Apenas dos años después de ‘KG0516‘, precedido de un buen puñado de singles y unos cuantos titulares más dignos de la prensa rosa que de la musical, llega el nuevo trabajo de Karol G. Y sí, por fin, parece que estamos ante el disco que esperábamos, con más de un hit potencial además de los singles que ya conocíamos, ritmos bien bailables, unas cuantas colaboraciones estelares y muchas autoreferencias.
A estas alturas a nadie sorprenderá que ‘Mañana será bonito’ tenga como tema central la ruptura y todo lo que implica la soltería, desde tirar de “chorboagenda” a salir con las amigas para olvidar (‘Besties’) a la nostalgia (‘Amargura’) o hasta el volver a ilusionarse (‘Cairo’), pasando por esos mensajes que todos hemos mandado con un par de copas de más y de los que nos arrepentimos poco después, situación inmortalizada en uno de los mejores momentos del disco: ‘Kármica’, con Bad Gyal y Sean Paul, que tiran de ritmos jamaicanos en un tema con muchas papeletas para aparecer en las listas de lo mejor del año y sonar en toda fiesta que se precie.
Otra cosa que llama la atención del álbum es lo sexual que es: aunque ‘Gatúbela’ y ‘X si volvemos’ son las más obvias, el sexo está mucho más presente que en ‘KG0516’ y desde luego le sienta mucho mejor que canciones tan olvidables como ese ‘Ay, DiOs Mío!’ que dedicó a Anuel en su anterior trabajo.
Buena parte del éxito de Karol G se debe al trabajo Ovy on the Drums en la producción, a quien la propia artista da las gracias en ese ‘Mientras me curo del cora’ que abre el disco y que toma el estribillo del ‘Don’t Worry, Be Happy’ de Bobby McFerrin. Con Ovy, la colombiana parece haber encontrado la horma de su zapato -basta con pensar en el éxito global que ha sido ‘Provenza’– y no es de extrañar que cada vez ocupe más espacio en los créditos.
En ‘Mañana será bonito’ Karol G sigue empeñada en mostrar su versatilidad, y no faltan los cambios estilísticos. Aunque predomina el reggaeton, también hay pop (‘Tus gafitas’), el corrido de ‘Gucci los paños’ (que recoge el testigo de ‘200 copas’ y que borda tan bien que sabe a poco) o la gamberra ‘Ojos Ferrari’, que nos habla de una Karol G abierta a experimentar y que, guardando las distancias, causa la misma sorpresa que ‘El Apagón’ en ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny.
De todo el plantel de colaboraciones que desfilan por ‘Mañana será bonito’, una de las más flojas es, contra todo pronóstico, la de Shakira en ‘TQG’, tal vez porque esperábamos más del dúo de las colombianas, tal vez porque no hemos superado la sesión con Bizarrap, o tal vez por agotamiento del salseo pop. ‘Pero tú’, aunque coescrita con Quevedo e interpretada por ambos, prácticamente se la apropia él. Entre las colaboraciones más acertadas, en cambio, están las canciones con Sech (‘Dañamos la amistad’), la de Romeo Santos (‘X si volvemos’) y la ya mencionada ‘Kármica’ con Bad Gyal y Sean Paul.
Pese a la duración de ‘Mañana será bonito’ (casi una hora), no se hace largo y es el disco con el que por fin parece que Karol G pega el salto de artista de hits sueltos a autora de álbumes sólidos y coherentes. Le ha faltado publicarlo un par de meses más tarde para convertirse en un buen candidato a disco del verano.
Alba Morena nos dejó helados como telonera de Kae Tempest. Sobre todo gracias a su preciosa voz procesada en una serie de juegos impresionantes en vivo. Digamos que no es la típica telonera que pasa desapercibida: hubo hasta quien la estaba escuchando atentamente. Un verdadero milagro en la historia de los teloneros. Estaban allí acompañándola Marcel Bagès, recién separado de María Arnal, y su colega David Soler.
En verdad, la cantante de Salou ya había publicado un primer disco llamado ‘Las dos edades’ en 2021. Y este año leeréis mucho que el segundo álbum de Alba Morena lo han producido Bagès y Soler, pero aquí la noticia es que el debut ya lo parecía por momentos, siendo una autoproducción de Alba Morena. En cualquier caso, el primer adelanto de ese segundo disco está disponible desde este viernes, se llama ‘Nadie’ y es nuestra «Canción del Día» hoy.
‘Nadie’ es una canción post-ruptura muy particular. Como asegura la misma nota promocional, tiene un simpático «trasfondo tragicómico». Eso es lo que la diferencia de Maria Arnal, que no es tan sublime, es más llana y también más divertida. Alba Morena ha cambiado el nombre de su ex por «Nadie» en el móvil para que cuando haya algún tipo de interactuación, esa sea la palabra que aparezca en la pantalla, y en base a ello ha desarrollado toda la composición.
“Los de tu especie deberían desaparecer” es el gran gancho lírico del tema, ante alguien que circula por el mundo «sin saber a quién hacer daño». Las labores de producción se han depurado en un tema que cambia de tono, añade capas, se acelera o vuelve al minimalismo sin llegar a explotar en lo que resulta una producción ciertamente impredecible y, sí, divertida. En sus propias palabras, «es un single que, desde el sarcasmo y la celebración, habla de una ruptura algo compleja». El vídeo, en formato loop, muestra a la artista destripando peluches y destrozando tartas.
Alba Morena actúa el 3 de marzo a Barcelona (Upload) y el 13 de marzo a Madrid (Sala El Sol), presentando ese segundo disco que saldrá a lo largo de 2023.
Este mes de febrero se han celebrado las 4 primeras semifinales del Melodifestivalen, el icónico proceso clasificatorio que busca al representante de Suecia en Eurovisión. 50 años después de ABBA, Suecia continúa siendo el país que más en serio se toma el certamen y las expectativas vuelven a ser máximas.
Sobre todo después de la actuación de este sábado 25 de febrero de Loreen. La cantante que ganara Eurovisión con ‘Euphoria’, además recuperando el prestigio del festival gracias a su minimalista puesta en escena y a su canción pop, se ha presentado varias veces al Melodifestivalen. Un total de 4. Evidentemente lo ganó con ‘Euphoria’ y ahora puede volver a ganarlo con ‘Tattoo’.
Loreen sufrió la invasión del escenario durante su actuación, por parte de un activista ecologista, pero eso no fue impedimento para la cantante, que pudo repetir su show y clavarlo. ‘Tattoo’ presenta a Loreen en una nueva puesta en escena minimalista, en un espacio claustrofóbico del que consigue huir, mientras la canción, de corte parecido a ‘Euphoria’, tiene algún retazo más trance. Destacan también las uñas a lo Rosalía de toda la campaña.
‘Tattoo’ arrasó, clasificándose directamente para la final de Melodifestivalen, mientras otras canciones tienen que pelear en la semifinal del 4 de marzo. Suecia decidirá su canción definitivamente en menos de 15 días, el 11 de marzo, pero por si acaso ya se ha disparado en las apuestas. Hay quien ve aquí un ganador de Eurovisión y Suecia ya está en el número 1 de las apuestas por delante de Ucrania. España, por cierto, sube al 8º lugar por encima de Italia.
En nuestro foro de Eurovisión 2023, ya hay diversidad de opiniones. Svampita está entusiasmado: «La actuación de Loreen ha sido impresionante. Yo creo que es la ganadora de Eurovisión». AdriEv concuerda: «Menudo temazo, winner alert total». LaBecaria no tanto: «La canción no me dice nada, repetitiva a más no poder. La puesta en escena, en cambio, sí me parece una pasada, pero para mí, no es alerta winner». VdeSantos equilibra las cosas: «Tattoo no es tan buen tema como Euphoria, pero si hubiese aparecido ahora de la nada (sin existir su predecesora) diríamos lo que es: es una canción muy potente (que sí, hecha con de aquí y de allá), y con una puesta en escena increíble».
Entro en las oficinas de G.O.Z.Z. RECORDS, el sello de Zahara, con ganas de hablar del segundo disco de _juno. He entrevistado a la artista una decena de veces entre discos, conciertos, podcasts y grupos paralelos; también a Martí Perarnau IV, su compañero en esta aventura. Pero siempre hay nuevas inquietudes en su música: en este caso el capitalismo, sus propias contradicciones, el concepto viajero de este ‘_BCN747‘.
Pero un calendario en la sala termina robando mi atención: se trata de un plan a varios años vista en el que ya aparece encajado el tercer disco de _juno, además del siguiente disco de Zahara junto con su (bonito) nombre, entre otros lanzamientos del sello y editoriales.
