’, con su voz irreconocible, explicándonos cuánto echa de menos a sus amigos.
Ya hay críticas proclamando que esta grabación atípica, que a duras penas parece suya, es lo peor del disco y también lo mejor, y todo el mundo tendrá su parte de razón. Porque no, no es lo que musicalmente necesitaba el tercer disco de Genesis Owusu para que nos apegáramos a sus muy necesarias canciones revolucionarias, pero sí la típica cosa inesperada que hace de Genesis Owusu, Genesis Owusu.
Madonna ha contado que en sus primeros años en Nueva York, a principios de los 80, provocó accidentalmente un incendio eléctrico en el edificio ilegal donde vivía en el Garment District de Manhattan. Sin duda, una gran influencia para Britney Spears, que incendió su gimnasio -también por accidente- décadas después.
La anécdota sale a la luz porque Madonna se ha asociado con una conocida plataforma de pagos y recompensas para alquileres para pagar un mes de alquiler a cada músico residente del icónico Music Building de Midtown, el espacio de ensayo y viviendas donde empezó a forjarse como artista cuando acababa de llegar a la ciudad.
En un vídeo promocional, Madonna recuerda que, antes de encontrar refugio allí, vivía en condiciones muy precarias, concretamente sin calefacción, en pleno invierno neoyorquino, durmiendo sobre el suelo dentro de un saco de dormir y rodeada de calefactores eléctricos.
La situación acabó peor de lo esperado. “Estaba viviendo ilegalmente en un edificio del Garment District sin calefacción en pleno invierno, durmiendo en el suelo en un saco de dormir rodeada de estufas eléctricas”, explica. Una noche, cuenta, provocó un incendio eléctrico por accidente. Como si de una película se tratara, cuenta que se despertó «rodeada de llamas”.
Sin otro sitio al que ir, Madonna escapó y acabó instalándose en el Music Building de la 8ª Avenida, un lugar mítico para músicos de Nueva York que terminó siendo decisivo en su carrera. “Los artistas llegan cada día a Nueva York con un sueño y, más a menudo de lo deseable, con poco más”, ha explicado.
Madonna, en esta primera entrevista promocional de la era ‘Confessions II‘, ha confirmado que el tema que cierra el disco, ‘L.E.S. Girl’, en su edición deluxe, está inspirado en esa época: son siglas de «Lower East Side girl».
Madonna is partnering with Bilt, including covering one month of studio rent for musicians at The Music Building, where she once lived. She also teases ‘Confessions II’: “It starts out straight up four-on-the-floor house music, and then it ends on a song called ‘L.E.S. Girl.’” pic.twitter.com/IYc3UxX6Nf
Panda Bear y Sonic Boom, que ya colaboraron en el recomendable ‘Reset‘ (2022), vuelven a unir fuerzas en un nuevo disco titulado ‘A ? of WHEN’, que no se subirá a plataformas de streaming: solo estará disponible en formato físico y descarga digital. De hecho, el tema titular ya se puede escuchar, pero solo si se compra el álbum por adelantado. Así, Panda Bear comunica su intención de recuperar una relación más directa y tangible con la música, “minimizando todo lo online”.
En un comunicado, Panda Bear habla contra “la basura de la IA” y la dinámica de los algoritmos y apuesta por la “conexión real”: “de aquí en adelante buscamos la radio, los conciertos, las escuchas colectivas, las sesiones de preguntas y respuestas y las interacciones en la vida real para volver a un lugar que sentimos que tiene más sentido”, cuenta. “Por eso os pedimos que os unáis a nosotros offline, fuera de las redes sociales. que nos encontréis en el mundo real. IRL, no URL…”
El álbum vuelve a jugar con un enfoque sonoro experimental, siendo un disco construido a partir de bucles y texturas poco habituales en su música, como arpa (interpretada por Mary Lattimore), steel drums, pedal steel e incluso fragmentos de una banda de mariachi; todos estos sonidos «rompen» deliberadamente con el sonido del álbum anterior.
En cuanto a la temática, las canciones abordan el «agotamiento digital, la depresión contemporánea, la crisis política y la sostenibilidad ecológica», por lo que entrará especialmente en materia. El 10 de julio podrá escucharlo quien lo compre.
The Durutti Column, el proyecto de Vini Reilly surgido en los márgenes del post-punk británico, regresa con ‘Renascent’, su primer disco en 16 años, el primero exactamente desde ‘A Paean to Wilson’, que data de 2010.
