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Red Hot Chili Peppers cantan ‘Pyramid Song’ de Radiohead frente a las pirámides de Egipto

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Red Hot Chili Peppers han llevado a cabo su plan de actuar frente a las famosas pirámides de Egipto en Giza. Los estadounidenses se suman así a la lista de artistas que han actuado en tan preciado lugar, entre los que se encuentran Frank Sinatra, Mariah Carey, Jean-Michel Jarre, Shakira, Kylie Minogue o Sting, según Setlist.fm.

La anécodta de concierto es que Red Hot Chili Peppers no han dejado pasar la oportunidad de tocar frente a las pirámides ‘Pyramid Song’, una de las mejores canciones de Radiohead. La elección no es casual, pues Flea -guitarrista de Red Hot Chilli Peppers- es a su vez miembro de Atoms for Peace junto a Thom Yorke -líder de Radiohead-, Joey Waronker, Mauro Refoscoel y el productor Nigel Godrich, quien de hecho produjo ‘The Getaway‘, el último trabajo de los Red Hot hasta la fecha.

El repertorio de Red Hot en las pirámides está disponible en Setlist.fm e incluye también sus habituales versiones de ‘I Wanna Be Your Dog’ de The Stooges y ‘Higher Ground’ de Stevie Wonder, además de los éxitos ‘Californication’, ‘By the Way’, ‘Give it Away’ o ‘Under the Bridge’. El vídeo completo, bajo estas líneas. ‘Pyramid Song’ empieza en torno a 1:59:50.

Rocío Márquez renueva el mítico bolero ‘Luz de luna’ y lo eleva a los cielos

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Hay versiones y versiones: están las que sirven como homenaje, otras que simplemente imitan de pe a pa el original y otras, no demasiadas, que reinventan lo escuchado y, partiendo de una grabación anterior como referencia, la convierten en una nueva canción. Es el caso de lo que ha hecho Rocío Márquez con ‘Luz de luna’, el clásico bolero de Álvaro Carrillo que se presentó como single de ‘Visto en El Jueves’, el nuevo álbum de la cantaora de Huelva. Y mira que hay interpretaciones míticas de esta canción: Rocío Durcal, Chavela Vargas, María Dolores Pradera, El Cabrero… Pero la de la onubense la lleva a un espacio propio, reconocible y nuevo.

Precisamente de la adaptación a bulería que hacía el cantaor sevillano es de la que parte la autora de ‘Firmamento‘, como nos ha explicado en una profusa entrevista que publicamos en los próximos días. Esa versión comenzaba incorporando un fragmento de la ‘Vidala del nombrador‘ –una canción de Jaime Dávalos, en ese estilo tradicional de La Pampa que dio lugar a la vidalita, un palo flamenco de los llamados «de ida y vuelta»–, antes de atacar el bolero tal y como se conoce más popularmente. Rocío, además, difiere de la versión de El Cabrero en que conserva un último verso del original de Carrillo que el cantaor omitía –el verso que comienza «Si ya no vuelves nunca, provincianito mío»– y que ella ha recompuesto como una suerte de outro.

Pero más allá de su estructura e historia, lo que consigue que esta ‘Luz de luna’ suene del todo nueva es la interpretación que hace Márquez, yendo de la mano del tocaor Juan Antonio Suárez “Canito” y las percusiones de Agustín Diassera, sus únicos cómplices musicales en esta aventura. Con esta escueta formación, Canito demuestra una imaginación asombrosa, con un toque de guitarra que en muchos pasajes es tan iconoclasta que ni siquiera parece flamenco (aunque no deja de serlo en ningún instante), mientras Diassera emplea triángulo, maracas y cajón casi como si fueran pinceladas, muy leves pero imprescindibles. E impulsada por ambos, la voz de Rocío nos agarra por el pecho y nos zarandea, especialmente en ese verso final antes citado.

‘Luz de luna’ ha sido el primer adelanto de ‘Visto en El Jueves‘, el nuevo trabajo de Rocío Márquez, publicado hace un par de semanas, y que está inspirado en hallazgos hechos por la artista en EL Jueves, un conocido mercadillo de segunda mano que se celebra ese día de la semana en la capital andaluza. Con ello, Márquez y su equipo quieren hacer reflexionar sobre la memoria, lo antiguo en un mundo tan fugaz en el que las cosas nuevas dejan de serlo de manera casi instantánea. Esa imagen también parece inspirar el vídeo de la canción recién estrenado: en un precioso trabajo visual de Vampire Films, Márquez, «Canito» y el bailaor Rubén Olmo se desdibujan en líneas digitales, junto con bodegones de cacharros y discos viejos que bien podrían haber sido hallados en El Jueves, como si pugnaran por que lo crudo y lo real no sucumbiera a lo digital.

Nasty Cherry, el grupo entre Spice Girls y The Runaways que amadrina Charli XCX

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En el fondo, Charli XCX debe añorar (como nosotros) su etapa punk-popera, la de ‘Sucker‘. Y por eso ahora se ha implicado al máximo en apoyar Nasty Cherry, un grupo formado por cuatro chicas que Noisey ya ha definido con bastante tino como unas Spice Girls que hubieran nacido en Los Ángeles y hubieran flipado con The Runaways. Son referentes dispares pero que, extrañamente, cobran bastante sentido al escuchar ‘Win’, el recién estrenado primer single del proyecto.

Y es que, efectivamente, esta canción tiene algo de pop y algo de punk, aunque no esté protagonizado por guitarras sino por teclados que más bien recuerdan a MUNA o The Pale Waves, y un bajo muy Peter Hook. Y es que, tal y como están hoy las cosas, ya es bastante punk no caer en los tópicos del pop actual y no hacer estallar la canción a la primera de cambio, reservándose el gancho hasta el minuto 2, para comenzar a repetirlo hasta el final. Una estructura bastante llamativa en la que también colabora la propia Charlotte Aitchison junto al productor, Justin Raisen, que además de a Charli ha producido a Sky Ferreira (no en vano ‘Win’ también remite a ella), Angel Olsen, Ariel Pink o Marissa Nadler. El single ha sido publicado en Vroom Vroom Recordings (así se llama el sello de la autora de ‘Vroom Vroom‘), para que todo quede en casa.

El cuarteto es de Los Ángeles, y su formación es muy reciente. La conexión con Aitchison parece estar en Debbie Knox-Hewson, la batería del grupo que ejerció como tal en los directos de la británica precisamente en la era ‘Sucker’. Completan Nasty Cherry la vocalista Gabby Bechtel, la guitarrista Chloe Chaidez (que también pertenece a una banda angelina llamada Kitten), y la bajista Georgia Somary, que se han ido presentando al más puro estilo revista teen (diciendo su horóscopo y comida favorita, movidas así) en su perfil de Instagram. Y es que, pese a que de momento ‘Win’ no cuenta con un videoclip, en Nasty Cherry parece muy importante la imagen: no hay más que ver el portadón de su single, con las miembros formando un cuadrado sujetando los pechos de sus compañeras a cada lado. El tiempo dirá si esto es sólo una curiosidad o algo más consistente, o si resistirán sin la implicación de Charli XCX en el proyecto, pero de momento el juego les está quedando, como poco, llamativo.

Escucha la playlist «Revelación o Timo»

Lola Indigo canta (y baila) ‘Corazón partío’ y revela el título de su disco en ‘La mejor canción jamás cantada’

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Esta noche se ha emitido en TVE la nueva edición de ‘La mejor canción jamás cantada’ (suspendida la semana pasada por la huelga general del 8 de marzo). El programa se ha centrado en la década de los 90 y ha contado con la participación, entre otros, de Miki Núñez, Carlos Sadness, David Otero, Lola Indigo, Sweet California, Carlos Baute y Alba Reche.

