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Contempopránea anuncia su cartel tras peligrar seriamente su celebración este año

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Contempopránea ha anunciado finalmente su cartel cuando muchos ya daban la celebración de la 24ª edición del festival por perdida. Según informaba Europa Press en abril, la organización no podía salir adelante si el ayuntamiento de Alburquerque no le abonaba los 145.000 euros que había acordado, recibidos en 2018 de la Consejería de Juventud e Igualdad de la Junta de Extremadura. Contemporánea recibía 50.000 euros de esa cantidad, pero no los 95.000 restantes, haciendo imposible la celebración de la siguiente edición.

Contempopránea llegaba en febrero a emitir un comunicado reconociendo cuánto peligro corría esta edición: “Detestamos que se esté convirtiendo en tradición tener que informar por redes (alarmando así al público) de esta tesitura porque, que finalmente se celebre nuestra vigésimo cuarta edición, no depende de vosotras ni vosotros, depende de una cuestión burocrática que está asfixiando a la organización y nos ha obligado a dar un ultimátum. El cartel está preparado, las bandas deseosas de ser anunciadas, nuestro sueño pop de verano puede volver a las laderas del Castillo un año más y este pequeño pueblo extremeño se convertiría de nuevo en la Capital Nacional del pop, atrayendo así a cientos de personas enamoradas del espíritu del Contemporánea”.

Finalmente parece que se han resuelto esas cuestiones burocráticas y se ha anunciado el cartel para Alburquerque. El jueves 18 de julio estarán en la fiesta de bienvenida Axolotes Mexicanos, entre otros; el viernes 19 Zahara, Viva Suecia, la gira de despedida de Cooper, Carolina Durante, Cariño, Melenas, Las Ligas Menores, Kokoshca y Confeti de Odio. Y finalmente el sábado 20 será el día de Second, El Columpio Asesino, Ángel Stanich, Full, Apartamentos Acapulco, Hazte Lapón, Dolorosa y Alexanderplatz.

Madonna, Rosalía, Katy Perry, Miley Cyrus, Sufjan Stevens y Tove Lo, entre lo más votado de JNSP

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Madonna es el nuevo número 1 de lo más votado de JENESAISPOP con ‘Crave’ tras haberlo logrado también con ‘Medellín’, situada en el puesto 2. Amaia es así desplazada al puesto 3 con ‘El relámpago’. Entre las entradas de la semana están ‘Aute Cuture’ de Rosalía, que aparentemente tampoco será número 1 en España a juzgar por los datos que deja ver Spotify; Katy Perry, Miley Cyrus, Sufjan Stevens y Tove Lo. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 1 2 Crave Madonna, Swae Lee Vota
2 3 1 7 Medellín Madonna, Maluma Vota
3 1 1 5 El relámpago Amaia Vota
4 4 1 Aute Cuture Rosalía Vota
5 6 5 2 Soldi Mahmood Vota
6 5 2 8 Con altura Rosalía, J Balvin, El Guincho Vota
7 9 1 45 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
8 11 2 10 bad guy Billie Eilish Vota
9 7 1 9 Barefoot in the Park James Blake, Rosalía Vota
10 12 1 30 Di mi nombre Rosalía Vota
11 13 2 27 Nothing Breaks Like a Heart Mark Ronson, Miley Cyrus Vota
12 12 1 Never Really Over Katy Perry Vota
13 10 10 13 Joder, no sé Carolina Durante Vota
14 14 2 26 Honey Robyn Vota
15 4 2 34 1999 Charli XCX ft Troye Sivan Vota
16 16 1 Mother’s Daughter Miley Cyrus Vota
17 20 1 11 El final del amor eterno La Casa Azul Vota
18 8 2 20 7 Rings Ariana Grande Vota
19 16 1 30 thank u, next Ariana Grande Vota
20 15 15 2 Julien Carly Rae Jepsen Vota
21 22 15 5 New York City Kylie Minogue Vota
22 22 1 Love Yourself Sufjan Stevens Vota
23 18 13 6 Cellophane FKA twigs Vota
24 40 24 2 Mixtape Delafé, La Bien Querida Vota
25 25 1 Glad He’s Gone Tove Lo Vota
26 23 9 4 El Fango Zahara Vota
27 32 27 2 Nuevas formas de hacer el ridículo Carolina Durante Vota
28 28 14 4 This Life Vampire Weekend Vota
29 19 19 8 Late Night Feelings Mark Ronson, Lykke Li Vota
30 26 18 4 Mares Igual Que Tú Amaral Vota
31 24 15 6 Una persona sospechosa Los Punsetes Vota
32 25 25 3 Nightmare Halsey Vota
33 27 22 5 Maldición Lola Indigo, Lalo Ebratt Vota
34 17 17 3 Blame It On Your Love Charli XCX, Lizzo Vota
35 29 17 6 ME! Taylor Swift, Brendon Urie Vota
36 32 17 9 Ruido La Prohibida Vota
37 33 16 8 Borderline Tame Impala Vota
38 36 22 7 Jenny of Oldstones Florence + the Machine Vota
39 21 21 4 I Don’t Care Ed Sheeran, Justin Bieber Vota
40 37 29 7 Doble tic azul Putochinomaricón Vota
Candidatos Canción Artista
Sizzling Daphni Vota
Remember the Future ionnalee Vota
Incapable Róisín Murphy Vota
La Chaqueta Azul Tronco Vota
Shoulderblades Girl Band Vota
Number One Fan MUNA Vota
Dream Glow BTS, Charli XCX Vota
Wonder Alfred García, PAVVLA Vota
Shockwave Liam Gallagher Vota
Diviner Hayden Thorpe Vota
Barakaldo Lisasinson Vota
Kids in the Dark Bat for Lashes Vota
Devoto cardenal Medalla Vota
Press Cardi B Vota
Taste Ty Segall Vota

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Aitana / Spoiler

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En el mundo sarcástico-pop y en los medios, cada concursante de OT 2017 ha tenido una broma recurrente: desde las más blancas (que si todas las canciones de Mimi suenan igual, que si la mimetización de Cepeda con Antonio Orozco, que si los aforismos de Ana Guerra) a otras un poco más crueles (lo de que el videoclip de Raoul en realidad será un vídeo de Czech Hunter o los chistes sobre el activismo de Marina; aunque, sin duda, aquí la peor parte de haters se la lleva Alfred). Y no, Aitana Ocaña no se ha librado; en su caso, se cuestiona su personalidad musical y algunos prácticamente la dibujan como ese estereotipo de chica tonta, de marioneta que la industria maneja a su antojo. Yo no pienso que la catalana sea una chica tonta (y de hecho me parece cuanto menos llamativo que este análisis se haga sobre todo con las chicas cantantes), pero es cierto que las maniobras de marketing han sido aquí un poco erráticas, sobre todo si lo que se pretende es mostrar la personalidad de un artista –aunque si lo que se pretende es hacer caja a corto plazo, ahí sí. ‘Tráiler‘ no me gustó ni como maniobra ni como disco en sí, así que no tenía muchas esperanzas en este LP que incluye MESES después las cinco mismas canciones, y el adelanto ‘Nada Sale Mal‘ no ayudó a hacerme confiar en las nueve canciones inéditas… pero lo cierto es que ‘Spoiler’ presenta signos de mejoría.

Me Quedo‘ es el temazo inmediato que no tuvimos en ‘Trailer’ (‘Teléfono‘ acabó enganchándome con el tiempo, pero las primeras escuchas las aguantó peor); ‘Cristal‘ es un interesante vistazo a lo que podríamos ver de Ocaña en el futuro, con una estupenda producción de Pional, que acierta también en ‘Barro y Hielo’; ‘Hold’ tiene su gracia y ‘Con la miel en los labios‘ es la balada épica-pero-más-sutil que esperábamos de ‘Que Te Quedes’. Más anodina resulta ‘El Trece’ o las producidas por Mango y Nabález ‘Las Vegas’ y ‘Perdimos la razón’. Quizás estas dos últimas hubiesen quedado bastante bien en ‘Reflexión’ de Ana Guerra (donde ambos trabajaron) en lugar de aquellas canciones a lo Vale Music, pero en ‘Spoiler’ palidecen frente a otras de sus producciones. Y no son los únicos nombres en producción que han trabajado con otros de los triunfitos: además de en ‘Reflexión’, Mango intervino en el segundo single de Nerea, Santiago Deluchi figura como productor del single de Raoul (cuyo videoclip se está renderizando junto con el de ‘Do What U Want’, sí), a Nabález le hemos visto en los créditos de Guerra e incluso cantando a dúo con Lola Índigo, y Sam Hanson viene de producir (casi) enterico el disco de su compañera Miriam Rodríguez.

Pero, aunque incluya nombres ya conocidos por sus compañeros, en la producción de ‘Spoiler’ se encuentran sorpresas como el mencionado Pional, o Alizzz y El Guincho en ‘Me Quedo’. La colaboración con Lola Índigo da que hablar por muchas razones: por un lado, lo irónico de la participación de Cristian Querante teniendo en cuenta sus pasadas declaraciones; por otro, su posición en el tracklist, que tiene que haber sido sí on sí un chiste interno (justo después de ‘Vas A Quedarte’); también por la denuncia por plagio que debe tener preparada Cristina Cifuentes (esa parte de la letra tiene que ser otro chiste interno); y, por último, y en definitiva la más importante, porque es un hitazo en condiciones. La producción es eficaz como se esperaba, y, si había dudas en cuanto a la mezcla de dos artistas tan distintas sin que ambas perdieran su esencia en un tema genérico, también se superan: ‘Me Quedo’ puede pasar por un tema de la autora de ‘Akelarre‘, y aún sigue transmitiendo ese punto más inocente de Ocaña (“pero mis amigas me llaman / ¡Aitana!”) a la vez que el tono se vuelve más chulesco con los versos de Mimi (“mi corona pesa más que tu ego”).