Más que una banda convencional, The Durutti Column es un proyecto centrado en la figura de Reilly, uno de los primeros artistas de Factory Records, el primer sello que lanzó a Joy Division, lo cual incluye su mítico ‘Unknown Pleasures’ (1979).
Sin hacer mucho ruido, The Durutti Column es una referencia que ha resultado muy influyente en el pop actual, incluso en artistas tan improbables en principio como Harry Styles, Frank Ocean o, desde España, Natalia Lacunza, que considera a The Durutti Column «su grupo favorito ahora mismo»; o en otros artistas más previsibles como Youth Lagoon. En el último año, además, ha vuelto a la palestra colaborando con Blood Orange en la maravillosa ‘The Field‘, que incluía también a Caroline Polachek, entre otros.
Desde su debut en 1980 con ‘The Return of the Durutti Column’, un disco que ya apuntaba a una sensibilidad muy alejada de su contexto, su propuesta se ha basado en alejarse del ruido dominante del post-punk para explorar, también en álbumes destacados como ‘LC’ (1981), ‘Another Setting’ (1983), ‘Without Mercy’ (1984) y ‘Vini Reilly’ (1989), un abanico de sonidos definido por guitarras limpias, atmósferas melancólicas e influencias más introspectivas que han conectado con el ambient, el jazz o la música clásica.
El primer avance de este ‘Renascent’ que se podrá escuchar a partir del 31 de julio, se llama ‘Liars’ y combina las guitarras habituales de The Durutti Column con coros celestiales, una base rítmica de inspiración hip-hop, y la voz susurrada de Reilly.
El videoclip que ilustra ‘I’m Your Girl Right?’, primer avance del álbum ‘ESTRUS’ de Tove Lo, comienza casi como un capítulo de ‘Los testamentos’. Jóvenes uniformados y disciplinados por medio de la instrucción y la obediencia, en un entorno eclesiástico y cuartelero (el clip está rodado en Brasil, en un antiguo monasterio a las afueras de Sao Paulo), como si fuera un internado de Gilead o cualquier dictadura teocrática.
Pero basta una notita de amor en el comedor para que el orden establecido salte por los aires como la reputación de Zapatero. La irrupción del deseo actúa como un virus que infecta ese ecosistema de represión, transformando la obediencia en pulsión y la sumisión en liberación. De repente, pasamos del puritanismo distópico de ‘Los testamentos’ al erotismo danzante del ‘Suspiria’ de Guadagnino o al delirio corporal de ‘Climax’, de Gaspar Noé.
El gran valor del clip es que narra esa transformación casi exclusivamente a través del cuerpo y de la puesta en escena: cambian las luces, el montaje se acelera, los encuadres dejan de ser geométricos, y el baile abandona la rigidez marcial para entregarse a una sensualidad anárquica y contagiosa. La disciplina visual del arranque se descompone al mismo ritmo que lo hace el orden moral que representa: donde antes había simetría, control y obediencia, irrumpe el caos, el deseo y una suerte de liberación colectiva.
La 24ª edición de Primavera Sound Barcelona vuelve a poner el foco en la escena catalana dentro de una programación que mezcla grandes nombres internacionales con una destacada, y cada vez más amplia, presencia local. Del 1 al 7 de junio, el festival convertirá la ciudad en un escaparate del talento del territorio, en un momento especialmente fértil y diverso para la música hecha en Cataluña.
Entre los nombres del cartel destacan Bad Gyal, Rojuu, Renaldo & Clara, Ouineta o Ven’nus, junto a propuestas que cruzan escenas y generaciones, desde proyectos consolidados hasta artistas emergentes. En este artículo nos centramos en cinco de estas nuevas voces que están empezando a ganar peso dentro del circuito.
La programación se extiende también por las salas de la ciudad con Primavera a la Ciutat, donde se suman actuaciones como la de nuestros recomendados Remei de Ca la Fresca, entre otras. Además, Primavera Pro en el CCCB completa el foco en el talento emergente con una jornada de showcases gratuitos que reúne a varios de los nombres que comentamos aquí.
