La lista de singles española sigue liderada una semana más por ‘Adán y Eva’ de Paulo Londra, y la única noticia destacable de todo el top 100 del cambio de año es que Bad Bunny ha obtenido mejores resultados en la segunda semana de edición de su disco, que en la primera. Probablemente porque ‘X 100PRE’ se editaba un lunes, el de Nochebuena, en lugar de un viernes como es habitual.
Así, ‘MIA’ con Drake sigue en el puesto 5, pero ‘Sólo de mí’ sube al puesto 10, ‘Ni bien ni mal’ sube al puesto 12 y ‘Caro’ sube al puesto 41. Pero además ‘Si estuviésemos juntos’ entra al número 88, ‘Otra noche en Miami’ lo hace en el 93, ‘200 MPH’ en el 95, ‘La Romana’ en el 96 y ‘Cuando perriabas’ llega al número 100. Ni que decir tiene que el disco es top 1 de “streaming álbumes”. Por otro lado, el artista aparece en la lista con otros temas colaborativos o que no están en el álbum, como ‘I Like It’ con Cardi B o ‘Está rico’. En total, Bad Bunny está en el 12% de todo el top 100 español actual.
No hay más entradas en el top 100, aunque sí vuelven algunas canciones como ‘Nothing Breaks Like a Heart’ de Mark Ronson y Miley Cyrus (81) o ‘Fuego’ de Eleni Foureira (86), entre otras.
Stella Donnelly es una de las cantautoras revelación tras la edición de su EP ‘Thrush Metal’, que presentó en el pasado Primavera Club. Hoy anuncia el que será su disco de debut, que saldrá el 8 de marzo, el Día de la Mujer Trabajadora, bajo el nombre de ‘Beware of the Dogs’.
El primer single oficial es ‘Old Man’ y detrás de lo que parece una inofensiva caída de acordes muy Sundays en su etapa folk, se encuentra una letra incendiaria. Stella Donnelly repite: “¿tienes miedo de mí, viejo? ¿o tienes miedo de lo que pueda hacer?”, antes de aludir al célebre -para mal- “grabbing” de Donald Trump (“si eres famoso puedes «coger» a las mujeres por el coño”) que provocó Marchas Feministas en todo el mundo. “Me «cogiste» con una mano abierta / (pero) el mundo te «cogerá» ahora a ti”, amenaza Stella usando el mismo verbo.
Más allá aún, la nota de prensa reproducida por medios como Stereogum, alude directamente a Woody Allen. Donnelly cuenta que escribió estos acordes «cuando Woody Allen llamó al movimiento #MeToo caza de brujas». Indica: «fue una sensación muy extraña para mí ver el mundo cambiando delante de mis ojos mientras estos hombres que habían explotado su poder durante tanto tiempo tenían que tomar responsabilidad por sus acciones. Me hizo recordar mis experiencias como mujer joven haciendo música, cuando algunos hombres poderosos concretos intentaron manipularme y explotar a otras mujeres jóvenes. Necesitaba escribir esta canción para mí misma porque si no, todavía estaría enfadada conmigo misma por mis días más jóvenes y naíf. No tengo intención de señalar públicamente a estas personas, pero es una agradable sensación saber que quizá oigan esta canción un día y quizá sientan una pequeña parte de la humillación que me hicieron sentir entonces».
La letra de este tema asegura que serán «nuestras palabras las que mantendrán seguras a nuestras hijas» y desafía: «tus cualidades no cuentan si pones tu polla en la cara de alguien». Aunque el texto no alude directamente a Woody Allen, lo cierto es que una de las líneas indica «que ya no estamos en 1993», justo el año en que los juzgados estadounidenses se debatía si el director había abusado de Dylan Farrow. Recientemente esta ha concedido una entrevista reiterando que sufrió abusos y por tanto se ha reabierto el debate. Desde entonces, la carrera de Woody Allen permance en «stand-by», sin que se sepa si Amazon cumplirá su contrato de cuatro películas con el artista, aunque la primera, ‘A Rainy Day in New York’, está terminada hace meses. Os dejamos con el tracklist del disco de Stella Donnelly, que se abrirá con esta ‘Old Man’ e incluirá su éxito pasado ‘Boys Will Be Boys’.
01 Old Man
02 Mosquito
03 Season’s Greetings
04 Allergies
05 Tricks
06 Boys Will Be Boys
07 Lunch
08 Bistro
09 Die
10 Beware of the Dogs
11 U Owe Me
12 Watching Telly
13 Face It
Promusicae publica hoy la lista de los discos más vendidos entre 28 de diciembre y 4 de enero, probablemente la de mayor consumo del año en España, pues precede a Reyes, y por tanto la más competitiva. Como ya advertimos la semana pasada, Manuel Carrasco ha sido el verdadero rey de la Navidad con ‘La Cruz del mapa’, y su disco es el número 1 de ventas en España en un momento tan decisivo. Además, está en el puesto 5 en la lista de streaming.
El top 5 de ventas se completa con la reedición de ‘Prometo’ de Pablo Alborán, ‘Tráiler’ de Aitana, ‘El mal querer’ de Rosalía y ‘Todas las mujeres que habitan en mí’ de Vanesa Martín, que ha sido promocionado en televisión esta Navidad. La gran curiosidad del top 10, hablando de promoción televisiva, es la gran escalada de Bertín Osborne. El título de su álbum ‘Yo debí enamorarme de tu madre’ ya había sido objeto de mofa, pero él ha reído el último y sube hasta el puesto 9 en este momento clave, mientras el mundo ha de frotarse los ojos. Hay que elogiar la resistencia en el top 100 de ‘Mismo sitio, distinto lugar’ de Vetusta Morla más de un año después de su edición (nº39), ‘Autoterapia’ de Izal (puesto 65) o ‘Astronauta’ de Zahara (puesto 75).
La única entrada en ventas es en el 35 y es ‘Las Galas Vol. 3’ de OT2018. En cuanto a streaming, no hay entradas esta semana. El disco más escuchado ha sido ‘X 100PRE’ de Bad Bunny, que acabamos de reseñar, seguido de ‘El mal querer’ de Rosalía y ‘Aura’ de Ozuna. Os dejamos con los discos más vendidos de la Navidad en nuestro país:
1.-Manuel Carrasco / La cruz del mapa
2.-Pablo Alborán / Prometo
3.-Aitana / Tráiler
4.-Rosalía / El mal querer
5.-Vanesa Martín / Todas las mujeres que habitan en mí
6.-BSO Bohemian Rhapsody
7.-Rozalén / Cerrando puntos suspensivos
8.-Lo mejor de OT2018 Parte 2
9.-Bertín Osborne / Yo debí enamorarme de tu madre
10.-Alfred García / 1016
El k-pop lleva años extendiendo sus tentáculos en occidente, y boybands como BTS está marcando hitos globales como ser el primer grupo coreano en alcanzar el número 1 de la lista de ventas de álbumes de Estados Unidos, o superar a Taylor Swift como el vídeo más reproducido en sus primeras 24 horas con ‘Idol‘ (eso fue hasta que llegó el clip de ‘thank u, next’, eso sí). Recientemente también veíamos a LOOΠΔ yyxy (parte de esta extenso girl-group divido en varias ramas, para ser más concreto) colaborar con Grimes, o a otro grupo de chicas, BLACKPINK, hacer un featuring en un tema de la edición especial del debut de Dua Lipa, ‘Kiss and Make Up‘.
Precisamente este último combo femenino ha provocado hoy una pequeña revolución en nuestro país, España: se han convertido en trending topic número 1 del país en apenas minutos, después de que se anunciaran la primera gira del cuarteto en Norteamérica y Europa, y que incluirá una fecha en Barcelona. Y eso que la única información facilitada por Live Nation es esa, porque de momento ni se ha dado a conocer el día exacto, ni el recinto, ni cuándo se pondrán los tickets a la venta.
Este anuncio llega pocos días después de que, tras varios singles y EPs, BLACKPINK hayan publicado su primer álbum, ‘Blackpink In Your Area‘, un disco de pop con trazas de hip hop y hasta country a lo Taylor Swift en el que combinan con mucha soltura coreano e inglés, lo cual explica que algunos de sus singles en plataformas como Spotify cuenten las escuchas por cientos de millones, siendo bastante más modestas las de otros compatriotas. Su gran éxito, al margen del tema con Lipa, es la majorlazeresca ‘DDU-DU DDU-DU’, que acumula la friolera de 593 millones de reproducciones en Youtube.
Según había venido insinuando en sus redes sociales en los últimos días, esta madrugada Lana del Rey ha estrenado un tercer single –tras ‘Mariners Apartment Complex’ y ‘Venice Bitch’– de ‘Norman Fucking Rockwell’, su próximo álbum de estudio oficial, después de publicar ‘Lust for Life’ en 2017. Se trata de un disco compuesto y producido codo con codo junto a Jack Antonoff (.fun, Bleachers, Taylor Swift, Carly Rae Jepsen) en el que parece arriesgar más que nunca con lo que se presume como su álbum más personal hasta la fecha (que ya es decir). Las últimas noticias dicen que podría publicarse el 29 de marzo, pero MTV UK lo menciona como «un rumor».