‘Me Quedo’ no va a descubrir la pólvora, desde luego, pero una colaboración así es una gran noticia para el pop español. Por el dueto en sí y por lo que dice acerca de la carrera de ambas cantantes. Del mismo modo, ‘Spoiler’ tampoco trae nada nuevo, y, más que ganas de darle al replay, lo que provoca es ganas de escuchar un tercer o cuarto disco de Aitana, ya con otro contexto. Quizás eso no diga algo positivo del disco (o sí, ¿no es su título ‘Spoiler’?), pero sí que dice algo muy positivo del potencial de Ocaña.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Cristal’, ‘Me Quedo’, ‘Teléfono’, ‘Con La Miel En Los Labios’
Te gustará si te gusta: Ana Mena, Taburete, Sofía Ellar, Blas Cantó… y también Zara Larsson.
Escúchalo: Spotify

Bat For Lashes anuncia nuevo álbum ‘Lost Girls’ y lo adelanta con la nostálgica ‘Kids In The Dark’

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Pocas semanas después de haber celebrado el 10º aniversario de su maravilloso single ‘Daniel‘, Bat For Lashes acaba de anunciar la próxima publicación de su quinto trabajo de estudio, que sucede a ‘The Bride‘, publicado en 2016. Natasha Khan revela hoy todos los detalles de ‘Lost Girls’, a la vez que muestra un primer extracto musical del mismo.

El disco, con 10 canciones, se publica el día 6 de septiembre y su cubierta es una imagen de Khan vestida de rojo con una serpiente albina. Según la nota de prensa, «es un álbum lleno de romanticismo, un homenaje a Los Ángeles (donde el álbum fue grabado), a ser un chaval en los 80, a las películas que la conmovieron y cambiaron su vida». «Es un disco para conducir en la oscuridad, para cogerse de la mano en la puesta de sol, saltar de puentes con vampiros, conducir tu bicicleta cruzando la luna», continúa, referenciando pelis como ‘Jóvenes ocultos’ y ‘E.T.’, y recuperando el personaje de Pearl que ya empleó en su trabajo ‘Two Suns‘.

Como decíamos, también se ha avanzado el primer single de ‘Lost Girls’, que es además la canción que abre el disco. Una ‘Kids In The Dark’ co-producida por Charles Scott IV, un músico neoyorquino ligado a Bad Robot –la productora de J.J. Abrams– y conocido sobre todo por sus aportaciones a las bandas sonoras de películas y series de ciencia ficción reminiscentes de los 80 como ‘Fringe‘, ‘Calle Cloverfield 10‘ o ‘Star Trek: En la oscuridad‘. De ahí fluye ese tono de synthpop ochentero que inunda toda la canción, un medio tiempo lleno de melancolía que, efectivamente, podría sonar en un éxito de videoclub.

Tracklist de ‘Lost Girls’:
Kids In The Dark
The Hunger
Feel For You
Desert Man
Jasmine
Vampires
So Good
Safe Tonight
Peach Sky
Mountains

Billie Eilish amplía los aforos de sus conciertos de septiembre en Barcelona y Madrid

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Atención, fans del fenómeno musical adolescente del momento –sí, eso es Billie Eilish–, porque si os habíais quedado sin entradas para sus conciertos en Barcelona y Madrid del próximo mes de septiembre –que se agotaron rápidamente–, estáis de enhorabuena: por petición expresa de la artista, ambos conciertos han sido reubicados (en el caso de Barcelona) y reestructurado (en el caso de Madrid) para atender a la alta demanda de entradas, permitiendo así poner más tickets a la venta.

En el caso del día 2 de septiembre en Barcelona, el concierto se traslada del Poble Espanyol al Palau Sant Jordi, pasando así de un aforo de unas 5.000 personas hasta unas 17.000. Al día siguiente en Madrid, seguirá siendo en el Wizink Center, pero adoptará el formato que incluye todos los graderíos, aumentando también hasta las 17.000 personas. Según Primavera Sound, promotor del evento, las entradas ya adquiridas serán perfectamente válidas para las nuevas ubicaciones y formatos, pasando a ser automáticamente de pista sin numerar. Las nuevas tiradas de tickets se pondrán a la venta este jueves, 13 de junio, a las 10:00h de la mañana en Ticketmaster, tanto para Barcelona como para Madrid.

Billie Eilish, como decíamos, es uno de los fenómenos musicales de este 2019 tras la edición de su primer álbum oficial ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘, un disco fantástico que, además, será a buen seguro uno de los más vendidos del año: tras el ímpetu de las primeras semanas de ventas, hace tan sólo unos días que recuperaba el puesto 1 del Billboard 200. En España ha sido número 1 en la tabla de los discos más oídos durante 6 semanas.

Esa sensación de volverte «gilipollas integral» que plasman Lisasinson en la irresistible ‘Barakaldo’

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Las chicas del pop español son más guerreras que nunca, y más cada día, inspiradas por la efervescencia de grupos de guitarras como Hinds, Las Odio, Cariño, Amparito, Hickeys… Junto a ellas podemos alinear a Lisasinson, joven trío valenciano de mujeres que toman su nombre (de aquella manera) de otro poderoso personaje femenino, la hermana mediana de la familia Simpson. Aunque sus referentes, en realidad, son mucho más heterogéneos: en cada una de las playlists que han subido a Spotify María, Míriam y Mar (AKA Maraka) encontramos canciones de cosas tan diversas como Kortatu, Sonic Youth, Rihanna, Siniestro Total, Carolina Durante, Kaka de Luxe, The Sonics, Dellafuente, Eskorbuto, Daft Punk, Sigúr Ros, La Polla Records… [Fotos: Victoria Herranz.]

También están las ya citadas Cariño, Los Fresones Rebeldes o Aerolíneas Federales, que son referentes más próximos al sonido de su single presentación, ‘Barakaldo’. Hablamos de un temazo de punk-pop bubblegum totalmente atemporal, en el que su sencillez es directamente proporcional a su gancho. Y que presume de una letra divertida y rápidamente memorable, en la que un clavo saca otro clavo: si hay una persona que te hace sentir «gilipollas integral», nada mejor para olvidarle que huir al municipio vizcaíno y, entre conversaciones sobre «policía y sanidad», «flipar con la escena musical» en «una noche de mugre total». «Una canción irónica sobre lo imbécil que te vuelves cuando te enamoras», resumen muy ajustadamente en la descripción de su clip hecho a medida, co-dirigido por el grupo y Victoria Herranz.

Este irresistible pepinazo de Lisasinson es el adelanto de su primer mini-álbum, producido por Pau Nadal (que además toca el bajo) y que publicará a lo largo de las próximas semanas el sello Elefant Records en su colección «New Adventures in Pop». Una etiqueta que ha albergado en los últimos tiempos los debuts de proyectos como Nos Miran, PUTOCHINOMARICÓN o Cariño, por cierto. No cabe duda que, como todos ellos, Lisasinson también prometen dar mucho que hablar. Y, sobre todo, bailar.

Escucha la playlist «Revelación o Timo»

Shakira le «cambia el pH del alma» a Alejandro Sanz, que la invita a cantar ‘La tortura’ en Barcelona

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Desde el pasado día 1 de junio, Alejandro Sanz está de minigira por España presentando ‘#ElDisco‘ con un tour que no podría tener otro nombre que #LaGira. En él, este madrileño universal está actuando (y llenando) en grandes recintos de todo el país, como fue el Estadio Benito Villamarín de Sevilla el pasado fin de semana o anoche el Estadio de Cornellá-El Prat, en Barcelona. Además de una versión especial de ‘Corazón patío’ en la que colaboran virtualmente Rocío Márquez y Nathy Peluso, entre otras cantantes, como gran reclamo está contando en cada ciudad con distintos artistas invitados que añaden algo de sazón al espectáculo: si el pasado finde fueron Rosario, Pastora Soler, Antonio Carmona, Paty Cantú o Arturo Pareja Obregón los que se sumaron a él en escena, este sábado han sido Judit Neddermann, el cantaor Arcángel y Shakira los que le han acompañado.

La aparición de la artista colombiana está siendo especialmente comentada en redes sociales por razones evidentes: no sólo era la primera vez en muchos años que se les veía juntos, sino que además la intérprete de ‘El Dorado‘ está siendo noticia estos días por dos sentencias judiciales: la del supuesto plagio de ‘La bicicleta’, que le ha sido favorable; y la aún pendiente por un presunto fraude a la Hacienda española, cuyo juicio comenzaba esta semana. La canción elegida por ambos para interpretar en directo fue ‘La tortura’, el monster-hit que ambos perpetraron juntos en 2005 en la primera parte de ‘Fijación oral’ de la sudamericana.

Especialmente llamativa y algo divagante fue la presentación que el gaditano de adopción Sanz hizo de Shak, «una de esas amigas que sólo con su cercanía me cambia el pH del alma» Espera, ¿¿qué?? Y si esto es WTF, sigue: «A pesar de que ella es como un planeta que orbita en otra galaxia, le pregunté si vendría a darnos un abrazo. Y me dijo que sí». En esa sucesión de extraños piropos, hoy Shakira responde en Twitter diciéndole «si yo soy un planeta tú eres un astro y ayer brillaste como solo tú sabes». #LAGIRA continúa todo el mes en España, antes de desplazarse a Norteamérica: el 15 de junio, en Madrid (Wanda Metropolitano); el 21 de junio en Elche (Estadio Martínez Valero) y el 6 de julio en Santiago de Compostela (Monte do Gozo).