Lola Indigo ha hecho una versión de ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz, quien casualmente acaba de anunciar un nuevo disco llamado “el disco”, aunque la noticia es que ha aprovechado su visita al plató de ‘La mejor canción jamás cantada’ para anunciar que su disco se llama ‘Akelarre’ -sí, con K– y que sale “en primavera” (aunque esto ya lo había confirmado). Puedes comprobarlo tú mismo en el vídeo completo del programa, a partir del minuto 59.40. Mimi Doblas confirma que “pronto” sale nuevo single.

En cuanto a su actuación, la artista granadina tampoco ha dejado pasar la oportunidad de marcarse unos pasos de baile, sumando otra estupenda performance a su carrera televisiva. En Twitter ha escrito: “para mí ‘Corazón partío’ siempre ha sido la canción mas bonita en nuestro idioma, gracias a Gestmusic por invitarme a cantarla, a Ferrara por hacerme bailar con esta version y al maestro Alejandro Sanz por su obra y su inspiración infinita”.

Nena Daconte / suerte…

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6 años fuera de la industria musical es una eternidad. Lo era en los 60, cuando era lo normal que los Beatles sacaran un disco todos los años; lo era en los 70, cuando era lo normal que David Bowie sacara un disco o más todos los años; y lo es desde luego ahora, cuando lo normal es que un artista pruebe «suerte» con un single cada dos meses, sin contar «featurings». Nena Daconte va a necesitar mucha de esa «suerte» de la que habla en el título de su regreso para volver a conectar como pretende con el público que canturreó ‘Tenía tanto que darte’, ‘El aleph’, ‘En qué estrella estará’ o ‘Disparé’, máxime después de unas controvertidas declaraciones sobre religión y el aborto que ni la han acercado al target comercial de Taburete, ni han conectado obviamente con sus seguidores más progresistas o LGTB+.

Pero ciñéndonos a lo musical como ha de ser, ‘Mi mala suerte‘ sí es el single perfecto que puede servir para reconducir una carrera, pues es fiel a la esencia de la artista, conecta en espíritu con su mayor hit pero es independiente de él y no puede sonar más fresco y original en medio del huracán de música urbana y latina que suena en Youtube y otras plataformas de streaming. Recuerda a ‘Tenía tanto que darte’ no solo en el uso de voces infantiles, sino por ese gusto tan Mai Meneses de hacer sonar una canción triste, un sentimiento de rabia, como una grabación paradójicamente eufórica y optimista. La letra dice «Maldigo aquella vez y mi mala suerte», pero la sensación dejada es de desahogo, de dejar todas las malas vibraciones fuera, a lo que ha contribuido un simpático vídeo en el que la artista se pasea por Madrid y Barcelona acompañada de un bombo que marca el contagioso ritmo de la canción.

El resto de ‘suerte…’, 7 canciones que se verán complementadas por pistas sueltas durante los próximos meses, se compone de baladas como ‘Amanecí’ o la final ‘Ya sé’, esta última salpicada por los celos; y canciones de pop-rock como ‘Ya no somos niños’ o ‘Y qué’, con Nena Daconte intentando «recomponerse» de alguien a quien «no ha conseguido olvidar jamás». Otro gran estribillo. Las más interesantes son ‘En otra dimensión’, una acústica en la que Meneses sueña con una vida ajena a la maternidad («Me encantaría llegar a ser imprudente contigo, ser temeraria y vacía»); y muy especialmente ‘La llama’, en la que un precioso banjo aportado por el productor Paco Salazar y un pequeño cambio de acordes en el estribillo, construyen una canción con nada que envidiar al catálogo de Emeli Sandé, que habla sobre renacimiento (“He tropezado tanto y tantos fracasos / pero me sigo levantando y aún sigo aquí”) y resistencia («soy un barco en mitad del mar que ninguna ola consigue volcar»). Con un nivel compositivo infinitamente superior al de, por decir algo, los discos de Taburete o ‘Tráiler’ de Aitana, es un verdadero misterio por qué este disco no está logrando mayor repercusión. ¿Serán sus ideas políticas? ¿Será su edad? ¿Serán los años de silencio? Pero sobre todo, ¿está siendo justa la industria musical con esta autora? ¿No debería Meneses como mínimo estar componiendo para otros artistas de pop?

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Mi mala suerte’, ‘Y qué’, ‘La llama’, ‘En otra dimensión’
Te gustará si te gustan: Vega, La Sonrisa de Julia, Amaral
Escúchalo: Spotify

Hit de ayer: ‘God Give Me Strength’ de Kristen Vigard, un tema perdido de… ¿la mejor peli musical de la historia?

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En un reciente episodio de su podcast, el crítico de cine inglés Mark Kermode entrevistaba a la directora de cine Allison Anders con motivo de la reciente edición en DVD en el Reino Unido de su película de 1996 ‘Grace of My Heart’. Producida por Martin Scorsese y protagonizada por Illeana Douglas, John Turturro y Matt Dillon, narra la vida ficticia (pero inspirada parcialmente en Carole King) de una cantante y compositora de canciones del Edificio Brill durante la era dorada del pop en los EE.UU.

Durante el programa Kermode -que es un enorme fan de la película- alababa la obra de Anders y juntos departían sobre cómo se originó la idea y cómo se planteó quizá el elemento más crucial de la misma: la música. Anders explicaba cómo desde el principio quiso juntar a artistas contemporáneos de los 90 con compositores de éxitos de los 60 y que colaborasen componiendo. Así, Burt Bacharach, Joni Mitchell, Gerry Goffin o Lesley Gore se acabaron codeando -literal o metafóricamente según el caso- con Elvis Costello, J Mascis de Dinosaur Jr, Shawn Colvin, Dave Stewart de Eurythmics o Los Lobos. Las canciones, que recreaban los sonidos de la época bastante respetuosamente, se grabaron en el estudio B de Capitol Records en Nueva York -uno de los pocos que en los noventa mantenía su configuración y equipo originales- con la ayuda de gente como el arreglista Jimmy Haskell (The Everly Brothers, The Beach Boys) o el legendario bajista Chuck Berhofer (el de ‘These Boots Are Made For Walking’).

El sonido de la banda sonora va a la par con la calidad de recreación visual: la fotografía, ambientación y vestuario de ‘Grace of my Heart’ eran impecables, y vista veinte años después está a la altura de obras maestras de la resurrección visual más recientes como ‘Mad Men’ o la película ‘Love & Mercy’. Pero no es el único aspecto en el que film y banda sonora van parejos. Ambos comparten una constante que se resume en la palabra “emoción”. Si la historia de Edna Buxton de constante lucha (vital, sentimental, de género) está llena de triunfos y decepciones que llegan directamente al corazón, las canciones tienen una magia extraña que potencia todo ese caudal de sentimientos. Lo mismo ocurre con la trayectoria del personaje Jay Phillips (inspirado en parte en Brian Wilson) y las canciones que le rodean.

Los temas que elevan a los cielos a la película son varias, y de enorme calidad: desde los caprichos de pop recreado (‘Born To Love That Boy’) a la extraña-mezcla-que-sin-embargo-funciona de pop de guitarras 90s mirando a los 60 (las extraordinarias ‘Take A Run At The Sun’ y ‘Don’t You Think Is Time’ de J Mascis). Pero son las de corte más emocional las que coronan esta banda sonora, y a ‘Grace of my Heart’ por extensión: mención especial para la canción sobre amor lésbico en la sombra que Lesley Gore no pudo escribir en los 60 pero sí en los 90: ‘My Secret Love’, además de ser parte de una de las mejores escenas de ‘Grace of my Heart’, es un monumental himno y una composición que debería citarse más a menudo como una de las mejores de su obra.

