‘Callaíta’, ‘China’, ‘I Like It’, ‘Safaera’, ‘One Day’, ‘Baila conmigo’, ‘Candy’, ’Adicto’, ‘Lo Siento BB’, todo ‘Oasis’… Tainy no solo ha producido algunos de los hits de reggaeton más exitosos de la última década, sino también algunos de los más interesantes. Sin él, el reggaeton de hoy básicamente no existiría. Tainy es la persona detrás de muchos de los artistas de pop latino más populares del momento, y con ‘DATA’ da un paso al frente.
Dentro del universo del reggaeton, Tainy ha demostrado ser un productor bastante curioso. No solo el reggaeton le ha interesado: ‘Telepatía’ de Kali Chis se encuentra también entre sus producciones. El portorriqueño ha sampleado la sintonía de Bob Esponja y él (Tainy, no Bob Esponja) es uno de los productores principales de ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny, un disco que explora diversos estilos y que por algo es el más escuchado de la historia de Spotify.
‘DATA’ también cuenta con un elenco de colaboradores abultado y variado: están lo mismo Myke Towers que The Marías, lo mismo Feid que Arca, lo mismo Ozuna que Judeline. Hasta Four Tet aparece por aquí sampleado. El disco se centra en los beats de reggaeton pero no renuncia al synth-pop ni al hip-hop retro ni a las composiciones épicas ni a los interludios ambientales. Hay de todo. Lo cual lleva a preguntarse por qué no es mejor.
Empezamos por las virtudes: Tainy sabe reconocer un hit cuando lo escucha y en ‘DATA’ es evidente. Y no solo porque ‘Lo Siento BB :/‘, la sonada colaboración de Tainy, Bad Bunny y Julieta Venegas que tanto ha arrasado, aparezca en la secuencia casi dos años después de su lanzamiento. Varios temas de ‘DATA’ son bastante potentes, como el reggaeton épico de ‘PASIEMPRE’, 6 minutos de viaje en compañía de Arcángel, Myke Towers, Jhayco, Omar Courtz y Bad Bunny que han conseguido que Arca aparezca en un single top 30 en Spotify España, pues sus gorgoritos suenan al final. Benito, que le debe unas cuantas a Tainy, canta otro de los mejores temas, el pop nuevaolero de ‘MOJABI GHOST’, en el que vuelve a su tema favorito, su incapacidad para enamorarse, ahora para contarnos que tiene el “corazón estéril”. Hacia el final de este largo disco, Ozuna hace una aparición en otro hit potencial, ‘En visto’, de producción atmosférica, en la que Tainy vuelve a lucirse.
Porque si casi, casi, casi puedes escuchar ecos a Fennesz en el paisaje sonoro de ‘En visto’, Four Tet es directamente sampleado en la mejor canción del largo, ‘Volver’, una colaboración con Rauw Alejandro que, además, cuenta con la participación de Skrillex, cerrando un cuadrado estelar e inesperado. ‘Volver’ no es solo un hit, es una producción preciosa que se apoya en la melodía de ‘Lush’ de Kieran Hebden solo para pasar del reggaeton y de este al drum’n bass sin despeinarse.
Ojalá todas las producciones de ‘Data’ fueran así de atrevidas y arriesgadas. Y eso que Tainy es conocido precisamente por ser eso mismo. Pero, en demasiadas ocasiones, ‘Data’ suena extrañamente viejuno. ’Todavía’ puede justificar su producción genérica con que es una colaboración con Wisin & Yandel, pero eso no la convierte en mejor canción. Las guitarras eléctricas de ’11 y once’ con Sech y E. Vax suenan a todo menos inspiradas o excitantes. ‘Me jodí’ con Arcángel no es la revisión trip-hop más innovadora que se puede hacer en 2023. Y otros anzuelos de reggaeton, como ‘Si preguntas por mí’ (con Judeline cantando al final), se conforman con rellenar espacio.
Aún es posible hallar alguna idea interesante en ‘Data’, en el océano de colaboraciones y pistas que contiene. ‘Mañana’ con Young Miko y The Marías es una composición etérea y extraña y, como mínimo, llama la atención sin que invite a pulsar repetidamente el “replay”. Con Jhayco, Tainy factura otra digna fusión de reggaeton y electro en ‘Fantasma | AVC’ que no renuncia al vocoder. Pero ‘Sci-Fi’ con Rauw Alejandro no suena “sci-fi” en absoluto; más bien redunda en lo mismo que lleva haciendo Rauw desde ‘Todo de ti’ sin desmarcarse hacia ningún lado. Y ‘Sacrificio’ con Xantos es la típica balada lacrimógena y sentimental que no se sabe qué pinta en este disco de concepto futurista inspirado en el anime, mucho menos cerrando.
Renovamos nuestra playlist de canciones nacionales con lo nuevo de Cupido. ‘Lo dejo’ se autodefine como la nueva “Canción del Verano”. También hoy es novedad el EP de YUNG PRADO, del que compartimos ‘Que se me acabe la vida’.
El rock lo ponen el segundo single del próximo disco de Texxcoco, o Nadie Patín, que estrenan un tema que suena a Los Planetas pero que en verdad es una versión de José Alfredo Jiménez. Más feliz que una perdiz suena ‘Invítame a bailar’ de Cometa, con una estructura compleja que termina por todo lo alto en plan glam-rock. El segundo single de Melenas para su disco de cara a septiembre apuesta por el contrario por el dream pop y el kraut.
A los 80 nos lleva el hit de Luz Futuro ‘No me olvides’, y en otro sentido el post-punk de LA MILAGROSA. La electrónica la ponen de distintas maneras Hnos Munoz con GAZZI, Ganges o TRISTÁN!
Entre los nuevos artistas, compartimos la primera canción de la influencer kindapatri. Entre las gracietas, la versión de Depresión Sonora de Carolina Durante. Completamos la playlist con habituales de la sección y de la web como Jimena Amarillo, Maren o Alavedra.
Disclosure han dado la sorpresa anunciando nuevo disco. Y su lanzamiento es ya. ‘Alchemy’ sale este mismo viernes 14 de julio y es el primer lanzamiento independiente de Guy y Howard Lawrence, que ya no están firmados en Capitol Records.
«En este disco celebramos que nos sentimos liberados», han expresado los hermanos en un comunicado. «Ya no estamos firmados en una discográfica multinacional. Este disco no lo vamos a tocar de gira. Podemos hace lo que queramos y ser súper creativos».
‘Alchemy’ contará con 11 cortes, pero todavía no se ha liberado ninguno: parece que no se extraerá ningún single, al menos, de momento. Mañana viernes sabremos qué tema se envía a las playlists. Curiosamente, el tracklist descubre un total de cero colaboraciones. Tampoco habrá samples.
No fue el caso, desde luego, de ‘Energy‘, el último álbum de Disclosure, un divertidísimo trabajo de electrónica de baile que obtuvo dos nominaciones a los premios Grammy. Ahí encontrábamos a Kelis, slowthai o Fatoumata Diawara, entre otras estrellas.
01 Looking for Love
02 Simply Won’t Do
03 Higher Than Ever Before
04 A Little Bit
05 Go the Distance
06 Someday…
07 We Were in Love
08 Sun Showers
09 Purify
10 Brown Eyes
11 Talk on the Phone
Vetusta Morla han añadido una segunda fecha al fin de gira de ‘Cable a tierra‘, que tendrá lugar en el WiZink Center de Madrid a finales de 2023. La nueva fecha es el 30 de noviembre, un día antes de la previamente anunciada, la definitiva, que será el 1 de diciembre, y para la que ya quedan unas pocas entradas: prácticamente todas se vendieron el primer día de venta.
Los dos últimos conciertos de la gira de ‘Cable a tierra’ serán irrepetibles, ya que Vetusta Morla actuarán acompañados de la orquesta celtibérica, conformada por seis artistas procedentes de dos formaciones renovadoras de la música tradicional: los palentinos El Naán y las gallegas Aliboria.
Así pues, se sumarán al universo habitual de la banda una pléyade de instrumentos tradicionales de toda la península y ultramar: panderos cuadrados, panderetas, sartenes, llaves, latas de pimentón, azadas, conchas de viera, quijadas…
La tradición atraviesa todo ‘Cable de tierra’, un «viaje por el folclore que rodea al Océano Atlántico» y que pone de manifiesto que los ritmos típicos aragoneses también pueden llevar a Argentina. «La teoría de la banda es que los hilos que separan los estilos son muy finos, sumando en su tesis que no pueden dejar de lado el sonido británico con el que se han criado: para Vetusta Morla, los Beatles también forman parte de su folclore», contaba mi compañero Sebas en su reseña. «Una grabación, además, prodigiosa, que celebra el valor de la música de generación en generación».
