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Nicole Dollanganger / Married in Mount Airy

Detrás de una artista de culto hay una artista más de culto todavía. Nicole Dollanganger es una de las personas que forman parte del universo de Ethel Cain: ambas son amigas y Ethel la ha teloneado y versionado. Sin embargo, Dollanganger lleva una dilatada carrera a sus espaldas: su primer disco data de 2012 y, más adelante, la cantautora canadiense recibió el inestimable apoyo de Grimes, que creó el sello Eerie Organization solo para poder editar el disco ‘Natural Born Losers’. Para Claire Boucher era «un crimen contra la humanidad que nadie escuchara esta música».

Los discos de Dollanganger no han dejado de sucederse en todo este tiempo, y la artista suma ya un total de siete. El último de ellos, ‘Married in Mount Airy’, ha llamado la atención de manera inmediata por editarse en una fecha tan extraña como un 6 de enero: imposible no destacar en medio de la sequía de lanzamientos.

El mundo de Dollanganger es igualmente turbio e inquietante, hablándonos en composiciones como ‘Ugly’, ‘Angels of Porn II’ o ‘Eat Please’ sobre dismorfia corporal, abusos sexuales, desórdenes alimenticios o relaciones tóxicas. Desde su mismo título, ‘Married in Mount Airy’ nos pone en el contexto de una relación que no es tan ideal como da a entender la localidad que le da título. Durante los 60, Mount Airy, un pequeño pueblo ubicado en Carolina del Norte, inspiró la sitcom protagonizada por el cómico Andy Griffith, nacido allí (en la serie, el pueblo recibía el nombre de Mayberry). ‘The Andy Griffith Show‘ mostraba la imagen de una América idealizada y nostálgica, pero Dollanganger subvierte esta concepción, como han hecho en el pasado Lana Del Rey o su colega Ethel Cain, en las revisiones nostálgicas también propias de su trabajo.

En «algún momento de finales de los 60» empieza ‘Married in Mount Airy’ con la pista titular, una espeluznante nana que ya advierte de que hay «algo raro en el aire». La voz trémula de Dollanganger evoca algo así como una vieja muñeca de porcelana que ha cobrado vida, mientras las canciones se van sucediendo entregadas a su componente etéreo y fantasmagórico, entre el folk (la emotiva ‘Bad Man’), el slowcore («abrázame hasta que esté fría y azul», canta Nicole en ‘My Darling True’) o el country-folk (‘Whispering Glades’). La atmósfera «creepy» está especialmente cuidada en cortes como ‘Moonlite’, de ufanas percusiones, pero son Nicole, sus historias y su poesía los verdaderos protagonistas del disco, evidentemente dedicado a romantizar una relación tóxica marcada por el maltrato y el consumo de alcohol y drogas. No hay más que ver a Dollanganger en la portada, ataviada con un vestido de novia, más blanca que la «leche cuajada» que titulaba su debut.

A él «no le importa si está vivo o muerto», y ella ruega a Dios que le salve de «tomar esa mierda» (la desesperada ‘Dogwood’). Él le recoge ella en su Buick Electra (un coche típico de los años 50), ella llora a solas porque el amor que recibe de él es turbio y enfermo. En el atractivo ambiente marcadamente lynchiano (cómo no) de ‘Married in Mount Airy’, la inocencia de unos «osos de peluche tristes» que Nicole observa desde la ventana de su triste caravana (‘Runnin’ Free’), se encuentra con la realidad de que esta persona es una «pesadilla disfrazada de un buen sueño» cuyas «muestras de amor» son «grotescas» (‘Whispering Glades’). En una de las pistas de adelanto, la bella ‘Gold Satin Dreamer’, imágenes de flores y de rayos de sol conviven con la del olor que emana de un trozo de carne que alguien está preparando en la cocina, y en la escalofriante ‘Nymphs Finding the Head of Orpheus’ Dollanganger canta que «todas mis lágrimas y toda mi rabia podrían cargar un revólver».

El álbum se cierra con la melancólica ‘I’ll Wait for You To Call’, en la que Dollanganger promete que esperará toda la vida la llamada de su amante, aunque esta no llegue, antes de dar paso al sonido de una guitarra desafinada, que suena como una cinta de casete estropeada. En la superficie, ‘Married in Mount Airy’ es delicado y hermoso. Pero, por debajo, el olor putrefacto de la desesperación, la soledad, la amargura y el odio (disfrazado de amor) se abre paso, en otro trabajo nostálgico que explora la cara escondida de la América profunda, un universo artístico que no se agota.

Mainline Magic Orchestra, Ghouljaboy… en Sound Isidro 2023

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Sound Isidro ha anunciado los primeros 27 nombres de su novena edición, que se celebrará durante los meses de abril y mayo de 2023 en distintas salas de la capital como Shôko, El Sol o Siroco.

Esta es la primera tanda de artistas anunciada para Sound Isidro 2023, que incluye música de todos los colores, desde lo urbano y lo electrónico hasta el pop y lo tradicional: Juicy BAE, Parkineos, Camellos, Cráneo, John Pollõn, Barry B, Mainline Magic Orchestra, Nerve Agent, C Marí, Clutchill, Cometa, Cosmic Wacho, Daft Kant, El Gavira, El Nido, Enemic Interior, Ghouljaboy, Golpe de Gracia, GUADA, Heather, Pedro LaDroga, Pepe : Vizio, Samuel SLZR, Show me the Body, Sistema de Entretenimiento, Vera Fauna y Teo Planell, al cual dedicamos un artículo recientemente.

Desde el festival avisan de que anunciarán el cartel completo «en unos días». El primer concierto de Sound Isidro 2023 será el 14 de abril con Mainline Magic Orchestra en la sala Independance, mientras que Cráneo despedirán el ciclo el 25 de mayo en Shôko. Las entradas ya están disponibles en DICE.

Adiós a Gina Lollobrigida

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Gina Lollobrigida, gran icono del cine de los años 50 y 60, y una de las actrices italianas más reconocidas, ha fallecido a la edad de 95 años. Lollobrigida llevaba días hospitalizada en Roma tras sufrir, el pasado mes de septiembre, una fractura de fémur.

La intérprete se dio a conocer en los años 40 a consecuencia de su paso por varios certámenes de belleza (en Miss Italia quedó segunda por detrás de Lucía Bosé) e inició su carrera cinematográfica en 1950. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentran ‘Pan, amor y fantasía’ (1953), que le valió su primer premio, el Nastro d’Argento y fue un éxito de taquilla; ‘La provinciana’ (1953), ‘La romana’ (1954) o ‘La mujer más guapa del mundo’ (1955).

En esta primera fase de su carrera, la actriz, nacida en Subiaco en el seno de una familia acomodada que lo perdió todo en la Segunda Guerra Mundial, también desarrolló una exitosa carrera en el cine francés con películas como ‘Fanfan, el invencible’ (original de 1952, en 2003 se estrenó un remake con Penélope Cruz en el papel de Gina) o ‘El gran juego’ (1954).

Aunque el contrato de Lollobrigida le impedía viajar a Estados Unidos para trabajar (ella prefirió quedarse en Europa), la actriz no dejó de aparecer en producciones estadounidenses rodadas en Europa. Así, en 1956 protagonizó ‘Beat the Devil’ junto a Humphrey Bogart (1953) y, más adelante, ‘Trapeze’ (1956), ambientada en un circo. La gran oportunidad de su carrera le llegó al protagonizar ‘Salomón y la reina de Saba’, que, rodada en España, en concreto en Madrid y Zaragoza, fue una de las cintas más taquilleras de 1959, y es probablemente la más emblemática de trayectoria.

En los 60, Lollobrigida siguió actuando pero también rechazó un buen puñado de películas. Se arrepintió, por ejemplo, de no aceptar el papel protagonista en ‘La dolce vita’ (1960), si bien declinó la oferta por error: a su mánager se le traspapeló el guion.

A finales de los años 70, Lollobrigida se distanció del cine e inició una segunda carrera en el mundo del fotoperiodismo, apuntándose un hito cuando logró entrevistar a Fidel Castro. También capturó a estrellas como Paul Newman, Salvador Dalí, Audrey Hepburn o Ella Fitzgerald.

Ganadora de un Globo de Oro, Lollobrigida vivió además una interesante vida, pues se casó varias veces y se enfrentó a diversos pleitos. Últimamente había demandado a su ex marido, el empresario español Javier Rigau, 34 años más joven que ella. Le acusaba de estafarle a través del matrimonio «por poderes» que contrajeron en 2010. Rigau fue finalmente absuelto.

Ava Max logra su primer top 1 en JNSP; entran Judeline, LA ÉLITE…

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Ava Max sube al top 1 de lo más votado en JENESAISPOP con uno de los singles que ha presentado de su inminente disco, ‘Dancing’s Done’. Es la primera vez que la cantante consigue llegar a nuestro número 1. Como curiosidad, en 2018 postulamos su millonario hit ‘Sweet But Psycho’ como candidato, pero el público no le dio votos suficientes para llegar al top 40 siquiera.

La entrada más fuerte es ‘Yo quisiera’ de Alice Wonder, directa al top 4, mientras Najwa, Julieta Venegas, Rauw Alejandro y RuPaul llegan al top 20. Judeline y LA ÉLITE están entre las entradas underground de la semana.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 5 1 3 Dancing’s Done Ava Max Vota
2 1 1 3 Mi familia Fusa Nocta, DRED BEY Vota
3 2 2 2 TRACCIÓN Rakky Ripper Vota
4 4 1 Yo quisiera Alice Wonder Vota
5 3 3 3 EAEA Blanca Paloma Vota
6 4 4 3 Surrender My Heart Carly Rae Jepsen Vota
7 6 2 5 Did you know that there’s a tunnel…. Lana del Rey Vota
8 15 6 4 Kill Bill SZA Vota
9 13 9 4 Escapism RAYE, 070 Shake Vota
10 9 2 4 Todo está bien Alizzz Vota
11 10 10 2 Summer of ’99 Sugababes Vota
12 12 12 2 Puedes contar conmigo María Escarmiento, BLNCO, detunedfreq Vota
13 13 1 Esquiando Najwa Vota
14 14 1 La Nostalgia Julieta Venegas Vota
15 11 11 2 joker Zahara, Carolina Durante Vota
16 16 1 DE CAROLINA Rauw Alejandro, Playero Vota
17 17 1 ASMR Lover RuPaul, Skeltal Ki Vota
18 20 1 45 Candy Rosalía Vota
19 7 2 7 The Loneliest Time Carly Rae Jepsen, Rufus Wainwright Vota
20 28 1 11 Anti-Hero Taylor Swift Vota
21 22 2 24 Despechá Rosalía Vota
22 8 8 3 À tout jamais Mylène Farmer Vota
23 14 1 3 Bienvenido al caos Depresión sonora Vota
24 37 2 10 Grapefruit Tove Lo Vota
25 18 1 16 CUFF IT Beyoncé Vota
26 26 1 ZAHARA Judeline Vota
27 24 24 2 Ditto NewJeans Vota
28 25 25 2 SCORT Albany Vota
29 34 1 18 Atopos Björk Vota
30 16 1 6 El primero Vicente Navarro Vota
31 21 1 25 Free Yourself Jessie Ware Vota
32 23 1 29 Break My Soul BEYONCÉ Vota
33 40 4 4 Euroorden La URSS Vota
34 19 4 6 After Midnight Phoenix Vota
35 31 3 6 Hola, destrucción Los Punsetes Vota
36 36 1 Contento de ser feo LA ÉLITE Vota
37 27 4 5 Rebels Without Applause Morrissey Vota
38 39 5 7 España corazones Los Punsetes Vota
39 32 1 8 Me&Youphoria Röyksopp Vota
40 36 4 14 Easy On Your Own? Alvvays Vota
Candidatos Canción Artista
Flowers Miley Cyrus Vota
Session 53 Bizarrap, Shakira Vota
Nothing Left to Lose Everything But the Girl Vota
Gimme Sam Smith, Koffee, Jessie Reyez Vota
Comments Iggy Pop Vota
Tus bragas Venga, Bea Vota
Después de todo Verona Vota
I Don’t Know What You See In Me Belle and Sebastian Vota
Las zarzas Chico y Chica Vota
Nochentera Vicco Vota

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Raissa se abre paso con el pop ochentero de ‘I Want Your Sex’

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Raissa es una cantante británica de pop que lleva un puñado de singles publicados. Algunos de ellos los lanzó cuando estaba fichada en Zelig Records, la rama de Columbia que lleva el productor Mark Ronson, que en 2020 estrenó junto a la joven artista el single ‘I Want to See the Bright Lights Tonight’. Después, Raissa volvió a publicar música de manera independiente.

