Núria Graham ha publicado este mes de febrero su tercer disco, el primero tras participar en el álbum debut de la mediática Amaia Romero. No hay en ‘Marjorie’, el tercer largo de la cantautora de Vic, canciones parecidas a la maravillosa ‘Porque apareciste‘, pero tampoco se las echa en falta en un trabajo que suena personal y propio ante todo, y que echa mano de diversas influencias para crear una carta de amor a la familia en su sentido más amplio.
Son diversos los escenarios y personajes con los que vamos topando en ‘Marjorie’, y que no son necesariamente autobiográficos aunque puedan tomar inspiración de la vida de su autora. Sin ir más lejos, la primera canción, una emocionante ‘Connemara’ titulada como la región irlandesa en la que Núria y su familia solían veranear (la artista, cuyo padre es irlandés, sigue yendo a este lugar a menudo), y que evoca maravillosamente el sonido de los primerísimos Beach House, narra un suicidio, evento que Núria reconoce le es personalmente ajeno. Sin embargo, ‘Marjorie’ sí es autobiográfica, pues cuenta cómo la abuela de Núria -que se llamaba así, y a la que la artista no llegó a conocer- solía esperar a su marido durante horas cigarro en mano a que volviera del trabajo, construyendo mediante sonidos muy guitar-pop un bonito retrato del sufrido amor romántico de Marjorie, un sentimiento que la artista identifica como propio, guiado por la dependencia. En ella, la autora de ‘Does it Ring a Bell?‘ canta que su abuela y ella parecen estar «cometiendo los mismos errores».
Son varios los momentos de ‘Marjorie’ que valen la pena. Si la estupenda canción de raíces americanas ‘Another Dead Bee’ no tiene nada que envidiar al repertorio de Courtney Barnett (a la que recuerda mucho en ‘The Stable’) o Kurt Vile gracias a una melodía como un sol de buena, ‘Toilet Chronicles’ es un ejercicio interesante por varios motivos. Es una versión de ‘Amor de garrafa’ de Power Burkas, grupo en el que milita el ex de Núria, Marcel Pujols. La catalana convierte el hit power-punk del cuarteto de Barcelona en una bonita composición country-pop que pasaría por suya sin ningún problema, y que pretende ser un reflejo de ese «amor puro más allá de lo romántico» que Núria siente por el músico. El tema final, ‘No Returning’, es la versión de Núria de un tema que su tío compuso a la edad de ella y que dejó grabada en un cuatro pistas. Y a lo largo del álbum, los matices britpoperos y cambios de ritmo de ‘Do You Wake Up for a While Every Day?’ o los coros girl-group de ‘Hazel’ van expandiendo el sonido de Núria hacia interesantes nuevos lugares, creando huella dentro del que es sin duda el álbum más maduro de la cantautora hasta la fecha.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Connemara’, ‘Marjorie’, ‘Toilet Chronicles’, ‘Another Dead Bee’ Te gustará si te gusta: Laura Veirs, Courtney Barnett, Mac DeMarco
Si sale un grupo de punk, compáralo con los Ramones; si piensas en un prototipo de punky, que sea John Lydon incluso desde su mansión en California; si has de elogiar la versatilidad de un grupo de la era punk, que sea The Clash… ¿Acaso la mujer no pintó nada en los albores del punk, como si no hubiera tenido nada contra lo que protestar? La periodista Vivien Goldman publicaba el año pasado una «historia feminista de la música de Poly Styrene a Pussy Riot» que acaba de salir en España bajo el nombre de ‘La venganza de las punks’. Merece la pena mencionar su título en inglés ‘Revenge of the She-Punk’s’, en sintonía con otros neologismos como «herstory» o «shero» que aparecen en el libro en lugar de los términos masculinos «history» o «hero». Foto: Christoph Voy.
Eso es lo que nos encontramos a lo largo de estas 240 páginas: un recorrido por mujeres más invisibles y menos citadas pero que también han cambiado la historia de la música. Las hay muy conocidas como Debbie Harry o Patti Smith, algunas bastante conocidas al menos en el mundo relativamente underground, como Sleater-Kinney o Bikini Kill; y las hay completamente desconocidas y surgidas tanto en países anglosajones como en Colombia, Alemania, Rusia, Indonesia, República Checa o España, pues Las Vulpes y Diego A. Manrique protagonizan un pequeño cameo en el libro (curiosa la visión de Goldman sobre la Transición Española).
Vivien fue también música, estuvo allí a finales de los 70 y principios de los 80, y eso le permite ahondar en las cualidades musicales de estas protagonistas de una manera más técnica. Todo el libro se orquesta en torno a cuatro pilares, que son la identidad femenina, el dinero, el amor/desamor y la protesta, y para ello presenta aproximadamente una docena de canciones desde las que analiza cada uno de esos bloques. Así, Goldman incluye declaraciones de entrevistas, datos y curiosidades sobre las mujeres que cambiaron el curso de la historia de la música, pero de vez en cuando ejerce también de crítica musical, explicando qué tenían las canciones analizadas de revolucionarias tanto desde el plano lírico -el principal- como desde el plano estructural o sonoro.
En ocasiones la línea que diferencia lo que es punk de lo que no es punk es muy fina y extraña, por ejemplo, que haya varias menciones en el libro a Annie Lennox y ninguna a Tracey Thorn, pero si desde luego este libro está aquí no es para provocar una nueva pelea de gatas, pues obviamente son todas las que están, aunque no estén todas las que son. En verdad, si un defecto fácil se le puede poner a ‘La venganza de las punks’ es que su interminable name-dropping puede expulsarte de la historia si no viviste aquellos años, en lugar de meterte en aquel mundo de desigualdad y rabia que llega hasta nuestros días. Nada que una buena playlist como esta no pueda solucionar. El libro está orquestado en torno a 4 listas de canciones por una razón, y es entonces, cuando escuchas mientras lees, cuando este libro se convierte en una verdadera gozada.
Porque además de recordarnos la valía de bandas pioneras como ESG, y hacernos recuperar a The Raincoats o The Slits, Vivien Goldman rescata canciones desconocidas y absolutamente inauditas como ‘The Boiler’ de Rhoda & The Specials, que retrataba una violación tal cual ante el estupor del público que pudo asistir a sus presentaciones en directo. Turbador aunque no tanto como que hayamos sido capaces de evolucionar tan poco en 40 años en esta materia. La «catedrática del punk» pasa también de soslayo por el capitalismo feroz, el machismo en Jamaica, los derechos LGTB+, la conciliación y otras interesantes cuestiones en un libro que muestra una visión de la mujer (punk) totalmente poliédrica. 7,5. Disponible en Amazon y en tu librería de barrio favorita.
Nick Cave tiene una página web en la que contesta preguntas o reflexiones de sus fans. Y en las horas previas al 8 de marzo, el artista australiano ha contestado a un fan que le preguntaba si cambiaría las letras de sus canciones que hoy en día pueden resultar ofensivas.
¿Qué opina Cave? Digamos que él no habría cambiado la palabra «mariconez» de la canción de Mecano. El artista empieza su carta con una comparación: «Mis canciones se sienten un poco nerviosas hoy en día. Son como niños que han estado jugando alegremente en el patio de la escuela, y a los que después les comunican que tienen una horrible deformidad física. Sus corazones se hunden y se mean los pantalones. Abandonan el patio muertos de vergüenza al tiempo que un futuro desdeñoso e hipócrita se gira hacia ellos para tirarles una piedra encima».
Sin cortarse un pelo, el australiano plantea: «¿Qué compositor habría predicho hace treinta años que el futuro perdería su sentido del humor, su sentido de la diversión, su sentido del contexto, del matiz y de la ironía, y que caería en manos de una pandilla de ofendidos constantemente enfadados?» Y añade una interesante reflexión: «Quizá los compositores deberíamos haber sido más cuidadosos con nuestras palabras, esto lo puede reconocer e incluso puedo estar de acuerdo con ello, pero nunca deberíamos culpar a las canciones mismas. Las canciones son organismos divinamente construidos. Poseen su propia integridad. Por muchos defectos que puedan tener, sus almas deben ser protegidas a toda costa. Se les debe permitir existir dentro de su horror aberrante, sin ser molestadas por esos estridentes defensores de lo inocuo, aunque sea como indicador de que el mundo ha evolucionado hacia un lugar mejor y más sensible. Si hay que imponer un castigo, que sea a los artistas, no a las canciones. Lo podremos soportar. Prefiero ser recordado por haber escrito algo que era perturbador u ofensivo, que por haber escrito algo blando y sin sangre».
‘XTC69’ es el más combativo de estos tres trabajos que reseñamos, por arremeter contra el machismo con contundencia, aunque desmarcándose con humor e ironía. Ya ha conquistado a Grimes, hasta el punto de considerar a Jessica Campbell única a la hora de unificar ciencia ficción con realismo mágico, y no es para menos viendo las mañas que se gasta la comandante Campbell pilotando la nave espacial XTC69 junto al resto de féminas de la tripulación, con el objetivo de encontrar hombres por la galaxia con quienes reproducirse.
La autora canadiense parece hacer un guiño a la película de Spike Jonze ‘Cómo ser John Malkovich’ por crear una serie demente de chistes y bromas e interpretar ella misma a varios personajes de ‘XTC69’, demostrando una gran fortaleza narrativa pero también cierta debilidad en los dibujos. El trazo grueso le da agilidad, y el blanco y negro elemental aporta ligereza a un asunto tan trascendente, pero la escasez de detalles más elaborados impide ampliar horizontes a este cómic que podría impresionar más. 7. Disponible en Amazon y en tu tienda de barrio favorita.
Posy Simmonds / Cassandra Darke
¿Quién no conoce a una señora que roza la tercera edad egoísta y solitaria? ¿Quién no tiene una amiga que se pasa el día despotricando de su sobrepeso, alardea de tacañería, es ágil mentalmente hasta regodearse en su mala educación, e incluso miente con maravillosa imaginación? Todas estas cualidades y otras más han convertido a la marchante de arte Cassandra Darke en una exiliada social tan segura de sí misma que nada parece provocarle remordimientos.
La autora Posy Simmonds, con una nominación a los Oscar por ‘Famous Fred’ y autora de libros infantiles principalmente, consigue meternos con profundidad en la vida de la divorciada Darke. Ni empatizamos con el personaje para reforzar nuestras convicciones más asociales, ni nos alejamos por antipatía. Nada se echa de más o de menos en este universo femenino burgués en el que prevalecen las apariencias, y en el que el suspense hace acto de presencia cuando Cassandra encuentra una pistola en su casa en extrañas circunstancias. A esto hay que sumar un dibujo magnífico rotulado en tonos pardos, combinados con rosas y violetas en determinadas viñetas; que no se cumple con un patrón estándar en más de dos páginas seguidas con la consiguiente estimulación de la acción; y que su autora reflexiona sobre los límites de la soledad más allá de lo políticamente correcto. 8,5. Disponible en Amazon y en tu tienda de barrio favorita.
Ulli Lust / Cómo traté de ser una buena persona
Este trabajo que aparece bien posicionado en algunas listas de lo mejor del pasado año -no todas, suponemos que por el volumen brutal de publicaciones-, corre el riesgo de quedar sepultado como uno más porque la calidad media general ha sido apabullante. Y eso a pesar de tener un título francamente llamativo, suficiente para captar nuestra atención, si bien hay que dejar claro de antemano que no estamos ante un manual de autoayuda al uso, y que su autora no trata de solucionar las cosas por medio del psicoanálisis o cuentos sanadores. Lo que sí intenta es estimular la sinceridad con la propia identidad a pesar de que las circunstancias lo imposibiliten.
Ulli Lust, nacida en Viena y residente en Berlín, retoma la senda de sus memorias con esta última entrega autobiográfica. Un ejercicio valiente por ser capaz de poner encima de la mesa las relaciones entre tres desde un punto de vista alejado de la mujer tradicional inmersa en el patriarcado, y adentrándose en el jardín de si se puede amar a dos personas a la vez.
Siendo madre a los 23 años de un hijo de 5, desvincula dicha edad de la experimentación y el descubrimiento de la sexualidad, pues Lust tiene claro que quiere romper convencionalismos afectivos y sexuales. Con un tono rosa como arma como el de la portada, en esa búsqueda de la identidad desfilan la diferencia de edad, la cultural y la inmigración, por si todo esto del triángulo sentimental fuera poco. 8. Disponible en Amazon y en tu tienda de barrio favorita.
Llevamos casi una década esperando que llegue el Gran Disco, con mayúsculas, de Tennis. Desde su debut ‘Cape Dory‘ –que, atendiendo a su calificación, podríamos entender como su mejor disco, quizá beneficiado por la eterna frescura de un primer trabajo–, llevamos aguardando que el dúo formado por Alaina Moore y Patrick Railey publique ese disco incontestable que les confirme como uno de los grupos más importantes de su generación. Todos y cada uno de sus trabajos posteriores a aquel se postulaban como tal, y en todos hemos visto como se consolidaban como emocionantes artesanos de un pop propio de otra época (entre los últimos 60 y los primeros 70, concretamente), con grandes singles respaldados por bonitas canciones. ‘Swimmer’, su nuevo álbum, se atisbaba gracias a sus singles como el capítulo definitivo en esa estupenda colección de intentos… y termina siendo solamente el quinto (séptimo, si consideramos también los buenos EPs ‘Small Sound‘ y ‘We Can Die Happy’).
Puede entreverse cierta decepción en esa afirmación, no la puedo ocultar. Da un poco de rabia que, otra vez, nos encontremos ante un disco en el que hay tres o cuatro canciones enormes coronando otras tantas canciones menos deslumbrantes y emocionantes, pero también exquisitas en lo formal y bonitas en el fondo. En este caso, la segunda parte del autoproducido ‘Swimmer’ se sitúa de forma siempre elegante en esa hipotética intersección entre los espectros que abarcan por separado Beach House, Lana Del Rey y los Saint Etienne más orgánicos, con monos números marca-de-la-casa como ‘Late Night’ o ‘Matrimony II’, adornada con alguna encantadora salida de tangente (la paulsimonesca ‘Tender As a Tomb’). Sin embargo, ya deja de ser una sorpresa que no raye a la misma altura que la primera mitad del álbum.
