Vuelven La Polla Records, uno de los grupos más genuinamente punk de nuestro país, cuyas canciones han sido evidente carne de Viña Rock, pero también han influenciado a artistas de lo más variopinto de otros ámbitos, de Los Punsetes a Bravo Fisher pasando por WAS, Kokoshca, Cómo Vivir En El Campo o El Pardo. Coincidiendo con el 40 aniversario del grupo alavés, el quinteto liderado por Evaristo Páramo (siguen en él los fundadores Álex y Sumé, completando la formación Tripi y Txiki, integrantes de Gatillazo, el proyecto paralelo de Evaristo) ha programado una serie de conciertos a finales de este año en grandes recintos de Valencia (21 de septiembre), Madrid (12 de octubre), Bilbao (19 de octubre) y Barcelona (26 de octubre) –con El Drogas (Barricada) como telonero–, antes de embarcarse en una gira por Latinoamérica en 2020. Las entradas de la gira salen a la venta el próximo miércoles 20 de marzo a las 11:00 h a través de www.lapollarecords.net, www.ticketmaster.es y Red Ticketmaster.
Además, con motivo de esta celebración y concierto se publica también una suerte de recopilatorio, aunque no es un al uso: ‘Ni descanso, ni paz!’ reúne 19 canciones de sus tres primeros álbumes –los icónicos ‘Salve’ (1984), ‘Revolución’ (1985) y ‘No somos nada’ (1986)– en nuevas grabaciones que, opina el grupo, en su momento contaron con un sonido muy precario. También incluye una canción completamente nueva (la primera en 16 años, el tiempo que llevaban separados, desde que publicaran ‘El último (el) de La Polla’), llamada como el álbum. Una canción de punk rock realmente aguerrida que, en su línea lírica, levanta un dedo acusador contra el capitalismo, si bien muestra una actitud de derrota total.
Evaristo, en declaraciones a El País, no esconde que esta reunión tiene sobre todo fines crematísticos y que tocar en esos recintos supone una traición al espíritu del grupo, que está más próximo a shows gratuitos en gaztetxes y casas okupas: «Me encantaría (seguir tocando ahí) si no tuviera problemas de dinero. Pero hoy por hoy, no me lo puedo permitir». Aunque le da igual que le acusen de vendido: «No sé qué día sucedió, pero yo ya me vendí al capital cuando empecé a tocar en discotecas donde te cobran una entrada, no se puede fumar, hay seguratas y unas vallas de protección delante del escenario», concluye en el mismo diario.
Evaristo también acudía ayer a La Resistencia de Movistar+ a promocionar esta reaparición. Férreo en su actitud de vuelta de todo, David Broncano consiguió en cambio que mostrara su parte más tierna al contar que había ido al programa con su bebé, una niña de 9 meses que le ha hecho, a estas alturas, descubrir las canciones infantiles, asegurando que estaban bien porque luego le salía más mala hostia para hacer sus temas punkis. Aunque para punki su hija, que se pasaba el día «cagándose en todo». Entre tanta ternura, no tuvo problemas en reconocer que, tras 40 años de carrera, cuenta con unos 1.700 euros en su cuenta corriente y no tiene ahorros. Con tanta mandanga casi se le olvida atizar al sistema. Por los pelos.
2015. La industria despertaba a los nuevos hábitos de consumo del público más joven, que cada vez más se inclina por consumir playlists y canciones sueltas en streaming o Youtube (lo de la venta física y digital directamente parece no existir), y de repente las estrellas del pop parecían no precisar de un álbum como elemento en torno al cual giraría toda su maquinaria, permitiéndose programar giras completas sin necesidad de lanzar un disco, ni siquiera un EP. Sirvan J Balvin o Bad Bunny, estrellas del neo-reggaeton, como buenos ejemplos. 2018. Un día J Balvin publica ‘Vibras’, un disco exitoso en streamings y repercusión, que además es muy bien recibido por la crítica. Bad Bunny, otro icono de ese corte de público, publica en Navidad ‘X 100PRE’, un disco que también es bien recibido por prensa y público (ambos actuarán en Coachella). Y, ya en 2019, vemos cómo Luis Fonsi, que vivió el pelotazo de su carrera con ‘Despacito’, publica ‘Vida’, Natti Natasha lanza ‘ilumiNATTI’, el primer disco largo de su carrera… ¿Qué está ocurriendo? ¿De repente los álbumes vuelven a ser relevantes?
En el caso de estos artistas masivos –especialmente en el mercado latinoamericano– todo apunta a que sí, que estos trabajos funcionan a varios niveles. Y no se puede decir que lo hagan como simples contenedores de esas canciones que sus intérpretes principales han ido dispersando a lo largo del tiempo: en casi todos ellos, sus mayores hits figuran como temas extras, dando protagonismo a otros temas compuestos dentro del mood de ese trabajo, con una coherencia estética. Esto indica que hay una madurez del actual mercado para esos artistas, y por eso resulta inevitable pensar en otros nombres que han experimentado un vuelco en su popularidad reciente gracias al interés por el pop de origen hispanoamericano que se ha hecho ya mundial. Y no, no hablo de Jennifer Lopez, que por más que se esmera en publicar temas disfrutones no termina de pitar con ninguno de ellos y su teórico disco íntegramente cantado en español parece dilatarse ad-aeternum. Sino, precisamente, de una de sus herederas, “Becky from the block”. Es decir, Becky G.
Tras sus inicios como estrella adolescente bajo el ala de Dr. Luke (el EP ‘Play It Again’, publicado en su sello Kemosabe en 2013, sigue siendo a día de hoy es su único trabajo de media o larga duración) en un pop con ecos de hip hop y EDM bastante del montón, todo cambió para ella cuando en 2016 comenzó a cantar en español (¿quizá inspirada por la colaboración que realizó con J Balvin en el remix reggaetonero de ‘Can’t Stop Dancin´’ en 2015?) en la sucesión de singles ‘Sola’, ‘Mangú’ y ‘Todo cambió’. No cabe duda que “todo cambió” para la californiana Rebecca Gomez (de abuelos migrantes mexicanos) después de aquello, aunque sin duda fue ‘Mayores’, su monster hit junto a Bad Bunny, el que le mostró el camino al estrellato.
Ya en co-edición con Sony, el año pasado intensificaba su presencia estelar en singles propios, como el rotundo hitazo ‘Sin pijama’, además de ‘Cuando te besé’ (con Paulo Londra) y ‘Booty’ (con C. Tangana). Pero también ajenos, como ‘Mad Love’ de David Guetta con Sean Paul, ‘Bubalu’ de DJ Luan & Mambo Kingz o el remix de ‘Mala mía’ de Maluma con la colaboración de Karol G (otro gran nombre del nuevo pop latino que también publicó disco, después de todo). Pero, tras esa omnipresencia, este 2019 apenas ha reaparecido con un sorprendente single, ‘LBD’, con el que volvía al inglés y cuyo tono trap no encajaba con el perfil que había venido mostrando y que no parece especialmente orientado hacia el público de Sudamérica, donde está de gira estos días.
Sin duda todo esto ha situado a Becky G en una posición fantástica para convertirse en la estrella del pop que puede triunfar por igual entre el público hispanohablante y el anglosajón –algo que no han conseguido del todo ni Demi Lovato ni Selena Gomez, dos referentes femeninos claros del pop norteamericano reciente–. Pero la “faena” parece estar a medio rematar y la respuesta no parece ser seguir lanzando singles sin ton ni son. Porque ¿quién es capaz de retener todas las canciones en las que ha participado Gomez en los dos últimos años, por ejemplo? Parece que para consolidar este nuevo estatus se impone que Becky G también se una a la corriente y publique un álbum que dé consistencia a su presencia en la industria y que, con apenas 22 años, siente las bases de una carrera de largo recorrido. Diría también que en él podría dar coherencia a su propuesta artística, pero tampoco parece mala idea que incluso se anime a poner en él de todo, incluso corridos, como los de ese medley de ‘Por un amor’ y ‘Cucurrucucú Paloma’ que presentó hace unos meses.
La Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) ha publicado su lista de los discos más vendidos de 2018, que como es habitual se publica meses después de la tabla elaborada en base a estimaciones por Mediatraffic. La lista de IFPI tiene en cuenta solo discos vendidos en formato físico y digital, por lo que el streaming queda excluido, y además incluye copias distribuidas, razones por las que suele variar ligeramente de la del portal alemán. IFPI sí ha compartido por separado una lista de los artistas más exitosos de 2018 que incluye ventas y streaming, conformada por BTS, Drake, Ed Sheeran, Post Malone, Eminem, Queen, Imagine Dragons, Ariana Grande, Lady Gaga y Bruno Mars.
El disco más vendido de 2018 en todo el mundo, como ya estimó Mediatraffic aunque no es una sorpresa, pues sus ventas han sido muy superiores a las del resto de álbumes de la lista, ha sido la banda sonora de ‘The Greatest Showman’, en torno a los 5 millones y medio de copias. También las BSO de ‘A Star is Born’, ‘Bohemian Rhapsody’ y ‘Mamma Mia Here We Go Again’ aparecen entre los 10 discos más vendidos de 2018 a nivel global, en 4ª, 7ª y 10ª posición, respectivamente.
De hecho, el top 10 de IPFI presenta varias diferencias en relación al de Mediatraffic. En este caso, sendos top 2 y top 3 de la lista los ocupan BTS con sus álbumes ‘LOVE YOURSELF 結 ‘Answer’ ‘LOVE YOURSELF 轉 ‘Tear’, mientras irrumpen entre los 10 primeros puestos también las últimas obras de P!nk y Eminem, en 8º y 9º puesto. Johnny Hallyday aparece sorprendentemente en 5ª posición con su disco póstumo ‘Mon pays c’est l’amour’, y Ed Sheeran es 6º con su álbum superventas, ‘Divide’, lanzado a principios de 2017. IFPI compartía hace unos días a su vez la lista de 10 singles más vendidos en el mundo, coronada por ‘Havana’ de Camila Cabello con Young Thug.