Y sin embargo nuestro ‘Hit’ de esta quincena va dedicado a otra canción, interpretada por Kristen Vigard. Aunque no muy conocida, se trataba de una actriz y cantante que había debutado de niña en 1976 como la primera ‘Annie’ de la historia de Broadway y ya de adulta editó un único disco en solitario (‘Kirsten Vigard’, 1990) sin demasiado éxito (aunque incluso en España se vio bastante el vídeo de ‘Paint My Head’ en los canales satélite). A mediados de lo 90, mientras se estaba replanteando sus dos carreras, fue fichada para poner voz al personaje Edna Buxton en las escenas cantadas de ‘Grace of my Heart’. Tres son los temas que interpreta Vigard a voz y piano, y los tres son espectaculares. ‘A Boat on the Sea’, de Larry Klein, es de una melancolía difícil de explicar. La canción escrita por Joni Mitchell, ‘Man from Mars’, es estremecedoramente bonita también… y habría conseguido más fama de no ser por el impacto que deparó ‘God Give me Strength’, la colaboración entre Costello y Bacharach. Dos músicos que se juntaron simplemente para llevar a cabo el experimento propuesto por Allison Anders pero que para sorpresa de todos compusieron una canción tan exquisita, tan desarmante, tan colosal, que acabaron componiendo un álbum entero (‘Painted from Memory’, 1998).

Quizá por esa razón cuando se publicó la banda sonora la discográfica maniobró para que la versión que apareciese de ‘God Give Me Strength’ fuese la que grabaron ellos, una versión con gran pompa orquestal y sin duda excelente, pero que dejaba fuera del disco la interpretación más íntima e impactante: la de la película. En una de sus escenas más icónicas, Edna se la canta a Jay, quien va a producir su primer disco en solitario. Representa un momento de meta alcanzada, de etapa cumplida y también de expresión de dolor por un desamor que la canción expresaba magistralmente, en la doble interpretación de Illeana Douglas y Kristen Vigard:

“Ahora no tengo nada, así que Dios dame fuerza / Porque me siento débil después de su partida / Y aunque esté fuerte aún podría romperme (…) / Esa canción ya la hemos acabado / el sonido de esa campana ya se ha agotado / Él fue la luz que yo bendecía / Y se llevó mi última oportunidad de ser feliz”.

Conforme Kristen desgrana tan tristes versos con su voz cristalina, la canción va ascendiendo en una progresión de acordes y melodía a lo largo de unas estrofas, post-estrofas, pre-estribillos y estribillos que compiten entre sí en elegancia y emoción, con matices y detalles de los que hicieron de Bacharach el genio que en los 60 no sólo cambió el pop para adultos sino que influenció a figuras del pop futuro como Brian Wilson. Para cuando llegan el puente y el post-puente la tensión es máxima, extática. Y en ellos las letras de Costello son pura poesía sobre la necesidad del duelo cuando el amor muere:

“Aunque también podría borrarle de mi memoria / Romper el hechizo, mientras se vuelve mi enemigo / Quizá desaparecí como se borra una marca de labios en su camisa / Verás, soy de carne y hueso, y quiero que él duela / Quiero que él duela”.

¿Es hiperbólico declarar ‘God Give Me Strength’ la canción la más bella, compleja y emocionante de todos los 90? ¿O añadir que pertenece a la mejor película musical de la historia? Pues en ‘Hit de ayer’ lo afirmamos.

La ausencia de esta versión en la banda sonora decepcionó a muchos fans del film, hasta el punto de que a finales de 1996 Allison Anders acabó yendo al legendario programa de música de Los Angeles ‘Morning Becomes Eclectic’ (todavía en antena en la actualidad) para ser entrevistada y regalarles un DAT con la canción, que en la emisora se radiaba a menudo a petición de los oyentes. Un lustro después, la canción era una búsqueda habitual en Audiogalaxy, eMule, Soulseek y demás por parte de sus fans. Gracias a la llegada de Youtube, desde hace casi una década se ha podido ya acceder de manera normalizada a ‘God Give Me Strength’ (incluso la versión completa y en estéreo, aunque siempre gracias a canales no oficiales de los que afortunadamente la plataforma de momento tolera. Pero sigue siendo bastante inaudito que ni siquiera a día de hoy se pueda escuchar la canción (o la banda sonora) en Spotify ni plataformas similares. O ver la película en streaming. Quizá el destino de esta maravilla era simplemente ser un tesoro escondido, uno verdaderamente bello.

‘God Give Me Strength’ suena en la última entrega del podcast de Jaime Cristóbal, Popcasting, disponible en este enlace.

Alejandro Sanz presenta la portada de ‘El disco’, su nuevo disco

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Alejandro Sanz había anunciado que su nuevo disco llevaría por título ‘El disco’. La historia del pop ha conocido títulos bastante holgazanes para algunos álbumes, no exentos en algunos casos de cierta ironía que los hacían salvables: Björk llamó a su debut ‘Debut’, el primer disco de Meghan Trainor llevaba por título “título” y La Buena Vida tenían un álbum llamado “Album”. Seguro que nos dejamos muchos nombres más, pero “el disco” de Alejandro Sanz puede ser el peor de todos.

En cualquier caso, el autor de ‘Corazón partío’ ha anunciado finalmente que ‘El disco’ sale el 5 de abril y ha revelado su portada, en la que cual Jesucristo, el cantante aparece posando casi, casi en forma de cruz con la manos manchadas de pintura roja. Sanz iba a salir ganando con esta cubierta de todos modos, pues no habría habido forma de hacer una más fea que la de ‘Sirope‘. O sí.

Sanz había confirmado también que ‘El disco’ incluirá una colaboración con Camila Cabello y que la gira se llamará “la gira”. ‘No tengo nada’ (de imaginación poniendo títulos, podríamos apuntar) ha sido el primer single de este trabajo, y ‘Back in the City’ con Nicky Jam el segundo. Esperamos que el tercer single no se llame “single”, que ese nombre ya está cogido.

Nicki Minaj cancela el 2º concierto de su gira europea en una semana y el 3º en menos de un mes

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Nicki Minaj ha cancelado un tercer concierto de su gira europea solo una semana después de cancelar una fecha en Burdeos y menos de un mes después de cancelar un primer show en Bratislava, en los dos últimos casos por “problemas técnicos”: Nicki aseguraba que ni el recinto eslovaco ni el francés contaban con la “capacidad” suficiente para soportar su espectáculo, aunque en ambos casos las cancelaciones se producían con el público ya dentro del recinto.

Hoy viernes 15 de marzo, la autora de ‘Queen‘ actuaba en Dublín, pero parece que el tiempo no se ha puesto de su parte, al menos según la organización del 3arena. El recinto explica en un comunicado que “debido a condiciones climáticas adversas que han afectado a la navegación en el mar irlandés durante las últimas 24 horas, resultando en que varios camiones con equipamiento no hayan podido llegar a su destino, Nicki Minaj se ve obligada a cancelar su concierto de esta noche en el 3arena en Dublín”.

‘The Nicki Wrld Tour’ -una gira conjunta de Minaj y el rapero Juice WLRD- sí está llevando a cabo la mayoría de sus fechas europeas, la última de las cuales ha tenido lugar en Birmingham, aunque por lo que se ve en los vídeos de la gira en Youtube, no parece un show tamaño Muse. Así que o bien Minaj necesita un “team” nuevo, o bien está teniendo muy mala suerte en su periplo europeo.

Dave se impone a Foals y Dido y logra el número 1 de álbumes en Reino Unido

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Dave es el nuevo número 1 de álbumes en Reino Unido con ‘Psychodrama’. El rapero británico ya había sido número 1 en singles con ‘Funky Friday’, pero su top 1 en discos no estaba nada claro pues competía contra dos pesos pesados como son Foals con ‘Everything Not Saved Will Be Lost Pt. 1‘ y Dido con ‘Still on My Mind’, que son top 2 y top 3, respectivamente, en el caso de Foals con muy poco margen de diferencia respecto a Dave (279 puntos).

‘Psychodrama’ ha recibido 5 estrellas por parte de The Guardian. En su valoración del disco, el crítico Alex Petridis describe que es el “mejor y más valiente álbum de rap que ha visto una generación”, y destaca el controvertido single ‘Black’, que en sus palabras recibió una “oleada de críticas negativas” por parte de los oyentes británicos tras ser añadida a la playlist de BBC Radio 1, una de las emisoras de radio principales de Reino Unido. Pitchfork reseña hoy viernes el disco puntuándolo con un 8 sobre 10.

