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La canción del día: Anteros siguen refrescando el rock nuevaolero con la potente ‘Fool Moon’

Por
Raúl Guillén
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A principios de este año que ahora termina destacábamos a los británicos Anteros como uno de los nombres a seguir en el futuro. Mientras les veíamos asomar ya la cabeza en festivales nacionales como Bilbao BBK Live, ellos han venido calentando motores para la publicación de su álbum debut que, por fin, está confirmado.

Se titula ‘When We Land’, verá la luz en 1 de marzo de 2019, ha sido producido por Charlie Andrew (alt-J, Bloc Party) y en él no renuncian a incluir algunas de sus primeras canciones, como la que da nombre al grupo, ‘Ring Ring’ o su hit ‘Breakfast’. Aunque sobre todo se compone de canciones nuevas, algunas de las cuales han venido presentando en los últimos meses, como ‘Call Your Mother’ u ‘Ordinary Girl’, en las que muestran hasta qué punto pueden traer a la mente a bandas de la New Wave como Pretenders y Blondie sin sonar miméticas, con frescura.

Y de nuevo lo logran en su tercer single, que hoy elegimos como nuestra Canción del Día. Se trata de ‘Fool Moon’ (que no «full moon»), tercer capítulo también en la serie de clips oficiales que vienen a narrar, metafóricamente, la historia del grupo. Así, tras «el aterrizaje» del primer vídeo y la búsqueda común del segundo, en este nuevo clip, de nuevo dirigido por su carismática frontwoman Laura Hayden, que comanda al grupo, eufórica, mientras interpretan la canción con tímidos bailes.

Una canción que reafirma las intenciones de Anteros de erigirse en nuevos eslabones de la cadena de grupos de pop rock enérgico con mujer al frente, que además de los ya citados, comandados por Chrissie Hynde y Debbie Harry, también pueden incluir por la apertura de su estilo a nombres como No Doubt o Gargbage. ‘Fool Moon’ resulta otro potente y magnético paso en la buena línea que lleva hasta ‘When We Land’.

Tracklist de ‘When We Land’:

Call Your Mother
Ring Ring
Honey
Afterglow
Drive On
Breakfast
Ordinary Girl
Wrong Side
Let It Out
Fool Moon
Anteros

John Grant / Love Is Magic

Por
Sergio del Amo
-
9

Parece que las cosas le siguen yendo bien a John Grant. Y nos alegramos. En Islandia parece que ha encontrado la paz interior y, por ello mismamente, se puede permitir el lujo a estas alturas de poder contar lo que le da la real gana sin filtros después de haber presenciado los infiernos como pocos. Si a eso le sumamos que también desde hace años está limpio de adicciones y que tiene una pareja estable a su lado, sin duda, más que nunca ahora (mucho más si cabe que en ‘Grey Tickles, Black Pressure’) Grant se vale del humor y la ironía para hilar un álbum en el que dispara a bocajarro sobre temas tan dispares como el amor y sus consecuencias, Trump, la situación actual de Estados Unidos o la propia Chelsea Manning, a quien dedica ese bonito cierre que responde a ‘Touch and Go’.

Los trabajos en solitario previos del ex The Czars se vertebraban en dos tipos de temas: los de corte más clásico y otros en los que daba rienda suelta a la experimentación electrónica. Pues bien, salvo en el tramo final del disco formado por ‘Is He Strange’, ‘The Common Snipe’ y la ya citada ‘Touch and Go’ (que podrían haber formado parte perfectamente de ‘Queen of Denmark’), lo que nos encontramos en ‘Love Is Magic’ es su largo más electrónico hasta la fecha. Aunque para nada hablamos de un disco de baile propiamente dicho porque, más allá de esa gamberra ‘Preppy Boy’ en la que nos cuenta que se lo montaría con uno de los pijos que le hacían bullying en el instituto, o ‘He’s Got His Mother’s Hips’, con ese manto de sintes, el LP tira por derroteros mucho más oscuros y menos accesibles.

Producido por el propio Grant, Benge (detrás de quien se esconde Ben Edwards, con quien ya trabajó este mismo año en el disco de Creep Show ‘Mr. Dynamite’) y el Midlake Paul Alexander, el cuarto trabajo del estadounidense cuenta con idas de olla sonoras como esa ‘Metamorphosis’ que rompe el hielo metiendo en el mismo saco menciones al ISIS, Kant o Marvin Gaye; así como esa incendiaria ‘Diet Gum’ en la que durante siete minutos y medio vomita todo su odio a uno de esos ex que le hicieron trizas el corazón. El amor puede ser muy jodido y difícil de gestionar por momentos, sí, pero eso no quita que para Grant valga la pena porque de todo, de lo bueno y lo malo, se pueden aprender lecciones muy valiosas.

Del mismo modo, dos de los momentos más destacables corresponden a dos de las canciones más oscuras del lote. Por un lado, tenemos esa ‘Tempest’ que podría venir firmada por los The Human League más darks con esa tormenta de 8 bits que explota en sus segundos finales y, por el otro, una ‘Smug Cunt’ que, aunque inicialmente tenía que ir dedicada a Putin, finalmente tiene a Trump como objeto de su diana. No le menciona explícitamente en ningún instante, pero eso no quita que la gente con medio dedo de frente pueda percatarse de que versos tan incendiarios como que “se masturba con juguetes caros” van dedicados al actual inquilino de la Casa Blanca. Grant, sin pelos en la lengua, aquí no decepciona.

Pese a las buenas intenciones, ‘Love Is Magic’ acaba siendo su disco menos notable hasta ahora. A las letras pocas pegas se le pueden poner (y más si uno disfruta del humor negro), pero musicalmente hablando estas canciones resultan menos memorables que muchas de las que nos ha traído a lo largo de los últimos años. Para la próxima, un poco del esmero en los textos para las propias composiciones en sí.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Tempest’, ‘Preppy Boy’, ‘He’s Got His Mother’s Hips’, ‘Touch and Go’
Te gustará si te gusta: El John Grant menos clásico que se decanta por la electrónica
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‘Narcos: México’, pros y contras de la serie más chingona de Netflix

Por
Joric
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7

Que si hay que mover la “mota”, que si repartimos la “feria”, que qué se piensan esos “culichis”, que lo has hecho de “pedo”… ¡Ay, mijo, no entiendo ni verga! Cuando ya estábamos acostumbrados al acento y las expresiones colombianas, el universo expandido de ‘Narcos’ se traslada a México. A no ser que seas fan de las telenovelas mexicanas, ya puedes ir limpiándote los oídos o, como hice yo, poniendo los subtítulos en inglés o para sordos (por lo menos los primeros capítulos). Estos son los pros y contras de la cuarta temporada de ‘Narcos’:

Lo mejor de ‘Narcos: México’

1. El nivelazo de la producción. Y no me refiero solo a la “lana”, que hay mucha y se nota, sino también a su nivel artístico. Los diez episodios de la serie se los han repartidos entre cuatro directores: los habituales Andrés Baiz y Josef Kubota Wladyka, que ya habían dirigido episodios de las temporadas anteriores, y -y aquí viene la sorpresa- Alonso Ruizpalacios, director de la multipremiada ‘Güeros’, y Amat Escalante, uno de los pesos pesados del cine de autor mexicano, con premios al mejor director en Cannes (‘Heli’) y en Venecia (‘La región salvaje’). La banda sonora la firma el oscarizado Gustavo Santaolalla (‘Brokeback Mountain’, ‘Babel’) y la dirección artística Salvador Parra (‘Volver’, ‘El embrujo de Shanghai’). Aunque a la postre lo que se impone es la personalidad de los tres creadores de la serie (Chris Brancato, Carlo Bernard y Doug Miro), no se les puede acusar de falta de ambición artística.

2. El final de la temporada. Los dos últimos capítulos de ‘Narcos: México’ son los que más se parecen a los mejores episodios del ‘Narcos’ colombiano. Son intensos y emocionantes. Hay giros sorprendentes (dentro de las pocas sorpresas que puede haber ya en un esquema narrativo tan previsible), escenas de acción vibrantes, vigorosos pulsos entre personalidades, impactantes “contraplanos” documentales (la falta de imágenes de archivo como contrapunto se echa mucho en falta en el resto de los capítulos), pintorescos retratos costumbristas y duelos verbales que nos recuerdan por qué nos gustaba tanto cuando Escobar abría la boca y miraba a su interlocutor directamente a los ojos. Son la promesa de una quinta temporada (ya confirmada) en la que seguramente irá emergiendo el único personaje con un historial delictivo que parece capaz de hacer sombra al capo de Medellín, el “Chapo” Guzmán, y el del narrador de esta temporada, que aparece al final y resulta muy prometedor (incluido el actor que lo interpreta).

Lo peor de ‘Narcos: México’

1. Un duelo descafeinado. Desde un punto de vista narrativo, esta temporada de ‘Narcos’ está planteada como una pelea a cara de perro entre el agente de la DEA Enrique “Kiki” Camarena, interpretado por Michael Peña (‘Ant-Man’, ‘La gran estafa americana’), y el “padrino” Miguel Ángel Félix Gallardo, jefe del cártel de Guadalajara, a quien da vida la estrella mexicana Diego Luna (‘Rogue One’, ‘Y tu mamá también’). Pues bien, ni los personajes ni los actores están a la altura de lo esperado. A Gallardo le falta más carisma que al rey Felipe. Quizá fuese así en la realidad, pero como personaje de ficción parece el que le limpia la piscina a Escobar. Tampoco ayuda la interpretación de Luna, que desaparece del plano cuando lo comparte con Tenoch Huerta (Rafa Quintero) y, sobre todo, con Joaquín Cosio (Don Neto), quizá el personaje con más peso dramático de la serie. En cuanto a Kiki, su apodo ya lo dice todo: un pelo del bigote del agente Peña tiene más presencia, hondura psicológica y atractivo que todo el agente Camarena.

2. Sobra la mitad de la serie. Los cinco primeros episodios de ‘Narcos: México’, centrados en el tráfico de marihuana, se los podían haber fumado. Son droga blanda: previsibles, poco interesantes y escasamente relevantes para el desarrollo posterior de la historia y los personajes (con unas cuantas pinceladas hubiera bastado). Esta sensación de relato estirado, de estar ante una introducción demasiado larga de la temporada que viene, planea sobre la serie como los aviones de la policía sobre las plantaciones de maría. ¿Habrá de verdad “plata y plomo” en ‘Narcos: México’ temporada 2? 6’9.