Quien esperara que Zahara se tomara un descanso después de la repercusión de ‘PUTA’ es que no la conoce. No solo no parará sino que en su cabeza ya toman forma conceptualmente sus próximas ideas. Un nervio que de momento podréis ver en la gira de _juno por toda España que empieza el martes 28 de febrero en Alicante y pasa por Granada, Madrid, Sevilla, Barcelona y un largo etcétera.
Tenía entendido que vuestro proyecto paralelo _juno era de electrónica recogida, intimista… pero por lo que se ve en vuestro segundo disco, no es el caso.
Zahara: «Una vez que hicimos el primero, no tenía sentido repetir la fórmula de volver a una habitación. Cuando salió ‘_BCN626’, antes de la pandemia, teníamos planificado un viaje a Japón, que no se pudo hacer y cambiamos por San Francisco, y nuestra idea era pasar 15 días allí, haciendo un disco sobre la costa oeste».
Martí Perarnau IV: «Alquilar un estudio en una escuela de música. Teníamos los billetes y todo, pero llegó la pandemia. Se trasladó la idea a viajes que hicimos de verdad, tras la pandemia, la grabación del disco de ‘PUTA’…»
¿Pero cómo podéis tener todo esto planeado desde hace tanto tiempo?
M: «El día de ‘_La canción…’ salimos a cenar y Zahara me dijo ya cómo va a ser el tercer disco de _juno. La admiro y me produce terror a partes iguales» (risas)
El caso es que vuestro dúo no es tipo Nancy & Lee, She & Him…
Z: «En este disco _juno salen de la habitación del primer disco y ven el mundo, ya no se miran solo a los ojos. Lo que ven es que el mundo es un asco y se está yendo a la mierda. Que ellos mismos generan aquello que tanto detestan»
M: «Hemos hecho este disco en una misma habitación, muy influidos por el documental de los Beatles de Peter Jackson. Lo pasamos muy bien haciéndolo y nos dejamos ir. Lo hicimos de manera recreativa…»
Z: «Es un retrato del fin del mundo, pero de manera recreativa» (risas)
«En este disco _juno salen de la habitación y ven que el mundo es un asco y está yéndose a la mierda»
Fuera de bromas, dais una visión del mundo muy pesimista.
Z: «Puede ser por el contraste con lo que esperábamos de los viajes. Sabíamos que teníamos por delante viajes a México, San Francisco… Teníamos la imagen de Estados Unidos que nos han vendido en las películas, y al llegar allí pasamos de ver Los Ángeles con la mejor luz, a ver cómo a las 5 de la tarde estaba todo cerrado; gente gritándose y una sensación de inseguridad muy bestia. Todo lo contrario que en México, a pesar de todas esas voces que te dicen que es un lugar peligroso y que cómo has estado en sus calles. Y es un lugar increíble. Hay una xenofobia y un eurocentrismo que juzga todo sin saber…
Marcó mucho ese pesimismo que el primer viaje habla de Santiago de Chile, y fue la época de las barricadas, las revueltas en las calles, los comercios tapiados… El primer viaje post-pandemia fue a Londres, cuando aquí aún había restricciones y allí nos encontramos en una rave a miles de personas sin mascarillas. Luego ver Londres paseando tan vacío nos marcó mucho de manera inconsciente. Sabíamos que estábamos haciendo canciones sobre viajes, pero no que iban a ser tan tristes».
Aun así vosotros estáis criticando el capitalismo pero no dejáis de ser dos personas de viaje por todo el mundo, pasándoselo pipa.
M: «Es la contradicción del disco. Habla de quejarse del mundo capitalista, pero somos dos blanquitos europeos y hay un sentimiento de culpabilidad respecto al sistema al que pertenecemos. Es como esa sensación de «Odio a la gente, vamos a acabar con todo»… y la gente eres tú. Esa dicotomía de formar parte del problema. El capitalismo no es un ente que hace el mal sino que formamos parte del sistema, y eso está en las letras. Nos vemos reflejados en el espejo».
«El capitalismo no es un ente que hace el mal sino que formamos parte del sistema»
¿En qué canciones se refleja?
M: «_Anikillación’, ‘_La Biblioteca Nacional’, ‘_SCLHR’…»
Z: «Cuando decimos «no quiero ser la especie invasora», hablamos de «antepasados», de «la carga que traemos»… ‘_SCLHR’ viene de todo lo que vimos en México. ‘_Anikillación’ dice que somos una pieza más, pero todo el disco juega a eso, como las fotos. Somos nosotros haciéndonos fotos a nosotros mismos en un espejo. Estamos criticando algo de lo que formamos parte».
¿Pero por qué os metéis en esa parte del sistema si no os apetece? Hay artistas que no se hacen selfies, como PJ Harvey. ¿En el fondo os gusta, la gozáis?
M: «No la gozamos nada, lo de las fotos surgió por hacer las fotos de nuestro viaje con una cámara de mi padre, otra que ella se compró en Londres… Ella a mí y yo a ella, en plan «egotrip». Algo había de que estamos haciendo un disco nosotros, escrito por nosotros, producido por nosotros, mezclado por nosotros. No sé si es una realidad de la que no puedes escapar».
Z: «El espíritu de «junito» en «626» era hablar de ellos desde la habitación y aquí compararse con el resto del mundo. Pero el proyecto está muy volcado hacia sí mismo».
Sobre todo tu carrera, Zahara, autoeditada e independiente, no sé si se podría imaginar sin redes sociales. ¿Te gusta esa parte?
Z: «Ahora no. Me ha gustado muchísimo. Ahora cada vez me aburre más, consumirlo y sobre todo producirlo. Pero me lo tomo como un lugar en el que hay que estar y que hay que conocer. Es un reto profesional, no un estímulo personal. Para mí la gracia es ver a Martí en este proyecto. Aquí nos hacemos fotos que nunca estarían en nuestro Instagram personal».
M: «¡Bajo ningún concepto!».
Z: «Medio en bolas. Esa intimidad se puede mostrar en _juno. Es guay tener un lugar de recreo sin pensar mucho en nada».
«Cada año que pasa este sistema funciona peor para todos los seres humanos»
Criticáis el capitalismo, ¿qué alternativa planteáis?
M «A mí se me escapa, no tengo los estudios o conocimiento suficientes para dar una solución. Mi comprensión humana llega hasta decirme que este sistema no funciona. Cada vez la sanidad está peor, cada vez la precariedad es más latente en todos los oficios: sanidad, música, educación… Cada año que pasa este sistema funciona peor para todos los seres humanos».
Z: «Yo creía en el anarquismo, estuve en un proyecto de creación de ciudades autosuficientes de no más de 100.000 personas. Luego lo abandoné porque el capitalismo siempre gana. Me repugna pero me permite hacer las cosas que hacemos. El pesimismo viene de que cada vez el consumo es de manera más inmediata, hay más grupos de música que público, más gente que quiera hacer cosas que gente que quiera consumirlas. El sistema te obliga a hacer discos, giras, singles, cada vez más de todo hasta la extenuación. Igual el capitalismos termina ahogándose. Yo pensé que no vería lo de las inteligencias artificiales y ya estamos ahí».
¿Qué pasó concretamente con tu proyecto anarquista?
Z: «Fue cuando fui novia de Sergio Sastre, que es economista ecologista. Me fascinó, aprendí muchísimo con él, vivíamos en Barcelona y existían estos proyectos de ciudades, intentos de generar un sistema controlado, siendo la máxima población de 100.000 personas, creando microeconomías. Buscamos el pueblo, era una época en la que hablar de una placa solar no era lo más normal. Pero con la ruptura de la relación se acabó mi sueño anarquista (risas)».
Dorian también hablan en las entrevistas contra del capitalismo, pero luego enciendes la tele y parece que ya estamos en un sistema «comunista» y «bolivariano». ¿No estaremos en una economía mixta, en la que la RENFE es gratis y ha bajado el IVA de los alimentos básicos?
M: «Cuando estudiábamos en el cole, el capitalismo era un sistema de libre mercado en el que interviene el estado: «El estado se ocupará de que no haya averías, de que no se toque la sanidad». A lo mejor es que eso que nos decían en el cole tendría que ser real, y no un invento. Es verdad que se puede hacer lo de la RENFE gratis, pero antes era impensable que se pudiera privatizar la Sanidad. Se han ido regalando cosas públicas al libre mercado. A lo mejor solo habría que hacer una intervención estatal, como decían los fundadores del capitalismo. Pero ahora se dice que es de comunistas. A mí me parecía lógico, no ninguna locura».
Tengo la sensación de que habéis hecho un tipo de letras muy diferentes.