1. The Greatest Showman BSO
2. BTS / LOVE YOURSELF 結 ‘Answer’
3. BTS / LOVE YOURSELF 轉 ‘Tear’
4. Lady Gaga, Bradley Cooper / A Star is Born BSO
5. Johnny Halliday / Mon Pays C’est L’Amour
6. Ed Sheeran / ÷
7. Queen / Bohemian Rhapsody BSO
8. P!nk / Beautiful Trauma
9. Eminem / Kamikaze
10. Mamma Mia! Here We Go Again BSO
Anoche, 13 de marzo, se celebraba la XI Edición de los Premios MIN en el Teatro Circo Price de Madrid, para la que partían como favoritos artistas como Morgan, Zahara, Christina Rosenvinge, La Plata, Belako y Carolina Durante. Con los 5 primeros, que aspiraban a Álbum del Año, manteníamos previamente una breve charla sobre los galardones. Finalmente fueron Morgan y su álbum ‘Air‘ los que se impusieron al resto como grandes vencedores de esta edición, cosechando 5 premios, incluido el Premio The Orchard al Álbum del Año, repitiendo con Mejor Álbum Rock, además del premio AIE al Mejor Artista, Premio Eventbrite al Mejor Directo y Mejor Producción por ‘Air’ (a cargo de José Nortés). También salieron muy bien parados Carolina Durante, que no sólo ganaron el Premio El Corte Inglés al Mejor Artista Emergente, sino que también se hicieron con la distinción de Canción del Año, nada menos, por ‘Cayetano’.
Si bien La Plata y Belako se fueron de vacío (como Nacho Vegas, por otra parte), Christina Rosenvinge y Zahara –otras de las principales nominadas–, no: la primera obtuvo el galardón a Mejor Álbum de Pop por ‘Un hombre rubio’, y la segunda, junto con el director Guillermo Guerrero, a Mejor Videoclip por ‘Hoy la bestia cena en casa’. Zahara terminó dedicando su premio a su «querido Albert, Pablo y Santiago» en referencia a los tres líderes políticos de la derecha en España.
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Cycle y su ‘Electrik’ fueron Mejor Disco de Electrónica, Los Hermanos Cubero con ‘Quique dibuja la tristeza‘, Mejor Álbum de Músicas del Mundo y Fusión, y SFDK y ‘Redención’, Mejor Álbum de Hip Hop y Músicas Urbanas. También se entregó el Premio de Honor Mario Pacheco a la promotora musical Marcela San Martín, por su aportación a la escena cultural de Madrid tras 30 años de dedicación desde la Sala El Sol, proyecto que recientemente ha abandonado.
La cantante y actriz Julia de Castro ejerció de sobria presentadora, apenas sin guión y con poco más discurso que el recuerdo de los medios de comunicación que han cerrado, ni poca más broma que una referencia a la posibilidad de que Putochinomaricón pudiera ganar un premio bautizado con el nombre de El Corte Inglés (al final se lo llevaron Carolina Durante, como decíamos). La vocalista de De la Puríssima, que anunció que su grupo se disolvería este año, fue la primera en actuar, de espaldas al público, antes de que pasaran por el escenario Dorian con una estupenda versión de ‘Cometas’, Pedrina con un popurrí de ‘Hoy’ y ‘Enamorada’, John Grvy sin Brisa Fenoy en ‘The Other’ o Los Hermanos Cubero con una emocionantísima versión de ‘Quisiera poder rezar’, acompañada de violín y violonchelo.
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Carolina Durante dejaron de lado su nueva etapa en Universal para interpretar en su lugar ‘La noche de los muertos vivientes’, y la gala fue cerrada por una versión extended de ‘Hoy la bestia cena en casa’ de Zahara (con puya a Ciudadanos), quien tras ser elevada hasta el cielo por sus bailarines en medio del patio de butacas (ya sabéis lo que le gusta hacer de vedette), invitó a los ganadores a hacerse la foto final junto a ellos, «los perdedores».
Bruno Muñoz, presidente de la UFI hasta hoy, apeló en el discurso oficial a la «competencia desleal» de Youtube, que paga «10 veces menos» que otras plataformas de streaming, pero por supuesto todas las miradas estuvieron puestas en la inesperada victoria de Morgan. Elegidos por el jurado, consolidaron la línea artística clásica de unos Premios MIN que en otras ocasiones han reconocido a Vetusta Morla o Niños Mutantes como Disco del Año. Ni ellos mismos parecían esperarlo a juzgar por sus espontáneos discursos, en la línea de «para nosotros el directo es una movida muy grande», «no podemos ser el mejor artista si están también Rufus T Firefly y La M.O.D.A.» (que no estaban nominados) o «gracias por considerarnos artista de rock porque somos rock por dentro y por fuera».
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Mejor Álbum de Clásica: Forma Antiqva – ‘Concerto Zapico Vol. 2’
Premio Etxepare al Mejor Álbum en Euskera: Ruper Ordorika – ‘Bakarka’
Mejor Diseño: Hazte Lapón – ‘Tú siempre ganas’
Mejor Álbum de Rock: Morgan – ‘Air’
Mejor Álbum de Hip Hop y Músicas Urbanas: SFDK – ‘Redención’
Mejor Álbum en Gallego: Tanxugueiras – ‘Tanxugueiras’
Mejor Álbum de Flamenco: Cañizares – ‘El mito de la caverna’
Premio Eventbrite al Mejor Directo: Morgan
Mejor Álbum de Jazz: Javier Colina & Chano Domínguez – ‘Chano & Colina’
Mejor Álbum en Catalán: El Petit de Cal Eril – ‘El Disc Triangular’
Premio SAE Institute a la Mejor Producción: Morgan – ‘Air’
Premio de Honor Mario Pacheco: Marcela San Martín (Sala El Sol)
Mejor Álbum de Músicas del Mundo y Fusión: Los Hermanos Cubero – ‘Quique dibuja la tristeza’
Mejor Álbum de Pop: Christina Rosenvinge – ‘Un hombre rubio’
Mejor Artista Iberoamericano: Gilberto Gil
Mejor Álbum de Electrónica: Cycle – ‘Electrik’
Premio Sol Música al Mejor Videoclip: Zahara – ‘Hoy la bestia cena en casa’
Canción del Año: Carolina Durante – ‘Cayetano’
Premio AIE al Mejor Artista: Morgan
Premio El Corte Inglés al Mejor Artista Emergente: Carolina Durante
Premio The Orchard al Álbum del Año: Morgan – ‘Air’
«Chino, hazte rockero, que estás perdiendo dinero» es una de las frases de la temporada. Se la dicen Novedades Carminha a Dellafuente en su tema conjunto, el exitoso ‘Ya no te veo’ y lógicamente es irónica, pues el urban se está merendando a las guitarras en términos de popularidad. Pero hay quien resiste en nuestra escena y en la escena internacional (al éxito de IDLES o Iceage me remito), y los manchegos The Niftys están entre los felices supervivientes con un segundo disco con el que han pretendido capturar «el sentimiento del blues, la elegancia del rock and roll, la contundencia del stoner, la actitud del punk, la sinvergonzonería del garage y la sutileza del soul», como acaban de decir en Mondosonoro.
Referentes como Arctic Monkeys, Queens of the Stone Age, Alabama Shakes, Jimi Hendrix o Led Zeppelin inundan unas canciones que no por puristas caen en la norma de lo establecido. Algunas outros parecen pensadas para el desboque en el directo como sucede hacia el final con ‘The Fight’, pero lo que es más importante, los textos tienden a cuestionar la sociedad y el inmovilismo. ‘Take a Little Run’, además de un solo de guitarra espinoso, presenta una letra que habla sobre no rendirse. Y ‘No Way’ parece cuestionar los patrones de la masculinidad. “Sus garras son afiladas / puede partir el mundo en dos / Él nunca duda, no es como tú”, dice el primer párrafo; mientras el segundo continúa: “él sabe cómo utilizarlo / su padre le enseñó», antes de apelar a hacer crecer (y acumular) «un buen montón de mierda». La misma temática parece ocupar ‘Deal With It!’, sobre un sujeto que se jacta de que todas las tías caigan en sus brazos. «Lo siento, pero esta es mi vida», indica irónicamente Anita, a las voces.
Tuvo todo el sentido que The Niftys se postularan como una alternativa con líder femenina a un Azkena necesitado de mujeres en su cartel. Acudirían además por derecho propio, pues el corte titular de este ‘Sweet Bloody Trip’ es la prueba viviente de cuánto encajarían en ese contexto. Es este uno de los mayores hits del grupo, incuestionable desde un vivaz arranque que es toda una declaración de intenciones: «no me importa el dinero / no quiero ropa bonita / lo único que de verdad quiero / es conseguirlo por mí misma». Otra inquietud, la de la autorrealización, que aparece en pistas como ‘Raise the Voice’ en contraste con esos momentos en que podemos autodestruirnos, como sucede en la inicial ‘Save Me’. The Niftys actúan este jueves 14 de marzo en Moby Dick, Madrid.
Calificación: 6,9/10 Te gustará si te gustan: Alabama Shakes, Jimi Hendrix, los primeros Arctic Monkeys Lo mejor: ‘Sweet Bloody Trip’, ‘The Fight’, ‘No Way’ Escúchalo:Spotify
Vampire Weekend han estrenado videoclip para ‘Sunflower’, uno de los varios singles de corta duración que han publicado recientemente de cara a su próximo álbum, ‘Father of the Bride’, que llega el 3 de mayo, y que están generando reacciones encontradas. ‘Sunflower’ es su colaboración con Steve Lacy de The Internet, y este aparece en el vídeo dirigido por Jonah Hill, aunque la sorpresa llega de la mano de Jerry Seinfeld. Todos ellos dan vueltas y vueltas en este mareante vídeo rodado en Nueva York, entre el mercado Zabars y el restaurante Barney Greengrass, informa Pitchfork.
La aparición de Seinfeld en el vídeo de ‘Sunflower’ no deja de tener cierta gracia, pues la canción suena exactamente como si fuera un jingle o la sintonía de una sitcom de los 90 (esos “ba-da ba-da ba-da”). Y Seinfeld, como todo el mundo recuerda, protagonizó una de las comedias americanas más icónicas de aquella década. De hecho, toda la estética de ‘Father of the Bride’ parece fijada en los 90, desde la portada del disco hasta el videoclip de ‘Harmony Halls’ pasando por supuesto por el presente videoclip.
El interés de Ezra Koenig por Seinfeld, de hecho, viene de lejos: en 2014 cantó la sintonía de ‘The Junior Mint’, un videojuego basado en el episodio de Seinfeld del mismo nombre creado por Jason Richards, conocido por su cuenta de Twitter @Seinfeld2000, y en 2016 hizo una versión de ‘Imagine’ de John Lennon en Beats1 pero con referencias a Seinfeld. Casi se puede decir que esto se veía venir.