kara boi
Kara Boi es el proyecto de la artista barcelonesa Cris Llobet. Antes conocida bajo el alias de Krissia, Kara Boi es el nombre que marca una evolución artística evidente en cortes como ‘3 ríos’, de carácter ambiental y emotivo, y en la seguridad con la que aborda la diversidad estilística. Todo parece dársele bien, desde el dream-folk de ‘solo quiero que me acaricies’ hasta el glitch-pop de ‘La sensación’, que remite a Dntel o Lali Puna. El indie-rock delicado de ‘Qué feo está todo’ y el piano atemporal de ‘Creo que me creo’ demuestran también su sensibilidad para la composición y la interpretación. Son canciones sobre el duelo, sobre aprender a atravesarlo y recordar qué cosas importan de verdad, manteniendo siempre una mirada íntima. En CCCB
Lhara
Antigua estudiante de traducción, la artista guipuzcoana residente en Barcelona Lhara se está labrando un hueco en el urban pop de corte vanguardista, sin renunciar a los códigos del hyperpop y la electrónica. Su último disco es conceptual y se basa en la historia de los pecados de una familia, con temas como ‘Don – Bill$’ u ‘Ofelia – Downtown boy’ destacando por su producción hipersensorial y rítmica. Con tres álbumes publicados, Lhara ha experimentado también con el trance en ‘Y dime xk’, junto a Sila Lua, o con el trip-hop en ‘Oro (todo lo kiero)’, manteniendo siempre una voz muy personal. En Primavera a la Ciutat
Serpent
Banda catalana surgida de proyectos previos como The Anti-Patiks o The Gundown, Serpent practica un hardcore-punk con letras en catalán. Su sonido lleno de guitarras afiladas, bajos contundente y baterías rápida y precisa se complementa con la voz llena de rabia de su vocalista, Sergi Bertran. Sus letras abordan el malestar generacional, la nostalgia como producto cultural o la precariedad de la escena underground, todo ello atravesado por una mezcla de rabia, tensión y resignación que ha conectado con el público y que se condensa en su recomendable disco ‘Absolutisme zen’, de título tan sugerente como revelador. En Primavera a la Ciutat
Kris Tena
Kris Tena es una de las voces más singulares de la nueva canción de autor catalana. Nacida en 1999 en un entorno musical, su música transmite una madurez que va mucho más allá de lo que podría sugerir su edad. Las canciones de ‘mai adeu’, su último disco, transitan entre el folk luminoso de ‘Dicen’ y la experimentación con el autotune de ‘JIM’, entre el catalán y el castellano, siempre reconfortantes gracias a la calidez e intimidad de su voz. Según Tena, el álbum “resume el deseo de permanencia desde el que me relaciono con la vida”. Quienes disfruten de artistas como Sílvia Pérez Cruz o Rita Payés -que colabora en el disco- harían bien en no perderle la pista. En CCCB
Hadren
Debutante muy joven -le conocimos cuando tenía 18 años, aunque empezó un poco antes-, Hadren es el proyecto de un diseñador sonoro, productor y DJ barcelonés Adrià Arbós. Su música se mueve entre la electrónica rave, el deconstructed club, el avant-pop, el techno, el latin club y el hyperpop, pero quizá lo más destacable de su propuesta es el alter ego azul que aparece en portadas e imágenes promocionales. Además de su trabajo en solitario, también ha colaborado como productor con otros artistas y ha sido director musical del último show de Belén Aguilera. Su disco ‘TRICK TRACKS’ ofrece en cortes como ‘CarCrush’, ‘SoRomantic’ o ‘Star’ un sonido lleno de ritmo, detalle, electrónica envolvente y un torrente de sensualidad digital que sabe a presente y a futuro a la vez. En CCCB
«Estoy reescribiendo el siguiente capítulo de mi historia con esta canción». Así describe Lola Young su nuevo single. Después de colapsar en medio de un concierto y de la cancelación de toda su agenda a finales de 2025 para centrarse en sus problemas de adicción, la artista británica regresa de forma triunfal con ‘From Down Here’. Es la Canción del Día.
Con ayuda de James Blake en la composición y en la producción, Young cambia su estilo medio guitarrero por toda una balada sintetizada en la que su voz brilla por encima de todo lo demás. La artista canta sobre estar fuera de lugar, subiéndose a una mesa sin poder bailar, no sabiendo cómo empezar una conversación o sintiéndose extraña en su «lugar favorito»: «¿Por qué odio estar aquí?», canta.
El estribillo aborda el tema de sus adicciones de cara, describiéndose como «no viva del todo» y «en algún punto entremedias» entre la vida y la muerte: «Echo de menos el subidón desde aquí abajo / Solía volar por aquí». Pese a la seria temática que trata la canción, ‘From Down Here’ sigue funcionando perfectamente como una canción de pop. Además, tiene una de las mejores interpretaciones vocales de Lola Young.