Con orígenes malasios pero nacida en Zaragoza (la han entrevistado en la tele de Aragón y ella dice que de pequeña la llamaban «la joterica»), Raissa Mokrani Pedrayes es otra de esas artistas fascinadas con el pop de los años 80, mientras la estética de sus portadas se inspiran en el mundo del cómic. En 2020 se dio a conocer con el medio tiempo de synth-pop ‘BULLYING BOYS’, e incluso cuando sus temas han presentado ritmos de trap-pop, como ‘POLICÍA’ o ‘GO FAST BABY’, el punto ultra-sintético ha estado ahí.

Sus temas pueden ser tan decididamente pop como ‘Hearteater’ o ‘Suckerpunch’ (en su misterio muy parecida a lo último de The Weeknd), o coquetear con el garage en ‘Cherry’. Estos días, Raissa ha despuntado con su single más colorido. ‘I Want Your Sex’ no es una versión de George Michael, pero sí es una canción bien apañada que hoy elegimos como Canción Del Día.

Los sintes de ‘I Want Your Sex’ nos llevan al trabajo de Bastille o CHVRCHES, pero la melodía no teme ser todo lo comercial posible, como si intentara emular un hit de la primera Madonna, de Paula Abdul o del propio George Michael. El tema no presenta innovación de ningún tipo, pero funciona en su aproximación a un sonido que nunca pierde relevancia.

La letra incluye, eso sí, una referencia al primer single de Britney Spears, el ídolo de su generación (Raissa tiene 25 años), y se entrega a la pasión: «quiero tu sexo, lo quiero tanto que me siento nerviosa, asocio el estrés con necesitar tu tacto», canta la artista, extasiada.








Rosalía, Nacho Vegas, Rigoberta… nominados a Premio Ruido

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Premio Ruido ha dado a conocer su lista de discos nominados a Álbum Nacional del Año. El premio lo concede la PAM, Periodistas Asociados por la Música y, desde hace ya varios años, ha distinguido discos de Rosalía, Triángulo de Amor Bizarro, Niño de Elche, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba o, en la última edición, de los desaparecidos Maria Arnal i Marcel Bagès.

Los 14 discos nominados a Premio Ruido son, en orden alfabético, ‘Bremen no existe‘ de Biznaga, ‘Cuatro chavales‘ de Carolina Durante, ‘El arte de morir muy despacio‘ de Depresión Sonora, ‘La Cantera‘ de Guitarricadelafuente, ‘Tinta y tiempo‘ de Jorge Drexler, ‘Burbuja Cómoda y Elefante Inesperado‘ de Anni B Sweet y Los Estanques, ‘AFDTRQHOT‘ de Los Punsetes, ‘Fuimos los dos‘ de Maria Rodés, ‘Un momento extraño‘ de Menta, ‘Mundos inmóviles derrumbándose‘ de Nacho Vegas, ‘La Emperatriz‘ de Rigoberta Bandini, ‘Tercer cielo‘ de Rocío Márquez y BRONQUIO, ‘MOTOMAMI‘ de Rosalía y ‘Duplo‘ de Yawners.

El LP más votado se desvelará en un gala que este año se celebrará el 9 de febrero en el Palacio de Congresos y Auditorio Baluarte de Pamplona. Las entradas para asistir como público a la gala de entrega de Premio Ruido 2022 se podrán adquirir a partir de mañana martes, 17 de enero, en la web de Premio Ruido.

Fallece Yukihiro Tahakashi, de Yellow Magic Orchestra

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Yukihiro Tahakashi, integrante de Yellow Magic Orchestra junto a Ryuichi Sakamoto y Haruomi Hosono, ha fallecido a los 70 años de edad. El músico japonés había sufrido varios problemas de salud en los últimos años: en 2020 le fue extirpado un tumor cerebral, en 2021 reveló que se sometería nuevamente a tratamiento y a principios de este mes contrajo neumonía.

Co-fundador de Yellow Magic Orchestra junto a sus otros dos compañeros, Tahakashi ejerció de batería y de vocalista principal en la banda, que popularizó el uso de sintetizadores, sonidos de videojuego y samplers en el pop e influyó en el desarrollo del synth-pop, el electro y el hip-hop. El propio Tahakashi compuso ‘RYDEEN’, uno de los éxitos más emblemáticos del grupo.

El éxito de Yellow Magic Orchestra no se puede subestimar: ‘Firecraker / Computer Game’ fue un enorme éxito internacional entre 1979 y 1980, irrumpiendo en las listas anglosajonas, y el grupo ha vendido varios millones de discos, especialmente de su segundo trabajo, ‘Solid State Survivor’ (1979). Sin embargo, suele es el primero, homónimo (1978), el mejor considerado por su innovación.

Como sus compañeros, Tahakashi se encontraba desarrollando una carrera propia previamente a formar Yellow Magic Orchestra. El músico tocaba la batería en Sadistic Mika Band, que publicó su primer disco en 1972 y, más adelante, lanzó un primer trabajo en solitario, ‘Saravah!’. Producido por Sakamoto, el disco fue uno de los muchos momentos en que los tres integrantes de Yellow Magic Orchestra colaboraron dentro o fuera del grupo. Junto a Hosono, Takahashi formó el dúo Sketch Now en 2002. Últimamente era miembro de METAFIVE, que publicaron su segundo disco ‘METAATEM’ en 2022, antes de separarse.

Con Yellow Magic Orchestra, Tahakashi lanzó otros álbumes de éxito e igualmente innovadores como ‘BGM’ (1980), ‘X∞Multiplies’ (1981) o ‘Naughty Boys’ (1983), antes de disolverse oficialmente en 1984. En 1993 el trío publicó su disco final, ‘Technodon’. Para entonces ya había transformado por completo el sonido del pop japonés e influido a artistas como Depeche Mode, Duran Duran o Michael Jackson, que grabó ‘Behind the Mask’ para ‘Thriller‘, si bien su grabación quedó descartada de la secuencia final.

La noticia del fallecimiento de Takahashi se queda muy cerca de coincidir en el tiempo con el lanzamiento del nuevo disco de Sakamoto, ’12’, que sale este mismo viernes 17 de enero.

Iggy Pop / Lust for Life

Lo primero que choca de ‘Lust for Life’ es el propio título (“hambre de vivir”), pero también que fuera la primera portada de Iggy en la que aparecía con sonrisa de oreja a oreja, después de una carrera orientada al lado más bestia de la vida, que diría Albert Pla. Esto -más allá de la increíble coincidencia transtemporal con Lana del Rey (mismo título, misma portada por primera vez sonriente)- parecía presagiar el álbum en el que iba a poder hacer realidad sus pretensiones más pop del momento, alejándose de algunas de las instrospecciones más bien experimentales de su debut ‘The Idiot’, su primera colaboración en solitario con David Bowie.

Pero para entender esas pretensiones -y la propia génesis de la carrera en solitario de Iggy- hay que mirar a la fascinante relación entre estos dos músicos. Se conocieron en 1971, en 1973 Bowie mezcló ‘Raw Power’ de The Stooges, pero fue en el 76 cuando estrecharon sus lazos de amistad: tras dos años muy enganchado a la heroína, Iggy estaba en rehabilitación y según él “David fue el único amigo que vino a verme”. Le invitó a su gira del disco ‘Station to Station’ e Iggy quedó muy impactado al ver la disciplina con la que su amigo enfocaba sus días y noches: se levantaba temprano, y mientras viajaba al siguiente concierto leía sobre arte y música. Al llegar a la ciudad concedía entrevistas, hacía el concierto, luego se interesaba por ir a ver bandas locales para estar al tanto de lo nuevo, y por la noche no era raro encontrarle trabajando en futuras canciones. Iggy pensó: “no me extraña que le vaya tan bien y a mí tan mal”.

Pero en realidad a Bowie los estupefacientes también le empezaban a pasar factura, así que para escapar del ambiente nocivo de Los Angeles los Zipi y Zape del rock underground se mudaron a Europa para trabajar en ‘The Idiot’, primera obra de esa secuencia europea tan interesante que daría también como fruto ‘Low’, ‘Heroes’ y el disco que nos ocupa. Es muy interesante que ‘Low’ se sitúe cronológicamente entre ‘The Idiot’ y ‘Lust for Life’, porque su tensión entre lo experimental y lo pop ejerce de alguna forma de doble polo magnético entre ‘The Idiot’ y ‘Lust for Life’, siendo este último el que más claramente pop resultaría, e iniciaría esa carrera “profesional” que Iggy ansiaba, y que le ha conducido lenta pero sólidamente tras varias décadas hasta el momento actual.

Es indiscutible que ‘Lust for Life’ es el gran disco de la primera época en solitario de Iggy Pop. Y no sólo por contener esos dos pepinazos que son ‘The Passenger’ y ‘Lust for Life’: aquí hay magia por todas partes. Curiosamente, una magia invocada con rapidez, porque éste es un álbum gestado en muy poco tiempo: ocho días para grabarlo y mezclarlo en los legendarios estudios Hansa de Berlín Occidental. A pesar de que parte del material de Bowie llegó al estudio ya compuesto, a Iggy le gustaba trabajar de un modo improvisatorio e intuitivo, de modo que a menudo partían de una premisa esquemática, con Iggy pensando y escribiendo la letra ya en el estudio, a menudo improvisando buena parte de ella mientras la grababa (algo que impresionó mucho a Bowie, que usaría ese método poco después en ‘Heroes’). Esto propiciaría una de las tensiones artísticas más interesantes de ‘Lust for Life’, porque a pesar de la amistad entre ellos, las hubo. Iggy saldría triunfador en su lucha contra algunos de los arreglos de Bowie, ya que parte de los músicos en el estudio eran de su banda, y harían de contrapeso en las decisiones, frente a David y Carlos Alomar. En última instancia, el equilibrio entre la espontaneidad y lo estudiado dio como resultado estas 9 fabulosas canciones.

Trabajar así es como caminar por la cuerda floja, porque dependes mucho de la inspiración del momento, pero por suerte esa primavera de 1977 pilló a todos los participantes en un momento mágico de composición: de un código morse que oyeron en la televisión le salió a Bowie, ukelele en mano, el ritmo y la música de esa maravilla absoluta que es ‘Lust for Life’, a la que Iggy supo buscarle su legendaria melodía y letras con referencias a una novela de William Burroughs (las menciones a Johnny Yen o los pollos hipnotizados), en una ensalada de imágenes desordenadas que aluden en realidad a su gusto por las drogas. Sumado a esa dinamo rítmica que formaban los hermanos Hunt y Tony Sales al bajo y batería 100% Motown, tenemos como resultado un clásico instantáneo. También ayudaría el planteamiento bastante similar al de ‘Fun House’, que fue grabar las canciones lo más en directo posible, una energía que claramente se percibe a lo largo y ancho del disco. Y sería otro de los triunfos creativos de Iggy, que deseaba hacer algo diferente a ‘The Idiot’, que se gestó de forma más lenta y artificial, y con más control de Bowie.