Calvin Harris está a punto de lograr su 11º número uno en Reino Unido con ‘Giant’, su éxito con Rag’n’Bone. Sin embargo, otra canción se lo está impidiendo y es radicalmente diferente a la suya. ‘Someone You Loved’, una balada a piano desgarrada que recuerda a Adele o a Ed Sheeran, es ahora mismo la canción más exitosa en las islas británicas, y la firma un chaval escocés llamado Lewis Capaldi.
Capaldi ha publicado dos EPs, ‘Bloom’ y ‘Breach’, con los que ha servido de artista de apoyo en las giras de Sam Smith, Niall Horan, Milky Chance o al propio Rag’n’Bone Man (actualmente está teloneando a Bastille) y puede que su nombre te suene del sondeo del BBC Sound of 2018, en el que compitió contra Billie Eilish, Sigrid o Khalid (aunque no fue ninguno de los 5 finalistas). Además, Capaldi aspiraba este año al premio de la crítica de los BRIT, que perdía contra Sam Fender.
Es fácil comprobar al escuchar temas como ‘Bruises’ o ‘Lost on You’ que el cantante se está especializando en un tipo de balada emotiva con bien de desgañite vocal -aunque otros temas como ‘Grace’ o ‘Tough’ recuerdan más bien al pop-rock de James Blunt, Tom Walker y compañía-, por lo que no te sorprenderá descubrir que el videoclip para su número 1 no podría ser más lacrimógeno. El actor que lo protagoniza es Peter Capaldi, que fue el duodécimo ‘Doctor Who’ y es pariente lejano del músico.
Entre todo este drama de baladas y vídeos para morirse de pena, se agradece descubrir que el sentido del humor también estará presente en el trabajo de esta persona que se hace llamar en Twitter “Lewis Calamari”. Su debut sale el 17 de mayo y se titula, atención, ‘Divinely Uninspired to a Hellish Extent’, algo así como “divinamente poco inspirado hasta un punto terrorífico”. No vamos a negar que el título parece venirle al pelo, pero no todo debutante le quita un número 1 a Calvin Harris… Este viernes sabremos si ‘Giant’ finalmente se impone al baladón de moda.
Lady Gaga ha confirmado que se encuentra trabajando en su sexto álbum. Hasta ahora era público que la cantante había estado compartiendo estudio con BloodPop, SOPHIE y Boys Noize, pero no había habido mención explícita al sucesor de ‘Joanne‘ por parte de Gaga. En Twitter, Gaga ha desmentido el rumor de que está embarazada escribiendo que sí lo está, pero no de un bebé sino de su sexto álbum.
La cantante sí realizó declaraciones un tanto vagas al respecto de su próximo disco en una entrevista con Entertainment Weekly de 2017, en la que aseguró que estaba “escribiendo” y que tenía “muchas ideas y cosas que quiero crear”, pero que necesitaba “tiempo para crear”.
Entre su residencia doble en Las Vegas, ‘Enigma’ y ‘Jazz & Piano’ y el enorme éxito de la banda sonora de ‘A Star is Born’, película que ha protagonizado, y en especial de ‘Shallow’, que ha sido número uno en Estados Unidos y Reino Unido y sigue arrasando, además de los varios premios que ha ido cosechando gracias a esta canción, entre ellos el Oscar, está claro que Gaga ha tenido poco tiempo para concentrarse en su próximo álbum. ¿Querrá decir el tuit que este disco puede llegar dentro de 9 meses o antes?
Parte de la redacción evalúa ‘You Had Your Soul with You’, el nuevo single de The National, anticipo de su nuevo álbum audiovisual ‘I Am Easy to Find‘. Un disco que presentarán en nuestro país dentro de la programación de Mad Cool 2019.
“Tengo un poco el corazón “partío” con lo nuevo de The National. Por un lado agradezco la descarga de gravedad que supone, su ligereza -dentro de los límites posibles para The National, claro-. Ligereza no reñida con la emoción que bien saben destilar la banda. Me agrada que hasta Matt Berninger cante más suelto, que prescinda de su característico engolamiento, a pesar de que cante una letra que se mantiene en el habitual modo atormentado. Y, sin embargo, hay algo que no me cuadra. No me arrebata como otros singles de adelanto de The National. ¿Necesito que las canciones de The National tengan que dolerme? ¿Que todo esté siempre salpicado de su particular épica? ¿Me afecta la ausencia de un crescendo o de un estribillo claro? Para acabarlo de arreglar, la aportación de Gail Ann Dorsey apenas me supone nada. ¿Poco contraste con la voz de Berninger, quizás (ambos poseen un timbre parecido)? No sé la respuesta. Pero la verdad es que quiero que ‘You Had Your Soul with You’ me guste más de lo que realmente me gusta. Mireia Pería
“The National han compuesto una serie de canciones deslumbrantes a lo largo de toda su carrera, pero también otras que reflejaban cierto hastío, y ‘You Had Your Soul with You’ entra más bien en la segunda categoría. La letra sigue siendo derrotista (“no encuentro la manera de perdonarme / solo me quedaba una cosa y no la podía ver / no tienes ni idea de cuán intensamente morí cuando te fuiste”) pero formalmente, estamos ante una canción ligera, de ritmos y punteos bastante math-rock, que contrasta a su vez con el peso emotivo de las cuerdas. Sin embargo, ‘You Had Your Soul with You’ no puede considerarse a la altura de las mejores canciones del grupo: es evidente a dónde quieren llegar Matt Berninger y compañía con ella, pero se quedan totalmente a medio camino de lograrlo, dando lugar a uno de sus singles menos certeros”. Jordi Bardají
“‘You Had Your Soul with You’ es una canción extraña como primer single para un álbum de The National, acostumbrados como nos tienen a tumbarnos (y ganarnos) casi a la primera de cambio. Algo que, en todo caso, tampoco sucedía ya con su anterior trabajo ‘Sleep Well Beast‘ y su primer avance ‘The System Only Dreams In Total Darkness’. Como aquella, está marcada por un estimulante trabajo de guitarras por parte de los hermanos Dessner, un tanto math-rock, pero carece incluso más de pegada que aquella canción, sin estribillo y dejando como único gancho un giro melódico al final de cada verso. Dicho lo cual no quita que tenga algunos rasgos estimulantes que invitan a mantener la confianza en los autores de ‘Boxer’, más allá de esas guitarras y su permanente esmero por una poesía bonita y no demasiado evidente: las cuerdas que tensan en un segundo plano y la voz de Gail Ann Dorsey doblando a la de Matt son un buen revulsivo, que colisionan además en el precioso puente entonado primero a solas por la ex-bajita de Bowie y luego a dúo. The National no son infalibles, pero tampoco un grupo vulgar, eso desde luego». Raúl Guillén.
Después de ser confirmada para Sónar 2019, Holly Herndon anuncia que publicará por fin un nuevo álbum el próximo 10 de mayo, 4 años después del soberbio ‘Platform‘. Se titula ‘PROTO’, en referencia a los «protocolos» de Internet e Inteligencia Artificial que ella entiende que están marcando esta era de la Humanidad, ligados a un debate ético que debemos afrontar respecto a esa nueva tecnología. Pero, en realidad, este álbum no es que verse sobre Inteligencia Artificial, sino que, de hecho, ha sido creado CON Inteligencia Artificial.
En concreto con un sistema llamado Spawn, un software de procesamiento vocal que actúa de manera autónoma, creando nuevas formas a partir de otras tomas vocales. Spawn aparecía, de hecho, como co-autor e intérprete en ‘Godmother‘, una ¿canción? que Herndon publicó el pasado año (que estará incluida en ‘PROTO’, de hecho) y que se titula así porque es una reinterpretación por parte de «su hijo» de material original de JLin, por lo que Herndon la considera la «abuela» de la criatura.
Lo cierto es que aquel fragmento era una ida de olla a duras penas rítmica, que por más que esté generado por la lógica de un software parecía un mero accidente. Sin embargo, lo que nos presenta ahora como un nuevo single de ‘PROTO’ es muy diferente. Se trata de ‘Eternal’, un tema que, aunque se enmarca en la experimentación electrónica, resulta muy poderoso desde un punto de vista musical. De nuevo actúa en él Spawn, que esta vez se ha enfrentado no a una voz si no a las melodías vocales de corte folk realizadas por un coro comandado por la propia artista estadounidense.
El resultado es realmente espectacular, con unas bases muy potentes –que, curiosamente, suenan casi orgánicas– sobre las que las diferentes líneas vocales son filtradas y superpuestas, en este caso sí, con gran sentido musical, evocando por momentos algunas ideas melódicas que, tras su aspecto alienígena, recuerdan a algunos trabajos de Depeche Mode o Dead Can Dance. El vídeo de la canción se compone de filmaciones del proceso de grabación de esas partes vocales, que también han sido procesadas por un sistema de I.A. («inteligencia inhumana», dice la nota de prensa) que busca encontrar una conexión entre los sonidos humanos y las caras que los emiten.
Tracklist de ‘Proto’:
1. Birth
2. Alienation
3. Canaan (Live Training)
4. Eternal
5. Crawler
6. Extreme Love (with Lily Anna Hayes and Jenna Sutela)
7. Frontier
8. Fear, Uncertainty, Doubt
9. SWIM
10. Evening Shades (Live Training)
11. Bridge (with Martine Syms)
12. Godmother (with Jlin)
13. Last Gasp
Mientras esperamos a que lleguen noticias concretas sobre el nuevo disco de Selena, el vídeo de ‘I Can’t Get Enough’ se ha colado entre los más vistos de Youtube España tras su estreno, ocupando ahora el número 16. Lo ha dirigido Jake Schreier, que ha trabajado con Francis and the Lights, y en él los artistas implicados montan su propia fiesta de pijamas en una cama no gigante, sino colosal. Selena ha dicho que ella y sus colaboradores clavaron el vídeo en una sola toma pese a que se cayó “una o dos veces en el intento”.
El vídeo no será tan polémico como el de ‘Famous’ de Kanye West, que también incluía una cama gigante, aunque también un montón de famosos desnudos, si bien estaba inspirado en un cuadro de Vincent Desiderio.