M: «Hemos descubierto un nuevo método. En el disco anterior, cada uno veníamos con ideas. Ahora cada uno escribimos un texto durante media hora con un disco bonito de fondo y luego lo leemos sin juzgar al otro».
Z: «En los viajes cada uno escribía algo. Yo funciono más por impulsos, pero lo importante es que al mostrarnos los textos no juzgáramos al otro: si había repeticiones, si se había ido por las ramas… A mí me encanta tener un texto en bruto muy largo y salvaje y luego elegir las frases más bonitas. Hemos respetado la melodía y lo que queríamos cantar. Ha ido encajando con fraseos muy diferentes: se ve en ‘_SCLHR’ en el modo de terminar las frases, pero la melodía iba así y queríamos respetarla. Ha sido muy bonito mostrarlo al otro sin pudor. El documental ‘Get Back’ nos marcó mucho porque vimos a Paul McCartney intentando componer ‘Get Back’ y John Lennon diciendo frases sin preocuparse de si eran graciosas o pegaban. ¡Qué confianza y qué falta de pudor más útil! En el disco anterior queríamos enseñarnos algo digno, pero en este ha sido más bien: «no te voy a juzgar, no voy a pensar que eres mal escritor». Nos despreocupamos de la excelencia de que lo que te enseño tiene que estar guay».
M: «Te pone en un sitio especial con el otro en la habitación. Ver a Zahara en el sofá, riéndose porque hace algo bonito, me daba ganas de escribir algo guapo».
En ‘_La canción que no vas a hacer hoy’ hay un ejercicio de filosofía o de lógica proposicional… Está todo en negativo.
M: «Fue horrible y muy difícil (risas)»
Z: «Para este disco nos planteamos hacer sesiones de composición: cada canción se gestaba en un día, por ejemplo, el día de hablar de Santiago de Chile y el viaje de Londres. ‘_La canción que no vas a hacer hoy’ se llama así porque es la única que cada vez que quedábamos, no la podíamos hacer, que si COVID, que si el padre de Martí le llamaba para presentar su libro porque el editor había perdido el AVE o lo que fuera… Entonces pensamos en el viaje a Japón que no hicimos, en un hotel precioso de Zestoa de 4 o 5 plantas que se vendía por 200.000 euros en una subasta, y pensamos en comprar, pero ya se había vendido… Era cantar en negativo sobre cosas que se quedaron por hacer y que son reales, como pasar la Nochevieja en Londres porque aquí estábamos mega confinados».
Comprar hoteles a 200.000 suena bastante capitalista, ¿no?
Ambos: «¡Sí!» (risas)
He leído que habéis hecho casi todo el disco a piano, pero habladme de la parte de menos piano. ¿Hay samples, por ejemplo en ‘_Los Feliz’?
M: «En ‘_Por algo será’ hay un sample de Rufus T Firefly. Estábamos escuchando su vinilo borrachos, e incluía un single que no nos dimos cuenta de que iba a otra velocidad. Como veníamos escuchando el disco grande, pusimos el single de 45rpm. El vinilo estaba desafinado, lentísimo… y nosotros pensando que era el mejor sonido de la historia. Sampleamos ese trozo de magia sónica e intentamos hacer una canción solo con ese sonido sampleado. Como hacía Beck al principio.
Curiosamente suena a Roxy Music o Human League, más que a Rufus T. Firefly.
M: «Es un ejercicio hip hopero».
Z: «Lo único que hay grabado después es un bajo y cajas de ritmos. Lo demás es Rufus».
M: «Hemos aprendido a ser productores e incluso hemos mezclado este disco. Me ha volado la cabeza. Ya podemos manejar el acto de hacer un disco hasta la entrega final. Es la verdadera independencia, de principio a fin. No solo producir que era imposible hace unos años. Estamos orgullosos, nos sentimos muy poderosos».
Me imaginaba el disco como el principio de ‘_Los Feliz’, pero también hay guitarras, en el mismísimo primer tema del disco. ¿Para vosotros va todo junto?
M: «Lo une el sidechain»
Z: «Yo iba a decir otra cosa. Sea una máquina o un piano, lo tratamos de la misma manera: tocándolo. No pensamos en hacer esto con piano, con Prophet, o en loopear una rueda. Está la canción y usamos todos los instrumentos a nuestra disposición. Y luego está lo del sidechain».
M: «Queríamos usar pocos elementos y que toda la producción surgiera de los mismos procesos. Si la primera canción es una guitarra, todas las reverbs que suenen tienen que venir de procesar esa guitarra. ‘_Los Feliz’, que la hizo Zahara y le salió tipo Angelo Badalamenti, viene de hacer capas generadas a partir de ese sonido. El «sidechain» es cómo algo que no está sonando está afectando a lo que sí suena. Como en ‘Double Negative’ de Low».
¿Por qué no queríais sacar un single propiamente dicho? A mí enseguida me entró «_La canción», aunque es verdad que ‘_Anikillación’ resume el disco mejor.
Z: «Hemos dado muchas vueltas porque tenemos a _juno para no tener que hacer las cosas que hay que hacer con el resto de proyectos. Como sacar 3 o 4 adelantos. ¿Que la gente ya no escucha discos? Pues que no lo escuchen. No tenemos que llenar el Wizink Center ni que nos conozcan millones de personas. Quien le guste, genial. Que no, no pasa nada. Pero había una presión externa de vender entradas, y cómo íbamos a vender música sin que haya música. Si hay que sacar un single, pensamos en ‘_Anikillación’, porque al terminarla sentimos que habíamos hecho un hit. «¡Es más hit que todas las de Zahara!» (risas) Nos enamoramos. Es muy representativa del disco pero no del espíritu de _juno, que está en otro sitio. Porque aquí _juno está muy cabreado. No es al 100%, no lo podíamos sacar de adelanto. No queremos. Y cuando hemos pensado en sacar ‘_La canción’ es porque nos ha apetecido, no es seguir un criterio comercial. No representa el disco, no cuenta nada de la parte política del disco, es continuista del anterior pero tiene la amabilidad de _juno, de los viajes, es en negativo y esto sí nos hacía gracia».
¿Estás diciendo que a _juno no le pega este disco?
Z: «¡No! _juno son muchas cosas y ‘_Anikillación’ está en un extremo. Habría sido mostrar un extremo».
M: «Es un temazo, habría caído bien. Pero creemos que no explica el disco, ninguna es representativa del disco. Pensamos que era una manera de llevar a escuchar el disco entero, que sabíamos que era imposible, pero a lo mejor era una sorpresa muy bonita para el oyente que prestara atención».
¿Mucho ya ha muerto?
M: «Lo tengo parado, porque tengo ganas de hacer el technazo con Perarnau IV. Igual en unos años me apetece reunirme con mis amigos en la Casa Murada y volver a cantar, pero ahora mismo se me hacía mucha bola».
No es habitual en la industria que los artistas publiquen dos o más discos en el mismo año. Algunos lo han hecho, de Beach House a por supuesto Bad Bunny o Lana Del Rey. Skrillex, que llevaba casi una década sin lanzar álbum, se ha quitado de en medio dos en dos días: ‘Quest for Fire‘ llegaba el viernes y, el sábado, como buscando que nadie se entere, fue el turno de ‘Don’t Get Too Close’.
El disco incluye algunos de los singles más populares que Danny Moore ha firmado en tiempos recientes, en concreto dos: ‘Don’t Go‘, que escuchamos ya en 2021, se acerca a los 100 millones de streamings naturalmente gracias a la colaboración de Justin Bieber, que hace apetecible escuchar cualquier cosa (el otro artista invitado es Don Toliver); y ‘Way Back’ es una de las 500 colaboraciones en la que podemos encontrar estos días a la reina de TikTok, PinkPantheress (el otro artista invitado es Trippie Red).
Ambos cortes son de lo mejor de ‘Don’t Get Too Close’, un disco atiborrado de colaboraciones pero que carece dirección artística y canciones a la altura de artistas invitados como Kid Cudi, que aparece en la anodina ‘Summertime’. Este no es un disco de electrónica de baile como el anterior, y la mayoría de beats se centran en lo que se conoce como cloud rap o emo rap, esto es, un tipo de hip-hop digitalizado, creado desde un ordenador, en el que prevalece un acabado de improvisación. Esto puede producir canciones tan frescas como las que le conocemos a meat computer o Bladee, pero no es el caso de las de ‘Don’t Get Too Close’, y eso que el propio Bladee aparece hasta en dos pistas.
