Kesha es este mes portada de Billboard y la razón es que tiene un nuevo disco listo para publicar. La cantante no revela demasiados detalles sobre el sucesor de ‘Rainbow‘ pero sí concreta su fecha de lanzamiento en el mes de diciembre, lo cual ya es mucho antes de lo que esperábamos, pues quedan tres meses.
Escrito mayormente junto a Wrabel (al que has escuchado este año en una de las mejores canciones del último disco de P!nk) y con las colaboraciones de Justin Tranter, Tayla Parx, Nate Ruess, Dan Reynolds de Imagine Dragons y de su propia madre, Pebe, que es compositora, y con producción de Jeff Bhasker y Ryan Lewis, el cuarto álbum de Kesha, lo has adivinado, no será country. En declaraciones al medio norteamericano, la autora de ‘Tik Tok’ confirma que su nuevo trabajo será pop como los dos primeros, pues aunque estos están asociados a su nemesis, Dr. Luke, ella también considera esas canciones «sus bebés». Y ojo porque Keith Naftaly, presidente de RCA, asegura a Billboard que Kesha también tiene un «maravilloso álbum de folk» guardado en la recámara, pero que el de pop saldrá primero.
En Instagram, Kesha ha publicado una nueva imagen que tiene pinta de pertenecer al vídeo del primer single de este nuevo disco. Y ha dado una pista: «vuelvo a tener huevos». En las últimas horas, porciones de un par de temas nuevos de Kesha llamados ‘Raising Hell’ y ‘My Own Dance’ se han filtrado en Twitter como puede leerse en varios foros, y parece que el primer single del disco será el primero. ‘Raising Hell’ saldría este mismo mes de octubre y según algunos foreros suena parecida a ‘New Rules’ de Dua Lipa o incluso a ‘Mr. Saxobeat’ de Alexandra Stan. Parece que será una colaboración con Big Freedia, que acaba de participar en el nuevo disco de Charli XCX. Todo apunta a que la Kesha más bailable y divertida está de vuelta.
Al margen de Queens of the Stone Age y otros proyectos, Josh Homme es el líder de The Desert Sessions, un colectivo de músicos (cambiante) con el que llegó a lanzar una decena de álbumes entre 1997 y 2003. En todo este tiempo no ha habido novedades de The Desert Sessions… hasta ahora.
El nuevo álbum de The Desert Sessions, ‘Vol. 11 & 12’, llega el 25 de octubre y con él, una formación nueva compuesta, además de por Homme, por Billy Gibbons de ZZ Top, Stella Mozgawa de Warpaint, Jake Shears de Scissor Sisters, Mike Kerr de Royal Blood, Carla Azar de Autolux, Les Claypool de Primus, Matt Sweeney, Matt Berry de What We Do in the Shadows y Toast of London, Libby Grace y Töôrnst Hülpft. El primer volumen de este nuevo trabajo recibe el título de ‘Arrivederci Despair’ y el segundo, el de ‘Tightwads & Nitwits & Critics & Heels’ y ojo porque una primera edición limitada en vinilo incluirá un libreto móvil con el que se podrán armar diferentes personajes.
Serán 8 canciones en total que, en palabras de la nota de prensa, «encarnan el legado de libertad sin expectativas ni inhibiciones que se remonta a 1997 cuando Homme dirigió un primer retiro al desierto de Joshua Tree». Continúa: «Lo que comenzó como una sesión informal de composición y grabación entre amigos, aislados del confort y las distracciones diarias, se ha convertido en un trabajo posiblemente infinito». Entre los antiguos colaboradores de The Desert Sessions se encuentran PJ Harvey, Mark Lanegan, Josh Freese o Dean Ween, entre otros.
Move Together (lead vocal: Billy F. Gibbons)
Noses in Roses, Forever (lead vocal: Joshua Homme)
Far East for the Trees
If You Run (lead vocal: Libby Grace)
Crucifire (lead vocal: Mike Kerr)
Chic Tweetz (vocals: Töôrnst Hülpft, Matt Berry)
Something You Can’t See (lead vocal: Jake Shears)
Easier Said Than Done (lead vocal: Joshua Homme)
La sala Razzmatazz tiene una interesante agenda de eventos este fin de semana, entre los cuales destaca la anunciada actuación de James Murphy de LCD Soundsystem. El sábado 28 de septiembre, el músico neoyorquino ofrecerá en la sala barcelonesa un DJ set de cinco horas nada más y nada menos, durante las cuales «repasará la historia de la música de baile y no tan de baile», en palabra de la propia sala.
Las entradas para el DJ set de Murphy están a la venta a un precio de 20 euros + gastos si es adquirida de manera anticipada, y de 22 euros si es adquirida en taquilla. Las entradas incluyen en cualquier caso consumición accediendo antes de las 21.00. Las puertas abren a las 20.00.
Murphy, al frente de unos LCD Soundsystem que en 2018 ofrecieron probablemente uno de los mejores directos de toda la historia del Sónar, no ha ideado un set cualquiera. En palabras de Razzmatazz, este contará con «una disposición especial de altavoces dispuestos en 10 puntos distintos de la pista», por lo que parece que la experiencia musical que ofrecerá su sesión va a ser de las memorables. Más información sobre este evento, que se produce dentro de las sesiones «Journeys» de Razzmatazz, aquí.
Sábado 28, Journeys: JAMES MURPHY (5 hour dj set) en Razz 1!!
Un viaje a través de la historia de la música de baile (y no tan de baile)!
‘Masterchef Celebrity’, aparte de como mero entretenimiento, en principio su función durante 3 horazas, está sirviendo para que veamos con otros ojos a los famosos. A los que ya conocíamos, quiero decir. Muy especialmente a los actores: tanto Cayetana Guillén-Cuervo como Miguel Ángel Muñoz, Silvia Abril o Paz Vega mejoraban su imagen gracias a su sentido del humor y su humanidad, no reñido con la competitividad. Por no hablar de la función cómica que tenían por supuesto Loles León y Las Retales (Bibiana Fernández y Anabel Alonso), a la postre con programa propio en late-late-late night.
Los cantantes no han corrido la misma suerte: ya nadie recuerda que por el programa pasó Niña Pastori (gracias, Wikipedia), Carlos Baute no logró ni remotamente generar empatía y Xuso Jones… también es que fue el segundo expulsado. A Mario Vaquerizo le fue mucho mejor, pero su final en el programa coincidió exactamente con sus polémicas declaraciones sobre el VIH. Aquello no trascendió demasiado, pero quizá sí para la gente que de hecho sabe que es cantante. A la espera de qué pasaría si se atrevieran a llamar a alguien tipo Zahara -que ya tuvo un cameo- o PUTOCHINOMARICÓN (gente muchísimo más desconocida e insulsa compite como «celebrity», como sabemos), este año han apostado por El Sevilla de Mojinos Escozíos y Los Chunguitos.
Mientras el paso de Los Chunguitos está produciendo momentos más que nada desconcertantes todavía imposibles de clasificar, El Sevilla no ha conseguido romper la maldición de los cantantes en el programa, y ha sido expulsado en el tercer episodio. Y lo ha hecho de una manera agridulce después de hilvanar un par de cruzadas de cable que no han logrado mejorar su imagen en absoluto. Si alguien presuponía que el sentido del humor de su grupo iría unido a cierto sentido de la autocrítica, en la primera prueba de anoche se comprobó que no: su cara fue un poema, y su reacción posterior, peor, cuando recibió una crítica negativa. En la prueba de grupos ya directamente repartió terror entre los niños cuando lo único que tenía que repartirles era un plato de pescado.
Quedó demostrado que los nervios pueden sacar lo peor de nosotros mismos: el cantante rectificó a tiempo y 5 minutos después estaba pidiendo disculpas a jueces, compañeros y más allá, aunque demasiado tarde. Su día estaba cruzado y decidió enfrentarse a una prueba de eliminación de una manera que Pepe no habría escogido ni «después de 30 años de profesión»: cocinando un arroz. «Es lo que más miedo me da», reconoció el poseedor de una Estrella Michelín en El Bohío de Illescas, sabiendo que o se le iba a pasar o lo iba a dejar como una piedra, como poco antes la genial Yolanda Ramos. Al final sucedió lo primero, y aun así, tuvo ocasión de dejar un momento simpático cuando al despedirse indicó que lo mejor del programa había sido conocer a Tamara Falcó, rompiendo una lanza «contra los prejuicios», pronunciada de manera visible totalmente en serio. ¿Y quién habría adivinado que el líder de Mojinos Escozíos hablaría así de la hija de Isabel Preysler?
La maravillosa ‘Esa música’ –precioso homenaje al pop como gatillo emocional– que empleaba Parade para abrir boca a ‘La deriva sentimental’, su nuevo disco de estudio, era un poco engañosa. Porque por entonces creíamos que la colaboración en ella de Jaime Cristóbal (de Souvenir y J’aime, amén de colaborador frecuente de nuestra web) a la guitarra era una cuestión puntual. Y es más bien al contrario: lo extraño en este disco es escuchar la bonita y característica voz de Antonio Galvañ, relegada sobre todo a hacer coros, con algún amago de dueto.
Y al principio se hace extraño escuchar un disco completo y original de Parade sin la voz de Parade, la verdad. Se echa de menos –de hecho, molaría poder escuchar todo este álbum cantado por Galvañ: reto lanzado–. Y confunde, porque queda como una suerte de autohomenaje –merecidísimo, pero quizá de otra forma–, en tanto que congrega en él a artistas que, evidentemente, deben mucho y/o rinden pleitesía al genio murciano: Kikí d’Akí, Teresa Iturrioz (Single, Le Mans), Marc y Laura de Doble Pletina, Lidia Damunt, Alondra Bentley, Charlie Mysterio, Las Kasettes –las únicas que hacen coros, en la bodiddley-esca ‘Por un Sol Si Do Re Fa’–, Alberto Montero, Teresa de Espanto, Guillermo Farré (Wild Honey) y Paco Tamarit (San Francisco, Serpentina) cubren el papel de Galvañ en cada corte.
Pero, superado el susto (es un decir) inicial, lo que emerge y cobra más importancia de ‘La deriva sentimental’ son, como siempre, las canciones. Todas –salvo ‘Josephine’, el tema con Alondra Bentley, ya que es una maximalista versión de The Magnetic Fields– llevan grabado el indeleble sello del compositor de Yecla, aunque estén cantadas por otros. Y casi todas –‘Camino’, el tema con Kikí, y ‘Yo me enteré’, con los Doble Pletina, quedan en anécdota; felices, pero anécdotas– acaban enamorando, independientemente de las voces que las entonen.