A día de hoy, da la sensación de que ‘Care’ fue poco menos que un accidente en la carrera de How To Dress Well, como si se hubiera dejado llevar por un momento feliz de su vida (o por cierta ambición comercial, quién sabe). A día de hoy, repasando su carrera, y a diferencia de sus primeros trabajos, Tom Krell apenas dedica unas pocas frases a ese álbum de 2016, su trabajo más pop hasta la fecha. Y lo hace para rápidamente hablar sobre una instalación de arte en la que colaboró por entonces, y que derivó en la inspiración para ‘The Anteroom’, el trabajo que el canadiense publicó a finales de 2018 y que está bastante en las antípodas de aquel.
Influido por la electrónica experimental, ambient y oscura, de Coil, Burial, Helena Hauff, Neil Landstrumm, Front 242, Alec Empire (Atari Teenage Riot) o el ‘Unknown Pleasures’ de Joy Division’, y por poetas contemporáneos como Maggie Nelson o Alejandra Pizarnik, Krell construye en ‘The Anteroom’ una especie de alegoría sobre la condición humana, sobre su relación con Dios y con la Tierra, sobre el bien y el mal, para reflexionar sobre el futuro de la humanidad, para la que la inteligencia artificial será un punto y aparte, y el planeta, abocado a un colapso medioambiental. Los textos poéticos de Krell, de hecho, son tan farragosos como parece esa exposición (y sus ideas), repletos de imágenes apocalípticas como “piscinas llenas de sangre”, “cráneos rotos”, “podredumbre” y “dioses” , que parecen señalar la insignificancia del hombre en el Universo.
Es un trabajo líricamente muy abstracto, que sugiere y provoca, más que teoriza. Y eso encaja a la perfección con la propuesta musical, que no es menos intrincada, concebida como un todo inmersivo de 59 minutos, para ser escuchados de una sola vez. Una amalgama sonora que, fiel a los referentes citados antes, nos introduce en un opus de electrónica industrial, por momentos bastante asfixiante, en el que los confusos títulos y subtítulos de las canciones no indican sino distintos movimientos diseñados con minuciosidad por Krell y Joel Ford (antiguo compañero de Oneohtrix Point Never en el dúo Ford & Lopatin, que le ha asistido en la producción, con la participación puntual de CFCF). Sin embargo, por árido que pinte todo, ‘The Anteroom’ termina siendo una experiencia muy satisfactoria porque How To Dress Well sigue entregando verdaderas joyas del pop R&B que le conocíamos, cuidadosamente disgregadas a lo largo de la obra que, si ya es difícil de digerir en muchos momentos, sin ellas sería notablemente plomo.
Así, cuando parece que nos perdemos en false skulls y nonkillings, emergen no sólo pasajes melódicos que contribuyen a que pasen cosas (‘July 13 No Hope No Pain’, ‘Ceiling for the Sky’), sino grandes canciones como ‘Body Fat’, ‘Hunger’, ‘Vacant Boat’, ‘Brutal’ o ‘The Anteroom’. Canciones que, en códigos de electrónica próximos a los de Moderat y Four Tet (y hasta tecnazo a lo Nitzer Ebb en ‘Nothing’), destacan por la capacidad de Krell para cantar con su bonita voz melodías incontestables que hacen que, más allá de lo que uno quiera o pueda sumergirse en la experiencia de ‘The Anteroom’, este trabajo valga mucho la pena y recupere How To Dress Well como uno de los proyectos de pop más audaz de esta década.
Este miércoles, 13 de marzo, How To Dress Well trae a la Sala Razzmatazz de Barcelona el espectáculo de presentación de ‘The Anteroom’, que incluye una instalación de videoarte creada por Krell con NOH / WAVE: un sistema que reacciona al sonido ambiente para transformarse y mutar espontáneamente. Una configuración de hardware, que incluye una plataforma vocal en vivo experimental que le permite desencadenar y desintegrar los sonidos con su voz.
Calificación: 7,6/10 Te gustará si te gustan: su faceta más abstracta, la de ‘Total Loss’, Moderat, Oneohtrix Point Never Lo mejor: ‘Hunger’, ‘Body Fat’, ‘Brutal’, ‘Vacant Boat’, ‘The Anteroom’ Escúchalo:Spotify
Carmen Maura ha visitado esta noche El Hormiguero para presentar su nueva obra de teatro, ‘La golondrina’. Pablo Motos no ha querido preguntar a la actriz por sus polémicas declaraciones sobre Cataluña o el feminismo, pero sí por las elecciones del 28 de abril. Maura afirma que el problema de la política en España es que sus representantes son unos “maleducados impresionantes” que solo “se ponen a parir” los unos a los otros. Por eso, propone dejarlos “a pan y agua” como a los papas cuando no les sale la fumata blanca. “No se cobra hasta que arregléis el tema”.
Maura habla también de Pedro Almodóvar. Afirma que no tiene trato con él y que de hecho intenta no hablar de él en las entrevistas porque sabe que el director se enfada. Sin embargo, asegura que tiene “ganas de verle feliz” y sobre todo de ver su próxima película, ‘Dolor y gloria’, porque tiene “ganas de que una película de Almodóvar le guste”. Motos replica que él ha visto la cinta y que le va a encantar: “Para la gente que tenga más de 50 años, cuando el tiempo te ha dado unos navajazos que se te quedan ahí, la película de Pedro es finísima y Antonio Banderas está impresionante en ella”.
En otros puntos de la entrevista, Maura se enfrenta a un cuestionario sobre cultura francesa (ella vive en París) y española, prefiriendo el pan español al francés y los insultos españoles, pues en Francia, dice, no existe cultura de insultos como tal. Entre otras cosas, la actriz habla también sobre su mala memoria para acordarse de su mal rollo con alguien, pues ella es más “tipo positivo”.
Nueva edición de nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que, si no lo hiciste ya, te gustará ver. Hoy comprobamos que la «nueva» Taylor Swift es más humana que nunca, Amaia alimenta con flores el misterio en torno a su debut, Lily Allen, Robyn y Florence + The Machine dejan estampas de sus respectivas giras, mientras que Hinds o Zahara se manifiestan en el 8M.
La «nueva» Taylor Swift se permite achisparse
Con ‘reputation’, Taylor Swift decía adiós (o quizá “hasta luego”) a “la vieja Taylor”, aquella post-adolescente de apariencia cándida y canciones country-pop. Así que ahora estamos ante una “nueva Taylor”, que lo mismo se pone seria para teorizar sobre creación artística que se permite achisparse con sus amiguis Selena Gomez y la actriz Cazzie David. Y, lo que es más importante, plasmarlo con un selfie bien borroso… como mandan los cánones de estar achispado.
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Lady Gaga, Oscar al mejor drama
Lady Gaga fue una de las grandes triunfadoras de la última entrega de los Oscar tanto por el premio que cosechó por ‘Shallow’, como por sendos números 1 que esta canción y la BSO que lo contiene consiguieron gracias al galardón y su actuación con Bradley Cooper. Este fotón de Gaga tras obtener la estatuilla, tomado por el fotógrafo Greg Williams en las bambalinas de la gala (muy recomendable ver toda la serie que capturó esa noche), deja claro que Gemanotta vivió el mejor “drama” de aquella noche.
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Sharon Van Etten, prometida
Con ‘Remind Me Tomorrow’, la cantautora de Nueva Jersey ha dado un gran salto en su carrera artística. Y ahora, en medio de la promoción del álbum, parece que próximamente dará un salto en su vida personal, al aceptar la propuesta de matrimonio que Zeke Hutchins, su pareja, mánager, batería y padre de su hijo, le acaba de hacer. Es oficialmente una plaga.
Y es que, viendo esta foto de Florence Welch en su recién inaugurado tour 2019, se diría que también ha pasado por el registro civil… salvo porque este look de novia gótica es el suyo habitual, claro. De hecho, con su partenaire en ese casorio fake, casi parece que estén haciendo una recreación en tiempo real de las célebres copias de fotos de modelos que hace la actriz cómica Celeste Barber en su famoso perfil.
Otra artista que se ha fotografiado con flores últimamente ha sido Amaia Romero, que tras su periplo argentino debe estar ¿ultimando? su álbum de debut. Pocas pistas da en sus redes sociales, aunque días atrás subía este clip de una sesión de fotos oliendo eso, unas flores, mientras sonaba de fondo una canción de la película de Los Muppets. Ni siquiera ella misma puede tomarse en serio la estampa y se parte de risa.
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Robyn desata pasiones en Nueva York
La sueca Robyn ha comenzado la gira de ‘Honey’, su último trabajo, con una serie de conciertos en el Madison Square Garden de Nueva York, como veíamos en la pasada entrega de esta sección. La pasión que ella misma desprende se transmite a los espectadores, que dan continuidad al evento montando una suerte de after-party en los andenes del metro de la ciudad, como la propia artista recoge en este clip.
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Lily Allen canta sobre follarse a parisinos… en París
Otra que está de gira es Lily Allen, presentando el álbum que publicó el pasado año, ‘No Shame’. Una de sus canciones, ‘My One’, comienza con la explosiva línea “Baby, I fucked half the boys in Paris”, lo cual evidentemente desata reacciones de euforia cuando el tema es interpretado en la capital francesa. ¿Adaptará la letra a cada ciudad de la gira?
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El crepúsculo en L.A. vs el culo de Ms Nina
Sabemos por sus redes que la pionera del reggaeton femenino en España lleva unos días en Los Ángeles, parece que ultimando su primera mixtape. Pero el trabajo no la impide disfrutar de la ciudad: en este vídeo vemos cómo se emociona con el crepúsculo sobre Hollywood aunque… plot-twist: tanto como con su culo. [NdE: el vídeo fue eliminado por Instagram, pero Ms Nina lo ha resubido, gracias al cielo… de Los Ángeles.]
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Hinds, en el 8M
El pasado viernes, 8 de marzo, numerosas artistas de nuestro país se sumaron a la huelga feminista y a las manifestaciones que se celebraron en diferentes ciudades españolas. En Madrid acudieron juntas y al completo las Hinds –casi es una casualidad que estén en su ciudad: si no están de gira internacional, están en Londres preparando nuevas canciones–, que enarbolaron sus pancartas y dejaron este mensaje en redes sociales: “ser una banda de chicas nunca ha sido lo más fácil, pero nunca nos sentimos solas porque nos tenemos unas a otras”.