C. Tangana opina sobre Rosalía y Pablo Iglesias en su primer reportaje de portada en El País Semanal

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Puede que tus padres o tus abuelos te pregunten hoy «Y este C. Tangana, ¿quién es?» Antón Álvarez ocupa hoy la portada de El País Semanal, la revista dominical del diario generalista más vendido de España, con un reportaje en el que, desde Los Ángeles, habla de su vida, su carrera y su futuro. Puede que no sea la portada del artista que más te llame la atención –esa será, posiblemente, la de King Kong Magazine–, pero sí que a buen seguro es la que mejor indica hasta qué punto se ha hecho popular el ex-rapero madrileño.

El artículo firmado por Quino Petit –periodista que, pese a haber firmado un reportaje similar con Maluma, no está especializado en música: lo mismo entrevista al rey emérito Juan Carlos I que a Inés Arrimadas, o escribe una serie sobre la guerra al narco en Andalucía– se sitúa en la ciudad californiana. Allí el periodista sigue a C. Tangana durante algunos días que pasa allí –aquellos en los que lanzó ‘Ontas?‘ y ‘Para repartir‘, concretamente– junto a la cohorte de amigos que conforman el colectivo Little Spain, con los que ha trabajado en sus últimos pasos: los realizadores Santos Bacana y Rogelio, el estilista Álex Turrión, etcétera. Con ellos visita enclaves históricos como el Chateau Marmont, se va de cena a un popular local de música latina en directo o de farra al estudio de Milkman, productor con el que trabajó en ‘Fácil’. Así retrata con precisión lo que come y lo que bebe, cómo viste y, en fin, un teórico estilo de vida de excesos, entre lo popular y lo lujoso.

Lo más interesante del reportaje está, claro, en las revelaciones que hace Pucho sobre su vida privada –sus orígenes en una familia de clase media que dejó muy joven para perseguir la bohemia–, sus inicios y posterior desencanto con el rap –“Demasiado orgulloso para reconocer que no eres nadie. Y te preguntas: «¿Qué cojones hago echando mil horas para que un puto periodista al menos escuche mi disco?»” y “Agorazein no terminó de explotar porque reivindicábamos la cultura hip-hop, y eso no aporta nada nuevo al mundo”, están entre las declaraciones más sorprendentes–, su abandono temporal de la música para dedicarse al boxeo, su reinvención inspirada en Drake, su relación con el resto de raperos –»A mí me han tirado todos. Hasta los viejos. (…) A veces disfruto peleando y a veces no. No he hecho un uso correcto de la violencia»– y sobre la clave de lo que es hoy como artista –“Para tener éxito hace falta muchísimo ego. A mí me cabe más del que me gustaría”.

Pero lo más jugoso, lo que llena hoy titulares está en declaraciones altisonantes como que Julio Iglesias y El Pescaílla son sus grandes referentes culturales, que pese a apodarse «El Madrileño» –»Me gusta el papel que desempeña lo castizo en la cultura española. La chulería madrileña, la determinación, el sentimiento de acogida»– quiere irse de Madrid porque necesita cosas nuevas y que, en cambio, está totalmente enamorado de «el chill» de Los Ángeles. Y, por encima de todo están sus sorprendentes posicionamientos sobre dos figuras muy diferentes: Rosalía y Pablo Iglesias, líder de Podemos.

De la primera, es todo elogios… en lo artístico: “Tenía que pasarnos Rosalía. Nunca he estado tan emocionado con una movida como cuando vi lo de Rosalía. Yo decía hace tres años que Rosalía es lo más excitante que le ha pasado a la cultura. Ahora… No estoy cansado, porque sigue siendo excitante. Pero es obvio. Y es el momento en el que toda España puede sacar rédito de eso, ¿sabes? Desde el principio yo solo dije: «Voy a acercarme aquí, a ver si puedo aprender»”. Preguntado sobre si mantiene contacto con ella –con la que el artículo confirma que tuvo una relación sentimental– espeta un seco y nada claro «hemos hablado muchas veces». Igualmente llamativas son las declaraciones sobre ambos de José María Barbat, presidente de Sony Music para España y Portugal: “Ellos dos son los artistas más importantes que han salido de España en los últimos 25 años. Cuando eran novios y todavía no la habíamos contratado a ella, un día le dije a Pucho: «Sois Jay-Z y Beyoncé a la española». La música en España no es lo mismo desde la irrupción de estos dos bicharracos”.

En cuanto al político, dice abiertamente que, aunque nunca antes había votado y se considera anarquista, votó por el ascenso de Vox (como se intuyó de algunos tuits que ya fueron noticia). «Si llega un momento como el de ahora, hago uso del sistema. ¡Eso es la democracia representativa, que C. Tangana tenga que votar a Pablo Iglesias!», afirma. Aunque también es crítico con él: “No es la figura revolucionaria de la izquierda que necesitábamos del ­15-M. El espíritu del 15-M no me olía a Pablo Iglesias. Ni el asunto se tenía que resolver con un tío hablándome del marxismo. Eso no tiene nada de innovador”

La Canción del Día: «Hacienda somos todos, todos somos España», el trallazo cañí con segundas de Medalla

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Con las canciones de su debut, ‘Emblema y poder‘, el cuarteto barcelonés Medalla ha demostrado que el noise rock de nuestro país no tiene por qué languidecer con las nuevas generaciones. Amplificando el radio de acción en su caso a la psicodelia, al stoner rock y un voluntario ramalazo metalero, el grupo surgido de las cenizas de The Saurs ha conectado en canciones como ‘Navaja certera‘, ‘Sable negro’ o ‘Montaña cruces’ tanto con los más talludos seguidores como con una chavalada encantada con su actitud, sus guitarrazos y el pogo. [Foto: Lidia Arruego.]

Por eso es una gran noticia que días atrás se haya avanzado el que será su segundo largo, que verá la luz ya después del verano, de nuevo a través de El Segell del Primavera. Sin título confirmado aún, este nuevo trabajo ha sido producido por Sergio Pérez (SVPER, que también ha hecho lo propio en el nuevo álbum de Lidia Damunt) y promete aún más ruido, más ganchos y más ironía en sus letras. Al menos eso es lo que sugiere su primer avance, un ‘Devoto cardenal’ presentado hace unos días que les señala como el equilibrio perfecto entre Triángulo de Amor Bizarro y León Benavente.

Al grupo comandado por Abraham Boba recuerda especialmente la introducción del tema, y a los gallegos lo hace la segunda mitad, en la que las guitarras furiosas se disparan y se entona con retintín su estribillo memorable: «Hacienda somos todos, todos somos España». Hasta se diría que la progresión de acordes tiene cierto tono cañí que, obviamente, va con segundas: «A todxs nos ha pasado. Cobrar una miseria, declararlo y acabar pagando. A veces la broma sale cara. En una de esas bromas nació esta canción», explica el grupo en Facebook.

Con esa explicación, la letra más que criticar al Fisco retrata esa dimensión servil, de puro feudalismo actualizado, que adoptamos inevitablemente los contribuyentes ante los poderes fácticos. Especialmente aclaratorio es su último verso casi susurrado: «Señor banquero, es usted un cielo, un devoto cardenal de las arcas del gobierno / Gracias a su ejemplo todos viviremos enterrados en las olas de este bonito momento». Los indicadores económicos más agoreros indican que ‘Devoto cardenal’ puede convertirse en todo un himno cuando todo vuelva a hacer crack en 2020. ¡Viva!

Peter Hook: «Echo de menos estar en New Order»

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Peter Hook ha venido al barcelonés festival Primera Persona para hablar de su libro ‘The Haçienda. Cómo no dirigir un club’ (Contra Editorial). La entrevista se realiza en el backstage y resulta un tanto aturrullada: Hook ha tenido varias charlas antes, el entorno bulle de actividad y aún ha de subir al escenario del CCCB, lo que nos deja poquísimo tiempo. Aun así, la charla fluye, porque Peter ya tiene bastante claro de qué quiere hablar. Vestido de elegante sport, lejos de su imagen más macarra, Peter se expresa de manera suave, casi hipnótica. Como buen perro viejo, usa mis preguntas como excusa para explicar lo que le interesa y aprovecha el más mínimo hueco para atizar a sus excompañeros de New Order.

He leído el libro y me parece muy chocante la manera en que… perdíais dinero (risas). Todo lo que New Order ganaba se iba a cubrir los gastos del Haçienda. ¿Cómo lo hacíais para sobrevivir (económicamente) en el día a día?
Haçienda empezó a perder dinero muy pronto. Creo que unos 15.000 euros… al mes. Y a nosotros nos pagaban 30 € a la semana a cada uno, 120 al mes, pero estábamos perdiendo 15.000 entre los cuatro. No lo sabíamos, esa es la verdad. Una vez que lo descubrimos, decidimos que se tenía que poner orden. Pero admiro que Rob Gretton y Tony Wilson tuvieran un sueño y encontraran la manera de fundarlo. Creo que fue probablemente de manera fortuita, porque, básicamente, nunca se habría construido. Si trato de imaginar un mundo sin Haçienda, como club… (pausa) No me arrepiento, he de decir.

