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‘Canto por no llorar’ fue un tango antes que una bulería

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Editado en las últimas semanas del año, ‘Flamenco. Mausoleo de celebración, amor y muerte’ de Niño de Elche ha sido uno de los mejores discos de 2022. Todo el mundo ha corrido a escuchar la colaboración con Rosalía quizá por lo que tiene de inesperada, pero el tema por el que entrar al álbum es sin duda ‘Canto por no llorar’. Nuestra Canción del Día hoy, en el que hemos nombrado «Disco de la Semana».

Se trata de uno de sus puntos más luminosos, como ha contado Niño de Elche en las entrevistas promocionales, con esa luz especial que aporta la guitarra de Yerai Cortés. La letra narra la historia de una paloma que cae herida en nuestra ventana; la amamos, la cuidamos, pero cuando recupera sus fuerzas, vuelve a irse volando y nos abandona. Aun así, la tonada es alegre, literalmente Niño de Elche canta alegremente por no llorar, en una simpática melodía de corte tradicional.

Y es que en realidad ‘Canto por no llorar’ es un conocido tango argentino que obtuvo gran fama y popularidad a mediados de los años 20 del siglo pasado en la voz del cantor Francisco Canaro “Charlo”. Podéis comprobar que era un tango clarísimo bajo estas líneas.

Eso sí, Niño de Elche se ha inspirado por completo en la adaptación del cantaor Manuel Vallejo, en concreto en el ritmo de bulerías que tanto desarrolló el cantaor sevillano y que refleja una de las más habituales inquietudes de la época que consistía en aflamencar muchas de las canciones más conocidas. Fue una aproximación bien diferente, como podéis comprobar también en esta grabación de 1934.


¿Por qué ‘Autodefensa’ toca tanto el coño?

“No estamos en el mercado de los traumas a ver quién está más traumatizado y quién tiene más potestad de hablar, o no deberíamos. Yo he hecho una serie y no tengo que justificarme ni pedir permiso. Si luego no te gusta, pues estupendo. Este tema me parece que crea espectadores gilipollas, y con un punto moralista también, ¿no? Voy a ver una película de negros traumatizados y mutilados, y la película es una mierda, pero no puedo decir que lo es, porque, ¿qué va a pensar la gente de mí? No, voy a decir que está fenomenal, y así además me sentiré muy bien volviendo a mi casa después de haber visto este cine social tan importante”.

Así se expresaba Berta Prieto cuando la entrevistamos a ella y a Belén Barenys tras un acto en el que se presentaban varias novedades de producción propia de Filmin (entre ellas, una serie documental sobre Terenci Moix, y la ya conocida ‘Oswald: El Falsificador’, que estos días ha sido nominada al Goya en su “versión cine”). A la hora de reseñar ‘Autodefensa’, creo conveniente empezar con esas palabras de una de sus creadoras porque, dejémoslo claro, ‘Autodefensa’ no va de hacerte sentir bien (risoterapia aparte).

Y tampoco tiene nada que ver con ese cine social comprometido que menciona Berta, ni sus creadoras han dicho que pretendan hacer un retrato generacional… ni muchas otras descripciones que no encajan con ‘Autodefensa’ y que, por tanto, le ha hecho recibir muchas críticas, porque resulta que la serie no refleja tal o cual realidad. No, claro que no. Refleja la de sus protagonistas. Y, para mí, ese es uno de sus aciertos: lo autoconsciente que es.

‘Autodefensa’ puede no gustarte por numerosas y legítimas razones, pero el principal motivo que se está dando va por ahí y, a ver, si has visto el cuarto capítulo, no resulta precisamente el descubrimiento de América decir que las protagonistas están encerradas en su burbuja (¿…esa… es… la… cosa?). Noelia Ramírez escribió en El País sobre la perversión del lenguaje terapéutico tras las llamadas de ese episodio, donde autoestima e individualismo se desdibujan (no falta ni el “aporta o aparta”). Miguel Ángel Blanca, creador junto a ellas de la serie y también director de ‘Magaluf Ghost Town’, defiende en ese mismo artículo que sus compañeras han sido muy valientes, “porque la gente no quiere exponer su mierda, aquí todo el mundo hace sus películas y construye sus personajes para demostrar al mundo lo que ha aprendido de la vida y lo empático que es”.

“Súper importante el feminismo, sí, ¿qué es más importante, el feminismo o el ecologismo?” es la respuesta tan absurda como perfecta al postureo de alguien que necesita demostrar constantemente lo comprometido que está, el personaje de Daniel Rived (maravillosos él y su tocayo Rissech en esos primeros episodios). Y no es el caso de Berta y Belén: con la excepción de ‘Actos Colectivos’, que desplaza el foco a otras personas y a actitudes más serias, ‘Autodefensa’ es todo un desfile de comportamientos de mierda de sus protagonistas, y va dejando semillas de posibles razones detrás. ‘Volver a casa’ (que, si eras fan de ‘Girls’, te recordará a ‘The Panic in Central Park’), y ‘Buscando After’ son quizás los más claros al respecto, pero también lo vemos en ‘Ser un concepto’, ‘Ansiedad’, e incluso en el mini-episodio evangélico y en ese fantástico accidente de coche que es ‘Fantasía’.

Hay episodios menos conseguidos, como ‘Odiar a los hombres’ o el mencionado ‘Ser un concepto’ (inevitablemente lo comparo con ‘Buscando After’, y encuentro mucho mejor resuelto éste), pero todos tienen algo que los hace interesantes y, con su irregularidad, se alejan de la (gris) regularidad de una serie de plataforma random. Redondea todo esto el uso casi constante de jumpcuts y encabalgamientos en el montaje de Víctor Diago, que puede conectarse con la incapacidad de las protas (o, como dice Marta Medina en El Confidencial, de nuestra generación en sí) para concentrarse, y para poder salirse de alguno de los mil círculos viciosos en que están. Una especie de TDAH emocional que nos lleva a los mismos errores una y otra vez. Porque, sí, tenemos más cosas en común con ellas de las que nos gusta admitir, y quizás eso tenga que ver con algunas de esas reacciones tan viscerales.

Hay una escena de ‘A dos metros bajo tierra’ en la que los personajes de Lauren Ambrose y Patricia Clarkson discuten después de que la segunda le haya dicho a la primera que quizás no es una artista: “¿Te dolió cuando te lo dije? Entonces igual no lo eres; si lo fueses, quizás te habrías reído, ¿no? Es como si me dices que mi piel es morada… me reiría, porque sé que no lo es. Pero si te sentiste mal cuando te lo dije, igual es porque hay algo de verdad ahí”. La seguridad y la tranquilidad con la que reflexiona Sarah (Clarkson) lo único que hace es poner más de los nervios a Claire (Ambrose): no solo está haciendo que dude de sí misma y su identidad, sino que además está haciendo que sienta envidia por esa seguridad. Ojalá tenerla, ¿no? Aunque es paradójico; en ese momento, Sarah siente de todo menos seguridad.

Quizás la facultad para tocar las narices (o bueno, tocar el coño, no vamos a hacer una clean version aquí precisamente) que tiene ‘Autodefensa’ es un poco porque conecta con ciertas cosas que son verdad, con ciertas contradicciones, con ciertas incertidumbres y con ciertas dudas. Y porque todo esto lo hace desde una seguridad y una felicidad que da bastante coraje. El truco está en que, como nos va dejando claro la serie, esa seguridad y esa felicidad son un poco mentira. Un poco bastante.

Miley Cyrus anuncia ‘Flowers’ y canta con Sia, Paris Hilton, David Byrne…

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Miley Cyrus no podía haber avisado con menos sutileza de que volvería este 2023. La cantante posteó una cuenta atrás que finalmente, más que a nueva música, parecía llevar a su especial de Año Nuevo de la NBC. Pero al final, ha habido un poco de las dos cosas.

La cantante apareció en el especial de la NBC junto a su madrina Dolly Parton e interpretó varias canciones como ‘Wrecking Ball’. En cuanto a colaboraciones, hizo ‘Let’s Dance’ con David Byrne, ‘Midnight Sky’ con Fletcher, ‘Stars Are Blind’ con Sia y Paris Hilton y ‘I Will Always Love You’ y ‘I Love Rock and Roll’ con Dolly Parton. También han aparecido otros invitados como Swae Lee. Los vídeos oficiales de Youtube están bajo estas líneas.

Pero también ha dado más detalles sobre sus nuevos pasos discográficos. El próximo 13 de enero será el día en que saldrá su nuevo single, que recibe el título de ‘Flowers’. Este es el teaser que ha compartido.






Mallrat / Butterfly Blue

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Tras el éxito de sus primeros Eps, Grace Shaw se fue de Australia a Los Ángeles dispuesta a comerse el mundo, y se comió una mierda. Al menos en ese momento. Porque la pandemia dio al traste con sus planes, y le hizo tener que volver a casa e ir retrasando un debut largo que ha acabado llegando en 2022, tres años después de su último EP.