Debido a este modo de trabajo, pocas canciones tienen realmente una estructura muy compleja, algunas incluso, como ‘Sixteen’ (composición exclusivamente de Iggy), no son mucho más que un riff y una simple conclusión a modo de estribillo. Sin embargo son riffs que suenan fabulosos y le dejan un espacio ideal para hacer ese contrapunto vocal a canciones simples que prácticamente inventó en los Stooges. La continuación con ‘Some Weird Sin’ retoma un ritmo soul con guitarras muy glam y rock 70s; al oírla no cuesta adivinar que música y letra son de Bowie, y sin embargo es una de las mejores interpretaciones vocales de Iggy, cantando sobre cómo “cuando las cosas se vuelven demasiado normales… me siento atrapado, necesito algún pecado raro”. Otra cosa que parece evidente al oírla (o al oír ‘Fall In Love With Me’) es que este sonido (guitarras, efecto de voz distorsionado, batería) es claramente de donde salió la fórmula de los Strokes.

El hecho de que la cara A prosiga con ‘The Passenger’ y ‘Tonight’ convierte la primera mitad de ‘Lust for Life’ en obra maestra: escuchas ‘The Passenger’ 45 años después y parece imposible pensar que nació de la nada en el estudio, con el guitarrista Ricky Gardiner tocando unos acordes random a los que rápidamente dieron forma con el piano de Bowie, y la letra hecha allí mismo por Iggy, inspirada en parte por sus recuerdos de aquellos largos viajes en coche en la gira del 76, como metáfora de la vida. Porque como clásico intocable que es, parece una canción que estuvo ahí siempre, no una afortunada conjunción de factores en una semana de creatividad a borbotones. Con un estribillo que no es más que un “la la la la” sobre los mismos cuatro acordes inmutables de todo el tema. “El pasajero viaja y viaja / ve el cielo vacío, las estrellas salir por la noche / las agrietadas calles traseras de la ciudad y la serpenteante carretera de la costa / Y todo ello fue hecho para ti y para mí”.

En cuanto a ‘Tonight’, es una de las grandes canciones de Bowie, la que casi asesinó en su disco del mismo nombre de 1984 con un intolerable arreglo de reggae, pero que aquí en su encarnación original rebosa magia por los cuatro costados. Iggy hace una convincente interpretación de la melodía (muy mimética de David, eso sí) con armonías a cargo del propio Bowie. Cierre de lujo de la cara A pues, con esta canción que siempre me pareció hermana de ‘Sound and Vision’: parecido patrón rítmico, similar sonido de batería -tan particular de ‘Low’- e incorporación del mismo sintetizador Solina con delicioso y evocador efecto phaser.

La segunda mitad se inicia con otra maravilla: ‘Success’, con Iggy cantando a ese éxito que “está tras la siguiente colina”, y que le traerá coches, una flamante alfombra (que sí se compró para su apartamento de Berlín), y todo tipo de lujos mientras “en la última cuneta pensaré en ti”. Como había dicho en el comienzo del disco, “estoy harto de dormir en la acera”. Por muy Bowiesca que pueda sonar la canción, realmente es una deconstrucción radical de la original de David: Iggy rechazó la melodía tipo crooner, descartó estrofas y acordes y la redujo a esta minimal maravilla, con los hermanos Sales dándole la réplica en los coros, añadiendo humor a esta fantasía bastante irónica sobre su éxito (que realmente no le llegaría hasta finales de los 80).

‘Turn to Blue’ era la canción más antigua: gestada en 1975 en un primer intento fallido de grabar algo juntos, David e Iggy la recuperaron para la gira de ‘The Idiot’ (en la que Bowie iba de teclista), así que los aparentes ad libs de Iggy en esta canción venían en realidad bien ensayados y testados. En este caso, las hechuras de balada soul se mantuvieron como en la idea original de Bowie, con un sonido muy Thin White Duke, pero que Iggy lleva en las letras a territorios juguetones y surreales.

Tras la estupenda ‘Neighbourhood Threat’ -otra brillante pieza de Bowie de pop en acordes menores, aunque la letra sea bastante intrascendente- el final se sella con los seis minutos de ‘Fall In Love With Me’. Vuelve el excelente sinte Solina, la voz distorsionada a través de un ampli por obra del ingeniero de sonido Eduard Meyer, y los riffs repetitivos con los que tan a gusto se encuentra siempre Iggy, en modo callejero absoluto. Su estructura extremadamente simple de dos acordes tiene explicación: en un juego de cambio de instrumentos el guitarrista Gardiner se puso a la batería, los hermanos Sales se encargaron de guitarra y bajo, y juntos hallaron ese ‘groove’ sencillo pero con muchísimo encanto que es básicamente ‘Fall In Love With Me’. Bowie espolvoreó un poco de su clásica línea descendente de notas al órgano, e Iggy se encargó de sus ad libs vocales, cantando alternativamente a “mesas hechas de madera”, “vino blanco y cigarrillos” y alguien que “es más joven de lo que parece” (quizá su novia por entonces, Esther Friedman). Triunfalmente, el edit final de seis minutos no suena a una jam session para rellenar, sino a otra declaración artística de Iggy Pop y sus acólitos perfectamente trazada según la premisa del disco, y supone un final excitante y delicioso.

A pesar de tanta inspiración ‘Lust for Life’ sería un fracaso. Es otra de esas historias de mala suerte histórica: que tu sello sea la omnipotente RCA pero que semanas después del lanzamiento de tu disco se muera Elvis Presley (la joya de la corona de RCA) es para tirarse de los pelos, y es justo lo que le pasó a Iggy. De repente toda la atención promocional se volcó en la fiambre leyenda, y a pesar de que el disco fue por un momento Top 30 en el Reino Unido, cuando la primera edición se agotó no se pudo volver prensar a tiempo para mantenerlo en el candelero, con las fábricas centradas a todo trapo en reediciones del Rey. El disco acabaría muriendo prematuramente, y Pop se encerraría en el Schlosshotel Gerhus con una montaña de cocaína, odiando el disco, la portada, y su mala fortuna. No mucho después terminaría abruptamente su contrato con la compañía y para 1978 estaba de nuevo en la casilla cero, de la que comenzaría a andar de nuevo al año siguiente ya en el sello Arista.

Por supuesto, como es sabido ‘Lust for Life’ conocería una nueva vida en los 90 -coincidiendo además con un muy buen momento de popularidad de Iggy- gracias a la inclusión en 1996 de su tema principal en la película ‘Trainspotting’, que revitalizó la canción, relanzada con éxito como single, al que seguiría en 1998 una reedición en disco sencillo de ‘The Passenger’ y finalmente una justa revisión histórica de los méritos de este disco. Fue el comienzo de ese Iggy Pop actual entendido como patrimonio de la humanidad, momento a partir del cual podría cantar por fin ‘Success’ sin desencanto irónico.

Verona pueden asaltar el indiemainstream con ‘Después de todo’

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Comentábamos esta semana que Viva Suecia están entre los 25 discos más vendidos de esta Navidad en España, así que todo aquel opinando que este sonido indiemainstream ha pasado a mejor vida no sabe muy bien de lo que habla. Desde Granada, Verona apuestan por un sonido similar, quizá más apegado a los orígenes de Slowdive y Los Planetas: no en vano han contado con el icónico productor Carlos Hernández Nombela. Eso sí, ellos acentúan la parte más pop.

En su tercer álbum editado en las últimas semanas de 2022, con el nombre de ‘Giro argumental’, el grupo ha fichado por BMG tras su paso por Subterfuge y Lunar Discos, dejando atrás los arreglos sintetizados que encontrábamos en momentos puntuales de trabajos anteriores, como fue el caso de su pequeño hit ‘Milán’. Esta vez apuestan por las guitarras y la base rítmica en primera línea, pero sobre todo por el estribillo certero. Por eso ‘Después de todo’ es nuestra «Canción del Día» hoy.

‘Giro argumental’ se ha promocionado con temas como ‘Nada más llegar’ (uno en los que destaca la bonita voz del cantante), el agitado ‘Qué sabes tú de mí’, ‘Ya no es lo mismo’ y ‘Alucinaciones’. ‘Cambiar este final’ denota esa influencia de Slowdive pero en un plano mucho más comercial, y el disco es generoso en ganchos y más ganchos, visible en temas como el contagioso ‘Cuestión de tiempo’.

Pero es ‘Después de todo’ el más conseguido en su melancolía, en su referencia a Madrid -ya sabéis que la mención a un lugar concreto hace empatizar de manera inmediata- y en su estribillo de desamor. «Después del modo en que te fuiste, yo sigo estando aquí», sigue postulando el vocalista de Verona Antonio Moldes, desde un lugar en el que seguro te has encontrado alguna vez.

Tras actuar en Sevilla, Granada, Málaga y Jaén durante las últimas semanas, la gira de Verona pasará por los siguientes lugares en meses venideros:
14/01. Jerez de la Frontera. La Guarida del Ángel
03/02. Badajoz. Chat Noir Club
10/02. Santiago de Compostela. Sala Sónar
11/02. Ponferrada. Sala La Vaca
03/03. Pamplona. Sala Rockollection
04/03. Bilbao. Sala Shake
10/03 Toledo. Sala Pícaro
11/03. Madrid. Sala Vesta
18/03. Alicante. Sala Stereo
25/03. Zaragoza. La lata de bombillas

¿Cuánto se parece ‘Solo tú’ de Briella a lo de Shakira con Bizarrap?

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La cantante venezolana Briella ha puesto un nuevo debate sobre la mesa en las redes sociales, y es que asegura que Shakira se ha inspirado en una canción suya para su nueva sesión con Bizarrap. La canción se llama ‘Solo tú’ y fue publicada en junio del año pasado, llegando a superar las 100.000 reproducciones en Spotify y con un remix posterior que recibió más éxito.

El parecido entre las dos es innegable y la propia Briella ha creado un vídeo comparación en el que enseña las partes que son similares a la nueva de Shakira. En concreto, se trata de la melodía del estribillo, en el que Shakira canta «pa’ tipos como tú».

El asunto no llega a plagio porque para ello el parecido debería continuar durante ocho compases seguidos, como se suele indicar, pero sigue siendo una coincidencia clarísima. También hay que tener en cuenta que, cuando una canción tiene la clase de éxito que ha tenido esta última sesión de Bizarrap, es normal que salgan hermanas no deseadas.

Briella aclara en un post de Instagram que el vídeo comparativo no tiene «la intención de buscar problemas», ya que ella misma es «fanática de toda la vida de Shakira y fan del trabajo de Biza». Sin embargo, admite que está «en shock» y que no sabe qué hacer. De momento, ni Shakira ni el productor argentino han comentado esta polémica.

La sesión 53 de Bizarrap con Shakira se convertía en el vídeo musical en español más visto en YouTube durante sus primeras 24 horas, rompiendo toda clase de récords, y siendo el tema más candente del momento. También es la canción más oída en 24 horas de Spotify España. Sobre todo, a causa de las numerosas referencias a la expareja de Shakira, el futbolista Gerard Piqué.

Dolores O’Riordan / Are You Listening?