Garbayo: «Hay demasiadas letras impostadas: demasiados cohetes para decir poca cosa»

Por
Sebas E. Alonso
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Garbayo es el proyecto en solitario de Ignacio Garbayo de Los Zodiacs, donde pasó 10 años. Ahora publica ‘Sonido forestal‘, un disco que en realidad no se gestó tan en solitario como indica el nombre del proyecto y que recoge la grabación original de las canciones que llevaron a cabo él y el batería Javi Estrugo, en «un cuchitril» ubicado en la granja del Valle del Tiétar donde ahora vive Ignacio con su familia. Sobre esa vida y ese sonido agreste del disco charlamos con él y Estrugo, que nos cuentan algunos vericuetos del proceso de creación, las letras y el momento crítico en el que les robaron todo su equipo justo el día antes de entrar a grabar el álbum. [Fotografía de Samantha López]

Decidme qué os parece el estado de la música española en este momento y qué diríais que aportáis.
Ignacio: «Me parece que está superbien, hay mogollón de variedad y gente supertalentosa. En cuanto a nuestra función ahí, a mí me parece que el disco aporta un poco de naturalidad. Como compositor, por mi parte hay un compromiso por un mensaje claro, de “ahí están mis sentimientos y los pongo encima de la mesa”. Hay mucha gente muy buena, claro, pero percibo que predomina un ambiente que está lleno de circunloquios, de letras impostadas. En mi opinión hay demasiados cohetes para decir poca cosa».

¿Te refieres al indiemainstream o al pop en general?
I: «Sí, hablo del indiemainstream».

Quería preguntaros por eso, porque es cierto que en el disco está bastante claro de qué va cada canción, hasta el punto de que no deja muchas preguntas que hacer. ¿O hay alguna letra que parezca que va de una cosa y en realidad hable de otra?
I: «Pues mira, está pasando con ‘En la televisión’. Parece una crítica ácida a la telebasura, pero yo no estoy haciendo eso…».

¿Ah, no? Lo parece bastante…
I: (risas) «Hay un punto de eso, sí, pero en realidad habla de una relación de amistad o amor, que no funciona porque uno quiere sus libros, sus discos, y la otra quiere pues eso, ese tipo de producto…»
Javi: «Es más una crítica a la persona, que su rollo sea ese, no a la telebasura en sí».
J: «Aunque es verdad que cantas “ver basura inmunda y horror en la televisión”, sí…» (risas)

«‘En la televisión’ parece una crítica ácida a la telebasura, pero yo no estoy haciendo eso»

Lo iba a citar yo, pero ya lo has hecho tú. Si no hay una crítica ahí…
J: «Sí, pero no a la televisión en general, sino al contenido que elige esa persona en particular. No niega que haya otros programas que sí estén bien».

¿Cuáles son vuestros programas favoritos de televisión, a ver?
I: «Yo no tengo tele, tío. (risas) O sea, lo que veo en VOD por internet».

Cada vez hay más gente sin tele, el otro día entrevistaba a otra persona que tampoco tenía. Esto es tendencia…
J: «Es por el rollo del streaming, la tele a la carta. Yo quiero no tener tele pero tengo una. Aunque no la enciendo. Está por mi chica y tal, que sí que quiere».

¿Sois tú y tu chica los de la canción?
(risas) J: «¡Ostias! Pues pregúntale a él que la ha escrito… A ver, salvaría algunos: pues ‘Salvados’, el de Jordi Évole, y los programas de humor de Movistar+, ‘Ilustres ignorantes’ y… bueno, un poco ‘La resistencia’, aunque lo tengo ahí un poco en el aire. En general diría que estas plataformas de pago se lo curran más, aunque también tienen sus cosas de basurilla».

¿Y tú cómo has escrito esa canción si no tienes tele?
I: «A ver, sé lo que hay, me refiero a los programas más masivos, los realities, los telediarios, me recreo en la basura, pánico, destrucción… porque la tele actual no la veo. Pero no por tendencia, sino porque vivo en el campo y básicamente no hay antena, es imposible verla. Pero ya digo, me centro más en el conflicto de dos personas».

¿Pero dónde vives, si puedo preguntar?
I: «En el Valle del Tiétar, en la Sierra de Gredos».

¿Y qué haces allí? ¿Cómo es un día de tu vida?
I: «Pues con la familia y tal, me levanto, las niñas van al cole, me dedico a cosas de la finca, atiendo a las gallinas, a la huerta…»

Vamos, que eres granjero. ¡Eres carne de reality!
(risas) J: «Granjero… no busca esposa, porque ya tiene». (risas)

«Cuando me fui a vivir al campo había muchas dificultades, por la distancia y también los ánimos, que empezaron a flojear»

Antes de volver a hablar del disco, cuéntame cómo has afrontado este disco en solitario después de tantos años en Zodiacs. ¿Ha sido más difícil, más fácil, el que más ilusión te ha hecho…?
I: «Pues a ver, por partes. Cuando me fui a vivir al campo había muchas dificultades, por la distancia y también los ánimos, que empezaron a flojear. Pero yo siempre hago canciones y aprendí a grabar en casa. Entonces llamé a Javi para formar una banda con Charlie Mysterio. Warren y Los Primitivos, se llamaba. Movimos aquello un poco, tocamos un poco, pero nadie nos hacía mucho caso. Entonces pedí consejo a Alfonso de Last Tour [promotora de conciertos] y él me sugirió hacer algo con mi nombre, aprovechando que gente ya me conocía de Zodiacs, y que fuera lo más yo posible, lo más honesto. Así que le pedí a Javi que grabara las baterías y yo grabé todo lo demás, guitarras, coros, voz, coros… Y justo cuando se lo enseñé a Alfonso, le gustó y coincidió con que estaban comenzando a crear Oso Polita, el sello».

¿Entonces las canciones ya las teníais hechas hace tiempo pero no sabías cómo se iban a publicar?
I: «Exacto. Algunas tenían 5 años y otras 1 mes».

¿Cuáles serían las más antiguas?
I: «‘Soy un cerdo’ y ‘Monstruo’».
J: «La idea era autoeditarlo, grabarlo nosotros. Así que esas canciones las llegamos a subir a Bandcamp».
I: «Lo grabamos en mi casa, en un cuchitril que tengo en la granja. (risas) Y ahí echamos muchas horas, mezclando y todo, porque pensaba que el disco iba a ser eso. Luego Oso Polita nos ofreció volver a grabarlo en Gárate, en el estudio de Kaki Arkarazo (Chucho, Kokoshca, Biznaga), y lo hicimos con Lander (Moya, bajista) y Pit (Idoyaga, guitarras y coros), pero la premisa era mantenerse fiel a las maquetas».

«Me parecía lo más honesto mantener el espíritu original de las canciones, que ahora llamamos maquetas, pero iban a ser el disco original»

De hecho, el sonido final es bastante sucio, rockero…
I: «Exacto, las maquetas eran sucias, y la grabación también, aunque no tanto».
J: «Lo que Ignacio y Kaki han buscado es una no-producción, tener la mínima interferencia con cuatro tíos tocando».
I: «Me parecía lo más honesto mantener el espíritu original de las canciones, que ahora llamamos maquetas, pero iban a ser el disco original. Así que, aunque haya un sello que ha invertido en una grabación, no me parecía honesto de repente sonar que te mueres. Y creo que se va a agradecer, porque si escuchas el disco y escuchas un concierto nuestro, sonará parecido».

Pues es que yo os he visto y me atrevería a decir que suena mejor el directo. No sé si es bueno o malo, porque mucha gente te va a conocer por el disco, creo yo. ¿El sonido del disco se parece a la música que soléis escuchar?
I: «A mí me gusta el sonido tirando a natural, las imperfecciones… Ahora estoy escuchando mucho a The Wave Pictures, por ejemplo. Me gusta cómo fluye el sonido de las guitarras, cómo suena el bajo, que parece que lo tienes metido en la cabeza. Muy natural, nada de superproducciones».

El single del disco está superclaro. Cuéntame cuál fue tu primer contacto con la palabra ‘Nitroglicerina’ y cuándo te diste cuenta que tenía un doble significado que te servía para la letra de la canción.
I: Pues creo que fue en un concierto de The Gories, que soy muy fan, y tocaron una canción suya que se llama ‘Nitroglycerine’. Y se me ocurrió darle una vuelta, saqué el paralelismo con el explosivo y una relación… explosiva. Es curioso, porque es una canción que hice para Phil. Phil es un amigo mío que es americano, y tiene un grupo aquí en Madrid que se llama The Knights of The Long Grass. Estaba pasando una mala época porque lo dejó con su chica y le invité a venir a casa, al campo, a pasar un tiempo para desconectar. Le puse algunas maquetas que tenía hechas y esta le flipó, pero no tenía letra y él hizo una en inglés. De hecho, luego él ha llegado a sacar la canción con su grupo y con su propia letra, pero la canción tenía como 4 años y no tenía letra mía. Y en aquel concierto, al que fui con Phil, por cierto, surgió la idea».

¿Y de quién fue la idea del vídeo?
I: «Fue de Samantha López, que dirige el vídeo. Es una realizadora y fotógrafa mexicana, una mujer muy resuelta. La idea era aprovechar localizaciones cercanas a mi casa, porque como las canciones se crearon allí, tenía sentido. Era bonito. Y lo del plano-secuencia quedó muy guay».

Os quería preguntar también por las armonías vocales del disco, que recuerdan a Los Brincos, Los Ángeles… Pero no sé si os gustan discos o canciones concretos suyos, o si os gustan así en general.
I: «Sí, me flipa ‘Contrabando’, y lo tengo en vinilo por casa. También me encanta alguno de Juan y Junior que tengo, que ahora no me acuerdo del título. De hecho, hemos hecho en directo una versión de ‘Nos falta fe’, y es posible que la retomemos ahora, y quizá también hagamos la de ‘Mejor’».

«Me gusta hablar de cosas sórdidas o chungas pero hacerlo de manera bonita»

Llama la atención que los coros más bonitos del disco suenan en las canciones más… digamos mugrientas del disco, que son ‘Soy un cerdo’ y ‘En la televisión’, que como decía hablas de “basura inmunda”. ¿Buscabas un poco ese contraste?
I: «Sí, me gusta hablar de cosas sórdidas o chungas pero hacerlo de manera bonita. Me gusta esa sensación».