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“La Bestia” de Zahara, también “presente” en el 8M
Otra artista que estuvo presente en la manifestación de Madrid fue Zahara. Lo estuvo físicamente, pero también se multiplicó de forma virtual por todo el grueso de la manifestación en forma de pancarta: y es que su letra de ‘Hoy la Bestia cena en casa’, single de ‘Astronauta’ que manifiesta su disconformidad con el apoyo de algunos ideólogos neoliberales a los embarazos subrogados, se convirtió en todo un símbolo. En especial ese “si eres tan valiente, préstame tú tu vientre”.
Este miércoles 13 de marzo se celebra en el Teatro Circo Price de Madrid la XI Edición de los Premios MIN (Premios de la Música Independiente), a la que acuden como favoritos Morgan y Zahara con 6 nominaciones cada uno, por 4 nominaciones de Belako, Carolina Durante, Christina Rosenvinge y La Plata.
JENESAISPOP, medio colaborador de este evento, ha querido hablar con los 5 nominados a Álbum del Año para preguntarles por sus expectativas y favoritos. Es un año particularmente dulce para Christina Rosenvinge, que ya se hizo hace unos meses con el Premio Nacional de las Músicas Actuales gracias a ‘Un hombre rubio‘, después estuvo nominada al Premio Ruido a Álbum del Año y ahora aparece aquí como una de las favoritas. «Es una alegría estar nominada a tantas categorías. Fue una sorpresa que no me esperaba, porque este no es un disco fácil, que entre de una. Se confirma algo que siempre he pensado: no tiene sentido correr detrás del público intentando hacer algo que les guste, hay que correr delante y esperar que alguien te siga. A veces es uno y a veces son miles. Pero lo que ha funcionado antes no tiene por qué funcionar de nuevo. El mundo cambia muy deprisa». Sobre si piensa que puede ganar, se muestra dubitativa: «No me hago ilusiones. Estar nominada es suficiente alegría. Parece una frase hecha pero es verdad».
Mientras Rosenvinge no se aventura a escoger cuál es su favorito de los otros nominados «porque no [ha] escuchado a todo el mundo», Zahara sí se moja decantándose por el disco de Morgan. «Mi favorito de los nominados es ‘Air’ de Morgan. Desde que descubrí la voz de Nina me volví adicta a su voz. Este disco es increíble y en directo ya es de otro mundo».
Zahara es otra de las que también estuvo nominada al Premio Ruido, pero no por ello parece menos ilusionada con este reconocimiento para ‘Astronauta‘: «Con este disco están pasando cosas increíbles que no me esperaba y es increíble ver cómo todo va a la par. Estar nominada para este premio es sumar un poquito más, ver que todo el esfuerzo y el tiempo han servido para que no solo nosotros lo vivamos de una manera súper especial, sino que sea algo que va más allá de nosotros. Me hace muy feliz, de verdad. Tengo mucha emoción, ilusión y ganas». Sobre sus expectativas de victoria, indica que no tiene muchas esperanzas: «Ojalá. Claro. Me moriría de ilusión. Normalmente los premios no significan mucho, ¿no? Alguien decide qué mola pero eso no tiene por qué ser tan grande. Pero supongo que por el cariño que le tengo a estos premios me hace una ilusión especial», indica refiriéndose probablemente a que ella misma presentó la ceremonia de los Premios MIN hace un par de años. Añade: «No creo que gane. Sinceramente. Pero me voy a preparar un discurso, porque también tengo ilusión en que pase». Finalmente reconoce que sabía que el Premio Ruido lo iba a ganar ‘El mal querer’, que no puede optar a estos galardones al haber sido distribuido por una multinacional, Sony. «El Premio Ruido sabía que lo iba a ganar Rosalía. Se lo merecía. Era algo que tenía que pasar y me alegré sinceramente porque así fuera. Así que me alegro mucho que no esté Rosalía aquí (risas) ¡Hay esperanza!».
Morgan, los favoritos de Zahara, se decantan un cambio por otro nominado, ‘Render Me Now, Trivial Violence’ de Belako, apelando por lo demás al recuerdo de cómo fue la grabación de ‘Air’, un álbum en el que se sumergían en el soul o en el funk, entregando todo un himno en castellano como fue ‘Sargento de hierro’: «Estamos muy contentos de estar nominados, fue una experiencia muy bonita grabar mientras girábamos y que quedase plasmado el aire que respirábamos entonces en este disco. Estamos muy agradecidos por el reconocimiento».
Belako, por su parte, se perderán la ceremonia al estar de gira en este momento por Japón, si bien también han podido dejarnos una declaración. «Estar nominadas representa un reconocimiento a nuestro trabajo y eso siempre da mucha alegría. Además, consideramos que los MIN son unos premios muy importantes». De hecho, el cuarteto vasco ya sabe lo que es perderse una noche de victoria en los MIN, pues en otra ocasión, cuando ganaron el premio al mejor artista, entre otros, también les pilló de gira. Lo que no implica que no les haga ilusión llevarse el premio. «Estamos nominadas a 4 categorías y nos gustaría llevarnos alguno (risas)». Sobre sus favoritos, mencionan a Morgan, devolviéndoles el favor, y también a La Plata.
El disco de La Plata, ‘Desorden’, ha sido otro de los que pudo colarse entre los nominados al Premio Ruido y en todas las listas de lo mejor del año. Su batería, Carmona, es quien nos deja las últimas declaraciones: «Estamos muy contentos de estar nominados en los Premios MIN en 4 candidaturas, una de ellas el productor de ‘Desorden’, Carlos Hernández. La verdad es que no creo que ganemos, ni esta candidatura ni las otras, no sabemos cuáles son exactamente los nominados, pero no tenemos esa expectativa, aunque creamos que nuestro disco está gustado bastante: ha salido en un montón de listas, y en los Premios Ruido tocamos al estar nominados. Nos han considerado mucho, y se agradece porque son horas y horas y días de esfuerzo para parir un disco, no deja de ser tu obra. Le pones mucho cariño».
Preguntado sobre si esperaban este reconocimiento sin ser un grupo tan mediático, responde: «No somos una banda muy mediática porque las redes las usamos más como medio estético y de sello personal, más que como mera información, algo que es contradictorio porque en los tiempos que corren deberían ser más informativas. Pero intentamos poner poco contenido porque hay demasiado hoy en día para poder asimilarlo. Las llevamos más de otra forma, de manera más calmada. Estamos muy agradecidos de que nos tengáis en cuenta y nos preguntéis siempre».
La ceremonia de los Premios MIN contará con las actuaciones de Carolina Durante, Dorian, John Grvy, Los Hermanos Cubero, Pedrina y Zahara. JENESAISPOP dj’s pinchará en el after-party de la sala Zenith junto a Mondosonoro dj’S Einvita a dos lectores tanto a la gala como al after-party. Ganarán quienes respondan de manera más imaginativa a esta pregunta: «¿por qué quieres asistir a los Premios MIN»?. Las respuestas se envían a jenesaispop@gmail.com. La gala se retransmitirá en directo a través de Youtube.
Britney Spears sigue desaparecida de las redes sociales tras suspender su residencia en Las Vegas para atender a su padre enfermo (no publica nada desde principios de enero), pero recientemente ha tenido tiempo de supervisar el guion de un nueva comedia musical en la que sonarán sus canciones. ‘Once Upon a One More Time’ se estrenará en Chicago en noviembre y después buscará trasladarse a Broadway, informa The New York Times.
Aunque ‘Once Upon a One More Time’ sonará la música de Britney, su directora Kristin Hanggi ha aclarado que no será un espectáculo dedicado a la vida de la cantante. En realidad, la premisa de la obra es más curiosa: un grupo de princesas clásicas, entre ellas Blancanieves, Cenicienta, Rapunzel y la Bella Durmiente, viven aisladas en una cabaña con el único entretenimiento de un libro de cuentos de hadas de los hermanos Grimm. Cuando estas princesas ruegan a una hada madrina que les traiga un libro nuevo, esta les trae ‘La mística de la feminidad’, el famoso texto feminista de Betty Riedan de 1963. El libro cambiará sus vidas.
Jon Hartmere, autor de ‘Bare’ y escritor de la obra, ha explicado: “Estas mujeres han vivido en un mundo hermético y sellado, y entonces empiezan a indagar en ideas más modernas, en el feminismo de segunda y tercera ola, y a explorar el modo en que las historias llegan a las nuevas generaciones, y de dónde vienen las normas con las que vivimos. Pero también es un musical superdivertido”. 23 canciones de Britney sonarán en el musical, entre ellas gran parte de sus éxitos, pero también pistas menos conocidas. Una de ellas será por seguro ‘Cinderella’, ¿verdad?
The Chemical Brothers han presentado el tercer single de ‘No Geography’, su nuevo disco, que sale esta primavera y se presenta este verano en el Doctor Music. Tras ‘MAH’, ‘Free Yourself’ y ‘Got to Keep On’ ha llegado un ‘We’ve Got to Try’ de marcados ritmos hi-hop e industriales, aunque también con elementos bastante acid, si bien lo que termina destacando ante todo es el sample de ‘I’ve Got to Find a Way’, una vieja canción de soul de Hallelujah Chorus.
Los autores de ‘Galvanize’ han vuelto a contar con Ninian Doff, que en 2015 se encargara del vídeo de ‘Sometimes I Feel So Deserted’, para dirigir el clip de ‘We’ve Got to Try’. Lo protagoniza Girl the Dog, una “heroica perra” abandonada que es adoptada en un laboratorio en el que un grupo de científicos le prepara para conducir un coche de Fórmula 1 y finalmente para pilotar un cohete en el espacio. Allí, parece, creará su propio mundo canino.
‘We’ve Got to Try’ es además objeto de un remix por parte de The Chemical Brothers en colaboración con F1. El remix dura 4 segundos y es “uno de los más rápidos de la historia”, según la nota de prensa. “El dúo, famoso en todo el mundo por llevar al límite la tecnología y las máquinas a través de su música, ha trasformado un tema nuevo en el icónico nuevo sonido de un coche F1 rodando a todo gas. El tema incluido en el próximo álbum, ‘No Geography’ ha sido desmontado, reconfigurado y acelerado a 15.000 beats por minuto (BPM) para reflejar las 15.000 revoluciones por minuto (RPM) que alcanzan en la actualidad los sofisticados coches F1. ‘WGTT15000BPM F1 NEEEUM MIX’ es el resultado de ese experimento, siendo una de las remezclas más rápidas de la historia — un reclamo apropiado para la F1, el pináculo de los deportes de motor”.