Y es que, si ‘Venice Bitch‘ era un intrincado tema de casi 10 minutos repleto de arreglos y ‘Mariners Apartment Complex‘ un tema con gancho pero en el que las subidas y bajadas de intensidad aportaban dinamismo, ‘hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but I have it’ (titulazo, en todos los sentidos) también va a su bola… aunque sin perder la coherencia con lo que parece la tónica general del quinto largo de la neoyorquina. Esto es: oscuridad al estilo ‘Ultraviolence’ pero despojada de la pátina electrónica.
Una tónica que apunta, al contrario de lo que pudiera sugerir el trabajo de Antonoff con otras artistas pop, a una instrumentación tradicional y arreglos clásicos. De hecho, esta nueva balada es una balada prácticamente desnuda, con apenas un piano guiando la voz sin artificios de Lana. Aunque evoca a composiciones propias –en nuestro foro sobre la artista, hay quien la ve como una «‘Change’ 2.0″– y la melodía es extrapolable a una de sus producciones más contemporáneas, la ambientación frágil pero solemne parece apelar a nombres como Chris Isaak y Leonard Cohen.
Quizá lo más especial de todo el tema sea su letra que, siguiendo la línea de los dos adelantos previos del disco y al contrario que en su luminoso y optimista anterior trabajo, parece desnudar (en consonancia, en este caso, con la sencilla instrumentación de la canción) la parte menos amable de su alma. Porque Lana parece mirarse en un espejo en el que ve reflejada a la escritora Sylvia Plath, adalid del malditismo literario, que tuvo una mala vida y no fue debidamente publicada y reconocida hasta después de su prematuro suicidio, punto final a una depresión derivada de un probable trastorno bipolar. Curiosamente, en los últimos tiempos Charlotte Gainsbourg y Belle and Sebastian también han homenajeado a la poeta norteamericana en sendascanciones.
Entre referencias a la mitología de su propia vida –su paso por una secta siendo aún una adolescente, su pasado como alcohólica–, Elizabeth Grant enfrenta su propia aflicción emocional –una parte depresiva de sí misma que define como «esta oscura narcisista»– de la que sólo escapa cuando está de gira –»menear mi culo es lo único que me la quita de encima», canta–. Esa aflicción no parece abandonarla nunca, en todo caso, y de ahí ese larguísimo título que repite al final de cada estribillo: «la esperanza es algo peligroso de tener para una mujer como yo». «Pero la tengo», apostilla al final, tranquilizándonos un poco sobre su equilibrio personal en unos días en los que ya hemos visto a otra mujer joven y talentosa planteándose la idea del suicidio.
Esta semana ha comenzado con toda la artillería publicitaria de Atresmedia una nueva etapa del talent-show ‘La Voz’, que ha recalado en Antena 3 tras su paso por Telecinco. Con Antonio Orozco y Pablo López como coaches que repiten en ese papel y con Paulina Rubio y Luis Fonsi debutando en ese papel en España, el programa presentado por Eva González emitía lunes y martes las primeras audiciones a ciegas. Ahí (junto con un botón de bloqueo de los sillones que ni los propios implicados parecen no tener claro aún para qué sirve) terminan las novedades del formato en esta nueva era que por lo demás sigue siendo igual de aburrido que en la anterior: excesivo protagonismo para los en este caso jueces y sus cansinos piques por llevarse a los cantantes elegidos, y escaso para las voces y aptitudes musicales de los concursantes, presentados, eso sí, con todo lujo de detalles personales. Pese a todo, fue líder de audiencia, como acostumbraba.
En el programa de la pasada noche una de esas actuaciones a ciegas jugó una mala pasada a Pablo López. El autor de ‘El patio’ se reencontró sin él saberlo con Noelia Cano, una de las concursantes de la edición de Operación Triunfo 2008, en la que él fue segundo por detrás de Virginia Labuat. Noelia acabó antes su periplo en el talent show, siendo octava, pero convivieron casi 2 meses y llegaron incluso a compartir escenario en una gala, interpretando juntos ‘No One’ de Alicia Keys.
A pesar de eso, el malagueño fue incapaz de reconocer anoche a su colega cuando interpretó ‘Cry Me Out’ de Pixie Lott. Ninguno de los jueces, ni siquiera López, se giró para que la valenciana continuara en el programa. Cuando acabó su interpretación y se giraron los sillones, Pablo la reconoció de inmediato y fue de inmediato a abrazarla, diciendo “me voy” y aparentemente muy enfadado. ¿Consigo mismo? Así debería ser, pero él dijo estar enfadado con ella (espera, ¿qué?) por no haberla reconocido, sugiriendo que había cambiado su tono de voz o, quizá, que pensaba participar en el talent-show. “Estoy enfadado con ella, porque no la he reconocido. Y ella abre la boca y yo sé que es ella. Hasta escribí canciones para ella”, dijo. Curiosamente, la que sí pidió perdón a Noelia fue Paulina Rubio –“estaba esperando algo diferente, no de ti. Del momento”– y le dio una reprimenda a su compañero de programa: “No haber reconocido a Noelia es malo. Tienes que ser tú, no ella”. Luego, en el backstage, Pablo vuelve a abrazarla y le dice con cariño «no te he reconocido. Te odio».
A finales de 2018 el grupo Miss Caffeina detallaba el nombre de su nuevo álbum tras el despegue comercial definitivo que supuso para ellos ‘Detroit’, avanzando además su primer single, un ‘Merlí’ que, pese a llegar en las últimas semanas del curso, se hizo con todo mérito un hueco entre las Mejores Canciones de 2018. Desde hoy sabemos que ‘Oh Long Johnson’ –título con el que homenajean un célebre gato “hablador” de internet– verá la luz el día 1 de marzo, conocemos su portada –una foto del cuarteto en reposo, casi en blanco y negro– y tenemos detalles de su edición física que, de manera curiosa, contendrá como aliciente tanto en vinilo como CD la inclusión de un Blu-Ray (au revoir, DVD) titulado ‘Motor City Show’, que registra los conciertos de fin de gira de su anterior trabajo. Además, en el mismo mensaje Miss Caffeina anuncian que la semana que viene, coincidiendo con la pre-venta del disco, presentarán una nueva canción extraída del álbum.
En una vídeo-entrevista con el grupo publicada también esta mañana por Esquire en la que interpretan un par de canciones en acústica –’Merlí’ y ‘El rescate’–, hablan sobre el sentido del título del disco, que también es una canción incluida en él –»habla de lo absurdo que se está convirtiendo este mundo, mirando pantallas todo el día, [con] lo poco que miramos hacia dentro», cuenta Sergio–, se confiesan ex-fans de Tennessee y nuevos fans de Billie Eilish. Aunque sin duda lo más llamativo es la opinión que ofrece Alberto Jiménez al ser preguntado por cómo encaja su mensaje pro-LGTBI en un contexto en el que un partido de extrema derecha como Vox, contrarios a la reivindicación de derechos para ese colectivo, asciende en incluso se cuela en las agendas políticas: «cuando te sorprende que haya gente que vote estas opciones, te das cuenta que vives en un micromundo, que te rodeas de gente muy afín, pero que hay mucha gente que no piensa como tú. Ahora más que nunca hay que decir las cosas más veces y más alto».
Sin embargo, desconfía de que ese auge pueda cambiar realmente lo logrado hasta ahora: «Lo veo anecdótico, no creo que tengan el poder de cambiar las cosas que se han conseguido durante todos estos años. Somos muchos». Miss Caffeina aparecían recientemente en el primer programa de ‘Canciones que cambiaron el mundo‘, que precisamente trataba la música que ha acompañado al movimiento LGTBI en su lucha. Siguen a la venta las entradas para las primeras fechas de presentación de ‘Oh Long Johnson’ en nuestro país, nada menos que 12, al margen de su participación en festivales como WARM UP, SanSan Festival o Cooltural Fest.
Esta es la portada de nuestro disco “Oh Long Johnson” que saldrá el 1 de Marzo. El cd y vinilo incluirá el Blu-Ray de nuestro fin de gira "Motor City Show” La semana que viene nuevo adelanto y el 18 de enero pre-order en digital y en cd o vinilo físico firmado por nosotros. pic.twitter.com/NV6LdxPJSi
De una manera nada ortodoxa, puesto que los “portavoces” de algunos detalles han sido una periodista cultural de la NBC, Katy Tur, y un analista político, Jake Sherman, Ryan Adams ha revelado que en 2019 publicará no uno sino tres álbumes que se sumarán a su ya extensísima discografía, cuyo último volumen hasta la fecha era ‘Prisoner’.
A última hora de ayer Tur publicaba un hilo en el que daba detalles del primero de esos discos. se titula ‘Big Colors’ e incluso ha mostrado su portada. Más tarde, Sherman –periodista de la web Politico– hacía lo propio con el segundo de esos lanzamientos: se llama ‘Wednesdays’ y está presentado con una portada que evoca, seguro que nada accidentalmente, a la de ‘Nebraska’ de Bruce Springsteen. En el mismo hilo, se mostraba una foto de Adams en el estudio junto a la leyenda de la música Don Was, posiblemente participando en la grabación. Capitol Records confirmaba luego estas noticias, y Ryan invitaba a encontrar hoy más detalles sobre un tercer volumen en el Washington Post de hoy –suponemos que a primera hora del día en Norteamérica sabremos más.