Eso mismo nos contaba Vetusta en una entrevista: «Nuestro folclore bebe de todas esas fuentes. Estamos de uñas con las apropiaciones culturales, y nos expresamos a través de un fandango o una saeta porque son cosas que has vivido. A lo mejor no has tenido un contacto directo, pero lo has oído, forma parte de una tradición. Nosotros no vamos a convertirnos en una banda de folk, pero el folclore tiene hilos muy finos por todo el mundo: pensamos que la salsa es colombiana y es de Harlem».
Os dejamos con las actuales fechas de la gira de ‘Cable a tierra’, que hoy mismo recae en el FIB:
13 julio, FIB, Benicàssim
14 julio, Festival Sónica, Castro Urdiales
16 julio, Sounday, Gijón
21 julio, Alcazaba Festival, Badajoz
22 julio, No Sin Música Festival, Cádiz
30 julio, Low Festival, Benidorm
5 agosto, Luna Sur Festival, Fuengirola
11 agosto, Sonorama Ribera, Aranda de Duero
18 agosto, Festival Mediterránea, Gandía
19 agosto, Cooltural Fest, Almería
26 agosto, Río Verbena Fest, Pontevedra
15 septiembre, Caudal Fest, Lugo
16 septiembre, Granada Sound, Granada
22 septiembre, Jardín de las Delicias Festival, Madrid
23-24 septiembre – Festival Cordillera – Bogotá, Colombia.
27 septiembre – Teatro Metropolitano – Medellín, Colombia.
29 septiembre – Teatro Leguia – Lima, Perú.
1 octubre – Teatro Coliseo – Santiago de Chile, Chile.
4 octubre – La Trastienda Club MVD – Montevideo, Uruguay.
7 octubre – Teatro Gran Rex – Buenos Aires. Argentina.
14 octubre – Espacio Zity – Zaragoza 30 noviembre – WiZink Center – Madrid, Fin de Gira
1 diciembre – WiZink Center – Madrid, Fin de Gira
Si tienes la sensación de que la gira ‘Love On Tour’ de Harry Styles está durando 84 años, hay algo de verdad en ello: la gira se anunció en noviembre de 2019, pasaba por Madrid en mayo de 2020, no pudo realizarse debido a la “p”, después esta fecha pasó a febrero de 2021 y tampoco pudo llevarse a cabo debido a la “p”, y ‘Love On Tour’ llegó a Madrid finalmente en julio de 2022, justo hace un año… solo para, al mes siguiente, alargarse un tramo más, incluyendo dos fechas en España.
“Estos últimos tres años han sido los más increíbles de mi vida” expresó Harry anoche durante la celebración de su concierto en el Estadi Olímpic de Barcelona. No es de extrañar: Harry ha dado la vuelta al globo terráqueo, ha cantado la canción más exitosa de todo 2022 y ha ganado el Grammy a Álbum del año. La curiosidad por descubrir qué show trae el chico más popular del mundo es inmensa.
En medio de toda la vorágine de números 1, streamings contándose por los cientos de millones, galas de premios casi dedicadas, conciertos, presencia mediática, etc, ha visto la luz ‘Harry’s House’, por lo que se da la curiosa circunstancia de que Harry está presentando dentro de una misma gira dos discos a la vez, ‘Fine Line’ (2019) y el citado ‘Harry’s House’ (2022). Ambos discos son primos hermanos compartiendo una dirección creativa fijada en lo retro, en los años 60, 70 y 80, algo que queda claro antes de que Harry emerja en el escenario.
Sin hacer gala de una producción mastodóntica -el escenario se extiende simplemente con una pasarela que dibuja un cuadrado-, Harry ofrece efectivamente un espectáculo que mira al pasado del pop. Las plataformas esféricas instaladas en el escenario -en las que toca la banda- asemejan las de los platós musicales de los años 60, las que hoy solo vemos a través de vídeos virales o descubrimientos fortuitos en Youtube. Las pantallas proyectan imágenes igualmente retro, animadas, similares a las que introducían las películas de Alfred Hitchcock u otros directores de la época. Después pueden transmitir imágenes de un robot tipo Wall-E divagando por el desierto, pero, en general, el concepto de ‘Love On Tour’ es un regreso a la “golden” era de la cultura pop.
En este contexto, Harry asume encantado el papel de maestro de ceremonias divertido y encantador. Él es el chico perfecto para encarnar este arquetipo televisivo: afable, simpático, guapo, explota su vis cómica cuando quiere y siempre te saca una sonrisa. Harry se obsesiona con pronunciar la palabra “Barcelona” como si fuera “un turista americano que ha estado aquí una sola vez”. A sus fans recuerda que, si se encuentran mal, le avisen y para el show. A la mitad se asegura de que cada uno de los integrantes de su banda se hidrate debidamente.
Harry sale al escenario bailando, mirando hacia arriba, haciendo su movimiento de las pistolas, sacudiendo ligeramente la cadera, exudando confianza pero reservándose una pequeña dosis de esa timidez con la que le conocimos. El escenario lo escanea entero, de arriba a bajo, de un lado a otro: nadie se queda sin saludo. Ataviado con un ligero chaleco azul que descubre sus pectorales y múltiples tatuajes, enfundado en una mala idea llamada pantalón de cuero (dice que hace mucho calor), Styles sabe divertir y entretener apoyándose en un repertorio sólido y en un carisma innegable.
En ese lugar se ubica también un repertorio que empieza con un tema tan italiano como ‘Daydreaming’ y que transita sonidos que van del R&B psicodélico (‘She’) al disco (‘Cinema’) pasando por el pop de los ochenta (‘Late Night Talking’). Harry encandila especialmente en las canciones acústicas, como la preciosa ‘Matilda’, una de sus favoritas, porque vocalmente son más cómodas para él. Digo esto porque Harry evita realizar ciertos agudos durante el show, como los del estribillo de ‘Adore You’, probablemente para no machacarse la voz demasiado pronto. A ‘What Makes You Beautiful’ llega a duras penas. Todo sea por lucirse en ‘Sign of the Times’, ya en el bis. Ahí es donde mete sus desahogos rockeros: primero suena ‘Kiwi’… y resulta que ‘As it Was’ no es el baño de masas final: Harry regala a sus fans una interpretación de ‘Medicine’ que provoca la histeria colectiva.
Sobre todo, Harry es responsable con sus fans, a las que sabe reconocer y cuidar sin pasarse de la línea, aunque le lluevan objetos de todo tipo durante todo el show, de gorros de cowboy a boas de colores pasando por inflables con forma de plátano o la bandera LGBTQ+, que Harry pasea con orgullo. Ninguno le da en el ojo ni en los genitales, por suerte. Harry dedica un segmento del concierto a leer las pancartas que han traído sus fieles y a interactuar con ellas. Con las de las primeras filas, claro. Una fan afortunada consigue que Harry lea su nota final de grado delante de 56.500 personas. Grabando el momento con el móvil como buenamente puede, la chica se queda a un guiño de ojo de Harry del desmayo, pero todo bien.
La poca presencia de canciones de su debut en el concierto demuestra que el éxito de Harry Styles ha sido realmente progresivo, acorde con la madurez de él y el de sus fans. Durante el show no puedo dejar de pensar en que tanto ‘Fine Line’ como ‘Harry’s House’ son ya dos álbumes icónicos, y ‘Love On Tour’ es por tanto una gira histórica, la plena realización de ese muchacho afable que sabe dar un show a la altura de las circunstancias. Eso, hoy, también está fuera de discusión.
Corría el año 2005 cuando se publicó un disco fundamental para el movimiento trans. Un disco que ni siquiera entre el colectivo LGTB+ es recordado como debería. En aquella obra maestra llamada ‘I Am a Bird Now’, ANOHNI -entonces Antony Hegarty, líder de Antony & the Johnsons- hablaba de su transición con una mezcla de dolor y resignación, ante un mundo que no la entendía. A veces la muerte aparecía en escena casi como alivio (‘Hope There’s Someone’), mientras canciones como ‘You Are My Sister’ parecían anticiparse a conceptos antagónicos como «sororidad» y «trans-excluyente».
Poco a poco después de aquello, fuimos perdiendo la pista a ANOHNI, en parte porque su obra posterior sonaba cada vez más abstracta, en parte porque ella misma fue publicando cada vez menos música. Este nuevo disco, que firma al mismo tiempo como ANOHNI y como Antony and the Johnsons en las plataformas de streaming, y de manera más adecuada como ANOHNI and the Johnsons en la portada del álbum físico, es una reconciliación en todos los sentidos.
En primer lugar, es una reconciliación con una banda. Y en un mundo de pop artificioso, fórmulas matemáticas para el éxito, inmediatez y fugacidad, es todo un placer escuchar un disco grabado al modo de ‘My Back Was a Bridge for You to Cross’. Músicos como el guitarrista y pianista Leo Abrahams, Chris Vatalaro o Sam Dixon dan una cadencia soul, casi jazz, a exquisiteces como el single ‘It Must Change’. La propia ANHONI cuenta que ha grabado tanto esta canción como ‘Can’t’ en una sola toma, en directo. Y la ha ayudado Jimmy Hogarth, especializado en revival soul tras haber trabajado con Amy Winehouse, Duffy, Corinne Bailey Rae o Estelle.