Esta explica el concepto detrás de la canción en un post de Instagram: «El día después de ganar un Grammy, sentí un subidón, pero no como los que he solido tener, era un nuevo tipo de subidón, uno puro y orgánico. No me había sentido así en muchísimo tiempo. Era algo que no sabía que había perdido, pero joder, lo echaba de menos». Al final, cuenta que ‘From Down Here’ enseña que «la alegría y el dolor pueden vivir en el mismo espacio y tiempo».
Ya queda mucho menos para el lanzamiento del esperado tercer disco de Olivia Rodrigo, disponible el próximo 12 de junio. ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ no tiene un título tan largo porque sí, sino que en realidad se trata de un álbum dividido en dos partes con temáticas diferentes. La artista lo ha revelado con la publicación del tracklist completo.
Rodrigo describió su tercer disco como «experimental» y lleno de «canciones de amor tristes». Ahora, conocemos los nombres de esas canciones. La primera parte del álbum, la que comienza con ‘drop dead’, tiene el sobrenombre de «Girl So In Love» e incluye canciones como ‘Stupid Song’, ‘Honey Bee’, ‘My Way’ o ‘Purple’, que cierra esta mitad. Los títulos más llamativos son, sin duda, ‘Maggots For Brains’ y la inocente ‘U + Me = 3′.
La segunda mitad, por otro lado, se titula «You Seem Pretty Sad» y así lo reflejan sus títulos. Ya conocíamos la reciente ‘the cure’ y ‘begged’, la colaboración con Weyes Blood que debutó en SNL. El resto de canciones son un contraste total respecto a las de la primera parte, con nombres como ‘What’s Wrong With Me’, ‘Less’, ‘Expectations’ y ‘Cigarette Smoke’, que cerraría el LP.
Tracklist:
‘Drop Dead’
‘Stupid Song’
‘Honey Bee’
‘Maggots For Brains’
‘U + Me = 3’
‘My Way’
‘Purple’
‘The Cure’
‘Begged’
‘What’s Wrong With Me’
‘Less’
‘Expectations’
‘Cigarette Smoke’
Leire Martínez está de gira en México presentando su disco ‘Historias de aquella niña‘. En una entrevista, la exvocalista de La Oreja de Van Gogh ha respondido a una pregunta acerca de las discutidas declaraciones de la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, sobre México y la conquista española. Ayuso ha llegado a afirmar, en palabras de tono colonialista, que “México no existió hasta que llegaron los españoles” y ha elogiado la figura de Hernán Cortés, conocido por liderar la conquista del Imperio azteca en el siglo XVI.
Martínez, tan diplomática como de costumbre, ha respetado el derecho de Ayuso a opinar, pero ha señalado que no está de acuerdo con lo que ha dicho y que las declaraciones de la dirigente madrileña no le parecen que respondan siquiera a la realidad histórica.
“La ideología y el sentir de cada uno es un tema complicado; la diversidad es lo que tiene: cada uno sentimos y pensamos de maneras distintas”, ha dicho. “Creo que Ayuso representa a una parte de la sociedad española, pero a mí no me representa y yo no suscribo sus opiniones acerca de México ni de Hernán Cortés”.
Martínez ha añadido: “Creo que negar lo que en ese contexto fue una conquista, y tal y como era la sociedad de aquel momento, negar las violaciones, las torturas, las muertes… creo que no fueron hechos amigables, y decir que lo fueron no responde a la verdad ni a la realidad de lo que ocurrió”.
Martínez, además, ha propuesto que Ayuso, como representante pública, debería pedir disculpas por sus palabras, aunque ha respetado su derecho a no hacerlo si así lo considera oportuno: “Es su opinión, yo no la comparto; en el sentir de la verdad de cada uno tendrá que considerar si lo que ha dicho es merecedor de una disculpa o no. Yo creo que sí estuvo feo y se debería disculpar, pero ella tendrá que decidir qué es lo que considera que tiene que hacer”.
La ‘Macarena’, el inmortal hit de Los Del Rio, ha sido sampleada decenas de veces desde su lanzamiento, pero nunca en el mundo del K-pop. Así, LE SSERAFIM han hecho honor al anagrama de su nombre (I’M FEARLESS) y han puesto toda la carne en el asador en ‘BOOMPALA’, la canción más comentada de su último disco. ¿Funciona?
Al igual que en la mayoría de canciones que se atreven a samplear un hit tan masivo, lo que más suena en ‘BOOMPALA’ es el estribillo de la canción original, aunque su uso también se extiende a la instrumentación y, por supuesto, a la coreografía. El tema en sí apunta a ser un banger de club, con versos medio rapeados, un estribillo juguetón y hasta una palabra inventada que no significa nada, pero que es divertida.