“Haçienda era un patio de recreo para mayores. Y yo tenía las llaves”

¿Crees que, si os hubierais tomado en serio el Haçienda como negocio –no musicalmente–, no habría sido igual?
Si nos lo hubiéramos tomado en serio como negocio, nunca se habría construido. Nunca. La cosa es que el desembolso inicial de dinero nunca se recupera en ningún club. Era ridículo como concepto de negocio. La cuestión es que nosotros no éramos hombres de negocios. Éramos buenos bebiendo. No éramos buenos en llevar o dirigir al personal de un bar. O en asegurarnos de que habría beneficios. Éramos una nulidad en eso. Rob Gretton tenía un sueño. Y alcanzó ese sueño. ¿Y cuánta gente en el mundo puede decir que han hecho realidad su ambición? Él fue muy afortunado en ese aspecto. Nos lo ocultó, claro, porque lo hubiéramos destrozado (risas). Era un sueño muy naïve. Rob sólo tenía veinticuatro o veintisiete años cuando Haçienda arrancó. Y estaba a cargo de setenta y cinco personas. ¡Una enormidad! No era un club pequeño, ¡era masivo! Realmente era un reto y él se manejó para lograrlo. Hay que admirar eso. Y ahora estoy aquí. Tengo, más o menos, todo lo que quiero en el mundo; pubs y seguridad (risas). Soy feliz con este legado, con la historia única que fue este capítulo: el hecho de que una banda de pop entretuviera a toda una ciudad a su cargo durante dieciséis años. Eso siempre será algo único, porque nadie, ni U2, ni Coldplay, nadie fue lo suficientemente estúpido para hacerlo. ¡Y nosotros lo fuimos! Realmente fue devolvérselo [el dinero] a la gente. Puro socialismo, puro comunismo.

Resististeis a base de entusiasmo durante esos 16 años, pues.
Sí. Yo estaba borracho la mayoría del tiempo, he de decir. Fue un período hedonista de mi vida que disfruté a fondo. Haçienda era un patio de recreo para mayores. Y yo tenía las llaves. Podía darme vueltas por ahí como una auténtica estrella de rock durante los 80. ¡Ridículo! Teníamos esas noches maravillosas de Acid House. ¡Guau! Si lo hiciera ahora, con 63 [años], me moriría. Pero con treinta, estaba: “Yeah, baby!!!”

También leí en tu libro ‘Substance’ [Nde: las memorias de Hook sobre New Order publicadas en Reino Unido en 2016, que escribió como réplica a las de Bernard Sumner y aún inéditas en castellano] acerca de la grabación de ‘Technique’ en Ibiza y era como los hermanos Marx en ácido…
(Risas) Pues sí…

“Una de mis grandes frustraciones con New Order es que nunca tocábamos”

¿Cómo sobrevivisteis a esa vorágine?
Lo hice. Siempre he sido un superviviente. De donde vengo, Salford, en Manchester, es un barrio muy duro. Crecí sin dinero, muy pobre, en un entorno de clase trabajadora. Odiaría volver atrás, pero no tengo miedo. Si no tengo nada, no tengo nada. Siempre he creído que podía labrarme mi camino para salir [de situaciones apuradas]. Cuando New Order se separó, en 2007, me convertí en DJ a jornada completa durante tres años, lo que es algo inusual. Tuve éxito, lo que es fantástico. Luego volví a tocar. De nuevo tuve éxito. No tengo miedo a trabajar duro. Nuestras carreras son subidas y bajadas.

Pero ahora, ¿a qué te dedicas más? ¿A tocar o a pinchar?
A tocar. Ya no pincho. Creo que los horarios (hace como que bosteza) eran imposibles. Toco todo el rato. Una de mis grandes frustraciones con New Order es que nunca tocábamos. Era muy aburrido. Teníamos esas canciones maravillosas y no me estaba permitido tocarlas. Ahora salgo y toco lo que quiero. Soy muy feliz.

‘Technique’ ha cumplido 30 años. Es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos…
Oh, ¿Sí? ¿Sabes una cosa? Es difícil de tocar. Lo estamos tocando ahora, ‘Technique’ y ‘Republic’. Y buff, son álbumes duros de tocar.

“Mi ambición es tocar cada canción escrita y grabada por Joy Division y New Order”

Precisamente, leí en algún lado que ‘Run’ no la solíais interpretar porque era muy difícil.
Mmm… Las canciones nunca sonaban como lo hacían en el estudio. La verdad es que me asombra bastante cuando vuelvo la vista atrás y veo lo poco que tocamos ese disco. Es el disco del que tocamos menos canciones de todos, lo que es increíble. Es un álbum fantástico para tocar y lo disfruto extraordinariamente, como disfruto extraordinariamente ‘Republic’, algo que creí que no haría, por las connotaciones de cuando lo grabamos. ‘Technique’ es genial: me tengo que concentrar como un loco para tocarlo, pero cuando lo conseguimos, es fantástico. No tengo libertad [de elección] porque, como toco LP’s enteros, no tengo opción de obviar las canciones difíciles. Las tengo que tocar. ¡Ese es mi truco! Los ahora llamados New Order escogen las sencillas. Y yo tengo que tocar las difíciles, ¡agghhh! Pero cuando las dominas es sublime. Cada vez que traigo un álbum de vuelta lo echo de menos. ‘Low-Life’, ‘Brotherhood’, ‘Power, Corruption & Lies’… Cuando pare y luego retome [la gira] el próximo año, tocaremos ‘Get Ready’ y ‘Waiting for the Sirens’ Call’. Y luego ‘Lost Sirens’. Y luego no sé lo que haré. ¡Tendré que empezar de nuevo! Mmmm… Una posición extraña, ¿no? Mi ambición es tocar cada canción escrita y grabada por Joy Division y New Order, primero empezando por Joy Division y luego continuando por New Order. ¡Tocar las caras B ha sido fantástico! Excavar entre esas pequeñas canciones que no fueron muy promocionadas. Y algunas son fantásticas. Traerlas de vuelta es un regalo. Si me hubiera quedado con New Order, nunca lo habría hecho, nunca las habría tocado. De alguna manera, fue la decisión correcta.

¿Y erais conscientes, durante la locura ibicenca, que ‘Technique’ acabaría siendo un disco tan influyente?
No. Ibiza fue fantástico. Era el peor ambiente de trabajo que un músico podría haber tenido. Pero pasamos – pasé – una temporada increíble. Las delicias de San Antonio, de ese período fueron… uffff. Dios, fue increíble. Me asombra que sobreviviéramos. Estuvimos allí cuatro meses y no hicimos na-da, malgastamos. Esa era la atmósfera. Recuerdo que mi hija vino a visitarme, tenía cinco o seis años, y no me reconoció de lo moreno que estaba (risas). Es una historia estupenda y, contra todo pronóstico, volvimos a Inglaterra a acabarlo. Es mi disco de New Order favorito… para escucharlo. No para tocarlo.

¿Y por qué es tan melancólico? Me asombra que exhale ese sentimiento, sabiendo lo hedonista que fue el proceso de grabación
Creo que tu don como músico es que puedes trascender tu dolor. [En aquel momento] todo el mundo estaba infeliz, porque nuestro pacto se había roto, porque aun así creían que teníamos que sacar un nuevo y gran álbum. Pero hay que trascender tus propios sentimientos. Y, aunque no éramos felices, aun así nosotros tres (Gillian no hacía demasiado) estábamos contentos porque lo conseguimos. Logramos acabar el disco. Era todo un logro. Especialmente en las condiciones en que lo grabamos.

Sobre el acuerdo que alcanzaste con el resto de la banda hace un par de años, ¿puedes usar el nombre New Order en tus giras o en el merchandising?
No (silencio).

“Hay todavía muchos problemas, muchos malos sentimientos entre los miembros del grupo”

¿Y en qué consistió este acuerdo, si se puede preguntar?
Los otros hicieron una adquisición hostil de la sociedad limitada que, en Reino Unido, es propietaria del nombre New Order. Ellos… bien, es algo muy técnico. Básicamente, se quedaron el nombre sin preguntarme y se lo licenciaron. De eso trató la demanda. Fue un juicio muy técnico. No sé si el sistema legal funciona igual en España, pero en Inglaterra está muy anticuado. Es muy caro y muy frustrante. Cuando la demanda estaba en marcha (el caso era yo contra ellos), ellos presentaron dos denuncias contra mí, acusándome de hacerme pasar por Joy Division y de hacerme pasar por New Order. Lo que está bien, considerando que montamos ambos juntos (risa malévola). Nos reunimos y, básicamente, firmamos un acuerdo para detener los procesos judiciales. Los procesos no se resolvieron, los pusimos a un lado y, supuestamente, los evitamos firmando este acuerdo entre nosotros. Las relaciones, desde este acuerdo, no han sido ideales. Hay todavía muchos problemas, muchos malos sentimientos entre los miembros del grupo. No entre las viudas, porque también estaban Deborah Curtis (la viuda de Ian) y la viuda de Rob Gretton. Ellas se han mantenido neutrales. Los miembros del grupo aún están… [se echa las manos al cuello como ahogándose]. No es ideal, pero acepté que es el precio que he de pagar por mi coche, mi trabajo, mi casa… No es una situación ideal. Y es una vergüenza, porque nosotros creamos tanto, que es realmente muy triste arruinarlo para cualquiera. Particularmente para los fans. Porque los fans estaban muy divididos. [Nos interrumpen para acelerar el fin de la entrevista. Peter aún ha de acabar de preparar su intervención en el Primera Persona]
En fin, es una pena pero, ¿sabes? Así es la vida y nos tenemos que acostumbrar. Si fuera más fácil, sería más aburrida. Algún día lo averiguaré (risas)

¿Vas a sacar nueva música? Te leí en ‘Substance’ que odiabas hacer música solo, que necesitabas a más gente. ¿Estás preparando algo?
De hecho, he compuesto muuucha música. Lo que pasa es que no soy nada bueno promocionándola y como no estoy en un sello grande… Tengo una banda llamada Man Ray, con la que he hecho bastantes cosas y he satisfecho mi parte creativa. He trabajado con Pottsy, que era la mitad de Monaco y, para el próximo concierto Joy Division clásico en julio, hemos escrito un nuevo tema de Monaco. Dos. Inspirados por Joy Division, para mostrar nuestro amor por Joy Division. Creí que era importante hacer algo nuevo al fin. Está convirtiéndose en algo, así que, bastante probablemente, Pottsy y yo sacaremos el tercer disco de Monaco. Y estoy haciendo muchas más cosas. Estoy preparando un tema con Mark Lanegan, que saldrá muy pronto. Con un dúo francés llamado The Limiñanas, en que cantaré a lo Iggy Pop. De hecho estoy haciendo muchas cosas, solo que no se están publicitando demasiado. Está bien, pero echo de menos estar en una banda. Echo de menos estar en New Order, en ese aspecto, el de trabajar juntos preparando el próximo disco.

