Hoy 11 de noviembre sale el esperado nuevo disco de Christine and the Queens, y también el trabajo de versiones de soul de Bruce Springsteen. Otros lanzamiento a subrayar son ‘SATURNO’ de Rauw Alejandro y ‘Tu historia’ de Julieta Venegas, que ha contado con un primer single de altura.
Presentan hoy trabajos largos también Gold Panda, Louis Tomlinson, le protegide de PC Music Hyd, Rozalén, Black Eyed Peas, el rapero Nas, la francesa Vendredi sur Mer y Jordana B, mientras llega a Spotify el disco más escuchado de los cinco que acaban de publicar (y borrar) SAULT. Al menos sobrevive uno de ellos. Por otro lado, Lourdes León, aka Lolahol, presenta su primer EP.
También se completa desde hoy la banda sonora de ‘Wakanda Forever’, lo que significa que tenemos nuevo single de Rihanna para degustar (y ‘Born Again’, ciertamente, empalaga). Es uno de los singles sueltos destacados del viernes junto a la Canción Del Día de hoy, ‘ESTÁS BUENÍSIMO‘ de Nathy Peluso, y también el nuevo sencillo de Kim Petras que sale tras el bombazo de ‘Unholy’. ‘If Jesus was a Rockstar’ es una co-autoría de Max Martin.
Otra novedad que es noticia es ‘Enter the Day’, el single que marca el regreso de Patrick Wolf tras más de una década. Han tardado menos que él, pero hoy vuelven también con novedades Julia Michaels, Chica Sobresalto y The Blaze.
Entre los artistas que siguen presentando sus próximos discos se encuentra Fever Ray, que entrega uno de sus temas más enérgicos, y Los Punsetes, que dedican su nuevo single a «España». Por otro lado, Aitana adelanta la banda sonora de ‘La última’ y Stormzy sigue desgranando su álbum, así como Ava Max.
Nathy Peluso estrena nuevo single y ‘ESTÁS BUENÍSIMO’ es inmediatamente noticia porque supone su regreso a las «barras», en sus propias palabras. La cantante vuelve a rapear mucho tiempo después del éxito de su single con Bizarrap y lo hace subida a otra base durilla y «old-school» que remite a la mejor Missy Elliott, no exenta de sus «tiqui-tiquis».
‘ESTÁS BUENÍSIMO’ es una canción rapeada desde el principio hasta el final, desde que nos sitúa en casa de una tal «Marisol» hasta que Nathy pide a su ligue que deje que le «cate con aceite, sal y tomate». En el videoclip, evidentemente inspirado en el de ‘The Way You Make Me Feel‘ de Michael Jackson, ese ligue no es otro que el modelo Jon Kortajarena.
A este ligue dedica Nathy unas cuantas rimas que la autora de ‘Calambre‘ vuelve a masticar y escupir como solo ella sabe. La artista saborea cada sílaba como si atara la ramita de una ciruela con la lengua, y consigue que la sonoridad de sus palabras marque el ritmo de la canción, al igual que el beat, y que tenga igual importancia que la propia historia.
Las rimas vuelven a ser poesía: «Ese prende su ci-ga-rro / te derrito, si te a-ga-rro / tienes cara, de gu-a-rro / te-lo-hago en-el-ba-rro» es una de las más atrevidas. «Me imagino olerte y tocarte / ese cuerpo es historia del arte» es el piropo del siglo XXI (o no tanto). El estribillo juega con la homofonía de «me roba la atención» y «me sube la tensión», entre «pica-picas» y «llama-llamas» totalmente adictivos.
Como decimos, aunque cualquiera al que le interese un mínimo el pop se dará cuenta, el vídeo de ‘ESTÁS BUENÍSIMO’ se inspira en uno de los más míticos de Michael Jackson, aquel en el que el Rey del Pop y su séquito de machos perseguía a una joven a través de una oscura avenida. Todo el «look» de Nathy en este single no puede ser más ‘Bad’, ni sus aullidos más Michael. Eso sí, el paso de cangrejo del minuto 1.53 parece de cosecha propia.