No tiene por qué ser malo que ‘Real Spring’ nos llegue sonando a maqueta. Quizás sí tendría más sentido escucharla en Soundcloud y no en el tercer álbum oficial de Skrillex. Lo mismo sucede en ‘Ceremony’: la sensación de ensayo es tal que Yung Lean ni siquiera suena interesado en estar ahí. En el peor de los casos, las canciones parecen encerrar un potencial frustrado, como la mencionada ‘Summertime’, o hacerte cuestionar su misma inclusión en el álbum: ‘Don’t Get Too Close’ mezcla el sonido del hang (pensábamos que solo a Björk le interesaba este instrumento) con una toma vocal de Bibi Bourelly (co-autora de ‘Bitch Better Have My Money‘) que se debería haber quedado en nota de voz.
Sí tiene cierto gancho ‘3am’, un gancho que no viene solo de los «vocal chops» del final, sino también de la melodía vocal del artista invitado, un tiktokero de 15 años llamado Prentiss que canta como los querubines que dan la lotería cada Navidad. Tampoco es una canción que merezca escuchas obsesivas, pero sí demuestra que el acercamiento de Skrillex a este sonido, ahora que básicamente ha decidido dejar de sonar a él mismo, podría haber estado más logrado.
‘Don’t Get Too Close’ sí incluye una aproximación OK al house (‘Selecta’ con BEAM), pero vuelve a confundir cuando cierra con ‘Painting Rainbows’, una canción tan radio-friendly que parece de la Sia… de 2015 (Bibi canta parecido a ella), pero que suena desubicada dentro de este proyecto. Cualquier canción mínimamente inspirada lo haría, en este trabajo que es a todas luces un apéndice del primero, un pie de página que escuchar si echabas de menos a Skrillex. Aunque, si realmente le añorabas, harás mejor en recuperar su discografía anterior. A este disco mejor «no acercarse demasiado».
Jimena Amarillo ha lanzado hoy el primer adelanto de su esperado segundo LP, ‘LA PENA NO ES CÓMODA’, que estará disponible en algún momento de esta primavera. ‘Porque tú lo sabrías’ es el nuevo single de Jimena Amarillo y su primera incursión en el rock, alejándose de la «moñería bedroom» a la que nos tenía acostumbrados.
El tema está compuesto por un riff, muy a lo ‘Where Is My Mind?’, que se repite durante toda la canción, un bajo y una batería: una fórmula clásica de rock. Sin embargo, para Jimena Amarillo todo esto es algo nuevo: «Había una necesidad de romper tanta moñería bedroom que eso ya pasó de moda», escribía Jimena en su Instagram. Además, asegura que «es la primera vez que venzo mi miedo y grabo baterías». A todo esto se le suma las melodías vocales características de Jimena Amarillo y una letra que va en consonancia con sus trabajos anteriores.
Esta habla sobre cenar «gazpacho y sandía», sobre la noche haciéndose «dura como masa» y sobre anhelar el «privilegio» de la tranquilidad. Todo para describir un romance fallido que culmina con el estribillo final, en el que Jimena canta: «Esta ciudad no es la mía / Ya no paso por donde vivías / Porque tú lo sabrías / Esta ciudad no es la mía», inspirado en la mudanza de la artista valenciana a la capital.
‘LA PENA NO ES CÓMODA’ saldrá esta primavera y será el sucesor de ‘Cómo decirte, mi amor’, su LP debut lanzado en 2021. Sobre ‘Porque tú lo sabrías’, Jimena ha contado que es el track 9 del disco y que, pese a representar un cambio estilístico en su carrera, «no tiene nada que ver con el disco». A Jimena Amarillo le gusta «jugar a los contrastes».
Benito nos regaló este videoclip para celebrar el día de San Valentín. ‘Ojitos lindos’, dirigido como siempre por Stillz siguiendo una historia del propio Bunny, comienza con el cantante despertándose en la “casita” de la playa. Tras dar una voltereta como hacemos todos por la mañana, ¡hop!, se toma un cafetito mirando al mar. “¿Habrá buena pesca?”, parece pensar.
Le dejamos abismado en sus pensamientos mientras comienza un carrusel de escenas de pareja: Bunny de picnic, Bunny pescando (¡lo sabía!), Bunny viéndose a sí mismo en la tele, cenando, viendo un western clásico en un autocine (y preguntando algo del argumento, ¿quién se pierde en una peli de vaqueros?), cenando, cenando otra vez. Y otra. Siempre con una mujer distinta. Siempre con la gorra hacia atrás. Pero no es feliz.
Benito se monta en su deportivo y, con la salida de la luna llena, se vuelve loco. “Hunde el acelerador” -como dice en la letra- y “pierde el control”. Fundido a negro. El clip termina con un volantazo de guión. Esos “ojito lindo”, esos con los que quiere ir a la playa a buscar “caracole”, a regalarle “girasole”, no son los de su última conquista: son los de su beagle Sansa, la única que va a visitarlo al hospital. La única que se preocupa por él. Ay, los perretes.
Ice Spice llegó al panorama del rap estadounidense como una mezcla entre una ola de frescura y un meme encubierto. ‘Munch (Feelin’ U)’ fue, y es, su gran pelotazo y, hasta un punto, sorprendió que pegara tan fuerte. En retrospectiva, y tras la salida de su EP debut, ‘Munch’ solo era la punta del iceberg Ice Spice. Un iceberg compuesto por decenas de líneas citables, refrescantes flows, memorables ganchos y la reivindicación del poder femenino en el rap.
Spice venía de poner de moda un nuevo término en el imaginario social, como es «munch», cuando lanzó su EP el pasado enero. Este está compuesto por seis canciones, de las cuales tres de ellas se erigen como exitosos singles. Producido en su totalidad por RIOTUSA, identificado por el tag más hot del momento («Stop playin’ with them, RIOT»), ‘Like..?’ es principalmente una colección de temas del drill característico de Nueva York, con algunas singularidades.
‘Bikini Bottom’, ‘In Ha Mood’ y ‘Actin A Smoochie’ presentan los beats más diferentes del proyecto. En el caso de las dos últimas, diferente sí significa bueno. Sin embargo, el sample de ‘Bikini Bottom’ es tan exagerado que suena demasiado como algo sacado de Bob Esponja. Aun así, es una de las más pegadizas del EP y tiene montones de líneas memorables, desde la declaración de intenciones que abre el tema («How can I lose if I’m already chose?») hasta los numerosos dardos a la competencia («If she feeling hot, then I make that bitch froze»).
En ‘Like..?’, cuando Isis Gaston no se está riendo en la cara de sus detractores, está celebrando los cuerpos naturales («I be thick cause I be eatin’ oats») o invirtiendo el papel hegemónico de los hombres como ‘womanizers’ («Got a man but I hope he don’t care») en el rap, tal y como hacía recientemente Coi Leray en el tema ‘Players’.
«Ice Spice siempre usa el mismo flow» es una crítica que está en boca de todos, y es viable hasta un punto. Puede que suela usar un esquema parecido en sus temas, pero es igual que Pop Smoke cuando usaba su característico flow y nadie le menospreciaba por ello. También es parte del género. Aunque Spice suene de forma similar en muchos temas, no es tan malo si es así de original, carismático y pegadizo. ‘Like..?’ es un minúsculo EP de 13 minutos que, pese a no tener una gran profundidad, anticipa un gran futuro para Ice Spice.
CHVRCHES acaban de firmar un contrato discográfico con Island Records, por lo que pasan a compartir sello con artistas como The Killers, Shawn Mendes o Angèle, o previamente Amy Winehouse (el paraguas sigue siendo Universal).
Para celebrar este nuevo paso en su carrera, el trío escocés compuesto por Iain Cook, Martin Doherty y Lauren Mayberry ha estrenado nuevo single, anunciado hace unos días y que abre la playlist de novedades de esta semana.
‘Over’ es un tema 100% CHVRCHES o casi, pues a cargo de la producción encontramos al sueco Oscar Holter, uno de los responsables de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd y de otros éxitos de Katy Perry, Taylor Swift o el propio Abel Tesfaye (Holter trabaja con el todopoderoso Max Martin). La base rítmica de ‘Over’ recuerda a la de ‘Blinding Lights’, si bien CHVRCHES escriben ‘Over’ unos años antes, en 2017, pero la reservan porque no les encaja dentro de la secuencia de ‘Screen Violence‘, un disco que producen ellos solos, como los dos primeros, a diferencia del tercero, que fue algo decepcionante.
‘Over’ no es decepcionante. Es, otra vez, un estupendo tema de CHVRCHES en el que la estética synth-pop de la banda suena especialmente pulida y corpulenta, más «blockbuster», quizá. La melodía nos dice que Holter ha metido poca mano, pues no puede sonar más a los CHVRCHES de siempre, como esa Mayberry que nos canta sobre huir de la realidad.