‘BOOMPALA’ podría entrar en la categoría de ‘Canciones que sabes que son malas pero que aun así te gustan’, si no fuera porque tanto los versos como el beat se hacen cansinos después de muy pocas escuchas. La mezcla con la ‘Macarena’ puede ser entretenida, pero al final acaba siendo la única excusa para quedarse a escuchar el tema.
Al leer la letra, nos encontramos con que la mezcla de estilos y épocas va más allá. Sobre todo, uno se pregunta qué pinta la ‘Macarena’ entre frases con referencias budistas como «mi chakra celestial es alucinante», «namasté, namasté, voy a quedar en pie» o la repetición de palabras como «zen». En el videoclip, además, vemos a las integrantes del grupo adoptar la pose de meditación.
Más que por esta razón, ‘BOOMPALA’ ha sido muy criticada por los fans del grupo surcoreano por ser vista como un paso atrás en la trayectoria del grupo. En un post de Reddit, un usuario se queja de que «esta canción no hace nada por las críticas vocales que han estado recibiendo durante su carrera». Otro, enfoca su hate en el uso del tema de Los Del Rio: «La ‘Macarena’ es el herpes de la música pop. Por alguna estúpida razón, siempre vuelve cuando piensas que se ha ido para siempre».
La III Edición de los Premios de la Academia de la Música de España ha tenido lugar en IFEMA y Rosalía ha sido la gran triunfadora de la noche, llevándose 8 galardones gracias a ‘LUX’. Entre estos, Artista, Álbum y Canción del año. Aunque finalmente no ha podido asistir a la gala, el presidente de Sony Music Iberia salió a aceptar el premio y aseguró que lo habían intentado «hasta el último momento».
Leonor Watling se ha encargado de presentar una gala en la que también han sido premiados Leiva, con cuatro estatuillas; Guitarricadelafuente, con dos victorias en las categorías de música alternativa; Amaral (Mejor Álbum de Pop/Rock), Luz Casal (Mejor Álbum de Pop Tradicional) o Fito y Fitipaldis (Mejor Álbum de Rock).
Por otro lado, Joan Manuel Serrat recibió el Premio de Honor: «En ningún momento, cuando empecé a tocar y escribir canciones, pensé que a estas alturas me iba a encontrar en una situación como esta», contó en su discurso.
Las actuaciones musicales, especialmente el homenaje a Robe Iniesta de la mano de Fito Robles (Siloé), Rafael Riqueni, Lela Soto, Walls y Xoel López, han sido lo más comentado de la velada.
También se recordó la figura de Jorge Martínez, de Ilegales, con Ultraligera y Juanma Montoya interpretando ‘Tiempos nuevos, tiempos salvajes’, y se dedicó un medley a Serrat protagonizado por Andrés Suárez, María Terremoto, Iván Melon Lewis y Antonio Serrano. Por último, Amaral, Luz Casal, y Pedro Guerra con Janus Lester, Tanxugueiras y Figa Flawas también amenizaron la noche.
Palmarés de los Premios de la Academia de la Música de España:
ARTISTA DEL AÑO: Rosalía
ÁLBUM DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
CANCIÓN DEL AÑO: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
MEJOR NUEVO ARTISTA: Sanguijuelas del Guadiana
PRODUCTOR/A DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
MEJOR INGENIERÍA DE GRABACIÓN PARA UN ÁLBUM O CANCIÓN: Carles Campi Campón, por ‘El cuerpo después de todo’ de Valeria Castro
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA: ‘Spanish Leather’, de Guitarricadelafuente
MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA: ‘Babieca’, de Guitarricadelafuente
COMPOSITOR DEL AÑO: ‘La perla’, de Rosalía
MEJOR VÍDEO MUSICAL VERSIÓN LARGA: ‘Flores para Antonio’, de Elena Molina e Isaki Lacuesta
MEJOR VIDEOCLIP MUSICAL: ‘Berghain’, de Rosalía
MEJOR GIRA: ‘Tour Gigante’, de Leiva