En ella, tras la fantástica intro que supone la balada ‘I’ll Haunt You’ –en la que Alaina habla, como gran tema del disco, de la madurez, tanto personal como la de su matrimonio con Patrick–, se han sucedido embrujándonos los adelantos ‘Need Your Love’ –con esos cambios de ritmo tan sorprendentes como fascinantes–, ‘How to Forgive‘ –ya hablamos de su particular guiño a la Madonna de los 80– y ‘Runner‘ –con referencias místicas que, asegura Alaina, están más inspiradas por Judee Sill que por verdadera fe religiosa–. Ese tándem fantástico, remachado por la preciosa ‘Echoes‘ –una preciosidad entre Cocteau Twins y Joni Mitchell–, conformaba la esperanza de que ‘Swimmer’ podía ser ese disco lindando en lo sobresaliente que llevamos un tiempo esperando. Y no, no lo es. Sin embargo, también cabe recordar que, después de todo, no existen tantos proyectos artísticos capaces, como Tennis, de mantener un nivel creativo tan alto durante tanto tiempo sin necesidad de piruetas estéticas ni modernizaciones forzadas, manteniéndose estrictamente fieles a su propio universo. Así que, debemos darnos por satisfechos con que nos regalaran al menos media década más de discos «sólo notables». Visto así, un hipotético «grandes éxitos» sería, a buen seguro, ese disco incontestable que, con trabajos así, no nos cansaremos de esperar.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Runner’, ‘How To Forgive’, ‘Need Your Love’, ‘Echoes’ Te gustará si te gustan: Beach House, Lana Del Rey, Real Estate. Escúchalo: ‘Need Your Love en Youtube.
En 2014, tras una reunión lucrativa –algo reconocido abiertamente por ellos– obrada dos años antes, ‘Vida inteligente’ suponía el regreso discográfico de Los Enemigos tras tres lustros. Ahora, seis años y un par o tres de discos por separado de Josele Santiago y Fino Oyonarte, reducen ese lapso considerablemente y han publicado este 6 de marzo ‘Bestieza‘, un nuevo trabajo en el que, haciendo honor a su título –un palabro acuñado por ellos– su rock truena fuerte y rápido.
Sobre este nuevo álbum hemos charlado por vía telefónica con Josele Santiago, mientras se recupera en casa de un inoportuno esguince de tobillo que le tiene en reposo. «Es puñetero, pero no pasa nada», tranquiliza, seguramente con la mente puesta en las próximas fechas de presentación del disco. Una ya extensa gira por España que comienza en la Sala Capitol de Santiago el día 20 de marzo y que cuenta con fechas muy especiales como el 17 de abril en la Sala Apolo de Barcelona, el 1 de mayo en el festival murciano Warm Up 2020 y el 29 de mayo en La Riviera de Madrid. [Foto: Óscar Carriquí.]
‘Bestieza’ es un disco muy potente y directo, ¿y puede que también el más corto de vuestra carrera?
No lo sé, la verdad. Es posible.
¿De dónde parte la idea de hacer un disco así de inmediato?
Son las canciones las que van teniendo ideas, no hay un concepto detrás de esto. Las canciones van pidiendo, vamos probando, y a todas les sentaba bien un poquito de caña y aceleración. Fuimos siendo cada vez más bestias y, excepto a tres de las diez, que son más medio tiempo, van a una velocidad y a una zurra considerable. Como les sentaba bien, se la dejamos puesta. Y ahí están, nos cuadraban así, no le dimos más vuelta y nos metimos al estudio.
Aunque están ‘La costumbre’ y ‘Rey Pescador’, todas duran menos 3 minutos.
De «one, two, three», sí… (Risas)
«A todas las canciones de ‘Bestieza’ les sentaba bien un poquito de caña y aceleración. Fuimos siendo cada vez más bestias»
Pero, ¿habéis descartado canciones por ser demasiado largas?
No, no, ya te digo… Esto es lo que había, no solemos tener mucho material de sobra. Cuando reunimos estas diez… No sé, tenían una coherencia y un peso específico importante. Lo vimos en el local y dijimos «¿para qué más?» Además, teníamos muchas ganas ya, que había pasado mucho tiempo desde ‘Vida inteligente‘, han pasado cosas en el seno del grupo… y teníamos ganas de sentirnos ya activos.
Está producido por Carlos Hernández Nombela, que se ha convertido en un nombre muy importante en el ámbito independiente. ¿Por qué le escogisteis? ¿Qué discos producidos por él os han decidido a contar con él?
La verdad es que Carlos es amigo nuestro de hace tiempo, nos estuvo haciendo la P.A. [Nde: es decir, fue su técnico en directo] a Los Enemigos en los 90. Hemos seguido su carrera, claro. Y aunque él, como buen profesional que es, puede hacer de todo, le conocemos bien y lo que le pone es esto. (Risas) Nosotros le llamamos «bestieza», él lo llama «zurra», llámalo «punk»… Era la persona ideal. También le hemos seguido en sus discos con Airbag, con Triángulo de Amor Bizarro, el sonido que le saca a Carolina Durante… encajaba bastante en lo que queríamos para las canciones: guitarras crudas y distorsionadas, muy urgentes. Se le ocurrió a Fino: «¿llamamos a Carlitos?» Y dijo que sí enseguida, en cuanto oyó las canciones, porque a él le pone este tipo de contundencia.
¿Me equivoco, o hay más coros que en ninguno de vuestros discos? ¿Por qué?
Es verdad que hay en todas o casi todas. Antes había (coros) más puntualmente, pero es un tema que teníamos bastante trabajado. En este caso se imponía como contrapunto al guitarreo, porque no es sólo guitarreo, hay unas melodías muy curradas. Estaban pidiendo a gritos unos coritos, que además es uno de los puntos fuertes de Carlos. Y bueno, que Chema, Fino y David están ya muy curtidos en esto, también había que aprovecharlo. Fue muy divertido de grabar, trayendo cada uno su arreglito… hasta que ves que te pasas de frenada, y tienes que recular. Pero están muy currados, entran como un guante.
¿Dirías que eso es, a su modo, significativo del momento que vivís ahora como grupo?
Es posible, ahora estamos en un momento muy fraternal, muy unidos, muy contentos con la entrada de David (Krahe)… Pero es algo que, como te decía, hemos trabajado toda la vida, desde ‘La vida mata’, en ‘Ouija‘ por ejemplo.
«Manolo Benítez decidió irse con los Porretas… y bueno, ya está, está en los Porretas»
Mencionabas ahora la incorporación como guitarrista de David Krahe. ¿Cómo vivisteis la salida de Manolo (Benítez), que llevaba tantos años con vosotros?
Bueno, Manolo decidió irse con los Porretas… y bueno, ya está, está en los Porretas. Nosotros buscamos un sustituto y el que más cerca estaba era David, porque trabaja conmigo hace mucho tiempo, tanto en acústicos como con la banda, conoce el repertorio enemigo a la perfección y somos amigos desde que éramos pequeños. Entonces… estaba claro. Lo intentamos, vino al local, encajó de cojones de bien en todos los aspectos. Y Manolo… pues está en los Porretas.
¿Y qué dirías que ha aportado David a vuestro sonido y a este disco?
Pues que tiene una paleta de colores muy amplia, porque él es un guitarrista muy versátil, tiene muy trabajado el tema de efectos, los colores precisamente, es muy minucioso y muy entusiasta en el trabajo. Una banda lógicamente agradece todas estas cosas, y se nota, se nota mucho.
«Cuando te sale una canción así tan redonda es un subidón muy grande. Tampoco se puede comparar con un orgasmo. ¡Esto dura más!»
‘Siete mil canciones’ es un pedazo de primer single, que marca el tono del disco. ¿Qué se siente cuando surge una canción así, que imagino pronto será favorita del público, si no lo es ya?
Hombre, cuando te sale una canción así tan redonda es un subidón muy grande. No se puede comparar a nada, porque tampoco se puede comparar con un orgasmo. ¡Esto dura más! (Risas) Pero es algo así.
Al principio parece que ese tema habla un poco de encontrarse desubicado en el mundo actual, pero termina siendo una canción de amor, ¿no? ¿Es un poco un buen compendio del aspecto lírico del disco?
Sí, bueno, es un disco que no da la espalda a disfrutar de la vida y a afrontarla con esperanza, a pesar de que estén las cosas como estén. Esta es una canción muy romántica, sí es verdad, porque habla de desubicación pero desde la cabezonería del desubicao. Es, como quien más y quien menos, busca el amor. Pero ahí está el tío en sus trece, y no hay Dios que lo saque. (Risas)
En algunas letras da la sensación que planteas una renuncia a militar en nada. Me refiero a letras como “La capitulación expande mi mente (…) / Nada me hace más fuerte que desertar”, de ‘Sacrilegio sideral’, o “Es mi armadura, pura discreción” de ‘Rey pescador’. ¿Es una especie de posicionamiento vital o político?
Bueno, yo escribo en primera persona porque me gusta ponerme en el personaje, pero nunca he estado en prisión y ahí está ‘Desde el jergón’, nunca me he suicidado y ahí está ‘septiembre’, etcétera, etcétera. En este caso, el ‘Rey pescador’ es muy irónica, estoy hablando en la piel de un santurrón, que todos conocemos a alguno. Y… ¿cuál era la otra que decías?
«Siempre quiero que haya una historia delante, no me gusta sentar cátedra»
‘Sacrilegio sideral’.
Sí, es un… ese posicionamiento, esa tendencia existe, ese no identificarse con nada. Pero siempre quiero que haya una historia delante de eso, no me gusta sentar cátedra, y tampoco quiero renunciar a la narrativa, que para eso estamos. Aquí hay un tema que siempre me he planteado: cuando ves a un sin techo, todos tienen una historia detrás y, en un día concreto, se tuvieron que ir de casa. Salieron de su ciudad, de su pueblo, y parece que bastantes de ellos… se alegran, ¿sabes? (Ríe) Tiene un punto de conexión con los cínicos, con ‘La Secta del Perro‘, que también está presente en otras de estas canciones y me apasiona. «Sacrilegio» es sobre un tío que se va, se pira, y es un poco la peliculilla de ese día concreto, me pareció interesante captar ese momento. Me gusta trabajar con imágenes, a veces en movimiento. Si son en movimiento, mejor, de hecho. Es una escena bastante nihilista.
¿Prefieres mantener un poco el misterio sobre el trasfondo de tus canciones?
‘La ofensa’, con frases como “eres gente, puta gente, que no va a sobrevivir, ojalá revientes”, es una de las letras más iracundas…
¡Ahí me pongo en la piel de un hijoputa! (Risas) Un hijoputa que además ni se arrepiente ni nada. Me interesa también ese tema del mal.
¿Habla sobre el mal?
Sí, siempre me ha interesado y está ahí. Además ahora parece que vuelve con fuerza, sobre todo en la literatura sudamericana, (ahí) se trata mucho. A mí me encanta, es un tema que me fascina de toda la vida. Y bueno, este es un poco eso, un hijoputa hablando…
«En ‘La ofensa’ me pongo en la piel de un hijoputa»
En el puente de esta canción suena de fondo un discurso o una arenga de fondo. Tiene un cariz político, entonces…
Claro, claro que sí. Eso está situado… Hay muchas situaciones históricas en las que esa frase (Nde: “Hoy finges no saber, mañana fingirás no recordar”) encajaría a la perfección. Pero yo la escribí pensando en la república de Weimar, justo antes de la ascensión del nazismo, que es una época fascinante y que tiene muchas similitudes con la actual. Por eso cuadraba perfectamente el altavoz este, antediluviano.
Fino Oyonarte adopta la voz solita en ‘Océano’. No es la primera vez que canta él un tema vuestro, pero tampoco es frecuente. ¿Cómo decidís que lo haga?
Siempre o casi siempre mete alguno en cada disco, desde ‘Gas’, si no recuerdo mal. O incluso dos.
O sea que es ya una tradición.
Sí, sí. Generalmente siempre es uno de los que componemos a medias. En este caso hay tres (Nde: los otros son el segundo single ‘Vendaval’ y ‘Mar de sendas’) y podía haber cantado los tres, porque canta de puta madre. Pero bueno, por mantener un poco de cohesión y unidad, se quedó uno y me dejó a mí los otros dos.
Cuando hablabas hace unos meses con mi compañera Mireia, decías que creías que podíais haber hecho más conciertos juntos, los dos solos, de las que habían salido. ¿Habéis hecho algún avance sobre eso, mirando al futuro?
Sí, lo recuerdo. Sí estaría bien, pero ahora estamos centrados en Enemigos. Igual cuando dejemos de girar con ‘Bestieza’ puede que sea el momento, pero ahora estamos muy centrados en eso y muy por la labor, además. Hay muchos bolos y el futuro inmediato se presenta movido, divertido y… tenemos ganas de ensayar, imagínate de tocar… (Risas)
Estáis en modo Enemigo.
Sí, muy Enemigo. Y esto necesita una base sólida y no distraernos con nuestras movidas, tenemos que concentrarnos todos en ‘Bestieza’.
¿Tienes alguna fórmula ya para dirimir si un tema que te sale va para Enemigos o es para ti?
No. (Ríe) Palabra que no. Nadie me cree, pero es así. Luego es cuestión de meterle vatios o no, o meterle otro tipo de arreglos. Pero en la manera de componer la verdad es que no.
¿Puede ser que tus letras más abstractas sean para Los Enemigos y las más personales o íntimas, para tus discos solo? Es una impresión que tengo yo.
Puede ser, a lo mejor. No lo había pensado, es posible. Pero vamos, visto desde dentro… ¡es hilar muy fino! (Risas) Yo tiro p’alante y no me planteo eso tanto. Pero sí es posible, sí.
«Este disco ha salido de esa energía, de ese sentirnos vivos»
Antes hablabas de los bolos. Cuando os reunisteis en 2012 no tuvisteis problema en admitir que fue porque os ofrecieron mucha pasta. Ahora parece que hay también una demanda más constante, por parte del público. ¿Creéis que es por cierta nostalgia de una etapa concreta?
Cuando nos juntamos en 2012 lo hicimos por una oferta muy difícil de rechazar, pero nos sentimos a gusto en la furgoneta, en el escenario, nos sentíamos vivos. Y con el tiempo, resulta que no nos faltaba razón. La cosa está ahí, tiene espíritu, tiene músculo, tiene fuerza… y hemos seguido a pesar de algún bajón o alguna crisis que otra, como es normal en todo organismo vivo. Y ahí estamos, este disco ha salido de esa energía, de ese sentirnos vivos. Y de dar muchas vueltas también por la península, porque no han faltado bolos en estos años y hemos cogido la inercia que teníamos antes del parón aquel de los 2000.
Pregunto esto porque hace poco veíamos también el regreso de 091. Salvando las distancias, porque ellos hacían mucho más que no publicaban disco, veo un paralelismo con vuestra situación, hay mucho interés por un grupo que en su momento no fue quizá tan bien valorado como debía.
En su caso creo que es incluso más exagerado todo esto, porque en su momento, no sé bien por qué, nadie les hizo ni puto caso. Hay un poco de justicia poética en el caso de 091. En el nuestro no lo sé, porque, si te fijas, nosotros vivimos de la música desde el año 93 o 94, dejamos de tener otros curros y otros apaños por ahí. Hemos sido más afortunados que ellos.