Carmen Maura acude esta noche a El Hormiguero para presentar su nueva obra de teatro, ‘La golondrina’, que la actriz madrileña protagoniza junto a Félix Gómez y que podrá verse en el Teatro Infanta Isabel de Madrid hasta el 5 de mayo. El programa de Pablo Motos, que se emite en Antena 3, arranca a las 21.30.
Maura hablará también con Pablo Motos -o eso esperamos- sobre sus recientes declaraciones (no demasiado informadas, parece) sobre Cataluña y el feminismo. En el primer caso, la actriz declaró a El Mundo que le ponía “negra” “dar dinero a los catalanes” porque “es la comunidad que menos lo necesita”, y apuntaba patrióticamente que no soportaba “oír a los españoles hablar mal de España”.
Esta misma semana, El Mundo ha charlado con Albert Pla con motivo de su espectáculo ‘Miedo’, y le ha preguntado sobre las declaraciones de Maura. El artista ha respondido con ironía: “Le agradezco mucho a Carmen Maura el ingreso que me hace cada día. Que mañana no se olvide de hacérmelo”. Por otro lado, Pla responde al periódico que no le ha costado demasiado dinero decir que le “da asco ser español”, ya que tiene “la suerte de seguir recibiendo los ingresos puntuales de Carmen Maura”.
En otras declaraciones controvertidas, Maura afirmó a XL Semanal que no se creía “a la mitad de las actrices que dicen que las han violado», y por otro lado se pronunciaba a favor de los piropos en El Mundo: «Vamos a acojonar de tal manera al hombre que no va a haber forma de ligar”. ¿Recordará Motos todas estas palabras a la actriz? Esta noche saldremos de dudas…
Jonas Brothers han entrado directos al número 1 de Estados Unidos con ‘Sucker’, su single de regreso, pues cabe recordar que el trío formado por los hermanos Nick, Joe y Kevin se disolvió en 2013. El dato será estupendo también en Reino Unido, donde las “midweeks” sitúan ‘Sucker’ en el número 7, por lo que parece que estamos ante el “comeback” del año de momento… pese a su supuesta copia a ‘Feel it Still’.
Sin embargo, en España el primer dato para ‘Sucker’ es un poco peor, pues el tema entra solo en el número 25 de la lista de singles española. Su vídeo ha durado poco entre los más vistos de Youtube España y la canción ocupa actualmente un discreto puesto 38 entre los singles más escuchados en España en Spotify. De todas formas, no tiene pinta que esta vaya a ser la cumbre de ‘Sucker’ en nuestro país.
En cualquier caso, la entrada más fuerte en la lista de singles no la firman los Jonas sino Maluma con ‘HP’, su canción por el empoderamiento femenino (en serio), que entra en el número 15. El resto de entradas son ‘I Can’t Get Enough’ de Benny Blanco, Tainy, Selena Gomez y J Balvin (41), ‘Si se da’ de Myke Towers y Farruko (55) y ‘Déjate querer’ de Lalo Ebratt, Sebastian Yatra, Yera y Trapical Minds (85).
Miss Caffeina son el nuevo número 1 de la lista de ventas española. Así, ‘Oh Long Johnson‘ da a los madrileños el primer número 1 en álbumes de su carrera, confirmando que se encuentran en su mejor momento profesional. En comparación, ‘Detroit‘ debutó en el número 3, mientras ‘De polvo y flores’ solo alcanzó el número 10.
‘Oh Long Johnson’ es también la entrada más fuerte en la tabla de streaming, si bien se sitúa en el número 7. También en streaming, Cecilio G entra en el número 15 con ‘Limabeatz Million Dollar Baby’, Solange en el 37 con ‘When I Get Home‘ (la cantante es top 7 en Estados Unidos y top 18 en Reino Unido con este álbum de R&B experimental), Lil Skies en el número 81 con ‘Shelby’, In Flames en el 83 con ‘I, the Mask’ y Jonas Blue en el 97 con ‘Blue’.
El resto de entradas en el top 10 de la lista de ventas las firman Marisol Bizcocho con ‘Lo nuestro’ (3) y Zenet con ‘La guapería’ (8). Y más allá de los primeros diez puestos, Bryan Adams entra en el número 16 con ‘Shine a Light’, Sole Giménez en el 18 con ‘Mujeres de música’ y Novedades Carminha en el 19 con ‘Ultraligero‘, una semana después de debutar en la tabla de streaming. Completan las entradas en la lista de ventas ‘Visto en el jueves’ de Rocío Márquez (21), ‘What a Time to Be Alive’ de Tom Walker (23), ‘I, the Mask’ de In Flames (32) y ‘Do Outro Lado do Azul’ de Andrea Motis (43).
Los días 18, 19 y 20 de abril se celebra en Benicàssim una nueva edición de SanSan Festival, con nombres tan atractivos en la primera línea de cartel como C. Tangana, La Casa Azul (para entonces su disco ya estará en la calle), Miss Caffeina (que justo hoy alcanzan su primer número 1 de ventas en España), Carolina Durante, Triángulo de Amor Bizarro, Love Of Lesbian, IZAL, Fuel Fandango, Rozalén, La Plata y un largo etcétera que puedes consultar en su web. Además, habrá una actuación sorpresa en uno de los escenarios. Sobre esta y otras cuestiones, hemos querido hablar con Roberto Recuero, director de operaciones del festival. ¿Obedece el hecho de que no pueda anunciarse ese nombre a las conocidas exclusivas entre festivales? Recuero habla más bien del encanto de ser uno de los primeros festis del año: «La programación de la artista sorpresa no tiene nada que ver con agendas o exclusivas. Siempre que hablamos de SanSan nos ha despertado esa emoción que te indica que ya arranca la temporada. Tiene un poco de vuelta al cole, de fiestas prenavideñas, de ese primer día y de esa primera vez, y esa emoción hemos querido trasladarla y compartirla con nuestro público en forma de actuación sorpresa. Es un homenaje a ese público al que se le eriza el vello cuando suenan esos acordes, ese público que vive como nadie esta bendita pasión por la música en directo. Un homenaje a la pasión y emociones que provoca la música. Un homenaje en forma de sorpresa, para despedir esta nueva edición de SanSan por todo lo alto y con una sonrisa».
Roberto ha dejado caer que la actuación sorpresa correrá a cargo de una artista femenina, aunque no se ha decidido en qué grado se van a dar más pistas. «No o sí. Ahora no sabemos qué hacer. Tenemos las mismas ganas de mantener la sorpresa hasta el último día como de decirlo ya a todo el mundo. Lo que sí tenemos claro es que sólo descubriremos de quién se trata el mismo sábado 20 de abril y en directo».
SanSan Festival se está posicionando muy claramente con la contratación de artistas nacionales. Preguntado sobre si para ellos es un distintivo editorial, Recuero indica: «Así es, si bien siempre incluiremos propuestas internacionales y toques de color, SanSan Festival tiene un marcado carácter nacional. De hecho, SanSan Festival es el referente nacional de los 3 grandes festivales que operan en el Recinto de Festivales de Benicàssim y entre los 3 nos respetamos la línea editorial». Eso sí, esa apuesta por lo nacional parece que ya no incluirá a Los Del Río, como sucedió hace unos años en el festival, pues ha habido cambios en la dirección de SanSan. ¿Acaso lo consideran un error? «El pasado diciembre de 2017 y ante la falta de recursos de la dirección, el festival pasó a manos de una nueva empresa. Este cambio en la dirección y la línea editorial ha dado lugar a este nuevo SanSan que se ha presentado este año. Pero si bien los cambios se aprecian por todos los lados, es cierto que
la diversidad en la programación es también una seña de identidad de la nueva dirección y este año podremos disfrutar de artistas tan antagónicos como Rozalén, C. Tangana, Zea Mays o La Pegatina».
Entre las últimas novedades comunicadas por el festival, está la realización de conciertos en la Playa del Pinar de Benicàssim en horario de día, entre las 12.00 y las 17.00. Se podrá entrar por supuesto con abono y también sin abono por 5 euros, con acústicos y dj sets por parte de algunos artistas del cartel, como La Casa Azul o Love of Lesbian. Dos artistas que seguro que ofrecen un espectáculo familiar. «El Beach Club es nuestra playa, nuestra terraza y nuestro espacio para empezar la jornada junto al mar y rodeados de amigos. Es un espacio desenfadado y como tal su programación está plagada de amigos que quieren compartir ese vermut con nosotros. Así cada jornada contaremos con un show acústico, un Dj set de un headliner que participa en el festival y las mejores sesiones de los djs locales. Además, como programación también ofrecemos actividades acuáticas como una ruta guiada en moto de agua».
Resulta curioso cómo el tiempo, las circunstancias y, por qué no, el azar hace que caigan grupos que parecían destinados a hacer historia en la música y otros, que parecían secundarios, nos sorprendan no sólo perviviendo sino haciéndose cada vez más importantes. Por ejemplo, en 2008, cuando se publicaba su debut ‘Antidotes’, Foals tenían que lidiar con sempiternas comparaciones con Bloc Party, que entonces estaban en lo más alto tras publicar sus dos primeros discos. Hoy, estos últimos hace tiempo que están disgregados, con proyectos paralelos totalmente intrascedentes, e incluso hay quien hace de menos los logros de su alabado debut ‘Silent Alarm’. En cambio el grupo comandado por Yannis Philippakis no sólo sobrevive sino que se ha convertido en el mayor (y único) exponente de rock de estadio de aquella generación, dejando atrás un reguero de nombres que se antojaban estelares como el grupo de Kele Okereke, Klaxons o The Futureheads (por no mencionar a segundones como The Maccabees, Late of the Pier o The Pigeon Detectives).
El caso es que, a lo largo de esta década larga, han ido dando un viraje no demasiado evidente hacia un sonido expansivo y contagioso, en álbumes como ‘Total Life Forever’, ‘Holy Fire’ y ‘What Went Down’ que, sin ser obras maestras indiscutibles, aglutinaban algunos momentos destacables que encontraban su mejor exposición en directos espectaculares. Esa comunión que logran con el público es su mayor baza y, aunque de nuevo no lo persigan de una manera demasiado descarada, esta primera parte de ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ (un segundo disco conectado, pero no necesariamente complementario, llegará en otoño) parece entregada a ese menester, por más que disimulen.