Y algo parecido pasa en ‘Huye del monstruo’, donde hay armonías cuando cantas “empieza por seguirte la corriente / y sabe chupártela bien”. ¿Chuparte qué? ¿La corriente?
I: «Pues, eh… El miembro viril, como decía Leonardo Dantés». (risas)

A ver, para mí es evidente, pero pregunto por si acaso…
J: «Sí, es justo ese contraste que decíamos, aportan un toque de humor».
I: «Es gracioso porque mi hija de 4 años se sabe perfectamente ya todas las canciones, esta incluida, y…» (risas)

También hablas del amor pasajero. Me gusta una frase que dices, algo así como que ese “es amor también”. No sé si es porque eres o has sido adicto a ese amor, o porque te has enamorado de todas tus parejas.
I: «Yo he tenido una época de amores pasajeros y me ha marcado. Yo viví aquí cerca [en Madrid] un montón de años y fue una época loca. Y sí, me parece igual de válido [que otro tipo de amor]».

Pero lo recuerdas como algo bueno.
I: «Sí, claro, no reniego para nada de ello».

Por el disco se diría que eres una persona pasional.
I: «Sí, es así».

¿Hay alguna canción que os guste especialmente, tocarla o favorita, y no sea de las más inmediatas o evidentes?
J: «A mí me parece la hostia ‘Te dejaré atrás’. Me parece hitazo, pero igual es sólo mi percepción».
I: «Estoy de acuerdo, y creo que coincidimos todos en la banda. No es un single en potencia, pero nos encanta. Luego hay otra que nos gusta mucho y se quedó fuera del disco, que se titula ‘El fantasma de la muerte’. Se va un poco de la temática del disco y, por consideraciones del sello, acordamos dejarlas en 10. Pero nos encanta y la hacemos en directo».
J: «Grabamos más temas que no cabían y nos gustan, pero guay, porque se editarán después».

«[Sobre por qué los vinilos del álbum están a 45 RPMs] No lo sabemos. Llegaron los discos a casa… “¡De puta madre!” Lo pongo y…»

Personalmente me parece guay que sean 10, para el estilo de música me parece muy adecuado. ¿Por qué está el vinilo a 45 RPMs?
I: «No lo sabemos. (risas) Llegaron los discos a casa… “¡De puta madre!” Lo pongo y… [Empieza a imitar el sonido ralentizado de escuchar un vinilo de 45 a 33 RPMs] Y te puedes imaginar… “¡están mal!” La cuestión es que parece ser que a 45 rpms suena mejor, y como el disco es corto y cabía, alguien del sello decidió hacerlo así. Pero nosotros no lo sabíamos».

Para terminar, contadme qué tenéis pensado para el futuro, si haréis más vídeos…
J: «¿Estuviste en El Sol?»

Sí, llegué al final.
J: «Pues justo a tiempo, porque grabamos un vídeo en directo de la última canción, ‘Muévete’. Bueno, es un falso directo, el sonido será la grabación de estudio. Ya está editado y listo para lanzar, pero creo que la idea es que salga ya después de Navidad».
I: «Javi, además de tocar la batería y hacer coros, es realizador de vídeos, lo ha hecho él».

Me llama la atención que estés en los créditos como segundo miembro de la banda. Normalmente los baterías suelen estar más abajo…
J: «¿El último, quieres decir? (risas) Somos un poco como los Black Keys, guitarra y batería».
I: «Es que Javi ha estado en el proyecto desde el principio, ha participado en la composición, grabó las maquetas, es una parte fundamental y se lo ha currado de la hostia. Y padeció también cuando nos robaron todo el equipo, que…»
J: «Eso hay que contarlo».

¿Qué pasó? ¿Dónde fue?
I: «En Bilbao. Fue el día antes de entrar al estudio, en Guipúzcoa. Yo fui a dormir a casa de mi hermana antes de viajar al día siguiente a Gárate, aparqué el coche en una zona residencial pensando que no pasaría nada, y me lo reventaron».
J: «Y daba la casualidad que le habíamos dado tanto el bajista como yo todo nuestro equipo, que no es como cuando vas a un bolo que llevas sólo una parte. Llevaba 3 cajas, 10 platos, sus 3 guitarras… Se llevaron todo».

¿Y eso no lo cubre el seguro, se perdió todo?
J: «No lo cubre, no, cubre los daños del vehículo. Pero la cuestión no sólo era esa, sino que yo cogía un autobús para estar ahí en 3 horas y grabar, y no tenía ni baquetas. Ni él una púa».

¿Y cómo lo solucionasteis? ¿Parasteis la grabación?
I: «No, no. Oso Polita había hecho una inversión para alquilar el estudio y teníamos que grabar. Nos prestaron los instrumentos los grupos de los alrededores de Gárate, guitarras, platos… Todo».

José González y La Casa Azul, estrellas de la primera jornada de Secret VIDA, el festival con cartel-sorpresa

Por
Raúl Guillén
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Este fin de semana en Vilanova i la Geltrú se celebra la primera edición de Secret VIDA, versión otoñal de Vida Festival que se celebra a cubierto y que cuenta con el factor sorpresa como gran baza: el cartel del festival sólo se conoce cuando los artistas se suben al escenario. Esto, que requiere de una gran confianza por parte de sus asistentes, tiene también alguna pega, a tenor de los comentarios leídos en redes sociales: una de las quejas más recurrentes es que, si habitualmente una parte del público de dedica a charlar cuando sabe a quién actúa, la cosa se agudiza cuando no conocen a quien están viendo y, peor aún, parece que les da igual. [Foto del Twitter de Vida Festival.]

En esta primera jornada, repartidos en dos escenarios distintos y presentados por el locutor de Radio 3 Ángel Carmona, La Casa Azul y el sueco José González fueron los dos nombres estelares. Ambos, curiosamente, deberían estar a punto de publicar sus nuevos álbumes… o no. El belga de ascendencia egipcia Tamino, la joven Pavvla, el autor del Disco Recomendado ‘Blanc‘, Ferran Palau, Los Mambo Jambo, los británicos Franc Moody y Miqui Puig en su faceta de DJ.

Hoy sábado culminará el festival, revelándose los 10 nombres que completarán su edición, y que han sido insinuados por unos jeroglíficos mostrados por la organización en redes sociales días atrás.

Avril Lavigne, desnuda en la portada de ‘Head Above Water’

Por
Raúl Guillén
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El regreso a la música pop de Avril Lavigne es una de las mejores noticias de este 2018, especialmente porque lo hace tras superar la enfermedad de Lyme que padece y cuyos dolores la llevaron a pensar que moriría –cumpliendo ese falso bulo que corre por Internet de vez en cuando–. Felizmente no ha sido así y ya tiene un nuevo álbum listo para publicar, cuyo primer single ‘Head Over Water‘ –que además le da nombre– conocíamos semanas atrás (más abajo encontraréis su vídeo oficial.

‘Head Over Water’ se publicará el próximo mes de febrero de 2019 –aún no se ha determinado el día– y se pondrá en pre-venta el próximo 12 de diciembre. Esto es, el próximo miércoles, coincidiendo con la presentación de una segunda canción extraída del álbum llamada ‘Tell Me It’s Over’. También se ha revelado el tracklist completo del álbum y su portada, que es una sorprendente imagen en blanco y negro de la cantautora canadiense desnuda sobre el agua, únicamente cubierta con una guitarra.

Tracklist de ‘Head Above Water’:

1. «Head Above Water»
2. «Birdie»
3. «I Fell in Love with the Devil»
4. «Tell Me It’s Over»
5. «Dumb Blonde»
6. «It Was in Me»
7. «Souvenir»
8. «Crush»
9. «Goddess»
10. «Bigger Wow»
11. «Love Me Insane»
12. «Warrior»

Morgan versionan a Extremoduro en televisión, pero… ¿es tan inesperado como parece?

Por
Raúl Guillén
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El grupo madrileño Morgan publicaba este año ‘Air’, su segundo disco de estudio tras el sorprendente ‘North’, de nuevo repleto de sonidos inspirados en la tradición rock norteamericana y con la imponente voz de Nina de Juan como gran bandera en temas como la funksoulera ‘Another Road (Gettin’ Ready)‘ o la preciosa ‘Sargento de hierro‘, uno de sus escasos temas en castellano. Tras pasear por diversos festivales del país este nuevo álbum, ahora se embarcan en una gira por salas en la que recogen los frutos de su trabajo, llenando locales tan emblemáticos como el Teatro Circo Price de Madrid.

Así, tras vender todo para el próximo 19 de enero en la histórica sala, han programado una nueva fecha en el mismo recinto: será el 27 de enero y las entradas ya están a la venta. También tienen fechas programadas en varias ciudades españolas en las próximas semanas, que puedes consultar al completo en su web.

Esta gira coincide además con su aparición en dos programas musicales que han devuelto importancia a la música en directo en televisión. Si la pasada semana les veíamos en el plató de ‘La hora musa’, en La 2, anoche eran protagonistas en ‘Sesiones Movistar+‘. Lo más comentado del programa de Arturo Paniagua es, sin duda, la sorprendente versión que Morgan se marcaron para cerrar su aparición. Y es que optaron por un tema como ‘So Payaso’ de Extremoduro, single principal de ‘Agila’ que supuso la eclosión comercial del grupo de Robe Iniesta. Si bien podría parecer una elección inesperada, tiene bastante sentido si pensamos que Carolina de Juan es hija de Tony de Juan, guitarrista de Coz, uno de los mitos del llamado rock urbano de nuestro país. Si eres abonado a la plataforma digital, puedes ver el programa completo aquí.

Ariana Grande también bate récords en Reino Unido con ‘thank u, next’

Por
Raúl Guillén
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Ariana Grande alcanzaba un hito bastante insólito en su carrera con ‘thank u, next‘, single que se convertía en su primer número 1 en el Hot 100 de Billboard –lo cual parece increíble viniendo de una artista con canciones tan exitosas como ‘Problem’, ‘Side to Side’, ‘Break Free’ o, este mismo año, ‘no tears left to cry’ y ‘god is a woman’. Y no era el primer logro que alcanzaría con este poderoso y a la vez divertido de autoconfianza escondido como una carta de agradecimiento a sus exes.

Hace justo una semana el para algunos polémico clip oficial de la canción se convertía en el vídeo más visto de la historia en sus primeras 24 horas de lanzamiento, superando el récord de la boyband coreana BTS, quienes a su vez batieron el récord de ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift. Y su éxito la ha llevado también a superar cotas en el mercado británico.

Gracias al impulso de su vídeo, ‘thank u, next’ se ha convertido en la canción con más streaming acumulados en una sola semana en Reino Unido, superando nada menos que a ‘Shape of You’ de Ed Sheeran. El single del británico alcanzaba la anterior mejor marca con 14,2 millones de streamings en 7 días, mientras que Ariana sumaba este viernes 14,9, siendo 7,9 correspondientes a visualizaciones del vídeo con IP de Reino Unido.