Curiosamente, y aunque sea indudablemente un hito, no es la primera vez que Ryan Adams acomete una empresa como esta, tal y como el artista apuntaba horas antes en un misterioso tuit: en el año 2005, tras el fracasillo de ‘Love Is Hell’, lanzó el mismo número de discos en una sola temporada, ‘Cold Roses’, ‘Jacksonville City Nights’ –firmados junto a la banda The Cardinals– y ’29’. Y, en contra de lo que parezca, en líneas generales no estuvieron nada mal, así que cabe esperar lo mismo de esta nueva terna.
. @TheRyanAdams is releasing three new albums this year (3!). The first is called BIG COLORS. Here’s the cover. Can’t wait to dive in. pic.twitter.com/pKsZd4jYu9
La reciente confirmación de los británicos Foals hasta en dos de los eventos musicales más importantes de la próxima temporada primavera-verano de nuestro país –Cruïlla y Low Festival– ya era una pista suficiente: parecía cuestión de semanas que se confirmara el regreso discográfico de los autores de ‘Total Life Forever’.
Y así ha ocurrido hoy: en un teaser recién subido a sus redes sociales, el grupo habla de algo titulado ‘Everything Not Saved Will Be Lost’ que se estructura en una parte 1 y una parte 2. A la espera de más concreción, podríamos elucubrar que podría tratarse de un álbum lanzado en dos partes y que ese “Todo lo que no se salve se perderá” podría ser su título. Aunque el clip de 30 segundos que acompaña este escueto anuncio, con unos compases de sintetizador de fondo, se adapta a la perfección a esa predicción apocalíptica: una mujer vestida enteramente de blanco corre sobre la nieve hacia un bosque, donde más tarde vemos a una persona en llamas que cae de rodillas.
Este nuevo trabajo de Foals daría continuación a ‘What Went Down’, lanzado hace casi cuatro años y que consolidó al grupo comandado por Yannis Philippakis como un eficaz acto de rock de estadio, mucho más versátil de lo que aparentaba en sus inicios adscritos al mathrock, a finales de la pasada década.
Concha Velasco nos plantea un macabro espectáculo teatral: que asistamos a su propio funeral. Un proyecto personal en el que se ha implicado su hijo Manuel M. Velasco como autor y director de ‘El Funeral’, con la idea de hacer algo nuevo con influencias de obras como ‘El fantasma de la ópera’, ‘La bruja novata’ o ‘Aterriza como puedas’ y el deseo expreso de su madre de aparecer muerta durante la función.
La idea era hacer una comedia blanca y alocada, aunque no lo es, como le sucedía a Amanda Gris en ‘La flor de mi secreto’ de Almodóvar (“no sé escribir novela rosa; lo intento, pero me sale negra”). Y esta es negra sobre todo por los paralelismos innegables entre Concha Velasco y el personaje que interpreta, Lucrecia Conti, una actriz que ha fallecido cerca de los 80 años, y a cuyo funeral asistimos con capilla ardiente montada en el mismo lugar que la de Lina Morgan, el Teatro de La Latina. Presidida por un retrato enorme de la fallecida, con campanas tocando a muerto, coronas de flores, libro de condolencias, y pudiendo subir el público de las primeras filas para dar un último adiós al féretro descubierto -mientras se ubican en sus asientos los asistentes más rezagados-; la representación está creada en imagen y semejanza de lo que ya hemos visto en infinidad de telediarios en unos primeros minutos que bien se podrían haber encuadrado en una de las salas de teatro alternativo de la zona, con los asistentes participando en la función.
A todo este morbo hay que añadir un obituario jugoso que se atreve a englobar trabajos realizados en cine, teatro y programas en televisión junto a algunos acontecimientos de vida privada, anécdotas de personajes protagonistas con directores que nunca cuajaron, problemas de salud, y quiebras económicas que todos tenemos clavadas al detalle en la mente. No solo hablamos de la chica yeyé, de hace más de 50 años. ¿Cómo no recordar sus trabajos en cine con Tony Leblanc? ¿Su papel en películas como ‘Más allá del jardín’ basada en la novela de Antonio Gala, o en ‘París-Tombuctú’ de Berlanga? ¿Su largo historial en teatro con proyectos ambiciosos como ‘Hello Dolly’; obras como ‘La vida por delante’, dirigida por Josep María Pou; ‘La rosa tatuada’, de Tennessee Williams; la extraordinaria y premiada ‘Reina Juana’; o no hace tanto ‘CONCHA (Yo lo que quiero es bailar)’, y la tragedia griega ‘Hécuba’ en el Festival de Teatro de Mérida de Eurípides? ¿Su paso por televisión como Teresa de Jesús, su papel estelar en la serie ‘Herederos’, o en ‘Las chicas del cable’ en tiempos de Netflix? Si hasta ha hecho de Dorothy en la adaptación de ‘Las chicas de oro’ en la que también participó Carmen Maura. Un torrente que no deja de ser chocante por las semejanzas con Lucrecia Conti, también ganadora de un Goya, empeñada en no ser incinerada y en no figurar en el Museo de Cera.
El historial de Velasco es tan amplio que no resulta complicado encontrar algún tropiezo en su carrera, como sucede con la propia obra ‘El Funeral’, suplido por el carisma y la profesionalidad con la que ella resuelve toda escena: convirtiendo lo banal en ameno con el mismo espíritu que le conocemos de los medios de comunicación, derrochando optimismo, entusiasmo y ganas de trabajar. Una curranta nata, con tanto o más bagaje que muchos actores de la lejana Broadway, y que con esta obra estará en Madrid hasta el 20 de enero para seguir de gira hasta finales de año, planeando celebrar su 80 cumpleaños en noviembre en la representación de Melilla. Un día a día que no dista de la adaptación de ‘El viaje a ninguna parte’ de su admirado Fernando Fernán Gómez, donde un grupo de cómicos intenta adaptarse a los nuevos tiempos, mientras hacen representaciones por los pueblos. ‘El funeral’ no siempre está a la altura de las circunstancias debido a un libreto flojo y demasiado plano, a la caza de un humor que llega en contadas ocasiones, y a una puesta en escena por momentos desatinada, con el resto del reparto deambulando por el escenario de manera algo dispersa. Frente a estos peros, eso sí, Concha se alza de nuevo como una mujer apasionante y sin rival. Entradas disponibles en Ticketea.
Aunque a algunos les cueste verlo, el nuevo “la música electrónica no es música” y “el rap no es cantar” es “el reggaeton es basura”. Permanecer ajeno a la realidad de la música popular es abiertamente reaccionario y categorizar que un estilo es enteramente despreciable partiendo de preconcepciones es claramente obtuso. Hasta aquí llega en esta crítica este debate, para mí cansino, y paso a juzgar lo que se escucha en ‘X 100PRE’, el primer disco de Bad Bunny –un éxito instantáneo, como cabía presumir–. Un formato que, a decir verdad, no parecía necesario para un tipo que se ha hecho global y ultraexitoso a base de singles y featurings. Así que, conseguido el estatus estelar, todo indica que pretende reivindicarse además como artista y ¿cantautor?
Porque, al contrario de lo que muchos piensen, ‘X 100PRE’ se aleja del típico disco de nuestra era construido en un campamento de composición y es –salvo contadas y puntuales excepciones– el propio Benito Antonio Martínez Ocasio el único y principal compositor del álbum, asistido en la mayor parte de él por las producciones del también exitoso Tainy (J Balvin, Daddy Yankee, Ozuna, ‘I Like It’). Así que, por delante incluso de ‘Vibras’ de J Balvin –que sí estaba abierto a más compositores–, ‘X 100PRE’ es un disco que podríamos etiquetar como “de autor”. Y no es el único tópico que derriba Bad Bunny: también hay un esmero manifiesto por mantener cierta corrección política en el trato a la mujer.
Aunque no faltan dañinas referencias a “putas y modelos” en el recuperado ‘Estamos bien’ y hay que reprobar la romantización de una posesión emocional establecida en ‘MIA’ –el primer top 1 de Drake en España, propiciado por el puertorriqueño–, entre el habitual farde de posesiones materiales, guiños al tráfico de estupefacientes y éxito profesional, se cuelan también cierta nostalgia del pasado, conciencia de clase y un sentido del humor digno de agradecer: aparte de la delirante imagen ofrecida en la colaboración con Diplo (“a 200 millas en un jetski / si tú quieres te lo meto aquí / debajo del sol”), ‘Tenemos que hablar’ perpetúa una sonrisa al relatar los reproches de su celosa pareja (al estilo del banger ‘No me acuerdo’ de Thalía). Pero, sobre todo, en general se percibe que Bad Bunny trata de mostrar algo de respeto por el género femenino en sus textos –no sabemos si en aras de un público mayor o por una verdadera concienciación–. Ahí queda la lectura de ‘Solo de mí’ como himno contra la violencia machista, poniendo su letra en boca de una mujer tanto en su parte melódica inicial como en esa segunda más agresiva. Estando de acuerdo en que debemos aspirar a extirpar del todo los mensajes de desprecio hacia la mujer, al menos es un punto de partida.