5 años después de la muerte de Dolores O’Riordan, su debut en solitario ‘Are You Listening?’ se ha convertido inesperadamente en uno de sus discos más interesantes sobre los que volver. Mientras los últimos discos y singles de Cranberries reincidían en mensajes genéricos sobre vivir el momento y amar al prójimo como a uno mismo, con títulos como ‘Wake Up and Smell the Coffee’ o ‘Tomorrow’, este disco perdido por el cierre de su sello Sanctuary escondía muchos de sus miedos y vulnerabilidades. Sólo que no lo supimos ver entonces.

A principios de los 2000, la banda irlandesa había perdido gran parte del estatus que había conseguido con sus dos primeros discos a mediados de los 90. ‘Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?’ (1993), ahora reivindicado por Pitchfork incluso como una obra mejor que ‘Achtung Baby’ de U2 (!), y ‘No Need to Argue’ (1994) han sobrevivido a la era Spotify con streamings ultramillonarios para sus singles principales.

Lo que vino después fue más complicado y el grupo fue perdiendo «punch» al intentar emular ‘Dreams’ y ‘Zombie’ en las desiguales ‘Analyse’ y ‘This Is the Day’, extraídas del mencionado ‘Wake Up and Smell the Coffee’ (2001). Tras el obligado «greatest hits», empezaron a grabar un 6º álbum, componiendo temas que verían la luz una década después en ‘Roses‘ (2012). Pero lo cierto es que en 2003 Dolores decidió abandonar aquellas sesiones aduciendo problemas familiares. Y uno de los motivos fue la falta de fe en ellos de una reestructurada Universal.

Declararía Dolores en Billboard: «Island Records nos fichó en 1991, pero hemos visto cómo gradualmente nuestro sello se ha disuelto, pasando de ser un sello independiente y pionero a una corporación monolito que ha perdido completamente el contacto con la visión creativa del grupo». La MTV que apostaba por los hijos de Nirvana y cantantes femeninas como Alanis, Meredith Brooks o Anouk, antes de las cuales llegó Dolores, era muy distinta a la MTV de Britney y Backstreet Boys. Ahora las personas que vendían 15 y 20 millones de copias por disco eran otras.

Pero también es cierto que el grupo necesitaba renovarse, y dejar atrás viejos vicios compositivos. Hay temas en este primer disco de Dolores O’Riordan que podrían haber firmado Cranberries, y así ‘When We Were Young’ era otra de esas hijas de ‘Zombie’, como ‘Hollywood’ y ‘This Is the Day’, pero el álbum ofrecía otras cosas. O’Riordan decidió no trabajar con Stephen Street como siempre, sino con otros productores. Son los años en que grabó algún tema suelto con Angelo Badalamenti, dejando tanta huella en este que llegó a decir que Dolores estaba infravalorada trabajando con Cranberries, sugiriendo que daba para mucho más (a la reciente muerte del gran genio, su familia recordó su trabajo con Dolores, entre otros músicos), y terminó realizando el disco sobre todo con Dan Brodbeck.

Este aparece en el reciente libro sobre Cranberries editado por la revista irlandesa Hot Press, ‘Why Can’t We’, conformado sobre todo por entrevistas viejas con la banda. Dan recuerda que mintió a Dolores sobre el software que controlaba, de la ilusión que le hacía trabajar con ella. O’Riordan le tocaba un par de notas al piano y un par de acordes, y se marchaba a trabajar con otro productor. «¿Qué se supone que voy a hacer con esto?», se preguntaba al encontrarse con un esqueleto tan exiguo. Pero experimentaba un poco, Dolores volvía a las 2 horas y escribía la letra. Así nació, por ejemplo, ‘In the Garden’. Era un proceso creativo completamente diferente al de Cranberries, donde ella escribía sola los temas y ya, o hacía las letras sobre unos acordes de Noel Hogan. Este era un proceso paradójicamente más colaborativo.

Otro de los principales productores es el célebre Youth en dos de las mejores grabaciones. Y que me aspen si él no jugó a introducir un pequeño Autotune en el estribillo de la sentida ‘Ordinary Day’, el single principal, dedicado tanto a su hija como a la niña interior que siempre llevó dentro.A la muerte de Dolores, Youth, que se encontraba de nuevo trabajando con la cantante en 2018 en un segundo disco de D.A.R.K. del que no se ha sabido nada nunca más, daba una de las entrevistas más interesantes: «Fue muy especial en su momento tener a una mujer liderando una banda de rock. Sobre todo por lo pequeña que era en estatura. Pero trabajando desprendía un fuego abrasador, lo cual es bastante raro para cualquiera, sea hombre o mujer. También era muy capaz de articularlo. Hablaba muy suave, casi como un susurro, pero luego cuando cantaba contenía un enorme torrente de emociones que su voz aprovecha, conllevando un montón de fuerza y fuego».

Totalmente deslenguado, mucho más que sus compañeros de banda, que jamás han abierto la boca sobre los problemas de salud mental de Dolores, Youth relacionaba su arte con su bipolaridad, meses antes de que Kanye West publicara ‘ye‘, con la célebre frase «odio ser bipolar, es increíble» en la portada: «Dolores tenía una historia de problemas mentales de bipolaridad, como muchos artistas. Y creo que esto también remarca la vulnerabilidad de los artistas que lo sufren. Pero a su vez les da fuerza y una expresión totalmente honesta y abierta. Es una paradoja de alguna manera. A veces no puedes tener una cosa sin la otra. Parte de mi responsabilidad como productor es desempacar y sacar esas cosas de detrás de una máscara. Algunos artistas no tienen miedo de transitar esas áreas desconocidas, y Dolores era uno de ellos».

En 2007 -‘Are You Listening?’ acaba de cumplir 15 años-, no sabíamos que Dolores era bipolar. Tampoco sabíamos que había sufrido abusos sexuales de niña, eso saldría a la luz muchos años después. Sin embargo, a posteriori es evidente que ambas cuestiones están presentes en este disco. En sus momentos más certeros comercialmente, las letras son claras y luminosas: ‘Loser’ es una burla a un «hater» totalmente triunfal y desternillante («una bombilla de 2 vatios es más brillante que tú») y ‘Apple of My Eye’ es una producción prodigiosa, con un muro de sonido in crescendo, precioso, dedicado a su hija, que por alguna razón no convenció a Dolores, quien decidiría regrabarla para su segundo disco en solitario, el ya nada interesante ‘No Baggage’.

Pero hay puntos mucho más oscuros en ‘Are You Listening?’. Dolores se aprovechó aquí del virtuosismo de sus nuevos músicos metaleros (habían tocado con Whitesnake, Ozzy Osbourne, The Therapy?) para expresar el dolor mediante la guitarra eléctrica. Influida por el éxito de Evanescence, ‘Stay With Me’ es una súplica a su padre para que no se muera de cáncer; ‘Black Widow’ trata el cáncer de su suegra, a la que estaba muy unida, pero en realidad parece hablar más bien de la locura y la paranoia por el tipo de sonidos terroríficos que utiliza; e ‘In the Garden’ ahora podemos concluir que retrata un abuso infantil en lo que tendría que haber sido un espacio seguro para un/a niño/a. «No puedes venir aquí / Ni llorar / Mantendré el secreto hasta que me muera / y ni siquiera sé por qué».

Ha contado Dan Brodbeck que «las canciones no se escribieron con una banda en mente, por lo que éramos libres de hacer lo que quisiéramos con ellas, esa es la razón de ser de un disco en solitario. Éramos libres de llevarlas adonde quisiera Dolores». Y había avanzado Dolores en Hot Press, en una entrevista mientras trabajaba con Angelo Badalamenti: «He sido capaz de escribir canciones con mis tiempos y a mi manera. Hay letras en el próximo disco que jamás podría cantar en un grupo de chicos que resulta que tiene una vocalista femenina. Esta vez podía ir a cualquier lado y decir cualquier cosa sin tener que preocuparme por que los tíos estén a gusto con ello. Hay muchísima más libertad».

El disco se debate entre la fuerza de ‘October’, en la que justifica su carrera en solitario o simplemente la necesidad de valerse por sí misma, con la vulnerabilidad total. En la subida de tono del estribillo de ‘Stay With Me’, o en la interpretación desgarrada de ‘October’ encontrábamos en forma a una de las cantantes fundamentales de su generación, de las que fueron aniquiladas por la máxima de que hacer gorgoritos no mola. Pero además en esta última etapa ha madurado como compositora. Si los discos de Cranberries tendían a cerrarse siempre con un tema a capella, al órgano, a piano, acústico, decadente… este lo hace con un aura de misterio.

‘Ecstasy’ es una de sus canciones más impenetrables y obtusas. Una de las pocas letras en que no adivinamos lo que quiere decir. Parece claro que algo inquieta y atormenta su mente, que no puede sacarse de la cabeza («Still I can’t shake her / Get Out of My Mind»). En un inexplicado arrepentimiento del día después, Dolores pide a alguien que la acompañe en su caída: la música simula una de alguna forma, pues la producción no puede ser más flotante, cercana por una vez a David Bowie.

Como publicó el portal de fans Zombieguide en su crítica, esta canción es como una respuesta en negativo para el título del álbum. Dolores anima a vivir la vida en letras como ‘Ordinary Day’, ‘Human Spirit’ o ‘Accept Things’… titula el disco «¿Me estás escuchando?» y en la entrevista que me concedió en 2007 hablaba sobre cómo había aprendido a aceptarse a sí misma después de los 30. Pero en ‘Ecstasy’ parece estar respondiéndose a sí misma: «quiero escuchar todo esto, pero simplemente, yo misma, no puedo». Un «fade out» echa el cierre, desolador pero confortable como una muerte lenta.

O’Riordan, que había escrito sola algunas de las canciones más populares de los años 90, todavía era una persona insegura a los 36 años cuando presentaba este disco. Así se justificaba en el libreto por haber estado desaparecida del mapa entre 2003 y 2007, tras varios años en el foco mediático total: “Pido disculpas por mi falta de contacto y por cómo me he aislado a mí misma. Pero estas son las únicas condiciones en las que puedo crecer. Os respeto y os quiero, y espero no decepcionaros”. Una tristeza que competía con ese sentido del humor inesperado que Michael Stipe elogió a su muerte. En lugar de indicar qué toca cada músico en el álbum, en el libreto se indicaba esto: “Graham tiene problemas, Marco tiene graves problemas, Steve tiene muchos graves problemas, Denny encontrará problemas, Dolores tiene un montón de todos esos problemas, y además llora un montón».

Noel Gallagher y Sara Macdonald se divorcian

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Se acerca el nuevo disco de Noel Gallagher’s High Flying Birds, del que ya conocimos el single ‘Pretty Boy’. El próximo martes 17 de enero sabremos más y posiblemente escuchemos algo más sobre ese lanzamiento, pero de momento Noel ha querido quitarse una espinita y ha informado a la prensa de que se ha divorciado mediante un escueto comunicado.

Un/a portavoz ha confirmado al NME que Noel y Sara Macdonald se han separado después de 22 años de relación y 11 de matrimonio. Tuvieron dos hijos, en 2007 y 2010. Dice el texto que «Noel y Sara continuarán cuidando juntos de sus hijos, la cual va a ser su principal prioridad. Noel y Sara piden a los medios de comunicación que respeten su privacidad en este momento».

Sara no es la «Sally» que aparece mencionada en ‘Don’t Look Back In Anger’, pues esta canción de 1995 es anterior a su relación. En su momento Noel dijo que no conocía a ninguna Sally, sino que simplemente era una palabra que encajaba ahí. De hecho, según la leyenda, fue Liam quien aportó la mítica frase de «So Sally can wait» cuando Noel estaba atascado con el texto, aunque nunca se le acreditó.