Así, ha revalidado su posición como número 1 del Official Uk Charts por quinta semana consecutiva (en EEUU ya ha caído en favor de ‘Sicko Mode’ de Travis Scott), logrando igualar otro récord: es la primera artista femenina que permanece tanto tiempo en lo más alto de la lista de singles británica en solitario, desde que lo hiciera ‘I Kissed a Girl’ de Katy Perry, hace ahora una década. No está nada mal para un single que parecía medio improvisado, ¿verdad? Os dejamos con una actuación de Grande interpretando precisamente esta canción en un evento sobre mujeres artistas promovido por Billboard, bastante más académica que aquella presentación en el programa de Ellen… aunque también se echa unas risillas.

La canción del día: ‘Sierra Norte’ de Auto Sacramental, firme candidata a nuevo himno de clubs alternativos

Por
Raúl Guillén
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La sierra de Guadarrama es un precioso área vacacional del norte de Madrid que, curiosamente, está cuajada en pocos kilómetros cuadrados de rincones simbólicos, siniestros, místicos y mágicos, desde el Valle de los Caídos al Monasterio del Escorial, pasando por la llamada Silla de Felipe II, el terrible Preventorio Infantil o la capilla de Prado Nuevo donde se le aparecía la virgen, decía ella, a la vidente Amparo Cuevas. Su frondosidad y su arquitectura monumental la convirtieron también en un frecuente espacio de filmación de películas míticas de Hollywood como ‘La caída del Imperio Romano’, ‘La muerte tenía un precio’ o ’55 días en Pekín’, además de infinidad de películas españolas. También ha sido referenciada en la música pop, en canciones tan maravillosas y distintas (aunque con una conexión lisérgica) como ‘El tigre de Guadarrama’ de Vainica Doble y la propia ‘El Escorial’ de Los Punsetes. Y, por supuesto, tampoco olvidamos aquellas memorables fotos promocionales de Leo Mateos de los ya extintos nudozurdo sobre el símbolo franquista por antonomasia.

Y su magnetismo sigue resultando inspirador para nuevas generaciones. Así lo demuestra ‘Sierra Norte’, el primer single de Auto Sacramental. Un nombre tras el que se esconde Jorge Mills, integrante de proyectos como Rollercoaster Kills o Totale que ahora se lanza en solitario y cantando por primera vez en castellano. Producida por Guille Mostaza (Ellos, Gálvez Mostaza) en sus estudios Alamo Shock, ‘Sierra Norte’ es un pelotazo de synth pop de marcada inspiración ochentera combinado con ritmos contundentes de corte kraut, espíritu oscuro y ganchos inapelables. Una combinación que, redondeado por una letra que evoca nihilismo juvenil con referencias sombrías a ‘La caza’ de Carlos Saura, la postulan como firme candidata a convertirse en un himno de club alternativo como lo fueran/son ‘Toro’ o ‘De la monarquía a la criptocracia’.

El lanzamiento de este primer single de Auto Sacramental se completa con un vídeo de Wences Lamas (Pablo Und Destruktion, Disco Las Palmeras!) que, aprovechando obviamente la riqueza de los parajes naturales y rurales a los que remite el título de la canción, nos sitúa en el centro de un grupo de amigos que, en su búsqueda de emociones, se implica en un ritual turbio que envuelve a una virgen adolescente.

Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»

Mariah Carey vuelve a arrasar con ‘All I Want for Christmas is You’, el éxito universal de una artista que no lo es tanto

Por
Jordi Bardají
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Mariah Carey está volviendo a arrasar con ‘All I Want for Christmas is You’, que desde su publicación en 1994 se ha hecho más popular con el tiempo. El año pasado por fin entraba en el top 10 de Billboard y este año y, tras re-entrar en el top 29, ya es top 14, por lo que está por ver si es capaz de superar esa marca. De momento es la cuarta canción más escuchada en Spotify a nivel mundial y entre varias plataformas de streaming suma más de 800 millones de reproducciones, una cifra al alcance de muy pocos artistas y desde luego de muy pocas canciones viejas.

Al contrario, ‘All I Want for Christmas is You’ es un clásico perenne, algo que desde luego contrasta con éxito de las canciones nuevas de Carey. ‘Caution’ es el disco mejor valorado de su carrera reciente, pero aun habiendo entrado en el top 5 de Estados Unidos no lo ha hecho con grandes ventas y la evolución en su segunda semana ha ido a peor. En Europa casi no hace falta ni decir que las ventas han sido desastrosas. Lo cual nos lleva a preguntarnos cómo es posible que una artista tan famosa como Carey venda ahora tan pocos discos incluso cuando coloca un single viejo cada año en las listas, e incluso cuando puede permitirse hacer una gira (navideña) europea que pasa por España en apenas 10 días.

Son varias las razones que pueden haber contribuido al deterioro de la popularidad de Mariah Carey en los últimos años. En primer lugar está su voz. La gente que admiraba a Mariah por baladas como ‘Without You’, ‘Hero’ o ‘Vision of Love’, por esa voz grande y melódica que ha influido a artistas como Beyoncé, Christina Aguilera o Ariana Grande, pudo dejar de estar interesada en ella una vez decidió usar un registro más aireado, sutil y apto para sus cada vez más sofisticadas producciones. Este fenómeno es muy evidente en España, un país muy poco dado al R&B y al hip-hop, y donde Carey no tiene un hit desde hace años. Luego está su imagen de diva un poco pasada de rosca, que Carey no ha dejado de alimentar en los medios de manera constante, por ejemplo en el esperpéntico reality show ‘Mariah’s World’, alienando a buena parte de su público. Tampoco han ayudado los ridículos varios que ha encadenado en los últimos años, cuando ha aparecido ebria en premios o encima del escenario. Inolvidable fue su fallido playback de 2016, al que se enfrentó en Twitter con sentido del humor y del que por lo menos se resarció al año siguiente.

Quizás la escasa popularidad de Carey en la actualidad se deba simplemente a que ha sido incapaz de hacer música que conecte con el público como antes, cuando de un plumazo vendía decenas y decenas de millones de copias de álbumes como ‘Daydream’ o ‘Music Box’. Es verdad que ‘The Emancipation of Mimi’ fue un gran éxito, pero lo fue sobre todo en Estados Unidos (en España desde luego no) y aunque Mimi ha seguido haciendo discos muy interesantes como ‘Memoirs of an Imperfect Angel’ o ‘Me. I Am Mariah… The Elusive Chanteuse‘, también es cierto que no demasiadas personas han oído hablar de ellos en el mundo real (quizás sus rebuscados y un tanto egocéntricos títulos no inviten mucho a descubrirlos). Mariah es muy querida en internet, donde sus discos son valorados muy positivamente, su trabajo como compositora es cada vez más reivindicado y memes como “I don’t know her” copan las redes, pero las ventas nos dicen que el público pasó hace tiempo a otra cosa. ‘All I Want for Christmas is You’ sin duda se ha comido en popularidad a sus últimos trabajos, y Carey ya no puede sostenerse en ellos para realizar conciertos. Estos siempre son de grandes éxitos.

En general, la fama universal de Carey nunca ha sido tal, al menos en cuanto a ventas y sin tener en cuenta la excepción de ‘All I Want for Christmas is You’. Se recuerda poco que a finales de los 90 y principios de los 2000, cuando era necesario vender CD-singles para entrar en Billboard y no existían ni iTunes ni Spotify, era una práctica común de las distribuidoras pedir a las tiendas de discos descuentos de CD-singles de sus artistas “prioritarios” para que estos entraran en lista, aunque no estuvieran en ese momento apoyados por la radio, como fue el caso de varios singles de Carey (en 1996, The New York Times publicó un extenso artículo al respecto preguntándose si las listas de éxito estaban manipuladas). Esto explica por qué Carey tiene casi tantos números uno en Estados Unidos como los Beatles y sin embargo muy poca gente es capaz de recordarlos todos, como indica The Huffington Post. La era digital ha impedido estas prácticas (aunque ha dado lugar a otras; Travis Scott es esta semana número uno en USA con un remix rebajado) y Carey sí puede presumir de haber conseguido dos números uno “reales” en la segunda etapa de su carrera con ‘We Belong Together’ y ‘Touch My Body’, pero de eso hace 13 y 10 años, respectivamente.

En el fondo, ser número uno o no da igual si la canción cala, y ‘All I Want for Christmas is You’ ha calado. El tema resurge cada Navidad como el estándar navideño por excelencia de nuestros tiempos y es una de esas canciones que trascienden a sus autores para pasar a convertirse en algo parecido a un bien común. Curiosamente, Carey no deja de recordar en las entrevistas que la gente suele pensar que la canción es un versión, lo cual dice bastante del logro que es. Por eso, resulta extraño verla celebrar todos sus números uno como si algunos de ellos no hubieran sido producto de alguna que otra trampa. Sin embargo, ‘All I Want for Christmas is You’ siempre estará ahí y aunque Carey ya no sea capaz de renovar su repertorio de hits, tampoco puede pasarse por alto el mérito de haber compuesto semejante clásico. Una canción cuyo éxito perenne es suficiente para hacernos creer que Carey es una artista realmente universal cuando las cifras globales de su discografía demuestran lo contrario. O quizás el problema sea que las expectativas en torno a Carey siguen siendo demasiado altas, dado su legado, y el misterio de que su legión de fans haya encogido tanto se explique simplemente con que no todo el mundo puede estar en la cima del mundo siempre. Carey lo estuvo y en cierta manera lo sigue estando, aunque no sea tan visible como antes… menos en Navidad.

Imagine Dragons / Origins

Por
Raúl Guillén
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9

Es curiosa la etapa que están viviendo Imagine Dragons. Tras un ‘Evolve’ que, pese a su irregularidad abría un nuevo camino a seguir –una especie de popización de su rock de estadio que logró lo impensable: dejar pequeña la repercusión de ‘Radioactive’–. Tan confiados y efervescentes se sienten en ese perfil que, un poco como les ocurrió a los U2 de la etapa ‘Achtung Baby’/‘Zooropa’ (salvando las distancias en cuanto a los resultados artísticos, ojo), no han dejado escapar a las musas durante su tour mundial de su disco del año pasado y publican uno nuevo cuando no hace ni 3 meses que presentaban aquel en Madrid, con un Dan Reynolds demostrando que es uno de los frontmen más poderosos y en forma del momento.