Mayberry ha sido muy crítica con el machismo que ha sufrido, y en la Canción Del Día de hoy la vemos conduciendo de noche e intentando no pensar en la realidad a la que se enfrenta en el día a día. «Intento apagar el ruido, me digo a mí misma que los chicos son así», canta mientras finge una sonrisa de «oreja a oreja» e intenta «no sentir nada», aunque en realidad lo «sienta todo».
En el estribillo, Mayberry imagina que se sumerge en un sueño profundo. «Despiértame cuando todo haya acabado, dime que todo ha sido un sueño», insiste. Su experiencia se acerca más a la pesadilla. El sonido, eso sí, aún admite esa luz y ese color que vemos en la portada del single.
Parecía que el 24 de febrero podía ser una fecha clave para los fans de Kylie Minogue, pues la cantante australiana se presentaba en el macroevento WorldPride en Sídney, y se sabe que ha estado trabajando en su nuevo álbum de estudio, el cual se presume terminado o casi.
Finalmente, Kylie ha actuado en el evento, y su regreso a los escenarios puede marcar el inicio de una nueva era. Sin embargo, Minogue no ha presentado nueva música, sino que ha cantado un repertorio de clásicos. En él le han cabido también dos joyas perdidas, ‘Light Years‘ (el tema que titulaba su disco de 2000), y ‘Supernova’, una de las pistas de ‘DISCO‘ que no fueron single.
El resto del setlist no ha incluido grandes sorpresas: ‘Spinning Around’ ha sido el tema inaugural y por supuesto ‘Your Disco Needs You’, la canción más gay de toda la carrera de Kylie Minogue, y ya es decir, no ha faltado. Lo que nadie esperaba es que la hermana de Kylie, Dannii, aparecería por allí para cantar a dueto con ella ‘All the Lovers’.
En Youtube pueden verse dos vídeos oficiales de la performance de Kylie, en concreto, de las actuaciones de ‘Your Disco Needs You’ y ‘All the Lovers’. Algún otro lo podéis ver en Twitter.
Por otro lado, la información acerca del nuevo álbum de Minogue siendo escasa. Sabemos que será un disco «feel good», ¿pero no lo son todos? Seguiremos informando.
Setlist:
Spinning Around
Get Outta My Way
Light Years
Supernova
Your Disco Needs You
Slow / Love To Love You Baby
Can’t Get You Out Of My Head
All The Lovers» (con Dannii Minogue)
Además de cantar e interpretar, Lady Gaga dirige otros proyectos empresariales. Como es sabido, la autora de ‘Chromatica‘ tiene una empresa de cosmética. También es la cara de una conocida marca de champán a la que se ha asociado para sacar una botella propia.
Ahora, Gaga y dicha marca de champán han vuelto a colaborar en la creación de un nuevo anuncio, y el anuncio lo ha dirigido el francés Yoann Lemoine. Es la misma persona en cuyo currículum encontramos la dirección de los videoclips de ‘Teenage Dream’ de Katy Perry, ‘Born to Die’ de Lana Del Rey, ‘Back to December’ de Taylor Swift o ‘Sign of the Times’ de Harry Styles.
Por supuesto, Lemoine no es otro que Woodkid. El artista visual también ha desarrollado una interesante carrera musical bajo este alias, que le ha llevado a publicar dos álbumes, ‘The Golden Age’ (2013), el cual incluye los macrohits ‘Run Boy Run’ e ‘Iron’, y el estupendo ‘S16‘ (2020).
Aunque el trabajo visual de Woodkid suele presentar narrativas épicas y futuristas, su trabajo visual para otros artistas se asienta en la elegancia. Vuelve a ser el caso de este spot dirigido entre Los Ángeles, París y Hautvillers que nos cuenta una historia «sobre la música y el baile», en la que vemos a Gaga tocar apasionadamente el piano o bailar ballet.
La colaboración de Woodkid y Stefani Germanotta es la primera entre ambos. En los últimos tiempos, Lemoine ha sido noticia por producir el nuevo disco de Mylène Farmer. Por su parte, Gaga trabaja en el rodaje de la secuela del ‘Joker‘, ‘Folie à deux’, que se estrena en 2024.
Karmento se mantiene como lo más votado en JENESAISPOP con ‘Quiero y puedo’, seguida de nuevo por los últimos singles de Depeche Mode y Jessie Ware. El top 3 permanece por tanto inamovible, aunque hay varias entradas con posibilidades al top 10: temas de Lana del Rey, Caroline Polachek, _juno y Kelela. Pero la curiosidad de la semana está en las canciones que nos dejan.
‘Despechá’, el gran éxito de los últimos tiempos de Rosalía, abandona al top 40 sin haber logrado ser nunca la canción más votada de la semana. Lo cual es bastante raro porque Rosalía es absoluta favorita de nuestros lectores y acumula hasta 8 números 1 históricos, los últimos de los cuales han sido ‘Saoko’ y ‘Candy’. ‘Despechá’ en cambio ha interesado menos a nuestros votantes y tuvo que conformarse con el puesto 2 por detrás de ‘Free Yourself’ de Jessie Ware (semana de lanzamiento), y luego de otros temas de Tove Lo o Britney con Elton John. En la lista oficial española, ‘Despechá’ continúa siendo top 20 tras haber sido número 1, tras 30 semanas en lista y 7 discos de platino.
Volviendo a las entradas de nuestro top 40, RAYE y La La Love You con Samuraï las completan, ambos en el top 20.
Hace unos meses nos preguntábamos si el asesinato de Takeoff significaba el fin de Migos, y Quavo acaba de responder esta pregunta en un nuevo tributo a su sobrino titulado ‘Greatness’.
Este nuevo tema llega tras la salida de ‘WITHOUT YOU’, la primera canción que lanzó Quavo dedicada a Takeoff, solo disponible en YouTube. Mientras que esta encontraba al rapero de Migos en su momento más bajo, ‘Greatness’ recuerda a Takeoff desde un lugar mucho más positivo. Quavo recuerda los buenos tiempos vividos con su sobrino y todo lo que han conseguido, a la vez que se muestra agradecido por lo que tiene.
El rapero estadounidense también ha zanjado definitivamente la incertidumbre respecto al futuro de Migos como grupo, dado que no estaba del todo claro si este seguiría solo con Quavo y Offset, pese a su reciente distanciamiento, o si la muerte de Takeoff significaba el fin de la agrupación: «Don’t ask about the group, he gone, we gone, it can’t come back», rapea Quavo en mitad del tema, confirmando que Migos no volverá sin Takeoff. Sin embargo, esto no quita que reniegue de su pasado: «Never forget that the Migos amazin'».
En la ceremonia de los Grammys, Quavo también tuvo la oportunidad de rendir homenaje a Take en el ‘in memoriam’ del evento. Este cantó ‘WITHOUT YOU’ mientras vestía con una máscara sacada de ‘El fantasma de la ópera’ y un traje negro. Mientras, en la gran pantalla se iban sucediendo imágenes de Takeoff y de otros artistas fallecidos durante el último año, como Anita Pointer, Coolio o Irene Cara. Quavo y Takeoff lanzaron ‘Only Built For Infinity Links’ en octubre, su último proyecto colaborativo.
En un mes llega podremos escuchar ‘Memento Mori’, el nuevo disco de Depeche Mode y el primero desde el lanzamiento de ‘Spirit’ en 2017. También será el primero desde el inesperado fallecimiento de Andy Fletcher en mayo del año pasado, a los 60 años.
En una entrevista con The Guardian, Dave Gahan y Martin Gore hablan brevemente sobre la creación de ‘Memento Mori’, cuyo título ya estaba confirmado antes de que muriese Fletcher, pues muchas de las nuevas canciones del grupo hablan sobre la muerte. Después, el fallecimiento de Fletcher les dio un nuevo significado.
Al periódico británico, Gahan cuenta que contempló abandonar Depeche Mode al menos en dos ocasiones, primero durante la pandemia y después tras la muerte de Fletcher. Sin embargo, explica que las nuevas canciones de Gore y su entusiasmo por seguir le hicieron recapacitar.
La entrevista de The Guardian es parca en información sobre ‘Memento Mori’, probablemente por razones de confidencialidad, y opta por dar vueltas a los inicios de la carrera de Depeche Mode o a la historia de la sobredosis que Gahan sufrió en 1996. El periódico sí cuenta que ‘Memento Mori’ ofrece una «mezcla perfecta de moods tenebrosos y texturas electrónicas que van de lo etéreo a la manera clásica de Depeche Mode». Lo mismo se podría decir de casi todos sus discos.