Desde luego, ‘Letras, canciones, literatura’ –con Teresa haciendo maravillas con el tragicómico papel de una “femme fatale” (y bisexual), incapaz de enamorarse–, ‘Ruido de motor’ –otro canto de amor a la música, esta vez con el siempre elegante Charlie Mysterio–, ’Contigo en un incendio’ –sobrecogedora balada al piano, con un Alberto Montero que emociona–, y ‘Cayendo hacia el sol’ –nuevo episodio en la recurrente imaginería ci-fi habitual en el universo Parade, esta vez en un delicado ejercicio de tecnopop en la voz de Tamarit– vertebran ya un sólido esqueleto para el álbum. Y, con las escuchas, todas –también ‘Yoli Pendenciera’, divertidísimo encuentro con Damunt donde esbozan a una Calamity Jane post-nuclear, la vainiquera ‘Manzanas para dos’, con Teresa Jimeno, y el gran medio tiempo con Farré, ‘Películas’– van ganándose no solo un espacio propio en un cancionero poblado ya de maravillas, sino también nuestro cariño. Así que resulta un placer sumarse a este necesario homenaje coral del pop independiente español a Antonio Galvañ, Parade, y celebrarlo. ¡Viva Parade!
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Esa música’, ‘Letras, canciones, literatura’, ‘Contigo en un incendio’, ‘Cayendo hacia el sol’, ‘Ruido de motor’ Te gustará si te gustan: The Magnetic Fields, La Casa Azul, cualquiera de los artistas que participan en el disco. Escúchalo:Spotify, Bandcamp
“Si veo a viejos amigos, saldremos a bailar. Si salimos a bailar iremos al bar. Si vamos al bar, habrá bebida. Si bebo, querré ver dónde estás”. “Si salgo a conducir, pondré música. Si pongo música, pondré tu canción. Si pongo tu canción, perderé la cabeza y terminaré parando en la puerta de tu césped”. A partir de esta serie de frases en condicional, MUNA han construido la mejor canción de su segundo disco, ‘Saves the World‘.
Sobre todo porque entre todas estas estimaciones y dudas que tanta empatía pueden generar, emerge un estribillo lleno de voces tratadas, que apuntan quizá más al vicio por los 80 de Hurts que a algo moderno a lo James Blake. Pero el caso es que ese estribillo es tan sólido que da igual todo aquello que lo rodeara porque habría despuntado igual. En correspondencia con su letra, ‘Stayaway’ cuenta con un vídeo en el que un par de escenas desplegadas en “rewind” cuestionan también nuestro pasado y la dependencia de él que tiene nuestro futuro.
El “to be continued” que aparece al final se refiere al siguiente vídeo de la banda, ‘Taken’, estrenado recientemente en la misma línea sonora ochentera. El grupo comienza aquí en el escenario en que acabó el anterior. MUNA están todo este otoño de gira por Estados Unidos y Europa sin parada en nuestro país.
Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»
El pasado mes de julio Joshua Davis, más conocido por su alias DJ Shadow, sorprendía al lanzar ‘Rocket Fuel‘, un vigoroso y bailable single co-protagonizado por el histórico combo rap De La Soul. Por fin hoy se confirma que aquel tema forma parte de un nuevo álbum, continuación de su disco ‘The Mountain Will Fall‘. Se trata de ‘Our Pathetic Age’, que se publica el día 25 de noviembre y además será un disco doble en el que los raperos neoyorquinos no son, ni de lejos, los únicos invitados.
Según el tracklist revelado, se compone de un disco eminentemente instrumental –al que pertenece ‘Rosie’, nuevo adelanto presentado hoy– y un segundo volumen en el que participan en tareas vocales nombre como Run The Jewels –que ya colaboraron en su anterior disco–, Wu-Tang Clan–, Pharaohe Monch, Fantastic Negrito, Samuel T. Herring de Future Islands y Paul Banks de Interpol, entre otros. El autor de uno de los discos cruciales de los años 90, ‘Endtroducing’, explica que ‘Our Pathetic Age’ es un disco conceptual en el que quiere reflejar el pobre estado ético y social de nuestros días, como explica profusamente en su nota de prensa:
“Sobre todo intento captar el estado de ánimo de la sociedad en general. Las señales sutiles que los humanos se envían los unos a los otros, la manera en la que la gente se comporta, sus frustraciones y sus flujos y reflujos. En mi parte del mundo, la gente tiene miedo. Hay un número creciente de gente sin hogar, y un miedo real a caer en una pobreza generacional. La gente es adicta a la distracción y está confundida por ella, están enfadados y confusos; y desafectados por sus propias instituciones gubernamentales. Hay canciones que están inspiradas por esta energía e intentan aprovecharse de ella, que cobre un sentido. En algunos casos, hay intentos de salvar la herida, en otros, las canciones son meras observadoras, pero no ofrecen soluciones. A pesar del título, es un disco esperanzado y vibrante… siempre hay luz en la oscuridad. Quiero que refleje los tiempos en los que vivimos, que sea un letrero clavado en el suelo que marque la era… nuestra patética era”.
Tracklist de ‘Our Pathetic Age’:
1. Nature Always Wins
2. Slingblade
3. Intersectionality
4. Beauty, Power, Motion, Life, Work, Chaos, Law
5. Juggernaut
6. Firestorm
7. Weightless
8. Rosie
9. If I Died Today
10. My Lonely Room
11. We Are Always Alone
12. Drone Warfare (feat. Nas, Pharaohe Monch)
13. Rain On Snow (feat. Inspectah Deck, Ghostface Killah, Raekwon)
14. Rocket Fuel (feat. De La Soul)
15. C.O.N.F.O.R.M. (feat. Gift of Gab, Lateef The Truth Speaker, Infamous Taz)
16. Small Colleges (Stay With Me) (feat. Wiki, Paul Banks)
17. JoJo’s Words (feat. Stro)
18. Kings & Queens (feat. Run the Jewels)
19. Taxin’ (feat. Dave East)
20. Dark Side of the Heart (feat. Fantastic Negrito, Jumbo is Dr.ama)
21. I Am Not A Robot (Interlude)
22. Urgent, Important, Please Read (feat. Rockwell Knuckles, Tef Poe, Daemon)
23. Our Pathetic Age (feat. Samuel T. Herring)
Hace unos días, cuando publicábamos nuestro último homenaje a Camilo Sesto al que se prestaban generósamente numerosos artistas, avanzábamos que uno de ellos, Javier Corcobado, estaba a punto de publicar un nuevo álbum. Intromúsica Discos, sello de la promotora de conciertos en el que militan nombres como Surfin’ Bichos, Dorian, Fernando Alfaro, Rusos Blancos, Tulsa, Tórtel o El Hijo, dará cobijo al primer disco del poeta-crooner-músico desde que publicara en 2016 ‘Mujer y victoria’. Será el 20º trabajo de una carrera desarrollada sobre todo en el underground español, con grupos seminales como Mar Otra Vez, Demonios Tus Ojos o, más tarde, liderando a los Chatarreros de Sangre y Cielo.
Se titula ‘Somos demasiados’, y en él Corcobado se ha hecho acompañar por un elenco de músicos españoles y mexicanos entre los que se cuentan Nacho Colis, Jaime Yakaman, Oskar Aparicio y Mikel Caballero, con la coproducción del maestro Gonzalo Lasheras (Aute, Jorge Drexler, Iván Ferreiro, Miguel Ríos, Luz Casal). Hoy en JENESAISPOP tenemos el privilegio de estrenar el vídeo oficial de su primer adelanto, el que además pone título al álbum. Un vídeo que ha sido dirigido por Khuruts Begoña, significativamente filmado en el interior del bunker de Gernika. Allí vemos a Javier interpretando esta canción de corte industrial rodeado de dos mujeres gestantes.
Un símbolo crucial para una canción en el que Corcobado advierte sobre la superpoblación del mundo, como su título, repetido a modo de gancho. Pero, de paso, su letra provocadora –especialmente poderoso es ese verso que dice «no somos normales, pero somos reales / los poetas, los poetas, los homosexuales, / los transexuales, los bipolares, / los niños peculiares, los nacidos rebeldes, bondadosos criminales»– sirve para repasar los males del mundo contemporáneo: «Fútbol y sexo podrido, violencia en las casas, violencia en las calles / (…) Humanos gritando en festivales y estadios, se sienten uno y se creen más fuertes, son la masa peligrosa y estridente / (…) Independentismo, globalización, / todos confundidos en esta contradicción, / fiestas salvajes, religión y paidofilia, / avaricia y corrupción». Así explica el propio autor el mensaje que lanza en ‘Somos demasiados’, desvelando además los curiosos referentes de su vídeo:
«“La capacidad de crecimiento de la población es infinitamente mayor que la capacidad de la Tierra para producir alimentos para el hombre”
Thomas Robert Malthus (1766-1834)
Cuando le puse la demo de ‘Somos demasiados’ a Khuruts Begoña, realizador del videoclip homónimo, una vez asumió la letra como una descripción de esta sociedad distópica en la que sobrevivimos, me habló de Malthus, un economista británico del siglo XVIII, por quien inmediatamente me interesé, dado que la canción, evidentemente, versa sobre la sobredosis demográfica que enferma al planeta Tierra, de la cual los políticos no dicen nada y menos los presidentes de las descomunales corporaciones. Hay artistas y escritores, como Mark Stewart o Ian McEwan, que sí tratan el tema en sus obras y quiero pensar que una creciente cantidad de seres humanos sensatos también están tomando conciencia al respecto, como yo lo hice hace ya mucho tiempo.
Mi intención al componer la canción era, mediante versos cercanos al eufemístico lenguaje periodístico, retratar, como un presentador de telediario que se hubiera salido de manera rebelde del guion, hacer una crónica poética de lo que acontece (o se nos cuenta en los medios de comunicación que acontece). Aparte de reiterar la afirmación de que «Somos demasiados» y de reflejar las perversiones en boga y las nuevas guerras cotidianas: hombres contra mujeres y viceversa, etcétera; necesitaba exponer una defensa en cuanto a los seres humanos peculiares que, asombrosamente, a estas alturas del siglo XXI siguen siendo marginados, menospreciados, dañados e incluso eliminados por los efectos de esta ideología ultra conservadora que parece cernirse sobre nosotros de nuevo. Paradójicamente, estas doctrinas tradicionalistas abogan engañosamente por que nazcan más criaturas sin orden, regulación ni concierto, a la vez que abominan del aborto, la homosexualidad y de las nuevas estructuras
familiares y favorecen cada vez más guerras. Así que lo mejor es danzar ante una previsión apocalíptica con diversión, y que mejor para ello que utilizar patrones de música Disco, Hip Hop, No Wave y otros menos explorados. En fin, quería hacer una canción de amor, de baile frenético y desahogo.