Dave además firma las tres entradas más fuertes en la lista de singles británica gracias a ‘Psychodrama’. En concreto, ‘Disaster’ con J Hus debuta en el 7, ‘Streatham’ en el 8 y ‘Location’ con Burna Boy en el 11. Parece que 2019 será el año de Dave. Por su parte, Sigrid –ganadora del BBC Sound of 2018– debuta en el top 4 con ‘Sucker Punch’.

PÆNDA defenderá a Austria en Eurovisión 2019 con una balada alternativa

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Austria ha ganado Eurovisión en dos ocasiones, la última en 2014 gracias a la gran Conchita Wurst, con su célebre ‘Rise Like a Phoenix’. La primera victoria de Austria en el festival fue en 1966, con ‘Merci, Chérie’ de Udo Jürgens, lo que significa que Austria es el país participante en Eurovisión que más ha tardado en volver a ganar: 48 años.

No parece que la suerte vaya a estar de parte de Austria esta vez en Tel Aviv, pues la canción que presenta el país este año en Eurovisión va 28ª en las apuestas y, en principio, aunque es una balada bonita no parece un nueva ‘Amor pelos dois’ que vaya a enamorar al mundo. PÆNDA -proyecto de la austríaca Gabriela Horn- firma esta balada entre lacrimógena e hipnótica, que por su carácter medio alternativo perfectamente podría pasar por una canción de London Grammar o Gordi.

‘Limits’ habla sobre la depresión, en una letra casi tan oscura como la propia canción: “he sentido el dolor, pero ya no duele, así que sonrío un rato, y empieza la tortura, la presión en mi pecho se hace rutina, no es que me de igual, pero ya no tengo nada más que soportar”. PÆNDA tiene algún tema bastante chulo en su repertorio, como ‘Waves’, en la onda pop post-Flume, por lo que es una pena que no haya tirado por ese camino para su puesta de largo en Eurovisión.

Calificación: 5,5/10
En los foros de Eurovisión se dice: “Austria no está mal, yo la tendria en alguna lista de fondo de Spotify mientras curro, pero es un ratico aburrida” – KikoCuadrado
En las apuestas: número 29

Rita Ora se apunta a la moda «disfrutona» en ‘R.I.P.’, junto a Sofia Reyes y Anitta

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Vivimos en la era disfrutona, en la que artistas propios y ajenos se apuntan a los ritmos latinos para construir un hit de pop transversal (es decir, que llega a muy variado espectro de público). Así que es cuestión de tiempo que veamos caer, una a una, a buena parte de las estrellas del pop en el post-reggaeton. ¿U os imagináis que lo de Madonna con Maluma va a ser un baladón orquestal?

La nueva popstar anglosajona en caer ha sido Rita Ora, que se apunta a un trío femenino junto a Sofia Reyes, la protagonista del asunto, y la brasileña Anitta, que lleva el disfrutonismo en sus venas y se apunta a un bombardeo. Se titula ‘R.I.P.’ y, como se suele decir, es un bueno bopazo: producida por The Fliptones, no deja de ser el típico ritmo reggaetonero –con algunos guiños a cumbia y chicha, al estilo de ‘Sin pijama’– con arreglos de tropical pop y, sobre todo, esos «bim-badi-bom-bom» que se incrustan en el cerebro sí o sí, puro ébola sonoro. Las tres artistas se han reunido en un clip muy colorido en el que interpretan el tema, con algunas referencias a la pleitesía que se rinde en México a los muertos y las calaveras –por aquello del «descanse en paz» del título, suponemos–.

No corráis a llamarlo apropiación cultural, puesto que Sofia Reyes es de Monterrey. Impulsada por Prince Royce, en 2017 publicó su álbum debut ‘Louder!’, logrando cierta repercusión con sus singles en español, sobre todo con ‘Llegaste tú’, con Reykon, y ‘Muevelo’ (sic), con Wisin. Aunque nada comparable al pelotazo que dio el año pasado con ‘1, 2, 3’, su hit con Jason Derulo y De La Ghetto, uno de los singles más exitosos de 2018 en España. Tras él, este ‘R.I.P.’ sigue un patrón muy similar, por lo que no nos extrañaría nada que volviera a pegar muy fuerte con él.

Janet Jackson, The Cure y The Killers, grandes nombres de Glastonbury 2019, donde también estará Rosalía

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Uno de los grandes eventos musicales del año en todo el mundo es el festival británico de Glastonbury. Por eso el anuncio de su cartel es uno de los que más especulaciones despierta, acostumbrando a incluir grandes nombres que pocos eventos de sus características pueden igualar. En esta ocasión no son tan sorprendentes como, quizá, cabría esperar: The Cure, sin duda, es un gran nombre, pero no tan inesperado si tenemos en cuenta que llevan meses confirmados en varios festivales continentales, como el madrileño Mad Cool 2019. Algo parecido sucede con The Killers, al los que el año pasado veíamos, por ejemplo, encabezando el Festival de Benicàssim y O Son do Camiño. Aunque algo nos dice que, en este caso, quizá presenten nuevo trabajo discográfico.

Lo que sí es más sorpresivo es la inclusión de Janet Jackson, como cabeza de cartel, puesto que no estaba embarcada en una gira mundial sino en una nueva residencia en Las Vegas, celebrando 30 años de ‘Rhythm Nation’. ¿Será el mismo espectáculo? Los otros cabezas de cartel de Glastonbury 2019, ya conocidos previamente, son Kylie Minogue y el icono del grime Stormzy.

Aunque quizá lo más impresionante del cartel de este festival sea su teórica segunda fila, que daría para encabezar varios festivales: desde Tame Impala, Miley Cyrus, Liam Gallagher, George Ezra, Ms. Lauryn Hill, Vampire Weekend, The Chemical Brothers y Janelle Monáe, el tamaño de la fuente comienza a ser casi invisible con Bastille, Christine and the Queens, Two Door Cinema Club… o Rosalía, a la que encontramos entre IDLES y Johnny Marr, nada menos.

Crystal Fighters, Tequila y Carolina Durante, entre los nuevos nombres de Sonorama 2019

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Sonorama, que este 2019 cumple ya 22 ediciones, acaba de anunciar buena parte de su programación para este año. La tanda de confirmaciones la encabezan Crystal Fighters, que acaban de publicar nuevo álbum, el festivo ‘Gaia & Friends‘. La organización asegura además que este concierto será el único que el grupo británico ofrecerá en un festival español en 2019. Otro de los grandes nombres que se incorporan a esta edición es la mítica banda capitaneada por Ariel Rot y Alejo Stivel, Tequila, que llevan a Aranda la gira de despedida que pone punto y final a la trayectoria de un grupo crucial en la historia del rock en castellano.

También destaca el regreso de los míticos Vancouvers, iconos de la primera oleada indie, Second –presentan ‘Anillos y raíces’, la fusión de folclore y electrónica de Fuel Fandango y unos Carolina Durante que vienen de triunfar en los Premios MIN y que para entonces posiblemente tendrán ya su debut en el mercado. Otros nombres, como es habitual centrados en el panorama del pop alternativo español, son Mucho, Los Vinagres, Agoraphobia, Ballena, Ladilla Rusa, Mostaza Gálvez, Invisible Harvey o Basanta.

Todos estos nombres se suman a un cartel en el que ya contaba con Love of Lesbian, La Orquesta Mondragón, Luis Albert Segura (L.A.), Miss Caffeina, Zahara, Shinova, Fangoria y Berri Txarrak. Sonorama 2019 tendrá lugar en Aranda de Duero (Burgos), del 7 al 11 de agosto. Los abonos están a la venta en la web del festival.