«A pesar de que yo he escrito la mayoría de las canciones, no me sentía moralmente autorizado para tocar el repertorio entero yo solo»
Y cuando nos separamos lo hicimos por voluntad propia, no fue por presiones externas o que no hubiera curro. Al contrario, lo hicimos en un momento muy dulce, nos salían bastantes bolos. Pero bueno, nos sentíamos así. Y, si no lo hubiéramos hecho, quizá no nos hubiéramos vuelto. Porque siempre te queda esa espinita de «hostia, podíamos haber seguido»… Y luego el repertorio también tira mucho. (Dices) «joder, es una pena que esté ahí muerto de risa». A pesar de que yo he escrito la mayoría de las canciones, no me sentía moralmente autorizado para tocarlo entero yo solo, más allá de una canción de vez en cuando. Lo suyo era tocarlo con Los Enemigos, y estas cosas, que teníamos por la cabeza, nos dimos cuenta de todo en cuanto empezamos a ensayar. Estas circunstancias han ido empujando, empujando… y aquí sigue andando el carro.
Has dicho antes que Carlos os llevó la P.A. y él va frecuentemente con grupos en directo. No sé si la idea es contar con él también en la gira de presentación.
Sería de puta madre, pero él está muy liado ahora. Está con Carolina Durante y con Triángulo de Amor Bizarro, creo, que sacan ahora un disco por cierto. Por nosotros encantados, pero dudo que tenga tiempo.
Con ‘Blinding Lights’ de The Weeknd arrasando en todo el mundo, ¿qué otras canciones parecidas pueden triunfar? Kiesza, quien lo petara hace cinco años con el house de ‘Hideaway’ antes de que su carrera diera un giro siniestro cuando la cantante sufría, en 2017, un accidente de coche que pudo ser fatal, vuelve con un nuevo single que es un hitazo 80s en toda regla.
La deriva en la vida de Kiesza ha significado que su debut de 2014, ‘Sound of a Woman‘, no ha conocido continuación en todos estos años, lo cual no le ha impedido en este tiempo seguir publicando música. El verano pasado llegaba la balada ‘Sweet Love’, unos meses más tarde era el turno de la tropical ‘You’re the Best’, y este año hemos conocido la burbujeante ‘When Boys Cry’. Ninguno de estas canciones ha alcanzado la repercusión (moderada) de la discotequera colaboración de Kiesza con Bakermat de 2017, ‘Don’t Want Your Love’. Pero ninguna de ellas es ‘All of the Feelings’.
Si Carly Rae Jepsen hiciera chocar ‘Midnight City’ de M83 con ‘All Night Long (All Night)’ de Lionel Richie, el resultado de esa explosión sonaría parecido a ‘All of the Feelings’. Es una canción efectivamente explosiva, eufórica en su reencuentro con el verdadero amor, descrito en ese gran estribillo que reza «estoy teniendo otra vez esos sentimientos, vuelvo a creer en el amor». Kiesza no puede controlar su deseo, así que en ‘All of the Lights’ recompone su felicidad en un pelotazo ochentero que debería darle un hit muy merecido a su carrera.
Un par de semanas atrás lanzábamos una reflexión a cuenta de una noticia que se veía venir tras la consecución de la salida de Reino Unido de la Unión Europea: la imposición de visados y tasas para los artistas foráneos que quisieran actuar allí. Una medida que afectaría sobre todo a los artistas de pequeño o medio tamaño, en público, y que supone el desembolso de grandes cantidades de dinero, tanto efectivo como en avales, para los grupos que quieran actuar en Inglaterra, Escocia, Gales o Irlanda del Norte desde el día 1 de enero de 2021. Ante la preocupación que eso ha despertado y la posibilidad real de que la UE responda con medidas similares para los artistas británicos, hemos contactado con varios grupos españoles que actúan o han actuado en UK en los últimos años para conocer de primera mano sus impresiones sobre la situación.
Hinds, cuyas giras mundiales son ya una constante –y que, de hecho, publican su próximo disco ‘The Prettiest Curse’ en un sello británico, Lucky Number–; Baywaves, que se dieron a conocer en España precisamente por sus diversas giras por Inglaterra; Toundra, un grupo que desarrolla frecuentes giras por toda Europa –su actual tour, que comienza hoy en los cines Aribau de Barcelona presentando su álbum con música para ‘El gabinete del Dr. Caligari’, cuenta con diversas fechas foráneas–; y Le Parody, artista que hace muy poco nos detallaba sus diferentes peripecias actuando por todo el mundo, responden a nuestro cuestionario sobre sus impresiones.
Además, también hemos consultado a dos proyectos musicales de artistas españoles que, de hecho, residen en Reino Unido y por tanto desarrollan allí su actividad musical, ofreciendo una visión «desde el interior» del Brexit. Se trata de Alien Tango, el proyecto comandado por el murciano Alberto García Roca apoyado en músicos ingleses que en breve publica EP; y REYKO, el dúo formado por Soleil e Igor que triunfaba a lo grande hace un par de años con ‘Spinning Over You‘ y que esta misma semana ha publicado su álbum debut homónimo. Aunque en general hay tristeza, pesimismo y preocupación en todos ellos, hay disparidad de visiones en cuanto a si se terminarán para ellos las giras por UK con esta medida. Incluso sorprende saber que, en realidad, los más afectados por todo esto pueden ser los músicos británicos.
¿Qué opináis sobre que Reino Unido imponga tasas y avales para poder actuar en el país?
Hinds: «Leímos la noticia en el aeropuerto de Gatwick para volver a Madrid, de hecho. Es una puta mierda, qué te voy a decir. Que Inglaterra sigue siendo de los países más fértiles en cuanto a escena e industria musical, y que nos hagan/se hagan esto a sí mismos, me parece que sólo puede traer malas consecuencias, hacer que el negocio musical allí sea más elitista (si cabe) y, desde luego, menos libre, variado y por tanto, a mi parecer, interesante. Empeñarse en construir nuevas fronteras es un concepto que ya me cuesta comprender, pero tratar de ponérselas al arte a base de tasas, permisos y dinero es algo que me pone verdaderamente triste». Baywaves: «Sí, estamos frontalmente en contra; cualquier restricción a la libre circulación de la cultura es una aberración. Desde la óptica de nuestra trayectoria, si esta medida hubiera estado en vigor hace cuatro años, no habríamos podido dar ningún concierto en Inglaterra: de los 25-30 conciertos que hemos dado en Inglaterra, los primeros 20 se hicieron con algunos de nosotros sin tener siquiera cuenta bancaria».
Hinds: «Empeñarse en construir nuevas fronteras es un concepto que ya me cuesta comprender, pero tratar de ponérselas al arte a base de tasas, permisos y dinero es algo que me pone verdaderamente triste»
Toundra: «Es una medida que destruye nuestra capacidad para girar por el Reino Unido. Las giras de grupos de nuestro nivel tienen un margen muy humilde y con estas medidas nos veríamos en la situación de «pagar por tocar». Siempre hemos bromeado con que desde antes de entrar a las islas ya te están cobrando por cosas (tasas por vehículo, Eurotúnel, etc.), por lo que para Toundra estas medidas son una dificultad añadida y por el momento, insalvable». Le Parody: «No he leído mucho sobre esta nueva ley, pero supongo que a ciertos niveles se podrá sortear, como sucede en otros países del mundo». Alien Tango: «Que va a a ser terrible para los grupos emergentes que quieran abrirse paso en ese mercado». REYKO: «La verdad es que nos entristece bastante. Va a afectar muchísimo a la industria musical. Tenemos la esperanza de que de aquí a 2021 lleguen a algún acuerdo para que esto no se lleve a cabo, o que sea un poco mas «light». Habiendo vivido desde dentro todo el proceso del Brexit, no nos extrañaría que las cosas cambien en ese aspecto en los próximos meses. Seguimos siendo optimistas. :)»
¿Os sucede esto o algo similar en otros países del mundo?
Hinds: «Claro, para trabajar en Estados Unidos también necesitas un visado. Nosotras tenemos el de trabajador no inmigrante (P1). Es un pastón y muchísimo papeleo y pueden aprobártelo o no y es un coñazo y hay que renovarlo cada año religiosamente. Para tocar en Japón también se necesita un visado, pero ese te lo conceden casi automáticamente. Y en Brasil. Y en Vietnam. A Australia fuimos de estrangis las dos veces (al menos la primera de ellas, seguro) pero sabiendo que habríamos necesitado uno. De todas formas depende de tu nacionalidad, así que todo esto que os cuento es bajo la experiencia de un pasaporte español. No sé. No es porque se estén inventando algo, lo feo es que antes no fuera así y ahora sí. Restringir el flujo de cultura en vez de potenciarlo». Baywaves: «Sí, claro; los visados de artista en Estados Unidos suponen un desembolso económico y un gasto burocrático grande. Desde el mismo precio de los billetes a la hora de cruzar el atlántico se reduce el espectro de grupos pequeños que pueden plantearse girar allí. Sin embargo, la gracia de Reino Unido es que tocar allí es casi tan barato como tocar en Barcelona para un grupo de Madrid, y existe un circuito (promotores, medios, público) muy grande y muy receptivo para grupos que están empezando a desarrollarse, cosa que no sucede en ningún otro país de nuestro entorno».
Baywaves: «La gracia de Reino Unido es que tocar allí es casi tan barato como tocar en Barcelona para un grupo de Madrid»
Toundra: «Cuando tocamos en Estados Unidos por el SXSW tuvimos que llevar unas cartas de la organización que especificaban que no íbamos a cobrar por dar conciertos, de otra manera necesitas un visado de trabajo. Pero dentro de Europa no hay problemas de este tipo, o al menos no los había». Le Parody: Cualquier país de fuera de la Unión Europea exige pagos y visados especiales si vas a ir a hacer algún tipo de trabajo. Un concierto, en principio, sería un trabajo. Pero en la mayoría de países, para músicos underground, sortear esta dificultad es tan fácil como no decir que vas a dar un concierto. Hay también otras medidas legales-alegales, como viajar con una invitación de alguna institución que confirme que no vas allí a trabajar, que el concierto es, por ejemplo, una muestra cultural, y lo que te pagan no es un salario sino algún tipo de compensación por los gastos». Alien Tango: «En EEUU está bastante peor el asunto, las visas de trabajo son mucho más caras». REYKO: «En Estados Unidos piden papeleos varios y visados con tasas, etc.»
¿Os obliga esto a replantearos cualquier concierto en el país, o creéis que si conseguís organizar una gira completa puede compensar?
Hinds: «A nosotras, personalmente, no nos hace replantearnos seguir tocando en Inglaterra. También porque somos un grupo que en la última gira hicimos diecisiete ciudades allí… que nos renta, vaya. Habrá que enterarse bien cómo es la visa, si son esas 200 libras al año, o bianuales o qué. ¿La ruina para Hinds? Esperemos que no. ¡Jajaja!» Baywaves: «Sí, la concepción a partir de ahora es diferente. Desde la implementación de esta medida, planear una gira en Inglaterra empieza por hacer números: gastos, visibilidad, rentabilidad, proyección… Prima una óptica mercantilista que hasta ahora podíamos obviar, ya que era casi indiferente hacer una gira de guerrilla allí que en España. Supone un obstáculo más a la hora de organizar una gira: si bien por suerte para nosotros ahora mismo no es un obstáculo infranqueable, sí que es un puto coñazo». Toundra: «Los promotores que nos llevan al Reino Unido no pueden pagar tantísimo dinero. Es bastante triste. Supongo que con grupos locales no será tan difícil, pero con nosotros, a pesar de hacer sold-out en sitios como Londres o Bristol… Esas medidas lo convierten en algo fuera de nuestro alcance».
Le Parody: «A la gente que hace giras visibles con poco margen de ingresos entiendo que sí que les pasará factura la medida»
Le Parody: «Entiendo que esta medida afectará sobre todo a bandas medianas. Supongo que, como decís en el artículo, los artistas mainstream podrán seguir tocando sin notarlo demasiado, y la gente que tocamos fuera sin promoción podremos seguir pasando desapercibidos. Pero a la gente que hace giras visibles con poco margen de ingresos entiendo que sí que les pasará factura la medida». Alien Tango: «A nosotros en principio no nos afecta ya que residimos en Londres». REYKO: «A nosotros como grupo por suerte no nos afecta por ser residentes del Reino Unido desde hace más de cinco años. Como los dos también tenemos pasaporte español, tampoco nos afecta en Europa. Nos hemos librado de ésta… ¡a no ser que de repente metan alguna ley nueva en los próximos meses!»
¿Creéis que lo justo sería que la UE respondiera con la misma aplicación de tasas y visados?
Hinds: «NO. No me parece un modelo a seguir. Está formulada con resquemor la pregunta, porque no se estaría buscando justicia sino venganza». Baywaves: «Desde un punto de vista político y recaudatorio, sí: estamos todo el rato bombardeados por grupos anglosajones, y estaría buenísimo que con cada concierto se financiara una partida de apoyo a la escena musical española. Sabemos que esto no va a ser así, y que no va a haber una relación tan directa, y que una reciprocidad en la medida nos va a impedir disfrutar de bandas que aquí tocarían para 50-200 personas, y no va a afectar a los grupos grandes. Sin grupos europeos, Inglaterra (por proporción numérica y por propio Chauvinismo), “no se pierden nada”, sin embargo nosotros nos quedamos huérfanos de una escena interesantísima. Así que, volviendo a la pregunta: no». Toundra: «Espero que no, porque si hay algo que hemos aprendido estando de gira es que la forma de hacerlo es como lo ha hecho Europa hasta ahora. Creo que volver atrás y poner medidas restrictivas no representa el carácter de Europa y sus ciudadanos (al menos de la mayoría)».
REYKO: «Tenemos varios colegas músicos británicos que están bastante intranquilos con esto (…), y les afectaría muchísimo. Se habla bastante de esto por aquí entre grupos y músicos»
Le Parody: «No sé si es justo o no, no tengo ni idea de leyes a este nivel y lo que me huelo que todo esto del Brexit va a servir sobre todo de caos y excusa para represiones fronterizas, sanciones y recaudaciones de todo tipo». Alien Tango: «Me parece bastante lógico que ocurra, para bien o para mal. Lo de que paguemos para tocar en España no sé si sería el caso, pero supongo que se acabaría lo de tocar en España para nosotros. ¡Jajaja!» REYKO: «Lo normal es que sí. De hecho tenemos varios colegas músicos británicos que están bastante intranquilos con esto ya que asumen que es lo que va a pasar, y les afectaría muchísimo. Se habla bastante de esto por aquí entre grupos y músicos».