Khuruts me pidió alguna referencia para afrontar el videoclip. Le di dos: un vídeo de ‘First We Take Manhattan’ de Leonard Cohen en la televisión alemana [Nde: suponemos que esta], y ‘Simply Irresistible‘ de Robert Palmer… O sea, un playback de crooner con gogós. Khuruts sugirió que, dada la temática de la canción, las bailarinas tendrían que estar embarazadas y que el rodaje se llevaría a cabo en un búnker de verdad, en Gernika. Las interpretaciones quedan abiertas a la libertad de pensamiento de cada espectador.
Javier Corcobado»
Además de publicar en las próximas semanas ‘Somos demasiados’, Intromúsica confirma que también está a punto de ver la luz aquel proyecto llamado ‘Canción de amor de un día’, en el que invitados como Vetusta Morla, Manuel Alejandro, Fino Oyonarte, Julio de la Rosa, Cristina Lliso, Atom Rhumba, Cathy Claret, Suso Saiz o Aviador Dro crearían una canción de 24 horas de duración. Vamos reservando fecha para escucharla.
La Bien Querida publica este viernes 27 de septiembre el sexto disco de su carrera, sin perder encanto. En este caso nunca mejor dicho, pues el álbum recibe el nombre de ‘Brujería’ y se envuelve en un halo de misterio marcado por su misma intro, que incluye un par de frases en latín. Concebido como un disco-hechizo y con un diseño muy cuidado que la propia Ana Fernández-Villaverde nos explica, el álbum supondrá un nuevo éxito para la cantante, que ha agotado las entradas para su concierto en Joy Eslava (Madrid) sin que el público, siquiera, haya escuchado el álbum. Foto: Alfredo Arias.
Este es el primer disco que produces con alguien diferente en mucho tiempo, René de Axolotes Mexicanos. Cuéntame en qué podemos notarlo. Por ejemplo, ‘Me envenenas’ parece algo que podías haber hecho con David (Rodríguez).
No sé. Mi sello son mis canciones, mi voz. Y a René tampoco le he dicho: «haz lo que te dé la gana», hemos trabajado juntos y se ha adaptado a mis gustos. Se nota en que él usa sonidos que David no utilizaba. Por ejemplo él está más suelto en ‘La verdad’, que es la primera que hizo, en ese rollo cinematográfico.
Me he apuntado algunos detalles del disco para preguntarte, como las campanas de ‘Te quiero’…
Eso es que le dije: «me gustan unas campanas de una canción de Lana del Rey, ¿me las puedes poner?» (risas) Soy muy fan. Me encanta, me gustan todas sus canciones. ¿Qué te ha parecido el nuevo? ¿Alguna favorita? ¿Te gustan todas, también?
El nuevo no lo he podido escuchar mucho. Hasta que no salga este disco no me puedo relajar, estoy haciendo mogollón de entrevistas… no estoy tranquila.
¿Cómo crees que verás este disco dentro de 10 años? ¿Qué crees que representará en tu carrera?
Dentro de 10 años te lo digo, Sebas. Necesitamos espacio para ver lo que acabamos de hacer. Todavía no tengo la distancia suficiente. Sí está el concepto que le he dado, el rollo esotérico que lo envuelve, como mágico. En cuanto a sonido hemos querido que suene misterioso, mágico, cinematográfico…
¿Cuál fue la piedra angular de todo ese concepto?
Un montón de cosas que fui encajando como un puzzle. Un amigo me recomendó que leyera ‘Ángeles fósiles’ de Alan Moore, y este libro dice que la magia es un arte, que el arte es magia, que escribir es un acto de invocación, de transformación, de alquimia… Esto me llevó a pensar en las canciones como microhechizos. Y no solo las canciones, sino las palabras. Por eso a veces decimos «cuidado con lo que deseas». Hay que pensar en positivo. Estamos todo el rato lanzando hechizos al universo. Por eso se me ocurrió el concepto de disco-hechizo y puse una intro que está inspirada en Broadcast, en la banda sonora de ‘Berberian Sound Studio‘.
En la intro cantas en latín, ¿lo estudiaste en el instituto?
No, se lo pedí a Carlos Ynduráin. Lo hizo un amigo. Me inventé ese pequeño ensalmo y me lo tradujeron.
Cuando pusiste en Instagram, hace muchísimo, que tenías 10 canciones, suficientes para un disco según tú misma, ¿ya tenías este concepto?
Vino después, encajando una cosa con otra. Como soy muy fan de los libros de La Felguera, me pregunté quién hacía las portadas y contacté con Mario Rivière. Le dije que quería hacer un disco conceptual, esotérico. A Mario le encanta todo esto, quedé con él en mi casa y me puse a trabajar con él. La foto me la hizo Pablo Zamora. Es una portada que me gusta desde hace 10 años, de Lou Donaldson, del disco ‘Midnight Creeper’. Ya me gustaba para ‘Romancero’, pero la hicimos en plan chapuza. Luis (Calvo), que es supercreativo, quería meter un conejo en vez de un gato, pero no nos quedó bien. Y para este disco ya me encajaba todo, y era el momento. A Mario (Rivière) le dije que quería que al abrir el disco apareciera un altar, y que pudieras ver los hechizos. Está El Mago Cuentista, pero con mi cara, y el libro de hechizos con el hechizo protector… Mario se inventó un dibujo para cada canción. El disco también es superchuli con los gatos…
¿Esas canciones que tenías ya hablaban de esto?
‘La fuerza’ habla del hechizo, ya tenía todo flotando en mi cabeza…
Que dices que es la única castiza.
Porque el rasgueo de guitarra es muy ‘De momento abril’. Y a René se le ocurrió poner las palmas al final.
Fíjate que las palmas pensé que eran cosa tuya… Eso es que estabais bien integrados.
Bueno, integrados… René hace lo que le da la gana. Es supermajo pero hay que estar detrás de él, escribiéndole, llamándole.
He leído la entrevista que te ha hecho Tomás Crespo…
Es muy guay, no la he leído, pero estaba tan a gusto que al final me puse a llorar, hubo una superconexión y acabé llorando.
He leído lo de tu padre, que te llevaba a sesiones de espiritismo los domingos cuando tus padres se divorciaron.
Primero le dio como que era un mago, venía a casa mucha gente los domingos y hacían telequinesia, imposición de manos… Luego se hizo amigo de una medium, hacían la ouija, y a mí me dejaban en una habitación con los hijos de otra gente hasta que acababan las sesiones.
¿Y tú no participabas de las sesiones? Porque esto estaba bastante normalizado en los 80. Vendían ouijas en los supermercados, en mi casa teníamos.
No, de muy pequeña no.
¿Lo vivías con escepticismo, humor, normalidad, miedo…?
Normalidad.
¿Pero hoy en día crees en esas cosas?
Yo no. Hoy en día no creo. Me hace gracia, por la cosa esta pop de nuestra infancia.
Pero si hacían telequinesia, las cosas se moverían, desde luego la ouija sí, tendrás tu teoría…
No lo sé, no lo recuerdo. Se concentraban para mover cosas, para cosas de curación. Si lo hacían tanto, algo moverían pero yo qué sé cómo…
«Me meto tanto en el proceso de composición que no sé distinguir lo que me ha pasado de lo que no. Se me va un poco la olla con las canciones»
Este disco es de amor y desamor a tope, pero todos los tuyos lo son. No sé si este lo ves como más incluso de amor, desamor o ruptura.
Igual sí, pero no lo sé, no lo vivo muy diferente a otros… Sí, supongo que sí, claro. Le decía a otro periodista que me meto tanto en el proceso de composición que no sé distinguir lo que me ha pasado de lo que no. Se me va un poco la olla con las canciones.
También sueles decir que escribes en el momento más agrio, más intenso, más vehemente…
Más que eso es que me meto en una burbuja, estoy metida en la composición, lo sufro mucho y me meto dentro de la canción.
Sin entrar en algo demasiado privado, háblame de tus límites con la autoficción. Cuando dices algo tan concreto como «el jueves que te conocí», ¿eso puede ser ficción?
Pues a veces es real, y a veces es ficticio…
Has referenciado a Manuel Alejandro, pero no sé si con todos los «Te quiero» que hay en ‘Te quiero’, ahí estabas pensando más bien en Nino Bravo.
No me he fijado, pero me encaja ahora que me lo estás diciendo.
El uso que haces de la expresión es dramático y el disco acaba en «Te amo, te amo, te amo…»
Sí, sí, sí…
¿Qué más letristas te han inspirado?
Manuel Alejandro, José Alfredo Jiménez, Paquita la del Barrio… Lana del Rey, lo digo siempre. Me encanta. Ella lleva muy a la tierra todas las letras, da muchas explicaciones, le copio un montón, lo que pasa es que yo tengo mi estilo. Me inspira. Y para este disco Cigarettes After Sex. Les he copiado a mi manera porque me sé todas las canciones. Hablan mucho de piel, de contacto…
¿Crees que la gente habría pillado la referencia a Lana del Rey en tu música si no la mencionaras?
No.
Por eso igual lo dices todo el rato…
Porque no la fusilo…
Pero sí a New Order…
Lo de New Order es que me divierte. Voy a ellos siempre que tengo una letra pop, como la de ‘¿Qué?’. Estoy con la guitarra y veo que va a quedar bien. O en plan The Cure. Me pongo a New Order y se me ocurre otra. Pero por ejemplo ‘Miedo’ es Lana del Rey, la melodía tiene los mismos acordes que una canción suya.
¿Crees que el single ‘Qué’ es representativo de lo que encontramos en el disco?
Lo sé, lo sé, no es representativa… Lo sé, no quería sacarla la primera, pero viendo los vídeos que teníamos, era lo mejor. El de ‘Me envenenas’ me lo ha hecho Carlos Vermut, y me encanta, pero el vídeo es muy de autor y un poquito oscuro, y para hacerlo el primero… pues tampoco me quiero enterrar en vida (risas).