MEJOR EVENTO DEL AÑO (FESTIVAL, CICLO, GALA, CONCIERTO SOLIDARIO ETC): Inverfest 2025
MEJOR ÁLBUM POP: ‘Lux’, de Rosalía
MEJOR ÁLBUM POP TRADICIONAL: ‘Me lo voy a permitir’, de Luz Casal
MEJOR ÁLBUM POP/ROCK: ‘Dolce Vita’, de Amaral
MEJOR CANCIÓN DE POP_ROCK: ‘Caía libre’, de Leiva & Robe
MEJOR ÁLBUM DE ROCK: ‘El monte de los aullidos’, de Fito & Fitipaldis
MEJOR CANCIÓN DE ROCK: ‘Esa ansiedad’, de Ilegales
MEJOR CANCIÓN POP: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
MEJOR CANCIÓN URBANA: ‘Chulx’, de Lia Kali & Eladio Carrión
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA: ‘Kaelis’ de Lia Kali
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘Déjate caer’, de Delaporte
MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘PAEQB (Ale Acosta Remix)’, de Baiuca y Ale Acosta
MEJOR CANCIÓN DE RAP/HIP HOP: ‘En la cuerda floja’, de Lia Kali & Toni Anzis
MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO: ‘Manifiesto’, de María Terremoto
MEJOR TEMA DE FLAMENCO: ‘Miraíta – Rumba, Libertad’, de María Terremoto
MEJOR FUSIÓN/INTERPRETACIÓN URBANA: ‘Mala de verdad’, de La Plazuela
MEJOR ÁLBUM FOLCLÓRICO: ‘Amoríos. La verdad de mi coplilla’, de La Tania
MEJOR ÁLBUM CANTAUTOR/A: ‘Sílvia & Salvador’, de Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral
MEJOR CANCIÓN CANTAUTOR/A: ‘Efímera’, de Rozalén
MEJOR ÁLBUM BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘BSO Furia’, de Aitor Etxebarria
MEJOR CANCIÓN/TEMA BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘Hasta que me quede sin voz’, de Leiva
MEJOR OBRA/COMPOSICIÓN CLÁSICA CONTEMPORÁNEA: ‘Trío Celebration’, de Albert Guinovart
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA: ‘Paganini: 24 Caprices’, de María Dueñas
MEJOR ÁLBUM INSTRUMENTAL: ‘Suite flamenca’, de Diego Amador
MEJOR ÁLBUM DE JAZZ: ‘Leo & Leo’, de Leonor Watling & Leo Sidran
MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICA INFANTIL: ‘Me resbala’, de Pez Al Revés
MEJOR CANCIÓN EN CATALÁ/VALENCIÀ/ MALLORQUÍ: ‘Ben poca cosa tens’, de Salvador Sobral y Sílvia Pérez Cruz
MEJOR CANCIÓN EN EUSKERA: ‘Xorieri’, de Baiuca & Izaro
MEJOR CANCIÓN EN GALEGO/ASTURIANU: ‘As que nunca cantaron’, de Tanxugueiras
MEJOR DISEÑO DE ÁLBUM: ‘Gigante’, de Leiva, por el trabajo de Boa Mistura
MEJOR ARREGLO: ‘Suite Flamenca’, de Diego Amador
MEJOR SALA DE CONCIERTOS: Café Central de Madrid
PREMIO DE HONOR: Joan Manuel Serrat.
La carrera de la compositora Yoly Saa es versátil. La artista gallega afincada en Madrid -cantó en el Metro al llegar a la ciudad- ha escrito canciones para Malú (‘Deshielo’, ‘Salvar al rey’), ha cantado en discos de Veintiuno, Nil Moliner y Ainoa Buitrago, y ha participado en Benidorm Fest (‘No se me olvida’).
Hoy 27 de mayo presenta sus últimas canciones en El Sol de Madrid como parte de la programación Escenarios Madrid by Vibra Mahou. Sara Gimeno hará de telonera y las entradas están a la venta.
La especialidad de Yoly Saa es el pop-rock atemporal, permeable a otras influencias como la electrónica, como vimos en su colaboración con Khotton Palm: ‘No se me olvida’ podría haber sido una producción de London Grammar. Sin embargo, a pesar de su paso por televisión, este no ha permanecido como su tema más popular. En realidad es solo una anécdota en una carrera que ha conocido muchos otros «highlights».
Al margen de sus sonadas colaboraciones, la balada con tintes de bolero ‘Todo contigo’ suma 9 millones de streams en Spotify. También tuvieron buena recepción ‘Rendición’ y ‘Galicia’, ambas marcadas de una forma u otra por su tierra de origen.