En este tiempo, el único material propio que ha sacado ha sido la simpática ‘Rockstar’, incluida en este ‘Butterfly Blue’ sin desentonar demasiado. Porque el tema principal del disco, y la razón por la que ha elegido ese título que mezcla las mariposas en el estómago con la tristeza de rupturas o, más común en estas canciones, del amor no correspondido. No es tanto una mezcla de canciones tristes con canciones ñoñas, ni un repaso a una relación con sus altibajos, sino una colección de momentos en que el amado (y deseado, que también hay mucho deseo aquí) está, o bien lejos, o bien sencillamente fuera de tu alcance.

En ese sentido, el mejor ejemplo es ‘Arm’s Lenght’, que intenta describir esa tensión interna previa a un beso o a cualquier movimiento que explicite lo que ya está bastante implícito, o la contradicción de ‘Heart Guitar’: “I’ll leave him wanting more / ‘least that’s what I tell myself those nights that I’m ignored / cause when she’s there, it’s like I’m not / how can you give me butterflies then tie them up in knots?”.

Mallrat, cuyo nombre viene de una canción de The Orwells, ha querido rodearse en la producción de este álbum de nombres tan potentes y coherentes con el sonido del disco como Tommy English (conocido especialmente por su trabajo con BORNS), Tim Anderson (Billie Eilish, Halsey, BANKS), Styalz Fuego (Tinashe) o Jam City (Olivia Rodrigo, Troye Sivan) junto a otros más sorprendentes como SAKIMA, Konstantin Kersting (Tones and I) o Big Taste (Dua Lipa, Justin Bieber), y otros menos conocidos por el gran público pero muy importantes para ella como Alice Ivy o Japanese Wallpaper (que ha trabajado para su admiradísimo Allday). Nada mal para alguien que sacó su primer EP (‘Uninvited’) prácticamente autoproducido en el instituto.

Pero Shaw consigue unificar todo esto, tanto con una constante referencia entre canciones (ejemplo: las palabras “rockstar” y “butterfly”, además de ser el título de dos temas, aparecen en distintos versos de otras) como por la temática y un pegamento en el sonido, que, salvo excepciones como las pinceladas de psicodelia de ‘To You’ o las guitarras de ‘Teeth’ y ‘Rockstar’, apuesta por una mezcla entre las atmósferas de Mazzy Star o Imogen Heap (es fan declarada de ‘Hide and Seek’, que conoció por ‘O.C.’), los primeros Troye Sivan y Billie Eilish (la fantástica ‘Your Love’, que incluye sample de Gangsta Pat) y unas interpretaciones vocales que van de Lily Allen a SZA o, incluso, Lorde.

Sin duda la mayor excepción es la invitada de ‘Surprise Me’. No es de extrañar que haya tenido a bien titular así una canción en la que el featuring es nada más y nada menos que con Azealia Banks. Ciertamente es una sorpresa que en esta colaboración no haya habido pollos (de momento, que con Miss Camaraderie nunca se sabe), aunque la canción no es mucha “sorpresa” más allá de esta mezcla de estilos. La parte de Banks no decepciona, entre “mi coño está más apretado que la cara de Nicole Kidman” y menciones a hacerse una paja “como Louis C.K.”, pero la parte de Mallrat es de lo más flojito del álbum.

Un poco simple es también el estribillo de ‘Butterfly Blue’, aunque tiene sentido en su intento de hacer una nana que a la vez hable de desengaños amorosos (“I talk with the birds and they tell me the truth / they sing me to sleep, but I dream about you”). Pero son excepciones en un disco por lo general de un gran nivel desde que empieza con la magia de ‘Wish on an Eyelash’ – eso de ‘I think angels surround ya” es precioso; la versión-secuela que ha hecho con The Chainsmokers, no tanto.

‘Teeth’, cuyo riff recuerda a ‘Que me quedes tú’ de Shakira aunque suponemos que su influencia ha sido más Sky Ferreira, es otro de los grandes momentos de este ‘Butterfly Blue’, y es tremendamente eficaz a la hora de representar una pulsión que lucha por escaparse. Producción, letra y melodía se unen también en ‘Obsessed’, que puede mezclar simbolismos (“Am I the only one who’s seen the scars you try to keep / hidden in your clothes, I miss your face the most”) con algo tan directo como “I think I’ll be thinkin’ about you when I’m really old”. En definitiva, Mallrat entrega un disco debut más que notable, por el que merece la pena haber esperado, y para cuya continuación esperamos-no-tener-que-esperar tanto.

La versión hyperpop de ‘Puedes contar conmigo’ que no puede faltar en tu Nochevieja

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‘Puedes contar conmigo’ es la gran obra maestra de Amaia Montero. La escribió completamente sola a diferencia de otros hits de La Oreja de Van Gogh, de autoría más repartida. Y el cambio en la melodía vocal a lo largo de todo el estribillo era total lócur. ¿Cuántas notas diferentes cabían en una sola frase? Por eso está funcionando tan bien una producción para la canción que sea una locura también.

María Escarmiento, tan variada en sus gustos musicales, ha tenido el aciertazo de grabar en clave hyperpop este hit de LODVG. Funciona por completo porque hay una serie de treintañeros -muchos de ellos con bastante seguidor en Twitter- que lleva años reivindicando el legado de La Oreja de Van Gogh como uno de los más sobresalientes melódicamente al margen de los palos que siempre les dio la crítica musical.

Y también porque el tema se presenta con unos códigos estéticos apetecibles para nuevos valores. Esta versión hyperpop de ‘Puedes contar conmigo’ te gustará si te gusta Rakky Ripper.

Este ‘Puedes contar conmigo’ fue interpretado en algunos directos de María Escarmiento y, vista la reacción del público, ha tenido que lanzarse de manera oficial este otoño. Después ha sido pinchado en varios festivales y clubs, de Primavera Weekender al Ciriaco en Madrid, y también ha circulado en TikTok. Con 2,5 millones de reproducciones es ya el tema más oído de la cantante y será incluido en su próximo disco, que se editará a principios de 2023.

Exactamente ‘Puedes contar conmigo’ es el tercer single de ‘Cosas de Brujas’ tras ‘Cristales’ y ‘QUIERO VERLO TODO AZUL’. Posteriormente se ha lanzado el bolero ‘Me mirabas’ y se anuncian «más sorpresas» para ese nuevo álbum. De momento, es claro que la canción va a continuar siendo de lo más pinchado.

Zahara revisita todos sus «nombres» en las más de 2 horas de ‘Gracias, Puta’

José Señorán

El fin de gira de ‘PUTA‘ en Madrid coincide con una dramática escalada de la violencia de género este mes de diciembre: 13 asesinadas en 28 días solo en España. La noticia abre hoy El País, El Mundo y El Diario, entre otras cabeceras. El disco de Zahara que denuncia de manera descarnada la violencia machista, los abusos reiterados, físicos y psicológicos, se despedía anoche de los escenarios a falta tan solo ya alguna presentación en festivales el año que viene en formato «rave».

Podemos ser pesimistas y pensar que su reflexión no ha servido para nada. Que el mundo sigue igual o peor. También podemos quedarnos con lo bueno y recordar lo que sí hemos avanzado. Hace unos años no hubiéramos imaginado a una sala abarrotada coreando el nombre de la psicóloga de un artista, en una normalización creo que divertida y necesaria sobre la salud mental. Zahara dedicó a su terapeuta ‘Negronis y martinis’, especificando que se llama «Paula», y el público tuvo a bien ponerse a vitorear su nombre. Hasta el último día de todo esto, la cantante nos enseñó cosas, recordando que si una mujer baila en una tarima o en un escenario no tiene por qué ser para que la mire ningún tío.

«Tengo tantos nombres escritos dentro / que he olvidado cómo son todos sus cuerpos» es una de mis frases favoritas de este disco, y ciertamente ese momento acústico a la guitarra tanto de ‘Negronis y martinis’ como de la durísima ‘SANSA’ (¿volveremos a oírla en vivo o será la nueva ‘Con las ganas‘?) son lo mejor del show. La gracia de Zahara es lo que ha evolucionado hacia territorios muy diferentes, pero cada vez quedan menos artistas que puedan callar a 2.000 personas con solo su voz y una guitarra acústica.

Ella gusta de ir a territorios distintos, eso sí, introduciendo el show como «esquizofrénico». «Si os aburrís, no os preocupéis, porque a los 20 minutos, es otro rollo completamente diferente», bromeó. Sin dividir el set en bloques tan estrictos como los de esas divas del pop a las que rindió homenaje al final -salvo la parte «rave» que sí está muy diferenciada-, el show comenzó en plan rockero, entregándose en diferentes momentos a la experimentación menos amable, e incorporando de vez en cuando hits.