Sin embargo, la mujer de Noel Gallagher sí ha sido un tema recurrente, aunque velado, en su discografía. Cuando entrevistábamos a Noel a la altura de ‘Chasing Yesterday‘ (2015), le decíamos que la figura de una mujer inalcanzable parecía emerger en sus letras. Respondía: «Sí, eres un chico listo. Es mi mujer. Es que es demasiado guapa. La figura de una mujer hermosa es una metáfora para todo lo que quieras alcanzar. Seas una estrella del pop o un periodista, habrá algunas cosas en la vida que sigan siendo inaccesibles para ti. Tiendo a describir eso metafóricamente como una mujer hermosa. No hablo de ninguna mujer, simplemente es más fácil para mí describirlo así».

Por otro lado, os dejamos con el teaser de lo nuevo de Noel Gallagher’s High Flying Birds que ha grabado su hija Anais.

Paco Moreno / Rumba profunda

Tienden los mini-LP’s de Paco Moreno a llegarnos en los meses de primavera-verano, pero me resisto a creer que su encanto sea flor de temporada. Tras ‘Rumbitas’, ‘Rumba Deluxe’ se editó un mes de abril, ‘Rumba o nada’ a principios de un mes de septiembre, ‘Rumba Plus’ el pasado mes de mayo, y finalmente este ‘Rumba profunda’ a finales de julio.

Ha sido la última una de sus entregas más sólidas. Pequeños hits como ‘Desabrazarme de ti’, ‘Algo bello’ o el año pasado el brevísimo ‘Así es’ han ido labrando el camino. Ahora ‘Rumba profunda’ contiene algunas de las canciones más redondas, y una de las secuencias mejor construidas de su carrera.

El disco se abre con una intro de 1 minuto que se recrea en la psicodelia, ‘Venga (lo que venga)’. A continuación, su especialidad: la rumbita lo-fi, como si Kiko Veneno se hubiera dejado producir por alguno de los artistas DIY de los últimos años, en lugar de por Refree.

‘Mirada de pirada’ es una de las sublimaciones del estilo de Paco Moreno. Todo en ella funciona, empezando por ese tono canallita y desafiante ante la relación amorosa fracasada, que tanto caracteriza su estilo: “yo no te he hecho nada / tengo cero de maldad / pero te ha dolido / ya lo has decidido / y te tienes que vengar”, expresa, en un nuevo tira y afloja. En ‘Cuando baja la marea’, «como un perro, cava un hoyo cada vez más profundo». Sus acordes españoletes subrayan el origen del almeriense, si bien a veces las canciones viajan a otros lugares. ‘Hipnorrelajación’ es más bien un pasodoble y hay latitudes más tropicales, como las de ‘Nada de provecho’ o ‘Blucurasao’. Ese «ya baja el sol por detrás de las montañas» junto a El Chumbo recuerda al primer Guincho.

Las composiciones de Paco Moreno están llenas de nostalgia de lo vivido y de lo que queda por vivir. ‘Cuando baja la marea’ vuelve «al punto de la orilla, donde un día me besaste, y yo me enamoré de ti”. ‘Nada de provecho’, en la que se propone ser un arquitecto o un abogado, entre otras cosas, para tratar de triunfar en el amor, mantiene la esperanza de que «mañana le des un beso». Pero siempre suenan como un antídoto para los males del corazón. Por algo ‘Rumba profunda’ se cierra con un tema llamado ‘Respira’ que incita a la relajación, a huir de la ansiedad. ¿No es algo que necesites también en invierno?

Paco Moreno actúa este 14 de enero en Madrid (entradas agotadas). Después aguardan Zaragoza (27 de enero), Málaga (2 de febrero) y Sevilla (18 de febrero).

The Stooges / Fun House

Después del debut de The Stooges en 1969, a la compañía Elektra Records no le importó demasiado el relativo fracaso comercial y crítico del disco. Ahora parece imposible, pero eran otros tiempos y las discográficas importantes podían mantener en plantilla a grupos sin éxito durante dos, tres, cuatro álbumes, mientras creyeran que tenían potencial. Iggy Pop es el ejemplo perfecto de por qué ese planteamiento fue tan beneficioso -mientras fue sostenible- para la cultura pop. Su supervivencia artística -con y sin Stooges -durante décadas, sin llegar a generar nunca una gran fortuna para la industria, daría como fruto unas cuantas obras de arte de las cuales estamos ante la primera.

La fe en los Stooges de Jac Holzman (el jefazo de Elektra) le llevó a enviarles a grabar ‘Fun House’ a Los Ángeles, a los lujosos estudios del sello situados en una casa de estilo colonial español con jardín, mientras la banda se alojaba en un motel en el que coincidieron casualmente con Andy Warhol y su troupe, de visita en la ciudad.

Los Stooges traían los deberes hechos: después de un debut que no recogía al 100% la energía y peligro de la banda en directo (a pesar de contener los clásicos indiscutibles ‘No Fun’ y ‘I Wanna Be Your Dog’), estaban decididos a construir una colección de canciones más agresivas, que compusieron en su casa-comuna de Ann Arbor, Michigan, en los meses anteriores, de forma bastante disciplinada para su fama de salvajes. Igualmente se portaron bien durante las sesiones de grabación en mayo de 1970, si descontamos el tripi que se comía Iggy en secreto cada día justo antes de empezar a grabar (“por responsabilidad con el grupo, para irradiar ‘vibe’ y transmitirles credibilidad”, según él).

Su productor, Don Gallucci de los Kingsmen, entendió enseguida por dónde debían ir los tiros: no sólo accedió a que el grupo trajera todo su equipo de directo para la grabación (algo esencial, ya que llevaban meses tocando las canciones nuevas sin parar en sus conciertos) sino que coincidió con ellos en que las primeras sesiones -registradas de modo convencional, con cada miembro grabando separado por paneles- sonaban a mierda. Así que decidieron reenfocar todo el asunto y montar todo el tinglado de directo de la banda, monitores incluidos, y grabar básicamente un directo en el estudio, con el volumen a todo trapo y sin importarles ese anatema de los ingenieros de sonido que es el “leakage” (es decir, cuando el sonido de más de un instrumento se cuela por cada micrófono y no se logra una perfecta separación de cada pista).

Lo hicieron a razón de una canción por día, repitiéndola hasta lograr la toma más chula, y con otro enfoque minimalista esencial para entender el poder fascinante de este disco: no se dobló ningún instrumento, no hay prácticamente guitarras ni otros elementos añadidos posteriormente. Estamos básicamente ante un directo de los Stooges grabado a todo lujo (Iggy: “en un estudio a años luz del cagarro de Times Square, en un primer piso encima de una sex shop, donde grabamos el primero; esta era una sala que podíamos llenar con nuestra intensa energía”).

El resultado es algo que desde finales de los 70 ha aparecido de manera constante en los primeros puestos de las listas de “mejores discos de rock de la historia”. Y esto es así es porque ‘Fun House’ trasciende el carácter de clásico arqueológico de la mayoría de esos discos, que suenan fascinantes pero también a artefactos de otra era. Y es que la influencia de esta extraña pócima confeccionada en los 60 pero que no suena para nada vieja empezó a notarse en los albores del punk y sigue vigente en muchos discos grabados hace pocos meses. Pero luego hablaremos de eso. La cuestión es que -igual que la Velvet Underground- The Stooges vienen de los 60 pero no suenan a los 60, sino al futuro, incluso hoy. Y eso empieza con ‘Fun House’.

El asalto sónico se abre con dos canciones con cierta estructura pero que no escatiman en el factor mazazo: tanto ‘Down on the Street’ (con su ritmo remolón pero implacable, imparable) como ‘Dirt’ (más rápida y con un impactante riff de tres acordes fuzztásticos) tienen estrofa y estribillo, primarias, crudas, pero ordenadas. Desde el mismo comienzo se aprecia un paso de gigante: fuera los ritmos un poco funk de ‘I Wanna Be Your Dog’ y ‘No Fun’, adiós a la voz de niño de Iggy, no más canciones basadas en mantras indios.

Las vagas estructuras del comienzo se pulverizan cuando llega ‘TV Eye’: nos encontramos ante un riff sobre un solo acorde que se repite hipnótica, obsesivamente, a ritmo de Motown multivitaminado y sin estribillo conocido (más allá de unos interludios de gritos y gruñidos). Es entonces cuando empiezas a darte cuenta de que esto no es exactamente hard rock, ni psicodelia. Es rock and roll con ribetes de música vanguardista, pero muy diferente de las exploraciones arty de Reed & Cale, y desde luego nada intelectualizado, abandonando sus brevísimas letras al impresionismo de la mínima expresión: “¿Has visto a esa pava? Tiene su ojo televisivo puesto en mí”.

Pero sobre todo, la energía es diferente, más animal. Es punk antes del punk, un espíritu que en aquel momento llevaba ausente de la música popular blanca desde el rockabilly de los años 50. Como Iggy explica clarísimamente en la excelente ‘Gimme Danger’ (disponible en España en Filmin), trabajar en Chicago como baterista de diversos bluesmen le hizo entender que a diferencia de los blancos, los músicos negros seguían en contacto con su niño interior. Y decidió que su cometido sería tratar de recuperar ese espíritu libre y desinhibido al hacer su música. Es quizá la mejor explicación del impacto de The Stooges, de la energía que desencadenaron en las siguientes generaciones. Ver las imágenes al comienzo del documental de Iggy en directo haciendo precisamente ‘TV Eye’ con su collar rojo de perro y guantes plateados de vedette, retorciéndose en el escenario y saltando al público, es ver el punk antes de que el punk existiera.

La cara A culmina admirablemente con la amenazante ‘Dirt’. Nihilismo (“he sido basura, pero me da igual / Me han hecho daño, pero me da igual”) sobre un riff en este caso de bajo, y una secuencia de acordes descendente, reptante. Es una de las obras maestras del disco, y conforma una trilogía perfecta junto a ‘TV Eye’ y ‘Loose’.

La cara B se limita a tres canciones: ’1970’ cabalga sobre un implacable ritmo a lo Bo Diddley de repetición excitante y mecánica, con la guitarra de Asheton de nuevo en su inconfundible registro de tono grueso (al haber empezado como bajista, siempre ponía cuerdas gordísimas en la guitarra para sentirse más cómodo, y eso dotaba a su estilo de ese timbre tan reconocible). Pero justo al final del tema hay una importante novedad: en esta segunda parte la banda añade improvisaciones vanguardistas gracias al saxofón estilo free jazz de Steven McKay, que ya no abandona el “escenario” junto a Iggy en todo el resto del álbum. Cuando llega la canción ‘Fun House’ el primitivismo rock de los Stooges combina a las mil maravillas con ese punto “avant-garde”, que a Iggy especialmente le interesaba mucho porque en Ann Arbor había una floreciente escena de música experimental.

Durante más de siete minutos Pop gruñe y canta versos estilo blues (“llamando desde la casa de la diversión con mi canción / Hemos estado separados, cariño, demasiado tiempo”), con el saxofón y las guitarras de lanzallamas de Ron Asheton improvisando por detrás. La transición a ‘L.A. Blues’ es casi imperceptible, en una pieza de forma libre, sin ritmo, notación o riffs reconocibles, una pieza que en directo denominaban simplemente “The Freak Out”. Hay quien considera este corte de cierre la primera obra maestra del art-rock, o del noise, y hay quien no la aguanta. También se puede argüir que las composiciones de esta cara son inferiores, o incluso que la incorporación del saxo de jazz no está precisamente entre las innovaciones de ‘Fun House’ que cuajarían en las siguientes décadas. Lo que es incuestionable es que la energía creciente y amenazante de la primera parte del disco explosiona gloriosamente en esta segunda, y es la onda expansiva de esa deflagración la que todavía titila cuarenta años después, cual residuo radioactivo.