En lo estrictamente musical, ‘X 100PRE’ también sorprende. Y es que Bad Bunny apuesta por demostrar aquí que su flow y su capacidad vocal –en muchos momentos podemos decir que, a su manera, se emplea como cantante, sin borrachera de AutoTune– puede ser de lo más versátil. El primer trabajo del Conejo Malo pretende ser un abanico de estilos que le alejan de ser otro-tipo-más-haciendo-reggaeton –aunque no renuncia a él, siendo ‘Cuando perriabas’ la muestra más fiel–: además del acercamiento al trip-funk-pop de The Weeknd meets Daft Punk que es ‘Otra noche en Miami’, tenemos amagos acústicos (‘Ni bien ni mal’), trap (‘Ser bichote’, ‘¿Quién tu eres?’, ‘Caro’ –con esa insólita outro baladesca en la que cuenta con ¡Ricky Martin!–), interesantes baladas estilo Drake (‘Si estuviésemos juntos’, ‘Como antes’ –“nada de reggaeton, ponme otra canción”, dice en ella–), electro-hop con guitarras a lo Lil Peep (‘Tenemos que hablar’) y hasta experimentación. No puede calificarse de otra manera esa amalgama mutante de bachata, dembow y afrotrap llamada ‘La romana’, en la que, con el dominicano El Alfa como aliado, Bad Bunny se muestra de lo más audaz.
Pero, amén de esa presunta querencia arty con la que busca (y logra, en buen medida) epatar, caemos en la tentación de sobreanalizar ‘X 100PRE’ y no disfrutarlo como lo que es, en realidad: un disco de pop global rabiosamente contemporáneo, lleno de sonidos genuinamente surgidos de la calle que, aún abarcando muchos palos, no deja de ser disfrutable en casi todo momento –aunque en su final pierda fuelle, remonta al ubicar, hábilmente, sus singles en ese tramo–. Si has superado la (entendible, por otra parte: el suyo es uno de esos estilos a los que cuesta acostumbrarse) fobia al peculiar y discutible timbre vocal de Martínez Ocasio, son pocos los cortes en los que uno tiene la tentación de pulsar “saltar” en el reproductor. Al contrario, a lo que invitan es a bailar –a costa del sentido del ridículo de uno mismo, uno pasa la escucha creyendo tener swag– y/o a cantar en casi todo momento. Después de todo, no cabe duda de que ese es el fin último de Bad Bunny con este ‘X 100PRE’, y acierta de pleno.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘Tenemos que hablar’, ‘Otra noche en Miami’, ‘Ni bien ni mal’, ‘Como antes’, ‘Caro’, ‘La romana’, ‘Solo de mí’ Te gustará si te gustan: J Balvin, The Weeknd, Travis Scott Escúchalo:Spotify
Billie Eilish, una de las artistas revelación de los últimos meses tras el enorme éxito de canciones como ‘lovely’ con Khalid, ‘when the party’s over’ o su disco ‘don’t smile at me‘, da una enorme sorpresa hoy a sus seguidores. Cuando ‘Roma‘, una de las mejores películas de 2018, está en boca de todos tras su triunfo en los Globos de Oro, la cantante ha decidido sacarse de la manga una canción inspirada en la misma película. Se llama ‘When I Was Older’.
Si en la cinta uno de los personajes dice: «When I was older I used to be a sailor, but I drowned in a storm…» («cuando era mayor era marinero, pero me ahogué en una tormenta»), Eilish ha tomado esa idea para construir un leit motiv que sirve tanto de intro como de estribillo y de outro («When I was older / I was a sailor / On an open sea / But now I’m underwater / And my skin is paler / Than it should ever be»). Billie Eilish ha dado a esta sobrecogedora producción una sobria producción electrónica que conecta con la Björk de ‘Homogenic’, James Blake o el trabajo de Sigur Rós. La acompaña a los créditos, como es habitual, su hermano, el actor y músico Finneas O’Connell, quien por cierto ha aparecido en algún capítulo de ‘Modern Family’ como invitado.
‘When I Was Older’ no llega, por supuesto, a tiempo de formar parte de la banda sonora oficial de ‘Roma’, a la que se refiere estéticamente su portada. Sin embargo, el director de la película Alfonso Cuarón no ha tardado en darle su visto bueno y tan pronto como ya (como si realmente la hubiera autorizado) ha felicitado a Billie Eilish por su trabajo en Twitter: «Muchísimas gracias por tu canción, es emocionante y hermosa», ha indicado. Puedes recordar nuestra entrevista con Billie Eilish aquí.
Paco León, que recientemente ha protagonizado la notable ‘Arde Madrid’, ha sido uno de los invitados esta semana en La Resistencia, copando titulares por sus declaraciones sobre Hacienda. Como tantos otros personajes televisivos (cita expresamente a Maxim Huerta), reconoce haber creado en el pasado una Sociedad Limitada aun siendo autónomo para pagar menos impuestos. El actor y director, que pidió que alguien le quitara lo de «filántropo» de la Wikipedia, tuvo que pagar por ello «multones» con efecto retroactivo, perdiendo gran parte del dinero que ganó durante su época dorada económicamente, la de ‘Aida’. «Nadie puede hablar de esto porque queda muy mal», reconoce al tiempo que cuestiona la responsabilidad de los gestores, especialmente los «creativos».
Por lo demás, Paco León protagoniza una divertida entrevista que, no en vano, es lo más visto de Youtube España esta semana, acercándose al millón de visualizaciones. El actor bromea sobre por qué siempre sale en las listas de con qué famoso tomar una cerveza, junto «a gente extraña», pero «no tan extraña como Melody», y se muestra cómicamente tenso cuando David Broncano le menciona el juego de «meter la polla en un vaso de tubo» como según él hace Iniesta. Solo Dios sabe lo que le pasa por la cabeza en ese momento al director de ‘Kiki, el amor se hace‘.
Paco León recuerda los tiempos en que era un marginado de pequeño, cuando una compañera le dijo que le daba «asco»; y también se atreve a bromear sobre «ser secuestrado en México» y a criticar al ex ministro Wert. “A mí no se me ha olvidado (lo que los ministros se meten con los actores)”, bromea antes de llamar a Wert «fétido» y «jorobado de Notre Dame».
‘Without Me’ de Halsey es el nuevo número 1 del Billboard Hot 100, lo cual no es una sorpresa, pues hemos sido testigos de su éxito paulatino y ya advertimos que incluso podría ser el mayor hit de su carrera. La noticia viene acompañada, eso sí, de la curiosidad de que este es el primer número 1 en solitario para Halsey en su propio país, pues hasta ahora la cantante solo había sido capaz de llegar a la cima como consorte de The Chainsmokers en ‘Closer’.
‘Without Me’ ha sido esta semana número 2 en ventas digitales tras haber sido el número 1 durante varias semanas, número 3 en radio (donde aún no ha tocado techo) y número 4 en las listas de streaming, donde sube desde el puesto 12. La canción deja muy atrás el top 60 logrado por ‘New Americana’, el top 17 de ‘Now or Never’, el top 5 de ‘Bad at Love’… y curiosamente también el top 3 que consiguió ‘Cry Me A River’ de Justin Timberlake, que aparece reinventada en esta nueva producción. Curiosamente, cuando menos lo necesita, sale un remix de ‘Without Me’ que incluye nuevos versos a cargo de Juice WRLD, como podéis escuchar bajo estas líneas.
Acaba así el reinado de 7 semanas en la cima de ‘thank u, next’ de Ariana Grande, y hay que decir que, como podéis ver ahora mismo en el Stories de esta, Ariana ha felicitado a Halsey. En su comentario en Instagram, ha brindado por un 2019 «con chicas en la cima».
.@ArianaGrande took to Instagram to congratulate @Halsey on “Without Me” going #1 on the Hot 100:
2018 ha sido el año en que Snow Patrol, el grupo norirlandés que triunfó a lo grande a mediados de la pasada década con ‘Chasing Cars’, gracias en parte a su aparición en la serie ‘Anatomía de Grey’, ha vuelto a la música para publicar un nuevo disco, ‘Wildness’, 7 años después del anterior. ‘Don’t Give In’, ‘Life on Earth’ y ‘What If This Is All The Love You Ever Get?’ son algunos de los singles que ha producido este álbum que Gary Lightbody y compañía presentarán en febrero en España, concretamente el día 13 de febrero en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 14 de febrero en La Riviera de Madrid. JENESAISPOP ha tenido el placer de charlar con Lightbody sobre su regreso a los escenarios, los demonios que ha vencido en todo este tiempo, su “valiente” nuevo álbum, su trabajo con Ed Sheeran y Taylor Swift o sobre por qué no es fan de los críticos.
En febrero tocáis en España. ¿Cómo va la gira de momento?
Va muy bien. Es emocionante estar de vuelta en la carretera. Lo echaba de menos, aunque no me había dado cuenta, ya que me había acostumbrado a vivir una vida más estable. Por suerte, esta vez la gira está siendo más amable que la anterior, ya que dejé de beber hace un tiempo. La última gira fue más dura porque todavía bebía y las resacas eran diarias. Esta vez está siendo mucho más fácil.