A directo suenan muchos de los pasajes del álbum, como las agresivas guitarras de la experimental ‘Go Ahead’, que no son tan representativas como para ser el corte 2 de este trabajo, pero que están ahí probablemente porque su intención precisamente es molestar, llamarte a la acción, evitar una escucha pasiva de lo que este disco nos quiere contar. Lo cual es también evidente en la deriva de las guitarras crepusculares de ‘Rest’, que parecen levantarse precisamente desde un lecho de muerte.
En segundo lugar, este álbum es también una reconciliación con aquel oyente que llenó salas de considerable tamaño para presenciar los directos de ‘I Am a Bird Now’, en el sentido de que vuelve a ofrecer melodías tarareables. Que por otro lado es la mejor manera de que su mensaje cale. Ambas cosas quedan claras en ‘It Must Change’, donde la melodía más pegadiza del álbum se mezcla con su letra igual de directa. «El modo en que me hablas, debe cambiar. Las cosas que me haces. El modo en que me dejas. Las semillas que me das, deben cambiar», reivindica.
También accesibles y comprensibles por todos son ‘Why Am I Alive Now’ o ‘Sliver of Ice’, la cual nos lleva a las influencias primigenias de ANOHNI antes de experimentar con la electrónica. Porque también con Lou Reed es un reencuentro en cierta medida, pues aunque nos parezca mentira, ambos colaboraron en ‘I Am a Bird Now’. Al líder de la Velvet recuerda la melodía de ‘Sliver of Ice’, además inspirada en algunas de las últimas palabras que Lou Reed intercambió con la artista, cuando ya estaba muy enfermo. En concreto, Lou lloró de gratitud cuando alguien le recordó el placer de sentir un cubito de hielo en la boca.
El amor se transforma en odio en ‘Scapegoat’, un tema en que «el chivo expiatorio» se rebela contra alguien abofeteable, o peor, «digno de ser matado». «Puedo darte un puñetazo y poner todo mi odio dentro de tu cuerpo», plantea sin cortarse un pelo. En contraste, la letra de ‘Go Ahead’ es una rendición que suena desafiante: «estás determinado a derribarme y no te pararé».
Vencedores o vencidos, los textos son lo suficientemente claros para que sepamos que son combativos, y lo suficientemente abiertos para abrazar diferentes causas. Conocemos cuál es la causa principal de ANOHNI -la portada es una foto de Marsha P. Johnson, activista LGTB+ asociada a Stonewall- pero ‘It’s My Fault’ habla de alguien que ha destrozado «la Tierra» y ‘Why Am I Alive Now’, con las estupendas cuerdas de Rob Moose, se refiere también al cambio climático cuando habla de la muerte de «árboles» y de un mundo que padece.
No es casualidad que la peor transfobia y el negacionismo climático vengan de los mismos sujetos en 2023. Recurriendo a los sonidos atemporales de música tan contestaria y marginal como fueron el soul y el jazz, ANOHNI nos ofrece una obra sentida, que seguramente también interpretemos como pionera en el futuro. Un futuro en el que no nos creeremos que ciertas cosas evidentes, necesarias, inofensivas hayan sido cuestionadas ni hayan generado tanto odio. Sólo el día en que hayamos superado eso, comprenderemos del todo el maravilloso título de este álbum. En él, Marsha parece hablarnos, como ANOHNI hablará a generaciones venideras.
Cuando los miembros de One Direction se separaron, cada uno tomó un camino. El de Zayn ha estado marcado por el misterio y la seriedad. Y, después de 6 años sin conceder entrevistas ni hacer apariciones públicas, el cantante se ha sentado a charlar con Alex Cooper, del podcast ‘Call Her Daddy’. Durante la entrevista ha hablado de la separación de One Direction y cómo vivió la fama desde tan joven, de la ansiedad y de su nuevo tema ‘Love Like This’.
El artista ha explicado que antes de él abandonar One Direction «ya había mucha política» y que «algunas personas estaban haciendo sus cosas y otras no querían firmar contratos». Él solo se adelantó a lo que era inevitable, el fin. Además, ha confesado: «Estábamos hartos los unos de los otros. Habíamos estado todos los días juntos, durante 5 años. Habíamos vivido cosas que nadie entendería, solo nosotros».
Aunque no habla mal de sus compañeros, Zayn reconoce que el motivo de que sea tan reservado como solista es porque ya estuvo «muy expuesto cuando era muy joven». Durante la entrevista habla de la ansiedad, de cómo incluso esa charla es un reto para él. Pero a Zayn le gusta vivir lejos del foco mediático. Por eso, a la pregunta del incidente con su ex-suegra, Yolanda Hadid, defiende su privacidad y la de su hija y no se pronuncia.
Sobre su próximo tema ‘Love Like This’, que se estrena el 21 de julio, ha dicho que «es un tema de verano. De buenas vibras y veraniego». Además, confirma un álbum nuevo que dice, tendrá un sonido diferente y mucha narración de su propia vida.
Zayn reveals that one of the reasons he left One Direction was because he wanted to be the first to go solo:
“I completely, selfishly wanted to be the first person to go and make my own record, if I’m being completely honest with you. I was like, 'I’m gonna jump the gun here… pic.twitter.com/eRwyVOJn6r
Zayn tells 'Call Her Daddy' that there was "a lot of politics going on" before his decision to leave One Direction:
“Certain people were doing certain things. Certain people didn’t want to sign contracts. So I knew something was happening [and] I just got ahead of the curve,” pic.twitter.com/YLEUPBzrMC
Pedro Almodóvar, Rozalén y Serrat son 3 de las 300 personalidades que han pedido el voto progresista. Lo han hecho a través de la firma del manifiesto ‘¡A las urnas las ciudadanas y los ciudadanos!’, en el que han llamado a «acudir masivamente a las urnas, desde el firme convencimiento de que no es el momento de retrocesos».
No solo son personas del mundo de la cultura, también hay abogados, arquitectos e historiadores. No han faltado políticos como Manuela Carmena y los sindicatos Comisiones Obreras y UGT. Aunque no han nombrado a ningún partido en concreto, sí que han manifestado que «sería injusto y miope no reconocer los buenos resultados del gobierno de coalición en materia social, de crecimiento y estabilidad del empleo».
Esta declaración la ha leído la actriz Amparo Climent, que ha dicho que estas elecciones del 23J son «especialmente decisivas». Según los firmantes, esto se debe a la «ofensiva conservadora, con derivaciones ultraderechistas, tanto en España como en otros muchos países de Europa». Otras personalidades que también han firmado Miguel del Arco, Javier Bardem, José Sacristán, Lola Herrera, Juan Diego Botto, Carmen Machi, Juan Echanove, Rossy de Palma, Aitana Sánchez Gijón, Anabel Alonso, Luis Miguel Montero, Javier Cercas, Rosa Montero, Andreu Buenafuente y El Gran Wyoming.
Hace unas semanas destacábamos el notable último disco de la argentina residente en España SIMONA, ‘ESFERA DE AMOR‘. Allí aparecía ‘ÁMATE’. Se trata de una composición que habla sobre la autoestima, recordando cuánto debemos cuidarnos y amarnos a nosotros mismos. Y no es una balada a lo ‘Beautiful’ de Christina Aguilera, sino una producción de reminiscencias trance y synth-pop que acepta el calificativo de bailable.
Hoy tenemos el placer de estrenar en exclusiva el vídeo con la actuación grabada para IRL en un particular escenario. Creadas por VLEX, las sesiones IRL son dirigidas, realizadas y editadas por Álex Vidal (TURIAN BOY), y producidas en el espacio madrileño sito en Vista Alegre, HYPER HOUSE. Cuentan con la dirección de arte de Aida Salán Sierra, y el diseño gráfico de Kimberly Gätjens.
IRL es un proyecto audiovisual que graba en directo a «les artistes que forman parte de la escena más vanguardista». Les lleva a un nuevo plano mediante una realización, dirección de arte e intervención del espacio adecuada a cada propuesta. Las IRL son sesiones «donde generar un interés extra en les artistes para mostrar tanto su música como su puesta en escena en directo y así ampliar su fanbase, crear nuevo contenido, etc».
A su vez, VLEX se define como «un sello-colectivo que tiene el objetivo de crear una nueva realidad en la industria musical, más plural, abierta y siempre apostando por las corrientes más vanguardistas en música, moda y arte». Reivindican la libertad creativa dando «una mayor visibilidad hacia los colectivos no normativos dentro de la industria musical».
En este caso, artículos de limpieza rodean a SIMONA en este lugar adaptable para el que “se invita al espectador a encontrar su espacio y amor propios dentro de un mundo vasto, caótico e inmenso”.
IRL ha presentado otras sesiones igual de excelentes que esta. Esta es la cuarta entrega de una serie por la que han pasado otros artistas como LVL1, Teo Planell y valverdina. Os dejamos con los cuatro vídeos.