Porque es fácilmente defendible afirmar que la influencia de los Stooges en la historia de la música ha sido todavía mayor que la de la Velvet Underground: se podía detectar ya sin dificultad en el partes del glam (los New York Dolls con su irreverencia y guitarras duras), evidentemente en Bowie, pero también en el pre-punk electrónico (ver a los Stooges en directo en NY inspiró a Alan Vega a formar Suicide), en el pub rock anfetamínico de Wilko Johnson, en todo el punk estadounidense (de los Ramones a Blondie o Television), en el británico (las guitarras y actitud de los Sex Pistols) o hasta en el psychobilly (Lux Interior como frontman y vocalista debe tanto al rockabilly de los 50 como a Iggy gruñendo en el micrófono con el torso al aire).

Ya en los 80, su hechizo se seguía percibiendo en el hardcore (Henry Rollins, fan absoluto), el post-punk (Iggy era el vocalista favorito Siouxsie Sioux), en el art pop de Sonic Youth (que hacían covers de los Stooges), en la neosicodelia de Spacemen 3, en las guitarras más pesadas de Johnny Marr (fan confeso de los Stooges), en el rock australiano (de The Birthday Party y sus versiones de ‘Loose’ hasta las guitarras enfermizas de The Scientists), evidentemente en todo el grunge (‘Raw Power’ era el álbum favorito de Kurt Cobain), en el noise pop (J Mascis, fanático también), en la parte más furiosa del riot grrrl (Bikini Kill via Joan Jett), en áreas del Brit Pop (Supergrass y Oasis mencionando a los Stooges como inspiradores de sus riffs de guitarra), o incluso el neo-garage de los White Stripes (la introduccion en el punk rock de Jack White fue a través de ellos).

Y hasta en los últimos años se podría citar una infinidad de artistas influidos por ellos: desde Wayne Coyne diciendo que “los Stooges son parte de mi ADN” a las fans absolutas que son Jehnny Beth de Savages o Karen O de Yeah Yeah Yeahs ( “Dirt” me enseñó que el dolor y el placer se consumen mejor crudos”), hasta llegar a la contundente energía guitarrística y de actitud de los recientes Fontaines D.C.

La portada censurada del nuevo de Lana del Rey

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Lana Del Rey ha compartido el tracklist de su próximo disco, el cual sabíamos que incluiría colaboraciones de Father John Misty, Bleachers, Tommy Genesis, Jon Batiste y Jack Antonoff, entre otros.

‘Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd’ incluirá títulos tan jugosos como el titular, todo un «grower» en su escalada góspel; y otros tan prometedores como ‘The Grants’ (su verdadero apellido), ‘AW’, ‘Paris, Texas’ en honor a la película y -atención- ‘Grandfather Please Stand on The Shoulders of My Father While He’s Deep-Sea Fishing’. Esto es, «Abuelo, por favor apóyate en el hombro de mi padre mientras pesca en aguas profundas».

Esa es la buena noticia porque tales nombres nos dejan con la miel en los labios. También podemos considerar buena noticia esta portada alternativa para el álbum, sacando un pecho fuera al puro estilo Delacroix, que ya ha tenido que ser borrada de Instagram, pero que es totalmente real.

La mala es que el álbum se ha retrasado 15 días, y ya no estará entre nosotros el día 10 de marzo, sino más bien el 24 de marzo. ¿Cosa de la compleja producción de vinilos en nuestros tiempos o de la producción en general? La secuencia, con sus interludios con famosos, bajo estas líneas:

01 The Grants
02 Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd
03 Sweet
04 AW
05 Judah Smith Interlude
06 Candy Necklace
07 Jon Batiste Interlude
08 Kintsugi
09 Fingertips
10 Paris, Texas
11 Grandfather Please Stand on The Shoulders of My Father While He’s Deep-Sea Fishing
12 Let the Light In [ft. Father John Misty]
13 Margaret [ft. Bleachers]
14. Fishtail
15 Peppers [ft. Tommy Genesis]
16 Taco Truck x VB

Miley Cyrus «sobrevive» al desamor en la retro ‘Flowers’

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Miley Cyrus ha estrenado ‘Flowers’, el primer single de su nuevo disco, en una fecha tan señalada como el 13 de enero. Es el cumpleaños de su ex marido, el actor australiano Liam Hemsworth, a quien dedica clara-mente (vale, ya) unas líneas de esta canción.

«Estábamos bien, éramos un sueño, éramos el uno para el otro hasta que dejamos de serlo, construimos una casa y la vimos arder», canta Miley en el inicio de ‘Flowers’. Miley y Liam perdieron su casa de Malibú en los incendios forestales en California de 2018. Sin embargo, la última frase funciona también a modo de metáfora de su relación, que duró 10 años, aunque con intermitencias, pues llegaron a separarse previamente, antes de retomar el vínculo y después casarse y divorciarse.

En ‘Flowers’, Miley celebra su propia felicidad y nos cuenta que no necesita a nadie para ser feliz. «Me puedo comprar flores a mí misma, puedo darme la mano, hablar conmigo misma durante horas», canta Cyrus acompañada de un ritmillo disco-funk de corte retro. Esta frase ha recordado a muchos a una que aparecía en ‘When I Was Your Man’ de Bruno Mars, en la que el artista se arrepentía de no haber prestado atención suficiente a su chica, de no haberle «comprado flores o cogido de la mano».

Sin embargo, el subtexto musical de ‘Flowers’ se encuentra en una canción mucho más antigua, ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor, a la que recuerda por melodía y acordes. Ya hay quien ha publicado una acertada comparativa de ambas canciones en Twitter.

El disco de Miley, ‘Endless Summer Vacation’, sale el 10 de marzo. Es una «carta de amor a Los Ángeles» y parece que será veraniego, tanto como el videoclip de ‘Flowers’, en el que vemos a Miley pasear por la naturaleza, hacer ejercicio o bañarse en la piscina.

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Marisa Abela interpretará a Amy Winehouse en su biopic

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Marisa Abela, conocida por su trabajo en la serie de HBO ‘Industry’, es la elegida para interpretar a Amy Winehouse en el biopic dirigido por Sam Taylor-Johnson, ‘Back To Black’, según informa Deadline. Además, ya está disponible la primera imagen oficial de Abela como Amy Winehouse.

‘Back To Black’ ha sido escrita por el guionista Matt Greenhalgh, quien ya había trabajado con Taylor-Johnson para ‘Nowhere Boy’, basada en la vida adolescente de John Lennon. Además, Greenhalgh también escribió el maravilloso biopic de 2007, ‘Control’, sobre el difunto líder de Joy Division, Ian Curtis, y dirigido por Anton Corbijn.

Taylor-Johnson tenía una amistad cercana con la cantante británica, y se dice que la directora toma este proyecto con mucha pasión: «La vi actuar por primera vez en un concurso de talentos en Soho y fue obvio inmediatamente que lo suyo no era simplemente «talento», era genialidad. Como cineasta, no puedes pedir más».

‘Back To Black’, nombrada tras su aclamado disco de 2006, tiene el apoyo completo del padre de Winehouse, Mitch Winehouse, y contará el rápido ascenso y la trágica caída de la artista, que murió en 2011 a los 27 años tras una intoxicación de alcohol.

Clara-mente Shakira ha batido récords humillando a Piqué: ¿estamos ya ante el fenómeno pop del año?

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«Por favor, ¿podría declarar el gobierno hoy como día festivo para poder seguir hablando de lo de Shakira tranquilamente, sin que el trabajo nos interrumpa?». Esta fue ayer la petición de Jordi Évole, abrumado como todos por el récord de salseo batido este jueves 12 de enero por la colabo entre Shakira y Bizarrap. No recuerdo en toda mi vida a tanta gente que jamás habla de música enviando memes sobre un estreno. Twingos en oferta tras la puya lanzada por la cantante, a su vez acusada de clasista; Casio pillando cacho de su propio beef; más marcas como Renault sumándose, memes anticipando próximas Sesiones de Bizarrap con Aitana y la Reina Sofía…

Y así se ha dado este resultado glorioso. Con 3,9 millones de streamings en Spotify España en un solo día, la «Session 53» supera por mucho el récord de escuchas en 24 horas de nuestro país, que habían ido marcando ‘Tú me dejaste de querer’, ‘Despechá’, ‘Todo de ti’ y las sesiones de Bizarrap con Quevedo y Duki. Además, con 14 millones a nivel mundial se sitúa en el número 1 a nivel global, suponiendo otro récord para una canción latina.

Desde que diera un pelotazo a finales de los 90, Shakira ha sabido mantenerse en la cresta de la ola internacional como muy pocos artistas de aquella década, latinos o no. A veces le ha costado mucho entrar en el mercado anglosajón o directamente no lo ha conseguido, pero sus números han sido tan vastos en los países latinos que ‘Waka Waka’ (2010), ‘La Bicicleta’ (2016), ‘Chantaje’ (2016) y ‘Te felicito’ (2022) constan entre los mayores éxitos de su larguísima discografía. Así que llegaba en una posición privilegiada a este lanzamiento primordial, producido además por el Rey Midas del pop actual, el argentino Bizarrap, conocido por no titular sus canciones colaborativas, a las que da simplemente un número, como en la churrería. A Shakira le ha tocado el 53, un número random -primo, eso sí- que escondía tremenda bomba.

Hay cierta confusión en el mercado sobre si ‘Te felicito‘ y ‘Monotonía’ fueron escritas en 2022 sobre la ruptura entre Shakira y Piqué. Cuentan sus seguidores que como letras son previas a su divorcio, pero como mínimo se percibe en ellas el arte de lo premonitorio, como ha sucedido tantas veces en la historia del pop, de ‘Back to Black’ a ‘Yankee Hotel Foxtrot’. Pocas dudas deja, en cambio, esta letra entre la vergüenza ajena, la incomodidad total, el eye rolling y la fascinación absoluta. Oyéndola te apetece ir escondiéndote debajo de una manta, pero al final vuelves a sacar la cabeza y las manos para volver a pulsar el «play».

Hace poco se viralizaron unas imágenes de Shakira haciendo una peineta a Piqué muy disimuladamente en un partido de sus hijos. La Session 53 es una peineta ya en toda la puta cara. «Me dejaste de vecina a la suegra, con la prensa en la puerta y la deuda en Hacienda», dice la artista, después de haber mentido: «yo solo hago música, perdón que te sal-pique». Y también hay dardo para «la otra», Clara Chía, cuya existencia Shakira descubrió cuando se dio cuenta de que «alguien estaba consumiendo los alimentos de la heladera que a Piqué no le gustaban», según la prensa rosa. Jalea real, para ser más exactos.

«Tiene nombre de persona buena», dice Shakira en principio sobre ella, pero matiza, casi como entre emojis desternillantes: «Clara-mente, no es como suena». «A ti te quedé grande y por eso estás con una igualita que tú, uh-uh-uh-uh», les dice a los dos de manera humillante, entre referencias a su hit de 2009 ‘Loba’, aquel que tanta gracia hizo a Hot Chip, y que también era un poquito post-ruptura («No pienso quedarme a tu lado mirando la tele y oyendo disculpas»).

La red no ha tardado en tratar de descifrar las múltiples referencias ocultas y huevos de Pascua en el nuevo texto. La referencia al número 22 es por la fecha de nacimiento de Shakira y Piqué: de manera absurda ambos nacieron un 2 de febrero («el 2 del 2»), solo que separados por 10 años. Y además 22 años es la edad de Clara también. En lo que ya parece prehistoria, Piqué solía dedicarle los goles a Shakira haciendo este símbolo. También hay quien ve en la frase «mucho gimnasio pero trabaja un poquito el cerebro también» una referencia al día que Clara se dejó ver de refilón en un directo online de Piqué. Corría el año 2021.