El popular festival de Austin, Texas South By Southwest (SXSW) ha anunciado la cancelación de su edición de 2020 por el riesgo de infección del COVID-19 (coronavirus). El festival, que recibe a artistas de todo el mundo, se celebraba del 13 al 22 de marzo e iba a acoger, desde España, la actuaciones de Antonio Lizana, Alien Tango, Belako, Biznaga, Candeleros y Marem Ladson (foto).
El festival ha compartido el siguiente comunicado: «Estamos destrozados por tener que compartir esta noticia con vosotros. El lema de «el espectáculo debe continuar» está en nuestro ADN, y esta es la primera vez en 34 años que el evento de marzo no tendrá lugar. Actualmente nos encontramos trabajando en las ramificaciones de esta situación sin precedentes. Hace tan poco como el miércoles, la Salud Pública de Austin declaró que no existe evidencia científica de que «clausurar SXSW o cualquier otro evento social mantendrá a la comunidad más segura». Sin embargo, esta situación ha evolucionado rápidamente y nosotros honramos y respetamos la decisión de la Ciudad de Austin. Nos comprometemos a poner de nuestra parte para proteger a nuestro equipo, a nuestro público y a nuestros compañeros austineses».
En los últimos días están siendo muchos los artistas o grupos que están suspendiendo o cancelando giras con motivo de la epidemia. También varios festivales han tomado la misma decisión.
The Whitest Boy Alive fue uno de los proyectos de indie-pop más queridos de mediados de los años 2000 gracias a su delicado sonido y a canciones como ‘Burning’, que cuenta con casi 55 millones de reproducciones en Spotify; ‘1517’, ‘Golden Cage’ o ‘Intentions’. El proyecto paralelo del noruego Erlend Øye de Kings of Convenience junto a Marcin Öz, Sebastian Maschat y Daniel Nentwig editó dos álbumes entre 2006 y 2009 antes de separarse en el verano de 2014.
La banda destacó por sus delicadas melodías de guitarra mucho antes de que conociéramos la existencia de Real Estate o Mac DeMarco, así como por sus composiciones y ritmos de inspiración jazzy y por lo meticuloso de sus producciones. La estética de sus sencillas portadas animadas con fondo blanco y trazo negro reflejaba el espíritu minimalista y adorable pero cargado de significado de su sonido. The Whitest Boy Alive era la típica banda que sin ser masiva alcanzaba un considerable culto de fans que adoraban cada uno de sus pasos.
A falta de que un festival donde no pueden pegar más como Vida les confirme en su programación, y después de ofrecer de hecho sus primeros conciertos de regreso, The Whitest Boy Alive vuelven oficialmente con su primera canción desde 2009. Se trata de una ‘Serious’ en la que Erlend Øye y compañía continúan explorando su fórmula como si no hubiera pasado el tiempo. ¿Habrá disco en camino?
El éxito de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa, que sigue siendo enorme varios meses después de su lanzamiento (la canción va cuarta en el chart global de Spotify) se está comiendo un poco el desempeño comercial del siguiente single, ‘Physical’, al que no le está yendo mal (es 39 en el mencionado top), pero quizá no tan bien como se esperaba.
Mientras la cantante británica prepara el lanzamiento del tercer single oficial de su álbum ‘Future Nostalgia’, un ‘Break My Heart’ que samplea ‘Need You Tonight’ de INXS y para el que la artista ya ha rodado un videoclip, la intérprete de ‘New Rules’ sigue apoyando el lanzamiento de ‘Physical’ con un nuevo vídeo en el estilo retro de la canción. Si esta era un homenaje clarísimo al ‘Physical’ de Olivia Newton-John, el nuevo clip para el tema se inspira en los entrenamientos televisados de los años 80. De alguna manera se cierra círculo con el vídeo del remix de ‘New Rules’ de Initial Talk, remezcla que Dua convertía en oficial.
Por otro lado, Dua es noticia por aparecer en un remix de ‘SUGAR’ de la banda de hip-hop y R&B BROCKHAMPTON junto a Ryan Beatty & Jon. El grupo editaba en 2018 el álbum ‘iridescence‘ y en 2019 ‘GINGER‘.
Ana Guerra y Aitana decían «pa fuera lo malo» y Azúcar Moreno dicen «lo malo pa’ fuera». La primera habría sido la gran opción española de Eurovisión en su año de no haber sido por la decisión de enviar una balada, la segunda ya no podrá representarnos en este porque la propuesta de Blas Cantó, que ha sido un fracaso comercial, ya está en marcha.
Es fácil imaginar a Azúcar Moreno representando a España en Eurovisión con ‘Pa’ fuera’. Las hermanas Salazar ya asumieron esta responsabilidad en el año 1990 cuando presentaron ‘Bandido’ en Zagreb, quedando nada menos que quintas pese a su sonado fallo técnico. Y ‘Pa’ fuera’ tiene similitudes con ‘Bandido’: ambas duran exactamente 3 minutos, fusionan el sonido de las hermanas con los ritmos de moda del momento (en el caso de ‘Bandido’, el tecno; en el de ‘Pa’ fuera’, el tropi-pop), suenan por tanto españolas y al la vez internacionales, y son pegadizas. Si ‘Universo’ lo intenta todo lo que puede por gustar, ‘Pa’ fuera’ suena a Azúcar Moreno sin más.
‘Pa’ fuera’ no es ninguna revelación musical y el hecho de que parezca una opción mucho mejor que ‘Universo’ nos deja en muy mal lugar como país participante de Eurovisión. Al margen de su producción actual, la canción suena como llegada 15 años tarde. Pero puestos a mandar cosas que puedan gustar a la audiencia del festival, al menos no suena preocupada por este propósito. Quizá ese sea el truco…
Víctor Coyote publicaba hace unos días ‘Las comarcales‘. Es su primer disco desde que en 2014 lanzara el disco de versiones ‘De pueblo y de río’, producido por Pablo Novoa (Golpes Bajos, Mastretta, Iván Ferreiro). Este nuevo trabajo es como una extensión amplificada en arreglos del sonido arrabalero y folclórico de aquel trabajo, con los ritmos tradicionales de América (del Sur… y del Norte) como punto de partida. Ritmos latinos en los que el gallego fue pionero al revestirlos de punk allá por los primeros 80, en plena vorágine cultural de lo que se conoce, bien o mal, como la Movida. [Foto: Antonio Alay.]
Le sacamos de un ensayo de los primeros conciertos de presentación de este disco –hoy, 6 de marzo, en la sala Funhouse de Madrid; 12 de marzo, en Sidecar de Barcelona; 13 de marzo, en La Bóveda, Zaragoza– para charlar con él por teléfono sobre este disco, en el que destacan unas letras que equilibran costumbrismo con mensajes políticos y sociales, con referencias a la precariedad laboral, a los falsos autónomos y la crisis medioambiental. Víctor es un conversador fantástico, divertido, expresivo (de ahí el énfasis de las mayúsculas) y ocurrente, al que cuesta seguir el ritmo a veces y que deja un posible titular cada pocos minutos. Pese a que comienza dejando entrever que no sabe si lo que tiene que contar (por su disco) interesará ahora a alguien, al terminar la entrevista la respuesta es evidente.
Se echaban de menos noticias musicales tuyas.
Ya, bueno, he sacado disco hace no tantos años. Debido a mi profesión (Nde: es pintor y dramaturgo), no puedo sacar uno cada año, pero vamos…
Sí, ‘De pueblo y de río’ salió hace 6 años, pero era un disco de versiones. Y de tu último disco de composiciones propias sí hacen 10 años. ¿Qué te mueve para hacer un nuevo álbum de temas tuyos?
Yo siempre tengo cosas que decir, aunque a lo mejor no son muy importantes, pero bueno… El disco de versiones, por otro lado, al ser cosas muy escogidas lo considero bastante mío. Pero sí me apetecía volver a hacer canciones mías, que ya hacía tiempo. Es una cosa que me gusta, no sé si lo necesito o no, supongo que sí, un poquillo. Y no sé si la gente lo necesita, pero procuro ir haciendo cosas que no tienen demasiado que ver con la música que se hace (ahora).
Al hilo de lo que dices, sí que se percibe que, en lo musical, este disco sí es una especie de continuación de ‘De pueblo y de río’…
Sí. Yo he dado unos cuantos bandazos en los discos que he hecho, y me apetecía hacer una cosa más continuista con Ricardo Moreno, sobre todo, con el que llevo bastante tiempo tocando. Pero a la vez no quería hacer una cosa tan cruda, tan mínima de instrumentación como ‘De pueblo y de río’. Quería algo más como de banda. Pero sí es continuista. Hay gente que lo ve como una vuelta a los primeros Coyotes, a ‘Mujer y sentimiento’. Yo no lo veo así, pero bueno, tampoco pasa nada.
‘Las comarcales’ es un nombre muy evocador, que remite a muchas cosas. ¿Por qué lo escogiste?
Primero escribí la canción, y fue primero Ricardo, precisamente, quién planteó que a lo mejor estaba bien ese nombre para el disco. Y de repente, me pareció que sí. Ahora quizá se use más el término «carreteras secundarias» o algo así. Es un poco viejuno, quizá, pero me gusta más ‘Las comarcales’. Igual ha caído en desuso, pero en los pueblos sí se usa lo de «comarcales». Y claro, también hace alusión a que yo he sido más de ir por las comarcales que por…
Las autopistas…
¡Las autopistas del rock! (Risas)
«Sobra viaje. La gente debería viajar menos, soy completamente contrario al turismo… y al viajero»
Es un título que evoca «viaje», al igual que las influencias de música distintos puntos del mundo que suenan en él. ¿Dirías que falta «viaje» ahora mismo?
No, no. Sobra viaje. La gente debería viajar menos, soy completamente contrario al turismo… y al viajero. ¡Soy más contrario al viajero que al turista! Porque el viajero es un tipo que se cree especial, que se cree que «conecta» (Nde: lo dice con retintín) con la gente y con los sitios donde va. El viajero es un turista pedante. O sea, el típico insoportable. Estoy en contra del turismo, sobre todo al de las ciudades. La gente que va a las ciudades se coge un vuelo de diez euros, se come una pizza, se va a ver las estatuas… Y me refiero a los tipos vestidos de Bob Esponja y tal… Y que va a los Starbucks, esas cosas… No entiendo mucho. Soy contrario al viaje. A lo mejor soy más de viaje a Soria, como Gabinete. O mejor dicho, a los sitios que están cerca de donde estás tú y que no conoces. Me parece que se adquiere más conocimiento de eso que yendo a Berlín. (Risas) Berlín no le puede enriquecer a nadie. Esa cosa viejuna, esa cosa de hippies jubilaos… ¿Qué vas a ver ahí? Nada, cero.
O sea que este es un disco más localista que internacional.
Sí, sí… pero los localismos pueden ser también de Madrid, de Barcelona, de Nueva York… Woody Allen es un tipo local, te cuenta las cosas de su pueblo. Yo, por ejemplo, he viajado muy poco por Hispanoamérica. He ido a Argentina, Brasil y poco más. Esa cosa de que la gente del «primer mundo» vaya a un sitio, lo entienda en tres días y te lo explique luego… Hay una soberbia alucinante en eso. Aquí un vasco te dice que tú no puedes conocer la realidad del País Vasco en tres días, pero él se va a Jamaica y vuelve entendiéndolo todo. ¿Pero qué soberbia es esa?
«Dentro de 20 años, los intelectuales, los escritores y los cineastas, que siempre van retrasaos, dirán «qué maravilla de aquellos artistas del reggaeton»»
En la nota de prensa hablas de un término llamativo que es «música cateta». Lo que entiendo que te refieres, con ironía, es a los prejuicios que hay hacia lo popular. Algo que parecía que estaba superado y no lo está.
Hombre, sí. Prejuicios hacia lo popular siempre ha habido y hay: ahora mismo lo popular es el reggaeton y hay un montón de prejuicios. Me refiero a eso, no tanto al folclore, a lo antiguo. Eso es un rollo. Además, dentro de 20 años, los intelectuales, los escritores y los cineastas, que siempre van retrasaos, dirán «qué maravilla de aquellos artistas del reggaeton». Como pasó con Peret, como pasó con María Jiménez, como pasó con Las Grecas… que los consideraban unos horteras de tomo y lomo. ¡Cuando no los consideraban unos cómplices del franquismo! Yo estoy completamente en contra de eso, las cosas hay que disfrutarlas en su momento. Después ya es un postureo.
Pero curiosamente algunos de los artistas jóvenes más interesantes parten del folclore, como Rosalía, Rodrigo Cuevas, Vicente Navarro…
Rosalía me gusta. Rodrigo Cuevas, no me gusta. Rosalía me parece que es personal y es intransferible. Rodrigo Cuevas me parece más Martirio. Y yo esa cosa del POP no la entiendo. El pop es una cosa que murió ya hace tiempo, cuando Andy Warhol. Incluso cuando Andy Warhol vino aquí a la Movida ya era una vieja, y hacía retratos a viejas. Y lo pop y lo kitsch, no me interesan NADA, cero. A mí Las Grecas o el reggaeton me parece hortera, y la horterada es POWER. Lo kitsch es antipower. Tiene como una ironía, una cosa… Rodrigo Cuevas usa toda esa cosa de lo kitsch, que no me interesa nada, porque tiene algo de…
¿Con cierta burla?
Sí, sí. Hombre, Rodrigo Cuevas tiene cosas que están bien, el folclore lo hace bien… pero me parece afectado en la forma de cantar y juega con la cosa kitsch antigua, que es la permitida por la intelectualidad. Pero Rosalía me encanta, tiene burla cero, y no hace pop ni es kitsch.
«Algunos escuchábamos música A PESAR de la dictadura. ¡Y la comprábamos en España!»
No creo que haya duda en calificarte como un pionero en introducir en el pop y el rock los sonidos latinos aquí en España. ¿Qué te parece que ahora triunfe lo latino no solo aquí, sino en todo el mundo?
Bueno, si hablamos de esa cosa de la Super Bowl, de Shakira y Jennifer Lopez, tampoco me interesa demasiado. Eso por un lado. Y por otro, sí es verdad que se me considera un poco… No es que yo inventase lo latino, porque estaba Santana, estaba Barrabás, estaba Elkin y Nelson… Pero sí es cierto que, desde una óptica un poco punk, sí fui el primero en hacer esas cosas. En aquella época estaba mal visto, pero como en cierta forma también lo está ahora. Entonces España salía de la dictadura, es verdad, pero algunos escuchábamos música A PESAR de la dictadura. ¡Y la comprábamos en España! Que por entonces se miraba a Amsterdam, un sitio que ha mantenido el apartheid hasta el año 1992. No sé qué había que aprender de Amsterdam, aparte de que andan en bici porque es muy plana y la tolerancia con los porritos. (Risas) La tolerancia con los porritos también la hay aquí. (Risas)
¿Pero te parece saludable que ahora los sonidos latino estén más aceptados que cuando era, como dices, algo punk?