Grian Chatten es uno de los vocalistas fundamentales de la actualidad, al menos en el panorama underground, gracias a su trabajo en Fontaines DC. Kae Tempest está entre las personas que se han dado cuenta y por eso le invitó a colaborar en su último álbum pese a que ambos parecieran venir de mundos tan opuestos.
Ahora está promocionando su primer disco en solitario, ‘Chaos for the Fly‘, con una serie de canciones que no tenían nada que ver con la dirección que Fontaines DC querían tomar en el futuro. Más inspiradas en el folk de Nick Drake o Leonard Cohen, pero con matices bajo la producción de Dan Carey.
Antes de que salga este lanzamiento, Grian Chatten me atiende desde la otra línea telefónica y me habla sobre estas cuestiones y sobre la improbable influencia española del disco. Más descolocado que Pedro Sánchez ante la ametralladora de mentiras de Feijoo en un debate televisivo, soy incapaz de reaccionar a la mención de Pedro Almodóvar nada más comenzar la entrevista. Solo a posteriori se me ocurre que la portada del álbum parece la viva imagen promocional de la piscina de ‘Dolor y gloria’.
¿Qué crees que une tu disco? ¿Qué lo hace sonar como un disco a pesar de que hay varios estilos?
Hay 2 respuestas. Por un lado está el tema principal, la idea de susceptibilidad contenida en el título ‘Chaos for the Fly’. Y luego, ciertas ideas de producción de Dan Carey, de frecuencia de sonidos y demás. Todo suena como un film hiperrealista. ¿Conoces a Almodóvar, el director?
¡Pues claro!
Si piensas en la paleta de colores de sus películas, en cómo está todo impregnado de color en sus películas… el disco suena así.
¿Tú crees? Almodóvar son colores, pero creo que tu disco suena más gris. ¿Para ti es tan colorido?
¡Me gusta pensar que sí! (risas)
Habría un tema que sí me podría sonar lleno de color: ‘Bob’s Casino’.
Para mí también. Pero va sobre alguien que bebe hasta morir… Eso no tiene mucho color…
Vale (risas) A esta invito yo…
«No quiero sonar demasiado «cheesy» o hippie, pero creo que tengo una conexión espiritual con España»
He leído que has escrito parte del álbum en Jerez y Madrid. ¿Y eso? ¿Cuándo viniste a España por primera vez?
Siendo más joven. No quiero sonar demasiado «cheesy» o hippie, pero creo que tengo una conexión espiritual con España. Los colores, los sitios, las ciudades… me inspiran mucho.
¿Qué lugar has conocido mejor?
Probablemente Madrid. ¿De dónde eres?
De Madrid.
Hice una canción llamada «Retiro», pero no toco la guitarra muy bien. Carlos (NdE: el madrileño de Fontaines DC) la ha intentado tocar durante años, a ver si la termino.
¿Cuánto tiempo has pasado aquí?
Nunca he estado mucho tiempo seguido, pero por ejemplo fue el primer sitio donde fui sin mis padres. Tuve una experiencia muy enriquecedora. ¿Conoces el ‘Gran Gatbsy’? Es un poco así. Siempre pensando en recuperar el pasado, quizá a mí me pasa algo así.
No quiero hablar mucho más de España. ¿Porque este tampoco es tu disco español, no? No suena así…
No, no creo. España es una revelación, pero no he escrito la música en ese sentido.
Háblame de esas ideas de producción que ponen todo el disco en común. Porque yo percibo elementos de folk, de Nick Drake a Bob Dylan en el momento armónica… pero también cajas de ritmo. No todo es tan folk.
Es muy añejo. Todo suena con frecuencias muy altas. Aunque a ti te suene gris, suena luminoso, hay llamaradas, hay algo brillante. La idea era que pareciera casi como una estimulación, algo irreal. Fue un trabajo con Dan Carey. Pero bueno, estoy de acuerdo en que también es como una colección de canciones.
‘The Score’ es una canción sobre la lujuria, que suena oscura, ¿la lujuria es algo oscuro?
Puede serlo. Me influyó mucho Leonard Cohen en esa canción. Seguro. Hay algo pesado, a veces, de nuevo muy ‘Gran Gatsby’. Hay un deseo manifiesto, es algo muy poderoso.
¿De qué va ‘Bob’s Casino’, sobre la que te preguntaba antes, y que es de las que suenan más alegres?
Crecí en un lugar pequeño al norte de Dublín y es sobre la atmósfera, la sensación de aislamiento que hay allí, y sobre la adicción. Suena casi feliz musicalmente porque quería expresar una fantasía, la bonita fantasía que hace a alguien cantar antes de que ocurra algo oscuro. Quería que fuera las dos cosas.
¿Encuentras belleza en las contradicciones?
Sí, te da una imagen más completa. Cuando ves lo bueno y lo malo. Muchas de mis canciones favoritas tienen de las dos cosas. Como ‘There She Goes’ de The La’s. Te piensas que es una cosa más alegre cuando eres pequeño, y luego te das cuenta de lo que va. Es algo que te vuelve loco.
Tu voz es fundamental en tu música. ¿La educas, la cuidas, eres consciente de su potencial?
No le hago caso. Fumo, bebo, no duermo demasiado, pero la uso mucho. Soy muy consciente de cómo suena. Miro muy de cerca cómo equilibrarla, en cuanto a susurros, frecuencias, algunas notas… La he trabajado mucho en este disco, sobre todo en ‘The Score’. Lo mejor que he hecho por mi voz ha sido trabajarla un poquito más.
¿Cuándo te diste cuenta de que iba a ser un elemento tan fuerte en tu música?
No hasta que estuve en Fontaines DC, hasta entonces me interesaba más escribir. Pero no creo que pensara en mí mismo como en un gran cantante, de los que confían mucho en sí mismos…
«Me gustaría llegar a un punto en mi vida en que pueda cantar canciones alegres. Pero primero viene la vida feliz, creo»
¿Crees que tu voz pega para cosas alegres?
Me gustaría llegar a un punto en mi vida en que pueda cantar canciones alegres (risas) Pero primero viene la vida feliz, creo (risas)
Este es tu primer disco en solitario, ¿te consideras buen músico? ¿Te las has apañado bien sin la banda?
Sí, escribo gran parte de las cosas de todo el proceso compositivo de Fontaines DC. En términos de tocar, no creo que sea como un profesional, pero para escribir y expresar sentimientos, sí. ¿Tocas algo?
Guitarra un poco. Los acordes. Te pregunto porque te veo muy cómodo con el micrófono, no eres el típico cantante de grupo que se cuelga la guitarra.
Cuando toco con Fontaines DC, me emociono demasiado con la música como para sostener una guitarra. Necesito ir andando y reaccionar físicamente a lo que estoy diciendo. Creo que una de las decisiones de no tocar la guitarra en la banda era para que la gente se tomara en serio las palabras que estoy diciendo. Y desprende más fuerza estar sosteniéndolas.
«No toco la guitarra en Fontaines DC para que la gente se tome en serio las palabras que estoy diciendo»
En ‘Fairlies’ hablas de amabilidad y enfado. El concepto de enfado es muy interesante. A veces pienso que es eminentemente masculino, porque no veo en mis amigas la ira que a veces veo en mis amigos o en mí mismo. ¿Qué piensas tú de la masculinidad?
Creo que nunca he hecho nada de lo que avergonzarme por estar enfadado. Pero sí que es verdad que uno de los retos de la masculinidad es el de estar en control de tu ira. Parece que no debes mostrar que eres paciente, correcto y claro. Parece que es más atractivo estar enfadado: es algo bastante patético. Como hombre, no sé tú, pero sí percibo que tenemos una herencia, una necesidad de ser más grande que otra persona en ciertas situaciones. Como seres humanos parece fundamental, y es sonrojante.
De todas formas, esta canción no iba sobre esto.
No. Es sobre no sentirte autorizado a vivir tu vida, no sé si por locura, sueño, distracción… ‘Fairlies’ son como espíritus que te llevan, pero eres tú mismo. Las voces son como la depresión.
«Como hombre, sí percibo que tenemos una herencia, una necesidad de ser más grande que otra persona en ciertas situaciones. Como seres humanos, es sonrojante»
‘East Coast Bed’ habla sobre la niñez, pero la mujer que aparece no es una madre. ¿De qué va?
Hay un deporte en Irlanda llamado «hurling». Yo jugaba y mi entrenadora era una mujer llamada Rooney. Como mis padres trabajaban mucho, a veces me cuidaba y me recogía del cole, yo jugaba con sus hijos. Es como una segunda madre. Murió el año pasado, la enterramos, así la que «East Coast Bed» es por un lado la cama que su familia me ofreció cuando mis padres tenían que trabajar. Fue un lugar seguro para mí. Y también esa es la cama en la que la enterramos.
(NdE, tras ofrecer mis condolencias) ¿De qué tema estás más orgulloso en este disco?