Así, a pesar de alguna frase representante del tan traído y llevado empoderamiento, como «las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan», la letra de Shakira ha sido acusada de tóxica. Leticia Dolera ha apoyado un tuit en el que se cuestiona la mención a Clara Chía. En pleno debate sobre la sororidad, sobre las buenas formas, sobre la salud mental, sobre la necesidad de huir de lo nocivo, todo este récord de mal rollo y toxicidad al cuadrado parece paradójicamente la principal clave de su éxito, pues la canción es todo un vómito después de una ingesta de represión y despecho. Va tan a contracorriente como aquella Lady Gaga que rescató el AOR más rancio, y precisamente por eso se hizo un hueco: porque nadie más lo estaba haciendo.

Menos enjundia tiene la producción de Bizarrap, algo apagadilla esta vez, infinitamente menos potente que en las Sesiones con Quevedo o Villano Antillano, si bien con un punto oscuro casi trance que parece influido por el synth-pop gélido que a menudo se ha gestado o triunfado en el norte Europa (The Knife, Hurts, Depeche Mode)… Quizá porque gélidos nos dejan los trapos sucios del corazón. Aunque aquí nadie habló de calidad musical, por supuesto, como el día en que Tanxugueiras perdieron en el Benidorm Fest. Lo que nos mola es la víscera, y este tema se arranca unas cuantas.

Es difícil recordar un día en el que una canción paralizara por completo nuestro país hasta sumar 4 millones de streamings. ¿Cómo se podría superar esto? ¿Con una nueva colaboración entre Rosalía y C. Tangana? Nah… no atraería a un público tan generalista como el de Piqué, un deportista de élite al fin y al cabo, modelo de grandes marcas, chistoso puntual en tertulias de Social Media y Twitch, amado y odiado a partes iguales. Agradezco a mis compañeros Pablo Tocino y Mireia Pería que se animaran a valorar todo esto de manera tan temprana. Yo ayer no me atreví: estoy acostumbrado a odiar las canciones de Shakira el día de salida por lo que tienen de «cheesy», y luego siempre empiezo a disfrutarlas a partir de las 24 horas. Así que me curé en salud. Los más esnobs no supimos reaccionar al que las cifras amparan ya clara-mente como el fenómeno pop del año. Y ya está, ciao.


30s40s50s: «Nos alegra que artistas jóvenes vuelvan a buscar un sonido guitarrero»

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30s40s50s es un supergrupo formado por 3 integrantes que entre todos suman varios millones de oyentes en las plataformas de streaming. Es solo que de momento prefieren no decir quiénes son. JENESAISPOP les entrevista en exclusiva tras haber escuchado su nuevo disco por venir.

El trío responde nuestras preguntas vía mail en plan comuna, hablando sobre la influencia de la música de los 90, sus referentes o el porqué de su estrategia. De momento solo puede escucharse una pista de 56 segundos llamada ‘?’ en las plataformas de streaming, pero pronto habrá mucho más. El miércoles 1 de febrero se subirán al escenario de Moby Dick en Madrid revelando quiénes son y ese mismo día podrá escucharse su primer EP. También ha confiado en ellos SanSan Festival, por lo que actuarán en Benicàssim en Semana Santa acompañados de Phoenix, Love of Lesbian, Zahara, Guitarricadelafuente, Viva Suecia, largo etcétera.

¿Por qué habéis escogido no revelar vuestra identidad?
Los tres llevamos varios años dedicándonos a la música, incluso hemos colaborado juntos en ocasiones, pero queríamos hacer algo distinto. El proyecto nació con la idea de hacer música en paralelo a nuestras carreras individuales, por crear sin la presión de algo que ya se conoce. No sabíamos que un año después querríamos publicar esas canciones y nos pareció divertido añadir cierto secretismo al lanzamiento. Además, 50s es muy feo, sería una estrategia malísima de marketing enseñar su cara.

¿Sois conscientes de que otros artistas han decidido lanzar su música sin decir quiénes son, cómo iamamiwhoami o _juno? ¿Alguna otra referencia?
En algún momento también le dimos vueltas a la idea de aparecer en los videoclips y los escenarios con las caras cubiertas a lo Daft Punk, pero finalmente decidimos que será en nuestro primer concierto el día 1 de febrero cuando se desvele quiénes somos para los que estén allí en la Moby Dick, y con la salida de nuestro primer EP más tarde esa misma noche.

Cada uno de los miembros recibe el misterioso nombre de 30s, 40s y 50s. ¿Representa una edad, una era favorita o qué representa ese número para cada uno?
Nos encantaría decir que es una clave secreta o que nos inspiramos en algún teorema matemático, pero en realidad es una chorrada. La primera vez que nos juntamos a cenar para hablar del proyecto nos dimos cuenta de que cada uno había entrado en una década, así que nuestras edades son las que dan nombre al grupo.

Una de las influencias más claras del proyecto es la música de los 90, ¿a qué se debe? ¿Es algo generacional, moda, lo que os apetecía sin motivo?
Todos venimos de hacer pop, pero no es esa la música con la que hemos crecido o disfrutamos más escuchar. Nos hemos dado cuenta de que nos costaba encontrar música nueva que nos moviera como nos movía la música de aquellos años. Además es la música que tenemos en común las tres generaciones; 30s nació con ella, 40s creció con ella y 50s… bueno, también creció con ella, pero más.

En cambio el single es más 80’s, ‘Nononono’ personalmente me ha llevado más bien a Olé Olé y cosas así. No sé qué opináis de esta referencia… Hay algo como hedonista en el grupo que me lleva más a los 80’s que al nihilismo del grunge o Radiohead, por decir un par de cosas que tanto vosotros como yo asociamos a los 90.
La verdad es que nunca nos hemos puesto a componer pensando en corrientes filosóficas. Creemos que los 90 engloban desde el 1990 hasta el 2000, donde convivían grupos de lo más artificiales con otros de lo más profundos. La época de los 80 en el pop español fue tan potente que aún sigue vigente su legado y su estética. Sí que es verdad que la mayoría de influencias de nuestra banda son noventas, pero un poquito de 80’s también tenemos… ¡así que aquí se nos ha visto un poquito de dónde venimos los más mayores de la banda! La comparación con Olé Olé nos ha dejado confundidos, ya que uno de nosotros no quiere escuchar hablar de ellos, otro les escuchaba en la radio y otro no había nacido (sin dar nombres…) Aun así, nos inspira más la época con Vicky Larraz.

Habéis citado a Garbage como influencia y sí que he pensado en ellos sobre todo a la mitad del disco, con ‘PQSNC’ o ‘Tan Agrio’. ¿Qué os parece tan singular de la banda de Shirley Manson? ¿Cuál es vuestro disco favorito suyo y qué opináis de sus últimos trabajos?
Evidentemente, nuestros favos son ‘Garbage’ y ‘Version 2.0’, los dos primeros. Es una banda en la que se enlazan generaciones y sus papeles en el mundo de la música eran de lo más variados, igual que en la nuestra. Sus últimos trabajos los hemos escuchado, pero con menos interés.

Parece que ahora Garbage tienen más reconocimiento crítico que en su momento, pero menos éxito comercial. ¿Qué creéis que pasará con vosotros? ¿Es importante para vosotros el reconocimiento crítico o de la prensa? Al fin y al cabo, necesitáis a la prensa para presentar un proyecto secreto… justo ahora que tanto se habla de que la prensa no vale para nada con las redes sociales.
Como decía 30s en la primera respuesta, nuestra idea era juntarnos a crear y no sabíamos que acabaríamos lanzando nada, así que es bonito sentirse virgen ante esta pregunta y dejarla un poco en el aire. Así como hemos buscado caminos alternativos a nuestras carreras para crear, es bueno y saludable también ponernos un poco de perfil ante posibles críticas, ya sean buenas o malas. Simplemente nos gusta lo que hemos creado, nos hemos enamorado del proyecto y desde ahí solo queremos tocar y divertirnos. Con respecto al papel de la prensa, independientemente de que les encantemos o nos den cera, yo creo que tienen un papel fundamental en nuestra cultura, por suerte siguen existiendo referentes que nos descubren nuevas obras de todo tipo. Nosotros somos libres de crear y los demás de opinar. 40s en concreto es un enamorado de la radio y la escucha varias horas al día, otros leen revistas digitales, otros artículos de opinión. Así que no estamos de acuerdo con eso que se habla de que la prensa no vale para nada, ¡a nosotros sí nos vale!

¿Paramore, Fall Out Boy, My Chemical Romance… ¿Han sido bandas importantes para vosotros desde siempre, más bien últimamente o nunca?
Es la música que representa la adolescencia de 30s, junto a Avril Lavigne, Good Charlotte, Blink o Papa Roach… Así que siempre. Para 40s no han sido los referentes porque su base siempre ha sido el grunge, pero las disfruta mucho. Para 50s nunca; cuando las escuchó ya estaba más que referenciado.

«Pignoise o El Canto del Loco marcaron de alguna manera la idea sonora de esa época, pero lamentablemente se fue imponiendo el reggaeton y el pop fue perdiendo esas guitarras»

¿Qué opináis de la reivindicación del sonido Pignoise a través de ciertos hits de Aitana y compañía?
¡En nuestra juventud, nos marcaron las guitarras, sin duda! Hubo un boom guitarrero en los 2000 que recuperaba la utopía de tener un grupo y pasar del local de ensayo al concierto con miles de personas cantando las canciones que tocabas con tus colegas. Grupos como Pignoise o El Canto del Loco marcaron de alguna manera la idea sonora de esa época, pero lamentablemente se fue imponiendo el reggaeton y el pop fue perdiendo esas guitarras… los grupos cada vez eran menos y al final ese sonido salió de la escena mainstream y se quedó solo en la parte más alternativa. A 30s y 40s nos alegra que artistas jóvenes vuelvan a buscar un sonido guitarrero, ¡ojalá vuelva cada vez más! Y bueno, 50s prefiere no pronunciarse, dice que «peace and love».

También hay influencias más metaleras en el disco e incluso un tema más bien country. ¿Hay alguna delimitación artística en 30s40s50s o cualquier cosa puede pasar?
Como bien dices, cualquier cosa puede pasar porque nos emociona la música de Motörhead igual que la de Dolly Parton. La base de este grupo es pasarlo bien y no limitarnos con frases como “esto no suena a 30s40s50s”. Queremos poder crear según nos pida el cuerpo. Si no, pierde el sentido todo el proyecto. Todos las canciones las hemos compuesto, grabado y producido en sesiones de 6 horas, así que es todo bastante visceral; contamos en los temas lo que sentimos en ese momento exacto. Por ejemplo, la más metalera la compusimos (y grabamos y producimos) el día que estalló la guerra en Ucrania.

Hay un punto adolescente en vuestra música. ¿Quién creéis que va a ser vuestro público objetivo?
Pues no tenemos ni idea ni queremos tenerla, nunca hemos compuesto pensando en quién nos va a escuchar, pero nos encantaría que nuestro público estuviese formado por los 20s y los 60s para terminar de completar el círculo.

Taylor Swift estrena ‘Anti-Hero’ en directo en un show de The 1975

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Anoche, Taylor Swift realizó una visita sorpresa durante el show de The 1975 en el O2 de Londres, y no fue solo para saludar. Taylor tocó ‘Anti-Hero’, que lleva ya 7 semanas en la cima del Billboard Hot 100 tras la salida de ‘Midnights’, en directo por primera vez y regaló a los fans de la banda una cover de ‘The City’, sacada del disco homónimo de los británicos.