Primal Scream anuncian ‘Maximum Rock’ N Roll: The Singles’

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Primal Scream, con uno de los mejores catálogos de grandes canciones de los últimos 30 años, anuncian la edición de un nuevo recopilatorio. Se llama ‘Maximum Rock’ N ‘Roll: The Singles’ y saldrá el 24 de mayo a través de Sony Music. No faltará en él ninguno de los grandes clásicos de la banda, como podéis ver en el listado bajo estas líneas, pues el tracklist incluye ‘Rocks’, ‘Swastika Eyes’, ‘Miss Lucifer’ y así hasta 31 canciones que podrás escuchar en formato de doble CD o cuádruple vinilo.

El grupo, que actuará en Doctor Music Festival este verano, ha tenido unas palabras para presentar este disco: «Desde nuestro debut en 1985, ‘All Fall Down’, hemos abordado los singles como una opción estética, una declaración de dónde estamos como banda», ha indicado Bobby Gillespie. “Crecimos escuchando Suffragette City y Metal Guru en la radio. Los cuatro singles de los Sex Pistols eran geniales. Public Image de PiL tenía un sonido único. Prince y Madonna hicieron hits increíbles. Esta ha sido la línea que hemos escogido. Siempre me ha encantado la radio pop Top 40, me encantan los grandes éxitos como Meaty, Beaty, Big & Bouncy de The Who. Recuerdo que Alan McGee dijo de Higher Than The Sun no sería un éxito, pero que sería una revelación. Los grandes singles pueden salir al mundo y mostrar a la gente una forma de pensar distinta. Te hacen sentir menos solo»

Os dejamos con el repertorio del formato vinilo, y os recordamos que Primal Scream actuarán en el Doctor Music el viernes 12 de julio. Detalles, aquí.
VOL 1 A
1 1986 Velocity Girl
2 1987 Gentle Tuesday
3 Imperial
4 1989 Ivy Ivy Ivy
5 1990 Loaded
VOL 1 B
6 Come Together
7 1991 Higher Than the Sun
8 Don’t Fight It, Feel It
9 1992 Movin’ on Up

VOL 1 C
10 1994 Rocks
11 Jailbird
12 (I’m Gonna) Cry Myself Blind
13 1997 Kowalski
VOL 1 D
14 Star
15 Burning Wheel
16 1999 Swastika Eyes
17 2000 Kill All Hippies

VOL 2 A
18 Accelerator
19 2002 Miss Lucifer
20 Autobahn 66
21 2003 Some Velvet Morning (with Kate Moss)
VOL 2 B
22 2006 Country Girl
23 Dolls (Sweet Rock and Roll)
24 Sometimes I Feel So Lonely

VOL 2 C
25 2008 Can’t Go Back
26 Uptown (Weatherall mix )
27 2013 2013
28 It’s Alright, It’s OK
VOL 2 D
29 Goodbye Johnny
30 2016 Where the Light Gets In (with Sky Ferreira)
31 100% or Nothing

Mónica Naranjo presentará el reality ‘La isla de las Tentaciones’, el nuevo ‘Confianza ciega’

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Como contábamos hace unas semanas, Mónica Naranjo le ha cogido tanto el gusto a lo de la televisión tras su paso por ‘Tu cara me suena’, primero, y ‘Operación Triunfo’, después, había fichado por Mediaset. En principio parecía que ese fichaje consistía solo en la adquisición del grupo dirigido por Paolo Vasile del docu-reality ‘Mónica y el sexo’, una serie en la que la cantante viaja por el mundo investigando en las costumbres y la cultura sexuales de distintos países. Pero la cosa no se acababa ahí.

Hoy se ha anunciado que la autora de ‘Lubna’ será la conductora de un nuevo reality, ‘La isla de las tentaciones‘, que en realidad no es tan nuevo: ‘Temptation Island’ es un formato que lleva en antena más de 20 años en muchos países, y que consiste en trasladar a parejas consolidadas a una isla paradisíaca en la que el programa pondrá a prueba la fortaleza de su relación. ¿Os suena? Claro, porque en realidad es el formato que emitió Antena 3 hace años bajo el nombre de ‘Confianza ciega‘, uno de los realities más efímeros y a la vez más míticos de la televisión española. Por el momento no se ha confirmado ni la cadena que lo emitirá ni la fecha de estreno.

A todo esto, Mónica Naranjo no ha abandonado precisamente su faceta como cantante. Semanas atrás anunciaba ‘Renaissance Tour‘, una gira en la que celebrará sus 25 años de carrera repasando toda su discografía. De momento se conocen las de Madrid (2 de octubre), Sevilla (12 de octubre), Málaga (19 de octubre) y Barcelona (24 de octubre). Las entradas para los tres primeros conciertos están a la venta ya en Ticketmaster, mientras que los de Barcelona están a la venta en la web de El Corte Inglés.

A la mierda con esta mierda: ¿es hora de cancelar la cultura de la cancelación?

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Amaia Romero y Donald Trump tienen algo en común. Sí, esto es un cebo, pero antes de que saquéis las antorchas os prometo que tendrá sentido más tarde, y que precisamente de antorchas va la cosa. Antorchas como las del vídeo de ‘Burn the Witch’ de Radiohead, que curiosamente lanzaron después de borrar toda su actividad en redes sociales, lo cual hizo pensar a muchos que la canción trataba de los linchamientos digitales, especialmente en Twitter y especialmente lo que llamamos “cultura de la cancelación”. ¿Y qué es eso? Pues es un poco ese “a la mierda con esta mierda” de Los Punsetes, sacar las antorchas en redes sociales y tratar de paria a la persona famosa en cuestión, por unas declaraciones que ha hecho, o un comportamiento concreto de hace años que de repente sale a la luz. Aunque originalmente se diferencia entre “cancelation culture”, que va más sobre no consumir sus productos, como el debate que hay estos días en torno a Michael Jackson (no, este no es otro artículo del autor de ‘Thriller’, aunque sí recomiendo este interesante enfoque de Amanda Marcotte en Salon sobre cómo ella prefiere una “cultura de la justicia”); y “call out culture” (que encaja más con lo que acabamos de describir), lo cierto es que en nuestro país ambos términos se usan indistintamente, así que en este artículo vamos a hacer lo mismo en pos de la comprensión.

Los análisis de esta forma de ¿opinar/reaccionar? rezuman a veces un desprecio hacia unas generaciones concretas (millennial/Z) y, aunque tienen aspectos interesantes, el enfoque “old man yells at cloud” de artículos como estos de Conor Friedersdorf en The Atlantic dan bastante pereza. Sobre todo porque, empezase o no en una generación concreta, la cultura de la cancelación engloba ya a gran parte de la sociedad, y está en todas las generaciones (¿cuántos José Luis de cincuenta años llaman de todo a Anabel Alonso desde que osa pronunciarse sobre política, por poner un ejemplo sencillo?). Tampoco es exclusivo de la izquierda ni un comportamiento “de progres”, como se empeñan en decirnos, y de hecho muchos de los llamados “ofendiditos” que han ocasionado al “cancelado” problemas realmente graves no se correspondían con ese espectro ideológico: más o menos recientes tenemos los casos de Miren Gaztañaga, Dani Mateo, Guillermo Zapata, Fernando Trueba o Guillermo Toledo. En cualquier caso, que muchos de estos análisis tengan este sesgo no hace menos cierto el problema que intentan señalar: la velocidad a la que va todo en la actualidad implica juzgar y lapidar a celebridades con la misma velocidad, dándose casos cada vez más injustos, como el sufrido hace poco por Terry Crews, quien para algunos pasó de ser un osito de peluche a un demonio en cuestión de horas.