José Señorán
El concierto comenzó con una versión de ‘Flotante’ con banda, que incorpora fragmentos de ‘Summertime Sadness’ de Lana del Rey. Esa primera parte rockera fue estridente y poco clara, merced al sonido que ofrece el desconocido Teatro Príncipe Pío, un lugar sin barras ni baños a mano que, de no ser por las puertas de emergencia laterales que solo se abren al final, admitiría el calificativo de «ratonera». El asunto mejoró sensiblemente en la tercera canción, con una interpretación eléctrica sublime, de menos a más, de ‘El diluvio universal’, con Zahara gritando a pleno pulmón. Pelos como escarpias. Mucho menos audible fue la colaboración con Shego en ‘MERICHANE’. Lo mejor, el abrazo que se dieron al terminar en plan sororidad, que repetirían más adelante.

El concierto se extiende hasta los 135 minutos, ya cerca de los territorios de The Cure y Bruce Springsteen, curiosamente dejando fuera muchos de los mayores éxitos de Zahara. Aparte de ‘Con las ganas’, no suenan ‘El frío’, ni ‘Tú me llevas’, ni ‘Caída libre’, cuyo carácter festivo no encajaría tanto en un repertorio lúgubre. Es decir, los imperativos artísticos -la coherencia, la cohesividad- priman sobre el «greatest hits» que podría ser la gira. ‘Canción de muerte y salvación’ y ‘La hostia de Dios’ representan mejor el show, sin ser tan famosas, recreándose en la oscuridad por la nueva deriva electrónica de Perarnau IV. ‘El deshielo’, ‘Guerra y paz’ y ‘Médula’ están entre las canciones que sirven para aligerar.

En la última parte, la “RAVE”, la banda de rock deja paso a la coreografía con bailarinas extras, también Shego, y tras un popurrí de ‘Music’ de Madonna y ‘Gimme More’ de Britney, atendemos al remix de ‘TAYLOR’ con la propia Taylor incorporada al final, y versiones “techno” de cosas como ‘Crash’ o ‘Camino a L.A.’.

Como siempre, el trío de ases ‘MERICHANE’, ‘Hoy la bestia cena en casa’ y ‘berlin U5’ cierra el concierto. Más o menos, porque después Zahara se queda para bailar ‘Good Ones’, la canción de Charli XCX cuyo estribillo dice «siempre dejo a los buenos marchar». Más relaciones tóxicas. Por suerte, esto es un pepinaco electropop y hace con ello un momento lúdico en el que la gente continúa muy arriba, incluso con las luces dadas. Hemos atendido a la presentación íntegra de las 11 canciones de un disco sobre el #MeToo y parece que acabamos de salir de un concierto de los Chemical Brothers. Interpretémoslo como nuestra pequeña victoria en este mundo de mierda.

José Señorán

Kate NV, entre el j-pop, el videojuego y la sinestesia, en ‘oni (they)’

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Kate NV, la cantante rusa de art-pop autora de ‘Room for the Moon‘, es una de las artistas que sacan disco a principios de 2023. ‘WOW‘ sale el 3 de marzo y promete ser tan colorido como su portada y como el sonido de sus tres singles publicados hasta ahora.

Entre ellos encontramos ‘oni (they)’, una fantasía pop donde las haya, en la que parecen cruzarse influencias como el pop japonés más naíf, la electrónica de videojuegos y la pura sinestesia. Una cascada de melodías de chuche, ritmos de marimba y formas geométricas que no renuncia a cierta pátina funky: ese bajo no puede sonar más a sitcom de los 90.

La explosión sonora de ‘oni (they)’ une a Ekaterina Shilonosova con Takahide Higuchi, productor japonés de footwork que responde al nombre artístico de Foodman (en japonés 食品まつり o «festival de comida»). Curiosamente, Higuchi empezó a producir música gracias a un videojuego, y a banda sonora de consola suena también el single ‘early bird’, mientras ‘d d don’t’ remite más bien al pop vintage del disco anterior.

Cualquiera que conozca la carrera de Kate NV sabe que a la rusa le fascina el pop japonés y la letra de ‘oni (they)’ está escrita en el idioma nipón. Tan naíf es el texto que este nos habla simplemente de un puñado de frutas y verduras tiradas en la carretera: «tiradas por ahí, para que alguien las encuentre, un puñado de frutas y verduras están tiradas en la carretera», canta.

La influencia japonesa va más allá de lo descrito, pues el videoclip de ‘oni (they)’ es un homenaje explícito al videojuego ‘Katamari‘. En él vemos a una versión digital de Kate NV crear una bola gigante a través de objetos random que se cruzan en su camino. Una locura a la altura de la canción.


RFTW: Cuco, Ozuna, la demo de Madonna…

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Los últimos días del año suelen ser realmente escasos en cuanto a lanzamientos discográficos. Algunos artistas que se han atrevido a sacar disco estos días son Sugababes (aunque lo grabaron hace casi 10 años, se trata de su disco perdido) y el rapero ILOVEMAKONNEN. En cuanto a singles, llega por fin a las plataformas la demo de ‘Back that Up to the Beat‘ de Madonna, unos cuantos siglos después de viralizarse en TikTok, mientras Cuco celebra el «primer día del año», Ovy on the Drums se alía con Ozuna en ‘CHAO BEBE’ y Mariah the Scientist celebra la «Navidad en Toronto». También hay nueva música de The Afhan Whigs, Sean Nicholas Savage, Mora o Vermú. ¡Feliz 2023!

Los Mejores Discos de 2022

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motomami

Las votaciones de la redacción de JENESAISPOP han decidido el Disco del Año por más de 150 puntos de diferencia (492 frente a 340). Normalmente, al margen del resultado final en el Excel correspondiente, hay un debate o una reflexión al respecto. Esta vez no ha merecido la pena, pues los méritos estaban claros.

Rosalía ha publicado un disco que ha llevado a una parte del público del odio (la primera reacción online a ‘HENTAÏ’ o a títulos como ‘Bizcochito’) al amor en tiempo récord. ‘MOTOMAMI’ es un álbum rupturista y avanzado, quizá mejor que ‘El Mal Querer’, que terminaremos de entender y descubrir con el paso del tiempo en sus volantazos de producción o en su reflexión sobre los sinsabores de la fama y lo efímero del pop (‘SAKURA’).

A falta de comprobar qué nos deparan sus partes II y III, de momento el «acto I» de ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé es en muchos de sus momentos un homenaje más conservador, aunque increíblemente sofisticado, a la música del pasado. En su caso, la negritud del house, el funk, el disco o la cultura ball. Este disco certifica un gran año para el pop sumando los valores de Charli XCX, The Weeknd, Tove Lo o Stromae.

A su vez, muy distanciado de ambos proyectos (288 puntos) encontramos el 8º álbum de Beach House. El dúo de dream pop de Victoria Legrand y Alex Scally no decepciona con uno de sus discos más generosos, dividido en 4 EP’s. También mantiene el pulso alternativo internacional gente como Big Thief, Angel Olsen, Fontaines DC o Black Country, New Road. Y en España Carolina Durante, Cupido, Los Punsetes… elevando aún más el buen ojo del sello Sonido Muchacho.

En la más estricta de las independencias, desde el sello Rigoberta Bandini, ‘La emperatriz’ logra colocarse en el top 10. Diferentes aproximaciones al folclore de nuestro país inspiran también buenas posiciones de Rocío Márquez con Bronquio, Adiós Amores o Anni B Sweet con Los Estanques dentro del top 50. En el top 75 disponible en nuestro Anuario en papel podréis encontrar también los álbumes de Niño de Elche y Vicente Navarro, este último especialmente perjudicado por su fecha de edición (25 de noviembre).

Anuario en el que también encontraréis un artículo de Elena Cabrera llamado «¿Por qué quiero saber todo de Win Butler?» sobre la mal llamada «cultura de la cancelación«, otro titulado «¿Es el fin del indie tal y como lo conocimos?» por Mireia Pería, y otro sobre grandes estrellas que hemos perdido, escrito por Jaime Cristóbal, entre otras cosas. No dejéis de comprarlo. Como ¿bromeábamos? hace poco en un LIVE de Instagram, cuando dentro de unos años no quede ni rastro del periodismo musical, va a ser un recuerdo precioso de lo que fue 2022.