Después de dos discos titulados ‘A golpes de fe’ (2022) -este incluía ‘Galicia’- y ‘Mar de Ardora’ (2025) -este incluía ‘No se me olvida’-, Yoly Saa ha seguido publicando singles sueltos. Por ejemplo ‘Como mamá no hay nadie’, que incluye audios de la misma. Por ejemplo ‘Llévalo lejos’, delineado por un punteo de guitarra algo indie pop y unas guitarras y violines un tanto country. O por ejemplo ‘Hoy ya no’, un tema más uptempo que a buen seguro animará su concierto de esta noche… casi más que ‘No se me olvida’.
Malrollera y un tanto chanante, la portada del tercer disco de María José Llergo está hecha a conciencia. La artista, gran amante de los animales en general y de los pájaros en particular, quería que unas palomas, según ella «los seres más puros de la ciudad», fueran protagonistas. La idea original es que irrumpieran en una reunión para acabar con los «malos rollos de contratos, de obligaciones» y con los «haters». El tipo de cosas que separa la niñez de la vida adulta. Las cosas que -apelando al título del álbum- nos impiden «jugar».
Contra todo pronóstico, a la primera, una de las palomas mensajeras se lanzó a arrancar las gafas de uno de los «señoros» y el fotógrafo Manu Jaime logró captar el momento en que el animal incluso parecía mirar a cámara. La metáfora está servida: Llergo contrapone «el juego» de la infancia y la libertad, con la rigidez de las estructuras sociales de la vida adulta. «Yo no quiero morir nunca, yo quiero jugar siempre» es la cita de Galeano que referencia en la intro del álbum, que recibe el nombre de ‘Bienvenidos al juego’.
La libertad creativa, «el juego», ha llevado a María José Llergo a dejarse empapar por influencias internacionales. La nueva gira de presentación tiene más fechas fuera de España que dentro, y este disco está influido particularmente por un mes pasado en México, conociendo a músicos de toda Latinoamérica. Es por eso que ahora encontramos, junto a sus ritmos habituales de flamenco, R&B y urbano, otros surgidos al otro lado del Atlántico, como el bolero, la salsa o la bachata.
Llergo no ha dado con hits gigantescos en esa aproximación. ‘Bolero mafioso’ con Daniel Me Estás Matando tiene demasiado de ‘Dos gardenias’ y otros clásicos populares de Antonio Machín. Como ‘Otros besos‘ de ‘Ateo’ y las muchísimas bachatas de moda, solo que como ella dice «esta está llevada a la época de Al Andalus»: sus cuerdas orientales sí suman. Porque lo que sí nos da María José -más que hits-, es otra obra muy pasional. En esta canción, junto a la trip-hopera ‘Mala mía‘ y ‘Olvídame’, retrata tres fases del enamoramiento. O más bien deberíamos decir del desenamoramiento: ‘Olvídame’ logra sonar alegre y optimista, en su despedida grandilocuente: «qué bueno fue quererte como te quería».
La familia es destinataria de alguna de sus composiciones, a destacar ‘Abuelo’, recientemente fallecido, un tema que habla del alzhéimer, y de cómo la música es una manera de ralentizarlo. Pero el despecho y las relaciones tóxicas vuelven a ser mayoría en el universo Llergo. Solo que si ‘Sanación‘ se hizo desde el dolor, y ‘Ultrabelleza‘ desde la admiración a la hermosura, ‘El juego’ lo ha hecho con ciertas ganas de pasarlo bien.
En ese sentido es un gran hallazgo, hacia el final del largo, un tema tan fresco como ‘Agua negra’. Daniel 2000 co-escribe y co-produce esta pequeña maravilla que canta el «veo, veo» a un maltratador («veo, veo / ¿qué ves? / un psicópata / pues tu novio es»). Con trazos muy locos de reggaeton y drum&bass, habría sido una gran pista 2 de un álbum alternativo. Uno en el que hubieran tenido más peso esos momentos realmente divertidos y «libres», como el reggaeton de ‘Veneno’, bailongo pese a su letra «te llamo amor y eres veneno»; el final explosivo de ‘La celda’ o el de ‘Abuelo’, que escoge ser una fiesta flamenca en lugar de un triste funeral.
Linda Perry está dejando un torrente de titulares muy llamativos durante la promoción de su nuevo disco, ‘Let It Die Here’. La que fuera exintegrante de 4 Non Blondes y después compositora de éxitos para estrellas como Christina Aguilera se está quedando a gusto rajando de artistas como Billy Corgan o Green Day. Ahora también tiene cera para Madonna.