Por otro lado, Depeche Mode han visitado estos días el Late Show con Stephen Colbert, continuando con la gira promocional del single ‘Ghosts Again’, el primer adelanto de su nuevo disco.
Además de su maravilloso nuevo single, unos renovados Dave Gahan y Martin Gore realizaron una versión en vivo de la clásica ‘Personal Jesus’. Esta incluyó una intro con un tempo ralentizado que hizo todavía más potente, si cabe, ese ‘reach out and touch faith’ tan mítico. Además, el disfrute de Gahan en el escenario al realizar uno de los mayores hits del grupo es contagioso. Depeche Mode volvieron al directo a principios de este mes, presentando ‘Ghosts Again’ en Sanremo en su primera performance sin Andy Fletcher.
Las dos actuaciones llegan tras el anuncio de la gira mundial de ‘Memento Mori’, que comenzará el mes que viene. Os recordamos que ‘Memento Mori’ sale el 24 de marzo y que su presentación en España será tanto de la mano de Primavera Sound Barcelona como de Primavera Sound Madrid.
No contenta con triunfar con la «sesión 53» con Bizarrap, actual número 1 de singles en España después de seis semanas consecutivas en la misma posición; con ‘Monotonía’ con Ozuna y con ‘Te felicito’ con Rauw Alejandro, Shakira presenta nueva música. La colombiana se ha unido a su compatriota Karol G en el tema ‘TGQ‘, incluido en el nuevo disco de la segunda, ‘MAÑANA SERÁ BONITO’, que sale hoy.
Sabíamos que ‘TQG’ era el acrónimo de «te quedó grande» y que el tema uniría a Shaki y Karol en un sentimiento de sororidad. También que presentaría un ritmo de «balada de reggaetón», y algo de eso hay, aunque no es tan balada como creíamos.
El tema sonará en clubs, algo de que lo que probablemente se han asegurado Karol G y su productor de confianza, Ovy on the Drums. Luego la solidaridad femenina es evidente en frases como «dile a tu nueva bebé que yo por hombres no compito», claramente el lema de la canción.
‘TQG’ llega cargada de referencias al propio trabajo de Shakira y Karol G: «yo diciendo que era monotonía, y ahora quieres volver, ya lo suponía» es una rima que canta Shakira. «Se te olvidó que estoy en otra, y que te quedó grande La Bichota» es la declaración de Karol G. Ambas, mientras, «hacen dinero como deporte» porque las mujeres ya no lloran, etcétera.
Y, como para decirnos que sus relaciones pasadas fueron una farsa, el videoclip de ‘TQG’ termina con una referencia evidente a ‘El Show de Truman’. Antes, los cambios de escenario y vestuario habituales, en un vídeo lleno de coreografías pensadas para TikTok que no podemos dejar de asociar a otra sonada colaboración de Shaki, ‘Beautiful Liar’ con Beyoncé.
Los zaragozanos Rosin de Palo son los nuevos invitados de nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, en la que los artistas noveles hablan de una pasión oculta. El dúo de estudiantes de conservatorio se define por el uso de “un contrabajo, un set de percusión, grandes pizzicatos y ritmos impacientes”, pero aquí no ha querido remitirse a sus estudios.
Tras un primer largo llamado ‘Lo que dura un recreo’ en el que hay funk, improvisación, kraut y muchísimo humor, están revisitando canciones del mismo en forma de remix, y ese ha sido el caso de ‘Trilo’. De ahí que hayan querido hablarnos de la tradición de los Nabateros del Sabrorbe, un oficio de cuatro siglos de tradición que desaparecía en 1943 pero que se ha revisado recientemente. Ellos mismos nos explican la relación.
¿Por qué habéis elegido hablar de los Nabateros del Sobrarbe en esta sección?
Bueno, es algo que está ocupando espacio en nuestra cabeza estos meses. Como a muchos otros, nos fascina la idea de que el trabajo de transportar madera por el río haya sido reconocido como Patrimonio de la Humanidad, además de una gran fiesta. También, la primera vez que vimos los vídeos de archivo de Eugenio Monesma -que nos cedió encantado- flipamos muchísimo. Realmente el que grabó esas imágenes nos dejó un gran regalo (no había go-pros jajaja).
Suponemos que tiene algo que ver la portada de ‘Trilo’, vuestro single con Marieta Gil y Mejor Sordo. ¿Es así?
¡Sí! Estamos haciendo una serie de remixes de nuestro primer disco con peña que nos inspira y está siendo una gozada darle otra vuelta más a los temas. Mejor Sordo es un dúo experimental noise de Zaragoza, son unos cracks y no dudaron en versionar ‘Trilo’, creo que lo que nos une es no tener barreras y no dudar en probar cosas nuevas. A falta de un dúo experimental, DOS (risas).
¿De dónde salió tal foto?
Es un frame de las imágenes de los Nabatereos bajando por el río Cinca, del vídeo que comentamos anteriormente.
Se trata de una de vuestras canciones más apegadas al folclore, ¿qué nos podéis contar sobre esta colaboración/remix en cuanto a producción, grabación, etcétera?
Pues tiene miga, porque de alguna manera hemos unido sonoridades del Norte: ‘Trilo’ es una canción popular sueca, se dice que en las rocas de la costa, las mujeres cantaban a sus maridos cuando regresaban de faenar en el horizonte… con la estética Nabatera del Sobrarbe. ¿Por qué no? Encajan perfectamente, esas sonoridades oscuras, frías, antiguas… ese sentimiento de pertenecer, formar parte de algo.
En nuestra primera versión buscamos algo muy minimalista, todo lo que tocábamos encima de la pista de voz de Marieta nos parecía demasiado, que molestaba. Así que, una nota pedal de contrabajo, el crujido de un piano, y emular sonidos acuáticos fue la producción de esta. La versión de Mejor Sordo es mucho más angustiosa y procesada, esa estética fue el puente a la idea de los nabateros.
Letra en sueco:
Trilo, Trilo
Här är han
Nära land
Trilo
Si tuvierais que actualizar la tradición de los Nabateros de una manera más 2023, ¿cómo lo haríais? (Me refiero por ejemplo a algo más inclusive o a lo que se os ocurra).
Estaría guapísimo un videojuego de Navatas… ahí lo dejamos
¿Pensáis que toda recuperación de una tradición es buena o algunas es mejor dejarlas atrás?
En nuestra opinión, hay tradiciones que aunque no sean prácticas actualmente por la connotación cultural y conocimiento tradicional que conlleva, es importante mantenerlas aunque sea anecdótico/festivo. Y luego, pues hay tradiciones que vulneran derechos actuales, valores de nuestra sociedad y que está bien renunciar a ellas.
«Mira: «te pongo un bombo a negras y estoy explorando y modernizando el folclore». Pues mira, no»
¿Terminaremos quemados de tanta exploración folclórica o aún hay mucho por descubrir?
Todo depende del enfoque, nosotros también estamos cansados de una revisión aburrida y pedante. Y mira: «te pongo un bombo a negras y estoy explorando y modernizando el folclore». Pues mira, no. No somos estudiosos del folclore, pero admiramos mucho y nos inspira todo lo que rodea el folclore claramente. ¿A quién no? Si todo viene de ahí, joder (risas).
De repente esta canción de ‘Trilo’ suena como una banda sonora perfecta para un reality de misterio tipo ‘Traitors’. En caso de que no os encaje o no veáis el programa, ¿algún otro programa, serie o película donde os encajaría ‘Trilo’?
Algo rollo Vikingos nos han dicho mucho, sí. Le hemos preguntado a Joel (Mejor Sordo) y dice «‘Aguirre, la cólera de Dios’, ‘El abrazo de la serpiente’ y ‘The weeping meadow'». Peliculones.
En ‘Caminito’ de vuestro disco ‘Lo que dura un recreo’ oímos a Siri decir, “si no frenas, te esnucas“ o “recalculando ruta“ ¿Creéis que puede ser un buen himno para los Nabateros?
JAJAJAJAJA muy buena, no sé si hay versión Google Maps de río… literalmente de perdidos al río, si no frenas, te come el siluro.
¿Qué otra canción vuestra les recomendaríais a los Nabateros, jóvenes y viejos?
A los jóvenes Nabateros les recomendamos que se tomen ‘Un Trifásico (Cortito de café y con poca leche)’, a los viejos, que se modernicen y le metan a eso de las criptomonedas que está de moda… que escuchen ‘Aquí están tus Satoshis’.
‘New Orleans’ era el primer tema del debut de Sarah McCoy porque aquella era su ciudad. La cantante y pianista nos cantaba entonces sobre los secretos que encierra su agua, en medio de una melodía tremebunda que consentía comparaciones con Amy Winehouse pero también Fiona Apple. La de Etta James es una de las pocas cuentas que la artista sigue en Instagram, pero es significativo que también veamos por ahí a la paquistaní Arooj Aftab.