En el caso de Crews, mucha gente se asombraba por que alguien tan concienciado y deconstruido como él pudiese hacer esos comentarios. Y ésa quizás sea una de las raíces del problema: nadie es un demonio a todas horas, pero tampoco nadie es un osito de peluche a todas horas. La idealización que hacemos de las celebridades, convirtiéndolas, como decía hace unos meses a cuenta del caso de Marina, en objetos más que en personas, es totalmente contraproducente. Esperamos tanto de ellos que no les dejamos ser humanos: idealizar es una forma de deshumanizar, como venía a decir Chidera Eggerue en una reciente entrevista a Vogue: “deshumanizas a tus ídolos en tanto que les robas la posibilidad de equivocarse, de cometer errores”. Esto hace que la mayoría de famosos vayan con pies de plomo a la hora de comunicar sus ideas, y nosotros no somos tontos: la gente es consciente de ello, y precisamente el suponer que el famoso de turno es casi una simulación siempre sonriente de ‘The Stepford Wives’ les hace reaccionar con más crueldad. Así, un comentario desafortunado no es solo un comentario: es la prueba de que se ha roto esa simulación, de que ese es su verdadero yo y de que el resto de palabras que salen por su boca son falsas. Y pocas cosas nos revientan más que un hipócrita.

En cambio, gente como Trump, Bolsonaro o Abascal atraen no solo por el erróneo concepto de lo políticamente incorrecto (si el sistema está cargado de homofobia y tú estás siendo homófobo, estás haciéndole el juego al sistema, así que de antisistema y “políticamente incorrecto”, poquito), sino por lo mismo que nos encanta de Amaia: su transparencia. Soltando burradas constantemente dan la ilusión -solo la ilusión, pero esa ilusión es muy eficaz, como bien sabe Steve Bannon- de ser transparentes, auténticos, y estamos acostumbrados a que nuestros famosos no lo sean (quizás confundamos conceptos, porque no me parece que Mitski, por ejemplo, sea menos auténtica que Amaia, tan solo son muy distintas). Pero la política es un reflejo de nuestra sociedad: no parece casualidad que el reinado de este tipo de personajes en política coincida con la época de los linchamientos diarios online, porque a cualquiera de ellos tres podríamos verlos perfectamente, antorcha en mano, liderando uno de esos linchamientos. La delgada línea entre guerreros de la justicia social y antorchas se ve clara en situaciones tan surrealistas como la que se dio hace unos años con Irene Villa (insultada por no ofenderse por los mismos que la defendían (!!!)) o la descrita de forma brillante por la mencionada Mitski.

En conclusión, personalmente veo un error “cancelar” a gente por comentarios o comportamientos concretos, porque en sí es un error pensar que lo poco que vemos de alguien en redes sociales refleje su personalidad y su evolución, como comentaba Stephanie Smith-Strickland en Paper Magazine. Y no sé a vosotros, pero a mí el hecho de “cancelar” me recuerda al funcionamiento mental de los niños, cuando, tras una rabieta, son capaces de chillarle a su madre “¡te odio!” cuando dos minutos antes le estaban diciendo “mamá te quiero mucho”; cada vez que veo un “exposed”, un #FulanitoIsOverParty o, en definitiva, un “Fulanito está cancelado”, pienso que el modo de actuar no está demasiado lejos de ese niño de cinco años, por mucho que la “rabieta” pueda tener una causa noble detrás. Quizás se trate más de contextualizar el acto / la declaración en cuestión, de aplicar matices, y entender que, como nosotros y las personas de nuestro alrededor, esas personas cometen errores, y que, como hacemos con esas personas de nuestro alrededor, la solución puede pasar por poner las cosas en una balanza. En cualquier caso, un enfoque más efectivo (y ciertamente más empático), y del que cada vez se habla más, es que sea la gente cercana a esa persona la que, en privado, le haga ver su error; es decir, lo opuesto al “call out” sería el “call in”.

Porque, si lo pensamos fríamente, ¿nuestra buena intención en busca de justicia nos está cegando, haciendo que funcionemos como una masa enfurecida 24/7? Y, en muchos casos, ¿hay realmente buena intención o es solo morbo? “Una vez que adoptas esa mentalidad binaria, lo despersonalizas todo. Reduces seres humanos complejos a una simpleza del Bien contra el Mal. Eliminas el sentido de la proporcionalidad. De repente no hay distinción entre R. Kelly y el emoji con mala leche de una niña de instituto.” comenta David Brooks en este artículo de NY Times, de los más recomendables y claros sobre el tema. En él, el columnista pide empatía y contexto en vez de furia ciega, y deja entrever otra cosa: por supuesto que muchos SJW tienen buena intención, pero el porcentaje de bullies que usan la “justicia social” como excusa para su sadismo es también altísimo. Seguro que conocéis algún ejemplo entre vuestros círculos. “I put the world to rights / and when I’m a big boy I’m gonna write for Vice”, que decía Lily, “U-R-L B-A-D M-A-N with no empathy”.

Escucha lo nuevo de Karen O & Danger Mouse, Mujeres, Camela & Alaska, LSD, Kiko Veneno, Amparito…

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Nuevo viernes de novedades discográficas, algo más ligero que los últimos, pero siempre con cosas muy interesantes que reunimos en Ready for the Weekend. En el apartado de álbumes, las principales novedades son el álbum que une a Karen O (Yeah Yeah Yeahs) y el productor Danger Mouse, además de los discos de Matmos, The Faint, Stephen Malkmus (¡un disco electrónico!), The Cinematic Orchestra, Amparito, The Brian Jonestown Massacre, Hombres G, el grupo nipón femenino de punk CHAI, The Brian Jonestown Massacre y Benjamin Francis Leftwich. También hoy llegan EPs con material inédito de Mujeres y Baiuca.

La semana, como viene ocurriendo últimamente, ha ido de menos a más en cuanto a singles, con el esperado regreso de Shura, Holly Herndon, La Polla Records, Joan As Police Woman, Cala Vento o Gus Dapperton, a los que en las últimas horas se han sumado el single con pinta de hit de Sean Paul y J Balvin y el primer single de la nueva etapa indie de Iggy Azalea. Con estos también tenemos hoy lo nuevo de Emeli Sandé, Anderson .Paak, un sorprendente nuevo single de Kiko Veneno, un nuevo adelanto del álbum –por fin anunciado– de LSD (Labrinth, Sia y Diplo), Gloria Trevi & Karol G, Lamb, Baroness, Kuve, The Head and The Heart, One Path & Cruz Cafuné, un bopazo de Sofia Reyes, Rita Ora & Anitta, Los Ganglios (avance de su nuevo disco, promovido por crowdfunding), Jenny Lewis, King Gizzard & The Lizard Wizard, Tierra Whack, Nasty Cherry (atención a esta girl-band auspiciada por Charli XCX), Frankie Cosmos, Jose Domingo, Las Migas, Tomasa del Real, Jade Bird o El Grajo.

También esta semana hemos conocido la versión del viejo tema de la BSO de ‘Dumbo’ que Arcade Fire han hecho para el remake de Tim Burton. Otras curiosidades que se publican hoy son el álbum con el que Camela celebra sus 25 años de carrera, con invitados como Alaska, Javiera Mena o Carlos Baute, la versión que la actriz Elle Fanning hace de ‘Dancing On My Own’ de Robyn para la película ‘Teen Spirit’, la versión en vivo de Dorian & Nita (Fuel Fandango) para ‘Buenas intenciones’ o el remix de ‘Ah No No’ de Mariah Carey junto a la británica Stefflon Don. También hoy se publica un recopilatorio muy especial con el que el sello Jabalina Records resume y celebra sus 25 años de historia en el panorama independiente español.

No te pierdas… Iggy Azalea reaparece de fiesta en un funeral con ‘Sally Walker’

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Iggy Azalea inaugura por fin hoy su nueva etapa indie, tras una serie de desencuentros con Universal que acabaron con su paso por la multinacional. Como ya anunció cuando lanzó el EP ‘Survive the Summer‘, dejaría atrás el rap-pop que le dio tanto éxito en ‘The New Classic’ y volvería a centrarse en su faceta de MC pura y dura. Así lo demuestra ‘Sally Walker’, el primer single de esta era.