50
Natalia Lacunza

49
Nilüfer Yanya

48
Depresión sonora

47
Joe Crepúsculo

46
Destroyer

45
Anni B Sweet, Los Estanques

44
Adé

43
Lucrecia Dalt

42
Mitski

41
Cass McCombs

40
Laura Veirs

39
Arcade Fire

38
Natalia Lafourcade

37
Hot Chip

36

35
Sudan Archives

33
Arctic Monkeys

32
Silvana Estrada

31
Los Punsetes

30
Adiós Amores

29
Harry Styles

28
Rachika Nayar

27
Carolina Durante

26

25
Black Country, New Road

24
Tove Lo

23
Shygirl

22
The Weeknd

21

20
Stromae

19
Nina Nastasia

18
Orville Peck

17
Florence + the Machine

16
Rojuu

15
Alvvays

14
Fontaines DC

13
Angel Olsen

11
Björk

10
Bad Bunny

9
Rocío Márquez, Bronquio

8

7
Rigoberta Bandini

5
Charli XCX

4
Kae Tempest

3
Beach House

2

1
Rosalía

Fallece Vivienne Westwood, diseñadora del punk

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Vivienne Westwood, icono de la moda durante la era punk de los años 70, ha fallecido a los 81 años, ha confirmado su equipo. La diseñadora se ha ido hoy 29 de diciembre «en paz y rodeada de su familia» en Clapham, en el sur de Londres.

«Vivienne siguió haciendo las cosas que amaba hasta el último momento, diseñando, trabajando en su arte y escribiendo su libro, y cambiando el mundo para mejor», explica el comunicado. «Tuvo una vida increíble. Su innovación e impacto durante los últimos 60 años ha sido inmenso y continuará en el futuro». El texto resalta que Vivienne era taoísta.

Westwood fue una de las artífices de la moda punk durante los 70 en Reino Unido. Junto a Malcolm McLaren creó el estilo de los Sex Pistols y básicamente el de toda una generación de jóvenes británicos que se rebelaban contra la monarquía y el capitalismo. Con McLaren abrió la tienda ‘SEX’, lugar de encuentro entre punks de la época, y después fundó su propia marca, influyendo en la moda «New Romantic» de los 80.

La influencia de Westwood en la moda ha sido enorme. Citada recientemente por Rosalía en ‘SAOKO’, una de las mejores canciones de 2022, Vivienne diseñó el famoso gorro de Pharrell Williams, vistió a Dita von Teese, a Madonna en el vídeo de ‘Fever’, a Adele en el vídeo de ‘Oh My God’, a Billie Eilish en ‘Vogue’, e incluso al reparto de la película de ‘Sexo en Nueva York’ de 2008.

Especialmente conocido ha sido el activismo de Westwood, que apoyaba el desarme nuclear, el partido verde británico y la lucha contra el cambio climático, criticó en numerosas ocasiones el consumismo y apoyó públicamente las causas de Julian Assange y Chelsea Manning.

La banda Brava responde: «No le hemos robado el nombre a nadie»

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BRAVA ha anunciado que cambiará su nombre artístico después que una banda igualmente llamada BRAVA le haya enviado un aviso legal que le impide usarlo. BRAVA, que lleva en activo desde 2018 y ha llegado a pinchar en Coachella, no había registrado su nombre anteriormente.

En Instagram, BRAVA había compartido una fotografía del documento recibido que le obliga a dejar de usar el nombre de BRAVA o parecidos, en el que se puede leer que la artista debe «cesar inmediatamente el uso como marca del nombre BRAVA, BRAVA! o cualquier otra denominación o nombre confundible con la marca anterior BRAVA de nuestros representados».

En la misma red social, BRAVA anunciaba así la noticia: «Me he tenido que cambiar el nombre porque una banda me ha obligado a hacerlo, ya que desafortunadamente no lo registré y ellxs sí. A partir de ahora cuando ponga BRAVA no seré yo». Y aconseja: «Artistas, registrad vuestro nombre, haceos el favor, que por mucho que os llaméis así desde hace mucho o llevéis visiblemente trabajando más tiempo que quien lo registra, no tenéis todo ganado».

Tras su comunicado, BRAVA recibió el apoyo de muchos compañeros de gremio, entre ellos C. Tangana, quien escribió: «¿Quiénes son? Debería hacerse algo al respecto, ¿no? ¿Qué es esto de denunciarnos entre nosotros?» Alba Reche, PUTOCHINOMARICÓN, Rakky Ripper, shego, One Path, DEVA, Jimena Amarillo, mori, Teo Planell, Roy Borland, Judeline, LVL1 o dani también han mostrado su apoyo a BRAVA en redes.

Brava, la banda, proveniente de Aluche, y con dos singles publicados y una confirmación en el line-up de Primavera Sound, ha denunciado los ataques recibidos en redes y dado su versión de los hechos: «Nosotros no le hemos robado el nombre a nadie», cuenta. «Esta banda se fundó en 2017. No habíamos sacado nada antes básicamente porque no habíamos tenido un duro para grabar. Somos cuatro chavales a los que les gustó un nombre y lo registraron en cuanto tuvieron algo de pasta para hacerlo. En ese momento no sabíamos que BRAVA, la DJ, existía. De hecho, al enterarnos intentamos ponernos en contacto con ella para buscar una solución. Su entorno fue el primero que propuso acciones legales y por eso decidimos, con muchas dudas, contactar con un abogado».

El grupo explica: «Nos gustaría que quedase claro que nosotros no hemos denunciado ni demandado a nadie ni mucho menos «obligado» a nadie a quitarse el nombre. Después de muchos meses, y ya con abogados de por medio, llegamos a un acuerdo en el que ella pasaría a llamarse LA BRAVA. Este acuerdo fue redactado por sus abogados, retocado por el nuestro y firmado la semana pasada por ambas partes de mutuo acuerdo. Por eso no esperábamos esto. Este proceso nos ha hecho sufrir mucho. Nuestra intención nunca ha sido despreciar el trabajo de (BRAVA) ni menospreciar su trayectoria y por eso los cambios que nosotros le propusimos siempre fueron mínimos».

Adiós a Carlos Reyes, fundador de Club Fonograma

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Estoy seguro de que algún lector joven no sabrá que hubo un tiempo en el que las recomendaciones de algunos medios podían cambiar, para bien o para mal, la carrera de un grupo. En España el ejemplo que se nos viene a la cabeza es la antigua RockdeLux, cuyo beneplácito, el aparecer en sus listas, era un empujón inmenso. Pero no sólo desde los medios establecidos.

Hubo fanzines tan importantes para los músicos que los grupos de los que hablaban terminaron haciéndoles una canción, como pasó con Chickfactor, de los que Belle & Sebastian escribieron un precioso tema. Y luego llegaron los blogs, la evolución del fanzine. Jenesaispop era un blog. Pitchfork era un blog. Hubo un momento en que todo el mundo quería salir en JNSP aunque era un blog. Hubo un momento en que salir en Pitchfork podía hacerte famoso de la noche a la mañana aunque era un blog. Y Club Fonograma era un blog.

El 27 de diciembre, la cuenta de Twitter de Club Fonograma volvía a publicar algo más de 3 años después de su anterior posteo. Esta vez no era nada relacionado con la música, sino informando de la muerte de Carlos Reyes, fundador y auténtico alma del sitio. Según se explicaba, Carlos, nacido en 1987, había muerto en 2021.

Que fue una sorpresa para prácticamente todos, incluida gente cercana (amigos o el staff de CF) lo demuestra el hecho de que se convirtió en noticia en ese mismo instante y no cuando ocurrió. Gigantes de la comunicación como el Billboard estadounidense se hicieron eco. Pero eso era irrelevante, porque en ese mismo instante todos volvimos a recordar lo importante que CF fue (y, en cierta forma sigue siendo) en nuestras vidas.

Carlos Reyes fundó CF en 2008 desde Phoenix, como hijo de emigrantes mexicanos en los Estados Unidos. De niño llegó con su familia a Paradise Valley, aunque había nacido en Santiago Papasquiaro en el estado de Durango. Sin saber inglés, los primeros tiempos en Arizona fueron, en sus propias palabras, traumáticos. Su madre encontró un Mac de segunda mano en una de esas ventas de garaje y él comenzó a escribir, de adolescente, textos en Word, pequeñas reseñas o recomendaciones que nadie leía porque aún no tenía conexión a Internet. Cuando al fin un modem llegó a su casa y descubrió que había un mundo entero en el que no solo leer sino también escribir sobre sus pasiones, decidió abrir un blog de su gran amor: el cine. En ese primer blog, Cine Azteca, ya se veía su gusto por las listas, por casi una obsesiva necesidad de dar un orden a sus gustos.

Al principio convivió con relativa facilidad con CF nacido algo después. Este nuevo blog, estaría escrito (casi en su totalidad) en inglés porque, según él, eso le ayudaría a mejorar el idioma. La idea era cubrir la música que salía de Iberoamérica y, aunque CF siempre se ha asociado con el indie, el blog no tenía ningún tipo de prejuicio para mezclar el pop, la norteña, la electrónica experimental o el reggaetón antes de que estuviera bien visto en medios “serios”. De hecho la primera entrada de CF es sobre Residente o Visitante de Calle 13 para proclamarlo el mejor disco de 2007 y llamar a sus autores «genios».