‘All of the People’. Creo que es por la composición, tiene unos pilares muy fuertes. Tengo la sensación de que uso menos colores potentes para expresarla y aun así doy una gran foto, muy precisa.
Esta canción me hace odiar a la gente, y necesito querer a la gente. Si esto sigue así, yo me suicido: la política es horrible, ¡no puedo! ¿No necesitas creer en la gente?
(risas) Estoy de acuerdo contigo: ¡no me quiero sentir como en esa canción! Pero esta canción me libera de esos pensamientos. La cuestión es poner ese sentimiento en una botella -la canción- y que luego puedes cerrarla.
Lady Gaga continúa sumando victorias en el caso del secuestro de sus dos bulldogs franceses: la cantante no deberá pagar 500.000 dólares a Jennifer McBride, la persona que devolvió los perros, porque está condenada en relación al suceso, al ser una de dos cómplices.
Como recordaréis, en febrero de 2021 dos atracadores sorprendieron a Ryan Fischer paseando los perros por las calles de Hollywood y le robaron los dos canes a punta de pistola. Un tercero perro logró huir. El amigo de Gaga forcejeó con los atacantes y recibió un disparo en el pecho que le mantuvo hospitalizado varias semanas. En total, cinco personas fueron condenadas en relación al secuestro. El autor del disparo afronta 21 años de prisión.
En un acto de desesperación, Gaga ofreció 500.000 dólares a la persona que entregara sus dos perros sanos y salvos, «sin hacer preguntas». Una mujer, Jennifer McBride, devolvió los perros y reclamó el dinero. Sin embargo, se descubrió que McBride tenía conexiones con el delito (salía con el padre de uno de los secuestradores) y fue acusada de ser cómplice del secuestro. McBride fue condenada por recibir propiedad robada con conocimiento de causa.
Hace unos meses, McBride demandó a Gaga por no haber pagado el dinero prometido. La estrategia no ha funcionado pues, ahora, un juez ha desestimado su demanda al considerar que «le permitiría beneficiarse de su irregularidad admitida». En otras palabras, ni McBride ni nadie «puede sacar beneficio de su propio acto delictivo”. McBride tiene 20 días para recurrir la demanda, pero todo apunta a que no verá un duro, y que Gaga seguirá feliz con sus perros.
Últimamente, la autora de ‘Chromatica‘ ha querido comunicarse con sus fans y explicar por qué no está tan activa en redes como antes. Gaga no para y, además de promocionar sus diferentes proyectos de cosmética, acaba de terminar el rodaje de la próxima película de ‘Joker‘.
Milan Kundera, el escritor checo autor de ‘La broma’ (1967), ‘El libro de la risa y el olvido’ (1979) o ‘La insoportable levedad del ser‘ (1984), ha fallecido este miércoles a los 94 años de edad, ha confirmado la televisión pública checa.
Conocido por sus novelas, pero también por su labor como dramaturgo o poeta, o por sus ensayos y relatos cortos, Kundera fue uno de los autores europeos destacados de la segunda mitad del siglo XX. Como autor checo fue crítico con el totalitarismo de la Unión Soviética, aunque como en su primera novela, ‘La broma’ (1967), una sátira del estalinismo que fue un inmediato éxito internacional. Estéticamente, su obra podía adquirir un cariz filosófico y existencialista.
El componente filosófico de la obra de Kundera quedó plasmado en su novela más popular, ‘La insoportable levedad del ser’ (1984), cuyo icónico título a muchos les sonará aunque no hayan leído el libro. Un relato existencialista sobre la vida en pareja, con el telón de la represión comunista de fondo, que no ha abandonado las estanterías. ‘La insoportable levedad del ser’ tardó 22 años en ser editado en República Checa: fue en 2006.
La vida de Kundera -personal y profesional- estuvo marcada por la disidencia política, aunque él no se considerara disidente. En 1950 fue expulsado del Partido Comunista, al que se afilió al término de la Segunda Guerra Mundial, por presuntas actividades contra el partido. En 1956 fue readmitido, y en 1970 fue expulsado de nuevo por su participación en la Primavera de Praga. En 1967 las novelas de Kundera fueron prohibidas en Checoslovaquia y el escritor tuvo que ganarse la vida -entre otros empleos- como pianista de jazz, pues su padre era el reconocido músico Ludvík Kundera y Kundera sabía tocar el piano desde niño.
En 1975, Kundera emigró a Francia gracias a que las autoridades checoslovacas le dieron el permiso para hacerlo. Se instaló en París, ciudad en la que ha vivido durante los últimos 50 años y en la que ha fallecido. Desde 1993, Kundera ha escrito todas sus novelas en francés, y en este idioma han sido redactadas sus últimas cuatro obras, ‘La lentitud’ (1995), ‘La identidad’ (1998), ‘La ignorancia’ (2000) y ‘La fiesta de la insignificancia’ (2014).
Jamila Woods ha anunciado ‘Water Made Us’, un nuevo álbum que verá la luz el 13 de octubre. La cantante (y poeta, profesora, activista y compositora) lo estrena después de 4 años desde su ‘LEGACY! LEGACY!’. Además, ha adelantado un tema, ‘Tiny Garden’, en el que recoge la esencia de este nuevo disco. Woods ha llevado a cabo un proceso de autorreflexión y ha encontrado el hilo conductor: el amor y las relaciones que la han acompañado a lo largo de su vida.
‘Tiny Garden’ habla de una forma de amar que no es extravagante, pero no por eso es menos bonita. «No es una gran producción / No habrá mariposas o fuegos artificiales / Más bien es un jardín pequeño», canta en el estribillo Jamila Woods. Esto lo cuenta con una voz dulce en un R&B que hace imposible sentir pena por esta forma de querer. No lo hace con maldad, pero deja claro que el cariño que es mucho ruido y pocas nueces no va con ella: «Pero lo alimentaré todos los días / Lo alimentaré».
De hecho, en el videoclip que ella misma ha dirigido, el agua tiene mucho protagonismo. Mientras riega la naturaleza, muestra como el agua alimenta ese ‘Tiny Garden’ que es para la artista el amor. «Mi corazón funciona de forma lenta y constante», explicaba Jamila de este nuevo single.
En sus dos anteriores álbumes Jamila Woods reivindicó asuntos como el feminismo interracial, la lucha racial y de clases. Pero ‘Water Made Us’ ya no es un trabajo ligado al activismo, más bien una recopilación de los pensamientos y preguntas que le han ido surgiendo en materia de relaciones amorosas. «Durante 2 años me convertí en mi propia fuente de inspiración», cuenta la artista. Espera que su tercer álbum sea como «una playlist que te lleve por todas las etapas de una relación, sin importar el momento en el que esté tu corazón».
The Drums, desde hace rato el proyecto unipersonal de Jonny Pierce, vuelve con nuevo disco. ‘Jonny’ sale el 13 de octubre a través de ANTI Records. ‘Brutalism‘, el anterior álbum de The Drums, salió en 2019, hace ya cuatro años.
Citando la nota oficial, ‘Jonny’ es «una obra desgarradora, juguetona, estridente y serena a la vez, que aborda el arraigado trauma infantil que sufrió Johny Pierce, miembro fundador de la banda, al crecer en una comunidad religiosa de culto en el norte del estado de Nueva York, y supera la larga sombra que proyectó sobre su vida y sus relaciones durante años».
En ‘Jonny’, el cantante de The Drums escribe una «carta de amor» a las diferentes versiones de sí mismo con las que ha convivido, desde la infancia hasta la vida adulta pasando por la adolescencia o su rol de performer. Cada single representa una versión diferente de ese yo. Ya estaban disponibles ‘I Want it All’, ‘Plastic Envelope / Protect Him Always’ y ‘Obvious’ y hoy es posible escuchar ‘Better’. Todos ellos conservan el sonido de indie-pop surfero marca de la casa.
1. I Want It All
2. Isolette
3. I’m Still Scared
4. Better
5. Harms
6. Little Jonny
7. Plastic Envelope
8. Protect Him Always
9. Be Gentle
10. Dying
11. Green Grass
12. Obvious
13. The Flowers
14. Teach My Body
15. Pool God
16. I Used to Want To Die
Estos días se ha viralizado la imagen de la reunión de Iván Méndez, David Méndez y Ramón Noguera, directivos de la empresa que organiza festivales en el norte de España, como Tsunami Xixón y Gijón Life, con Óliver Suárez, futuro presidente de Divertia -la empresa municipal que abarca las áreas de Festejos, Teatro Jovellanos, y Festival Internacional de Cine- y concejal de Vox en el Ayuntamiento de Gijón. La foto era tomada dentro de la sede de Vox.