La canción, tras varios teasers mostrados en sus redes sociales, ha sido lanzada esta madrugada. Se trata de una producción de J. White Did It, la mano detrás de pelotazos masivos recientes como ‘I Like It‘ y ‘Bodak Yellow’ de Cardi B (también de otros temas suyos como ‘Money‘ o ‘Money Bag’), además del estupendo ‘a lot’ que avanzaba el último trabajo de 21 Savage. Se trata por tanto de una base oscura protagonizada por un piano solemne, mientras que la parte melódica se apropia directamente de una canción infantil muy conocida en EE UU llamada ‘Little Sally Walker’, que se canta en un juego de imitación… no sé si ya veis venir la temática de la letra.

Aunque quizá lo mejor de este lanzamiento está en su divertido vídeo, dirigido por Colin Tilley (que ya trabajó con Iggy en ‘Savior‘, y también es responsable de vídeos como los de ‘Taki Taki‘, ‘Slumber Party‘ u ‘Alright‘). Desde luego, no por ser indie signifique que no haya contado con presupuesto. Sin desvelar demasiado sobre el clip, diremos que gran parte de él se desarrolla en un funeral con muchas lágrimas (de cocodrilo) y que termina por transformarse en una fiesta a la que están invitadas algunas leyendas de RuPaul’s Drag Race (es citada explícitamente en la letra, por cierto) como Shea Couleé, Mayhem Miller y Miss Vanjie, además del propio J. White Did It o el youtuber James Charles. Y ojo, porque culmina con un avance de otros nuevos canción y vídeo, que quizá lleguen en breve.

Stella Donnelly / Beware of the Dogs

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Boys Will Be Boys’ se ha convertido en un símbolo de esta era de #MeToo y sororidad: una canción que, con tanta crudeza como delicadeza, se dirige a un violador que destrozó la vida de una chica, contando con la connivencia de la familia de él (“tu padre dice que eres inocente, que “la chicas se violan a sí mismas”) y, en general, de toda la sociedad (“¿Por qué estaba sola, llevando la camisa tan desabrochada? / dicen “los chicos son así” / sordos a la palabra “no”). Stella Donnelly escribió esta canción sobre una amiga, pero tristemente es una situación tan común y que se extiende a otro tipo de abusos no necesariamente físicos, que toma un cariz universal.

Esa canción es todo un himno feminista de la australiana y, como punto culminante de su EP debut de 2017, ‘Thrush Metal’, y también de este álbum de debut, ‘Beware of the Dogs’, marca un canon para ella. Y, efectivamente, ese paso de lo íntimo a lo general nutre buena parte de las canciones de este disco y se convierte en una huella personal: lo hace de nuevo en otro contundente alegato feminista, ‘Old Man’, basada en su propia experiencia con algún ejecutivo de la industria musical para dibujar a ese hombre maduro que emplea su poder y sus privilegios para forzar favores sexuales de mujeres jóvenes; lo hace también en ‘U Owe Me’, donde habla de un jefe que tuvo en un pub que, además de escatimarle la paga semanal, se pajeaba mirándola por el circuito cerrado de TV mientras servía cervezas; o en ‘Tricks’, donde retrata con comicidad a los pesados padres de familia cis-heteros que interrumpían pidiendo a gritos sus canciones favoritas (dice haber tocado ‘Wonderwall’ hasta hartarse) en los conciertos de versiones que hacía los domingos por la tarde en su Fremantle natal antes de dedicarse a la música profesionalmente.

Todas ellas son episodios que ejemplifican esa violencia machista a la que se somete diariamente más de la mitad de la Humanidad… pero, reconoce, ella misma goza de los suficientes privilegios como para no poder representar a todas las mujeres. Por eso, en realidad, ‘Beware of the Dogs’ no puede entenderse como un disco con una sola faceta, la reivindicativa, ni un único estilo lírico. De hecho, además de que hay varias canciones bastante menos específicas, de una poesía más abstracta (la propia ‘Beware of the Dogs’, ‘Watching Telly’ o ‘Die’), Stella también muestra cierta modestia al cantar puntualmente a situaciones puramente personales. No sólo al amor (fantástica ‘Mosquito’, en la que también se expresa de una manera bien directa: “uso mi vibrador pensando que eres tú”), sino al desamor (’Allergies’ la escribió tras una ruptura, y en la toma vocal podemos escucharla sollozar y sorber los mocos) e incluso a cosas mundanas como las incómodas reuniones familiares de Navidad (soberbia ‘Season’s Greetings’, donde se enfrenta a alguien de su familia que le dice que debería “ser más como su madre” y que termina entre improperios, mandándole/a a “tomar por culo”, literalmente).

Del mismo modo que el perfil lírico de ‘Boys Will Be Boys’ no es el único que muestra Donnelly en ‘Beware of the Dogs’, tampoco lo es el de su sonido espartano combinado con tenues arreglos y su voz dulce pero poderosa. Es un recurso precioso, que ella domina (su vibrato impresiona) y emplea con cierta frecuencia (las citadas ‘Mosquito’, ‘Allergies’, ‘U Owe Me’, ‘Face It’), pero este es un disco mucho más rico de lo que parece, como ya demostraba ‘Lunch’, fabuloso adelanto sobre la nostalgia de estar de gira, repleto de bonitos arreglos. Un camino similar, más rockero con un espíritu tradicionalista, que sigue también en ‘Tricks’ o ‘Season’s Greetings’, cuya tesitura vocal se asemeja sorprendentemente a la de Lily Allen, una artista que parece en sus antípodas artísticas pero quizá no lo esté tanto ni lírica (ya conocemos la concreción verbal de la británica) ni musicalmente (quizá sea por el empleo de cajas de ritmo y tecladillos muy sencillos, pero ‘Die’ y ‘Watching Telly’ vuelven a evocar encantadoramente a la intérprete de ‘Alright, Still’).

Aunque en muchos momentos ‘Beware of the Dogs’ sea lo que entendemos como el clásico disco de cantautora, no lo es de manera tan clara, y muestra a una artista muy singular (un bien escasísimo en el pop actual), con una voz propia y poderosa, en todos los sentidos. Quizá sólo cabría pedirle algo más de brillo en todas las composiciones (es perceptible el salto entre los temas más destacados y los que están simplemente bien), pero eso no implica que no se disfrute la mar de bien de cabo a rabo. Sólo cabe esperar que siga creciendo igual de bien.

Calificación: 7,9/10
Te gustará si te gustan: las boygenius, Feist, la Lily Allen menos popstar.
Lo mejor: ‘Boys Will Be Boys’, ‘Lunch’, ‘Mosquito’, ‘Tricks’, ‘U Owe Me’, ‘Old Man’
Escúchalo: Spotify

La Canción del Día: J Balvin y Sean Paul apuntan maneras en su pegadizo single conjunto, ‘Contra la pared’

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J Balvin, uno de los artistas latinos más importantes del momento, sino el que más, y Sean Paul, que en los últimos tiempos ha sumado varios éxitos a su larga carrera por ejemplo junto a Dua Lipa (‘No Lie’) o David Guetta y Becky G (‘Mad Love’), pero también en solitario (‘Temperature’), han unido fuerzas en un single conjunto llamado ‘Contra la pared’, que ya puede escucharse.

‘Contra la pared’ recuerda irremediablemente a ‘X’, el éxito de J Balvin y Nicky Jam, pues une el habitual ritmo reggaetón de Balvin con la melodía de un pitido tipo kazoo que puede rallar al principio, pero que está hecha para incrustarse en el cerebro. Aunque la canción se pega sobre todo desde el primer estribillo “busca la máscara, di qué fue, ya me tienes contra la pared, pide 1 vez, pide 2, pide 3”, y lo mejor es que potencia tanto la personalidad de Balvin como la del jamaicano Sean Paul, que aporta al tema un sabor más dancehall.

La canción está producida por Tainy, que acaba de colaborar con J Balvin en ‘I Can’t Get Enough’ también junto a Selena Gomez y benny blanco. El videoclip de esta canción es ahora mismo el más visto en Youtube España, aunque quizá la propia ‘Contra la pared’ lo supere en las próximas horas con su vídeo oficial, que acaba de estrenarse. Si Entertainment Weekly se refería a él como “electrizante”, quizá se refería a los colores chisporroteantes de la ropa que los dos cantantes (en algunos planos, brillan en la oscuridad literalmente) y sus bailarinas muestran en sus bailes en un paisaje árido, hasta el que se han desplazado en unos buggies muy guapos.