En muy breve tiempo todo se aceleró, y ese pequeño empeño personal de la noche a la mañana era la referencia de la música alternativa iberoamericana. Ahora casi tenemos que apartar la música que nos sepulta cada viernes pero en 2008 lo complicado era encontrarla. Se nos olvida que Spotify no estuvo disponible hasta 2011 en Estados Unidos y hasta finales de 2013 en la mayoría de Latinoamérica. Y que, al principio, subir la música era engorroso y que a muchas bandas y sellos ni siquiera les interesaba hacerlo. Había que buscar en Myspace, recomendaciones de amigos, listas de correo y, sí, blogs.

Fueron los años dorados de la blogosfera musical en español, en la que pequeños sitios alojados en blogspots gratuitos podían llegar a tener una influencia en medios masivos porque la hiperespecialización y la necesidad de “descubrir” algo era lo que te posicionaba. A Carlos no parecía importarle que otros hicieran pasar por propios sus hallazgos. Porque siempre encontraba nuevas músicas para mostrar, con las que entusiasmarse. Porque la palabra entusiasmo fue clave. Lo transmitía en su escritura, rápida y apasionada, y lo transmitían el resto de colaboradores que entendieron perfectamente el espíritu de CF, al que llamaron, de forma reduccionista el “Pitchfork Latino”. Nombres como Andrew Casillas, Enrique Coyotzi, Pierre Lestruhaut, Stefanie Fernández, Marty Preciado o Checky que, de ser reseñado con sus proyectos Jóvenes y Sexys o Algodón Egipcio, también saltaba al otro lado para escribir. De un intento espontáneo para hablar de la música que Carlos compartía, pasaron a publicar en 2010 nada menos que 473 entradas. Ninguna de ella corta-y-pega enviada por un agente de prensa.

En CF nos dijeron antes que nadie que un día serían estrellas Rita Indiana, Javiera Mena, Empress Of o Lido Pimienta, nos convencieron de que más allá de la radiofórmula, Julieta Venegas o Natalia Lafourcade eran algunas de las artistas más interesantes de la música en español o hicieron escuchar a toda la Latinoamérica que pretendía estar a la última el ‘Chorando Apréndese’ de Emilio José, probablemente tratado con más cariño y admiración desde CF que en España. Porque aunque siempre se incide en la importancia para la escena alternativa Latinoamericana de CF, trató con amplitud la española.

De sus ocho discos del año en su vida regular, tres fueron españoles. Además de Emilio José, también B Flecha con ‘Beta’ y El Guincho con ‘Alegranza’. El debut de Triángulo de Amor Bizarro estuvo entre los 10 mejores de la década o ‘Nacional 42’ de Los Claveles fue la mejor canción de 2011. Y, claro, en España nos descubrían a Bam Bam, Balun, María y José (o sea, Tony Gallardo), Dënver, Arcangel, Los Blenders, En Ventura, Piyama Party, Ulises Hadjis, Capullo, Helado Negro, Hello Seahorse!, o preencarnaciones de la que luego sería conocida como Arca, entonces llamada Nuuro.

¿Y cómo llegábamos a saber de esa música de la que hablaban si muchas veces ni siquiera estaba en línea? Una parte de CF era leer. La otra escuchar. Por eso comenzaron una serie de recopilatorios llamados Fonogramáticos. Al principio, de cosas editadas. Luego fueron apareciendo inéditos y adelantos. El más recordado sería el ‘Volumen 10‘, en el que bandas de toda Iberoamérica favoritas del sitio regalaron un cover de otras favoritas. Allí estaban Dënver versionando a La Bien Querida, Ceci Bastida y Julieta Venegas a Rita Indiana, Emilio José a Capullo, Astro a Los Espíritus, Carla Morrison a Intocable o TAB el ‘Lento’ de Julieta Venegas (mezclado con la Velvet), que luego editarían en un precioso 10”.

CF, Carlos Reyes, significó tanto para tantos que sólo hay que mirar la abrumadora cantidad de músicos importantísimos que respondieron el tuit sobre su muerte. O leer los que citan ese tuit, porque muchos necesitaron añadir unas palabras sobre el impacto de Carlos en nuestras vidas. O poner en el buscador de tuiter las palabras “Club Fonograma”. Fue un visionario que supo vertebrar lo que otros medios antes y después probaron pero nunca resultó de manera tan perfecta. Panamerika, Zona de Obras, Remezcla, Rock en las Américas, Me hace Ruido, Alt.Latino de NPR o El Sonido de KEXP intentaron o siguen intentando explicar que hay una diversidad de sonidos en Iberoamérica que nos perdemos si sólo nos fijamos en lo anglosajón y en lo local. Y que ese enjambre de músicas están entrelazadas de alguna manera. Y, aunque todos esos medios lo hacen muy bien, nadie como ese adolescente que con un viejo ordenador que le compró su madre tuvo una intuición de que podría crear el lugar común al que llegaran todos.

Todo el archivo de Club Fonograma se puede leer en https://www.oldfonograma.com/

Samuraï sirve la venganza fría… y llena de «adrenalina»

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Samuraï se ha dado a conocer en los últimos tiempos gracias a singles tan certeros como ‘Sin freno’, ‘Tirando balas’ o ‘Entre tejados’. Entre el pop-rock de ‘Teenage Dream’, las guitarras funky y su pequeña dosis de autotune, el pop de Aroa Lorente ha llegado listo para triunfar en la radio y en las listas, como lo ha hecho su amiga Belén Aguilera, con la que comparte el single ‘De charco en charco’.

La música de Samuraï ha coqueteado también con el drum ‘n bass, como muestra ‘Cómo me voy a olvidar’, otro de sus éxitos, y vuelve a este sonido en su nuevo single. ‘Adrenalina’ es inmediatamente uno de sus temas más redondos, y es la Canción Del Día de hoy.

«Quiero ser hoy y no mañana», canta Lorente en una de las frases de ‘Adrenalina’, como queriéndonos decir que su intención es representar el pop de nuestro tiempo. No suena a otra cosa esta producción de Blanco Palamera que se basa en los breaks típicos del drum n’ bass para construir una canción de pop pletórica, capaz de subir la «adrenalina» como su título promete.

En realidad, en ‘Adrenalina’ Lorente nos está hablando de una relación fallida, en concreto de unos cuernos, ha contado en la revista VEIN. La canción presenta su dosis de venganza: Samuraï imagina que se ata a la cama de su ex amante mientras él observa lo que ha perdido, y toma «un trago de su propia medicina». Mejor venganza aún es la canción en sí misma.

«Este tema parte de una melodía que ya tenía grabada en una de las veces que lo había dejado con esta persona», ha explicado en la citada revista. «Yo buscaba una canción que me curase, tanto en el trabajo que hay al hacerla como en ese sentimiento. Es una canción liberadora». El título «no habla de despejarte al salir de fiesta o en modo desmadre, si no de encontrar otros estímulos que te curen». La madrileña no tiene «reparos» en contar que ‘Adrenalina’ nace de una infidelidad: «A todos nos pasan mierdas, todos nos hemos enamorado de alguien de una noche, nos han puesto los “cuernos”, nos hemos estresado cuando ni siquiera tenemos razones por lo que estarlo… Nos pasa a todos porque somos humanos».

Mientras prepara su debut largo, que será más «orgánico» porque Lorente se ha aficionado al sonido de los directos, la artista tiene precisamente varias fechas programadas, que son:

13 de Enero: HANGAR (Córdoba)
14 de Enero: PLANTA BAJA (Granada)
20 de Enero: COCHERA CABARET (Málaga)
21 de Enero: SALA X (Sevilla)

Las Mejores Canciones de 2022

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Beyoncé lidera por primera vez una lista de lo mejor del año de JENESAISPOP tras haber sido número 2 de los Mejores Discos de 2016 con ‘Lemonade’, por detrás de ‘Blackstar’ de David Bowie. ‘Break My Soul’, que ha sido número 1 en Estados Unidos y número 2 en Reino Unido, ha devuelto a Knowless ese éxito internacional claro y definitivo que llevaba echando de menos por unas razones o por otras desde hace unos años.

En el 2º puesto apostamos por ‘SAOKO’ de Rosalía. Es verdad que no consiguió ser una canción tan exitosa y emblemática entre el público generalista como ‘Malamente’; es verdad que ‘Despechá’ puede terminar siendo la grabación más popular de toda la historia de Rosalía de continuar manteniendo estas cifras. Y sin embargo, es claro que ‘SAOKO’ es el tema más ambicioso de esta era de la cantante, y el que mejor la explica. «Yo soy muy mía, yo me transformo». Curiosamente el número 1 y el número 2 tienen en común su vinculación con la cultura «ball».

El podio se cierra con ‘As It Was’ de Harry Styles, la que muchos han asumido en el live de Instagram, comentarios o foros que iba a ser nuestra Canción del Año. Lo es para algunos redactores que le han dado la máxima puntuación mientras otros pensamos que está un peldaño -solo uno- por debajo de las anteriores. Se queda en todo caso el premio del público generalista: es la canción más escuchada de todo 2022 en Spotify.