A raíz de la publicación de la foto, uno de los grupos confirmados en el cartel de Tsunami Xixón, La Élite, ha decidido no actuar. «No son momentos para grandes comunicados, sino de acciones. Así pues después de la reunión que mantuvieron organizadores del festival Tsunami en la sede de Vox en Gijón, hemos decidido no tocar en dicho evento», expresan Nil Roig y David Burgués en un breve comunicado. «Entendemos que es necesaria la reunión, pero que se haga en el Ayuntamiento y sin la posterior difusión en redes, ya que es humillante para los artistas que participamos en este. La Élite nunca participará en donde el fascismo intente poner su sombra. VIVA LA LIBERTAD!!!»
En su post, los autores de ‘Nuevo Punk‘ hacen referencia a un comunicado previamente publicado por Tsunami Xixón en el que el festival explica su decisión de reunirse con Suárez, en el que señala que «para la correcta realización de Tsunami Xixón Festival, es totalmente necesario reunirse con cargos electos de la ciudad, y con todas sus autoridades públicas». El festival explica que esto «es necesario para gestionar diferentes permisos, para poder mejorar cada año, en definitiva para que el festival se lleve a a cabo, para seguir trayendo a los más grandes artistas internacionales, nacionales y asturianos a Gijón y para que en Asturias se siga celebrando uno de los mayores y mejores festivales de punk rock del mundo».
En el comunicado, Tsunami Xixón aclara que está «totalmente a favor de la libertad de expresión y en contra de que se utilice el festival de forma partidista o electoral» y apunta que «siempre estaremos en contra de cualquier tipo de censura a la libertad de expresión». En el texto, Tsunami Xixón indica que siempre se asegurará «de que todos los artistas nacionales e internacionales que forman parte del festival puedan expresarse libremente y comunicar lo que deseen en sus letras en castellano, asturianu, galego, euskara, català, inglés o en la lengua que deseen»
En el texto, Tsunami Xixón, concluye que el festival «siempre ha sido y siempre será un punto de encuentro con la libertad y la multiculturalidad» y «un festival donde su público siempre es bienvenido sea cual sea su origen, sus creencias, preferencias, opiniones, cultura u orientación sexual».
Ahora mismo, a julio de 2023, ‘Un Verano Sin Ti’ de Bad Bunny es el álbum más escuchado en toda la historia de Spotify a nivel mundial. El trabajo del cantante de ‘Me Porto Bonito’ acumula 13.493 millones de reproducciones y ha sobrepasado a Ed Sheeran. Hasta ahora él era el que tenía esta primera posición con los 13.491 millones de escuchas de ‘÷ (Divide)’.
Es cierto que el disco de Bad Bunny es el que más temas tiene de este Top 10, 23 en total. Solo le supera ‘Dua Lipa’, de Dua Lipa, en su versión «Complete Edition». En este caso, no se cumple el refrán «quien mucho abarca, poco aprieta», casi todos los temas de ‘Un Verano Sin Ti’ tienen más de 500 millones de reproducciones. Por eso, cabe reconocer el mérito de Olivia Rodrigo y su ‘Sour’, que con solo 11 canciones, es el noveno disco más escuchado del ranking.
El Top 10 completo aquí:
1. Un Verano Sin Ti, Bad Bunny
2. ÷, Ed Sheeran
3. Dua Lipa, Dua Lipa
4. Hollywood’s Bleeding, Post Malone
5. Beerbongs & Bentleys, Post Malone
6. Starboy, The Weeknd
7. Future Nostalgia, Dua Lipa
8. After Hours, The Weeknd
9. Sour, Olivia Rodrigo
10. When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, Billie Eilish
Britney Spears anunciaba ayer vía Twitter que tenía «grandes noticias para hoy» que la tenían emocionada. Todo apuntaba al estreno de nueva música, pero finalmente People ha anunciado que la gran noticia era acerca de su libro. El libro que comenzó a anunciarse hace ya un año y medio.
Tras mucha demora, parece que la artista está preparada para contar su historia y esta verá la luz el 24 de octubre, aunque ya se puede hacer el pre-save. Según la editorial Gallery Books, Britney Spears «revelará por primera vez su increíble viaje y mostrará la importancia de que una mujer cuente su propia historia en sus propios términos». También se ha publicado la portada, en la que se ve a una Britney muy joven junto al título, que hace referencia a ‘I’m Not a Girl, Not Yet a Woman’.
La cantante de ‘Toxic’, que terminó estas memorias en abril, firmará un contrato de 15 millones de dólares por su libro. Esta toma de control de su vida llega después de su victoria en los tribunales contra la tutela en la que ha estado durante más de 13 años. En 2021, cuando consiguió ponerle fin, la artista dijo: «Solo quiero recuperar mi vida». Parece que en octubre dará un gran paso.
Curtida en los años 90, PJ Harvey es muy difícilmente asociable a ningún movimiento de aquella época. No era una cantautora al uso. Sus guitarras eran crudas pero no grunge. Apenas la vinculábamos con las riot-grrrls americanas, en las que podía encajar por estética e ideas. Ni mucho menos con el pop de MTV, donde solo figuró un par de veces como por equivocación. El Brit Pop le era ajeno igual, pese a ser británica y pese a lo necesitado que estaba aquel movimiento de referentes femeninos. A posteriori, es fácil concluir que siempre fue un género en sí misma.
Mientras muchas figuras de aquella época sobreviven con más o menos dignidad, algunas haciendo aún alguna canción chula, otras ya en el olvido casi total, PJ Harvey sigue su propio camino otra vez. Saca discos cada 5 o 7 años, cuando encuentra algo que decir, y ese algo está siendo incluso más sorprendente de lo que podríamos haber adivinado por discos como ‘Rid of Me’ (1993) o ‘To Bring You My Love’ (1995).
La autora de obras tan accesibles -‘Stories from the City, Stories from the Sea‘ (2001)- como inquietas -‘White Chalk’ (2007), ha pasado a ser una excelente autora de discos conceptuales. ‘Let England Shake‘ (2011) hablaba de la historia de Reino Unido a través de sus conflictos bélicos. De manera más inesperada aún, ‘The Hope Six Demolition Project‘ (2016) aunaba viajes a Kosovo y Afganistán con otro a Washington DC, como reflexión sobre el mundo de hoy. Este nuevo disco, ‘I Inside the Old Year Dying’, el primero en 7 años, puede recordar por lo que tiene de sombrío a esas dos últimas obras hasta ahora, pero a la vez es un proyecto completamente diferente.
Cuenta la artista que por primera vez pensó en tirar la toalla y no volver a hacer música. No se sentía inspirada. Sin embargo, parece que la dedicación a bandas sonoras de televisión y teatro -‘Eva al desnudo‘, ‘Bad Sisters’, ‘The Virtues’- la empujaron en la buena dirección. Escribió un libro de poemas llamado ‘Orlam’, centrado en una población imaginaria de Dorset llamada Underwhelem, donde se habla inglés antiguo. Como en el caso del disco anterior, tal libro de poemas la ha llevado a grabar un álbum junto a sus habituales colaboradores, Flood y John Parish.
La protagonista de la historia es una niña llamada Ira-Abel que tiene como ídolo a un soldado-fantasma llamado Wyman-Elvis. Elvis Presley es la inspiración de este personaje idolatrado, como sabemos a través de la repetición del lema «Love Me Tender» a lo largo de todo el disco, y también de la icónica mención a sándwiches de plátano y mantequilla de cacahuete de la letra de ‘Lwonesome Tonight’. Esta letra es una clara metáfora del paso de niña a mujer en un álbum de 12 canciones en que cada corte representa un mes diferente del año. El peligro de la muerte y la pérdida de la inocencia son algunos de los temas principales.
En ‘I Inside the Old Year Dying’ no encontramos tanto la recreación de una historia con presentación, nudo y desenlace, como la de unas imágenes muy visuales que nos sitúan en esta localidad de Dorset. ‘Autumn Term’ hace un paralelismo entre «un autobús escolar que sube una colina» y «ascender 3 pasos al infierno». Detrás de ti, unos ojos rojos aguardan entre la niebla salvaje. Y el tema incluye unos sonidos de patio escolar que aportan cierta inquietud.
Por su parte, ‘I Inside the Old I Dying’ describe con detalle el bosque -los fresnos, las hayas, las ranas, los sapos, los erizos- para hablarnos de una infancia que se desliza a través de nuestra piel. ‘A Child’s Question, July’ es una conversación con un seto que no tiene tanto que ver con el personaje de Lady Leño de ‘Twin Peaks’, pero que sí nos sugiere la creación de un universo propio como el de David Lynch, solo que por parte de PJ Harvey. 7 años después de modas y tendencias, este álbum es todo un mundo en sí mismo.
Y lo consigue no solo por la fuerza poética de la artista, complementada con referencias a ‘Hamlet’ de Shakespeare o Juana de Arco (final de ‘The Nether-Edge’), o con las narraciones de actores como Colin Morgan en ‘A Child’s Question, July’ y Ben Whishaw, este último haciendo de Elvis en ‘August’. Podemos considerar que el disco tiene un final, ‘A Noiseless Noise’, una invitación a volver a casa, que suena a forma de salvación («vete a casa ahora, amor, deja de deambular»). Pero son la música -esas percusiones ligeras, los efectos de guitarra, los sonidos ambiente- y la voz de Harvey las que enriquecen todo el discurso, dado su carácter nocturno y misterioso, desinteresado por situarse en ningún momento de la historia del pop concreto. Flotando aparte.