Te lo digo porque tus primeros singles siempre han sido una sorpresa, un cambio de estilo, en ese sentido estoy un poco decepcionado respecto a ‘7 días juntos’ que fue un shock.
Siempre he querido hacer eso, lo he intentado hacer cuando saqué ‘Arenas movedizas’, pero luego ‘A veces ni eso’ era la que más funcionó. En este caso pasaron factores…
Estabas más en el concepto del disco.
Supongo, sí.
¿Cómo ha sido trabajar con Diego de Carolina Durante?
Muy guay.
Tú has escrito también su parte, pero supongo que cuando quisiste meter a C. Tangana en ‘7 días juntos’ buscabas que él escribiera su propia parte…
Sí, eso sí. Pero a Diego le pasé la canción cantada por mí. Me dijo: «es un hitazo, tía, de verdad, me encanta». Quedamos y estaba supernervioso. Me decía: «estoy supernervioso».
¿Qué te parece el éxito de Carolina Durante cuando parecía que la gente joven sólo escuchaba trap?
Me encanta, me hace ilusión que haya gente joven que le guste y que sean jóvenes de verdad, porque los indies eran de treinta y muchos para arriba.
¿A ti te gusta todo por igual?
A mí me gusta todo, yo escucho todo.
¿Y esto ha sido así desde siempre?
Cuando era más joven, era más talibán. Era más indie, y lo que sonaba mainstream me daba repelús. Ahora escucho de todo: Rosalía, Shakira… A Shakira le he copiado una cosa. En ‘¿Qué?’, hay un «qué», que eso se lo he copiado…
Ya sé, la canción con Maluma.
Eso es un temazo.
Tardé como dos meses en darme cuenta de lo buenísima que era, pero sí.
Esa canción también me inspiró ya para «7 días».
«Me lo he montado bien, pero no es una estrategia»
¿Crees que tu público ha evolucionado contigo desde los tiempos de «la maqueta era mejor»? ¿Notas que tu público es nuevo?
Tengo mucho público nuevo. Anteayer toqué en el Reina Sofía, había una cola enorme, y veía todo tipo de público, ¡ya no son los cuatro indies de la maqueta! Me daban ganas de llorar, me pedían una foto y yo misma decía: «¿para qué querrán una foto conmigo»?
En verdad, has formado un buen conjunto de cosas: que si una canción con Jota, que si el ritmo de ‘7 días juntos’ es un poco urbano, que si sales en Paquita Salas…
No es nada buscado.
Lo sé, lo sé, conociéndote a ti y a Elefant, pero te veo aglutinando cosas que otra gente no. No sé si piensas de algunos compañeros de profesión: «si no fuera tan integrista»…
No, no pienso en eso (risas) Pero sé lo que me dices. Me lo he montado bien, pero no es una estrategia (Risas) Ya lo sabes.
También has mejorado muchísimo el directo.
Al principio era un desastre, sí.
No sé si recuerdas algún punto clave.
Poquito a poco. Toda mi carrera ha sido poquito a poco. Al principio tuve lo de ‘Romancero’, pero tampoco lo peté como Carolina Durante. Fue poquito. Nunca llegué a petarlo. Sí que he ido viendo que con cada disco me ha ido un poco mejor.
«Toda mi carrera ha sido poquito a poco. Al principio tuve lo de ‘Romancero’, pero tampoco lo peté como Carolina Durante»
Lo decía porque llegó un momento en que el carisma de las canciones parecía por encima de tu propio carisma. ‘Muero de amor’ es una canción muy Raphael, Rocío Jurado, tú además eres fan de Manuel Alejandro.
Y de Rocío Jurado.
Una canción así no se puede afrontar en el escenario como Jota, mirando el suelo como los indies (me refiero a los shoegazers). Es una canción de crecerte en el escenario, no de reivindicar la ausencia de carisma como se ha hecho en el indie. No sé si me explico.
Sí, sí, tienes razón. Quizá el «Premeditación» fue un cambio, igual esa canción, ‘Muero de amor’.
Tampoco dejas atrás la influencia indie. ‘Morderte’ es muy My Bloody Valentine.
Sí, es la última canción que acabamos, no estaba así y fui una mañana a casa de René, y dije: «vamos a hacer algo con esta canción». Y se nos ocurrió meter guitarras distorsionadas a muerte.
Háblame de ‘Domingo escarlata’. Empieza en plan R&B pero al final es otra cosa.
Sí, esta canción la empezó David… No sé. Está inspirada en Miguel Bosé (risas)
«Trabajo muy mal bajo presión. Si me dicen que tengo que escribir para Miguel Bosé, igual me bloqueo»
Te estás ya quedando conmigo…
¡Que no me estoy quedando contigo! (risas). Me recordaba a Miguel Bosé, y se nos ocurrió una producción grasienta, de esa época de los 90. Pero no la acabamos de encontrar. La empezó David, pero al final la hice con René y no sé, se lió, no sé si es todo de René, creo que David la había empezado ya noventera.
Has escrito algo para lo próximo de Soleá Morente (que saldrá también en Elefant). No sé si escribir para alguien tipo Miguel Bosé es algo que te sigas peleando, como has dicho otras veces.
Bueno, si surge, guay. Trabajo muy mal bajo presión. Si me dicen que tengo que escribir para Miguel Bosé, igual me bloqueo. Soleá es mi amiga, la conozco, es muy guay.
No sé si la canción con David es la más antigua.
Ha metido alguna guitarra, pero las canciones son todas mías…
Ya lo sé… Me refiero a la que canta, ‘Déjame entrar’.
¡Ah! David me dijo: «me gusta esta canción, quiero hacer un dueto contigo». Se ha hecho esta producción porque hay una canción que salió en Eurovisión, creo que en 2014, The Common Linnets, que me llamó mucho la atención porque esa canción no era nada eurovisiva. David decía que la producción de ese tipo de canción quedaría bien.
Pero Elefant ha puesto como referencia a Ennio Morricone en la nota de prensa. ¡Tendrían que haber puesto a The Common Linnets!
Bueno, ya sabes… Tiene algo de Morricone, dijimos: «vamos a meterle algo de western».
¿Esta vez quién irá en tu banda en vivo?
Los mismos de ‘Fiesta’: Juanma Carrillo, Brian Hunt, Nieves Lázaro y David…
¿David va contigo en la gira?
No sé si sabes que ya no somos pareja.
Sí, por eso te preguntaba si este disco es de ruptura, pero no sabía si lo querías decir.
Sí, para que no me pregunten más «tu marido, tu marido»…
En un momento llamasteis La Bien Querida un dúo, pero él enseguida dijo que todas las canciones eran tuyas y que no, que eras un artista en solitario. El caso es que no es un disco de ruptura.
Supongo… No está concebido como un disco de ruptura. Uno sin querer mete sus vivencias, pero no he dicho «voy a hacer un disco de ruptura».
Muchos artistas los hacen, como Christina Rosenvinge…
Este no es el caso.
Hace casi un año que tenía lugar el estreno de un nuevo programa musical en La 2 de Radio Televisión Española, llevando la música en directo al prime-time televisivo por primera vez en muchos años. Se trataba de ‘La hora musa‘, un programa de entrevistas y actuaciones en directo de artistas nacionales e internacionales, sobre todo del ámbito alternativo e independiente, y conducido por otra artista, Maika Makovski. Su éxito fue rotundo –dentro de las discretas audiencias del segundo canal estatal– y fue renovado por otra temporada.
Una segunda temporada que da comienzo el próximo martes, día 1 de octubre. Aunque sabemos por boca del propio Víctor F. Clares que no todo el equipo ha continuado (él incluido), el programa vuelve con una dinámica similar, combinando reportajes externos (esta vez presentados por Ramiroquai) con entrevistas y actuaciones en vivo a artistas de la máxima actualidad y relevancia musical: en el avance que hace unas horas ha compartido el programa en su cuenta de Twitter, puede verse a Pixies, Cat Power, Christina Rosenvinge, The Hives, Amaia, Rufus Wainwright, León Benavente, The Waterboys, Rocío Márquez, Mikel Erentxun, Luz Casal, Sílvia Pérez Cruz, Mon Laferte, Dorian, Bad Gyal, Hidrogenesse, Anni B Sweet y La M.O.D.A., entre otros. Según se acaba de anunciar, los primeros invitados de esta nueva temporada serán Juanes, la francesa Zaz, Kiko Veneno y Carolina Durante.
En esta ocasión, al contrario que en su primera temporada, no coincide con una nueva temporada del programa ‘Cachitos de hierro y cromo‘ –otro espacio musical, esta vez realizado a partir del archivo musical de RTVE–. Según han confirmado desde este último, su nueva temporada no llega hasta enero, por lo que podría suceder que ‘La hora musa’ se emita en verdadero prime-time –hacia las 22:00h– y no sobre las 23:00h, como lo hacía antes En todo caso, según ha confirmado RTVE en una recién emitida nota de prensa, el programa mantiene las 23:00h como horario de emisión.
🛑 Volvemos a abrir las puertas a un universo donde la música sí importa. A un universo llamado LA HORA MUSA.
Como ha ocurrido en otras ocasiones, el nombre de una estrella del pop occidental se ha propulsado como trending topic mundial al relacionársela la boyband de K-pop BTS. Después de que lo hicieran Nicki Minaj –en ‘Idol‘–, Halsey –en el tema ‘Boy With Luv‘, incluido en ‘Map Of The Soul: Persona‘–, Charli XCX –en la estupenda ‘Dream Glow‘– y Zara Larsson –’A Brand New Day’–, ahora es el turno de Becky G.
Todo ha comenzado cuando la estadounidense de origen mexicano ha publicado un tuit en el que, junto a un «Así que…», escribía un hashtag que decía #BeckyHasAnotherSecret –»Becky tiene otro secreto»–, haciendo referencia a su más reciente single en solitario, el trap-pop ‘Secrets’ –con terrorífico vídeo, que podéis ver más abajo–. La revolución ha llegado cuando la cuenta oficial del grupo coreano le ha respondido «Hey, Becky G, yo también tengo un secreto». Según algún site especializado en K-pop, está en singular porque podría tratarse de una colaboración con uno de sus miembros, J-Hope –también conocido como Hoseok por su apellido, Ho-seok–. Al parecer, se sabe que el pasado mes de agosto Becky y él estuvieron juntos en un estudio de Los Ángeles. Una foto de la intérprete de ‘Booty‘ con la boyband en el backstage de alguna entrega de premios se ha viralizado rápidamente.