Swift hizo una dramática entrada en el escenario del show, ambientado como el set de una sitcom familiar estadounidense, con un brillante vestido de lentejuelas y con un mensaje en el que se leía: «Artista invitada… Taylor Swift».

Antes de estrenar ‘Anti-Hero’ con su guitarra, Taylor adelantó la sorpresa: «¿Está bien si canto? Estaba pensando en hacer una que nunca he tocado en directo antes». Tras la primera sorpresa, Taylor llevó a cabo la «Taylor’s Version» de la canción ‘The City’, de The 1975, en modo acústico.

Acto seguido, Swift dejó el escenario y la banda liderada por Matt Healy pasó a tocar la bailonga ‘If You’re Too Shy (Let Me Know)’. Healy no besó a ningún miembro del público esta vez, pero él mismo explicó la razón para ello mientras bromeaba con el público sobre el tema: «No voy a besar a nadie delante de Taylor Swift. ¿Delante de la reina? Tened algo de respeto».

Póster de ‘HOLY FVCK’ de Demi Lovato, prohibido por blasfemia

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Aunque ‘HOLY FVCK’ haya salido en agosto, es ahora cuando el póster promocional del último disco de Demi Lovato ha sido prohibido en Reino Unido por ser «probable que ofenda a los cristianos». Este disco es el octavo de la discografía de Lovato y el sucesor de ‘Dancing With The Devil… The Art Of Starting Over’, lanzado en 2021.

Según la CNN, la organización que regula la publicidad en Reino Unido (ASA) recibió una serie de quejas sobre el póster, que muestra a la cantante tumbada sobre una cruz acolchada y vestida con un atuendo de cuero, al igual que en la portada del disco. En su momento, carteles promocionales con la misma imagen y con la frase «álbum ya disponible» fueron colocados en seis localizaciones de Londres, solo para ser retirados cuatro días después.

Las quejas en cuestión hablaban de que los anuncios causarían una «seria y extendida indignación» y que estaban «colocado de manera irresponsable donde podrían ser vistos por niños». Por otro lado, la organización Humanists UK se han referido a este acto como «censura de facto a la blasfemia» y opinan que «la ofensa religiosa nunca debería ser motivo para prohibir un anuncio». Demi Lovato no ha comentado sobre lo sucedido.

Chico y Chica / Senadora

¿Cómo explicar a un extraterrestre que acaba de llegar a nuestro planeta por qué Chico y Chica molan tanto? ¿Y a un tiktoker? ¿Con una «sped-up version» de ‘Lyberty’? ¿O con un capítulo de su radionovela ‘4 en Alicante’ reproducido a doble velocidad? El dúo formado por Alicia San Juan y José Luis Rebollo publica su primer disco de estudio en 7 años, que en realidad son 11 si nos retrotraemos a su último álbum de pop (más o menos), ‘Los estudiosos‘. ‘Notario’ (2016) fue una rara avis en una discografía ya de por sí totalmente sui generis, centrada en el relato y con alguna autoversión. El nuevo ‘Senadora’, sin suponer en absoluto un retorno al electro que les dio a conocer en 2001, sí retoma cierto gusto por las estructuras pop.

Chico y Chica formaron parte de la escena electroclash de los primeros 2000, de lo que podemos llamar post-Movida. Aún entre las influencias de este nuevo disco están los desaparecidos Carlos Berlanga y Bernardo Bonezzi, y de hecho hay una versión de un tema perdido de 1985 llamado ‘Steak Tartar’ de Los Garrido. Eso sí, siempre conformaron prácticamente un género en sí mismos dado su gusto por el «spoken word», la parodia social y el humor inteligente, por evitar tanto los lugares comunes de la canción pop (el amor, etcétera), como la irreverencia gratuita a que recurrían grupos de su entorno. Es una pena que Rigoberta Bandini no los reconozca como influencia, porque hay mucho en común, sobre todo en cuanto a locución.

‘Senadora’ es un interesante avance en cuanto a producción. A su bola por completo, se regodea en un minimalismo de ligeros toques synth-pop (‘Santa Teresa de Jesús’), house (‘Doble cuerpo’), latinos (‘La actriz más mala que hay’) o de banda sonora (‘Orden mundial’), que en Austrohúngaro definen como «pulido y de trazo fino». Lo seguro es que «no hay igual», que diría Nelly Furtado. Hablando de la cual, permanecen los nombres imposibles y el vocabulario en desuso como marca de la casa.

Las letras de ‘Senadora’, como fue siempre habitual en el dúo, tratan temas como la falsedad, la hipocresía y la competitividad entre hermanas y amigas. Sólo Chico y Chica titularían el single principal de un disco ‘Mosquita muerta‘, considerarían un gran estribillo «no quiero oler a nada, no quiero oler a nada», y cerrarían una canción con una outro como esta: «¡Ay, mosquita de la fruta! ¿Dónde habrás puesto esas patas? ¡No te hagas la efímera! En el medio de la fiesta hay una fresca que lleva tu cara puesta».

«Quiero darme de baja de ti» es el gran gancho de ‘Las zarzas’, otro dardo envenenado: «No tienes vergüenza alguna, educación ninguna, catadura cero. Y aunque estés loca, tienes que saberlo». Cual novela de Santiago Lorenzo o Luis Landero, ‘Santa Teresa de Jesús’ es un retrato de la arrogancia y el autoengaño. Si el disco empieza hablando de ‘Dráculas’, Nouvelle Vague y Cinema Noir, ‘Una que se va’ contiene una cita a Alice Munro muy particular: «seguro que te lo dice Alice Munro y te parece bien, con lo que eres tú».

Inmersos en ese retrato de nuestra sociedad más que en cualquier otra cosa, Chico y Chica han dejado los arreglos más majestuosos del disco para ‘Que opinen las modelos’, en la que dan voz a esta profesión, nadie sabe cuán en broma, cuán en serio:» Que arranque Miss Venezuela, que lea una nota escueta / Queremos saber qué piensan, qué les ronda en la cabeza». En una secuencia inclasificable e incalificable, sí despunta ‘Sí señorita’, un tema que empieza como un funk de Bruno Mars, después se convierte en ‘Rufino’ y finalmente recuerda al modo en que ChyCha exprimieron su química como dúo a las voces en ‘La millonaria’. Sí, ellos hicieron una antes que Rosalía, del mismo modo en que cambiaron nuestro lenguaje antes que ella misma.

Por algo vuelve a cerrar un disco de Chico y Chica un capítulo de ‘4 en Alicante’, su célebre parodia locutada de la industria musical, que incluso recopilaron en un álbum por su carácter de culto entre sus fans. Algunos nos aprendíamos los episodios de 7, 10, 30 minutos de memoria, palabra por palabra, como si fuera el Credo. Este episodio XX, en un ejercicio meta muy propio del grupo, se burla de las nuevas formas de la industria, mixtapes y playlists, viejos contra jóvenes, y gente que «graba tonterías con los móviles» y las sube a Spotify.

Dura 30 minutos, cuando nadie los tiene en estos tiempos de prisas y virales de 15 segundos, pero deja muchísimas perlas y momentos hilarantes, como la aparición de las icónicas Espíritas. Entre «A mí estas mentiras me gusta preparármelas con un poco más de tiempo», «no han dejado ni un cartabón» y «a ti te sacan de la licra y estás perdida» y la tronchante diatriba sobre escobillas del váter y Coca-Cola, sobre gatos y mahonesa, el episodio presenta el tema ‘Senadora’ que titula el álbum, entonado por Benita Cordero, la jequesa de la copla. Es la guinda de un disco cuya portada remite también a la forma de teatro romano y a la idea de Senado. ¿Se ha entendido algo? No sabéis, queridos extraterrestres, lo que os habéis estado perdiendo.

RFTW: Måneskin, De La Soul, Nacho Vegas, hemlocke springs…

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Hoy se puede decir que vuelve la industria musical definitivamente, tras las adormiladas semanas navideñas: son cuantiosas las novedades que os reunimos ya en la playlist «Ready for the Weekend», empezando por el pelotazo de Shakira y Bizarrap y por el nuevo single de Miley Cyrus.

No es que salgan muchos álbumes hoy, pero sí puede escucharse desde ya el nuevo trabajo de Belle and Sebastian -anunciado hace unos días por sorpresa- y también el álbum que Nina Persson de los Cardigans ha creado junto a James Yorkston y la Second Hand Orchestra. Otros artistas que publican disco largo hoy son la revelación Joesef, los rockeros Circa Waves y Margo Price, que colabora con Sharon van Etten en la pista destacada.

Entre las novedades que sobresalen hay que comentar el nuevo sencillo de hemlocke springs, una de las revelaciones de 2023; y también el de Paramore, que siguen en su línea arty. Además, Måneskin entregan ‘GOSSIP’ con Tom Morello de Rage Against the Machine, Nacho Vegas lanza tema interpretado en asturianu, Ava Max sigue fiel a su sonido en ‘One of Us’…

Esta es la semana en que Everything but the Girl han publicado su primer single en 24 años, pero el suyo no ha sido el único regreso estelar que hemos visto en los últimos días: también M83, Daughter, The New Pornographers, U.S. Girls y Avey Tare han anunciado disco lanzando sus respectivos singles de adelanto. Young Fathers, Tennis, shego (de la mano de Natalia Lacunza) y Yo La Tengo tampoco han dejado de avanzar los suyos.

Como de costumbre, comentamos algunas curiosidades: empieza a llegar a las plataformas por fin el catálogo de De La Soul. De momento puede escucharse el single ‘The Magic Number’. Además, la versión deluxe de ‘Madame X‘ de Madonna permite escuchar la versión definitiva de ‘Back that Up to the Beat’, muy distinta a la maqueta; y Róisín Murphy nos deja con cara de emoji de payaso con el lanzamiento de un tema en directo: parecía que se venían novedades reales, peeero no.

Venga, Bea presenta sus canciones sobre «Rayadas» y «Bragas» ajenas

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Venga, Bea es una de las artistas que has podido degustar en los últimos meses en nuestra playlist de pop nacional Sesión de Control. Se trata del proyecto de Beatriz Salvador Martínez, que se daba a conocer durante la pandemia compartiendo versiones de canciones pop tipo La Oreja de Van Gogh (muy especialmente ‘Cuídate’) y finalmente ha subido también composiciones propias.

Destacan especialmente dos: ‘Rayadas’ es una canción sobre la depresión que no obstante se presenta con un ritmo alegre marcada por un ukelele. Te gustará si te gustan Tronco. La letra habla sobre «tener pesadillas y querer morir», «puto odiar Madrid» por el calor, «tomar una pastillita» pero seguir atormentada por las «rayadas»… mientras la melodía, como decimos, sugiere lo contrario.

Y por otro lado también está ‘Tus bragas’, el que parece haberse convertido en su gran himno pop-rock, en su cotidianidad. Su ex se ha dejado en su casa «5 bragas», pero las cosas no han terminado en muy buenos términos. «Me pongo tus bragas cuando tengo la regla, no me da pena mancharlas, ni me da cosa tenerlas. Y hoy la verdad te vengo a decir: es que tus bragas me quedan mejor a mí que a ti» es una de sus frases estelares.

Venga, Bea está trabajando en su primer disco, que se espera para este año, de mano del productor Vanja Polaceki, tras haber grabado sus primeros temas con Martin Spangle, responsable del primer disco de Cariño. Así lo contaba en una entrevista el año pasado. Y su repertorio puede ser más variado de lo que parece, pues se completa de momento con un villancico y sendas baladas muy diferentes, ‘La playa’ y ‘Japón’, por muchas bragas que también haya situado en la portada de todas. La artista toca hoy viernes 13 de enero en el DIME QUE ME QUIERES de Madrid. Entradas, aquí.