Hayden Thorpe / Diviner

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Dotado de una voz de contratenor ultra melódica y expresiva, casi ahogada y cercana a lo teatral, Hayden Thorpe es uno de los vocalistas más carismáticos que ha producido el pop británico en los últimos tiempos. Por este motivo, la despedida de Wild Beasts en 2017, producto de que se había convertido, en palabras de Thorpe, en la banda que «nunca había querido ser» -el grupo se separó definitivamente en 2018 tras su último concierto en Londres-, fue todo un jarro de agua fría tanto para los fans de los autores de ‘Two Dancers‘ como para los que creemos que el pop siempre está un pelín falto de voces masculinas un poco diferentes a lo habitual. Por suerte Thorpe no ha querido que le echáramos demasiado de menos y acaba de publicar su primer álbum en solitario, un ‘Diviner’ centrado en el piano pero sin dejar de lado algunos ritmos electrónicos (‘Human Knot’) u otros sonidos; y en el que no puede tener más protagonismo su voz y, por tanto, sus bonitas melodías.

Para Thorpe, componer ‘Diviner’ ha significado volver al pasado, deshacerse del gran ego que había cultivado en Wild Beasts y encontrarse a sí mismo de nuevo. Para ello, y tras recuperarse de unas anginas en la casa de campo de su padre en Kendal, el artista británico escribió en soledad nuevas canciones en el piano que había aprendido a tocar de niño. Este instrumento, que Thorpe considera el «riñón emocional» de su casa, pues «todo pasaba a través de él», es el pilar absoluto de un ‘Diviner’ en el que aquel niño, ahora adulto, vuelca sus emociones ante un romance complicado, construyendo de paso algunas canciones preciosas. La principal es ‘Diviner‘, una composición estelar, cuya preciosa melodía va calando poco a poco hasta revelarse como una pequeña maravilla, en la que Thorpe busca un encuentro «divino» que le «muestre el camino», estableciendo el tono espiritual de todo el disco. En ‘Straight Line’, que adoptando formas ligeramente próximas al math-rock, es otro de los mejores temas del disco, Thorpe incluso declara: «tira tu medicina occidental, mantén tu cabeza pegada a tu corazón».

Aunque ‘Diviner’ no es un disco esotérico, sí es un trabajo hecho desde el hallazgo de cierta paz interior, y por lo tanto cuando aborda los grandes temas de la vida, en concreto el amor, lo hace desde la reflexión y usando metáforas como el «jiu-jitsu emocional» (‘Earthly Needs’). Son varios los puntos de ‘Diviner’ en los que encontramos a Thorpe preguntándose cuán difícil o doloroso será dejar de amar a una persona o, al contrario, cuánto dolor nos producirá amarla, pero sus melodías están menos cargadas de drama esta vez. El piano de ‘Stop Motion’, por ejemplo, puede recordar a la última Kate Bush, y es solo gracias a su arreglo de cuerdas que ‘Anywhen’ es el tema más dramático de todo el disco. En el segundo single ‘Love Crimes’, con su piano saltarín y su pegadizo estribillo «I’m away, I’m away, I’m away», Thorpe descarga bagaje: «incluso el más grande de los amores se compone de cosas modestas de las que me estoy deshaciendo». Y aunque será difícil que alguno de estos temas supere a ‘Diviner’, la final ‘Impossible Object’ se queda cerca cerrando con otro mensaje espiritual: “eres el conducto de espíritus ancestrales que han vuelto a nacer”. Una canción de amor tan ideal como bonito es este disco.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Diviner’, ‘Straight Line’, ‘Love Crimes’, ‘Impossible Object’
Te gustará si te gusta: These New Puritans, Kate Bush, Perfume Genius, los vocalistas masculinos melódicos
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Los Morancos triunfan parodiando a la Pantoja por Gloria Gaynor, mientras esta cambia disco por gospel

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Como suponíamos, la estancia de Isabel Pantoja en el reality Supervivientes 2019 está dando muchísimo juego… y audiencia, que era de lo que se trataba. Así que Los Morancos, siempre tan oportunistas con sus parodias musicales, no podían dejar pasar la ocasión de lograr un nuevo viral a su costa. Aunque en este caso, es de justicia que lo hagan, porque a ellos debemos este meme histórico que anticipó la llegada de la tonadillera a Cayos Cochinos.

Los hermanos Cadaval no han elegido esta vez una canción de más o menos actualidad –como hicieran anteriormente con ‘Yo ya no quiero ná‘, ‘Malamente‘, ‘Mayores‘ o ‘Despacito‘– sino un clásico de la música disco –bastante evidente, además– como es ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor, todo un himno histórico de la comunidad LGTBI+. Los cómicos sevillanos, que están celebrando sus 40 años de carrera con un espectáculo, le añaden unas palmas para convertirla en una rumba disco mientras narran su paso por el concurso de supervivencia y su enemistad con Colate, que se enfrenta a «la Khaleesi de Triana», nada menos. Por supuesto, su humor grueso habitual ha triunfado y han logrado convertir el vídeo en un nuevo viral que se acerca a las 550.000 reproducciones y es número 1 en la lista de tendencias de Youtube, superando a los nuevos lyric-videos de Ozuna y Aitana ft. Lola Indigo o el nuevo vídeo oficial de Kase.O.

A todo esto, da la casualidad –no nos cabe en la cabeza otra cosa– de que esto sucede precisamente el día en que la misma Gloria Gaynor publica su primer álbum de grabaciones originales en más de 17 años –los transcurridos desde que en 2002 lanzara ‘I Wish You Love’. Gaynor lanzaba este viernes ‘Testimony’, un álbum en el que cambia la música disco que la encumbró por música gospel, con el que celebra su regreso a la música tras pasar un difícil momento de salud: a sus 75 años, hubo de ser operada de la médula espinal para superar unos dolores crónicos que padecía. Totalmente recuperada, dedica este álbum a Dios por «su piedad, su amor, su gracia y su paciencia con nosotros», según ha manifestado a People.

La Canción del Día: ¿Cómo sobreviviré sin ‘La chaqueta azul’ de Tronco?

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Tronco, el dúo de lo-fi de altas miras compuesto por los hermanos Conxita y Fermí Herrero, tiene nuevo single extraído de su segundo álbum, ‘Tralará‘, que publicaban a finales del año pasado con pequeños grandes temas como ‘La La Land’ o ‘La procrastinadora’.

Uno de nuestros favoritos era precisamente ‘La chaqueta azul’, uno de los más electrónicos y en cuya letra rendían tributo a artistas tan admirados como Vainica Doble, Le Mans o Lole y Manuel. En concreto Conxita se preguntaba: «Y cuándo el techo se vaya a caer / ¿Cómo sobreviviré? ¿Dónde dormiré? / Sin las maquetas, sin disquetera / Sin tumbarnos a leer, colega / Sin carreteras que recorrer, sin Lole y sin Manuel / ¿Qué se supone que voy a hacer?».

Ahora Miguel Rojas ha dirigido el vídeo en el que aparte de la literalidad de ver el famoso libro de entrevistas con Vainica Doble o un vinilo de Lole y Manuel cuando se habla de estos artistas, Conxita se toma las medidas para esa «chaqueta azul» aludida en el título de la canción, y que eventualmente perderá. Un videoclip sencillo y colorido para una composición que ya lograba sacarnos una sonrisa a través de los afectados falsetes de Fermí y de ese drama de primer mundo planteado, con el que empatizamos. ¿Cómo sobreviviríamos, también, sin Tronco?

Tomasa del Real / TDR

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La chilena Tomasa del Real ha sido una de las figuras femeninas fundamentales de la música urbana en castellano durante el último par de años junto a otras voces como Bad Gyal, Ms Nina, Bea Pelea o Karol G. Abanderada del «neoperreo», ha contribuido a la visibilidad de la mujer y sus diferentes discursos en el mundo del reggaetón, en principio popularizado por voces masculinas.

Un año después de la divertidísima ‘Barre con el pelo’, ‘TDR’ ofrece oficialmente según el texto de Bandcamp «ideas previamente censuradas en la música como el hecho de que las mujeres puedan disfrutar del sexo tanto como los hombres», y el problema no es que la afirmación finja que toda la carrera de Madonna no ha existido, sino que esto mismo nos lo contó ella misma antes. Por supuesto, lamentablemente Valeria Cisternas habrá de repetir muchas veces que la mujer es libre de hacer con su cuerpo lo que quiera para que el discurso cale: no hay más que ver lo que le acaba de pasar a Miley Cyrus en Barcelona. Sin embargo, era de esperar que musicalmente ‘TDR’ diera un paso hacia algún lado tras la acogida de ‘Bellaca del año‘, que no se termina de atrever a dar.