El segundo disco de Sarah McCoy nos muestra a otra personalidad diferente. Asentada en París y bajo la producción de dos productores tan alejados de las modas y de la industria como son Chilly Gonzales y Renaud Letang (de Feist a Manu Chao), ha dado a ‘High Priestess’ un toque más electrónico, ceremonial y oriental. La artista apegada al jazz y al blues que se dio a conocer permanece aún en alguna de las mejores canciones, como la balada ‘Take It All’, o en alguna de las más populares, como ‘Go Blind’; pero luego nos ofrece algo más.
Y ese algo más da lugar a alguna de las mejores grabaciones que la cantante haya realizado por el momento. Abre este ‘High Priestess’ un tema tan sublime como el industrial ‘Weaponize Me’, una faz oscura que volverá a emerger en otros puntos clave de este álbum, como ‘La fenêtre’.
Los textos de este álbum nos hablan de superación, de dejar atrás relaciones tóxicas, de libertad. ‘Weaponize Me’ denuncia cómo «cada mentira fue una bala en tu arma», pero después el texto se levanta: «te enseñaré mis dientes y luego te consumiré, como quien realmente eres». ‘Go Blind’ habla de más «insultos» y «falta de afecto». ‘Sometimes You Lose’ lidia con «los peores errores cometidos», mientras la mencionada canción en francés, de destino truculento, o más bien de poco futuro, advierte: «será la última vez que me amenazas (…) ya está escrito».
La sublimación del nuevo estilo de Sarah McCoy tiene lugar en el tema ‘Sorry for You’, de momento el más importante de su discografía. Es uno de los que mejor equilibra raíces con ese aroma trip-hop que ha adoptado en esta era, y el texto es todo relevancia en sus dardos sobre aceptación, gordofobia y desafío: «me han dicho durante toda mi vida que me disculpe / «lo siento» por ser mujer, por reírme alto / «lo siento» por mi tamaño, por tu descontento cuando no soy dócil / «siento» no hacer «match» con tu perfil»… Todo para concluir al final «que no es débil, que no se va a romper» y que si lo siente… es por ti. Por quien no quiera verlo.
Comparte su gusto por lo oriental ‘Oracle’, de repeticiones como mantras al amanecer; y dan cuerpo y sentido al disco tanto el interludio lleno de voces y entrega ‘Forget Me Knot’ como alguna pieza más experimental como ‘Long Way Home’. En su frase «This is for my Mamma / She led the way / She held the candle» sigue viva la Sarah McCoy más clásica, solo que ahora se nos presenta con otro atuendo.
En exactamente un mes, el 24 de marzo, verá la luz ‘BELLODRAMA‘, el nuevo álbum de Ana Mena. No sabemos si las bromas a costa del título casi bollo del disco seguirán sucediéndose hasta ese día: sospechamos que sí y solo podemos celebrarlo.
De momento, Mena sigue avanzando el disco y hoy presenta uno de los temas más esperados. ‘Me he pillao x ti’ es la anunciada colaboración con Natalia Lacunza, y no tiene nada que ver ni con ‘Un clásico’ ni con ‘Música ligera’ ni con ‘Las 12’.
La Canción Del Día para hoy, ‘Me he pillao x ti’ es el claro anticipo de que, en ‘BELLODRAMA’, Mena llorará mucho glitter. ‘Llorando en la disco’ es uno de los títulos anunciados y el ritmo disco-pop de ‘Me he pillao x ti’ va por esa línea, mientras ni Mena ni Lacunza se pueden sacar de la cabeza la imagen de su «crush», que tanto les atormenta.
Con un registro vocal que solo nos hace pensar en la existencia de una Ariana Grande española, Mena suena como pez en el agua en el sonido electrónico de ‘Me he pillao x ti’, un tema producido por Dabruk aunque lo podría haber firmado CLUBZ. A Lacunza rara vez la escuchamos en contextos tan bailables, si bien no se nos ha olvidado que ya cantó con Videoclub en la estupenda ‘Enfance 80’.
Y de la autora de «mi ex era un capullo galáctico» hoy llega «no quiero que uses toda la ropa, y que estemos siempre en pelotas». Mena y Lacunza, enamoradas como dos adolescentes, hasta se imaginan «de boda» con esa persona a la que todavía no han dado un solo beso… porque está con otra y lleva en el «corazón un cartel de prohibido».
Os recordamos que Mena acaba de anunciar concierto en el WiZink de Madrid, y que también presentará su nuevo disco en otras ciudades como Barcelona o Valencia. También continúa la gira de Lacunza, que este mismo sábado recae en Razzmatazz. Después, DJ set con RUPTURA.
Hoy 24 de febrero es un día cargado de novedades musicales. Sale el nuevo disco de Karol G, que incluye una esperada colaboración Shakira, y también otras con Bad Gyal y Quevedo. También el de Gorillaz, que trae colaboraciones como la de Bad Bunny. Además, publican disco U.S. Girls, La Prohibida y Algora, Philip Selway (Radiohead), Algiers, LVL1 o shame.
Abre la playlist ‘Over’, el nuevo single de CHVRCHES producido por Oscar Holter, uno de los responsables de ‘Blinding Lights’. Precisamente The Weeknd es otro de los protagonistas del día gracias al remix de ‘Die for You’ con Ariana Grande. Y, además de lo de Shaki y Karol G, cabe destacar la alianza de Ana Mena y Natalia Lacunza, la «camiseta de New Order» de The National y el regreso de Surfin’ Bichos, con la Canción Del Día más reciente.
El pop nos deja hoy novedades de Belén Aguilera, que, en el mejor momento de su carrera, publica ‘GALGO’; Kali Uchis y su ‘Moonlight’, Everything but the Girl, que publican el segundo single de su nuevo disco, o Halsey, que lanza la esperada ‘Die 4 Me’, la versión completa de su parte en una colaboración previa con Post Malone. Además, Nanna de Of Monsters and Men inaugura carrera en solitario.
En el plano nacional, hoy es día de escuchar novedades de Bunbury, Samuraï, Ginebras, Joven Dolores y otras que ya has podido escuchar en la playlist ‘Sesión de control‘ que actualizamos cada semana, de Jimena Amarillo, Florent y yo o Angela Pardal.
También adelantan sus nuevos discos Susanne Sundfør, yaeji, Jonas Brothers, Unknown Mortal Orchestra, Arooj Aftab u Overmono. Hasta el «nepodaddy» Rob Grant, padre de Lana Del Rey, publica single, pues acaba de anunciar un disco en el que participa su hija.
Como siempre, comentamos algunas curiosidades del día… si es que se le puede llamar curiosidad al regreso de RBD. Sí, los mismos. Adam Lambert, por su parte, vuelve con álbum de versiones tipo ‘Chandelier’ (se llama ‘High Drama’ el disco, para qué decir más).
Ya se ha confirmado la primera actuación de los Óscar 2023, y es de alto calibre. Rihanna realizará cantará la balada ‘Lift Me Up’, nominada a Mejor Canción Original como parte del soundtrack de ‘Black Panther: Wakanda Forever’. La gala de los Óscar se celebrará el próximo 12 de marzo. En las próximas semanas se anunciarán el resto de actuaciones.
‘Lift Me Up’ le ha otorgado a Rihanna su primera nominación en los Óscar, pero se ha quedado sin el logro de ser la primera persona en actuar en los Óscar y en la Super Bowl en el mismo año. Phil Collins ya consiguió esta hazaña en el año 2000, aunque compartió escenario en la Super Bowl con Christina Aguilera, Enrique Iglesias y Toni Braxton. En ambos eventos cantó parte del soundtrack de la película ‘Tarzán’, y además la canción ‘You’ll Be in My Heart’ se llevó la estatuilla dorada.
Junto con ‘Lift Me Up’, también han sido nominadas en la categoría de Mejor canción original: ‘Hold My Hand’ de Lady Gaga, ‘This Is A Life’ de David Byrne, Ryan Lott y Mitski, ‘Applause’ de Diane Warren, y ‘Naatu Naatu’ de Kala Bhairava, M.M. Keeravani y Rahul Sipligunj. Además, Rihanna también realizó otra balada para la misma película, la pastelosa ‘Born Again’.
El Festival Cruïlla ha anunciado hoy 25 nuevos artistas que se han sumado a los ya confirmados, entre los que se encontraban nombres tan importantes como Placebo, Franz Ferdinand, Leiva, Antònia Font, Carolina Durante, Viva Suecia o Amaia, entre otros. Cruïlla 2023 tendrá lugar del 5 al 8 de julio en el Parc del Fòrum.