Sí, me parece bien. Hay artistas que me gustan y artistas que no, hay gente de reggaeton que me gusta y gente de salsa que me parece espantosa. Me gusta Tego Calderón, me gusta la bachata, la música venezolana, me gusta mucho Rosalía… y Rosalía de Castro, también. (Risas) Me parece bien.
Tú mismo mencionas esa analogía de Rosalía y Rosalía de Castro que aparece en el estupendo mapa, realmente bonito, que has creado tú mismo para el disco. En él das de manera bastante clara las influencias, muchas no musicales, que te han sugerido cada tema. Esto de hablar de influencias o referencias incomoda a muchos artistas, pero a ti claramente no…
No, porque para mí decir las influencia, si no son plagio, es un orgullo. Hombre, no creo que George Harrison dijera «mi influencia para escribir ‘My Sweet Lord’ han sido The Chantelles». ¡No podía decirlo! (Risas) Hay cosas que son influencias directas en la canción y otras cosas que son más sutiles. Hay temas que tienen influencias de Buddy Holly en las guitarras o en los arreglos o lo que sea, y luego tiene influencias de Hidrogenesse en ciertas cosas de la letra. Hidrogenesse son uno de los grupos que me interesan mucho por sus letras, por su manera de contar las cosas… Y hay cosas que están ahí que son más de estilo. Por ejemplo he puesto «Eça de Queiroz», pero no me acuerdo ni en qué canción lo puse. Estaba leyendo un libro de él, del escritor portugués, que me gustó mucho y sí que me ha influido, pero de una manera general. Son como cosas indirectas, posos que quedan por ahí.
Hablas incluso de una carretera, por ejemplo.
Sí, hay una carretera comarcal bastante bonita, que es la carretera de Soutelo de Montes a Lalín. La he descubierto hace relativamente poco y de repente, también es una influencia.
«Nadie diría que ‘Pulp Fiction’ es una comedia. Y yo no tengo que ser Vetusta Morla o Nacho Vegas ni los Mojinos Escozíos»
En las letras, que antes mencionabas, hay cierto costubrismo, pero a la vez vas deslizando de una manera sutil, incluso humorística, algunos mensajes político-sociales. ¿Es una premisa tuya?
A mí me gusta mucho cómo hace letras, por ejemplo, Rubén Blades, que es un clásico de la música latina. Pero mira, yo en los años 80 hice un panfleto que se llamaba ‘300 kilos‘. En el cual decía, «hay esta lista de países, me gustan, y milito en estos países: Chile, Bolivia, El Salvador…» no sé qué. Yo, a partir de ahí, panfletos no he vuelto a hacer, porque ya hice uno. Pero a ver, ‘Soy un trabajador, soy un autónomo, soy un artista’ es una letra completamente política de principio a fin. Yo soy un autónomo, con lo cual mi voto es puro, porque nadie me promete nada. Soy un trabajador, porque tengo un determinado posicionamiento respecto a mi actividad… etcétera. Y después hay otras canciones en las que se cuelan cosas, como ‘Nadie se va a quejar’, que habla de un estado bastante placentero en el amor y tal, pero se van colando cosas de la vida. Estoy con mi novia de puta madre, de maravilla, y coges un telediario y dice que en Chile hay un cristo de cojones y en Bolivia no sé qué. Hay muchas películas «serias» o que no son una comedia, en las que se cuelan diálogos muy divertidos. Nadie diría que ‘Pulp Fiction’ es una comedia. Y yo no tengo que ser Vetusta Morla o Nacho Vegas ni los Mojinos Escozíos. De hecho, Nacho Vegas tiene mucho de humor también. Pero… ¿me entiendes?
Sí, sí.
No tengo que optar por ser grupo de chirigota o artista dramático, ¿no? Y además es que me gusta, me gusta porque funciona. Pero sí, hay cosas políticas, ‘Sin guitarras’ es una letra muy política, y «Soy un trabajador», pues también. El que no vea que la gran estafa de la globalización son los falsos autónomos…
Sí, quería hablar de esa canción en concreto, porque habla de la precariedad de los autónomos y también de los artistas. Que es algo que no solo afecta a los que buscan hacerse un hueco si no a todo el estamento, incluida gente que lleva muchos años en esto, como tú.
Sí. Yo desde el punto de vista fiscal no soy un artista, soy un autónomo. Y lo del artista viene también por ese sentido cómico del fontanero que acaba de poner un grifo y dice «¡mire cómo ha quedao, señora, soy un artista!» (Risas) Se juega con esa cosa. Aunque sí, por supuesto que yo también me considero un artista. (Risas)
«¿Qué mierda es eso, una ensalada que necesita una cúpula de plástico para venderse?»
También hay varias pinceladas sobre la crisis medioambiental, sobre todo en ‘Es tarde’…
Sí. Es que a ver, ¡doscientos gramos de plástico protegen una ensalada! ¿Qué mierda es eso, una ensalada que necesita una cúpula de plástico para venderse? Esa ensalada debía estar gravada con un impuesto de lujo, y costar 23 euros. Para que después la gente se considere sana e higiénica. ¡Eso es una mierda! Lo del sobreenvasado me parece alucinante. Los jóvenes, que todo el mundo dice que son tan ecologistas y tal, parece que luego les da miedo comprar un tomate si viene en una bandeja. O aquí en Madrid, que hay unas cosas que llaman bicis, y se llaman ciclomotores, porque ¡tienen motor eléctrico! ¿Qué coño? Eso no es ecológico, o no lo suficiente. O sea, si usted no viajara a China o no fuera al Norte de Italia estos días, ¡sería más efectivo! ¡Quédense en sus putas casas! (Risas) Aparte las grandes corporaciones, con respecto al clima, están intentando que la gente se sienta culpable y que aporte sus nimiedades.
Pero, como decía, a veces lo introduces de forma más velada, como en ‘Nadie se va a quejar’…
Sí, bueno, digo «aquí llenaron de estufas las terracitas / y se gastaron tres millones en lucecitas de Navidad». ¡A mí es que lo de las estufas me parece de lo más alucinante que he visto en mi puta vida! Que hagan lo que quieran, pero… ¡Unas estufas echando gas al aire! No lo entiendo, no lo entiendo… Bueno, lo que decía, es el turismo, y punto pelota. Y que tenemos que viajar todo el mundo para convencernos de que ya no somos clase trabajadora, y resulta que curras más horas que carracuca y ganas un sueldo de mierda. Pues bueno, que te aproveche. Y encima se hacen alardes de ser antiecológicos, que sale el payaso del alcalde de Vigo diciendo que superan a Nueva York y no sé qué, el curita este de los cojones… (Risas) ¡Por favor! ¡Y a la gente le parece muy simpático! De verdad…
«Yo paso de negarme a hablar de que estoy viejo, que «voy al hospital y me hacen unas pruebas que confirman mi edad», como digo en ‘Es tarde'»
Además del amor como antídoto, uno de los temas que veo más recurrente en las canciones es el paso del tiempo. Antes decías «no sé si le intereso a alguien», y me hace pensar en el ageism que muchos artistas dicen padecer. ¿Dirías que tú sufres esa discriminación por no tener 20 años?
No. Yo lo que creo es que debo tener una cierta solvencia cultural, un nivel más alto del que tenía cuando tenía 20 años, decir cosas más interesantes. Eso por un lado. Y por otro, yo creo que el rock como tal está muerto. Ahora estamos en una etapa como pre-rock ‘n roll, como la de Sinatra, en la que ser joven no importaba tanto porque no había una rebelión juvenil. Aunque evidentemente los artistas jóvenes tienen un punch que no tienen los artistas maduros. Pero estos se niegan a hablar de estas cosas. Yo paso de negarme a hablar de que estoy viejo, que «voy al hospital y me hacen unas pruebas que confirman mi edad», como digo en ‘Es tarde’. Y como lo hablo, me dices «tienes interés en el paso del tiempo». Pues no gran interés, pero lo trato. Aparte, odio la figura del persigue-minifaldas, no voy a hacer letras de que estoy en un club y viene una chica… (Risas) No creo en la bohemia, toda esa movida. Eso me parece de ‘Mujeres Hombres y Viceversa’.
«Hubo una historia sobre la Movida, que es falsa, y una contrahistoria, que también es falsa»
Llaman mucho la intención los posters de los conciertos de presentación en Madrid y Barcelona, que has hecho tú mismo, en los que dibujas personajes populares ligados a cada ciudad (en Madrid, aparecen los Gemelos de la Gran Vía; en Barcelona, Eugenio, Joan Brossa y las Hermanas Gilda, de Vázquez).
Bueno, llevo tiempo haciendo posters de los sitios donde voy a tocar, pueden verse todos en mi página web. Y normalmente nunca se centra en mí la ilustración, sino en la ciudad en la que voy a tocar. Me parece más interesante. Como me da corte decir «¡Buenas noches, Barcelona!» o «¡Buenas noches, Aranda de Duero!», pues hago el peloteo desde el cartel, ¿sabes? (Risas)
Para terminar, quería preguntarte por el libro que publicaste unos años, ‘Cruce de perras y otros relatos de los 80’, en el que dabas un poco tu visión de la Movida. Ahora hay una corriente que pretende desprestigiar o desmitificarla como símbolo, y no sé si tienes algo que decir al respecto, tú que lo viviste desde dentro.
A ver, yo lo que creo es… Primero, hubo una historia sobre la Movida, que es falsa, y una contrahistoria, que también es falsa. La historia es «nunca había existido el rock por culpa del franquismo, y ahora como murió Franco, nos hemos liberado». A ver, que venga alguien y me diga qué grupo de la Movida vendío en Europa como vendieron Los Bravos… ¡a pesar de Franco! Que Franco fue un dictador, es indiscutible. Pero que Los Bravos vendieron muchas copias de ‘Black is Black’ y que Los Bravos eran un grupo español durante el franquismo, son dos verdades que no puede rebatir nadie. O sea que eso de que cuando murió Franco hubo una explosión de luz y de color en la música, es una falsedad.
«Nadie dice que Sofia Coppola, a pesar de su marca indeleble, es una pija. ¡Y es lo que es!»
Ahora, la contrahistoria… Decir que todos eran unos pijos y no sé qué, es aparte de falso, descubrir la pólvora. ¿O es que Virginia Woolf era hija de un minero? La mayoría de los intelectuales, en la Historia, no eran hijos de mineros. ¡Vaya descubrimiento que el hijo de Albert Hammond es el de The Strokes! Nadie dice que Sofia Coppola, a pesar de su marca indeleble, es una pija. ¡Y es lo que es! O sea, ‘Lost In Translation’: un actor matao se va a Japón, que le pagan una pasta y está triste. ¡Eso no lo entiende nadie que haya tenido problemas económicos en la vida! (Risas) ¡Claro! Yo tampoco soy hijo de minero, soy un hijo de abogado de pueblo. No pertenezco a una élite, soy de una clase media culturizada. Es evidente que es más fácil que esa gente descubra la cultura que el hijo de un tipo que no tiene libros en su casa. ¿Vamos a descubrir la pólvora si decimos que miles de personas del mundo de la cultura surgen de clases acomodadas? O decimos que no vale eso, y les mandamos a todos a la mierda, o lo aceptamos. Entonces, a mí me parece que la Movida no es ni la historia del PSOE ni la contrahistoria de Podemos. El bloque monolítico de lo que fue la Movida no lo compro yo. Y otra cosa: las autonomías más pijas de España son el País Vasco y Cataluña. ¿Esos son los que hicieron el rock más proletario? Bueno, en fin… (Risas)
Pero esto de acusar a artistas de pijos sigue ocurriendo, a C. Tangana y Bad Gyal se les dice exactamente eso.
Mira, Ripstein, Arturo Ripstein, el cineasta mexicano, decía que solo hacen cine los hipsters pijos, ¡y lo dice el hijo del único productor que había en México en los años 50! ¡Métase la lengua por el culo, señor Arturo Ripstein! Tiene cierta solvencia como director, algunas películas suyas están bien, pero usted no es un progre, no es el hijo de un minero. ¡Váyase a la mierda! Yo tampoco soy un hijo del lumpen, pero en fin…
Veintiuno están realizando este año una gira acorde al estupendo nivel de popularidad en el que se encuentran tras haber alcanzado las 3 millones de escuchas en Spotify con su single ‘Dopamina’, haber colaborado con Zahara en ‘Tu nombre’y con Alberto Jiménez de Miss Caffeina en ‘Pirotecnia’, y tras haber logrado colocar su álbum de 2018 ‘Gourmet’ en la competitiva lista de streaming española. Se trata de una gira de 18 fechas que arrancó el pasado mes de enero, 6 de las cuales están apoyadas por Girando por Salas. Dentro de esta iniciativa y tras haber actuado en Ávila y Zamora en febrero, Veintiuno visitarán la sala Clan Cabaret de Alicante el 28 de marzo, la sala El Veintiuno de Huesca el 18 de abril, la sala El Picaporte de Hervás (Cáceres) el 8 de mayo y la sala Obbio Trastámara de Sevilla el 9 de mayo.
La razón del éxito de Veintiuno es evidente en una primera escucha de su música, hecha para gustar a fans de grupos de pop-rock que juegan a la electrónica como Miss Caffeina o Varry Brava. Primero desde la autoedición y ahora desde Warner, Veintiuno se han labrado una carrera de banda de pop-rock con potencial masivo, lo cual es más obvio que nunca en el sonido de sus últimos singles, ‘Haters’ y el recién estrenado ‘Parasiempre’ junto a Ainoa Buitrago, y disponible desde hoy viernes.
La primera es una canción con influencias de la música funky y disco que se pega bastante, sin duda la más pop de las publicadas por Veintiuno hasta la fecha, como viene a demostrar ya su título como pensado en búsqueda de la viralización, y que no está dedicado a los «haters» de la banda como puede parecer. En realidad la palabra está integrada dentro de un pasaje más personal: «bésame hasta que los haters se queden mudos». La canción, sobre una chica que pasa del cantante Diego Arroyo aunque sigue viendo sus «stories», incluso admite una meta-referencia al indie cuando menciona a una banda de «mierda» que representa el «cliché del indie medio» al «fabricar himnos de estadio para bares medio llenos». ¿Puede ser esta la canción de Veintiuno que le guste hasta a sus «haters»?