Entre frases tan ilustrativas como «soy la más puti y lo soy porque quiero» (‘Brati Puty’), «quiero todo grande, no me gustan chiquitas» (‘Dinamita’) o ese «por delante y por detrás» repetido hasta la saciedad en la inicial ‘Neoperreo bailoteo’; los ritmos suenan algo previsibles, sin el riesgo tomado por el último disco de Bad Bunny. Los coqueteos con el dembow (‘Contigo’), el tropical house (la reivindicativa ‘Quiere que me tape’), el trap (‘Tu perdición’) o el funk brasileño (‘Los dueños del neoperreo’) resultan tan altamente previsibles, como que el disco decida terminar con una canción de amor feliz. Hay por supuesto un par de temas disfrutones, dados por el ritmo hipnotizante de ‘Ella quiere culiar’ o el flow de Ceaese en ‘Dinamita’, pero esperaba en estos 32 minutos reírme mucho más y aburrirme menos. Esto ya no tiene tanto de «neo»…

Calificación: 5,8/10
Lo mejor: ‘Braty puti’, ‘Dinamita’, ‘Ella quiere culiar’, ‘Y nos vamos’
Te gustará si te gusta: Bad Gyal, Bea Pelea, Ms Nina
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‘Killing Eve’: pros y contras de la segunda temporada

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‘Killing Eve’ fue una de las series revelación del año pasado, un estiloso thriller lleno de humor negro que confirmó el talento de su creadora, Phoebe Waller-Bridge, autora también de las dos temporadas de la muy recomendable ‘Fleabag’. En esta segunda temporada, Waller-Bridge, con problemas de agenda (es la guionista de la nueva película de James Bond), ha dejado su puesto a la actriz Emerald Fennell, conocida por ‘Llama a la comadrona’ y que prácticamente debuta como guionista en esta serie (había colaborado en algunos capítulos de ‘Drifters’).

¿Está la segunda temporada de ‘Killing Eve’ (disponible en HBO) a la altura de la primera?

Lo mejor de ‘Killing Eve: Temporada 2’
1. Villanelle. Sus miradas de chiflada, su repertorio de modelitos, sus comentarios sarcásticos, su creatividad criminal (atención al asesinato que imita el cuadro ‘Los cuerpos de los hermanos De Witt’, de Jan de Baen), ese “booooring” que suelta a grito pelado en el Rijksmuseum… El magnetismo del personaje interpretado por Jodie Comer sigue intacto. Cuando aparece en escena, sabes que algo –divertido, terrible, sugerente- va a pasar.

2. El giro argumental. Era más arriesgado que una cabalgata de reyes de Carmena, pero funciona. Otra cosa es cómo se desarrolla la trama a partir de ese momento (ver los contras). La solución es muy eficaz: el argumento de la serie se retuerce como una víctima de Villanelle, y deja al descubierto sugestivas líneas narrativas.

3. Su elegancia y fuerza audiovisual. Desde que aparece el estilizado título de la serie, a toda pantalla y con esas letras “sangrando”, y suena la envolvente música de Unloved, omnipresente durante las dos temporadas, cada capítulo de ‘Killing Eve’ ofrece una buena dosis de imaginativas soluciones de puesta en escena, en especial durante los asesinatos, y un variado repertorio de canciones: ‘Addicted To Love’ (Skylar Grey), ‘Opera House’ (Cigarettes After Sex), ‘Listen To Your Heart’ (Roxette), ‘Felt Mountain’ (Goldfrapp), ‘Baluba Shake’ (Brunetta)… Temas que construyen atmósferas, inyectan densidad dramática a las imágenes y, en algunos casos, proporcionan contrapuntos irónicos.

Lo peor de ‘Killing Eve: Temporada 2’
1. El flirteo. La base argumental en la que se sustentaba gran parte de la eficacia dramática de ‘Killing Eve’ estaba en la relación de atracción/repulsión que se establecía entre las dos protagonistas. En esta segunda temporada, ese vínculo erótico se estrecha al máximo. El resultado de este acercamiento es, paradójicamente, un distanciamiento con el espectador. Cuanto más sube la tensión sexual entre ellas, menos creíble resulta.

2. El final (ojo, spoilers). El (brusco) abandono de la subtrama de la Fantasma no presagiaba nada bueno. El desarrollo de la misión en Roma, plagada de trampas de guión poco sutiles, tampoco. Pero el final, que parece repetir, invirtiendo el orden de las protagonistas, el cliffhanger con el que terminó la primera temporada (la tercera ya está en marcha), ha sido la confirmación: el guión de esta segunda temporada tiene demasiados agujeros. ¡Phoebe, vuelve! 7.

Ed Sheeran en Barcelona: uno frente al mundo

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Ed Sheeran saca nuevo disco colaborativo el 12 de julio, pero sigue de gira presentando ‘÷‘, el disco más vendido de 2017 y uno de los más vendidos de 2018. Sheeran podría haber terminado de presentar su tercer disco el año pasado, pero por alguna razón ha decidido extender la gira otro año más, volviéndola a traer a países en los que ya había estado el año anterior, como España, y matándose a tocar por todo el mundo sin apenas descanso. Así, en septiembre se anunciaban dos fechas nuevas en macroestadios de Barcelona y Madrid que lograban vender 70.000 entradas en cuestión de horas, dando buena cuenta del espectacular nivel de popularidad en el que se encuentra el cantautor británico. La gira termina en agosto. [Foto del cartel promocional del European Tour 2019 de Ed Sheeran.]

La fecha barcelonesa ha tenido lugar esta noche del viernes 7 de junio en el Estadio Olímpico Lluís Companys, cuyo aforo es de 55.000 personas, y no ha producido sorpresas. Salvo alguna novedad esperable, como la inclusión en el setlist de una versión acústica de ‘I Don’t Care‘, el nuevo éxito de Sheeran junto a Justin Bieber, lo visto en Barcelona esta noche ha sido casi idéntico a lo visto hace dos años. De hecho, ha tenido que pasar todo este tiempo para que Sheeran recupere de su cajón de canciones guardadas para una mejor ocasión su himno a Barcelona con menciones a la sangría y a la «mamasita rica», aquel tema titulado precisamente ‘Barcelona‘ que iba a ser el primer single de ‘Divide’ antes de existir ‘Shape of You’. Parece que Sheeran todavía no se ha arrepentido de escribirla y ha querido «regalársela» a su público. ¿Gracias?

Para quien no haya visto en directo a Sheeran todavía, sí puede impactar que el cantante sea la única persona presente en el escenario en todo momento. Es realmente grotesco verle actuar solo frente a tanta gente. Ni bailarines, ni coristas aparecen en el escenario, solo él, sus guitarras y sus pedales, con los que graba tomas instrumentales –de guitarra, percusión, o incluso voz– que después reproduce en «loop» a modo de base (en otras palabras, lo que llevan tiempo haciendo Damien Rice o Dominique A, por citar dos ejemplos). Al principio del concierto, Sheeran explica el funcionamiento de estos pedales, añadiendo que la música es, por tanto, totalmente en directo. Durante el transcurso del mismo su uso de este mecanismo puede llegar a impresionar. ¿Cómo puede sonar así un concierto sin músicos más que uno? No deja de tener mérito que Sheeran cargue con el peso de actuar frente a aproximadamente 55.000 personas.

Se le ve cómodo, en cualquier caso, a Sheeran en su papel de superestrella, y no es de extrañar: Sheeran es un tipo sencillo que escribe canciones sencillas, y esta comodidad le ha reportado demasiado éxito como para dejarlo escapar. Uno atiende a la cantidad ingente de fechas que incluye su gira actual y alucina, pero después lo ve en directo y es como ver a un chaval tocando en el pub de la esquina. No, el chico no se desloma en el escenario ni lo necesita, de igual manera que tampoco necesita escribir mejores canciones: simplemente está surfeando la ola que a muchos les gustaría surfear, y lo está haciendo sin despeinarse y, a la vez, llenándose los bolsillos. No se le puede culpar por ello. Sí de escribir letras cuestionables como la de ‘New Man’ o demasiado cursis como la de ‘Perfect’, pero no de querer aprovechar su éxito al máximo.

Por lo menos, Sheeran sí demuestra ser un buen animador, y es curioso lo entretenido que se hace el concierto pese a contar solo con su presencia en el escenario. Sí hay hacia la mitad del set un tramo perfecto para ir al baño, devolver vasos de plástico antes de que se creen colas tremendas, comprar algo de cenar (por cierto, ¿opciones veganas pa cuándo?)… Pero en medio se producen momentos interesantes. Por ejemplo, Sheeran presenta ‘The A Team’ recordando los días en que tocaba «para 5 personas» en Londres, añadiendo que pese a su éxito, sigue tocando las mismas canciones de siempre. Sheeran anima al público tanto a cantar sus canciones a grito pelado como a mantener la calma y lo hace con profesionalidad y corrección, pero también con gusto. El único momento raro, cuando pide al público que mueva arriba y abajo el brazo en ‘Bloodstream’. Dice que queda bien, pero en realidad queda como cuando Marilyn Manson lo hacía en aquel concierto de Eminem en Razzmatazz hace años.