Becky G, que ha estado de gira este verano en España, lleva todo el año lanzando singles de manera bastante insistente. Algunos en solitario, como ‘LBD’, ‘Green Light Go‘ o el reciente y oscuro ‘Secrets’; otros a dúo, como ‘La respuesta‘, con Maluma, y ‘Dollar‘, con Myke Towers; y otros como invitada, como en ‘Next To You‘ de Digital Farm Animals, ‘Que me baile’ de Choquibtown, ‘Mueve’, de Gianluca Vacchi o el remix spanglish de ‘My Type’ de Saweetie que se lanzaba la semana pasada. En fin, parece dispuesta a tomar el relevo de Nicki Minaj como la artista más pesada con más featurings de la industria. Por su parte, al margen de los singles colaborativos con las citadas en el primer párrafo, BTS han participado recientemente en uno de los múltiples remixes de ‘Old Town Road’ que han llevado al single de Lil Nas X a ser la canción con más semanas en el número 1 en la historia de las listas de EEUU.
Keane están muy presentes en el imaginario popular gracias a los tres enormes singles que publicaron allá por 2004, ‘Somewhere Only We Know’, ‘Everybody’s Changing’ y ‘This is the Last Time’. En años posteriores, el cantante Tom Chaplin y sus compañeros de banda, Tim Rice-Oxley, Richard Hughes y Jesse Quin se han mantenido fieles a su sonido (fueron famosos desde el principio por no usar guitarras eléctricas) sin dejar de experimentar y su nuevo disco, ‘Cause and Effect’, es prueba de ello como puede comprobarse en las declaraciones que nos dan sobre Ariana Grande. 7 años después de ‘Strangeland‘, y durante un parón que ha permitido a los miembros del grupo recuperarse de varios episodios turbulentos, Keane están de vuelta y JENESAISPOP ha tenido oportunidad de hablar con Tim Rice-Oxley (compositor principal de la banda) sobre los sonidos y temas abordados en este nuevo trabajo, que trata básicamente el «antes y después» de su divorcio.
Vuestro disco salió el viernes. ¿Nervioso? ¿Emocionado? Han pasado 7 años…
Es un gran momento para nosotros, estoy muy emocionado, estoy muy orgulloso del disco y deseo que el público lo escuche. Ya hemos tocado 3 o 4 canciones en directo y tengo ganas de que la gente escuche el resto.
«Con 40 años, no es que estés en tu lecho de muerte, pero es más difícil enfrentarte a una ruptura»
¿Te sientes preparado para hablar con la prensa sobre los problemas personales que te llevaron a escribir este disco? ¿O estás intentando hablar menos de ello, ser menos concreto?
Es la vida, no me importa. El disco es my honesto, brutal casi, habla de cosas que pasan a la gente y creo que es importante en la música dar todo de ti. Estoy orgulloso del álbum porque es abierto y honesto.
El título de ‘Cause and Effect’ está inspirado precisamente en tu divorcio. ¿Lo decidisteis entre todos? ¿Qué has querido expresar con él exactamente?
Queríamos encontrar un título que destilara la esencia de la historia. Todas las canciones cuentan la historia de una ruptura traumática, pero desde varios ángulos diferentes. La primera mitad del disco habla sobre cómo pasó, por qué terminé en aquel lugar (NdE: Rice-Oxley fue encarcelado brevemente en 2014 tras conducir ebrio), y en general sobre por qué los seres humanos cometemos errores. Y la segunda mitad habla sobre qué pasa después, cómo reaccionas ante estas experiencias, cuál es tu comportamiento… El título expresa el antes y el después de esta historia de una manera simple y concisa.
Habéis comparado ‘Cause and Effect’ con ‘Hopes and Fears’ por su temática: ambos son álbumes de ruptura, pero el nuevo lo es desde una perspectiva más madura al ser vosotros mayores. ¿En qué sentidos lo sería?
Ambos discos representan diferentes momentos en la vida. Cuando escribí ‘Hopes and Fears’ era más joven, y cuando eres joven tu perspectiva en la vida es diferente. Con 40 años, no es que estés en tu lecho de muerte, pero es más difícil enfrentarte a una experiencia así, porque se supone que ya tienes un plan de vida… y de repente te toca despedirte de cosas que han formado parte de tu vida durante mucho tiempo. Además tienes hijos… El impacto en tu vida de una ruptura es más grande cuando eres mayor. Tienes que volver a encontrarte a ti mismo.
Hubo un momento en que os reunisteis para decidir volver. ¿Cómo fue ese encuentro? Fue en Navidad, ¿verdad?
Estábamos muy emocionados de volver, pero a la vez era importante para nosotros no cometer los mismos errores que en el pasado: terminar hartos los unos de los otros, no disfrutar el proceso de hacer música o de tocar en directo… No queríamos volver ese escenario. Pero hemos madurado y ahora somos mas pacientes, nos apoyamos más mutuamente y somos más comprensivos los unos con los otros.
«Me siguen inspirando Bruce Springsteen, los Smiths… mientras ‘Love Too Much’ es muy pop, es casi una canción de Ariana Grande»
Ha producido el álbum Faultline (David Kosten). Vosotros habéis dicho que él os ayudaba a no repetir viejos hábitos. ¿A qué os referís exactamente?
Intentamos cambiar a cada disco, por eso cada disco es distinto, pero también nos gusta basarnos en grandes melodías. Queríamos seguir experimentando, hacer algo que supusiera un reto para nosotros y que fuera interesante para el público.
¿De qué manera dirías que ‘Cause and Effect’ ha supuesto un reto para vosotros?
En el fondo es un álbum clásico de Keane, pero dentro de esa fórmula contiene más elementos electrónicos, ritmos más pop, sonidos atmosféricos… Nos lo pasamos muy bien probando cosas nuevas en el estudio. ‘Love Too Much’ por ejemplo es muy pop, es casi una canción de Ariana Grande, pero ‘Strange Room’ es íntima y atmosférica. Es un disco muy variado.
‘Phases’ me recuerda a una canción de ABBA, en concreto la melodía de sintetizador del estribillo, aunque no caigo en cuál. ¿Musicalmente qué sonidos os han inspirado esta vez?
ABBA seguramente han sido una influencia aunque no ha sido intencionado, ya que básicamente han escrito algunas de las mejores melodías de la historia. Siempre me han inspirado Bruce Springsteen, The Smiths, U2… También hay momentos muy Beatles en el disco. A la vez hemos buscado cosas que sonasen un poco a Peter Gabriel, Björk… y en el lado más pop nos han inspirado The Weeknd o Ariana Grande, a la que escuché mucho de camino al estudio.
‘You’re Not Home’ es un inicio de disco muy atmosférico, con esa caja de música de fondo… Me recuerda un poco a Sigur Rós, aunque en vuestro estilo.
Esta canción solo tiene 2 acordes, lo cual para mí no es habitual. La maqueta es muy inmediata, y fue David Kosten quien tuvo idea de transformarla en lo que es ahora. Nos inspiró una canción de Peter Gabriel llamada ‘San Jacinto’ que tiene un sonido muy cíclico y minimalista, y terminamos con una introducción para el álbum muy atmosférica, con muchos sonidos y elementos cortapegados y reproducidos a la inversa. Se compone de capas y capas de sonidos muy diferentes. Es larga y atmosférica, por eso pensamos que era una buena introducción para el disco.
‘The Way I Feel’ es el single principal. ¿Es cierto que te costó horrores componerla? Es muy pegadiza. ¿Cómo conseguiste terminarla?
Tenía la melodía pero no sabía como terminarla… El conjunto me parecía un poco cursi… Entonces tuve la idea de que hablara sobre salud mental. Quise que hablara sobre mi reacción psicológica ante cosas que me han pasado en el ultimo par de años. ‘The Way I feel’ es especial porque se ha convertido en un himno para la gente.
«Mi versión favorita de ‘Somewehere Only We Know’ es la de Lily Allen, es diferente y realmente ella la lleva a su terreno… y también es la única vez que hemos sido número 1 en Reino Unido»
‘Chase the Night Away’ suena esperanzada. El disco no es que sea oscuro, pero las letras sí pueden serlo bastante. ¿Buscabais un contrapunto de luminosidad?
Definitivamente aunque creo que hacemos eso de manera instintiva, es una cosa muy británica. Si escuchas a los Beatles o a los Smiths, muchas de sus canciones son melódicas y pegadizas, casi infantiles, pero las letras son súper densas y oscuras. Yo crecí escuchando este tipo de música en la que conviven grandes melodías con letras muy intensas, por eso digo que no es una decisión consciente… Por otro lado, al final del disco sí queríamos que hubiera algo de luz porque la vida al fin y al cabo es así. Hacer un disco va sobre evolucionar, madurar…. Vives momentos oscuros, aprendes sobre ti mismo, conoces a gente nueva… y a veces surgen cosas buenas de los traumas que vives en la vida. ‘Chase the Night Away’ es una canción de amor con mucha esperanza porque va sobre intentar estar bien después de toda la mierda. Es una canción muy romántica.
¿Qué opinas de las versiones que se han hecho de ‘Somewhere Only We Know’? Lily Allen la llevó al número 1; también Kacey Musgraves, ganadora del Grammy a Album del año, la ha versionado… Al final es vuestra canción más reconocida.
Es un honor cuando la gente versiona nuestras canciones, nos hace sentir muy bien . Todos tenemos egos delicados, y que haya gente que cante tus canciones demás de las suyas es halagador. Por supuesto Kacey es una absoluta estrella y su versión es preciosa, pero probablemente mi versión favorita es la de Liy Allen, es diferente y realmente ella la lleva a su terreno. Curiosamente esa versión es la única vez que hemos sido número 1 Reino Unido (ríe).
A diferencia de lo que sucedía en 2015 con ‘If You’re Reading This It’s Too Late’, en 2016 con ‘Views’, en 2017 con ‘More Life’ y en 2018 con ‘Scorpion’, este año no hemos tenido -al menos de momento- ni mixtape ni disco de Drake.
Sí se ha editado un recopilatorio llamado ‘Care Package’ con material inédito grabado entre 2010 y 2016 y un EP de dos temas en celebración de la victoria de los Toronto Raptors en la NBA. Y por supuesto está dando con sus pequeños éxitos de manera espontánea. Uno de los dos temas del EP, ‘Money in the Grave’, está resultando uno de sus «sleepers». Cuatro meses después de su edición continúa en el top 20 del Billboard Hot 100 y suma 250 millones de reproducciones en Spotify. Por otro lado, ‘Behind Barz’, de la banda sonora de ’Top Boy’, un tema en el que rapea sobre brumosos acordes de piano, tampoco ha pasado desapercibido entre sus seguidores, y esta semana ha vivido sendas entradas en el top 100 británico y estadounidense.