Por su parte, ‘Parasiempre’ es un emotivo medio tiempo de pop acústico que juega con su título para ofrecer unos pegadizos «para para» en el estribillo. La banda la explica así: «Es imposible que un instante dure para siempre, por definición. No tiene ningún sentido. «Parasiempre» nació con el único objetivo de hacer que un momento concreto durara más tiempo que la persona que lo vivió y el ojo que lo vio. Todo el tiempo posible. O imposible. La voz de Ainoa Buitrago fue la pieza que faltaba para que todo terminada de brillar. Cuando escuchamos la letra en su garganta supimos que por fin teníamos la canción».
Una semana más lidiamos con una abrumadora cantidad de novedades que tratamos de resumir de la mejor manera posible en la playlist «Ready for the Weekend». Hoy se publica una ingente cantidad de nuevos álbumes, comenzando por el regreso de Los Enemigos, ‘Bestieza‘, y continuando con trabajos de U.S. Girls, Jonathan Wilson, Stephen Malkmus, Mandy Moore, Swamp Dogg, Phantogram, Biznaga, Caroline Rose, Cornershop, Kleerup, Roldán, Megan Thee Stallion, un álbum conjunto de Luke Haines (The Auteurs, Black Box Recorder) y Peter Buck (R.E.M.), los debuts del prometedor Honey Harper, Shainny, el dúo REYKO y Mariana Montenegro (Dënver) en solitario, además de EPs de Marem Ladson, los británicos Sea Girls y la promesa Lauren Auder. Y, por supuesto, también tiene cabida el discazo que lanzó Bad Bunny el pasado sábado, ‘YHLQMDLG‘.
También desde hoy descubrimos nuevos temas de Demi Lovato, Triángulo de Amor Bizarro, Austra, DORA, Delaporte & Ximena Sariñena, Lil Uzi Vert, Rina Sawayama, Hinds, Buscabulla, Niños Mutantes, Sonic Boom, Kevin Morby, Pavvla, Adam Green, Little Dragon & Kali Uchis, Kimberley Tell, Louis The Child & Foster The People, Julieta Venegas, Confeti De Odio, Porches, Goa, All We Are, Lido Pimienta, Matt Elliott, Pumuky, Babasónicos, Jessie Reyez, Kiesza, Chico Blanco, The Aces, Camilo Séptimo y un largo etcétera.
Además, desde hoy disfrutamos también de un tema que une a BROCKHAMPTON y Dua Lipa (un remix de ‘Sugar’, éxito incluido en ‘Ginger‘), una ruidosa versión de Medalla en la que devoran un tema de Hawkwind, un álbum completo en el que Anna Calvi ha regrabado las canciones de su último disco, ‘Hunter‘, sola o junto a artistas de la talla de Charlotte Gainsbourg, IDLES, Courtney Barnett o Julia Holter, y un EP-extensión de ‘Perreo de la muerte 2‘ de Yung Beef, con temas nuevos repletos de colegas como Kaydy Cain, La Zowi, Goa o El Mini y varios remixes. También, cerca del Día de la Mujer, Taiacore presentan un tema dedicado al empoderamiento femenino y la igualdad al que suman a Rufus T. Firefly, Eva Ryjlen, Penny Necklace, Floridablanca, Yogures de Coco y más.
DORA, la hija de Bimba Bosé que tanto ha sorprendido al mundo primero con sus versiones y luego con temas propios como ‘Call Me Back’ (casi 3 millones de reproducciones solo en Spotify), ‘Saving Star’ (1 millón de reproducciones) y ‘Home’, estrena nuevo tema. La nota de prensa especifica que sí, que hay un álbum completo en camino.
Se trata de un bonito bolero llamado ‘Ojos de serpiente’ que viene acompañado de este portadón. Escrito por Dora Salvatore en solitario, ha sido producido por Miguel Barros o, lo que es lo mismo, Pional, que acerca tímidamente el tema a los territorios de James Blake. Sin esos detalles, sería un bonito tema jazzy sobre un amor que ha terminado. «No puedo ni verte (…) lo nuestro es historia» es la conclusión final. Se trata del primero de dos temas que se están preparando y que vendrán acompañados de sendos vídeos, uno producido por Canada y otro de Paco León.
DORA también es noticia porque hoy viernes 6 de marzo actúa en Madrid tras haber agotado entradas hace semanas. El concierto pasa a celebrarse en la sala Bardot Madrid tras haberse anunciado en el Café Berlín. Las entradas están disponibles en WeGow.
“Zurra”, “punk”, “guitarreo”… son sinónimos –en palabras del mismo Josele Santiago en una entrevista de inminente publicación en nuestra web– de ‘Bestieza’. Que, en realidad, es una castellanización de la palabra catalana “bestiessa” –recordemos que el cantante y guitarrista reside desde hace un tiempo en una población barcelonesa– que literalmente se traduciría como “animalada”. Queda claro a qué suena el disco de estudio número 12 –al margen de directos, rarezas y alguna banda sonora– de Los Enemigos, ¿no?
Aunque han pasado, a lo tonto a lo tonto, casi seis años desde ’Vida inteligente’, el veterano grupo madrileño se ha reactivado relativamente rápido para este disco –recordemos que aquel llegó tres lustros después de ‘Nada’–. Sobre todo teniendo en cuenta que tanto Josele como Fino Oyonarte han publicado y presentado en directo sus quinto y primer disco en solitario, respectivamente. Y, sobre todo, teniendo que suplir la marcha de su guitarrista desde el año 87, Manolo Benítez, al grupo de rock urbano Porretas. Pero se han rehecho enseguida, al reclutar a David Krahe, guitarrista de Josele desde hace años, cuya aportación guitarrística, perfectamente sincronizada y engrasada con la del compositor y cantante “enemigo” principal, es palpablemente rica.
Esto, confiesa Santiago, parece haber insuflado nuevas ganas al grupo, que se traduce en un disco urgente, acelerado y divertido, en el que la clásica conexión con el universo de Leño y discípulos se abre a un power pop más propio de The Posies o Airbag. La mención de los malagueños no es gratuita. Primero, porque aquí las melodías, potenciadas con frecuentes coros de todo el grupo, son especialmente bonitas y luminosas, con enorme gancho. Y después porque su sonido, esa “bestieza”, se ve muy bien amplificada por un experto en la materia como Carlos Hernández Nombela (Carolina Durante, Triángulo de Amor Bizarro… y Airbag).
El arrebatador single de presentación, ‘Siete mil canciones’, no era un accidente ni una casualidad, sino que marca la pauta general de la mayor parte de ‘Bestieza’. Por esa senda, como una enérgico y bien perfilado sopapo, el disco arranca henchido de ímpetu con aquella canción (sobre un pobre diablo tan anacrónico como enamorado), la bonita ‘Vendaval’ –primera de las tres co-escritas por Fino y Josele– y ‘La ofensa’ –que presume de esos giros melódicos tan propios de Josele entre líneas cruentas como “Eres gente, puta gente / Gente que no va a sobrevivir / Ojalá revientes”–.
Esa es la pauta: pildorazos de menos de tres minutos bien distribuidos en su minutaje que apenas dejan (un poco sí, pero solo un poco) que medios tiempos más atmosféricos y divagantes –sobre todo ‘La costumbre’ y ‘Rey pescador’, a priori poco deslumbrante pero de intenso final– hagan decaer la tensión. Y cuando lo hace, ahí llegan pepinazos de rock-más-allá-de-etiquetas como ‘Menos que un perro’ –con armonías y guitarras que les hermanan tanto con Rosendo como con Teenage Fanclub(!)–, la tronante ‘Mar de sendas’ o la fantástica ‘Océanos’ –la única en la que Fino toma el micro como solista, con ecos de psicodelia 60s–. Se puede afirmar que ‘Bestieza’ mola más cuanto más eso, bestia, y hay una excepción que confirma la regla: ‘Sacrilegio sideral’, una elegante y bonita historia sobre dejar atrás lo que nos asfixia y lanzarnos al abismo sólo para ver qué pasa.
Esta, en particular, es una muestra fantástica de otra de las grandes bazas de Los Enemigos: la narrativa poética (o viceversa) de Josele Santiago. ‘Bestieza’ presume, de nuevo, de tantas letras quizá demasiado herméticas y rebuscadas como de algunas interesantes y reflexivas (‘Sacrilegio sideral’ y ‘Menos que un perro’ evocan la filosofía de Diógenes y Laercio, por ejemplo). Pero cabe quedarse, sobre todo, con montones de versos preciosos e inspiradores, ora por su sencillez (“Como un poema vuelvo a casa herido”, de ‘Vendaval’), ora por su contundencia (“La capitulación expande mi mente (…) / Nada me hace más fuerte que desertar”, de ‘Sacrilegio sideral’), mis favoritos). Quizá sea absurdo buscarle demasiadas vueltas a su trasfondo: mejor dejarse llevar por sus melodías, que esta vez son tan imponentes como numerosas. Algo que celebrar.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Siete mil canciones’, ‘Vendaval’, ‘Océano’, ‘Sacrilegio sideral’, ‘La ofensa’ Te gustará si te gustan: Rosendo, The Replacements, The Posies y el José Luis Cuerda escritor.
Después de una ‘Risk It’ que hacía honor a su nombre y parece haber dividido a sus fans, Austra anuncian al fin el álbum que la contendrá. Se trata de ‘HiRUDiN’, que saldrá a la venta el 1 de mayo y presentarán un par de semanas después, en Barcelona (14 de mayo), Mallorca Live Festival (16 de mayo) y Tomavistas Madrid (22 de mayo).
El disco hablará oficialmente sobre cómo «estar en una relación tóxica a veces puede ser como estar perdido en un laberinto. Cada intento de girar en una esquina te devuelve a donde empezaste». Dice Katie Stelmanis que el disco «explora el miedo asociado con dejar a alguien y la aterradora comprensión de que sin ellos en tu vida, el resto del mundo continuará ileso como si nada hubiera cambiado».
Al mismo tiempo, se estrena el vídeo de ‘Anywayz’, sobre el que el director Jasmin Mozaffari indica: «Quería que el vídeo pareciera tan dramático y caótico como puede ser un desamor, llevando este miedo a la actuación. El concepto se centra en Katie como una versión elevada de sí misma, secuestrada dentro de una mansión que se asemeja a una jaula de sus propios pensamientos en espiral. Ella se resiste a seguir adelante, pero a medida que el tiempo persiste y el mundo exterior prospera, eventualmente se impone sobre ella ”. El tracklist del álbum queda como sigue:
Anywayz
All I Wanted
How Did You Know?
Your Family
Risk It
Interlude i
It’s Amazing
Mountain Baby feat. Cecile Believe
I Am Not Waiting
Interlude ii
Messiah
Triángulo de Amor Bizarro habían avanzado un par de singles de su disco llamado ‘Triángulo de Amor Bizarro’, el quinto de su carrera y por primera vez homónimo. Conocíamos las extrañas y diferentes ‘Ruptura’ y ‘Fukushima’, pero faltaba por conocer la joya de la corona. Sin duda, el verdadero single del álbum es ‘Vigilantes del espejo’.
Guiado por un riff muy The Cure y unas guitarras un tanto Smiths, el tema es uno de los más pop de toda su carrera, en competencia con ‘Baila Sumeria’, ‘El fantasma de la transición’ o ‘De la monarquía a la criptocracia’. Rodrigo es quien canta esta vez y no Isa, en un tono distinto al habitual que le acerca más a bandas de los 80 como La Dama Se Esconde o Golpes Bajos.
En cuanto a la letra de la canción, al menos hasta donde podemos entender, se trata de una invitación a seguir el camino del mal, aunque se cumplan 40 años («bienvenido a los 40, deja ya de llorar»). El texto invita: «Deja el trabajo y a los niños / vuelve al tabaco, mantén la dignidad una noche más» y «no abandones a tus amigos, vuelve a la droga». «No te arrepientas (…) No me arrepiento de nada» es el estribillo de ‘Vigilantes del espejo’, que se presenta con un vídeo bajo la dirección de Carmen y Nacho Errando (ENREDO), protagonizado por un moderno pogo juvenil. ‘Triángulo de amor bizarro’ se edita el 20 de marzo. Estas son las primeras fechas de presentación que conocemos:
3 ABR. Melona Fest. SANTIAGO DE COMPOSTELA
4 ABR. Indiferente fest. SANTANDER
17 ABR. Cooltural fest. CÓRDOBA
18 ABR. Planta baja. GRANADA
24 ABR. Dabadaba. DONOSTI
25 ABR. Las Armas. ZARAGOZA
1 MAY. WARM-UP MURCIA
29-30 MAY. Spring fest. ALICANTE
11 JUL. Bilbao BBK live. BILBAO
16 JUL. FIB. BENICASSIM
2 OCT. Ochoymedio. MADRID
En plena fiebre “new music Friday”, seguramente esta mañana Spotify te haya sugerido que escuches lo nuevo de Rosalía, un supuesto “featuring” con Drako “El Príncipe”. ¿Quién es Drako “El Príncipe”? Se trata de un cantante de reggaetón de nacionalidad dominicana que, inspirado por Daddy Yankee como tantos otros cantantes de reggaetón, ha conseguido cierta notoriedad con canciones como ‘Yo tengo un maldito flow’ y ‘Culpables’. Ambas rondan el medio millón de reproducciones.
Su nuevo single se llama ‘Mia’ y, por si no fuera suficiente con la confusión que se puede producir entre el tema de Drako y el single de Drake con Bad Bunny, supuestamente incluye un featuring de Rosalía. En cambio, Rosalía no solo no aparece en ningún momento en la canción, sino que ninguna voz femenina termina de aparecer en estos 2 minutos y 20 segundos de amor posesivo.
Tanto en Deezer como en Tidal, hemos comprobado que Rosalía aparece acreditada como «featuring», nunca como autora, en esta producción. Claro que no es la primera vez que vemos un «fake» acceder a las plataformas de streaming. Entre cientos y cientos de novedades semanales, parece que no es tan difícil colar una de estas a las distribuidoras digitales.
¿Por qué Spotify me recomienda una canción de un tal Drako "El Principe" supuestamente interpretada con Rosalía? https://t.co/z1oedQ4GPs
Demi Lovato tiene un nuevo single en el mercado. La cantante comenzaba su gran regreso en la noche de los Grammy con la balada de autoayuda ‘Anyone’, en la que hablaba sobre la soledad que ha sentido y sus adicciones. Después, cantaba el himno nacional de Estados Unidos en la Super Bowl.