«Antes solía hablar de mis relaciones, pero no he tenido una relación en 10 años, así que habría sido engañoso por mi parte seguir hablando de lo mismo»
Has hablado de tu depresión y de tu problema con el alcohol y de hecho tratas estos temas en algunas canciones de ‘Wildness’. Aunque las letras no son realmente muy explícitas… ¿Buscabas cierto misterio o ambigüedad?
No creo que canciones como ‘Don’t Give In’ sean demasiado ambiguas, de hecho todas las canciones del disco son bastante evidentes en cuanto a su temática. No pienso que para expresar tus sentimientos en las canciones tengas que hacer letras superficiales o aburridas. Las letras están bien escritas y aunque puede haber en ellas cierta ambigüedad, desde luego creo que no me he protegido de nada. En las letras hablo de cosas de las que jamás he hablado. Antes solía hablar de mis relaciones, pero no he tenido una relación en 10 años, así que habría sido engañoso por mi parte seguir hablando de lo mismo. Sin embargo, no creo que el disco sea demasiado depresivo, creo que en él hay mucha alegría, esperanza y un sentimiento de que las cosas se van a resolver.
De hecho, una de las canciones más alegres del disco es ‘A Youth Written in Fire’, que habla sobre darte cuenta de que ya no eres tan joven. ¿En que modo creéis que vuestra música ha madurado con vosotros?
Si escuchas una sola canción de los siete discos que hemos publicado, se nota un progreso enorme entre cada uno de ellos. Musicalmente, cada uno es muy diferente al anterior. Con este hemos tomado decisiones más valientes. Antes habríamos añadido cuerdas o guitarras para rellenar, pero esta vez hemos querido limitarnos a un único instrumento, como la guitarra acústica. Hemos querido hacer un disco de rock que no dependiera de los típicos trucos del rock, hacer un disco moderno sin evitar las cosas que hacen grande al rock. En el disco, los instrumentos principales están tocados por seres humanos. No quiero decir que la música que no es tocada por humanos no esté bien, de hecho es una buena parte de lo que escucho, pero en el álbum queríamos mantenernos fieles a nuestro pasado indie y mezclar eso con cosas modernas.
Hablas de que habéis querido reducir la instrumentación de las canciones y en Spotify pueden escucharse varias de ellas en formato acústico. ¿Estáis especialmente orgullosos de las melodías que habéis compuesto para este disco y queríais realzarlas con estas versiones alternativas?
Estamos muy orgullosos de las canciones. De hecho, de las canciones del disco, hemos grabado muchas más versiones acústicas de las que han salido, y también hemos grabado versiones alternativas de estas mismas canciones y de otras antiguas. Vamos por nuestro 25º aniversario como banda y queremos celebrarlo, de hecho vamos a publicar un disco con estas nuevas versiones.
«Ed Sheeran es un compositor extraordinario, muy instintivo; yo soy lo contrario, mi instinto no ha hecho más que empeorar en todo este tiempo»
¿Con las versiones acústicas?
Algunos lo serán, otras serán lo que queremos. Algunos temas nos han salido muy raros y electrónicos. Más que un disco acústico será un disco de versiones alternativas. En 2009 hicimos una gira parecida en la que reinterpretábamos algunas de nuestras canciones. Ahora vamos a hacer eso mismo pero en disco. Queremos recuperar el tiempo perdido [ríe].
Bueno, no es que hayáis estado parados en todo este tiempo, cada uno de vosotros se ha ocupado de sus proyectos particulares. Por ejemplo, Johnny McDaid tiene una editorial y ha compuesto para otros artistas, como Ed Sheeran y P!nk, tú has colaborado con Sheeran y Taylor Swift… ¿Qué crees que ha aportado a ‘Wildness’ este trabajo externo de componer para otros artistas?
Ed es un compositor extraordinario, muy instintivo, no tiene ningún miedo, y yo soy lo opuesto a él, mi instinto no ha hecho que empeorar en todo este tiempo. A Ed nada le para para escribir una letra, una melodía. De él hemos aprendido que nos tenemos que mover más por el instinto. A veces ayuda simplemente hacer las cosas para saber si funcionan.
Has dicho que sufriste “writer’s block”, y que ‘Jesus Alone’ de Nick Cave te ayudó a desbloquearlo. ¿Qué tiene esta canción que ha sido tan importante para ti durante la creación del disco?
En el estudio, durante la composición del álbum, escuchamos mucha música. Recuerdo que me costó escribir la letra de una canción y me puse ‘Jesus Alone’ para inspirarme. Va sobre la pérdida de su hijo y es extraordinaria, valiente, hermosa, intensa. Es una de las canciones más bonitas que jamás haya escuchado. Le pedía a nuestro productor, Jacknife Lee, que la pusiera una y otra vez. Después de escucharla, de no haber escrito nada en todo el día, compuse una canción en 25 minutos. Ese es el poder de la música. La música de otras personas puede cambiar algo en ti.
«Taylor Swift posee un tipo de “confianza americana” y sabe lo que quiere, pero en Irlanda del Norte, en cuanto muestras un poco de confianza te mandan callar»
Hablando de Taylor Swift, colaboraste con ella en ‘The Last Time’, de su disco ‘Red’. Debe haber sido alucinante ver la evolución de su fama. ¿Qué recuerdas de componer con ella?
Recuerdo que escribimos la canción y terminamos de grabarla en el mismo día. Ella se parece a Ed Sheeran en que se deja llevar por su instinto, sabe lo que quiere, sabe exactamente el tipo de canción que quiere hacer en cada momento. Muchos compositores jóvenes como ella tienen esa confianza, que yo nunca tuve de joven, ya que al crecer en Irlanda del Norte, en cuanto muestras un poco de confianza te mandan a callar. Taylor posee un tipo de “confianza americana”, si se puede usar este término, que de hecho tienen muchos jóvenes americanos como ella. Supongo que tiene que ver con las redes sociales, el modo en que todo el mundo puede ver todo lo que estás haciendo en todo momento, por lo que es fácil creer que perteneces a un lugar al que realmente no perteneces. Creo que la confianza de mucha gente está fuera de lugar, pero no la de Ed y Taylor, ambos están donde tienen que estar ya que son dos personas con un talento extraordinario.
«Muchos músicos jóvenes dan por sentado que el éxito llega fácil: a nosotros nos costó 10 años dar con un hit»
¿Puede que esa confianza de la que hablas sea en realidad arrogancia en algunos casos? Algunos artistas hablan de su música como si fuera una cosa súper intelectual, y luego escuchas sus canciones y no cuadra nada…
Cuando eres una gran estrella es fácil dejarte llevar en cierto modo por la arrogancia porque todo el mundo a tu alrededor te está diciendo lo increíble que eres. Creo que el problema es no haber hecho nada y que hables así, lo percibo mucho entre los músicos jóvenes. Muchos de ellos dan por sentado que el éxito llegará fácil. A nosotros nos costó 10 años dar con un hit. Caímos en todas las trampas posibles en las que podíamos caer como banda. Nos lo curramos y creo que muchas bandas actuales esperan que sea fácil. Por supuesto no desearía a ningún grupo estar 10 años tocando sin éxito, pero creo que unos pocos años de dificultades son necesarios, porque, como dices, esa confianza que crees tener puede ser en realidad arrogancia.
«No leo las críticas para nada, si las buscas estás buscando validación en el sitio equivocado»
A la mayor banda que hay ahora mismo en España, Vetusta Morla, le pasó un poco lo mismo que a vosotros, se pasó 10 años tocando hasta que consiguieron publicar su disco y fue un éxito.
Nuestras almas están conectadas [ríe].
Algunas críticas del disco han sido buenas y otras malas. ¿Os interesan las críticas? ¿Os afectan?
No leo las críticas para nada, sé que el disco ha generado algunas críticas muy buenas, y es natural que reciba malas críticas también, pero paso de todas ellas. Creo que si buscas reseñas estás buscando validación en el sitio equivocado. Si tú crees en tu disco eso es todo lo que importa.
¿No crees en el trabajo de los críticos?
No es que no crea en su trabajo, seguro que muchos tienen o creen tener buenos argumentos, pero no los leo, no son para mí, algunos de ellos normalmente buscan que un disco venda o al contrario, que no venda.
«‘Chasing Cars’ será la canción por la que seamos recordados, pero a mí no me define. He escrito canciones mejores»
Han pasado muchos años de ‘Chasing Cars’. ¿Diríais que os ha resuelto la vida? ¿Os da rabia que su éxito haya opacado otros de vuestros lanzamientos?
La canción más famosa de una banda es su mayor reclamo, la canción por la que se te conoce y la que más gente ha atraído a la banda. En este caso, ‘Chasing Cars’ seguramente será la canción por la que seamos recordados, pero a mí no me define. He escrito canciones mejores.
¿Cual dirías que es tu mejor canción?
‘Life on Earth’.
Habéis dicho que ‘Life on Earth’ provoca reacciones muy fuertes en la gente, y que por eso es probablemente vuestra mejor canción.