Así, a todos los niveles ‘Origins’ es una suerte de extensión de aquel trabajo –continúan rodeándose del mismo equipo de productores, tan poco rockeros como Mattman & Robin, Alex Da Kid o John Hill–, cuyas mayores novedades es que continúan avanzando en buena línea hacia un sonido más pop que les alinea con los últimos Maroon 5 y Coldplay, con influencias de hip hop y de la electrónica de consumo inmediato. No renuncian, ni mucho menos, a ese sonido aguerrido y pirotécnico de ‘Thunder’ y ‘Believer’ que tan buenos réditos les ha dado: por ahí van con buen tino ‘Natural’ y ‘Bullet In a Gun’, en esa suerte que podríamos etiquetar como un grupo de post-metal en el que las guitarras son testimoniales, cuando no inexistentes. En cambio, esa especie de apropiación de ‘We Will Rock You’ que es ‘Machine’ o la predecible ‘Bad Liar’ dan muestras de cierto agotamiento de la fórmula, de un efectismo vacuo. Su antítesis a esto es la excitante ‘Digital’, donde sí son tremendamente valientes al engarzar un ritmo de drum and bass oscuro y sucio sobre una base semiacústica, logrando no sólo que no rechine sino un contrapunto muy atractivo en el álbum.

Más refrescante (y también divertida) es la vertiente abiertamente pop que ya auguraba la luminosa ‘Zero’, el tema de influencias ochenteras a lo The 1975 (o INXS, yendo más atrás en el tiempo) incluido en la próxima peli de Disney. ‘Cool Out’ y ‘Only’ podrían estar firmadas por muchos otros artistas, perdiendo el punto distintivo que ya se esfumaba en su anterior trabajo. Pero son muy buenas canciones de pop que ponen un pie en el presente y otro en el pasado, tan disfrutables que hay que ser muy cínico para querer sacárselas de encima. El gran problema, más que su indefinición estilística, es que, como en la otra gran veta de ‘Origins’ desarrollada en el anterior párrafo, a veces patinan: ‘Boomerang’, ‘Stuck’ y ‘Love’ se pasan de melifluas e impersonales –en este sentido, la que se lleva la palma es una ‘West Coast’ que, sin medias tintas, es un tema de The Lumineers feat. Avicii, o al revés, tanto da– en un disco claramente sobredimensionado (15 cortes, 15, contiene la edición deluxe).

Algo similar a todo esto encontramos en el aspecto lírico del disco: aunque hay textos, como el de ‘Natural’, que cuestionan el tratamiento que las religiones dan a la libertad sexual y los colectivos LGTBI (Dan está educado en el mormonismo) o que apoyan la inclusión (‘Zero’), ideas tan potentes acaban diluidas sin demasiado brillo, con poco convincentes llamadas a la revolución de las nuevas generaciones (‘Digital’) y, sobre todo, mucho esfuerzo en evocar el mal momento personal de Reynolds –aunque parece que han reconducido su relación, parece que estuvo a punto de divorciarse de su esposa, una Aja Volkman que co-escribe ‘Bad Liar’– que ni emocionan ni están especialmente bien escritas.

Como sucedía en ‘Evolve’, de nuevo en ‘Origins’ parece que Imagine Dragons tienen algo grande entre manos que, al final, acaba diluyéndose por su falta de concreción o medida. Lo cual no quita que, en su camino imparable hacia el pop del futuro (el leitmotiv de esta era del grupo), nos deje media docena de canciones muy disfrutables.

Calificación: 6,2/10
Lo mejor: ‘Cool Out’, ‘Natural’, ‘Zero’, ‘Digital’, ‘Only’
Te gustará si te gustan: Coldplay, The 1975, Maroon 5
Escúchalo: Spotify

Rosalía, Soccer Mommy, serpentwithfeet… entre los discos del año para The New York Times

Por
Jordi Bardají
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The New York Times, el segundo periódico más leído en Estados Unidos, y uno de los más influyentes del mundo, ha publicado su lista de los 28 mejores discos de 2018. La lista es extraña ya que se subdivide en dos firmadas por el prestigioso periodista Jon Pareles, que escribe sobre música en The New York Times desde 1988, y el presentador de Popcast Jon Caramanica.

Para el primero, Janelle Monáe firma el mejor álbum del año con ‘Dirty Computer’, que acaba de ser nominado en los Grammy en esa misma categoría. Mitksi es número 2 con ‘Be the Cowboy’ y Rosalía número 6 con ‘El mal querer’, pero en su lista aparecen también obras de las que no se está acordando tanta gente, como las publicadas este año por serpentwithfeet, Esperanza Spalding, Neneh Cherry o Jupiter & Okwess.

La lista del segundo es más extensa y no incluye a Monáe pero sí a Soccer Mommy, en la única coincidencia que comparten ambas clasificaciones, pese a que, con un 78/100, no puede decirse que ‘Clean’ sea el disco que más loca ha vuelto a la crítica en el año que cierra. Más dedicada al hip-hop, esta lista se acuerda también de los discos de Drake, Kanye West, KIDS SEE GHOST, Pusha T y Lil Peep, así como de los de The Blaze, Yves Tumor o incluso Charlie Puth.

Shakira se enfrentará a una causa penal por fraude fiscal

Por
Jordi Bardají
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Shakira tendrá (más que probablemente) que defender ante un juez que no defraudó a Hacienda en los años 2012, 2013 y 2014, informa El País. En los próximos días, la cantante será querellada por la fiscalía por tres delitos de fraude fiscal (el cuarto, del año 2011, se saldó en febrero). Los intentos de sus abogados de cerrar el caso por vía administrativa no han sido fructíferos.

La Agencia Tributaria sostiene que Shakira ha residido en Barcelona desde 2011 pero que ha mentido sobre su residencia fiscal, que se ha localizado en Bahamas (un conocido paraíso fiscal), supuestamente defraudando 14,5 millones de euros a Hacienda entre 2012 y 2014 con impuestos de renta y patrimonio. Por su parte, la defensa de Shakira asegura que la cantante ha podido pasar meses sin pisar Barcelona debido a su trabajo, y de hecho vivió medio año en Estados Unidos en 2013 rodando ‘La Voz’.

Sin embargo, la Agencia considera incluso las giras mundiales de Shakira “ausencias esporádicas”, por lo que no habría habido motivo para que la artista tributara en otra ciudad que no fuera Barcelona, donde reside desde 2013 junto a su pareja, el defensa del Barça Gerard Piqué.

En 2015, Shakira se declaró residente en España y vive en Esplugues de Llobregat. Detalles sobre la investigación, que ha incluido visitas a la peluquería favorita de Shakira en Barcelona y rastreos en su Instagram, pueden leerse en El País.

La Canción del Día: más corazones rotos en torno a ‘La La Land’

Por
Sebas E. Alonso
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Ya es casualidad que ‘La La Land’, la canción de Tronco que debe su nombre a la película protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone, llegue al mercado justo cuando se ha conocido la ruptura de Alfred y Amaia. La canción principal de la cinta representaba su amor tras su interpretación conjunta en la pasada edición de ‘Operación Triunfo’, pero lo que ha quedado al final son corazones rotos como los que encontramos en el tema incluido en el nuevo disco de Tronco, ‘Tralará’.

Tronco, el dúo compuesto por los hermanos Herrero, destacaba en su debut por canciones de country-pop aparentemente sencillas pero llenas de encanto como ‘Pez en bicicleta’ (inspirada en la calle Pez de Madrid) o ‘Abducida por formar una pareja’. Esta ‘La La Land’ está en sintonía con aquellas. Parte de eso, un corazón roto, pero solo para que Conxita se martirice pensando en lo «gilipollas», «subnormal» o «idiota» que ha sido. «Yo creía que no iba a ser así esta vez, pero me has partido en dos», repite una y otra vez, aún incrédula, como quien no puede asumir otro fracaso amoroso.

La producción de la canción es, como decíamos, similar a la del primer álbum, si bien al final del tema se incorpora un teclado reproduciendo la melodía del tema principal de ‘La La Land’, haciendo un guiño a la película, y también al resto del álbum ‘Tralará’, más electrónico que el primero. Tronco actúan el 11 de enero en la Sala El Sol de Madrid junto a Neleonard. Detalles, aquí.

Aitana / Tráiler

Por
Raúl Guillén
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Es cierto que, como apuntaba mi compañero Jordi Bardají, da cierta penilla comprobar la poca confianza y cariño que muestra Aitana hacia sus propias canciones, pese a ser enormes éxitos que la están catapultando como el mejor valor comercial del exitoso comeback de Operación Triunfo. Pero también es fácil decir que lo razonable sería que tomara las riendas de su propia carrera: ¿acaso sabemos si los contratos firmados le han dado alguna oportunidad de hacerlo? ¿Y le es posible plantar cara ante la ansiosa industria a una chica de apenas 19 años que ya ha mostrado en el concurso y fuera de él cierta inseguridad, cierta fragilidad emocional? En todo caso, tampoco hay que dramatizar: el tiempo y su madurez llevarán las cosas a su ser y dirán si esto es sólo una anécdota de la que saldrá fortalecida o si, tristemente, será el enésimo juguete roto de OT. Mientras, su primer disco –o la primera parte del mismo, en una decisión que apesta a prisas-para-aprovechar-la-campaña-navideña– tiene toda la pinta de entrar directamente al número 1 de ventas la próxima semana.

El improvisado EP titulado de manera bastante cutre ‘Tráiler’ tiene como principal objetivo artístico mostrar la versatilidad interpretativa de Aitana Ocaña. Así, en estos 6 cortes encontramos a esa chica en la que algunos veíamos a la respuesta hispana de nombres como Julia Michaels o Zara Larsson. Está en ‘Teléfono’, que ha resistido la erosión del tiempo bastante mejor que ‘Lo malo’, y cuyo remix con Lele Pons acaba aportando al tema algo de frescura por parte de la intérprete de ‘Celoso’. Pero también en la bastante potable ‘Stupid’, tema prestado por el combo sueco Total Ape que demuestra un gran nivel interpretativo en inglés –y eso que la letra sobre chicos tan estúpidos que prefieren a las chicas estúpidas es un trabalenguas considerable–, y en ‘Mejor que tú’, pop “disfrutón” con toque latino (produce Nabález) que muy mal se tendría que dar para que no fuera su próximo hit.