Tantísimos conciertos que incluye esta gira de ‘÷’, y quizá lo mejor que puede decirse de lo visto esta noche en Barcelona es que Sheeran no parece para nada cansado de tocar. Al contrario, pues incluso reconoce que su objetivo de la noche es cantar hasta perder la voz, pues le esperan varios días libres para recuperarse (hasta el 11 de junio, cuando visite Madrid). Puede que el ruido ensordecedor que provocan los primeros compases de ‘Shape of You’, ‘Thinking Out Loud’ o ‘Perfect‘ no sea suficiente para hacer comprender a muchos qué hace un tipo como Ed Sheeran actuando completamente solo frente a tantas decenas de miles de personas, pero la sensación que desprende el británico todo el tiempo es de agradecimiento, y eso hace que uno conecte más con la persona que está viendo en el escenario. La emoción sería la misma si Sheeran tocara todas estas canciones otra vez en Barcelona, pero en un garito con 50 personas.

Billie Eilish vuelve a ser número 1 meses después de la edición de su disco, Hozier no

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Hits


Por si había alguna duda de que el disco de Billie Eilish iba a ser uno de los más exitosos de 2019, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘ ha vuelto precisamente esta semana al número 1 del Billboard 200 vendiendo otras 60.000 unidades durante esos siete días. Ya había ocupado esa posición anteriormente, pero para mostrar que no es que sus fans compraran o escucharan el álbum durante la primera semana para después pasar a otra cosa, el álbum vuelve a subir. Además, el single ‘bad guy’ asciende al puesto 2 en la lista estadounidense de singles. Mediatraffic estima las ventas actuales del largo en 1,7 millones de unidades. A estas alturas no es que sea seguro que se rebasarán los 2 millones, sino que serán 3 fácilmente hacia finales de año.

El éxito de Billie Eilish no se ciñe a América y el álbum continúa en los lugares de cabeza en varios territorios. Es aún número 4 en Reino Unido (hoy baja desde el puesto 2), y en España sorprende mucho su pelotazo en streaming. ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?’ ha sido número 1 en España en la tabla de los discos más oídos durante 6 semanas. Curiosamente es en verdad México DF la ciudad donde más la oyen y Billie Eilish es en general la 3ª artista más oída en el global de Spotify ahora mismo. Sin duda, uno de los personajes del año.

Flops


Quien no parece contar con un público tan fiel es Hozier, que sí lograba ser número 1 en Estados Unidos con su último disco ‘Wasteland, Baby!’, pero después desaparecía del top 100 de este país tan solo tras 6 semanas. Pese a ser irlandés, el álbum ha funcionado incluso peor en Reino Unido, donde el álbum solo alcanzaba el puesto 6 y un mes después abandonaba el top 100. ‘Almost (Sweet Music)’ tiene una presencia considerable en Spotify (60 millones de reproducciones), pero los casi 1000 millones de reproducciones del hit de su debut ‘Take Me to Church’ pesan demasiado, así como los 100 y los 200 millones de otros temas de ‘Hozier’ (2014)… ¿que quizá se editó hace demasiado tiempo? De momento no hay certificaciones para este nuevo álbum mientras el anterior sobrepasó el millón de unidades, y hay que preguntarse qué podría levantar su carrera si no lo ha hecho un temazo como ‘Nina Cried Power’.

Adiós a Chicho Ibáñez Serrador, el hombre detrás de ‘Quién puede matar a un niño’ y la Botilde

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Narciso «Chicho» Ibáñez Serrador ha muerto en Madrid a los 83 años, como informa RTVE, tras haber sido ingresado de urgencia este mismo viernes, y haber recibido el Goya de Honor hace tan solo unos meses.

Chicho será recordado por todos los que vieron algún tipo de televisión durante la década de los 80 por estar detrás del histórico ‘Un, dos, tres’, aquel concurso misteriosamente hipnótico que los espectadores veíamos los viernes por la noche y repetido los sábados por la mañana, y que dejó elementos tan vinculados a la cultura pop como la Botilde o las Tacañonas. Pero Chicho Ibáñez Serrador había sido antes cineasta, aunque gran parte del público no se molestara en averiguarlo. Gran seguidor de Hitchcock como se aprecia en su cinta ‘La residencia’ (1969), realizó también una serie a lo ‘La hora de…’, ‘Historias para no dormir’. Su gran obra maestra fue ‘¿Quién puede matar a un niño?’, uno de los mejores y más incómodos thrillers del cine español durante el siglo pasado. Desde entonces, muchos nunca volvimos a ver a los niños de igual manera.

Ibáñez Serrador había nacido en verdad en Montevideo (Uruguay) en 1935, llegando a nuestro país durante los años 50, trabajando en España como actor en la compañía de teatro de su madre. Después volvió a Argentina y finalmente se asentó en nuestro país en 1963 incorporándose a TVE.

Gang of Four sustituyen a Melvins en el Azkena Rock Festival

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Gang of Four se incorporan al Azkena Rock Festival tras la cancelación de Melvins. Un problema de salud de Dale Crover hace escasos dos días le impedirá realizar actuaciones y ha obligado a Melvins a cancelar la totalidad de su tour europeo.

En su lugar actuarán como decíamos Gang of Four, uno de los grupos más influyentes del post-punk, que además están de gira celebrando el 40 aniversario del seminal ‘Entertainment!’. Según la nota de prensa de Azkena, «Gang of Four regresan a Vitoria-Gasteiz para interpretar en el ARF el que será su primer concierto en Europa tocando íntegramente su legendario álbum ‘Entertainment!’, celebrando el 40 aniversario de su aparición en una ocasión más que histórica». Os recordamos que el festival se celebrará los próximos 21 y 22 de junio en Mendizabala, Vitoria-Gazteiz, y os dejamos con los horarios.

Viernes 21:
Plaza de la Virgen Blanca
13:30h TAMI NEILSON (Gratuito)

Mendizabala
17:00h Apertura de puertas

God
17:30 MICKY & THE BUZZ
19:15 THE LIVING END
21:45 STRAY CATS
00:40 THE B-52S

Respect
18:20 SURFBORT
20:35 DEADLAND RITUAL
23:20 BLACKBERRY SMOKE
02:00 GLASSJAW

Love
18:00 GIANTE
19:15 INGLORIOUS
20:45 LUCERO
23:15 TROPICAL FUCK STORM
02:00 THE HILLBILLY MOON EXPLOSION

Trashville- Trash a go-go!
19:00 DOLLAR BILL & HIS ONE MAN BAND
21:00 THE CHEATING HEARTS
23:00 LOS DUQUES DE MONTERREY
01:00 BLIND RAGE & VIOLENCE
02:30 DJ BOP HOP
04:30 CRISTINA SANDALIA

Trashville- Rat Hole
18:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
20:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
23:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
02:15 LAURA PREMINGER
04:15 DJ SEÑOR LOBO

Sábado 22

Plaza de la Virgen Blanca
13:30h DANNY & THE CHAMPIONS OF THE WORLD (Gratuito)

Mendizabala
17:00h Apertura de puertas

God
17:30 OUTGRAVITY
19:15 TESLA
21:45 WILCO
00:35 THE CULT ‘A SONIC TEMPLE’

Respect
18:20 MT. JOY
20:35 NEKO CASE
23:20 GANG OF FOUR
02:10 PHILIP H. ANSELMO & THE ILLEGALS

Love
18:00 GARBAYO
19:15 MEAT PUPPETS
20:45 CORROSION OF CONFORMITY
23:15 MORGAN
02:10 STARCRAWLER

Trashville- Trash a Go-Go!
19:00 THE COURETTES
21:00 DEADBEATZ
23:00 LOS TORONTOS
01:00 PUSSYCAT & THE DIRTY JOHNSONS
02:30 DEBORAH DEVOBOT
04:30 WOLF-A DJ

Trashville- Rat Hole
18:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
20:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
23:30 LUCHA EXTREMA MEXICANA
02:15 DJ ARBIS vs DJ GAUTXOS
04:15 HOLY CUERVO DJS

Honolulu / Honolulu

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Arranca a sonar ‘Weather Love’ y parece imposible que Honolulu, que para más inri son un dúo chico/chica –los hermanos Léa y Quentin Mével– de origen francés –como Victoria Legrand–, se libren de ser comparados con Beach House. Esto es a la vez una virtud –en tanto que define claramente a su público potencial– y una condena –las odiosas comparaciones, etcétera–. Pero al escuchar ‘Honolulu’, su disco debut, da la sensación de que a ellos no les importa un pimiento con quién se les compare, sino hacer las canciones más bonitas y evocadoras con las que puedan identificarse. Esa es su baza, y es ganadora.

Porque claro, las guitarras cristalinas de Alex Scally, los sintes lynchianos de Legrand y la voz rotunda y por momentos quebradiza de la misma Victoria –siempre es complicado medirse con ella, pero Léa es una solista muy digna– emergen en algunos momentos… como también lo hacen en otros ecos de Luna y Galaxie 500, The Fiery Furnaces (y no por ser otro grupo de hermanos) o incluso de Velvet Underground. Pero lo más destacable de Honolulu no es que hagan dream pop en ciertos cánones –de sonido limpio, no brumoso–, sino que lo hacen bien. Es decir, lo importante es que construyan un debut sólido a base de bonitas canciones capaces de encandilar a cualquiera.

Si ya eran seductoras ‘Sparrows’ y ‘Bats’, primeros adelantos del disco presentados hace meses, la confirmación de su agudeza para construir preciosas melodías y engalanarlas con un vestido musical misterioso y sugerente llega con nuevas piezas irresistibles como la terna ‘Boys In The Park’, ‘Not a Star’ y ‘Stop the Time’, un cogollo central rotundo. En torno a él gravitan cortes tan candorosos como ‘What It’s Like’ (de bonita línea vocal, con un punto soul) y ‘Weather Love’ u oscuros (también menos brillantes) como ‘Summer Danger’ o el ceñudo ‘Alfa’, conformando un buen conjunto que solo queda algo deslucido por una producción y una masterización algo básicas, que no sacan todo el partido que podrían al material.