Aparecen en el top 10 canciones que han marcado por completo el año, como ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini u ‘Ojitos lindos’ de Bad Bunny (también podría haber sido ’Tití me preguntó’); y otras que ojalá lo hubieran hecho, como el retorno de Jessie Ware o ‘Sunset’ de Caroline Polachek. Como siempre, el top 100 alterna hits internacionales -de Lizzo a Shakira- con underground -de Nana Lourdes a Dry Cleaning-.

Como reto a una era difícil, en que Facebook y Twitter han dejado de aportar tráfico a los medios de comunicación de manera radical (Instagram nunca lo hizo), y al algoritmo de Google un día le caes genial y al siguiente, fatal; JENESAISPOP ha editado estas listas por primera vez en papel en un bonito Anuario en A5 con 128 páginas a todo color. En él encontraréis reseñadas estas 100 canciones y también 25 más, a modo de extra. Por último, existe un pack de ANUARIO + el LIBRO que editamos hace unos años, con los gastos de envío gratis. Gracias a todos que haréis posible que JENESAISPOP continúe en marcha una temporada más.

100
Katy J Pearson

99
Babi

98
Amor Butano

97
Tove Styrke

96
Phoebe Bridgers

95
Shakira, Rauw Alejandro

94
Nathy Peluso

93
Rojuu, Saramalacara

92
rusowsky, Dinamarca

91
Fontaines DC

90
Joe Crepúsculo, Aaron Rux

89
Adiós Amores

88

87
Nilüfer Yanya

86
Sharon Van Etten

85
Bad Gyal

84
La Casa Azul

83
Mira Paula

82
Ana Mena, Belinda

80
Nana Lourdes

79

78
TSHA, Mafro

77
Soleá Morente, La Casa Azul

76

75
Dry Cleaning

74
El Último Vecino

73
Maria Rodés

72
Los Punsetes

71
Röyksopp, Susanne Sundfør

70
Arcade Fire

69
LUNA KI

68
Ginebras

67
Panda Bear, Sonic Boom

66
SG Lewis

65
Carly Rae Jepsen

64
Maggie Rogers

63
Billie Eilish

62
Destroyer

61
Hoke, Louis Amoeba

60
Charlotte Adigéry, Bolis Pupul

59
Shygirl

58
Carolina Durante

57
Rocío Márquez, Bronquio

56
Angel Olsen

55
Cupido

54
Sudan Archives

53
Natalia Lafourcade

52
BLACKPINK

51
The Weeknd

50
Big Thief

49
Björk

48
Javiera Mena

47
Ethel Cain

46
Vicente Navarro, Rodrigo Cuevas

45
Karol G

44
Taylor Swift

43
Yeah Yeah Yeahs, Perfume Genius

42
Jamie xx

40
Hot Chip

38
Rema, Selena Gomez

37
Christine and the Queens

36

35

34
Los Planetas, Montañés

32
Stromae

31
Sondre Lerche

30
Alizzz

29
Luna Li

28

27
FKA twigs, Rema

26
US Girls

25
Kali Uchis

24
Confidence Man

23
Beach House

22
Kendrick Lamar

21
Resident, Ibeyi

20
Orville Peck

19
Nicki Minaj

18
Kae Tempest, Kevin Abstract

15
Oliver Sim, Jimmy Somerville

14
Charli XCX, Rina Sawayama

13
Mitski

12
Let’s Eat Grandma

11

10
Caroline Polachek

9
Florence + The Machine

8
Jessie Ware

5
Bad Bunny, Bomba Estéreo

4
Rigoberta Bandini

3
Harry Styles

2
Rosalía

1
Beyoncé

Miguel Bosé: «Había mucha más libertad durante la Transición»

79

Miguel Bosé ha concedido una entrevista a El Mundo con motivo de la publicación de ‘Historia secreta de mis mejores canciones’, su nuevo libro. Bosé cuenta que ha escrito este libro para deshacerse del pasado, porque él «quiere seguir estudiando y hacer cosas nuevas».

Bosé está, de hecho, estudiando: se ha apuntado a diferentes cursos para llegar a ser completamente autosuficiente, ya que ha decidido vivir «fuera del sistema». Actualmente se está preparando para convertirse en «maestro panadero». Eso sí, sigue componiendo canciones para el día en que retome su carrera, una vez haya recobrado su voz y se haya recuperado de su operación de espalda.

En seguida, el autor de ‘Morena mía’ entra en política. De hecho, le sirve una canción propia, ‘Mi libertad’, que versa sobre unos cuernos, para hablar de libertades sociales, las cuales hoy en día escasean, bajo su punto de vista. Bosé opina que «había mucha más libertad durante la Transición» y que hoy en día «hay muchas menos libertades, especialmente desde que arrancó la pandemia esta de mierda del Covid». El cantante culpa a los gobiernos por «quitarnos cada vez más libertades y tener más control social sobre nosotros en todos los frentes, cosa a la que no debemos acceder jamás».

Bosé ataca específicamente a la «izquierda», con la cual está «desencantado» porque se ha convertido en una «izquierda capitalista» que es «la base de la Agenda 2030» y que está alejada de «ese esplendor y ese rigor en la que habíamos arrancado todos: Felipe González, la Internacional, la socialdemocracia, el modelo nórdico por el que todos habíamos apostado». La izquierda de ahora es «tremendamente reaccionaria, totalitaria y caciquista», argumenta el cantante.

Bosé insiste en que «se vive muy bien fuera del sistema» porque este «ha evolucionado de tal manera que se ha convertido en una suma de empresas llamadas partidos que han ocupado toda una franja de colores». Por esta razón, Bosé ha dejado de leer medios generalistas, que forman parte de las «estructuras o instituciones que estén al cargo o bajo la mano de los partidos».

Theophilus London está desaparecido desde octubre

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Theophilus London está desaparecido desde octubre de 2022. Su familia ha viajado recientemente a Los Ángeles para denunciar la desaparición ante la policía, informa Stereogum.

Fue en Los Ángeles donde alguien habló con London por última vez. El contacto se produjo en el barrio de Skid Row, recoge CNN. Desde entonces nadie ha vuelto a saber de él, y desde julio London tampoco publica contenido en sus redes.

En un comunicado, el padre de London se dirige a su hijo y pide su regreso: «Theo, papá te quiere, hijo. Te echamos de menos. Todos sus amigos y allegados te estamos buscando. Donde quiera que estés mándanos una señal, lo que sea, e iremos a por ti».

En el texto, la familia de London indica que el cantante tiene 35 años, mide 1,88m, pesa 75 kilos, es negro y tiene los ojos de color marrón oscuro. También pide que quien sepa algo contacte a su primo Mikail, a través de la cuenta de Instagram @iamdjkellz.

Theophilus London lleva en activo desde 2007 y publicó su primer disco en 2011. Desde entonces ha sacado un disco, ‘Vibes!‘, del que Kanye West ha sido productor ejecutivo, y ha colaborado con artistas como Tame Impala o Azealia Banks.

Albany / Lágrimas de un G

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“Estoy a punto de suicidarme y tú sigues escuchando mi mixtape”. Esto podría salir de una IA a la que le encargásemos inventarse una letra de Albany, pero no: es parte de ‘I DON’T FUCK W COCAINE’, la canción que abre lo último de la autora de ‘No estoy bien’, y que luego continúa con versos como “ya no son tiempos de pedir en la esquina / ahora canto canciones de amor / tengo daddy issues, ni siquiera sé decirlo”.

Es una línea muy fina la que suele haber entre un tema que identificamos como 100% de un artista y una (auto)parodia, y Alba Casas la cruza en varios momentos de ‘LÁGRIMAS DE UN G’. Claro que, dado el punto de performance que tiene este EP, puede ser hasta buscado.

Si había alguna duda de que Alba Casas era la Lana del Rey del trap, esas dudas eran por la existencia de Yung Beef: resultaba complicado darle esa corona a él o a ella porque ambos hacían (maravillosos) méritos al respecto. Es verdad que Fernando alternaba su faceta sad con la chunga, la de chulear de pasta, armas, bitches y poder en general, y ahí Albany no se adentraba tanto… hasta ahora. Porque en ‘LÁGRIMAS DE UN G’ demuestra que, si le apetece ponerse en ese plan, lo hace igual de bien, y a ratos hasta mejor.

“Tengo un flow demasiao ridículo”, que dice ella misma en ‘THOR’, el featuring con Clutchill y uno de tantos ejercicios de freestyle del EP (hay hasta una mención a Lil Nas X). El tema está bastante bien resuelto, pero no es el caso de la colaboración con ARON (Aron Piper) en ‘CADENA SIN DISEÑO’: a él es curioso escucharle decir “dile a tos esos actores que no actúan, solo me imitan”, y lo de ella empieza a ser un poco performance de más: “el dinero lo quemo, no me importa un pimiento (…) ya no hay free beats, al productor le pongo un sueldo / son unos envidioso y tengo un flow como Ñengo”.