Pero ‘Tráiler’, pese a ser corto, da no sólo para más sino también para albergar lo peor y lo mejor de esta joven barcelonesa. Su peor versión llega cuando Aitana quiere mostrar su deleite por los baladones a lo Sia (su artista favorita). Y lo hace en ‘Vas a quedarte’, canción compuesta por los chicos de Morat (“Morat, Taburete… ¡qué grupazos!”) que no se sabe si es más irritante por su producción épica –en el sentido en que lo puede ser una BSO de Disney o una canción para Eurovisión– o por la absoluta falta de contención de la barcelonesa, en una desenfrenada orgía de agudos del todo insoportable y que, justo cuando parecía que no podía ser peor, ¡subimos una octava!

Por contra, también es capaz de marcarse un numerazo de retrofunk estilo Prince como ‘Popcorn’ –producen los angelinos Swaggernautz, que co-escriben junto a la propia Aitana–. En ella sí muestra su riqueza de matices vocales (ora suena sensual, ora potente pero sin desfasar) y que, por elegancia y magnetismo, no desentonaría en las últimas obras de Janelle Monáe o Christine and the Queens. Y no, esto no es una boutade que me apetezca marcarme a mí.

En su intensa brevedad, ’Tráiler’ no abandona nunca la impresión de ser un batiburrillo medio improvisado por la multinacional de turno, que hace desconfiar del futuro de Aitana en la música. Pero también da suficientes razones para seguir pensando que, de llegar a clarificar sus ideas y propósitos –confiemos en que su trabajo junto a El Guincho esté en la 2ª parte de este invento–, esta chica puede llegar a ser una seria estrella del pop internacional (sí, sí) con cosas interesantes que aportar también desde un prisma creativo. Tampoco es que andemos sobrados de eso en nuestro país, así que sería bienvenida.

Calificación: 6,1/10
Lo mejor: ‘Teléfono’, ‘Popcorn’, ‘Mejor que tú’
Te gustará si te gustan: Zara Larsson, Julia Michaels… y Malú.
Escúchalo: Spotify

Sorpresas y decepciones en las nominaciones de los Grammys 2019

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Jordi Bardají
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Esta mañana se han dado a conocer las nominaciones en los Grammy y, como siempre, estas están plagadas de obviedades (la presencia de Drake, Post Malone, Kendrick Lamar o Cardi B) y también de varias sorpresas y decepciones que pasamos a repasar a continuación. Un par de adelantos: Xtina ha tenido más suerte de la esperada, Nicki menos y el gran icono de PC Music aspira a un galardón.

0 nominaciones para Nicki Minaj

Por fechas, ‘Queen‘ era elegible para los Grammys, así como sus singles y varios de las doscientas colaboraciones en las que ha aparecido Nicki Minaj este año. La rapera se había presentado con ‘Barbie Dreams’, ‘Chun Li’, ‘Bed’ con Ariana Grande y a través de varias colaboraciones, pero no ha conseguido una sola nominación. Evidentemente, los Grammy no iban a atreverse a nominar a 6ix9ine, pero quizás ‘Queen’ sí merecía alguna que otra mención que terminase de hacernos olvidar el anus horribilis que ha tenido Minaj este año.

Christina Aguilera aspira a 2 premios

No parecía que Xtina fuera a tener mucha suerte en los Grammys y de hecho ‘Liberation‘ no está nominado en ninguna categoría, ni siquiera a la de Mejor álbum pop vocal. Sin embargo, la artista sí ha conseguido dos nominaciones en Mejor dúo por ‘Fall in Line’ con Demi Lovato y Mejor actuación R&B/rap por ‘Like I Do’ con GoldLink. Curiosamente, esta producción de Anderson .Paak (que también aspira a algún premio) solo fue un “promo single”.

Janelle Monáe, nuevo caso Lorde

Una de las artistas pop más prestigiosas del momento, Janelle Monáe, aspira al Grammy más importante, el de Álbum del año, por el recomendado ‘Dirty Computer‘. Sin embargo, no compite por ningún otro Grammy musical, ni siquiera en las categorías de R&B o urban, por lo que estamos claramente ante un nuevo caso Lorde. Ojo, sí está nominado ‘Pynk’ a Mejor vídeo, pero el mérito es principalmente de su directora, Emma Westenberg.

SOPHIE aspira a un premio

Se nos ocurren pocos discos menos “Grammy-friendly” que el que ha publicado la productora británica SOPHIE este año, pero su influencia como adalid del sonido PC Music -sin formar parte del colectivo- en la música actual es indiscutible y el radical ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides‘ aspira a un Grammy a Mejor álbum dance y electrónica. Jon Hopkins también con ‘Singularity‘. Ambos compiten contra ‘Woman Worldwide’ de Justice, ‘Treehouse’ de Sofi Tukker y ‘Lune Rouge’ de TOKiMONSTA.

‘no tears left to cry’, ignorada

Si por los Grammys fuera, el mayor éxito de ‘Sweetener‘ no ha existido este año. Ariana había presentado ‘no tears left to cry’ a Canción del año, pero ha sido ignorada. ‘God is a Woman’ sí está nominada a Mejor actuación pop vocal y ‘Sweetener’ a Mejor álbum pop vocal, pero para el gran año que ha tenido Ariana, las nominaciones saben a poco.

Sufjan, nominado

‘Mystery of Love’, la canción compuesta e interpretada por Sufjan Stevens para la banda sonora de ‘Call Me By Your Name‘, puede dar a Stevens su primer Grammy, ya que compite por el premio a Mejor canción escrita para un medio visual. Asimismo, la BSO de la película está nominada en la categoría de Mejor banda sonora.

No será otro gran año para Taylor Swift

‘reputation‘ no está nominado a Mejor disco, pero sí a Mejor disco de pop, una de las dos categorías en las que Swift había presentado el álbum. Pero ya. Ni ‘Delicate’ ni ‘End Game’ aspiran a ningún gramófono pese a haber sido presentadas y Swift tampoco ha tenido suerte con su colaboración con Sugarland, ‘Babe’. La reina de los Grammys pasará bastante desapercibida en la edición que viene.

Mitski puede haber hecho el “artwork” del año

‘Be the Cowboy‘ es uno de los discos mejor valorados de 2018 y está apareciendo en todos o casi todos los resúmenes de lo mejor del año. Ahora aspira a un Grammy bastante menor, el de Mejor packaging, diseñado por Mary Banas. Compite contra el mejor “embalaje” de ‘Love Yourself: TEAR’ de BTS, ‘Masseduction’ de St. Vincent, ‘The Offering’ de Qing-Yang Xiao, ‘Well Kept Thing’ de Foxhole.

Una redactora de Pitchfork está nominada

Amanda Petrusich es redactora de Pitchfork desde 2003 y ha firmado recientemente las críticas de ’22, A Million’ de Bon Iver, ‘Joanne’ de Lady Gaga, ‘Anti’ de Rihanna, ’25’ de Adele o ‘ken’ de Destroyer. Conocida también por su libro de 2014 ‘Do Not Sell at Any Price’, sobre vinilos de 78rpm muy raros y buscados, Petrusich aspira a un Grammy por sus anotaciones en la edición especial de ‘Trouble No More: The Bootleg Series Vol. 13 / 1979 – 1981’ de Bob Dylan.

Pablo Alborán, en una categoría latina

‘Prometo’ será probablemente el disco más vendido de 2018 en España, y además ahora compite por un Grammy a Mejor álbum de pop latino contra Natalia Lafourcade y Carlos Vives, entre otros. Curiosamente, el cantautor malagueño fue uno de los más nominados en la pasada edición de los Grammy Latinos junto a Rosalía, pero se fue a casa con las manos vacías.

¿Puede Björk por fin ganar un Grammy?

Björk nunca ha ganado un Grammy pese a haber estado nominada en 14 ocasiones. Esta vez aspira a Mejor álbum alternativo por ‘Utopia‘ y cabe preguntarse si será su año, ya que el disco ha sido bastante bien acogido por la crítica. Sin embargo, no es este el álbum nominado que mejor nota tiene en Metacritic sino ‘Masseduction‘ de St. Vincent, quien, por cierto, ya ganó un Grammy en esta misma categoría en 2014.

Cardi B, Drake, Kacey Musgraves, Post Malone, Janelle Monáe… compiten por el Disco del Año en los Grammys 2019

Por
Jordi Bardají
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Esta mañana se han anunciado las nominaciones de los Grammy, que se celebran el próximo 10 de enero en Los Ángeles. Las han presentado Janelle Monaé, Alessia Cara (Artista revelación de 2017), Shawn Mendes y el locutor de Apple Music Zane Lowe desde los estudios de CBS en Nueva York.

Los artistas nominados al Grammy más codiciado, el de Disco del año, son Cardi B por ‘Invasion of Privacy‘, Drake por ‘Scorpion‘, Kendrick Lamar (y varios artistas) por la BSO de ‘Black Panther’, Kacey Musgraves por ‘Golden Hour‘ ‘H.E.R.’ por su debut homónimo, Post Malone por ‘beerbongs & bentleys‘, Janelle Monáe por ‘Dirty Computer‘ y Brandi Carlile por ‘By the Way, I Forgive You’.

Kendrick Lamar está nominado en varias categorías, entre ellas Canción del año por ‘All the Stars’ con SZA, que también acaba de ser nominada a un Globo de Oro. Compite contra ‘God’s Plan’ de Drake, ‘Boo’d Up’ de Ella Mai, ‘In My Blood’ de Shawn Mendes, ‘The Middle’ de Zedd con Maren Morris y Grey, ‘Shallow’ de Lady Gaga y Bradley Cooper (también nominada a los Globos), ‘This is America’ de Childish Gambino y ‘The Joke’ de Brandi Carlile.

Como es habitual, son elegibles para nominación artistas que hayan lanzado música entre el 1 de octubre de 2017 y el 30 de septiembre de 2018. La lista completa de nominados, en la web de los Grammys.