Aunque el festiva todavía tiene que anunciar buena parte de su programación, Cruïlla ha sumado hoy todos estos nombres a su cartel: The Offspring (en su regreso a Barcelona), Alt-J, Rubén Blades con Roberto Delgado Big Band, Moderat, Parov Stelar, Bomba Estéreo, Nicki Nicole, el rapero argentino Wos, Los Van Van, Miss Bolivia, Rodrigo Cuevas, Ladilla Rusa, DJ Nacho Ruiz, Nanpa Básico, Pau Vallvé, Ramón Mirabet, Sexy Zebras, Peces Raros, Renaldo & Clara, Pinpilinpussies, Mourn, Sienna, Nico Roig, Santa Salut y Lal’Ba.
Con estos 25 nombres, ya son más de 50 las actuaciones confirmadas para el evento, que este año muestra una mayoría de actos de rock. Además, todavía faltan más artistas por confirmar. Toda la información y venta de entradas está disponible en la web del festival.
Tendremos Lana del Rey para rato en 2023. ‘Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd’, el octavo disco de la cantante neoyorquina, saldrá finalmente el 24 de marzo tras ser anunciado para el día 10 y ya hay dos sencillos disponibles: el track titular y la bucólica ‘A&W’. Además, el padre de la autora de ‘Born To Die’, Rob Grant, ha anunciado hoy su álbum debut, en el que podremos escuchar otras dos canciones con Lana.
«¡Los rumores son ciertos!», exclamaba Grant con el anuncio de su primer disco, ‘Lost At Sea’. Este estará disponible el próximo 9 de junio e incluirá las canciones ‘Hollywood Bowl’ y ‘Lost at Sea’, ambas con Lana del Rey. Esta noche será desvelado el primer adelanto del disco, junto a las novedades musicales de cada viernes. Grant ha trabajado previamente con su hija en la canción ‘Sweet Carolina’ del disco ‘Blue Banisters’, en la que desempeñó el papel de pianista.
Si alguien se pregunta si Jack Antonoff también produce este disco, la respuesta es sí. Los créditos de producción de ‘Lost At Sea’ incluyen a Antonoff, Luke Howard, Laura Sisk y Zach Dawes. Por otro lado, y a modo de curiosidad, Pebe Shebert, madre de Kesha, ya es alguien que no se va a perder el lanzamiento del padre de Lana. Al ver el anuncio del disco en Pop Crave, no ha dudado en responder con un: «¿Está soltero?».
Tracklist:
Moon Rise over the Ocean
Setting Sail on a Distant Horizon
Lost at Sea (feat. Lana Del Rey)
The Texture of Dreams
The Poetry of Wind and Waves
A Beautiful Delirium
Deep Ocean Swells
My Deep Blue Dream
Reflections of Light on Water
In the Dying Light of Day: Requiem for Mother Earth
A Delicate Mist Surrounds Me
The Mermaids’ Lullaby
Song of the Eternal Sea
Hollywood Bowl (feat. Lana Del Rey)
Lana Del Rey's father, Rob Grant, announces his debut album ‘Lost At Sea’ will be released Friday, June 9th.
It will include two songs with Lana Del Rey titled ‘Hollywood Bowl’ and ‘Lost at Sea.’ pic.twitter.com/iS4ijCz2wg
The National han lanzado ‘New Order T-Shirt’, el segundo single de su próximo álbum, ‘First Two Pages of Frankenstein’. El noveno disco de The National estará disponible en todas las plataformas el 28 de abril. Además, The National presentará el LP en el WiZink Center el próximo 4 de octubre en un concierto único en nuestro país. Las entradas están disponibles en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.
Sobre el nuevo tema, que sucede a ‘Tropic Morning News’ y muestra el lado más blando del grupo, Aaron Dessner ha comentado que «para mí la línea de ‘I keep what I can of you’ significa algo sobre toda la gente que he conocido o querido alguna vez». También ha destacado que la simplicidad de la canción le recuerda «a nuestros discos anteriores», pero con la «madurez y experiencia» que tienen ahora: «Se siente como una canción muy importante para el futuro del grupo», concluía Dessner.
The National también se han asociado de verdad con New Order y han puesto a la venta una edición limitada de camisetas inspiradas en los diseños del grupo de Manchester. Una parte de las ganancias irá destinada a una organización benéfica que elegirá New Order.
‘First Two Pages of Frankenstein’ será el primer disco de The National desde ‘I Am Easy To Find’ (2019) e incluirá cameos por parte de Taylor Swift (‘The Alcott’), Phoebe Bridgers (‘This Isn’t Helping’, ‘Your Mind Is Not Your Friend’) y Sufjan Stevens (‘Once Upon A Poolside’).
Tracklist:
1. Once Upon A Poolside (feat. Sufjan Stevens)
2. Eucalyptus
3. New Order T-Shirt
4. This Isn’t Helping (feat. Phoebe Bridgers)
5. Tropic Morning News
6. Alien
7. The Alcott (feat. Taylor Swift)
8. Grease In Your Hair
9. Ice Machines
10. Your Mind Is Not Your Friend (feat. Phoebe Bridgers)
11. Send For Me
En la última década, Skrillex ha pasado de ser una de las mayores estrellas de la EDM, y también una figura no especialmente mimada por la crítica por culpa de su horripilante sonido «brostep», a un productor tan solicitado, que el músico no ha vuelto a sacar disco en todo este tiempo. Y eso que, hasta 2014, solo llevaba uno, sin contar epés. Ahora, Skrillex ha decidido publicar dos álbumes de golpe, el primero de los cuales, ‘Quest for Fire’, está recibiendo buenas reseñas.
Que Skrillex ha madurado como artista es evidente en las producciones que ha creado o co-creado para otras personas. Ya sabíamos que hacía buenas migas con Justin Bieber, Diplo, etcétera, pero es que Skrillex está hasta en el ‘Magdalene‘ de FKA twigs. Escuchas un discazo de los últimos años y es muy probable que Danny Moore aparezca en los créditos. ¿’Chromatica‘ de Gaga? Check. ¿’Caution‘ de Mariah? Check. Hasta en el ‘RENAISSANCE‘ está (y quién no, también hay que decirlo).
‘Quest for Fire’ funciona, en parte, porque el sonido señera de Skrillex, ese dubstep pastillero que todavía se escucha en algún rincón del infierno, está diluido del todo. Las producciones se fijan especialmente en las de la música de club británica y pueden ser espectaculares, como la de ‘Rumble’, una mezcla de grime, dubstep y Jersey Club capaz de partir la tierra en dos, elevada por un pedazo de rap de Flowdan; divertidas com esa ‘RATATA’ que casa a Missy Elliot con un sample de Mr. Oizo; o incluso elegantes. Sí, elegantes: ‘Tears’ sería de Benga… si no se apoyara tanto en los efectos especiales. Hasta el house engorilado de ‘Leave Me Like This’ suena más contenido que de costumbre (a excepción de la chica que grita histéricamente en la grabación).
Sin ser ‘Quest for Fire’ un trabajo que hile especialmente fino en su abundante uso samples e influencias (sí hay un irreconocible sample del ‘What Dreams Are Made Of’ de Hilary Duff en ‘Hazel Theme’ que descubrirás si llegas al fondo del disco), las producciones suenan elaboradas y el conjunto se preocupa por aportar una atractiva variedad de sonidos y sabores. Skrillex suena más anónimo que nunca, por ejemplo, en ‘Butterflies’, que parece más bien del artista invitado, Four Tet, y ni los «vocal chops» de ‘A Street I Know’ ni el UK Garage bruto de ‘Too Bizarre’ aportan nada interesante a estas alturas. Sin embargo, con la palestina Nai Barghouti, Moore factura un buen tema de banghra llamado ‘XENA’, lleno de ululeos, que podría haber producido él… o no, pero que cumple su función.
Que ‘Quest for Fire’ sea solo el segundo álbum largo de Skrillex en 9 años dice mucho de lo que ha sido su carrera en este tiempo. El joven productor con peinado emo que firmó ‘Scary Monsters and Nice Sprites’, ‘Recess‘ o ese álbum con Diplo en el que encontrábamos el hitazo ‘Where Are Ü Now’ con Justin Bieber, está definitivamente en otra fase de su carrera. Ahora, Skrillex consigue que dé igual que apenas reconozcamos la voz de Aluna Francis en ‘Inhale Exhale’ porque la producción, con esos bajos tectónicos que te hacen vomitar las tripas, es excitante sin caer en la vulgaridad. Lo mismo se puede decir de todo el disco.
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