Y después están por supuesto sus temas colaborativos. Tras la buena aceptación de su tema ‘Going Bad’ con Meek Mill, está triunfando su single junto a Chris Brown. ‘No Guidance’, del álbum de Brown de este verano, ‘Indigo’, ha sido top 6 en Reino Unido y Estados Unidos. Está claro que incluso cuando no hay disco de Drake a la vista, sus temas no desaparecen de las listas de éxitos.
Fiona Apple es toda una leyenda de la música americana de las últimas dos décadas a pesar de contar con tan solo 4 discos: ’Tidal’, editado en 1996; ‘When the Pawn…’ editado en 1999; ‘Extraordinary Machine’, editado en 2005; y ‘The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do’, editado en 2012. Parece que su regreso se producirá en 2020 en lo que ya está claro que va a ser el mayor lapso entre álbum y álbum de Fiona Apple.
El pasado 2014 realizamos una encuesta entre nuestros lectores sobre cuándo se produciría su regreso y, entre pesimistas, escépticos y haters, más de la mitad del público optó por el año más lejano de todas las opciones que dimos: 2024. Curiosamente, la segunda fecha de edición más votada para el 5º disco de Fiona Apple fue precisamente 2020. A principios del año que viene apunta ella misma en una entrevista con New York Magazine en la que reconoce que el disco «se suponía que iba a estar hecho hace millones de años», pero ahora «espera que esté listo a principios de 2020».
¿Cuándo crees que sacará nuevo disco Fiona Apple?
2024 (59%, 242 Votos)
2020 (8%, 31 Votos)
2017 (6%, 26 Votos)
2016 (6%, 23 Votos)
2018 (4%, 18 Votos)
2015 (4%, 18 Votos)
2023 (4%, 16 Votos)
2022 (3%, 14 Votos)
2021 (3%, 11 Votos)
2019 (2%, 10 Votos)
Votos totales: 409
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Fiona, que en estos años sí ha colaborado con gente como Blake Mills, Andrew Bird o en la banda sonora de la serie ‘The Affair’ con el tema ‘Container’, dice que no puede definir mucho el sonido del disco debido a lo mucho que se ha volcado en él. También ha comentado que sabía que su tema ‘Criminal’ se iba a usar en ‘Hustlers’, pero que desconocía que Jennifer Lopez lo iba a bailar. «Estoy deseando verlo», indica.
Renée Zellweger protagoniza ‘Judy’, la nueva película de Rupert Goold (‘Una historia real’) sobre el breve regreso a los escenarios de Judy Garland a principios de 1969, unos meses antes de morir. La cinta llega a los cines de Estados Unidos el 27 de septiembre y a los de Reino Unido el 2 de octubre, aunque para verla en España tendremos que esperar hasta el 5 de diciembre.
‘Judy’ está recibiendo muy buenas críticas, especialmente la interpretación de Renée Zellweger, que según Rolling Stone huele a nominación al Oscar. Zellweger ya sabe lo que es ganar la estatuilla, pues se hizo con ella en 2004 gracias a su actuación como actriz secundaria en ‘Cold Mountain’, y otro que tiene un Oscar -en este caso por Mejor canción- es Sam Smith, que en 2015 interpretó y co-escribió la premiada balada ‘Writing’s on the Wall’ para la enésima película de James Bond.
¿Y qué tienen que ver Renée Zellweger y Sam Smith? Desde hoy mismo, una canción conjunta. Ambos interpretan mano a mano ‘Get Happy’, una de las canciones principales de la película, y su dúo ya está disponible. El tema forma parte de la BSO de ‘Judy’, que sale el 28 de septiembre e incluye además la colaboración del fan número 1 de Garland, Rufus Wainwright. Como todo fan de Garland sabrá, ‘Get Happy’ fue una de las composiciones más populares del repertorio de la artista. Os dejamos con un directo de ella de 1950, procedente de la película musical ‘Summer Stock’.
Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinoamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Podéis encontrarla al final del artículo. [Foto exterior: Texxcoco; foto interior: portada de ‘El novio de la muerte’ de Fuerza nueva, por Javier Aramburu.]
Ya metidos de lleno en el ajo discográfico del otoño, en los últimos días han llegado a nosotros los nuevos álbumes de Cineplexx –que además de su dueto con La Bien Querida, incluye otros con Soleá Morente y Linda Mirada–, The Levitants –debut oficial de los vallisoletanos en Subterfuge, con su rock de ascendente post-punk–, MC Buzzz –antes MC Buseta, conocido como miembro de el combo infantil de trap Los Sugus, lanza su primera mixtape, ‘Baile de rua’–, Tiger and Milk –el grupo madrileño, compañero de generación de Hazte Lapón o Rusos Blancos, lanza un tercer disco de cuidado y pegadizo indie pop– y Río Arga –otra colección de canciones en la mejor tradición del indie británico, adaptada a la particular idiosincrasia de la escena pamplonesa–.
También encontramos en la playlist los últimos avances previos a los próximos discos de Fuerza nueva –esta vez Los Planetas y Niño de Elche se han atrevido a darle un revolcón al himno de la Legión, como anticipo al Día de la Hispanidad, que es cuando sale su álbum con portadón–, Texxcoco –los grunge-rockeros canarios, con Adriana Moscoso al frente, publican el 8 de noviembre ‘Side Effects of Proximity: Part I’–, los gallegos Bifannah –‘Danças líquidas’, avanzado semanas atrás, llega al fin el 4 de octubre–, Cor Blanc –a punto de lanzar un EP–, el interesante trío K!ngdom –siendo simplistas, una suerte de Chvrches patrios, que lanzarán su debut a inicios de 2020– y Nunatak, que adelantan su cuarto largo ‘Nunatak y las flores salvajes’ –se publica el 25 de octubre– con un cuidado corte soul-rock como ‘Todas las campanas’. Y si no prepara disco, Cabiria debería ir pensando en ello tras la increíble ‘Fantasma’ que ha presentado estos días. Ojo a su vídeo oficial, que es su presentación en el loco programa de variedades emitido en La 8, ‘Toni Rovira y tú’.
Pero estas semanas han destacado, sobre todo, por la cantidad de singles interesantes –con su cara A y su cara B– que hemos recibido. Entre ellos los de Fino Oyonarte, con dos temas no incluidos en su fantástico disco debut ‘Sueños y tormentas’, grabados esta vez con banda completa (en la que se cuenta su pareja y compañera de fatigas en Clovis, Cristina Plaza). También un single de Caliza en el encantador sello Discos Garibaldi, con una desopilante versión de ‘Making Plans for Nigel’ de XTC y un nuevo tema propio que cabría en una BSO de Tim Burton. Los presentará en directo en el X aniversario del festival Autoplacer, que el 19 de octubre reúne en el CA2M de Móstoles a, entre otros, Lorena Álvarez, Sierra… y ¡Juanita y Los Feos!, que se reúnen sólo para esta ocasión.
Destaca igualmente el regreso de Svper: tras dejarnos con un palmo de narices en 2017 después de lanzar ‘Azul profundo’, el dúo formado por Sergio Pérez y Luciana Della Villa están de vuelta. Y no lo hacen solos: publicado por el sello suizo La Suisse Primitive, ‘1981’ es un split con otro dúo chico/chica fascinado por sonidos electrónicos de otra época, los italianos Bitter Moon. SVPER cantan ‘Summer on a Solitary Beach’ y Bitter Moon, ‘Automaticamore’. El productor de Francisco Nixon y Ricardo Vicente, Nahúm García, da continuidad a su carrera musical con ‘Cuatro noches en el lago’, un tiro synthpop facturado junto a algo/alguien llamado Fenomenal. Y los valencianos Johnny B. Zero siguen mostrando su inventiva dentro del panorama rock con las dos nuevas canciones recogidas en ‘They Have It, That’s Why We Don’t Have It’. Completan nuestra selección de esta quincena temas muy candentes del panorama urban/hip hop que han lanzado Rels B, Cruz Cafuné, Juancho Marqués & Recycled J, Laskaar, los colombianos Mitú y Eva Ruiz, además del sabrosón tema que Novedades Carminha han prestado a la versión teatral de la novela –y también serie televisiva de éxito internacional– ‘Fariña‘.
Sala Apolo anuncia concierto benéfico por Open Arms organizado en colaboración con Gandula, asociación cultural y sello discográfico coordinados por Alfons Serra de Mishima y Edi Pou de ZA!. El concierto tendrá lugar en la sala barcelonesa el próximo martes 29 de octubre y la entrada está disponible a un precio de 15 euros.
Todos los beneficios de taquilla serán destinados a la ONG para que pueda continuar su misión de rescate en el Mar Mediterráneo, y de hecho todos los artistas confirmados en el cartel, así como sus equipos técnicos, actuarán gratuitamente con el objetivo de financiar la tarea de Proactiva Open Arms. El público también puede colaborar con la causa la causa desde la fila zero, entrada que no dará acceso a la sala.
Los aristas confirmados en la sala principal son Love of Lesbian, Bad Gyal (dj set), Mishima, Maria Arnal y Marcel Bagés, Maria José Llergo y Cala Vento. Por otro lado, La (3) ofrecerá electrónica y sonidos urbanos de la mano de nombres tan punteros de la escena local como Leïti Sene (live) & Bexnil b2b Chineseguy2021, Ikram Bouloum, Manos O, Ivy Barkakati y Sin Sync Djs. La entrada naturalmente permitirá acceso a las dos salas. Más información, en la web de Apolo.
Bala Perduda, el concurso anual de Sala Apolo que busca a las mejores bandas y artistas emergentes de la escena local, inaugura su edición 2020, la séptima en total, y hace pública la convocatoria de inscripción al certamen de este año. El periodo de inscripción queda abierto hasta el próximo 31 de octubre. Accede al formulario de inscripción aquí.
El objetivo de Bala Perduda es dinamizar la escena musical nacional, convirtiéndose en un escaparate del talento emergente y ofreciendo la oportunidad a grupos noveles de darse a conocer e introducirse en el circuito musical. Como ha venido siendo habitual, de la totalidad de proyectos inscritos se seleccionarán 18 propuestas que actuarán en La (2) de Apolo en 6 semifinales celebradas entre los meses de febrero y marzo. Los concursantes que lleguen a la gala final optarán a premios como tocar en el festival Primavera Sound, grabar un LP o actuar en salas de música europeas del colectivo Liveurope, entre muchos otros. La banda ganadora de la edición 2019 de Bala Perduda ha sido Egosex.