‘Seem an I’ («seems to me») tiene un principio ancestral que podría llevarnos a algún año remoto, tan remoto como ese inglés antiguo que domina todo el álbum. Sin embargo, los arreglos electrónicos aparecen y son fundamentales en otras pistas como ‘The Nether-Edge’ y ‘All Souls’. Las campanas de fondo en ‘I Inside the Old I Dying’ son un recurso excelente y PJ Harvey ha trabajado su voz para lograr que fuera lo más irreconocible posible, experimentando en los extremos. Por ejemplo, Flood le hizo cerrar los ojos y no le dijo dónde iba a situar el micrófono durante una de las grabaciones. ‘Prayer at the Gate’ tenía que ser cantada con la voz de una anciana, y ‘Autumn Term’, con la voz de una niña.
Aunque a veces es frustrante lo obtuso de algunos textos, el décimo disco de PJ Harvey vuelve a ser un tesoro que ir descubriendo durante meses. El tiempo que podemos tardar en comprender todos los entresijos de esta población con un diccionario de inglés antiguo en la mano. Nunca una obra de usar y tirar, es un nuevo gran disco de PJ en el que los “doo-doo-doo” de ‘Prayer at the Gate’, los menos de 2 minutos de la necesaria ‘I Inside the Old Year Dying’ o el guiño a sus inicios rockeros que supone el tema final, ‘A Noiseless Noise’, pueden tener tanta vida por separado, como ya la tuvo el adelanto ‘A Child’s Question, August’. En caso negativo, da igual. Tratar de repetir una fórmula ya testada nunca iba a ser una opción para esta artista.
Entre los artistas que han publicado disco estos días se encuentra Tainy. Su debut, ‘DATA‘, incluye colaboraciones a cascoporro de Bad Bunny o Myke Towers pero también Arca o Judeline; y acaba de colocar varios temas en la lista de singles española.
Entre esos temas que han conseguido irrumpir en la lista se encuentra ‘VOLVER’, una de las colaboraciones más improbables en papel. ‘VOLVER’, que ha entrado en el número 59, une a Tainy y a Rauw Alejandro con Four Tet, uno de los productores de electrónica más prestigiosos de las últimas dos décadas, y con Skrillex, uno de los más populares y exitosos.
La mezcla de nombres funciona. La parte de Four Tet viene de un sample de ‘Lush’, uno de los cortes incluidos en su disco de 2017, ‘New Energy‘, compuesto por una bonita melodía creada con un handpan. ‘Lush’ ha sido siempre uno de los temas destacados de aquel álbum, en palabras de mi compañero Sebas, «toda una lección para Crystal Castles sobre cómo construir un himno electrónico a partir de un instrumento clásico sin resultar en ningún momento excesivo o demasiado obvio». Parece que Tainy está de acuerdo.
En ‘VOLVER’, Tainy utiliza la melodía de ‘Lush’ para insertarla dentro de un beat de reggaetón clásico, e invita Rauw a canta por encima. Después, al final del track, Skrillex hace su aparición aportando un outro de beats de drum n’ bass y voces cortapegadas.
Más allá de que todos los elementos de ‘VOLVER’ son distinguibles y reconocibles, el tema funciona por sí solo y es un estupendo hit de reggaetón mutante que aporta nuevos aires al género, hasta el punto de que te hace desear que más productores descubran el catálogo de Four Tet y lo sampleen.
La letra de ‘VOLVER’ no deja de ser la típica súplica por un amor perdido. La letra lo dice (casi todo). Rauw, que canta como los ángeles, escribe a su ex, le pide que vuelva y, además, planta su bandera: «yo sé que tú me piensas cuando lo haces con él». Pero hay algo emotivo en su interpretación que solo puede venir influido por la melodía de ‘Lush’, que ya era acongojante.
El FIB vuelve a celebrarse un año más en Benicàssim, del 13 al 16 de julio, con un cartel que aúna pop anglosajón y escena nacional. Grandes nombres de aquí y de fuera como The Offspring, Franz Ferdinand, Bastille, Vetusta Morla, Crystal Fighters, Kaiser Chiefs, Orbital, Zara Larsson, Tom Odell, Amaia, The Wombats o La Casa Azul, figuran en la programación.
Con motivo de la inminente llegada del FIB, dentro de dos días, se da a conocer KAPPA X FIB 2023, la colección de camisetas oficial de FIB 2023, una colaboración con la marca italiana Kappa que sirve de homenaje al propio festival y también a la cultura futbolera. Como recordando la fuerte vinculación entre este deporte y el Brit Pop, o el icónico partido entre artistas y prensa que tantas veces se celebró en Benicàssim.
Se trata de cuatro camisetas de edición limitada, de manga corta, dos de estilo deportivo y dos de estilo streetwear. Las camisetas de estilo deportivo se inspiran en el diseño clásico de la camiseta de futbol tradicional y se componen de dos versiones. Por un lado, la camiseta que representa el equipo local utiliza un color azul muy llamativo y vistoso, incorpora la tipografía del festival y se inspira en el sponsoring que aparecía en las camisetas de futbol británicas durante los 80 y 90. Por el otro, la camiseta que representa el equipo visitante se compone de un estampado muy llamativo de palmeras como las que dibujan el icónico paisaje del FIB y que pertenecen al Desert de Les Palmes de Benicàssim, que se puede ver parcialmente desde el recinto.
Las dos camisetas de estilo streetwear, de corte recto y cuello redondo, están disponibles también en dos versiones, una blanca y otra negra. La blanca incorpora el logo de Kappa a un lado y el del logo que deletrea el FIB al otro y, en la espalda, reproduce el slogan «Fibers Are Family» que rodea una hoja de palmito. La negra, por su lado, utiliza el mismo logo de Kappa a un lado, el icónico logo del astronauta del FIB al otro y, en la espalda, reproduce íntegro el cartel de FIB 2023.
Con el lanzamiento de la colección de camisetas exclusiva de Kappa y FIB, la marca italiana y el festival valenciano celebran la llegada de uno de los festivales más importantes del circuito musical europeo y también el inicio de una temporada estival que volverá a producir nuevos y grandes recuerdos acompañados de música, sol y verano. Las cuatro camisetas ya están disponibles en pre-venta en la web oficial de Kappa.
La decisión de pinchar ‘The Boys Are Back In Town’ en el WiZink Center antes de la salida de Arctic Monkeys no podía haber sido más acertada. Después de 10 años sin actuar por su cuenta en Madrid, los de Sheffield celebraban anoche la primera de las dos citas en la ciudad, y no decepcionaron ni por un segundo.
Willie J Healey salió a la tarima como aperitivo de lo que estaba por venir y acabó siendo un buen entrante. El número empezó flojillo, con un sonido rock lo-fi un tanto vacío, pero remontó rápidamente gracias a temas como ‘Thank You’ y ‘For You’, dos de las joyas de su no tan extenso repertorio. Ligero y efectivo, el cantautor inglés amenizó la gran espera que, para algunos, había comenzado alrededor de las 6 de la mañana. La casualidad quiso que el mismo día en el que Alex Turner pisaba Madrid, esta se viese golpeada de lleno por una ola de calor. Sobre las 18:30 de la tarde, para cuando abrieron las puertas, el termómetro marcaba los 40 grados.
En estos 10 años, los Monos han lanzado dos discos de estudio, han formado familias y han madurado, y de qué manera, como músicos. Antes del lanzamiento de ‘The Car’, ellos mismos declararon que había ciertas canciones de sus anteriores elepés que ya no se veían tocando en directo. Es lo que tiene crecer. Seguramente se refiriesen a los temas del empalagoso ‘Suck It And See’, el cual han ignorado completamente a la hora de crear su setlist. Sin embargo, parece que siguen estando orgullosos del resto de su repertorio, y no es para menos.
El show comenzó con la rara avis de ‘Sculptures Of Anything Goes’, una anomalía electrónica en la discografía de Arctic Monkeys que parece hecha para que Turner luzca su voz, la cual está en su mejor momento. Junto con la contemplativa ‘Star Treatment’, que inauguró el bis, estas serían las únicas dos canciones que desentonaron en un setlist hecho para hacer feliz a cualquier fan nostálgico de los Monos. Los tres singles de ‘The Car’ y ‘Four Out Of Five’, el corte más inmediato de ‘Tranquility Base Hotel & Casino’, sonaron igualmente, pero ahí se para la cuenta.