Perry asegura en una reciente entrevista que quiere componer un disco para Madonna cuando la estrella se retire: un trabajo más desnudo y menos enfocado en seguir tendencias o en ocultar defectos vocales. Critica que Madonna “ya solo sigue modas” y que está obsesionada en “competir con Charli xcx”, y sugiere que debería hacer un disco “con cuerdas y canciones que pueda cantar en el Carnegie Hall”, en lugar de lo que está haciendo actualmente. Asegura que, donde antes era una líder, ahora todo en Madonna “parece débil y no poderoso”.
Perry no se corta y dice: «Me encantaría meter a esa mujer en un estudio, darle un par de bofetadas y decirle: “Despierta y vuelve a ser la Madonna que eras. Eres una líder y tenemos que volver ahí”». Algunas de las ideas de Perry -cuerdas, cierta desnudez vocal- ya estaban implementadas en ‘Madame X‘, el último disco de Madonna, que no seguía tantas tendencias.
En cuanto a la voz de Madonna, Perry sugiere que, si produjera un disco para la artista de Detroit, buscaría «centrarse en el poder que puede tener su voz, no en el poder del autotune y todos esos efectos que usa ahora para ocultarse. Yo sacaría todos sus defectos a la luz e intentaría hacer un disco más acústico, algo que ella pudiera interpretar sentada ante un público elegante, en el Carnegie Hall o donde sea».
Linda Perry tiene razón en que la obra reciente de Madonna ha seguido tendencias en lugar de imponerlas. Sin embargo, ‘Madame X’ era un disco bastante arriesgado. Por otro lado, la sugerencia de que Madonna debería hacer música para cantar en el Carnegie Hall parece tener cierto componente de edadismo, como si Madonna, por tener 67 años, solo pudiera hacer música «acorde a su edad». ¿Es posible que Linda Perry esté proyectando una visión demasiado restrictiva sobre la carrera de Madonna, especialmente en lo que respecta a su derecho a seguir haciendo pop y música contemporánea?
Sin embargo, Perry reconoce que Madonna nunca haría un disco de ese tipo y admite que tiene “una espina clavada” con ella porque la ha rechazado muchas veces. Como muchos fans de Madonna recordarán, esta colaboración quedó cerca de ocurrir en un momento de la historia: Madonna estuvo a punto de grabar ‘Get the Party Started’, el éxito de P!nk de 2001 compuesto por Linda Perry, pero finalmente no le encajó. Con estas últimas declaraciones, no creemos que esa colaboración esté hoy más cerca, precisamente.
La serie de cuatro películas de los Beatles se centrará en cada miembro del grupo y hará especial hincapié en sus mujeres, a las que el director Sam Mendes ha descrito como “fascinantes y únicas”. Sin embargo, Pattie Boyd -quien fuera esposa de George Harrison- dice que nadie involucrado en la cinta se ha puesto en contacto con ella para consultarle su versión o avisarle de su representación en la película. Todo ello pese a que ya hay actriz asignada para interpretarla en pantalla, Aimee Lou Wood.
Boyd estuvo casada con George Harrison desde 1966 hasta 1977. De hecho, ‘Something’ se considera inspirada en aquella relación. Sin embargo, la modelo asegura que Mendes no la ha contactado: “Quizá me equivoque, pero habría pensado que habría sido educado mencionarlo o decirme que habían elegido a alguien para interpretarme”, ha comentado. “No me ha contactado nadie. Podría haber contado historias realmente interesantes, pero creo que no quieren saberlas”.
Desgraciadamente para Boyd y otras figuras de la historia del pop, en la industria del cine es habitual que en biopics y dramatizaciones sobre figuras reales no se consulte directamente a las personas representadas o a sus familias, especialmente cuando se trata de personajes públicos o hechos ya ampliamente documentados. Ocurrió con ‘La red social‘, ‘House of Gucci‘, ‘Blonde‘ y otras producciones.
De hecho, en su charla con el podcast Miss O’Dell: Abbey Road To Tulsa Time, Boyd -que hoy tiene 82 años- señala que sospecha que el enfoque del proyecto no busca necesariamente la fidelidad histórica: “No tiene nada que ver con la verdad ni con lo que realmente pasó, porque no quieren hablar con la gente que estuvo allí. Es más bien la creación de lo que el cineasta cree que ocurrió”.
Aun así, Boyd ha intentado restarle peso al asunto con humor, asegurando que no piensa darle demasiadas vueltas. Incluso ha dejado una pulla a Mendes, diciendo en tono irónico: “He oído que es famoso. Al parecer, este hombre es famoso”.
La serie de los Beatles se estructura en cuatro películas centradas en cada miembro del grupo y tiene previsto estrenarse de forma simultánea en abril de 2028. El reparto principal incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.
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