Tras superar el abandono en busca de una vida tranquila del bajista Walter Gervers, miembro fundador (y el más equilibrado, dicen) del quinteto (será sustituido en directo por Jeremy Pritchard de Everything Everything), Philippakis y compañía aparentan buscar nuevos espacios sonoros. Por ejemplo ‘Exits’, primer avance de este trabajo, aunque resulta perfectamente reconocible en el empleo de esos arpegios de guitarra tan característicos (el elemento distintivo de aquello que llamábamos math-rock aún persiste), cambia el paso al no hacer explotar el tema de forma evidente, entregándose a una especie de hipnótica catarsis de repetición. Otros temas, como ‘Syrups’, resultan aún más sinuosos, construidos trabajadamente. Mientras que ‘Café D’Athens’ se enreda con intensos e interesantes arreglos de percusiones (marimbas y metalófonos), o las respectivas intro y outro, ‘Moonlight’ y ‘I’m Done With The World (& It’s Done With Me)’, que enmarcan el trabajo con contrapuntos ambientales.
Pero no nos engañan con estos elementos de distracción que, a la postre, no dejan demasiado poso: la chicha está en las canciones que, nada más escucharlas, uno ya se imagina siendo interpretadas en directo. Como si tuvieran perfectamente articulados sus mecanismos para llevar las canciones a ese plano –de hecho, es la primera vez que prescinden de un productor y se encargan ellos mismos–, no cabe duda que la adhesiva ‘On The Luna’ –que comienza directamente con su gancho–, la impetuosa ‘White Onions’ (en la que casi parecen Foals imitando a Foals) y, sobre todo, una ‘In Degrees’ que juguetea con el pop electrónico y lo bailable (evocando indisimuladamente a los Cut Copy más reconocibles) están destinados a generar el delirio en sus conciertos.
En esa mecanización de la faena, llega un punto en que se les va la mano: ahí está ‘Sunday’, que juega al cucutrás con esa cadencia lenta de su inicio –que recuerda a los Coldplay de ‘Parachutes’– para dar un giro housero en su ecuador, ofreciendo virtuales confettis y balones hinchables antes de encarar una recta final llena de “lololos” de manual –que recuerda a los Coldplay de ‘X&Y’–. Hacen muy bien Foals en aprovechar sus virtudes y explotarlas en sus extensas giras, pero si eso implica que salgan discos así de irregulares, con varios temas que ni sorprenden –hasta el planteamiento lírico «distopía metafórica de los males del mundo actual (léase «tecnología vs humanidad vs ecología»)» parece ya muy sobado– ni dejan huella en el oyente, quizá el peaje termine por ser demasiado alto. Esperemos ver si esa segunda parte de este ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ nos obliga a desdecirnos.
Foals presentarán ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ en nuestro país el próximo mes de julio, en sendos festivales: el Cruïlla de Barcelona y Low Festival de Benidorm (Alicante).
Calificación: 6,8/10 Te gustará si te gustan: TV On The Radio, Cut Copy, Coldplay Lo mejor: ‘In Degrees’, ‘On The Luna’, ‘Exits’, ‘White Onions’ Escúchalo:Spotify
Jonas Brothers están arrasando con su single de regreso, un ‘Sucker’ que, como se preveía, ha debutado directamente en el número 1 del Billboard Hot 100, repitiendo la hazaña de Ariana Grande con ‘7 rings’. Este es el primer número 1 en Estados Unidos para Jonas Brothers: ninguno de sus viejos éxitos, como ‘S.O.S.’, lo había logrado.
‘Sucker’ está siendo muy comentada también por su supuesto parecido con ‘Feel it Still’ de Portugal. The Man, uno de los más exitosos “crossovers” de 2017. De hecho, el propio grupo opina que la canción de Jonas Brothers es una copia de ‘Feel it Still’, aunque apunta que tampoco su canción era el colmo de la originalidad: “para ser justos, el estribillo de ‘Feel it Still’ suena muy parecido a ‘Please Mister Postman’ de las Marvelettes… que con todo el respeto del mundo usamos con el permiso del grupo, al que agradecimos por la oportunidad, como ha de ser”, ha escrito el grupo en Twitter. Efectivamente, los autores de ‘Please Mr. Postman’ están acreditados en ‘Feel it Still’.
Los autores de ‘Woodstock‘ incluso han compartido memes y mensajes de gente en Twitter que opina que ‘Sucker’ es una copia de su canción, reforzando su teoría. Sin embargo, han aclarado que no están “enfadados” con los hermanos, ya que son fans de algunas de sus canciones y en especial de los discos en solitario de Nick Jonas. No cuela, pero… ¿TAN parecidas son estas dos canciones?
To be fair, the chorus of Feel It Still sounds very similar to Please Mister Postman by the Marvellettes… Which we respectfully cleared and thanked them for every chance we got. As one does. @jonasbrothers
Seis años después de ‘Sólo muerdo por ti’ y una vez superado su miedo escénico, Mai Meneses ha vuelto a la actualidad con un nuevo disco de Nena Daconte llamado ‘Suerte’, encabezado por un single tan sólido como ‘Mi mala suerte’. La cantante se ha mudado de manera temporal a Dallas junto a su marido y sus dos hijos, pero pasa por Madrid para promocionar este álbum, antes de volver definitivamente a nuestro país el próximo mes de septiembre. Hablamos con ella sobre este disco que la muestra en plena forma como compositora, sobre sus controvertidas declaraciones sobre religión o sobre cuánto ha cambiado la industria en estos 6 años, y eso incluye tanto los festivales indies como OT. Foto: Sara Costa.
Me han dicho que esta entrevista tenía que ser hoy porque estás viviendo en Dallas, ¿y eso?
Estoy a caballo entre Madrid y Dallas. Para nosotros es una oportunidad de aprender inglés, de vivir la experiencia… pero no nos vamos a quedar allí. Yo más o menos me defiendo en inglés, pero he descubierto la barrera del idioma, hay mucho lenguaje no verbal que está en español y no me entiendo la gente. Para todas las cosas de papeleo, me bloqueo un poquillo. ¿Cuando dices «oportunidad» te refieres a que le ha salido algo a tu marido?
A los dos. Para mí está siendo una experiencia creativa, para pintar, hacer relatos cortos… cosas que no me daba tiempo a hacer normalmente. ¿Cómo es Dallas?
No vivimos en la ciudad. No es como Nueva York, tiene algunos rascacielos, hay algún barrio chulo como Design District, otro con tiendas artesanales… pero no me llama mucho.
¿Y musicalmente?
Hay una radio que es todo country y todas las canciones cuentan una historia larguísima. Parecen una peli, yo que soy mucho más escueta, de ideas sueltas… (risas) ¿Pero ponen country tradicional o de ahora?
Gente de ahora sobre todo, pero también antigua. ¿Algún descubrimiento?
No, que yo recuerde el nombre, no. No es mi estilo tampoco. La gente se va a Nashville a grabar, más bien…
Virginia Maestro, ¿no? Se lo ha tomado súper en serio.
El disco tiene 7 canciones. Has explicado que es tu número favorito, el disco se llama ‘Suerte’, el single ‘Mi mala suerte’… pero son solo 7 canciones. Roza el ser disco o no.
Es un EP casi (risas).
«Quería hacer un disco libre. Como nadie me impone un número de canciones, ni el público ni yo… Quería un disco abierto y dentro de 3 o 6 meses seguir sacando canciones de esta etapa»
Cupido han hecho un disco de 8 canciones, yo tengo un colega que dice que 7 es el mínimo para ser considerado disco, pero está ahí, ahí, entre 7 y 8.
Yo siempre he hecho discos muy cortitos, el primero dura como 40 minutos. Quería hacer un disco libre. Como nadie me impone un número de canciones, ni el público ni yo… Quería un disco abierto y dentro de 3 o 6 meses quería seguir sacando canciones que pertenezcan a una etapa. Ha cambiado todo mucho, casi todo el mundo escucha listas de reproducción. Cada vez menos gente se compra un disco entero.
¿Qué incluiría esa etapa que dices?
Todas estas canciones, las 7, y las que saque luego son de la misma etapa.
¿Entonces ya las tienes escritas?
No sé si las tengo. No, no las tengo (risas). Todavía no están hechas.
¿Cuándo has escrito estas 7 canciones?
Son del último año y medio desde que empecé a componer. A nivel personal estoy en una nueva etapa, ha despertado una nueva yo, más madura… Me conozco mejor, conozco mis miedos, mis debilidades, mis defectos. No soy tan perfeccionista ahora y eso se traduce en una forma de hacer canciones más sencilla.
¿Y por qué crees que ha sido esto?
He aprendido a amar mis errores, mis defectos, intento no ser tan radical conmigo misma. Tan machacona.
¿Pero por qué crees que ha sido?
No lo sé, la edad te vuelve más transigente contigo misma. Si no te quieres tú, ¿quién te va a querer? Vas aprendiendo.
‘Mi mala suerte’ es un poco un regreso a ‘Tenía tanto que darte’.
Me lo ha dicho mucha gente, yo creo que es por la base de instrumentos, por el punch rockero…
… o las voces infantiles.
Son mis sobrinitas, pero no estaba buscado. Salió así, la letra era un poco más dura y quería ponerle el contraste de los niños.
«No soy tan perfeccionista ahora y eso se traduce en una forma de hacer canciones más sencilla (…) De pronto me da miedo hasta subirme a un ascensor»
En ‘Ya no somos niños’ tu voz sigue sonando aniñada, sigue sonando como siempre, es identificativa…
Cuando me enfrenté al micrófono, Paco Salazar, que es espectacular para grabar voces, no se puso a buscar micrófonos como suele hacer un productor. Paco te dice: «sé cómo cantas, este es tu micro». Quería que cantara de manera natural, como si hablara, sin impostar la voz. Como soy yo ahora. Eso ha conectado con mi forma de cantar de siempre. Yo he tenido la misma voz toda la vida y creo que me moriré con esta voz (risas).
Lo cual tiene su gracia porque el proyecto se llama «Nena» Daconte. Aunque me da que tú no te ves tan aniñada…
¿La voz? No… (risas).
Vamos, que no la usas como contraste…
He querido cantar como soy yo sin hacer demasiadas florituras. Fue facilísimo grabar. Se nota que fumo, pero poco más.
¿En qué canción dirías que podemos notar que fumas? Yo no noto nada como si lo noté con el paso de Los Romeos a Lula…
No sé (risas). A veces me pasa y digo: «tendría que fumar menos».
‘La llama’ me ha recordado a Adele, a la que has citado alguna vez.