Esta canción y buena parte del disco provocan esas reacciones. En cuanto a los sentimientos que genera en el público, hace mucho tiempo que no recibo cartas de los fans sobre el disco, en las que me cuentan lo que significa para ellos. No es que escriban por Twitter o Instagram: hay personas que se toman la molestia de escribir una carta y mandarla a correos. Me hace feliz que estas canciones estén emocionando a la gente.
Enero no es un mes demasiado suculento en cuanto a grandes lanzamientos discográficos. Los álbumes que aspiran a vender millones o ahora cientos de miles de copias se han editado unas semanas antes para aprovechar el tirón de la Navidad o se reservan ya para primavera. Y aquellos que buscan más bien llegar a las listas con lo mejor del año para la crítica corren el riesgo de ser olvidados con el paso de los meses. Este mes sacan disco artistas como Deerhunter o aparentemente James Blake, entre otros, más aquellos que decidan sorprendernos. Podría ser un mes animado o aburrido. A la espera de averiguar qué nos depara este enero de 2019, recordamos 10 álbumes históricos que, por una u otra razón, decidieron editarse en un mes tan arriesgado como el nuestro.
David Bowie / Low
No encontrarás discos de los Beatles, Michael Jackson, Nirvana o Fleetwood Mac editados en enero (aunque ojo, ‘Rumours’ por los pelos). Si un artista de primera fila históricamente ha disfrutado de sacar cosas en este mes es David Bowie, que hoy habría cumplido 72 años. Al artista le encantaba sacar temas o álbumes con motivo de su cumpleaños y eso fue lo que pasó con su single de regreso en 2013, ‘Where Are We Now’, o con el que sería su último largo, ‘Blackstar‘. Pero hubo otros grandes lanzamientos en enero para Bowie, siendo el más sonado ‘Low’ (1977), primera parte de su trilogía sobre Berlín y para nuestra redacción el 3º mejor largo de toda su carrera gracias a su fascinante y experimental cara B. También ‘Station to Station’, un año antes, en 1976, había salido en enero; mientras ‘Heroes’, la segunda parte de la trilogía berlinesa, saldría bien entrado 1977.
Adele / 21
Si miráis la lista de discos más vendidos de la historia, encontraréis poquísimos editados en enero, por las razones expuestas anteriormete. Entre las excepciones, el disco de estudio más vendido de nuestro siglo, por encima de los 30 millones de unidades, salía exactamente el 24 de enero de 2011. Habría sido lo fácil para XL sacarlo para Navidad, como luego haría este sello con ’25’, pero en aquellos tiempos Adele estaba teniendo serias dificultades para colar en las radios internacionales ‘Rolling in the Deep’ y se decidió trabajar el disco a medio plazo y con calma durante el curso 2011 en lugar de precipitar la promo en 2010. Todo salió a pedir de boca: ‘Rolling in the Deep’ fue un gigantesco sleeper, ‘Someone Like You’ despuntó aún más al promocionarse en los Brits de febrero, ‘Set Fire to the Rain’ llegó a ser top 1 en Estados Unidos… y el resto es historia.
Lana del Rey / Born to Die
Algo parecidillo sucedería el año siguiente con ‘Born to Die’, el que podemos considerar el gran debut de Lana del Rey. Se había hablado de la cantante largo y tendido a lo largo de 2011, a este año pertenecían sus singles principales -el corte titular y el viejo ‘Video Games’-, pero de nuevo, Lana no era lo suficientemente gigante como para que Universal trabajara el álbum deprisa y corriendo en el periodo pre-navideño, y decidió hacerlo más bien desde el 27 de enero de 2012. A pesar de la accidentada promo inicial, Saturday Night Live y malas críticas incluidas, se vendieron 7 millones de unidades contando con la reedición y es un álbum recurrente en las listas de éxito aún a día de hoy. De hecho, ahora mismo es top 176 en el Billboard 200: es su 315ª semana en lista.
Lou Reed / New York
Enero es un gran mes para plantear el renacimiento de un viejo conocido, pues casi no tienes competencia mediática. Parece la estrategia que se decidió seguir cuando Lou Reed volvió el 10 de enero de 1989 con ‘New York’. El artista había grabado el álbum entre mayo y octubre del año anterior, pero probablemente Sire Records no le vio muchas posibilidades de competir en las listas navideñas de aquel año, por lo que decidió esperar. Como resultado, fue el primer disco de oro de Lou Reed tanto en Reino Unido como en Estados Unidos desde su obra maestra ‘Transformer’ (1972). ‘Berlin’ (1973) había logrado un disco de plata pero después… la nada. ‘Dirty Blvd.’ y ‘Romeo Had Juliette’ permanecen entre sus pistas más recordadas. Por cierto, el segundo de la Velvet también había salido en enero, aunque teniendo en cuenta la escasa repercusión comercial que había tenido el primero, con Nico fuera del grupo y John Cale a punto de irse, aquello pareció más bien un accidente que una estrategia.
Bob Dylan / Blood on the Tracks
Totalmente ajeno a las estrategias comerciales, Bob Dylan ha publicado algunos de sus muchísimos álbumes durante el primer mes del año. Fue el caso de ‘Times They Are A Changin» en 1964 o de ‘Blood on the Tracks’ en 1975, que llegó a ser top 16 de la lista de mejores discos de la historia que la revista americana Rolling Stone hizo en 2003. Este disco contuvo maravillas como los trotones 9 minutos de ‘Lily, Rosemary and the Jack of Hearts’ o la que sigue siendo una de las canciones más populares de Bob Dylan, ‘Shelter from the Storm’. Dylan regrabó parte del álbum en diciembre de 1974 y el 20 de enero del año siguiente ya estaba en las tiendas, cerrándose con la preciosa ‘Buckets of Rain’.
Primal Scream / XTRMNTR
Los friquis de las listas de lo mejor del año recordaréis que ‘Swastika Eyes’ no es una de las mejores canciones de los ’00… porque se editó a finales de 1999. El álbum que reinventó una vez más el sonido de Primal Scream como previamente había hecho su disco ‘Screamadelica’ se editó en cambio el 31 de enero del año 2000. Probablemente en aquel caso su sello estaba tan seguro de lo bueno que era el álbum que no temiera que los críticos se olvidaran de él en 12 meses. Y no sucedió: tanto para Uncut como para NME fue el 2º mejor largo del año y para Rockdelux, el 3º internacional. De hecho, a finales de la década, prácticamente ningún medio se había olvidado todavía de él.
The xx / I See You
Algo parecido intentaron recientemente The xx con su tercer álbum, también más electrónico, en su caso más influido por el trabajo de Jamie xx en solitario. Aunque la promoción en este caso no fue la óptima, con esos vídeos de bajo presupuesto editados mal y tarde, y el grupo como acomodado en una segunda línea de la industria, evitando en cierta medida la fama y la popularidad en probable relación a su timidez y al celo de su intimidad; algunos sostenemos que ‘I See You’ compite dignamente por ser el mejor disco de The xx con el primero. Salió un 13 de enero (el de 2017) y ya querríamos una sorpresa tan grata como esta para este mismo viernes…
Britney Spears / … Baby One More Time
Otra de las excepciones editadas en enero que encontramos entre los discos más vendidos de la historia es el debut de Britney Spears, que esta semana cumplirá 20 años (celebramos el vigésimo aniversario de su sencillo principal aquí). Por aquellos entonces ni su sello probablemente sabía el tipo de monstruo que tenía bajo la manga: la canción no sería top 1 en el Billboard Hot 100 hasta bien entrado 1999, retrasando el segundo single ‘Sometimes’ hasta el último día de abril. El año pasado sucedía algo parecido en cuanto a fechas con ‘Havana’ y el primer disco de Camila Cabello, aunque salvando las distancias. El fenómeno «Camila» no ha sido tan multitudinario aunque tampoco es que haya salido nada, nada mal.
New Order / Technique
Cuesta recordar que un disco tan veraniego y asociado al sonido balearic como ‘Technique’, considerada la obra maestra de New Order, se lanzara en enero, pero así fue. Este mes celebraremos su 30º aniversario, pues tras haberse adelantado con ‘Fine Time’ en noviembre de 1988, se lanzó a lo grande el 30 de enero de 1989. Sin contener ninguno de los sencillos más conocidos de la carrera de New Order, se convirtió en toda una referencia en el pop electrónico internacional, de Cut Copy a Friendly Fires pasando por Delorean.
Animal Collective / Merriweather Post Pavillion
Cerramos con el que ha terminado siendo el gran clásico de una de las mejores bandas del siglo XXI, Animal Collective. Acabamos de celebrar el 10º aniversario de ‘Merriweather Post Pavillion’ incorporando declaraciones exclusivas de Panda Bear sobre su alcance y hoy desvelamos otras más. Cuando le preguntamos al artista hace unas semanas por qué tantos discos de Animal Collective y Panda Bear habían salido en enero, aún asociables a la Navidad por sus sencillos de adelanto, respondía: «Es cosa del sello. Mi nuevo disco estaba preparado para septiembre, lo terminé a finales de junio, pero el sello quiso retrasarlo, con lo cual tampoco tuve ningún problema. Nuestros discos tienden a lanzarse en enero, pero no sé por qué es. Como el lanzamiento de ‘Merriweather Post Pavillion’ se hizo en enero y salió muy bien, el sello ha vuelto a intentar repetirlo después».