Varios profesionales y representantes del sector (periodistas, artistas y miembros de la sala Apolo y Primavera Sound), serán los encargados de repartir los premios y elegir ganador, junto con la ayuda del voto del público y del músico, y en esta ocasión maestro de ceremonias, Joan Colomo.
Este es el desglose de premios:
BANDA GANADORA
– Tocar en Primavera Sound 2020.
– Grabar un LP en el estudio de Aclam Records, masterizado por Hitmakers Mastering y distribuido por La Cúpula Music.
– Actuación en el programa Feeel de Betevé.
– Otros premios por confirmar.
OTROS PREMIOS
– Premio especial Sol de Sants: producción de 4 canciones en los estudios Sol de Sants para una de las bandas finalistas.
– Conciertos en salas Liveurope internacionales: Musicbox de Lisboa y Aéronef de Lille.
– Premio Ulule: campaña de crowdfunding con asesoramiento personalizado y condiciones preferentes para los 18 grupos seleccionados.
Robert Hunter, poeta y letrista tras numerosos clásicos de The Grateful Dead, además de compositor por cuenta propia, ha fallecido a las 78 años. No ha trascendido causa de su muerte. La familia del músico ha confirmado la noticia en una carta publicada por Rolling Stone y The New York Times: «nos apena enormemente confirmar que nuestro querido Robert falleció anoche. Murió tranquilo en casa, en su cama, rodeado de amor. Su mujer Maureen estuvo a su lado cogiéndole de la mano. A sus fans y a todos aquellos que le han querido y apoyado durante todos esto años, no os quepa duda que sus palabras están entre todos nosotros, y que de esa manera él nunca se habrá ido del todo. En momentos de duelo celebrad su vida como sabéis hacerlo, estando juntos y escuchando la música».
Tanto como la música de The Grateful Dead, su afán por la experimentación, su inabarcable discografía, sus épicos directos o la voz de Jerry Garcia, fueron siempre muy queridas las letras de sus canciones. Hunter, que se unió a la banda en 1967 como compositor tras vivir varias experiencias con las drogas, fue autor de muchas de las más conocidas, entre ellas las de ‘Dark Star’, ‘China Cat Sunflower’, ‘Uncle John’s Band’, ‘Box of Rain’, ‘Scarlet Begonias’, ‘Touch of Gray’, ‘Ripple’, ‘Truckin’ o ‘Terrapin Statin’. Hunter llegó a afirmar en Rolling Stone que su frase favorita de todas las que había escrito para The Grateful Dead se encuentra en ‘Ripple’: «hacedles saber que existe una fuente que no fue construida con las manos del hombre».
Como recuerda precisamente Rolling Stone, cuando The Grateful Dead fueron incluidos en el Rock ‘n Roll Hall of Fame en 1994, Hunter fue tenido en cuenta pese a no ser exactamente uno de los músicos integrantes de la formación. Autor también de varios álbumes en solitario y de poemarios o de varias traducciones oficiales, pues era traductor profesional, Hunter colaboró además con Bob Dylan en los discos ‘Dawn in the Groove’ (1988), ‘Together Through Life’ (2009) y ‘Tempest’ (2012) y trabajó con otros músicos como Elvis Costello, Bruce Hornsby o Jim Lauderdale.
A un par de días de la publicación de su nuevo disco ‘Brujería’, La Bien Querida nos adelanta la que se intuye como una de las piedras angulares de este trabajo. Se trata de ‘Me envenenas’, una canción que engancha de inmediato, puesto que, aunque alberga la esencia melódica tan reconocible de las canciones de Ana Fernández-Villaverde, es más sencilla, directa y contundente que nunca.
Su gancho es exiguo –aunque va mutando en el desarrollo del tema–, y se repite una y otra vez a lo largo de la canción, con una letra que relata estados físicos y mentales o acciones («Me encuentras, me desarmas, me asaltas / Me levantas la falda y me enciendes / Me apagas, me acompañas», comienza) que uno es capaz de sentir cuando se enamora, transformándonos, convirtiéndonos en personas diferentes y no necesariamente mejores, enfermándonos, envenándonos. Todo eso se completa con una inusitada potencia rítmica que dispone Carlos René (de Axolotes Mexicanos, su nuevo productor) y que va generando un vendaval a base de guitarras furiosas que ascienden en espiral, como sus versos.
Por si la fuerza de la canción fuera poca, el single potencia su lanzamiento con un fantástico vídeo que viene firmado por nada menos que Carlos Vermut. El premiado director de ‘Diamond Flash‘, ‘Magical Girl‘ y ‘Quién te cantará‘, amigo personal de La Bien Querida, ha escrito y dirigido un clip filmado en Tokio, a raíz de una idea que le rondaba hace tiempo y que él mismo explica:
“El video musical del tema ‘Me Envenenas’ nace de una idea que comenzó a dar vueltas en mi cabeza hace un par de años. Era la idea de una tímida oficinista japonesa que tenía el fetiche de disfrazarse de fantasma por las noches. Vestida de fantasma daba rienda suelta a sus deseos y salía a pasárselo bien por las calles de la ciudad sin que nadie la reconociera. Cuando hablaba con Ana sobre el vídeo de ‘Me Envenenas’ teníamos claro que queríamos una historia. Era importante que tuviese una narrativa. Después de darle varias vueltas, la idea de la oficinista fantasma volvió a mí y encontré en ‘Me Envenenas’ la excusa perfecta para poder hacer realidad aquella idea”. Carlos Vermut
Tal cual, el vídeo de ‘Me envenenas’ casa ambas ideas, dando esa motivación a la persona envenenada –la oficinista-fantasma, un homenaje manifiesto a iconos del terror contemporáneo como ‘Ring’ y ‘Dark Water’– para encauzar su frustración al no ser correspondida sentimentalmente, o no como ella sueña.
‘Me envenenas’ es el tercer single de ‘Brujería’ tras ‘¿Qué?‘ –dueto con Diego Ibáñez de Carolina Durante– y ‘La fuerza‘ –con coros de J de Los Planetas–. Este viernes se publica con una cuidada edición física, y en las próximas semanas La Bien Querida comienza a presentar el disco en directo: el 16 de noviembre en la Sala Joy Eslava de Madrid –entradas ya agotadas–, el 17 de noviembre en La [2] de Apolo de Barcelona y el 17 de enero de 2020 en la Sala Moon de Valencia.
Si uno tuviera el mismo morro que tiene el propio Liam Gallagher y su equipo para saquear el legado de The Beatles, The Jam, The Kinks, The Who, Small Faces, etcétera, haría un corta-pega de la crítica que hice para ‘As You Were’ hace casi dos años y me quedaría más ancho que pancho. Pero no. Uno era de esos que miraba con recelo a los que copiaban en el examen y, gracias a eso, salían indemnes, mientras que estudiaba y se esforzaba… para superar la prueba con algo más de holgura que aquellos. Así que aquí estamos, reseñando un ‘Why Me? Why Not.’ en el que el pequeño Gallagher calca los propósitos y resultados de su debut en solitario: hacer un disco de Oasis sin su hermano Noel mejor de los que hace Noel sin él. Y esta vez, hay que decirlo, Liam gana la partida.
Cierto es que no lo tenía muy difícil, con Noel entregado a “modernizar” su sonido: así entiende él emular el electrorock que ya practicaban Primal Scream cuando él era un Dios con su grupo. Pero que no se engañe: es como si, a su/nuestra edad, se pusiera una visera del revés para aparentar ser guay. Pero a lo que venía… Dentro de que ‘Why Me? Why Not.’ es una nueva colección de temas que parece un “adivina qué grupo/s y canción/es hemos fusilado aquí” –The Troggs, en ‘Halo’, y Lee Hazlewood (¡bien!), en la estupenda ‘Gone’, se incorporan a su batería de, ejem, influencias–, el segundo trabajo de Gallagher en solitario vuelve a ser un buen disco. «Como el primero, pero mejor», dijo él en su promoción. Y sí, tal cual: este disco es más variado y enfocado en varios aspectos que su debut.
En su conjunto es un álbum bastante apañado y compacto gracias a unos arreglos cuidados y exquisitos, en el que queda claro sobre todo que el estilo compositivo de Noel no es único: Andrew Wyatt (Lykke Li, Miley Cyrus) y Greg Kusrtin (Adele, Beck) son tan capaces como aquel de crear “monstruos de frankenstein” musicales con lo mejor de los 60 y 70 –incluida la parte lírica, a menudo un refrito de versos ajenos–. Especialmente brillantes son los números en los que ambos van de la mano. Como el sucio arranque con ‘Shockwave’, en el que dan un toque contemporáneo y pop al imitado blues rock de Bo Diddley –mención especial para la mala baba de su letra en el puente, ese «You’re a snake / You’re a weasel», que tiene bastante guasa–. O ‘Halo’, con ese nervioso piano a lo Jerry Lee Lewis potenciado con una rocosa base rítmica y una estupenda melodía. O unas ‘Be Still’ y ‘One of Us’ –un llamamiento público y abierto a la reconciliación con su hermano mayor– que bien servirían como singles para un hipotético (y cada vez más lejano, parece) regreso de Oasis. O la ya citada ‘Gone’, que con suntuosas cuerdas y ambiente western, supone una brisa de aire fresco en su repertorio. O el piano-rock setentero de ‘Alright Now’, con ese loco giro melódico post-estribillo y su solo –de nuevo esquilmado a Harrison–. Hasta la aproximación al pop –porque, como el extra de la edición Deluxe ‘Glimmer’, esta canción tendría cabida en ‘Golden’ de Kylie Minogue– que supone ‘Now That I Found You’ resulta bastante simpatiquilla… aunque solo sea porque diluye un poco esa hombría de hooligan malencarado de Liam.