Sergey Lazarev volverá a representar a Rusia en Eurovisión 2019 con una balada gótica

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Rusia ha sido históricamente uno de los países más potentes en Eurovisión año tras año, pues incluso ha alcanzado el top 5 hasta en 9 ocasiones en lo poco que llevamos de siglo XXI. Sin embargo, el gigantesco país lleva dos años consecutivos sin participar en la final del festival debido en primer lugar a la polémica de Yulia Samoylova con Ucrania en 2017, y después al hecho que la propia cantante no lograra llegar a la final al año siguiente, tras volver a presentarse.

Este año, Rusia no se la juega y ha escogido para representarle en Eurovisión a uno de sus cantantes más populares, Sergey Lazarev, quien ya actuó en Eurovisión en 2016, quedando en tercera posición. Lazarev fue uno de los integrantes a finales de los 90 del grupo infantil Neposedi junto a Yulia Volkova y Lena Katina, que luego formarían t.A.T.u. por su cuenta, logrando un éxito internacional sin precedentes para cualquier artista ruso anterior o posterior. Por su parte, Lazarev formó Smash!! con su primo Vlad Topalov (también en Neposedi), pero su éxito se limitó a Rusia y a territorios próximos.

Ya en solitario, Lazarev ha cantado varios tipos de canciones en su carrera, desde dance-pop a R&B pasando por un rock bastante dramático y oscurillo. El tema con el que se presenta a Eurovisión formaría parte del tercer grupo, pues directamente parece de Within Temptation circa 2004. ‘Scream’, que habla sobre “tragarse” las lágrimas ante una situación dolorosa, justo lo que necesitan los hombres rusos en estos momentos, está mejor de lo que parece en un principio y de hecho va segunda en las apuestas, aunque su drama parece, sorpresa, bastante forzado. Eso sí, el videoclip es bonito.
Calificación: 5,5/10
En los foros de Eurovisión se dice: “Rusia es una horterada típica de las que enviaban los países del Este a finales de los 90, pero reconozco que está a punto de convertirse en mi guilty pleasure de este año” – Be my valentine
En las casas de apuestas: misteriosamente va 2º

Björk reedita su discografía en cassettes de colores

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Las cintas de cassettes están tan de moda que su consumo global volvía a aumentar en 2018, y no solo gracias a discos clásicos que una vez fueron editados originalmente en cinta sino también a álbumes de actualidad como los últimos trabajos de Ariana Grande (‘Sweetener’) o Kylie Minogue (‘Golden’). Aunque el consumo de cassettes en el mundo representa un porcentaje minúsculo del mercado, cada vez más artistas se apuntan a publicar sus obras en cinta aunque sea en ediciones limitadas, como acaba de hacer Björk.

Después de reeditar sus discografía en vinilos de colores, allá por 2015, tras el lanzamiento de ‘Vulnicura‘, desde este jueves están disponibles en la web de Björk todos sus álbumes en formato de cassette y por supuesto cada uno viene con su cinta en color correspondiente. Cada una de ellas vale 8,99 libras (unos 11 euros) y también puede comprarse el paquete de cassettes con las 9 cintas juntas por 69,99 libras (unos 82 euros). No hay cinta de ‘Selmasongs’ por alguna razón, aunque de hecho en su momento se llegó a editar en algunos países, como puede verse en Discogs. Por cierto, Björk ha sacado también hace poco una nueva tirada de camisetas “vintage”, también en su web.

Mientras tanto, Björk sigue preparando ‘Cornucopia’, su “espectáculo más elaborado hasta la fecha”, que se estrena en la galería de arte The Shed de Nueva York esta primavera y sucede a la gira de ‘Utopia‘. No está de más recordar que del último álbum de la artista se llegó a editar un vinilo color “genitales de babosa” para uno de sus singles.

Carly Rae Jepsen no te cuenta el típico romance en el adorable vídeo de ‘Now That I Found You’

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Carly Rae Jepsen ha estrenado el videoclip de ‘Now That I Found You’, una de las canciones del momento. El vídeo narra una historia de amor protagonizada por Carly Rae Jepsen, que hace de “Carly”; Jimmy Loweree, que hace de “Jimmy”, y “Shrampton el Gato”, que hace de “Gato”. Pero la historia no evoluciona como probablemente esperes.

Este es el argumento del vídeo con spoilers: una noche lluviosa cualquiera, Carly se topa con Shrampton el Gato cobijándose debajo de una caja de cartón, y pronto ambos se convierten en mejores amigos. Su relación es tan estrecha que el gato acompaña a Carly en todos los momentos de su día a día y ella incluso le pinta un cuadro. De repente, Carly tiene un sueño de Resines y eso lleva a la cantante a descubrir que el gato ha desaparecido, aunque por suerte no tarda en encontrarlo en brazos del que creíamos sería el verdadero co-protagonista de este adorable vídeo.

‘Now That I Found You’ es uno de los 2 sencillos que publicaba Carly hace unas semanas (el otro es ‘No Drug Like Me’) como anticipo de su próximo álbum, aún sin título ni fecha de edición. Ambos llegaban tiempo después del ya algo olvidado ‘Party for One’, un single de regreso que ha sido acogido de manera bastante tibia por crítica y público.

Algo pasa con… Tobias Jesso Jr.

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Tobias Jesso Jr. cavó su pequeño hueco en la historia reciente del pop de autor en marzo de 2015 con ‘Goon‘, un disco de baladas preciosas estilo años 70 que incluía al menos un clásico, ‘How Could You Babe’. El debut de Tobias auguraba una carrera fulgurante, como vaticinamos en uno de nuestros artículos sobre las revelaciones de la temporada, pero en 2019 seguimos sin su continuación y no parece que la vaya a haber: es lo que tiene haber participado en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos.

A Tobias le tocó la mano de Dios cuando Adele, la artista que más discos vende del momento, capaz de despachar decenas de millones de copias de sus álbumes sin despeinarse en una época ya muy mala para las ventas, le llamó para colaborar en ‘25‘, un disco que terminaría vendiendo 22 millones de copias -’25’ fue el disco más vendido de 2015 y 2016-. En concreto, Tobias co-escribió e hizo coros en ‘When We Were Young’, uno de los exitosos singles del disco. El resto es historia… o no, porque historia de Tobias Jesso Jr. propiamente dicha ha habido poca.

Actualmente al frente de su propia editorial, Orange Publishing, que utiliza frecuentemente para fichar a artistas noveles que le mandan demos por Twitter, pues él tiene muy presente sus inicios, Tobias está haciendo carrera componiendo y produciendo para otros artistas y, al margen de Adele, en tiempos recientes ha trabajado con Sia, Shawn Mendes, Paloma Faith, Niall Horan, John Legend o Florence + the Machine, e incluso con XXXTentacion y Meghan Trainor. Además, ha producido el disco de Emma Louise, con la que se acaba de casar, y recientemente ha estado componiendo con artistas de country “de primer nivel”, según una reciente entrevista con Billboard. En otras palabras, Tobias tiene la vida resuelta, ¿para qué va a sacar disco?

En la mencionada entrevista, Tobias ha afirmado que sacará otro álbum cuando lo necesite, pero que prefiere estar en un segundo plano ya que no le gusta actuar en directo y que, en cualquier caso, lo que ama es componer. “A mucha gente le gusta actuar, pero ese no soy yo. Yo tengo mucho miedo. Quizá haya cambiado un poco, pero escribiendo me lo paso muy bien. Si intento ser bueno en algo, es en escribir. Habla de mí como compositor, es todo lo que quiero”. Un disco que nos perdemos, en definitiva, aunque está claro que Tobias siempre va a estar por ahí rondando. Seguiremos disfrutando de su talento pero, en principio, solo a través de otros.