Cupcakke, autora de uno de los mejores discos de 2018, ‘Ephorize‘, ha sido trasladada a un hospital este martes después de haber dejado una nota de suicidio en las redes sociales, tan explícita como «estoy a punto de suicidarme». La dejaba en Twitter y luego en Instagram añadiendo: «gracias por todo lo que habéis hecho por mí, de verdad que es muy importante para mí».
El cómico Elijah Daniel, amigo de cupcakke, ha confirmado que la artista, cuyo verdadero nombre es Elizabeth Harris, era hospitalizada en Chicago. «Nunca me he sentido tan triste y aliviado al mismo tiempo. cupcakke, te quiero mucho más de lo que jamás adivinarás. Eres una de las almas más dulces que he tenido el placer de conocer, y no vas a dejarnos. No dejaremos que eso pase». Finalmente, unas horas después, cupcakke ha enviado un mensaje tranquilizador a sus seguidores: «He estado luchando contra la depresión durante mucho tiempo. Siento haberlo hecho público anoche, pero estoy bien. Fui al hospital y finalmente estoy recibiendo la ayuda que necesito para salir adelante, ser feliz y sacar buena música. Gracias por vuestras oraciones, pero no os preocupéis por mí». También ha eliminado los mensajes en los que indicaba que iba a suicidarse.
Además de ‘Ephorize’, cupcakke tuvo tiempo de publicar otro disco el año pasado: en noviembre editaba ‘Eden’, conteniendo temas como ‘Petsmart’ o ‘Garfield’. cupcakke ha sido además una gran luchadora de los derechos LGTB+, como han mostrado temas como ‘Crayons‘, justo estos días de primer aniversario como todo ‘Ephorize’. Os recordamos que en España el teléfono de prevención del suicidio, conocido como «el teléfono de la esperanza», es el 717 003 717.
I’ve been fighting with depression for the longest ..sorry that I did it public last night but I’m ok .I went to the hospital & im finally getting the help that I need to get through , be happy , & deliver great music . thanks for all the prayers but please don’t worry bout me
Kate Bush no ha generado demasiadas noticias en los últimos tiempos, pero las pocas que ha generado han dado que hablar. En 2014 anunció sus primeros conciertos en 35 años, agrupados en la residencia ‘Before the Dawn’ que pudo verse exclusivamente en el Hammersmith Apollo de Londres, y en 2016 realizó unas polémicas declaraciones a una revista canadiense sobre la Primera Ministra Theresa May. En concreto dijo que era “maravillosa” y “lo mejor” que le había pasado a Reino Unido “en mucho tiempo”, apuntando que le parecía “genial tener a una mujer al cargo de nuestro país”.
Las declaraciones de Bush sobre Theresa May llevaron a mucha gente a pensar que era una “tory” (seguidora del Partido Conservador) y la autora de ‘Wuthering Heights’ ha querido aclarar, en vistas de que estas palabras están volviendo a circular por internet, que no lo es y que sus palabras fueron “sacadas de contexto”. En un comunicado publicado en su página web, Bush lamenta que estas declaraciones ofuscaran la publicación de su disco en directo ‘Before the Dawn’, lo cual asegura fue “enormemente frustrante”, y recuerda que en un primer momento, sus amigos cercanos y ella decidieron no contestar a la polémica para no seguir echando leña al fuego.
La artista explica: “A lo largo de los años he evitado realizar declaraciones sobre política en las entrevistas. La intención de mi respuesta a este periodista no era política sino en defensa de las mujeres en el poder. En aquel momento sentí que hablaba de manera muy negativa sobre las mujeres poderosas, refiriéndose a Hilary Clinton y a una caza de brujas. En respuesta a eso dije que en Reino Unido tenemos una mujer al cargo de nuestro país, y que eso me parecía algo bueno. Debí ser más clara cuando dije que [Theresa May] era lo mejor que nos había pasado en mucho tiempo, porque en ese momento estaba muy disgustada con el comportamiento del anterior Primer Ministro [David Cameron], quien en aquel momento sentía que nos había abandonado. De nuevo, sin respuesta por mi parte a esta polémica pareciera que soy una seguidora de los “tories” y quiero aclarar que no lo soy”.
Os dejamos con uno de los singles más recientes de Bush, ‘Lake Tahoe’, incluido en el que hasta ahora es su último álbum de estudio, ‘50 Words for Snow‘.
Sharon van Etten es una de las artistas recientemente anunciadas en el cartel de Vida Festival, que se celebra el próximo verano en Vilanova i la Geltrú. La artista de Nueva Jersey presentará su nuevo álbum, ‘Remind Me Tomorrow’, que publica el sello Jagjaguwar el próximo 18 de enero (no tantos discos salen en este mes supuestamente aburrido), cinco años después de ‘Are We There‘.
Tras los singles ‘Comeback Kid’ y ‘Jupiter 4’, Van Etten muestra ahora otro adelanto de su nuevo disco, un ‘Seventeen’ en el que se nota especialmente la mano del productor John Congleton sobre todo al final, cuando irrumpen unas guitarras sordas, y que por su estilo de medio tiempo “middle of the road” puede recordar un poco al trabajo de sus contemporáneos The War on Drugs.
El vídeo de ‘Seventeen’ es una “carta de amor” de Van Etten a Nueva York, casa de la artista desde hace 15 años, tal y como explica su director Maureen Towey. “Sharon nos enseñó sus antiguos rincones, esos lugares que la convirtieron en la músico que es hoy”. Pero el vídeo también es un recuerdo a la adolescencia de la artista, solapando en un mismo plano pasado y futuro, creando un efecto evocador.
St. Vincent ha sorprendido en las redes sociales anunciando su nuevo proyecto, del que ella no será la protagonista. En concreto, la autora de ‘Masseduction‘ ha desvelado que se encuentra produciendo el nuevo material de Sleater-Kinney, que en 2015 -más de 20 años después de su formación- publicaron ‘No Cities to Love‘, uno de los mejores álbumes de aquel año.
Formada en la actualidad por Corin Tucker, Carrie Brownstein y Janet Weiss, Sleater-Kinney es una las bandas más queridas del rock alternativo americano asociadas al movimiento “riot grrrl”, y lo es tanto por sus discos de los 90 (‘Dig Me Out’, ‘Call the Doctor’) como por los que publicó durante la pasada década (‘One Beat’, ‘The Woods’) o el mencionado ‘No Cities to Love’, además de por canciones como ‘Modern Girl’ o la titular ‘Dig Me Out’.
Es un misterio qué puede salir de esto, pues aunque Annie Clark figura como co-productora de todos sus discos, en la mayoría de los casos sus obras han solido estar producidas por otras personas, en los casos de ‘Actor‘, ‘Strange Mercy‘ y ‘St. Vincent‘ por John Congleton y en el caso de ‘Masseduction’ por Jack Antonoff.
El 13 de marzo vuelven los Premios MIN, que condecoran la mejor música independiente con factura española del año y en ediciones pasadas han galardonado los trabajos de Maria Arnal i Marcel Bagés, Vetusta Morla, Triángulo de Amor Bizarro o Belako. La undécima edición de los premios, en la que JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador, se celebrará en el Teatro Circo Price de Madrid, que el año pasado acogió una décima edición realmente divertida y entretenida gracias a la presencia de la presentadora Marta Flich.
El proceso de inscripción para los Premios MIN 2019 está abierto desde hoy 8 de enero hasta el 18 de enero, y a este pueden registrarse profesionales y artistas con grabaciones (álbumes, EPs o singles) autoeditadas o publicadas durante 2018 por sellos independientes. Discográficas, editoriales musicales, managers o el propio artista pueden subir sus candidaturas a la web de los premios.
Terminado el periodo de inscripción, en la segunda fase de selección de los Premios MIN se escogerán a los 30 semifinalistas de cada categoría, entre todos los artistas inscritos, por medio de votación a través de la la web. Más tarde, en la tercera fase, un jurado profesional escogerá a los nominados entre todos los semifinalistas, y finalmente en la cuarta se desvelarán los nombres de los ganadores en una gala que, como hemos dicho, tendrá lugar en el Teatro Price.
Estas con las 21 categorías que serán premiadas: “Mejor álbum, mejor canción, mejor artista, mejor artista emergente, mejor directo, mejor videoclip, mejor álbum de pop, mejor álbum de rock, mejor álbum de músicas del mundo, mejor álbum de jazz, mejor álbum de hip hop y músicas urbanas, mejor álbum de flamenco, mejor álbum de electrónica, mejor álbum de música clásica, mejor producción, mejor diseño gráfico, mejor álbum en catalán, mejor álbum en gallego, mejor álbum en euskera, mejor artista iberoamericano y el Premio de Honor Mario Pacheco”.