Un mes después, Demi Lovato está de regreso con un tema ahora más animado, ‘I Love Me’, una composición de ritmo R&B que contrasta el minimalismo neo-soul de las estrofas con un pequeño muro de sonido en el estribillo. La letra de la canción comienza clara, rebelándose contra los estándares impuestos por «las revistas». «No sé bien lo que soy, pero sí lo que NO soy», dice el texto, antes de preguntarse por qué siempre se compara con los demás, pedirle a los «haters» en su cabeza que «paguen el alquiler» y puntuarse a sí misma con «un 10 sobre 10». Entre los muchos autores de esta canción de autoayuda, encontramos a Jennifer Decilveo, que recientemente ha sido noticia en España por ser la nueva productora de Hinds.
La canción viene acompañada de un vídeo de buena factura en el que somos testigos de una lucha de Demi Lovato consigo misma en la primera mitad, y en la segunda un paseo callejero lleno de anécdotas y coreografía.
El fichaje de Amaral por Sony -aunque continúan también autoeditando en su pequeño sello- no ha podido dar mejores resultados a Eva y Juan Aguirre. Estos días se anuncia que su álbum ‘Salto al color’ es disco de oro por la distribución de 20.000 copias. Medio año después de su lanzamiento, continúa en el top 16 de la lista de ventas, animado por la buena recepción en radio y después en las plataformas de streaming de ‘Mares igual que tú’ (6 millones de reproducciones), ‘Nuestro tiempo‘ (2 millones de reproducciones) y ‘Bien alta la mirada’ (1 millón). Esta última, que han interpretado esta noche en El Intermedio con un tímido acompañamiento de El Gran Wyoming, cerrando un especial 8-M, deconstruye el dicho «quien bien te quiere te hará llorar», que fomenta las relaciones tóxicas. Podéis ver el vídeo bajo estas líneas o en la web de laSexta.
El dúo ha confirmado estos días que el cierre de esta gira será en el Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza, su ciudad, donde ya actuaron para 70.000 personas en las Fiestas del Pilar el pasado octubre. El nuevo show será el 7 de noviembre y cerrará un año de conciertos por más de 40 ciudades. Las entradas están a la venta a través de WeGow.
Antes de Zaragoza les esperan muchas otras fechas, como Valladolid, Donosti, Arenal Sound, Cooltural Fest y un largo etcétera. Hace unos días se comunicaba que las entradas para el concierto del 21 de marzo del WiZink Center de Madrid estaban a punto de agotarse: la pista está agotada y solo quedan las últimas entradas de grada.
Bravo Fisher! actúa este viernes 6 de marzo en Madrid (entradas, aquí) para celebrar su regreso al redil del pop. Su nuevo disco ‘Amor’ es, después de la oscuridad de ‘Solos’, un regreso al color, claramente manifestado en singles tan redondos como ‘Yayito’ con La Bien Querida, ‘Proyectil’ con Rocío Sáiz (Chillers, Monterrosa) y ‘Huracán Carla’. Hablo con Guillermo Galguera sobre cómo ha llegado a este sonido que mezcla guitarras eléctricas con Autotune, y a ver una ruptura de otro color tras varios años de terapia. De vez en cuando se ríe pero su semblante serio nunca termina de irse. El cantante compone hits de superestrella pop, pero no puede mostrarse más humilde. Foto: José Señorán.
¿De qué va este disco, que se llama ‘Amor’ y no ha salido por San Valentín por los pelos?
Ha sido casual, aunque en San Valentín salió el videoclip. El disco lo compuse en julio del año pasado y ya sabía que se iba a llamar ‘Amor’. Pensé que salía en noviembre, pero lo típico, se fue retrasando. Dicen que noviembre es un suicidio para un artista nacional que no es un gigante.
Dicen que octubre es muy pronto, y mayo es muy tarde. Tengo la sensación de que voy tarde para todo. Febrero está bien para tocar en festivales.
Dicen que cierran todo en septiembre. No vas a tocar en festivales…
No tiene pinta.
En el disco hay canciones de recreación en el amor, pero hay un par más negativas y tristes, como ‘Pierdes’, en la que canta Borja…
Es más revanchera. El disco va sobre el amor, había salido de una relación cuando lo compuse, el 50% es amor y desamor, pero el otro 50% es sobre otro tipo de amor porque empecé a ver el amor en otras cosas. Hay diversos tipos de amor. Casi todos los discos van sobre el amor, realmente, no sé si este es más concreto que otros…
‘Solos’ no podía haber tenido otro título. Lo concebí bajo la soledad. Estaba en una época complicada. Y en este, a pesar de estar en plena ruptura, lo he vivido de otra manera. Por eso es más luminoso, más pop. Quería dejar de experimentar por caminos en que no estaba cómodo. No acababa de ser yo, había un choque entre lo que a mí me gusta y lo que sale cuando me pongo a componer, que es más pop. James Blake me gusta, mola, pero es menos yo. Es menos natural.
Además, te fue peor.
Me fue peor. Pero yo te veía cómodo. Me costó, pero mostraba tus ambiciones. Me moló el rollo Ed Is Dead. Pero ahora has vuelto al redil.
Sí, es una vuelta a ‘El Valle Invisible’, pero más contemporáneo, más 2020, menos ochentero.
«Quería dejar de experimentar por caminos en que no estaba cómodo. No acababa de ser yo»
Autotune es una baza del disco, representa el sonido del pop de hoy, y lo has mezclado con otros elementos: sintetizadores 80’s y guitarras. ¿Cómo has llegado a este sonido? ¿Te define?
Cuando compuse, probé a jugar con sonidos en una pedalera. Tenía el Autotune, empecé a probar y me gustó mezclar muchas guitarras -que yo quería que fueran incluso más densas- con Autotune. Son cosas que no se habían mezclado tanto, aunque ahora hay grupos como Cupido. Seguro que en unos años nos arrepentiremos de tanto Autotune. Ya viene una corriente de pop sin Autotune. Como Cariño. Casero, la chica de Mow, es pop juvenil, desgarbado, sin Autotune.
Yo creo que los que ahora usan Autotune en 5 años sabrán cantar, pero los nuevos usarán otros filtros.
Mucha gente ha empezado a cantar con el Autotune ya puesto. No sé qué pasará si se lo quitan. A lo mejor la gente se cansa, no lo sé.
¿En directo llevas Autotune?
Sí, es divertido. Los fans muy acérrimos me dicen que por qué meto tanto Autotune. En directo debería contenerme un poco porque a la gente no sé si le va a gustar un concierto de 80 minutos así.
¿Qué escuchas con Autotune?
Cupido mola mucho, todo lo que es más trapero, C. Tangana, Pimp Flaco, Kinder Malo… Tampoco mucho más.
Al cantar es un recurso, y no un alivio…
Sigo en clases de canto. Estoy contento con mi voz con y sin Autotune. Es como haber metido muchas guitarras: un recurso que no sé cuánto tiempo durará. Tengo miedo de en el futuro pensar que he estropeado un disco con demasiado Autotune.
En una nota de prensa recalcabas la importancia de las voces femeninas en el disco, pero hay una que es masculina, ¿y eso?
Mi idea original era que todas las canciones fueran colaboraciones con mujeres, pero al final solo salieron 4 o 5. Las cosas que escucho son mujeres en un 80 o 90%. Compuse todas las letras y empecé a mandar canciones, pero no era para que la voz femenina representara a la mujer, se trata de que hay dos tesituras distintas de voz, como en The xx, que nunca he pensado que fuera un diálogo. Además, mi voz es un poco femenina, me dicen que no es muy varonil, no buscaba un diálogo chico-chica. Todas las canciones las he escrito solo, eran maquetas en que yo cantaba de principio a fin. No tenía en mente que la voz invitada fuera como una respuesta.
Al hablar de los traperos, has dicho solo chicos…
Es verdad, pero antes estaba mirando las 10 canciones que más había escuchado en 2019 y la mayoría eran chicas: La Bien Querida, Cariño, FKA twigs, Anni B Sweet, Brigitte Laverne, Charli XCX…
«Subterfuge es como una novia con la que lo has dejado pero con la que te llevas bien»
¿Dónde está metida Brigitte Laverne? Me encanta y no sale por ningún lado.
Iba a hacer ‘Laberinto’ en mi disco, pero tiene pólipos, que es peor que los nódulos, la tienen que operar. Al final canta Fatal Tiger, que está en la misma agencia que yo, la he visto en directo y me gusta mucho. Íbamos a ser los tres.
Era tipo poliamor.
Esa canción habla de amor hacia uno mismo. También pregunté a Viva Suecia, Neuman…
Ambos de tu ex sello Subterfuge, luego tenéis buena relación…
No tengo relación pero por Twitter nos ponemos cosas de buen rollo. Es como una novia con la que lo has dejado pero con la que te llevas bien.
Este disco les hubiera encajado más que ‘Solos’.
Probablemente, pero las cosas conmigo salen así, no son premeditadas. Van pasando cosas, voy sacando canciones y va pasando lo que tiene que pasar. Soy un poco desastre en ese sentido.
Pero en programar todo como duetos hay algo de estrategia.
Eso sí, dije «vamos a intentar hacer ruido». Honestamente sí. Aunque el primer single es sin featuring, ‘Huracán Carla’.
La Bien Querida hace un montón de cosas, casi a lo Nicki Minaj, ¿es accesible?
Conmigo lo fue, ¡es La Bienque! No sabía que hacía tantas colaboraciones. Conozco la de Carolina Durante y las de Los Planetas. Me habló una tercera persona, me dijeron que era muy maja, «¡seguro que se enrolla!». En ‘Huracán Carla’ hablaba de ella, pero cuando la compuse, La Bienque no me había dicho que sí. Le escribí por Insta o por Facebook, y me dijo: «si me gusta la canto». Le mandé 3, escogió 1, vino al estudio y se implicó un montón, me dijo que quitara una parte instrumental, que el estribillo llegara antes, y quedó como dijo ella.
Llamándose el disco ‘Amor’ y con tanta voz sobre todo de chicas, sí que parece un poco un disco como de parejas.
Por eso quería insistir en que no solo era sobre parejas. También están mis padres o mis amigos, que me dicen siempre que por qué no les dedico una canción. No me la imaginaba, pero han sido tantos años y me han apoyado tanto, que al final lo he colado.
¿Es en la que hablas de un amor de 20 años, ‘Santo y seña’?
No, esa es sobre mi pasión por la música, que siempre está ahí. La que les dedico es ‘Las últimas horas’, que va de que si mañana me dicen que me muero, con quien me quiero quedar es con mis amigos y con mi familia. A día de hoy.
Esa canción no es una canción de rock, ni deliberadamente sucia…
En esa canción se consigue llegar a las guitarras que quería, pero en ‘Yayito’ no. Yo quería que sonaran todavía más y eso que una de las críticas que he recibido es «tienes a La Bien Querida» y no se os oye. Pues yo quería que sonaran aún más.
«Hace 4 o 5 años que mis amigos me llaman Yayo Fisher porque no salgo, me quedo en casa siempre. No voy a festivales, no bebo, no me drogo, soy muy relajado (…) Me ha dejado de interesar la noche»
¿Desde cuándo trabajas con tu hermano en la producción?
Desde siempre, y hace tiempo que toca conmigo en directo. Es el co-productor aunque este disco es el que menos ha cambiado respecto a las maquetas. Él ha hecho que suene mejor pero no distinto. No hay instrumentación extra, suena fiel a la maqueta, quería que las canciones tuvieran 4 o 5 elementos: bajo, voces, percusión y muy pocos arreglos, sin cosas que distraigan. Que molara solo por las canciones, no por la producción como en ‘Solos’, donde la producción era todo prácticamente. Casi no hay introducciones, la voz entra muy rápido.
¿Qué es un Yayito?
Yo soy Yayito, el yayo. Hace 4 o 5 años que mis amigos me llaman Yayo Fisher porque no salgo, me quedo en casa siempre. No voy a festivales, no bebo, no me drogo, soy muy relajado. Antes era todo lo contrario. Ahora leo mucho, veo muchas series y muchas pelis. Voy al cine.
¿Qué estás leyendo?
La primera novela gráfica que salió en los 70 de Will Eisner, ‘MAUS’, ‘Persépolis’…
Es tremendo lo pronto que se empieza a decir «estoy mayor» (Bravo Fisher tiene 36 años). Mis amigos, igual, no se lo quitan de la boca.
El alcohol no me sienta muy bien, las drogas tampoco. Dejé de fumar hace 4 años. Estás ahí con tu agua… mis amigos a las 2 de la mañana están muy high y yo ahí tranqui. Tener ahí a un tío gritando, por mucho que le quieras… Me ha dejado de interesar la noche.
Has hablado hace años con naturalidad de antidepresivos, psiquiatra, salud mental… Entiendo que todo eso mezclado con alcohol, bueno no es. El alcohol es además un depresor.
Tardas en aprender que no casa bien, porque quieres seguir bebiendo y no es bueno con antidepresivos o con un Orfidal. El alcohol es un depresor y un tóxico. Piensas que desinhibe, pero el día siguiente lo paso muy mal, una resaca que no merece la pena de un día entero o dos días.
Hablas de ir al psicólogo o al psiquiatra…
A los dos, a los dos (risas).
No sé si es un poco de broma, para Woody Allen era un recurso cómico… pero ahora hay mucha concienciación con este tema.
Probablemente Woody Allen lo diría en serio. Yo llevo yendo al psicólogo y al psiquiatra 3 años. He estado muy mal en algunos momentos, como se ha visto en las canciones. Como cada vez soy más yo mismo, y se ve más en las letras.
«Casi todas las canciones me han salido del desamor, pero todos hemos aprendido otras formas de querer, no todo tiene que ser dramático»
Has dicho antes que te has tomado la última ruptura de manera distinta. ¿Crees que has madurado?
Eso y la terapia y los antidepresivos (sonríe) Llevo 3 años yendo todos los lunes. Todos. Menos en verano. Soy buen alumno. En 5 años he vivido 2 rupturas. Bueno, cuando dices «ruptura» es que te han dejado, ¿no? Bueno, me han dejado 2 personas. La primera fue horrible, y la segunda no tan horrible. Mi psicóloga dice que esta vez me lo he tomado de otra manera (risas) y yo también lo pienso. Dice: «tienes tus cositas pero las tienes bien colocadas». He aprendido a colocarlas. Estoy en paz conmigo mismo. Estoy bien, feliz. Ha habido momentos que no.
Un par de las nuevas canciones se recrean en estar bien, ¿es más difícil componer estando bien?
No puedo decir que estuviera bien. Terminé la relación en abril-mayo, el disco lo compuse en julio y créeme que no estaba nada bien, pero me lo estaba tomando de otra manera. Siempre he compuesto desde el desamor. Casi todas las canciones me han salido de eso, pero todos hemos aprendido otras formas de querer, no todo tiene que ser dramático. Si es muy dramático igual no es muy sano.