Disco del año
Cardi b / Invasion of Privacy
Brandi Carlile / By the Way, I Forgive You
Drake / Scorpion
Black Panther BSO
Kacey Musgraves / Golden Hour
H.E.R. / H.E.R.
Post Malone / beerbongs & bentleys
Janelle Monáe / Dirty Computer

Canción del año
Kendrick Lamar, SZA / All the Stars
Ella Mai / Boo’d Up
Drake / God’s Plan
Shawn Mendes / In My Blood
Zedd, Maren Morris, Grey / The Middle
Lady Gaga, Bradley Cooper / Shallow
Childish Gambino / This is America
Brandi Carlile / The Joke

Grabación del año
Cardi B, Bad Bunny, J Balvin
Brandi Carlile / The Joke
Childish Gambino / This is America
Drake / God’s Plan
Zedd, Maren Morris, Grey / The Middle
Lady Gaga, Bradley Cooper / Shallow
Post Malone, 21 Savage / rockstar
Kendrick Lamar, SZA / All the Stars

Mejor álbum de pop vocal
P!nk / Beautiful Trauma
Camila Cabello / Camila
Kelly Clarkson / Meaning of Life
Ariana Grande / Sweetener
Shawn Mendes / Shawn Mendes
Taylor Swift / reputation

Mejor álbum alternativo
Arctic Monkeys / Tranquility Base Hotel & Casino
Beck / Colors
Björk / Utopia
David Byrne / American Utopia
St. Vincent / Masseduction

Mejor disco R&B
Toni Braxton / Sex & Cigarettes
Leon Bridges / Good Thing
H.E.R. / H.E.R.
Lalah Hathaway / Honestly
PJ Morton / Gumbo Unplugged (Live)

Mejor álbum de rock
Alice in Chains / Rainier Fog
Fall Out Boy / M A N I A
Ghost / Prequelle
Greta van Fleet / From the Fires
Weezer / Pacific Daydream

Mejor álbum de urban contemporáneo
The Carters / Everything is Love
Chloe x Halle / The Kids Are Alright
Miguel / War & Leisure
Chris Dave & the Drumhedz / Chris Dave & the Drumhedz
Meshell Ndegeocello / Ventriloquism

Mejor álbum rap
Cardi B / Invasion of Privacy
Mac Miller / Swimming
Nipsey Hussle / Victory Lap
Pusha T / DAYTONA
Travis Scott / ASTROWORLD

Mejor actuación rap
Cardi B / Be Careful
Drake / Nice for What
Kendrick Lamar, Jay Rock, Future, James Blake / King’s Dead
Anderson .Paak / Bubblin’
Travis Scott, Drake, Big Hawk, Swae Lee / Sicko Mode

Mejor álbum de pop latino
Pablo Alborán / Prometo
Claudia Brant / Sincera
Natalia Lafourcade / Musas
Raquel Sofía / 2 A.M.
Carlos Vives / Vives

Artista revelación
Chloe x Halle
Luke Combs
Greta van Fleet
H.E.R.
Dua Lipa
Margo Price
Bebe Rexha
Jorja Smith

Productor del año, no clásico
Boi-1da
Larry Klein
Linda Perry
Kanye West
Pharrell

Meister of the Week: de cómo el Tokio de ‘Akira’ ha inspirado el próximo trabajo de AKKAN

Por
Raúl Guillén
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AKKAN es el proyecto de electrónica que une a Gunsal Moreno, más conocido por su proyecto en solitario como beGun, y Marc Fernández, integrante del ecléctico proyecto de psicodelia, pop y electrónica Ocellot. Juntos fabrican una música electrónica muy orientada a la pista de baile pero que juguetea con elementos orgánicos y folclóricos, mostrando en trabajos como ‘Bananat’ y ‘Regaliu’ su especial fascinación por lo africano y lo precolombino. Pero no se circunscriben únicamente a ese tipo de sonidos, como mostrarán en un nuevo EP que verá la luz de manera inminente.

En ‘Kai’ parecen abrirse a la influencia de sonidos de la tradición nipona, inspirada por sus viajes recientes al país asiático y, también por su fascinación con el legendario anime ‘Akira‘. La fantasía post-apocalíptica de la obra maestra de Katsuhiro Ōtomo, un hito del cómic a nivel global cuya película tuvo también una gran repercusión, es todo un fetiche del dúo y ha sido una inspiración directa en su nuevo trabajo. Por eso han querido hablar con nosotros sobre ella en nuestra sección “Meister of the Week”, patrocinada por Jägermusic, y desvelarnos cómo descubrieron las aventuras de Kaneda y Testuo, la influencia que ha tenido en otras ficciones futuristas posteriores y las similitudes del mundo del año 2019 que se imaginaba la novela gráfica y el que nos espera en apenas un par de semanas.

Descubristeis ‘Akira’ por separado, imagino. ¿Recordáis cómo fue?
Marc: Tendría unos 9 años. Fui con mi padre a comprar el periódico al quiosco donde me pillaba los cómics y allí lo vi, en color. Era el número donde Tetsuo se encuentra con Kaneda, ya bastante hacia el final de la serie. Me quedé flipando, la verdad. Hay una transformación de Tetsuo muy asquerosa. Desde entonces no me lo he podido sacar de la cabeza, sin entender muy bien por qué. Estaba un poco loco de pequeño.

«Te describe un mundo muy loco de una manera increíblemente cercana. Te crees a cada uno de los personajes al 100%»

¿Y cuándo supisteis que a ambos os molaba? ¿Qué pasó?
Gunsal: Bueno, Marc es mucho más fan del mundo del cómic y del anime que yo, la verdad. De joven recuerdo un par de pelis de animación japonesas que me impactaron especialmente, ‘El viaje de Chihiro’ y ‘Perfect Blue’. Luego, la idea de enfocar este nuevo EP hacia un terreno japo a nivel musical surgió de manera muy espontánea, como todo en este proyecto, y fue entonces cuando Marc me empezó a pasarme cómics, cual dealer. Ahora sí puedo decir que después de haberme metido un poco más a fondo en el mundo ‘Akira’, me parece una obra maestra de cabo a rabo, sí señor.

¿Qué es lo más poderoso de ‘Akira’ según vosotros, lo que hace que te enganches irremediablemente?
M: Todo. Te describe un mundo muy loco de una manera increíblemente cercana. Te crees a cada uno de los personajes al 100%, aparte de un apartado gráfico espectacular. Nunca antes había visto esa mezcla de política y ciencia ficción en animación.

En mi casa yo compré los volúmenes y, poco a poco, se fueron enganchados varios familiares míos que no eran lectores frecuentes de cómics y me los pedían para leerlos, incluido mi padre. ¿Alguna anécdota similar?
M: Desde que me pillé todos los volúmenes, han rulado muchísimo. Primero a mi hermano, luego a muchos amigos, ahora Gunsal. Normalmente cuando dejo un libro o un disco doy por entendido que hay un porcentaje altísimo de posibilidades de que nunca vuelva a ver lo que estoy dejando. En el caso de ‘Akira’ me puse bastante tonto para verlo de vuelta, aunque no se donde los tengo ahora mismo…

En España ha habido varias ediciones. Yo tengo (me costó conseguirla, porque perdí algún número y tuve que comprarlo online años después) la edición en formato cómic-book de 38 volúmenes de Dragon-Glènat. ¿Cuál es vuestra favorita?
M: También empecé con los volúmenes pequeños hasta que hicieron un parón antes de sacar los últimos tres números. Entonces salté a los libros mas tochos en color que saco norma. Eran 13 en total, me costó un ojo de la cara a esa edad hacerme con todos, pero lo conseguí.

Por cierto, hay cierta controversia con la fecha en la que se desarrolla la historia. En teoría, en 1992 estalla la III Guerra Mundial y la trama sucede 38 años después –en algún sitio de la contracubierta se dice «2019»–, pero en la primera viñeta indica claramente «2030 AD». ¿Tenéis alguna conclusión al respecto?
G: Yo doy por hecho que en 2019, porque salía en la portada de la peli si no recuerdo mal. Creo que el desfase horario se debe a eso: el film es 2019 y el cómic 2030. Las historias empiezan en puntos muy distintos. Eso creo, aunque sinceramente no soy el más experto en este foro para llegar a ninguna conclusión.

«Me resulta curioso como en varias novelas/films del siglo pasado, se dibuja un mundo post-año 2000 mucho más avanzado y a la vez siniestro… ‘Blade Runner’ es otro buen ejemplo de ello»

De quedarnos con la primera ubicación temporal, ‘Akira’ sucedería el año que viene. Evidentemente, no estamos ante un mundo post-apocalíptico como aquel, pero curiosamente la estética no diferiría tanto de una urbe actual, ¿no creéis?
G: Hace poco estuve en Tokio, coincidiendo con la RBMA… y pienso que sí difiere un poco de esa imagen post-apocalíptica que plantea el cómic, aunque entiendo perfectamente la reflexión. A mí Tokio me parece una de las ciudades más vibrantes y dinámicas del planeta a todos los niveles, y quizás en el film se le da una orientación más oscura, más sombría en general. Me resulta curioso como en varias novelas/films del siglo pasado, se dibuja un mundo post-año-2000 mucho más avanzado y a la vez siniestro… ‘Blade Runner’ es otro buen ejemplo de ello.

Personalmente la película me resultó algo decepcionante, aunque hace años que la vi. ¿Creéis que está bien conseguido el traslado de formato? Y si no, ¿qué falla para vosotros?
M: A mí la peli me marcó. Me parece increíble. Aunque el desarrollo de los personajes es distinto y más corto, su carácter es el mismo. La animación es insuperable, la estética, la música, todo en general. Me acuerdo que cuando salió el doblaje era pésimo. Era en plan lo que hicieron con ‘Takeshi’s Castle’ y ‘Humor amarillo’. Había conversaciones entre el general y el doctor que no había por dónde cogerlas. Tan heavy que unos años después sacaron un DVD con un doblaje corregido.
G: Sí, estoy de acuerdo que la película es más decepcionante, ahí le faltan algunos de los pasajes que son claves en el cómic, sobretodo la segunda mitad, que respira un rollo más «Mad Max».

¿Tenéis una escena o volumen favorito que queráis destacar? ¿Y cuál es vuestra debilidad en cuanto a personajes?
M: En cuanto a personajes me quedaría con Testsuo. A partir del volumen 6 flipaba de pequeño, quizá también porque es lo primero que leí.

¿Cuántas veces habéis fantaseado con tener una moto como la de Kaneda?
M: ¡Yo no paraba de dibujarla!
G: ¡Lo siento equipo, pero de pequeño tenía otro tipo de fantasías! (risas)

¿Habéis visto ‘Stranger Things’? ¿Flipasteis un poco cuando visteis que el personaje de Eleven es prácticamente un calco de Akira?
M: Es verdad … con el número y todo. Con lo que flipé es con la peli ‘Chronicle’: hay escenas al final que me parecieron una imitación ridícula y cutre.

«La BSO es brutal. Esa mezcla de instrumentos orgánicos y sintes ochenteros me recuerda a grupos como Mariah, Yasuaki Shimizu, incluso Oneotrix Point Never»

¿En qué modo diríais que esta obra ha influido en AKKAN como grupo?
G: Desde que empezamos con este nuevo EP, me he entretenido en escuchar varias veces la BSO entera y es brutal. Esa mezcla de instrumentos orgánicos y sintes ochenteros me recuerda a grupos como Mariah, Yasuaki Shimizu, incluso Oneotrix Point Never. En el mismo EP que sacamos ahora hay algún que otro sampleo de esa BSO… pero no diremos ni dónde ni cuándo, para evitar problemas innecesarios con el Sr. Katsuhiro Ōtomo.