Más allá de la constante impostura de sus fotocopias musicales, también hay patinazos, claro. Porque cuando te dedicas a «homenajear» corres el peligro de quedar en evidencia ante los originales. ‘Meadow’, por ejemplo, es un bonito émulo de George Harrison en solitario, que comienza muy bien… pero que se vuelve previsible. Del mismo modo, el prog-rock expansivo de ‘The River’ tendría cabida en un disco de Oasis… pero en ‘Standing In The Shoulder of Giants’, no en ‘Definitely Maybe’. Y ‘Once’ es el enésimo intento fallido de dar con un nuevo clásico acústico a lo ‘Wonderwall’ o ‘Don’t Look Back In Anger’, mientras que el corte titular, de nuevo muy late-Beatles, provoca más bostezos que ganas de corear… Etcétera.
Pero no se puede poner en duda que ‘Why Me? Why Not.’, pese a su permanente artificio, sea genuino en su propósito y desarrollo: es bastante evidente que estas son las canciones que Liam quiere cantar y, también, las que mejor se le dan (la verdad es que, sin ser un cantante dotadísimo ni contar con más de un registro, lo hace bien). Imaginarle haciendo otra cosa, de hecho, sería impensable. Así que, por improbable que parezca, más le valdría a Noel darle una oportunidad a un regreso de Oasis. Porque, de seguir así, para aquellos que siguen gozándolo con baños de nostalgia como este, Liam acabará por empequeñecer a su hermano –si es que ser cabeza de cartel de Glastonbury con un solo disco propio no lo hizo ya–. Y nunca lo hubiéramos adivinado años atrás, la verdad.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Shockwave’, ‘Halo’, ‘Gone’, ‘Be Still’ Te gustará si te gustan: The Beatles, The Kinks, The Jam, The Who… y Oasis. Escúchalo:Spotify
Como todo fan de David Bowie sabrá, Robert Fripp de King Crimson tocó la guitarra eléctrica de manera bastante reconocible en uno de los álbumes más emblemáticos del músico británico, ‘Heroes‘, publicado en 1977, así como más tarde en su álbum de 1980 ‘Scary Monsters’. Sin embargo, Fripp ha anunciado que se encuentra enfrascado en una disputa legal con los herederos de Bowie por la acreditación de su contribución a estos trabajos, que según él no es la debida.
En concreto, Fripp defiende que merece ser reconocido como uno de los músicos principales de ‘Heroes’ y ‘Scary Monsters’ y no como un simple colaborador cuya contribución a ellos fue meramente anecdótica. En una carta publicada en Facebook, el músico asegura que tanto Bowie como Brian Eno -que fue quien instigó a Fripp a colaborar en ‘Heroes’ y quien también participó en este disco-, su co- productor Tony Visconti y «el tribunal de la opinión pública» han «apoyado esta acreditación durante cuatro décadas». Sin embargo, Fripp lamenta que las normas de la conocida empresa británica de derechos de autor PPL le impiden ser acreditado en ambos álbumes correctamente. Cree que estas normas «perpetúan una injusticia histórica» y propone que sean cambiadas para reflejar mejor la realidad.
El pasado mes de abril, Fripp explicaba así su trabajo con Bowie y Eno en una entrevista con Rolling Stone: «Con ambos era lo mismo, me daban contexto y me decían que jugara con él. Lo único que pedía a Bowie simplemente eran acordes, para que yo no tuviera que sentarme a escribir una tabla durante una hora o lo que fuera, y pudiera trabajar con la mente fresca. Me decía «aquí tienes el mapa del terreno, adelante». Era maravilloso».
Amaia se mantiene en el número 1 de lo más votado de JNSP con ‘Quedará en nuestra mente’, mientras Lana del Rey asciende al puesto 2 con ‘The Greatest’. La entrada más fuerte viene de mano de Tove Lo con Kylie. También llegan al top 40 Pet Shop Boys, Tyler the Creator, C. Tangana con Paloma Mami (por cierto un puesto por debajo de Cariño), Angel Olsen e Hidrogenesse, que nos acaban de conceder una interesante entrevista sobre su último disco, y estrenado vídeo. Las canciones eliminadas de la semana, ya en la mitad baja de la tabla, son ‘Soldi’, ‘Doble corazón’ y ‘Faith’. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.
Niño de Elche acudió anoche al programa de David Broncano para promocionar su último disco ‘Colombiana’ y su nuevo libro sobre sexo ‘Morbo ilegítimo’. El artista se quejó del tiempo de espera para salir, y una vez proyectado el vídeo de ‘El Pregón de los Caramelos’, sobre caramelos de cocaína y mentol, se dedicó a lanzar una gran multitud de los mismos al público, invitándole a averiguar si eran de cocaína o de mentol. Broncano se reconoció como anti-droga, a lo que Niño de Elche respondió que «todo el mundo estaba a favor», intentando sonsacar al presentador si tampoco había tomado nunca pastillas para dormir o Viagra.
Niño de Elche reconoció que había esnifado tiza para que le diera fiebre de pequeño («por eso hago la música que hago») y en otros momentos de la entrevista, sacó una petaca que forma parte del merchandising del álbum. La versión en castellano de ‘If I Were a Boy’ de Beyoncé volvió a ser una broma recurrente del programa, pero Niño de Elche se negó a interpretarla indicando que solo le gustaba «el primer minuto». El cantante bromeó con el acento mal colocado en la palabra «chico» y con la «reflexión filosófica» de la frase «Si yo fuera un chico
Pero ves no lo soy».
Finalmente, presentó una bolsa de Malú, en concreto de su gira ‘Oxígeno’ -momento en el cual Niño de Elche esnifó «oxígeno»- y contempló la posibilidad de que termine convertida en la primera dama a raíz de las nuevas elecciones. «Esto no lo cortan, ¿no? Si gana Albert Rivera las elecciones, la libertad de expresión está asegurada, ¿no?», se preguntó.
Kesha es este mes portada de Billboard y la razón es que tiene un nuevo disco listo para publicar. La cantante no revela demasiados detalles sobre el sucesor de ‘Rainbow‘ pero sí concreta su fecha de lanzamiento en el mes de diciembre, lo cual ya es mucho antes de lo que esperábamos, pues quedan tres meses. 
Al margen de 
La sala Razzmatazz tiene una interesante agenda de eventos este fin de semana, entre los cuales destaca la anunciada actuación de James Murphy de LCD Soundsystem. El sábado 28 de septiembre, el músico neoyorquino ofrecerá en la sala barcelonesa un DJ set de cinco horas nada más y nada menos, durante las cuales «repasará la historia de la música de baile y no tan de baile», en palabra de la propia sala.
‘Masterchef Celebrity’, aparte de como mero entretenimiento, en principio su función durante 3 horazas, está sirviendo para que veamos con otros ojos a los famosos. A los que ya conocíamos, quiero decir. Muy especialmente a los actores: tanto Cayetana Guillén-Cuervo como Miguel Ángel Muñoz, Silvia Abril o Paz Vega mejoraban su imagen gracias a su sentido del humor y su humanidad, no reñido con la competitividad. Por no hablar de la función cómica que tenían por supuesto Loles León y Las Retales (Bibiana Fernández y Anabel Alonso), a la postre con programa propio en late-late-late night.
La maravillosa ‘
“Si veo a viejos amigos, saldremos a bailar. Si salimos a bailar iremos al bar. Si vamos al bar, habrá bebida. Si bebo, querré ver dónde estás”. “Si salgo a conducir, pondré música. Si pongo música, pondré tu canción. Si pongo tu canción, perderé la cabeza y terminaré parando en la puerta de tu césped”. A partir de esta serie de frases en condicional, MUNA han construido la mejor canción de su segundo disco, ‘
El pasado mes de julio Joshua Davis, más conocido por su alias DJ Shadow, sorprendía al lanzar ‘
Hace unos días, cuando publicábamos nuestro 
La Bien Querida publica este viernes 27 de septiembre el sexto disco de su carrera, sin perder encanto. En este caso nunca mejor dicho, pues el álbum recibe el nombre de ‘Brujería’ y se envuelve en un halo de misterio marcado por su misma intro, que incluye un par de frases en latín. Concebido como un disco-hechizo y con un diseño muy cuidado que la propia Ana Fernández-Villaverde nos explica, el álbum supondrá un nuevo éxito para la cantante, que ha agotado las entradas para su concierto en Joy Eslava (Madrid) sin que el público, siquiera, haya escuchado el álbum. Foto: Alfredo Arias.
Hace casi un año que tenía lugar el estreno de un nuevo programa musical en La 2 de Radio Televisión Española, llevando la música en directo al prime-time televisivo por primera vez en muchos años. Se trataba de ‘
Como ha ocurrido en otras ocasiones, el nombre de una estrella del pop occidental se ha propulsado como trending topic mundial al relacionársela la boyband de K-pop BTS. Después de que lo hicieran Nicki Minaj –en ‘
Keane están muy presentes en el imaginario popular gracias a los tres enormes singles que publicaron allá por 2004, ‘Somewhere Only We Know’, ‘Everybody’s Changing’ y ‘This is the Last Time’. En años posteriores, el cantante Tom Chaplin y sus compañeros de banda, Tim Rice-Oxley, Richard Hughes y Jesse Quin se han mantenido fieles a su sonido (fueron famosos desde el principio por no usar guitarras eléctricas) sin dejar de experimentar y su nuevo disco, ‘Cause and Effect’, es prueba de ello como puede comprobarse en las declaraciones que nos dan sobre Ariana Grande. 7 años después de ‘
A diferencia de lo que sucedía en 2015 con ‘If You’re Reading This It’s Too Late’, en 2016 con ‘Views’, en 2017 con ‘More Life’ y en 2018 con ‘Scorpion’, este año no hemos tenido -al menos de momento- ni mixtape ni disco de Drake. 
Fiona Apple es toda una leyenda de la música americana de las últimas dos décadas a pesar de contar con tan solo 4 discos: ’Tidal’, editado en 1996; ‘When the Pawn…’ editado en 1999; ‘Extraordinary Machine’, editado en 2005; y ‘
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Renée Zellweger protagoniza ‘Judy’, la nueva película de Rupert Goold (‘Una historia real’) sobre el breve regreso a los escenarios de Judy Garland a principios de 1969, unos meses antes de morir. La cinta llega a los cines de Estados Unidos el 27 de septiembre y a los de Reino Unido el 2 de octubre, aunque para verla en España tendremos que esperar hasta el 5 de diciembre.
Nueva edición de nuestra 
Sala Apolo anuncia concierto benéfico por 
Robert Hunter, poeta y letrista tras numerosos clásicos de The Grateful Dead, además de compositor por cuenta propia, ha fallecido a las 78 años. No ha trascendido causa de su muerte. La familia del músico 
A un par de días de la publicación de su nuevo disco ‘Brujería’, 
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