Resulta mucho más natural en esa faceta de badass ‘ESTERNOCLEIDOMASTOIDEO’, que habla de “canis con carrera” y tiene una frase tan grandiosa como “me como a los raperos de postre después de los fideos” (me dices que esto lo ha escrito La Mala y me lo creo). La producción también va más por ese rollo y no tanto por el acercamiento al hyperpop y el punto futurista del reciente ‘XXX’: Albany repite con DRED BEY (presente en ‘XXX’ y también en su exitoso tema para ‘A través de mi ventana’), y cuenta con gente como DB (colaborador de Future), Blackthoven (Pimp Flaco, Juicy BAE) o Digital Wave (Cecilio G).

Pero calma que no vas a echar de menos a la sadgirl: “lo peor de todo es no enseñarte la música que grabo / estar triste y no poder tener tus brazo” canta en ‘RASPUTIN’, o “y aquí sigo todos los días, subiendo parriba / queriendo morirme aunque a nadie se lo diga” en ‘LIL BABY ALBANY’.

Esta última es una de las dos grandes joyas del disco. Entre guiños a La Vendición (“si sigo viva es gracias a la bendición / que mi madre me dio cuando me parió”), Fernando o La Zowi, Albany asegura aquí estar casada con “la transa” (antes de que efectivamente llegue un beat así) y entrega un tema brillante que alterna entre la vulnerabilidad y el chuleo (“das lache, mejor ni me llames / que estoy muito ocupada haciendo un hit que te da cáncer”).

Y la otra joya, quizás incluso mejor si prefieres el lado moñas, es ‘SCORT’, donde de nuevo está esa mezcla de actitud (“dile a tu zorra que se calle y coma / que soy la mamá de esta zona / y que me la saco aunque no tenga polla”… chef’s kiss) con melancolía (“baby, todo es tan raro / solo quiero estar a tu lado”). ‘SCORT’ es una canción bastante romántica aunque lo disimule bien: “me mira y me deja mojadas las bragas / quiero que se me corra en la cara / y contigo me vuelvo scort”, acaba soltando después de dejarlo todo bastante claro con “todavía no me he declarado y ya lo sabe la gente”.

En definitiva, ‘LÁGRIMAS DE UN G’ no decepciona cuando Albany hace lo que mejor sabe, entregando canciones magníficas como ‘SCORT’ o ‘LIL BABY ALBANY’. Y cuando experimenta nuevos caminos acabará acertando más (‘ESTERNOCLEIDOMASTOIDEO’) o menos (‘CADENA SIN DISEÑO’), pero siempre resulta interesante. Algo que, ciertamente, puede aplicarse a la propia Albany y sus trabajos.

Gràcies per tot, Joan Manuel

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Alejandro García (EFE)

Serrat se nos ha despedido de los escenarios. Serrat está aún en forma, y no parece que le apetezca realmente dejarlo. Pero ha decidido que es mejor marcharse a lo grande, diciéndonos adiós a todos, ahora que todavía tiene fuerza a sus 79 años. El pasado mes de abril arrancó esta gira de despedida, ‘El vicio de cantar’, en Nueva York. Este viernes 23 de diciembre Joan Manuel Serrat tocó su último concierto en el Palau Sant Jordi, en Barcelona su (nuestra) ciudad natal. Y ahí estaba yo con mi madre, para despedirme.

Serrat siempre ha estado ahí, y cada uno de nosotros tenemos nuestro Serrat. Para unos será el que canta a Machado o a Miguel Hernández. Para otros, el del sol cegador de ‘Mediterráneo’. Personalmente, como mis padres, me quedo con el de la primera época. Me es muy difícil resumir por qué ese Serrat es tan importante para mí y mi familia. Ellos son de su generación. El primer Serrat fue uno de los fundamentos del amor de mi padre hacia su ciudad de adopción. El primer Serrat fue el que descubrió mi madre en la radio a los 14 años, con ese primer single (que se compró) que incluía ‘La mort de l’avi’ y ‘Una guitarra’. Ese primer Serrat, que era un chico algo tímido que, me explicaba mi madre, cuando tocaba en el Casino de l’Aliança del Poble Nou, no daba crédito a que hubiera muchachas persiguiéndole, gritándole “guapo!” y buscando su autógrafo. “Però si no soc ningú, jo!”, les contestaba atónito.

Hace muchísimo que Serrat dejó de ser “ningú”. Hace muchísimo que Serrat es un tótem, una leyenda. Dudo que jamás, nunca en la historia de la música en España, haya conjugado tan bien el verbo y la música, en catalán o en castellano. Es una figura absolutamente fundamental para la música y como tal, merecía una despedida en consonancia. Al poco de entrar en el Sant Jordi, nos tropezamos con los Manel. Ya luego nos enteramos que el palco estaba repleto de autoridades: Pedro Sánchez, Ada Colau, Miquel Iceta… Era una fecha demasiado importante como para perdérsela.

Serrat habló, y habló mucho. Y su voz ronca en los parlamentos contrastaba con la magnífica que aún gasta cantando. Ya nos advirtió: esta no va a ser una despedida triste. Esto va a ser una fiesta. Abrió con ‘Temps era temps’, la que cantaba a la mítica delantera del Barça, Basora, César Kubala, Moreno y Manchón. Serrat iba acompañado de una banda espectacular, dirigida por el “mestre” Ricard Miralles, fiel aliado de Serrat desde tiempos inmemoriales. El primer golpe directo al corazón llegó ya con el segundo tema, una tremebunda ‘Cançó de Bressol’, en la que Serrat nos erizaba el vello cuando entonaba lo de «por la mañana rocío, al mediodía calor, por la tarde los mosquitos: no quiero ser labrador» con voz potente, expresiva.

Momentos de erizarse el vello hubo muchos: ‘Pueblo blanco’, la magnífica ‘Me’n vaig a peu’, la primera canción coreadísima de la noche y la primera vez que Serrat cogió la guitarra, la primera vez en la noche que saboreé la emoción de cantarla a la vez que mi madre; el himno ecologista ‘Pare’, que sigue más vigente ahora que hace 50 años, cuando se escribió. Las conmovedoras ‘Nanas de la cebolla’ de Miguel Hernández. Una sentimental ‘Es caprichoso el azar’, que aquí cantó con la violista Uixia Amargós, que enamoró a todos con su voz. Y mi favorita, la canción más triste de la historia: ‘La tieta’, uno de los retratos más feroces y más certeros que jamás se han escrito, de un tipo de persona en una época determinada, las solteronas y su estigma en la gris España franquista. Doble golpe mortal, porque encima la tocó después de ‘Hoy puede ser un gran día’.

A partir de aquí, la fiesta. Serrat no hizo bises. ‘Mediterráneo’ sonó tan maravillosa y tan bien arreglada como siempre. Y en ‘Cantares’ nos dejó cantar los versos de Machado, verso a verso, golpe a golpe. Ya el Sant Jordi y él éramos uno. Pero, risueño, nos dijo “us he sentit cantar més aviat poc” (“os he escuchado cantar más bien poco”), antes de asaltarnos emocionalmente con ‘Paraules d’amor’, la canción más bonita de su repertorio (que ya es decir), y de dejarnos en lo más alto con ‘Fiesta’.

Antes de despedirse, Serrat dedicó un largo discurso de agradecimiento, a su familia, a su público, a las tres figuras fundamentales que le ayudaron en su carrera: Salvador Escamilla, Quico Sabaté y Joan Ollé. Y cerró con “su primera canción”, escrita cuando apenas era un adolescente en el Poble Sec: ‘Una guitarra’, solo con, efectivamente, una guitarra… que le jugó una mala pasada. Había arrancado emocionante, mi madre canturreaba lo de “Vàrem créixer plegats, jo em vaig fer un home”, cuando suelta Serrat: “Perdoneu, però aquesta guitarra és un cagarro”, y se dolió de cómo se había fastidiado el momento emotivo. Una vez conseguida la nueva guitarra, Serrat seguía sin parecer muy convencido, pero no se arredró y prosiguió con su relato iniciático y tan vívido de cómo empezó: con una humilde guitarra. Y ahora, casi sesenta años más tarde, lo despedimos con todos los honores: hasta tres veces tuvo que salir a saludar, porque no queríamos dejarlo ir. Gràcies per tot, Joan.

Vetusta Morla, Sabina, RM, Agoney… entran en Discos España

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Manuel Carrasco continúa una semana más en el número 1 de la lista de álbumes de España con ‘Corazón y flecha’, y en sus mismos puestos se mantienen también ‘Atemporal’ de El Barrio en el 2 y ‘La cuarta hoja’ de Pablo Alborán en el 3.

La entrada más importante de la semana la protagonizan Vetusta Morla, que colocan su disco grabado en directo ‘Bailando hasta el apagón’ en el puesto 6. ‘Sintiéndolo mucho’, la banda sonora del documental de Joaquín Sabina, entra en el 17.