¿Qué canción de vuestro repertorio os imagináis sonando en Neo Tokio, y en qué circunstancias?
G: Sin duda, ‘Kai’, el single de este EP.
M: Totalmente de acuerdo.





Ana Guerra invita a Los Javis a su orgía en ‘Bajito’, el vídeo más visto en Youtube España

Por
Jordi Bardají
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Ana Guerra firma el vídeo más visto del viernes en Youtube España con ‘Bajito’, su nuevo single de reggaetón en la onda de ‘Ni la hora’ del que, por cierto, Guerra es la compositora principal. El estribillo declara “yo no quería pero tampoco lo pude evitar” o “los dos queremos que sea una noche sin final”, por lo que ya os podéis imaginar por dónde van los tiros.

El videoclip de ‘Bajito’ está dando que hablar, ya que en él aparecen personalidades como Los Javis y Dulceida entregados a una noche de pasión. En todo el vídeo, Guerra parece una “voyeur” dedicada a observar cómo se lían los unos con los otros, pero al final parece que su plan era seducir a todos ellos para montar una orgía. El porcentaje de “queer-baiting” es probablemente bastante alto, aunque desde otro punto de vista no está mal que Guerra represente en sus vídeos algo parecido a la diversidad sexual.

Algunos comentarios del público critican también el hecho de que Guerra siga haciendo canciones de reggaetón cuando supuestamente iba para hacer boleros, de los que habrá al menos uno en su próximo álbum. No está tan claro que Guerra pudiera colocar un bolero entre las canciones más escuchadas en España, pero ahora que ‘Un veneno’ de C. Tangana y Niño de Elche es top 2, las cosas pueden estar cambiando a su favor.

Escucha lo nuevo de LP, Sleeper, XXXTentacion, Refree, Jessica Pratt, Ana Guerra, Zayn…

Por
Jordi Bardají
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Este viernes de puente se publican los nuevos discos de LP (la autora de la gran ‘Lost on You’ lanza ‘Heart of Mouth’), XXXTentacion (que incluye colaboración rockera con Kanye West, además del hit ‘SAD!’), el productor de estrellas benny blanco y Manuel Carrasco, pero sobre todo ven la luz bastantes singles, entre los que destaca ‘Look at You Now’, el regreso de Sleeper tras 22 años.

También sale ‘Bajito’, el esperado nuevo single de Ana Guerra, que junto a ‘De la Tierra hasta Marte‘ de Alfred García es el segundo single lanzado esta semana por un triunfito. Además, publican nuevos avances de sus próximos discos o epés Deerhunter, Charlotte Gainsbourg, Jessica Pratt, Zayn, Toro y Moi, HEALTH, Ketama, Teen Daze, Gepe y Flohio con Clams Casino y Cadenza.

Más novedades en forma de regalos navideños los traen Cat Power, que ha versionado ‘What the World Needs Now’ de Burt Bacharach; Christine and the Queens, que se ha atrevido con ‘No Ordinary Love’ de Sade, y nuevos singles de Ms. Nina, Bad Bunny, Alondra Bentley, Michelle Williams (sí, ex Destiny’s Child), Astrid S (cuyo tema hemos recomendado esta semana), Seeb con Bastille, Natti Natasha y Blas Cantó o rarezas de Death Cab for Cutie y Lola Indigo.

Adiós a Pete Shelley, la voz eterna de Buzzcocks

Por
Raúl Guillén
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En las últimas horas ha trascendido la noticia de la muerte de Pete Shelley, voz y guitarrista del grupo británico Buzzcocks. Shelley, que residía desde hace algún tiempo en Estonia, tenía 63 años y, según ha informado su hermano Gary en redes sociales, habría sufrido un infarto de corazón.

Shelley formó Buzzcocks junto a Horward Devoto en 1976, en su Bolton natal, en medio de la vorágine punk. De hecho, Pete y Howard se conocieron dieron sus primeros pasos en la música promoviendo el primer concierto de los Sex Pistols en Manchester y, meses después, ejercieron de teloneros de los propios Pistols. Tras la salida de Devoto apenas un año después –para luego formar Magazine–, Shelley continuó al frente de la banda y la lideró en sus momentos de mayor impacto comercial, cuando se convirtieron en una suerte de equivalente británico a Ramones, con singles como ‘Orgasm Addict’, ‘What Do I Get?’ o, ya en 1978, su himno ‘Ever Fall In Love (With Someone You Shouldn’t’ve)’.

Pero aquella primera etapa duró apenas tres años y en 1981, tras tener problemas con la compañía EMI, Buzzcocks se disolvieron y Shelley pasó a hacer canciones del synthpop de moda en aquella época. Hasta 1989, cuando el grupo volvió a unirse para, pocos años después, ser señalados como influencia básica de grupos como Green Day, Offspring o The Libertines, y llegando a telonear a Nirvana en lo más alto de su popularidad. ‘The Way’, publicado en 2014, fue el último álbum de estudio de Buzzcocks con Shelley al frente.

Lady Gaga, Troye Sivan, SZA, Kendrick, Annie Lennox… competirán por el Globo de Oro

Por
Jordi Bardají
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Este mediodía se han anunciado las nominaciones a los Globos de Oro, que se celebran el próximo 6 de enero en Beverly Hills. Lady Gaga aspira al premio a Mejor actriz por su actuación en ‘A Star is Born’ y por supuesto también a Mejor canción por ‘Shallow’, su dueto con Bradley Cooper que ha sido número uno en Reino Unido. El propio Cooper aspira a Mejor actor y Mejor director.

Sin embargo, la banda sonora de ‘A Star is Born’ no está nominada y tampoco la de Thom Yorke para ‘Suspiria’. Por este premio competirán las bandas sonoras de ‘A Quiet Place’, ‘Isle of Dogs’, ‘Black Panther’, ‘First Man’ y ‘El regreso de Mary Poppins’.

En cuanto al Globo a Mejor canción, Gaga, quien, por cierto, ya ganó un Globo de Oro en 2016 por su actuación en ‘American Horror Story’, competirá con SZA y Kendrick Lamar por ‘All the Stars’, el tema principal de ‘Black Panther’; con Troye Sivan y Jónsi por ‘Revelation’, el tema principal de ‘Boy Erased’, con Dolly Parton por ‘Girl in the Movies’, el tema principal de ‘Dumplin’, y con Annie Lennox por ‘Requiem for a Private War’, el tema principal de ‘A Private War’.

La ceremonia de los Globos será presentada por los actores Andy Samberg y Sandra Oh, quien también aspira a un premio. Como curiosidad, hay dos nombres españoles en las nominaciones, los de Penélope y Banderas. Todas ellas están listadas en la web de Deadline.

Ed Sheeran quita hierro a las críticas por ir “mal vestido” durante su actuación con Beyoncé en Global Citizen

Por
Jordi Bardají
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Beyoncé y Ed Sheeran han actuado tanto juntos como por separado este domingo en el evento Global Citizen en Johannesburgo, Sudáfrica, que celebra la figura del activista y antiguo presidente del país Nelson Mandela, fallecido en 2013. Pero la actuación que más está dando que hablar es la que la autora de ‘Lemonade’ y el autor de ‘Divide’ han compartido para ‘Perfect Duet’, su exitoso dúo navideño de 2017. La razón ha sido la enorme diferencia entre el atuendo de ambos: ella ha actuado con un espectacular vestido de alta costura y Sheeran con doble camiseta y tejanos, es decir, con su ropa de siempre.

El contraste entre el aspecto de Beyoncé y Ed Sheeran, en una imagen que ha producido decenas de memes y que la revista Elle ha declarado “representa el 75% de las parejas heterosexuales”, ha levantado cuestiones en las redes sociales en torno a las expectativas a las que se enfrentan las mujeres de cara a su imagen pública en contraste con la de los hombres, subrayando que ellas suelen arreglarse más que ellos y que eso es exactamente lo que se espera de ambos, de manera injusta.

Sin embargo, no todo el mundo está de acuerdo con las críticas y un usuario opina que tanto Beyoncé como Sheeran “tienen estilistas y reflejan una imagen concreta como artistas”, indicando que “Ed Sheeran es un músico despreocupado y Beyoncé una reina, y como van vestidos es exactamente como han de ir vestidos”. Al final, dice esta persona, la “música es el principal objetivo”. Ed Sheeran se ha limitado a bromear sobre el tema en su Instagram Stories, compartiendo un link para comprar su camiseta.

La Canción del Día: ‘On My Own’ de John Grvy y Delaporte… ¿o son Jamie xx y Jessie Ware?

Por
Sebas E. Alonso
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El madrileño John Grvy, primero conocido en el underground por ‘Mad On Her’, y luego por ‘Crush’, un tema junto a LOWLIGHT que se acerca al millón de reproducciones, ha publicado estos días una mixtape llamada ‘G R I S’ llena de colaboraciones de lujo y a cual más variada. Porque las más visibles pueden ser las de Yung Beef y Sticky M.A., próximas al urban que practican cada uno, pero Javiera Mena no aparece en ‘Time’ precisamente para dejar una impronta synth-pop.

Dos de las canciones más interesantes llegan al final: ‘The Other’ con Brisa Fenoy apelando a la independencia como en ‘Lo malo’ y a su rechazo de ser «la otra», y una ‘On My Own’ en la que Grvy ha decidido contar con Delaporte, quienes este año se han dado un par de baños de masas gracias al éxito de ‘Un jardín‘. En este tema y juntos, curiosamente, no suenan ni al dúo hispanoitaliano ni al resto de producciones de la mixtape. Siempre sin desentonar con lo demás: quizá el hilo conductor de ‘G R I S’ es que suena a 2018 para bien.

‘On My Own’ cuenta con una línea de guitarra por un lado, y con un ritmo medio africanista por otro, que emparenta su producción con la de artistas británicos como Jamie xx o Mura Masa. Por otro, la voz de la cantante de Delaporte emerge, en castellano, en la segunda estrofa, recordando en timbre y suavidad a la de la mejor Jessie Ware. Sobre todo ahora que esta ha decidido primero cantar en español y, segundo, volver a las pistas de baile. Juntos arman un tema con un irresistible gancho que, como última pista, puede no ser el hit en ciernes de ‘G R I S’, pero no será porque no lo merezca.

Lo mejor del mes: escucha las últimas «Canciones del Día»

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