Nasir lanzó el 15 de junio ‘Nasir‘, uno de los varios discos de 7 canciones producidos por Kanye West que salieron el año pasado, junto a ‘ye‘ del propio Kanye, ‘DAYTONA‘ de Pusha T (uno de los mejores discos de 2018), ‘KIDS SEE GHOSTS‘, el proyecto conjunto de Kanye y Kid Cudi, y ‘K.T.S.E.‘ de Teyana Taylor. Tras debutar en el número 5 del Billboard, el álbum cayó directo al 36 y actualmente se encuentra ausente de la lista, lo cual, junto a sus modestas cifras en streaming, confirma que ha pasado bastante desapercibido.
Una de las canciones de ‘Nasir’ que mejor ha funcionado en las plataformas es ‘Cops Shot the Kid’, cuyo gráfico título se repite durante la canción -de hecho está integrada en la base- a modo de disco rallado. Es una producción inequívoca de Kanye y el propio autor de ‘Monster’ aparece aquí para ofrecer un verso, aunque también dejando su impronta en los gritos desesperados que suenan a lo largo de la canción, y que remiten en concreto a su álbum de 2013 ‘Yeezus‘.
‘Cops Shot the Kid’ habla de detenciones absurdas a hombres negros en medio de la noche, de las “desventajas del hombre marrón” o de “madres que entierran a sus hijos”, y menciona a Emmett Till, un adolescente afroamericano de Mississippi que fue asesinado a los 14 años en 1955. Para ella, Nas acaba de publicar un vídeo casi igual de gráfico que su título, con la presencia de cadáveres y familias preocupadas delante del televisor.
Vuelve ‘What’s the Story Morning Glory’, el ciclo de música clásica de la Sala Apolo de Barcelona que busca acercar al público este arte musical “sin prejuicios ni condescendencias, recortando la solemnidad y aproximándola a la cultura del siglo XXI”. Pensado para personas de todas las edades, con o sin conocimiento previo de música clásica, el ciclo tendrá lugar en la conocida sala del 20 de enero al 10 de febrero.
Con la intención de mostrar que, a lo largo de la historia, la música clásica “ha dado rienda suelta a la improvisación y al divertimento”, el programa de ‘What’s the Story Morning Glory’ será tan variado como probablemente lo sea su público. La primera sesión, Gibbons Amateur, contará con la participación el 20 de enero del pianista Rubén Ramos Nogueira, que realizará una interpretación de la música del compositor renacentista Orlando Gibbons con la intención de reivindicar la “recuperación de la práctica musical de la música antigua por parte de un público amateur”. En siguiente, el 27 de enero será el turno de Trompeta Inmensa, programa dedicado íntegramente a composiciones realizadas para este instrumento entre los siglos XX y XXI por parte de músicos como P. Hindemith o N. Bolter.
Más tarde, el 3 de febrero tendrá lugar la sesión La consagración de los objetos, dedicado al tecno “prehistórico”, esto es, a esos ritmos bailables que nuestros ancestros extraían de instrumentos de percusión como tambores, bombos, piedras, trastos, baquetas o platillos, además del propio cuerpo. Finalmente, el ciclo llegará a su conclusión el 10 de febrero con el programa TraTrá (sí, es una referencia a Rosalía), dedicado a la persona cuya imagen ilustra este artículo, Ludwig van Beethoven, en concreto a algunas de sus “preciosas” composiciones para violonchelo y piano. Como el año pasado, antes y después de cada sesión de música clásica habrá desayuno (La previa) y “encuentro a pie de barra” (El after).
Fangoria empiezan a desgranar los detalles de su próximo álbum. De momento han anunciado que el primer avance del mismo se titula ‘¿De qué me culpas?’ y llega en la medianoche de este viernes 11 de enero. Juan Gatti, más conocido como Gattimania, colaborador habitual de Fangoria, ha dirigido el videoclip, que se publicará simultáneamente a la canción.
Estas han sido las palabras exactas de Fangoria: “¿De qué me culpas? es el título del primer single y videoclip de nuestro próximo disco. Este viernes 11 de enero a partir de las 0:00 horas podréis ver el vídeo dirigido por @gattimania y escuchar la canción en todas las plataformas digitales”.
Además, Fangoria parecen desvelar en el hashtag empleado en su post el título de su próximo álbum, ‘Extrapolaciones y dos preguntas’. Este será en cualquier caso el decimotercer disco de Fangoria tras la publicación en 2015 del exitoso ‘Canciones para robots románticos‘, al que siguió la reedición ‘Miscelánea de canciones para robótica avanzada‘ y el álbum en directo ‘Pianíssimo‘ en 2017.
Fangoria ya habían anunciado los dos primeros conciertos de presentación de este nuevo trabajo, que tendrán lugar en Barcelona y Madrid entre mediados y finales de abril.
La lista de singles española sigue liderada una semana más por ‘Adán y Eva’ de Paulo Londra, y la única noticia destacable de todo el top 100 del cambio de año es que Bad Bunny ha obtenido mejores resultados en la segunda semana de edición de su disco, que en la primera. Probablemente porque ‘X 100PRE’ se editaba un lunes, el de Nochebuena, en lugar de un viernes como es habitual.
Stella Donnelly es una de las cantautoras revelación tras la edición de su EP ‘Thrush Metal’, que presentó en 
Promusicae publica hoy la lista de los discos más vendidos entre 28 de diciembre y 4 de enero, probablemente la de mayor consumo del año en España, pues precede a Reyes, y por tanto la más competitiva. Como 
El k-pop lleva años extendiendo sus tentáculos en occidente, y boybands como BTS está marcando hitos globales como ser el primer grupo coreano en 
Según 
Esta semana ha comenzado con toda la artillería publicitaria de Atresmedia una nueva etapa del talent-show ‘La Voz’, que ha recalado en Antena 3 tras su paso por Telecinco. Con Antonio Orozco y Pablo López como coaches que repiten en ese papel y con 
A finales de 2018 el grupo Miss Caffeina detallaba el nombre de su nuevo álbum tras el despegue comercial definitivo que supuso para ellos ‘
De una manera nada ortodoxa, puesto que los “portavoces” de algunos detalles han sido una periodista cultural de la NBC, Katy Tur, y un analista político, Jake Sherman, 
La reciente confirmación de los británicos 
Concha Velasco nos plantea un macabro espectáculo teatral: que asistamos a su propio funeral. Un proyecto personal en el que se ha implicado su hijo Manuel M. Velasco como autor y director de ‘
Aunque a algunos les cueste verlo, el nuevo “la música electrónica no es música” y “el rap no es cantar” es “el reggaeton es basura”. Permanecer ajeno a la realidad de la música popular es abiertamente reaccionario y categorizar que un estilo es enteramente despreciable partiendo de preconcepciones es claramente obtuso. Hasta aquí llega en esta crítica este debate, para mí cansino, y paso a juzgar lo que se escucha en ‘
Billie Eilish, una de las artistas revelación de los últimos meses tras el enorme éxito de canciones como ‘lovely’ con Khalid, 
Paco León, que recientemente ha protagonizado 
‘Without Me’ de Halsey es el nuevo número 1 del Billboard Hot 100, lo cual no es una sorpresa, pues 
2018 ha sido el año en que Snow Patrol, el grupo norirlandés que triunfó a lo grande a mediados de la pasada década con ‘Chasing Cars’, gracias en parte a su aparición en la serie ‘Anatomía de Grey’, ha vuelto a la música para publicar un nuevo disco, ‘Wildness’, 7 años después 
Enero no es un mes demasiado suculento en cuanto a grandes lanzamientos discográficos. Los álbumes que aspiran a vender millones o ahora cientos de miles de copias se han editado unas semanas antes para aprovechar el tirón de la Navidad o se reservan ya para primavera. Y aquellos que buscan más bien llegar a las listas con lo mejor del año para la crítica corren el riesgo de ser olvidados con el paso de los meses. Este mes sacan disco artistas como Deerhunter o aparentemente James Blake, entre otros, más aquellos que decidan sorprendernos. Podría ser un mes animado o aburrido. A la espera de averiguar qué nos depara este enero de 2019, recordamos 10 álbumes históricos que, por una u otra razón, decidieron editarse en un mes tan arriesgado como el nuestro.
Cupcakke, autora de uno de 
Kate Bush no ha generado demasiadas noticias en los últimos tiempos, pero las pocas que ha generado han dado que hablar. En 2014 anunció sus primeros conciertos en 35 años, agrupados en la residencia ‘Before the Dawn’ que pudo verse exclusivamente en el Hammersmith Apollo de Londres, y en 2016 
Sharon van Etten es una de las artistas recientemente 
St. Vincent ha sorprendido en las redes sociales anunciando su nuevo proyecto, del que ella no será la protagonista. En concreto, la autora de ‘
El 13 de marzo vuelven los Premios MIN, que condecoran la mejor música independiente con factura española del año y en ediciones pasadas han galardonado los trabajos de Maria Arnal i Marcel Bagés, Vetusta Morla, Triángulo de Amor Bizarro o Belako. La undécima edición de los premios, en la que JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador, se celebrará en el Teatro Circo Price de Madrid, que el año pasado acogió una décima 
Nasir lanzó el 15 de junio ‘
Vuelve ‘What’s the Story Morning Glory’, el ciclo de música clásica de la 