Dentro del top 20 encontramos otras dos entradas: ‘Eternamente agradecidos’, el disco de despedida de Ecos del Rocío, aparece en el 25, y en el 28 saluda el cantante surcoreano RM, esto es, Kim Nam-joon, integrante de BTS, con la edición «libro» de su álbum ‘Indigo’. Un disco dedicado al R&B, el hip-hop y el funky que incluye colaboraciones de Erykah Badu o Anderson. Paak, y que ha alcanzado el número 3 de Estados Unidos, el 4 de Japón, el 7 de Finlandia, el 18 de Alemania, el 21 de Italia… pero solo el 45 de Reino Unido.

Agoney, participante de Benidorm Fest con la lokatis ‘Quiero arder’, firma la siguiente entrada: en el 43 aparece ‘Libertad Tour’, la grabación en vivo de su última gira. Y una reedición de Alejandro Sanz, la de su disco ‘La música no se toca‘, por su décimo aniversario, entra en el 47.

La lista de álbumes española deja dos últimas entradas: el actor y rapero madrileño Elio Toffana ingresa en la tabla gracias a su disco ‘Shock Wave’, que entra en el 48. Por último, ‘Guretzat’ de la banda vasca de ska En Tol Sarmiento lo hace en el 62.


Nochevieja: las uvas y el alquitrán, «un año más»

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En un extra de Navidad de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, hablamos de la repercusión social de ‘Un año más’ de Mecano. ¿Es un clásico navideño tan transversal como ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey en otros países? ¿Por qué si lo es no vuelve nunca o casi nunca a las listas oficiales de Promusicae? Aprovechamos el extra navideño para hablar de tradiciones, supersticiones y la serie ‘Smiley’, donde suena el tema. Recordad que podéis apoyar el podcast comprando algo en nuestra tienda online o realizando donativos a esta cuenta de Paypal: tienda@jenesaispop.com.

Participa en «lo mejor del año» para los lectores de JNSP

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Como cada año, al mismo tiempo que publicamos nuestras listas con lo mejor del año, esta vez por primera vez en papel en un formato A5 a todo color, y en formato web a partir de mañana, queremos escuchar vuestra opinión.

Como siempre, la lista de los lectores la realizaremos con vuestros top 5 de discos y canciones, mezclando nacional e internacional como ya es tradición en la web.

Los habituales del foro de JENESAISPOP podéis votar estos días en el hilo correspondiente (aquellos que no podáis entrar enviad un mail a jenesaispop@gmail.com). Los que no sois foreres, podéis enviar vuestros votos a jenesaispop@gmail.com. El plazo acaba este viernes 30 a las 23.59. ¡Muchas gracias por vuestra participación!

Kurt Cobain y Lana Del Rey son los «dos únicos genios» que ha conocido Courtney Love

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Courtney Love ha dicho que Kurt Cobain y Lana Del Rey son los «dos únicos genios musicales que he conocido». En concreto, ha comparado la «integridad» de Lana con la de Kurt y ha dicho que «ella tiene algo mágico» y que, además, «no está mal de la cabeza» (como otros iconos del rock, se entiende).

En el podcast ‘WTF‘ de Marc Maron, Courtney también cuenta que descubrió a Lana la música de Joni Mitchell hace unos años y que, desde que lo hizo, Lana «cambió su estilo por completo». Courtney, que llegó a regalar a Lana «todos los vinilos de Joni», alude específicamente al sonido del disco de Lana de 2019 ‘Norman Fucking Rockwell!‘ (los fans de Elizabeth Grant disputan esta afirmación, pues Lana publicó un vídeo de sí misma en 2017 escuchando ‘For Free’ de Joni).

Las declaraciones de Courtney dan a entender que la ex integrante de Hole se atribuye parte del mérito de la dirección artística seguida por Lana en tiempos recientes. Ella recuerda el origen de todo esto, un episodio en que Lana le explicó qué tipo de disco quería hacer y ella le respondió que lo que quería era hacer un disco como ‘The Hissing of Summer Lawns‘ de Joni Mitchell. Según Courtney, en ese momento Lana no conocía ni el disco ni a su autora.

La relación de Courtney y Lana viene de lejos: la rockera fue telonera de Lana en 2015 y, desde entonces, ambas son amigas. De hecho, Lana cita a Courtney en la letra de ‘Dance Til’ We Die’, en la que también caben referencias precisamente a Joni Mitchell y a Joan Baez.

En otros puntos de la charla, Courtney habla de su próximo disco, que «no será rock» en sus propias palabras, porque «el rock ya no se lleva» (ella, que reside en Londres, se declara fan del drill, que describe como una especie de «Joy Division pero gangsta»). Confirma el título de dos canciones, ‘Kill Fuck Marry’, inspirada en el caso Depp/Heard, y ‘Justice for Kurt’. Esta última quedará fuera del largo porque «se comería toda la narrativa», pues trata sobre la conspiración que relaciona a Courtney con la muerte de Cobain en 1994, en realidad un suicidio.

Por otro lado, la autora de ‘Celebrity Skin’ (que en un momento nombra a Doja Cat, que ha versionado dicha canción) confirma que ha completado por fin la redacción de sus memorias, ‘The Girl with the Most Cake’, tras una década «arrastrando el culo».

Por qué la sintonía de ‘The White Lotus’ ha cobrado vida propia

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«Renaissance» es una de las palabras de 2022: lo sabe Beyoncé y lo sabe Cristobal Tapia de Veer, aunque no necesariamente lo saben los espectadores de ‘The White Lotus‘. La segunda temporada de la serie dirigida por Mike White ha confirmado que estamos ante una obra maestra de la televisión, pero para jugada maestra la que ha protagonizado el compositor de su banda sonora.

La música de ‘The White Lotus’ es obra de Cristóbal Tapia de Veer, compositor chileno-canadiense conocido por su trabajo en las bandas sonoras de dos series británicas, ‘Utopia‘ (2013) y ‘National Treasure’ (2017). ‘Renaissance (Main Title Theme)’ es la sintonía de la segunda temporada de ‘The White Lotus’ y ha cobrado vida propia por diferentes motivos.

En 90 segundos, Tapia de Veer captura la magia y el misterio de la serie, primero, con el sonido de un arpa y la aparición de un canto operístico que después samplea y modula a su antojo, haciéndolo sonar celestial pero extraño. Y, después, con la irrupción de un ritmo de EDM con guitarras acústicas que podemos asociar al estilo de Milky Chance o Avicii.

Es la voz sampleada la verdadera estrella de ‘Renaissance (Main Title Theme)’. Pertenece a la cantante colombiana Stephanie Osorio que, para lograr el efecto escuchado en la grabación, emitió un ululeo que ha sido comparado con los cantos tradicionales nativos o con el zagarit árabe. La cantante sostuvo una nota larga durante varios segundos mientras entrecortaba el flujo de aire con la palma de la mano y, después, Cristóbal le subió y bajó el tono en diferentes puntos. El objetivo era que la voz siguiera sonando humana pero, a la vez, que el cante de Osorio fuera imposible de replicar por un ser humano.

El «gancho» de ‘Renaissance (Main Title Theme)’ es evidente desde el segundo cero y ha supuesto que la pieza vuele por su cuenta, al margen de la serie madre. La pieza está siendo pinchada en clubs y festivales, por ejemplo, por gente como Sofi Tukker, y hasta los Killers han abierto un concierto reciente con la sintonía en cuestión. Al contrario, el rapero Dominic Fike (conocido por su papel en ‘Euphoria‘) la ha usado para despedirse de su público después de un show. Si la quieres pinchar, que sepas que existe una versión extendida que se alarga hasta los 4 minutos y medio.



Muere Jo Mersa Marley, nieto de Bob Marley, a los 31 años

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Jo Mersa Marley, hijo de Stephen Marley y nieto de Bob Marley, ha fallecido a los 31 años de edad. Su cuerpo ha sido hallado sin vida este martes dentro de un vehículo en Estados Unidos, confirma TMZ. La causa de la muerte parece estar relacionada con el asma que padecía, pero los detalles se desconocen.

De nombre real Joseph, Jo Mersa Marley era uno de los más de veinte nietos de Bob Marley, y también uno de los que se dedicaban a la música. Publicó su primer EP, ‘Comfortable’, en 2014 y, desde entonces, ha publicado múltiples singles y también un disco de 7 pistas, ‘Eternal’, que vio la luz en 2021.

Jo Mersa llegó a colaborar con Farruko y Bryant Myers en ‘Mucho humo’, con la estrella del dancehall Busy Signal en ‘Yo Dawg’ y, por supuesto, también con su familia. Con su padre Stephen y tíos Damian y Julian lanzó ‘Rude Bwoy’, su mayor éxito con cerca de 5 millones de streamings, y también colaboró con su hermano Yohan en otro de sus temas más escuchados, ‘Burn it Down’.