Bueno, sí, no es mi gran referente, pero con los niños escuchamos a Adele.
Es una balada un poco más anglosajona. He leído cómo querías evitar una macroproducción y en esta canción está muy bien cómo entra el banjo.
El banjo es idea de Paco, siempre identifica mi voz con el banjo, y le gusta ponerlo cuando graba conmigo. A mí lo más bonito de esa canción me parece el acorde flamenco que sale en el estribillo cuando no te lo esperas. La canción se va a un sitio que parece que no tendría que ir ahí. Esa parte es de Paco.
En la canción ‘En otra dimensión’ dices que «Me encantaría ser temeraria», ¿qué quieres decir?
«Y vacía». No lo sé, es una forma de hablar de lo prudentes que nos volvemos cuando somos mayores. Yo era muy loca, no me pensaba las cosas ni media vez. Ahora estoy más reflexiva, hasta al componer. Pienso mucho las frases. Antes tal cual me venía se quedaba. Ahora cambio mucho más y pienso mucho más.
¿Esto por qué es así? Porque hay gente de tu edad que, por el contrario, está viviendo una segunda adolescencia.
Me he vuelto prudente, no me gusta mucho tirar del hecho de ser madre, pero yo siempre soñaba con hacer puenting, y de pronto me da miedo hasta subirme a un ascensor. Me he vuelto miedosa. Es algo como interno, ni siquiera lo piensas.
Has hablado sobre el miedo escénico que has padecido en otras entrevistas, ¿cómo lo identificaste exactamente?
Yo pensaba que todo el mundo me estaba criticando, y hasta lo escuchaba durante el concierto. Como que todo lo haces mal. Es una lucha constante hasta que termina el concierto, intentando que no te afecte. Pero no es real.
¿Y esto cuándo fue?
En la época de más conciertos, yo estaba muy cansada. En la época de más éxito de Nena Daconte, desde 2007.
«Muchas veces no podía ni caminar, no sentía las piernas, no era capaz de caminar por encima del escenario»
Pero entonces hace muchísimo.
Yo tenía que cumplir contratos. La rueda no se puede parar. Hasta que pasaron 3 meses que estuve sin cantar y pensé: «qué alivio, qué bien me siento» y desaparecieron todos los demonios.
Pero entonces en los últimos dos discos, tú no estabas bien.
No… Siempre va a parecer que estoy bien pero la procesión la lleva cada uno por dentro.
¿Ahora cuánto tiempo hace que no te subes a un escenario?
No sé, no lo he calculado, pero una vez que te conoces, que admites que no eres perfecta, que no pasa nada porque la gente te critique… ya no conectas con la crítica ajena. Estoy más feliz y más tranquila.
¿Y cómo has llegado a este punto?
He hecho mucha terapia, he hecho meditación. Ayuda mucho la meditación para verte desde fuera: los problemas se desvanecen.
Te lo pregunto desde la inocencia más absoluta, yo pensé que por ejemplo Pastora Soler no iba a volver…
Son cosas internas, como pensamientos que se hacen muy fuertes que no te dejan disfrutar de la música. Muchas veces no podía ni caminar, no sentía las piernas, no era capaz de caminar por encima del escenario.
Y ese terror nunca se ha reflejado en tus letras.
No, porque yo hablo del amor, del desamor, del paso del tiempo… pero no de problemas concretos.
Te lo pregunto porque tú misma has dicho que sueles componer desde tu peor momento.
Pero tampoco me siento y digo: «voy a componer sobre tal tema». Me viene una idea y me siento. Otra forma de componer es que cojo poesía de otra gente, una novela, sobre todo algún poema, una idea, y pienso cómo lo escribiría yo con otras palabras.
¿Algún autor concreto?
No, pues en general,Cortázar, Salinas, Neruda, los clásicos del cole (risas) No conozco la poesía del siglo XXI, salvo Ajo, la micropoetisa, que me encanta.
Dos de las letras que más me han gustado son ‘En otra dimensión’ y la de ‘Y qué’, ¿pero tú de qué letras estás más orgullosa?
La canción que más feliz y más positiva me hace sentirme es ‘Amanecía’. ‘Ya sé’ me gusta también, tiene un punto surrealista que me hace gracia.
«Quería entender yo el disco, no que tuviera 800.000 capas y que yo misma no percibiera nada»
Has dado con una fórmula de pop-rock… «normal» que resulta que ahora mismo es original porque…
… no se estila. Todo el mundo está haciendo otras cosas. En este tiempo, he tenido mucho tiempo para pensar. Tenía una necesidad de volver a sentir amor por la música, de ilusionarme con el hecho creativo. De hacer un vídeo, con un bombo, ir a Madrid, a Barcelona… sin esperar que nadie lo vaya a ver. A nivel musical, tenía algún pianito, la guitarra y alguna base y le dije a Paco que quería entender yo el disco, no que tuviera 800.000 capas y que yo misma no percibiera nada. Paco hizo el ejercicio de contenerse y yo creo que ha salido muy bien.
¿Cuál es la mayor dificultad a que crees que te enfrentas en esta nueva etapa?
Que llegue la noticia de que he vuelto. Ahora se usan mucho las redes sociales, en aquella época no eran tan fuertes, pero tampoco espero nada. Quería sacarlo y dejarlo ahí. Ahora estoy pensando en los conciertos, pienso cómo voy a hacer para que las canciones que tienen 10 años suenen como me gustaría, introducir una pequeña evolución, y que la gente escuche las canciones de una manera nueva.
«Las opiniones personales en según qué temas deben quedar como opiniones personales y no mezclarlo con lo profesional»
¿Crees que te han perjudicado las declaraciones sobre tus sentimientos religiosos o el famoso titular «Nena Daconte se casa con el community manager del PP»? Sobre todo en el underground.
Yo lo que creo es que las opiniones personales en según qué temas deben quedar como opiniones personales y no mezclarlo con lo profesional. Mis canciones no hablan de esto y es una información que no merece la pena.
¿Pero te arrepientes?
Tampoco me retracto pero no aporta, simplemente.
Volviendo a mi pregunta, ¿crees que te han perjudicado?
Yo creo que no aporta.
Hace poco he hecho una columna defendiendo a Morrissey porque en The Guardian se la han jurado por unas declaraciones apoyando el Brexit y a algunos políticos de derechas.
Yo creo que ya con su edad que diga lo que quiera, se la suda todo… Yo tengo ganas de llegar a ser abuela (risas) Hay una cosa que me gusta de Estados Unidos y es que la gente respeta las ideas de los demás, la religión, las ideas políticas… La gente dice hasta lo que gana. Hay un respeto por los demás, por lo menos en apariencia.
Bueno, en Estados Unidos hay muchos problemas sociales…
Sí, eso es un caos.
No sé cómo será Dallas.
Es bastante América profunda, pero depende del ambiente en el que te muevas.
«Independiente es el que se edita a sí mismo, no es el tipo de música que haces»
En 2008, cuando ‘Tenía tanto que darte’, salían Vetusta Morla, comenzaba lo que se puede llamar indiemainstream… Todo este debate se ha perdido y el colmo ha sido OT, que ganara Amaia, una persona que va a actuar en un sinfín de festivales indies. Parece que se han derribado barreras…
Me parece perfecto, no hay diferencias de que el indie se supone que es lo bueno y lo comercial lo malo. En otros países no hay esa diferencia. Independiente es el que se edita a sí mismo, no es el tipo de música que haces.
¿Tú te ves beneficiada por esta nueva coyuntura ahora que en festivales como Dcode, Río Babel o Sonorama actúan Bunbury, Bebe…
Raphael fue el que rompió las barreras, ¿no? Sí, por qué no.
¿Tienes un mánager que te está haciendo un «push» para ese sector?
Todavía no hemos pensado dónde vamos a ir, lo decidiremos poco a poco. Lo primero no van a ser 10.000 personas. Primero tengo que coger soltura con cosas pequeñitas.
¿Tienes la banda formada?
No, todavía no.
Porque a Madrid vuelves en septiembre.
Sí, te lo has estudiado bien…
Supongo que no has visto OT al no estar aquí…
No, estaba en Dallas. ¡Yo no he visto OT en mi vida! (risas)
«Mi primer disco en 2003 (se supone que) era «malísimo», y luego se llevó premios y fue número 1 en las radios. Eso me enseñó cómo es la industria»
Pero da igual, ¿qué te parece que antes fuera OT como lo peor y ahora sea un poco como «qué guay»?
Yo creo que todo son modas. Mi primer disco lo autoedité en 2005, en 2003 lo escucharon todas las discográficas y era «malísimo», y luego se llevó premios y fue número 1 en las radios. Eso me enseñó cómo es la industria.
¿Crees que te puede pasar algo así ahora, que este disco pase desapercibido y luego se reivindique?
Me encantaría, pero no, no creo… No lo sé. Las cosas han cambiado, la intención era reenganchar a la gente a la que le gustaba Nena Daconte, no ‘Tenía tanto que darte’, que es superguay, pero también las otras canciones, la gente más de base, ese público más pequeñito. Este disco es para ellos.
Es difícil porque ha pasado una eternidad de años para lo que es el mundo del pop…
Yo empiezo de cero y más mayor. Es todo más difícil, pero yo creo que el disco está muy guay, estoy supercontenta.
¿Has escuchado las producciones de Kim Fanlo?
Sí, hay cosas que he escuchado. Es un gran productor.
Pero tampoco te ves en lo que hace…
No, yo creo que ha tirado a algo más superproducido. Pero no por eso voy a dejar de pensar que es un gran productor.
No sabes lo que le ha parecido lo que has hecho ahora.
No.
Como instrumentista, en estos años, ¿has cambiado tu manera de componer?
A nivel composición, siempre he sido guitarra y piano y he seguido igual, no he aprendido a tocar el chelo (risas).
Lo digo por si no te has mudado con el piano a Dallas…
Este disco está más hecho en guitarra, pero había canciones ya hechas aquí. Compongo igual, ahora conozco más acordes, me he puesto las pilas. El piano lo conozco entero pero la guitarra no. Ahora al papel en blanco me enfrento de manera más reflexiva, como te decía, pienso cada frase y hasta intento que algunas cosas rimen (risas).
¿En qué canciones podemos percibir esos otros acordes que antes no manejabas?
En ‘Amanecí’ no, ‘Ya sé’ no, ‘En otra dimensión’ no… (risas) ¡Es en lo nuevo que estoy haciendo! (risas)