En el BBK sí que intercambiaron ‘Star Treatment’ por ‘I Wanna Be Yours’. En mi caso, no eché de menos a esta última, pero podía ver en las caras de la gente que la mayoría sí habría preferido que cantasen el éxito viral de TikTok. Lo bueno es que en estos momentos ningún grito tapaba la voz de Alex, como sí ocurría en los cortes más masivos, en especial los sacados de ‘AM’. En cuanto a la costumbre del vocalista de desconcertar al público ralentizando o acelerando la cadencia de los versos, también hubo de eso, pero en general Turner respetó bastante la forma original de los temas. En ese sentido, para quien lo busque, el concierto fue bastante «sing along friendly».
El espectáculo fue una demostración de elegancia y reinvención. Una de las grandes bandas de nuestro tiempo en su punto más alto, sin miedo a volver a los temas más antiguos de su carrera y con la certeza de que esas mismas canciones nunca han sonado mejor. Las partes cañeras son más cañeras y las lentas más sofisticadas. ‘Brianstorm’, ‘Crying Lightning’, ‘The View From The Afternoon’, ‘Pretty Visitors’, ‘Do Me A Favour’, ‘505’ y ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’ protagonizaron los momentos de mayor euforia colectiva. Una de las cosas que más gracia me hace es cómo todo el mundo es capaz de ponerse de acuerdo para corear a pleno pulmón todos los riffs, breaks y sutilezas de estos temas. Muy británico por nuestra parte.
Por otro lado, las versiones actualizadas de ‘Fluorescent Adolescent’, ‘Cornerstone’ y ‘Mardy Bum’, incluida recientemente en sus actuaciones, fueron las que convirtieron el set en un emocionante viaje nostálgico que osciló constantemente entre el pasado y el presente. “Fantastic, terrific, excellent!”, exclamó Turner al escuchar al público volcarse totalmente con ‘Mardy Bum’. Momentazo también cuando Alex cambió el “Yes” del clímax de ‘Cornerstone’ por un inesperado “Sí, señor!”.
Este hizo de sí mismo durante todo el recital. En todos mis años siguiendo a Arctic Monkeys he visto infinidad de vídeos con los “mejores momentos” de Alex Turner, y anoche presencié exactamente lo que esperaba. Se movió como nos tiene acostumbrados y derrochó ese carisma especial que amamos. Pasan los años y no pierde ese magnetismo que hace que no puedas parar de mirar. Aunque no estuvo especialmente elocuente, no diciendo mucho más que “thank you” o “muchas gracias, Madrid”. Siempre a su manera, claro.
Musicalmente, tanto él como la banda entera siguen siendo un portento. En este aspecto, los momentos más destacados se dieron con dos de sus creaciones más complejas: ‘Body Paint’ y ‘There’d Better Be A Mirrorball’. En esta última, Turner hizo de director de orquesta, marcando los golpes de la intro mientras daba la espalda a las 17.000 personas del WiZink Center. Al terminar la canción, la bola de espejos que tanto ansía Turner en la letra acabó iluminando todo el recinto y dando paso al último tercio del show, que culminaría de forma apoteósica con ‘Body Paint’.
Este fue el final real del concierto, sin contar el encore. Así se sintió. De la nueva tanda de tracks, este último seguramente sea el que más conectó con el público, y parte del mérito se lo lleva de nuevo el propio Turner. Este regaló a los asistentes un salvaje solo adicional de dos minutos (sin exagerar) en el que se recorrió todo el escenario, llegando incluso a donde no se le veía. Todo sin parar de tocar. En ‘Body Paint’, Arctic Monkeys evidenciaron que todavía tienen la energía cruda que les catapultó en un principio. Lo único, que ahora saben cómo domarla.
En resumen, toda una experiencia digna de repetir. De hecho, así será. Esta noche, los británicos volverán a sacudir el WiZink, y todavía quedan entradas. Si te gusta Arctic Monkeys, pero no te convencen los últimos discos, no te preocupes. Los Monos tienen lo que quieres.
Sonido Muchacho anuncia que Russian Red se suma a su catálogo de artistas. El sello independiente que ha impulsado las carreras de Carolina Durante, Natalia Lacunza, Sen Senra o Depresión Sonora, o que, recientemente, ha editado el último disco de La Bien Querida, ficha a la autora de ‘Cigarettes’.
Doblando apuesta, un nuevo single de Russian Red se puede escuchar desde este martes, 11 de julio, bajo el título de ‘This is un volcán’. Se trata de un susurrante tema en Spanglish, que recupera su vena más folkie, no la electrónica exhibida en los que eran sus últimos discos. El tema ha sido grabado en casa de la propia Lourdes con Carlos René Echanique Torres y Luis Sanso Gil a la producción. La mezcla ha sido obra del propio Carlos René y de Álex Ferrer, quien también se ha encargado del máster.
Hace ya tres años que Lourdes Hernández confirmó que se encontraba trabajando en un nuevo álbum de estudio. Se desconoce si ‘This is un volcán’ formará parte de él o, por el contrario, será una simple muestra de lo que viene, pues Sonido Muchacho habla de «regalo».
Russian Red ha seguido publicando música en los últimos años, si bien a un ritmo distinto al de antaño. En 2021 apareció en singles de Melpo Mene (‘All of This Is True’) y _juno (‘Rutinas domésticas en 2009). Antes, en 2020, cantó ‘Cállate‘ con Casero. ‘Karaoke‘, su último trabajo, compuesto por versiones, salió en 2017.
En realidad hay que remontarse a 2014 para ubicar en el tiempo el lanzamiento del último álbum de estudio real de Russian Red, ‘Agent Cooper’. Desde el estreno de aquel notable disco, Lourdes Hernández se ha mudado a Los Ángeles y ha perseguido distintos proyectos extramusicales. Últimamente, Hernández ha protagonizado la película ‘Ramona‘ y ha publicado un poemario, ‘These Words Leaving My Body‘.
Myke Towers se corona esta semana con el Top 1 en la lista de singles España con ‘LALA’. La canción pertenece al álbum ‘LA VIDA ES UNA’, y aunque la semana anterior entró en el puesto 52, la forma en la que se ha viralizado el tema en redes sociales puede ser el causante de esta subida. Además, también es Top 1 en la lista de Spotify Global.
En segundo lugar, Rauw Alejandro y Bizarrap se roban la posición a ellos mismos: la «session» baja a tercer puesto y’BABY HELLO’ sube al 2º. Otra de las entradas de esta semana ha sido Tainy y su ‘DATA’, que han colado 4 temas en la lista, pero no ha logrado el podio con ninguna: ‘MOJABI GHOST’ con Bad Bunny en el número 14; ‘PASIEMPRE’ con Arcángel, Arca, Jhayco, Myke Towers y Omar Courtz en 32ª posición; ‘LA BABY’ con Daddy Yankee, Feid y Sech en la 36ª y ‘VOLVER’, el tema con Skrillex, Four Tet y Rauw Alejandro en el top 59.
No han entrado demasiado alto Shakira y Manuel Turizo con ‘Copa Vacía’, pero aun así están en la 16ª posición. También entra bajo el nuevo single de Olivia Rodrigo ‘vampire’, adelanto de su segundo álbum ‘GUTS’. No llega ni a la primera parte de la lista, se queda en 53ª posición.
Otra de las últimas entradas ha sido la de ‘Se grita’, de Morad con el rapero francés Jul, en el puesto 85. Al igual que el tema de Myke Towers, su estribillo se ha usado mucho en Tik Tok esta última semana. Y para finalizar, Anne-Marie, Coi Leray y David Guetta logran entrar con su ‘Baby Don’t Hurt Me’ en el número 89.
Tras muchos rumores acerca de la salud de Madonna y poca información sobre cómo se iba a desarrollar ‘The Celebration Tour’, la artista se ha pronunciado. Lo ha hecho a través de una publicación en Instagram en la que ha informado de que la gira comenzará en Europa en las fechas planeadas. Mientras tanto, los conciertos en América serán reprogramados en la mayor brevedad. «El plan actual es reprogramar la etapa de Norte América y comenzar la gira en Europa, en octubre. No puedo estar más agradecida por vuestro cuidado y apoyo. Con amor, M.» escribía la artista.
Además de esto, Madonna ha agradecido el apoyo que ha recibido desde que se hizo pública su hospitalización. «Gracias a todos por vuestra energía positiva, oraciones y palabras de ánimo y sanación. He sentido vuestro amor. Estoy en el camino de la recuperación y me siento muy afortunada de todo lo bueno que tengo en mi vida. Cuando me desperté en el hospital, mi primer pensamiento fueron mis hijos. Pero el segundo fue que no quería decepcionar a la gente que había comprado entradas para el tour. Y tampoco quería defraudar a quienes han trabajado sin descanso conmigo en los últimos meses para crear el show. Odio decepcionar a la gente. Mi prioridad ahora es mi salud y ponerme más fuerte, ¡y os aseguro que estaré con vosotros lo antes posible!», ha agradecido ella.
Justamente ayer, la periodista Lauren Conlin veía a Madonna por las calles de Nueva York: «Adivinad a quién hemos visto fuera y con muy buen aspecto». En las imágenes, publicadas en Tik Tok, se veía a la artista mucho mejor de lo que esperaban algunos de sus fans.