‘Fin’ y la canción con Ganges me parecían canciones de felicidad…
Puede ser, también es verdad que hay veces que uno se pone en situación. Aunque casi todo es autobiográfico, a veces hay algo de ficción o sobre cómo te gustaría que fueran las cosas, pero en ese momento no había ninguna persona.
En ‘De menos’ llegas a la conclusión de que estás bien siendo tú mismo.
En el estribillo digo muchas veces «sin ti no soy nada», que es una frase muy jodida. Antes era más normal, no solo cantarla, sino decirlo en pareja. Ahora hemos aprendido que el amor no tiene que ser así, y al final de la canción espabilo: «voy a ver si me quiero a mí mismo».
«Nadie es la perfecta feminista, pero igual yo no soy la persona adecuada para decirlo al ser un varón»
Está el cirio de la canción de Amaral.
Recordaba esa canción obviamente, pero lo que me marcó muchísimo fue ‘Without You I’m Nothing’ de Placebo. Era un chaval cuando salió, pero para mí era como muy bonito. No pensé que fuera tóxico, era algo que molaba un montón.
En el 98 era otro momento, no se hablaba tanto de amor tóxico. Fue mucho después cuando acusaban a Eva Amaral de una dependencia tóxica, cuando esa letra era de Juan Aguirre.
Pero podría ser de ella, tampoco pasa nada si siente eso. No vas a ser menos feminista porque en algún momento no hayas hecho las cosas bien. Nadie es la perfecta feminista, pero igual yo no soy la persona adecuada para decirlo al ser un varón.
Estás entregado a diversas causas, y hay un guiño a la comunidad gay en el vídeo de ‘Proyectil’. Parece que ellos son la pareja y de repente no, son otras personas. Es como para tus muchos fans gays.
No lo sabía hasta que no vi el vídeo al final. Tampoco le hemos dado tanta importancia. Me parece un vídeo estéticamente bonito. Soy muy empanao. Me dicen «a las 18.00 tienes que estar en tal sitio» y voy. En ‘Miradas’ ya había besos entre chicos y chicas, ya estaba hecho. Cuando vi el resultado pensé que me iban a decir que ya había hecho eso antes.
¿Sientes presión del público? ¿Te afecta, te da la tarde, te condiciona?
Pienso que no me va a afectar, pero sí que me afecta. Me da la tarde y luego se me olvida. La verdad es que no me condiciona.
En ‘Las encuestas’ juegas con la canción política…
La compuse en julio, que no había gobierno. Desde luego no habla de amor, bueno, el contexto es de amor. Es un poco irónica la canción, va de un retiro espiritual al que ella se va con sus amigas, y está hasta la polla. Llama y digo «al final gana la izquierda, lo dicen las encuestas». Es eso, realmente (risas). Es una ida de pinza.
Tendrás fans de derechas…
No me ha llegado nunca. ¿Tú crees que tendré alguno de derechas?
Alguien habrá, lo que pasa es que la canción no ha salido en el momento de esta entrevista, pero es que es una celebración de que gana la izquierda. Tú, estás contento…
Yo estoy contento.
«Me tendría que haber ido mejor, pero no depende de mí y lo voy asumiendo con el tiempo»
Has tenido canciones como muy de petarlo. ¿Cómo lo llevas? ¿Piensas que te tenía que haber ido mejor?
Me tendría que haber ido mejor (sonríe) Joder, es verdad. ‘Solos’ fue más complicado y se produjo un parón. Pero yo también soy público, escucho y veo, y pienso que tendría que tener más reproducciones y visitas. Pero no depende de mí y lo voy asumiendo con el tiempo.
¿Qué falla?
Algo falla, está claro. No sé si los contactos o qué, o que a una mayoría de gente no le gusta mi música. Le gustan otros grupos y no el mío.
Un factor claro es el lapso entre disco y disco. Lo veo alto y justo cuando, por ejemplo, Zahara y Miss Caffeina dieron un salto, ahí te pilló en ‘Solos’.
‘Solos’ le quiero porque es mi hijo, veo ahí el disco (NdE:lo tengo encima de la mesa) y pienso: «mírale, pobrecico». Pero sí que pasó mucho tiempo entre disco y disco y ese no se entendió. La gente quería cantar, bailar y yo estaba en otra película. Y ahí se perdió una oportunidad.
«‘Solos’ no se entendió. La gente quería cantar, bailar y yo estaba en otra película. Y ahí se perdió una oportunidad»
Suelo escuchar los discos 6 veces, pero después de la 3ª y la 4ª muy rara vez cambio de opinión, y con este disco sí me pasó.
Sé que al principio te horrorizó, literalmente.
Me dio susto, pero ahora lo veo como un acierto artístico, era algo diferente.
Soy muy de lo que vaya saliendo. Las nuevas generaciones planean más, y yo soy un empanado de la vieja escuela. «Me cuelgo una guitarra y hago canciones»… y ahí me di la hostia.
El caso es que ahora te va mucho mejor y eso que Spotify no te está metiendo en muchas listas.
No nos meten en muchas listas, no. Pero estoy muy ilusionado y tengo muchas ganas de tocar.
¿Qué opinas del estado de la música española actual?
Es difícil, nunca sé qué decir. Está pasando un buen momento.
Mencionas a C. Tangana, Viva Suecia, Neuman… Parece que ahora al público le gusta de todo, y tú eres abierto.
Eso es lo que ha hecho Spotify, que en un segundo suenan músicas muy distintas, que hace 10 años no estarían ni de lejos en el mismo festival. Y sus followers serían casi rivales. Pero ahora es un poco «todo vale».
«Los grupos se ven obligados a lanzar muchas cosas todo el rato, y no todo es realmente bueno (…) Puede llegar un momento en que lleguemos a la mediocridad»
¿En el buen sentido?
Sí, pero algunas cosas pienso a veces que … No sé explicarlo sin ser dañino… pero me ronda la palabra «mediocridad». Hay cosas muy guays, pero hay cosas que nos tragamos. Los grupos se ven obligados a lanzar muchas cosas todo el rato, y no todo es realmente bueno. Hay gente que es modelo, actriz, DJ y también canta y todo el mundo va a escucharlo. No me creo que haya gente que haga 5 o 6 cosas distintas muy bien. Soy radical, pero puede llegar a un momento en que lleguemos a la mediocridad.
Tú vienes del punk, nos hiciste una playlist, pareces una persona abierta, más que tus colegas de aquella época.
No sé qué será de ellos, qué escucharán. Eran muy cerrados, por eso me salí enseguida. Yo tengo muchas inquietudes y lo que escucho es muy del momento. Estoy mucho en la música que sale en cada momento. He pasado muchas épocas: punk, indie…
¿Volverás a cambiar de estilo en el futuro o te ves asentado?
No lo sé, porque nunca sé lo que me va a deparar el futuro, hago las cosas sin estrategia, pero sí creo que he alcanzado un punto en el que estoy muy, muy cómodo y puede haber continuidad. A lo mejor con menos Autotune (ríe).
¿Te ves sacando canciones sueltas, a la moda?
Pues no lo sé. Me cuesta, suelo componer por concepto o por bloque. Lo más pequeño fue el EP del año pasado.
Donde tú decías que había una canción muy pop que no lo era.
‘Vale’ es muy, muy pop, pero este disco es muy superior al EP en composiciones.
La epidemia del COVID-19, popularmente conocido como coronavirus, está trastocando los planes de multitud de músicos que planeaban proseguir próximamente con sus actuales giras mundiales. En las últimas semanas, han pospuesto o directamente cancelado conciertos en varios continentes artistas o grupos como BTS, Green Day, New Order, Mariah Carey, Maluma, Slipknot, Avril Lavigne, Stormzy, Pixies, Stereolab, Khalid, Mac DeMarco o Mabel, entre muchos otros. Festivales enteros como el Tomorrowland de Francia o el Ultra Music de Miami han sido cancelados por el mismo motivo, mientras varios artistas han informado de que no acudirán a SXSW. Hoy Lady Gaga ha anunciado gira mundial de tan solo seis fechas y la gente se pregunta si la miserable cifra desvelada de conciertos se debe a la enfermedad.
Mientras otros artistas buscan maneras de convertir la epidemia en algo entretenido. Por ejemplo, un tal DJ COVID-19 ha subido a Soundcloud una canción llamada ‘Oh No Corona’ que dice: «oh no corona, por favor no me mates a mí ni a mi familia, oh no corona, por favor no destruyas mi mundo». Esta breve composición de tecnopop probablemente jamás habría llegado a nuestros oídos si no fuera porque su autor no es otro que Andrew VanWyngarden de MGMT. El cantante de la banda autora de canciones como ‘Mystery Disease’ o ‘The Handshake’ ha comunicado que el audio publicado es solo el avance de una canción completa que aún ha de terminar.
No es la primera canción dedicada al coronavirus disponible en la red: una búsqueda rápida en Spotify revela varias. La más escuchada es ‘La cumbia del coronavirus’ de Mister Cumbia, que lleva más de 134.000 escuchas gracias a su didáctico estribillo: «coronavirus, coronavirus, lávense las manos, háganlo de seguido, coronavirus, coronavirus, póngase las pilas en lugares concurridos». Luego hay un dembow y un trap titulados ‘Coronavirus’ sin más, para quien le pique la curiosidad. ¿Qué opinará de todo esto el Coronavirus de Twitter?
Núria Graham ha publicado este mes de febrero su tercer disco, el primero tras participar en el álbum debut de la mediática Amaia Romero. No hay en ‘Marjorie’, el tercer largo de la cantautora de Vic, canciones parecidas a la maravillosa ‘Porque apareciste‘, pero tampoco se las echa en falta en un trabajo que suena personal y propio ante todo, y que echa mano de diversas influencias para crear una carta de amor a la familia en su sentido más amplio.
Si sale un grupo de punk, compáralo con los Ramones; si piensas en un prototipo de punky, que sea John Lydon incluso desde su mansión en California; si has de elogiar la versatilidad de un grupo de la era punk, que sea 
Nick Cave tiene una 
‘XTC69’ es el más combativo de estos tres trabajos que reseñamos, por arremeter contra el machismo con contundencia, aunque desmarcándose con humor e ironía. Ya ha conquistado a Grimes, hasta el punto de considerar a Jessica Campbell única a la hora de unificar ciencia ficción con realismo mágico, y no es para menos viendo las mañas que se gasta la comandante Campbell pilotando la nave espacial XTC69 junto al resto de féminas de la tripulación, con el objetivo de encontrar hombres por la galaxia con quienes reproducirse.
¿Quién no conoce a una señora que roza la tercera edad egoísta y solitaria? ¿Quién no tiene una amiga que se pasa el día despotricando de su sobrepeso, alardea de tacañería, es ágil mentalmente hasta regodearse en su mala educación, e incluso miente con maravillosa imaginación? Todas estas cualidades y otras más han convertido a la marchante de arte Cassandra Darke en una exiliada social tan segura de sí misma que nada parece provocarle remordimientos.
Este trabajo que aparece bien posicionado en algunas listas de lo mejor del pasado año -no todas, suponemos que por el volumen brutal de publicaciones-, corre el riesgo de quedar sepultado como uno más porque la calidad media general ha sido apabullante. Y eso a pesar de tener un título francamente llamativo, suficiente para captar nuestra atención, si bien hay que dejar claro de antemano que no estamos ante un manual de autoayuda al uso, y que su autora no trata de solucionar las cosas por medio del psicoanálisis o cuentos sanadores. Lo que sí intenta es estimular la sinceridad con la propia identidad a pesar de que las circunstancias lo imposibiliten.
Llevamos casi una década esperando que llegue el Gran Disco, con mayúsculas, de Tennis. Desde su debut ‘
Con 
El popular festival de Austin, Texas South By Southwest (SXSW) ha anunciado la cancelación de su edición de 2020 por el riesgo de infección del COVID-19 (coronavirus). El festival, que recibe a artistas de todo el mundo, se celebraba del 13 al 22 de marzo e iba a acoger, desde España, la actuaciones de Antonio Lizana, Alien Tango, Belako, Biznaga, Candeleros y Marem Ladson (foto).
The Whitest Boy Alive fue uno de los proyectos de indie-pop más queridos de mediados de los años 2000 gracias a su delicado sonido y a canciones como ‘Burning’, que cuenta con casi 55 millones de reproducciones en Spotify; ‘1517’, ‘Golden Cage’ o ‘Intentions’. El proyecto paralelo del noruego Erlend Øye de Kings of Convenience junto a Marcin Öz, Sebastian Maschat y Daniel Nentwig editó dos álbumes entre 2006 y 2009 antes de 
El éxito de ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa, que sigue siendo enorme varios meses después de su lanzamiento (la canción va cuarta en el chart global de Spotify) se está comiendo un poco el desempeño comercial del siguiente single, ‘Physical’, al que no le está yendo mal (es 39 en el mencionado top), pero quizá no tan bien como se esperaba.
Ana Guerra y Aitana 
Una semana más lidiamos con una abrumadora cantidad de novedades que tratamos de resumir de la mejor manera posible en la playlist 
DORA, la hija de Bimba Bosé que tanto ha sorprendido al mundo primero con sus versiones y luego con temas propios como ‘Call Me Back’ (casi 3 millones de reproducciones solo en Spotify), ‘Saving Star’ (1 millón de reproducciones) y ‘Home’, estrena nuevo tema. La nota de prensa especifica que sí, que hay un álbum completo en camino.
“Zurra”, “punk”, “guitarreo”… son sinónimos –en palabras del mismo 
Después de 
Triángulo de Amor Bizarro habían avanzado un par de singles de su disco llamado ‘Triángulo de Amor Bizarro’, el quinto de su carrera y por primera vez homónimo. Conocíamos las extrañas y diferentes ‘
En plena fiebre “
Demi Lovato tiene un nuevo single en el mercado. La cantante comenzaba su gran regreso en la noche de los Grammy con la balada de autoayuda ‘Anyone’, en la que hablaba sobre la soledad que ha sentido y sus adicciones. Después, cantaba el himno nacional de Estados Unidos en
El fichaje de Amaral por Sony -aunque continúan también autoeditando en su pequeño sello- no ha podido dar mejores resultados a Eva y Juan Aguirre. Estos días se anuncia que 
Bravo Fisher! actúa este viernes 6 de marzo en Madrid (
La epidemia del COVID-19, popularmente conocido como coronavirus, está trastocando los planes de multitud de músicos que planeaban proseguir próximamente con sus actuales giras mundiales. En las últimas semanas, han pospuesto o directamente cancelado conciertos en varios continentes artistas o grupos como BTS, Green Day, New Order, Mariah Carey, Maluma, Slipknot, Avril Lavigne, Stormzy, Pixies, Stereolab, Khalid, Mac DeMarco o Mabel, entre