Pero a veces, donde no llegan el presupuesto o la técnica, sí da con el romanticismo y la poesía, o la traslación de una buena historia personal: Honolulu es el resultado de la reunión de Léa y Quentin en Barcelona tras años separados (él continuó viviendo en su natal Rouen un largo tiempo mientras que ella se trasladó a la capital catalana) y probando suerte en distintas aventuras musicales. Con ‘Honolulu’ buscan su propia esencia, evocar la intimidad del dormitorio que compartieron de niños, como si abrieran una caja que contuviera los mejores tesoros cosechados durante su infancia y que, quizá, sean esos que vemos extendidos en la portada del disco. Una idea tan preciosa como muchos momentos musicales de su primer largo. Honolulu actúan mañana, 8 de junio, en la sala Heliogàbal de Barcelona, en el evento Denso d’Estiu. Luego, el 5 de julio estarán en Vida Festival, y el 15 del mismo mes en Festival Jardins Pedralbes, como teloneros de su compatriota LP.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Boys In The Park’, ‘Sparrows’, ‘Bats’, ‘Stop The Time’, ‘Not a Star’
Te gustará si te gusta: Beach House, Wye Oak, Luna, The Fiery Furnaces
Escúchalo: Spotify

Brian Wilson pospone sus conciertos de junio aludiendo a una «inseguridad mental» que padece

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Brian Wilson ha anunciado la postergación de su gira de junio por Estados Unidos aludiendo a una «inseguridad mental» que padece. El fundador de The Beach Boys, que sufre un trastorno esquizoafectivo, y cuyos problemas mentales son conocidos desde mediados de los años 60, llegando el propio Wilson a reconocer que sufre alucinaciones auditivas en forma de voces, ha publicado una honesta carta en su página web explicando la razón de la suspensión de esta gira y agradeciendo a sus fans el apoyo.

«No es ningún secreto que desde hace décadas vivo con una enfermedad mental», empieza la misiva de Wilson. «Ha habido veces en que ha sido insoportable pero gracias a los doctores y a los medicamentos he podido vivir una vida maravillosa, sana y productiva con el apoyo de mi familia, amigos y de mis fans. Todos ellos me han ayudado en este viaje. Como sabréis, en el último año me he sometido a tres operaciones de espalda. Las operaciones han sido exitosas y físicamente me siento más fuerte de lo que lo he hecho en mucho tiempo».

El texto continúa: «Sin embargo, después de mi última intervención, empecé a sentirme extraño y esto ha sido bastante aterrador durante un tiempo. No me he sentido como yo mismo. Mentalmente inseguro es como lo describiría. No estamos seguros de cuál es la causa pero lo que sí sé es que no seguir en la carretera no es bueno para mí, así que estoy de vuelta en Los Ángeles».

«Tenía toda la intención de hacer esto conciertos y estaba emocionado por volver a actuar», escribe Wilson. «He estado en el estudio grabando y ensayando con mi banda y me he estado sintiendo mejor. Pero entonces esta sensación se ha vuelto a adueñar de mí y he estado lidiando con cosas en mi cabeza y diciendo cosas que no quiero decir, y no sé por qué. Es algo que nunca me ha pasado y todavía no damos con la causa. Voy a descansar, recuperarme y trabajar en esto con mis doctores. Espero veros al final de año. La música y mis fans me dan la motivación que necesito para seguir adelante y sé que esto será algo que DE NUEVO voy a superar».

No es broma: se acerca ‘2099’ de Charli XCX y Troye Sivan; la primera publica de momento nuevo single con BTS

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El tabloide británico Metro publicaba hace unas semanas la exclusiva de que la boyband coreana BTS y la cantante británica Charli XCX habían colaborado en una nueva canción supuestamente llamada ‘Glow’. Se desconocía entonces cuál había sido el papel exacto de Charli en esta canción, pues además de firmar proyectos propios suele componer para otros artistas, por lo que su participación en ‘Glow’ podía ser meramente autoral… como la de Ed Sheeran en uno de los temas del último EP de BTS. Por otro lado, BTS vienen de triunfar con ‘Boy with Luv’ junto a Halsey, aunque la colaboración de esta se limitaba a cantar el estribillo en la versión de estudio de la canción (en el vídeo ni siquiera suena su voz o es a duras penas audible, aunque al menos la cantante sí aparece junto a la banda). En otras palabras, una colaboración entre BTS y Charli XCX podía ser desde un crédito de composición hasta unos coros pasando por un estribillo, nunca realmente un dueto. ¿Qué es ‘Glow’?

El tema acaba de llegar a las plataformas con el título de ‘Dream Glow’ y sí, es claramente un dueto de BTS y Charli, en el que ambos artistas se reparten de manera bastante justa el protagonismo. Aunque cabe mencionar un matiz, pues los únicos miembros de BTS presentes en la canción son Jin, Jimin y Jungkook. La canción tiene un ritmo trap, sintetizadores luminosos y una melodía memorable al instante, por lo que no extraña que BTS la hayan escogido para presentar la banda sonora de su nuevo videojuego para móviles, BTS World, que llega el 26 de junio.

‘Dream Glow’ es otra novedad de Charli XCX después de ‘Blame it On Your Love’, su single junto a Lizzo, y ‘Spicy’, su versión-chorra de ‘Wannabe’ de Spice Girls. Pero hay más, porque la artista está a punto de sacar tajada al éxito de ‘1999’, su single con Troye Sivan, publicando una nueva colaboración con el cantante australiano que será claramente una segunda parte de esta canción. Se titula, atención, ‘2099’. ¿Qué puede salir de esto? Pues un tema atiborrado de autotune que Charli y Troye ya han presentado durante un concierto en Go West Fest -un festival creados por ellos mismos con motivo del Orgullo en Los Ángeles-, confirmando su título tan pronto ha aparecido en el setlist.


MUNA anuncian nuevo disco de portada ultra 90s y presentan el vídeo de ‘Number One Fan’

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MUNA vuelven. El grupo estadounidense de synth-pop formado por Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson, que despuntara allá por 2017 con su single ‘I Know a Place’ y después con su debut oficial ‘About U‘, en una línea próxima a Haim y sobre todo a Carly Rae Jepsen y similares proyectos de pop ochentero tipo Fickle Friends o Ralph, tiene un nuevo disco preparado para el 6 de septiembre llamado ‘Saves the World’, de portada ultra noventera y «cool».

El primer avance de ‘Saves the World’ es un tema rítmico de título muy pop, ‘Number One Fan’. Es un retrato de la inseguridad juvenil con giro inesperado (o no tanto). La primera estrofa nos habla desde el tedio más absoluto: «he escuchado las malas noticias: nadie me quiere y voy a morir sola en mi habitación, mirando a desconocidos a través de mi teléfono», dejando una sentencia de muerte tamaño «he nacido para perder». Sin embargo, la narradora se mira entonces en el espejo y su actitud cambia en la segunda estrofa: «he escuchado las malas noticias: voy a por todas y más fuerte que nunca, tengo nuevo pelo y zapatos nuevos, consigo lo que quiero porque hago lo que quiero».

‘Number One Fan’ es por tanto un tema que MUNA se dedican a sí mismas y que está llamado a empoderar a sus fans. El mensaje está claro: no hay nada mejor que ser «fan número uno» de uno mismo. El videoclip para el tema juega con el sentido de la letra mostrándonos a Katie siendo perseguida por las varias personas que desearía ser. Aunque lo más destacable sea quizá su estética de peli indie de finales de los 90 o principios de los 2000, un poquito ‘Ghost World’.

Liam Gallagher se siente «libre» en ‘Shockwave’, el primer single de su próximo álbum

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Liam Gallagher firma uno de los lanzamientos destacados de hoy viernes 7 de junio. ‘Shockwave’ llega poco menos de dos años después de ‘As You Were‘, el último álbum en solitario de Gallagher hasta la fecha, y es el primer single oficial extraído de su próximo disco de título tan propio de él como siempre, ‘Why Me? Why Not?’.

De momento no se ha concretado la fecha de lanzamiento de ‘Why Me? Why Not?’, pero lo que confirma ‘Shockwave’ es que el disco mantendrá el sonido de rock añejo y épico que tanto gusta al ex componente de Oasis. De hecho, Gallagher ha reconocido explícitamente a NME que su nuevo trabajo será una «continuación» del anterior, usando una analogía con Oasis: «si escuchas ‘Definitely Maybe’ y ‘‘What’s The Story (Morning Glory)?’, un disco es más punk y el otro es más épico, ¿entiendes lo que quiero decir? Eso es progresión. Es alguien en la cima de su arte. A la gente no le va a decepcionar. Creo que la gente va a flipar con el disco».

En este sonido, ‘Shockwave’ hace uso de una letra que clama a la «libertad» después de un periodo de oscuridad, y que parece dirigirse a un enemigo de manera desafiante: «recoges lo que siembras, traicionaste a todos tus amigos, así que no te atrevas a mirar hacia otro lado, para hacerte llorar no tengo que hacerte nada, porque ya viene hacia ti desde el cielo estrellado». Por si no fuera suficiente humillación, Liam añade: «eres una serpiente, una comadreja, un guijarro en el mar». Gallagher presentará este y otros temas el mes que viene en Bilbao BBK Live y en Festival de Cap Roig.