El listado de canciones de la banda sonora de ‘Black Panther: Wakanda Forever‘ revelado hace unos días incluía ‘Lift Me Up‘, la nueva balada de Rihanna, pero no ‘Born Again’ por algún motivo, y pese a que se sabía que RiRi había contribuido exactamente estas dos canciones a dicha banda sonora, que salía el pasado 4 de noviembre.
Hoy, día en que se estrena ‘Black Panther: Wakanda Forever’, aparece ‘Born Again’ finalmente en el disco, en concreto, al final de la secuencia. Y, como apuntaban las primeras informaciones, también es una balada. Sin embargo, ‘Born Again’ ya no suena tan navideña como ‘Lift Me Up’, sino que, más bien, adopta una forma más convencional de balada pop orquestada, arreglada con piano y cuerdas, sobre los cuales Rihanna de manera sentida que «daría todo por este lugar», que «donde quiera que estés, yo estaré» y que «moriría y volvería solo para amarte».
Si ‘Lift Me Up’ ha conseguido reajustar expectativas ante la nueva música de Rihanna, siendo un momento mono pero menor en su discografía, vuelve a ser el caso de ‘Born Again’, una co-autoría de The-Dream que imaginamos más bien ocupando el puesto medio o bajo de un disco de Rihanna o de cualquier otro artista. Está muy lejos de ser una composición tan inspirada como ‘Stay’: más bien trae la misma dosis de pastel que las baladas de sus dos primeros discos.
‘Lift Me Up’ y ‘Born Again’ serán, hasta nuevo aviso, las únicas novedades de Rihanna en bastante tiempo, pues la cantante ha confirmado que no hará coincidir su actuación en el intermedio de la Super Bowl con el lanzamiento de un nuevo disco. «Cuando anuncié la Super Bowl me dije: mierda, mis fans van a pensar que el disco está listo», ha declarado, «pero la Super Bowl es una cosa, y la nueva música es otra».
Tiene que ser un shock para todo el mundo lo de la transición a hombre de Christine and the Queens. Su debut, que superó de calle el millón de copias, se abría con una canción llamada ‘iT’ que hablaba del trauma de ser transgénero y sentirse constantemente un «fake». «He ganado, soy un hombre al fin» era una de sus frases impenetrables. «Quiere ser un hombre, pero miente / Lo que quiere es volver a nacer, pero no lo conseguirá», era otra frase repletita de misterio. Y hasta aquí el tema del que tanta gente tiene tantísimo que decir.
‘Redcar les adorables étoiles’ es el tercer álbum del artista. En él, adopta un nuevo alias, «Redcar», como lo fue el propio Christine y después Chris, esta vez afectado por la muerte de su madre. En la búsqueda de esta, decía ver solo «coches rojos» por todas partes y ese ha sido el punto de partida de este disco escrito muy rápidamente, bajo el desafío de hacer una canción por día, a lo largo de dos semanas.
Hacerte llamar CocheRojo es algo rocambolesco, sobre todo después de ‘Titane‘, y el sonido de ‘Redcar les adorables étoiles’ es mucho más inasible que en anteriores discos, sumergido en los años 80 más ariscos, influido por el pop industrial de gente como Einstürzende Neubauten o los Depeche Mode de ‘Black Celebration’. ‘Tu sais ce qu’il me faut’ parece tarareada incluso con cierto desdén. Rara vez sigue siendo un referente el funk de Prince, como quizá sucede en la primera canción ‘Ma bien aimée bye bye’, en la que destaca la vida de la batería.
Y únicamente el segundo single ‘rien dire’ recuerda al pop electrónico melódico que nos enamoró en el primer disco de Christine and the Queens. No en vano es una canción de amor -sobre una relación que acabó entre la gestación de la canción y el lanzamiento de este disco-, versando sobre la entidad de una pareja «sin necesidad de hablar».
Pero la mayoría del álbum va por otros caminos. El single ‘je te vois enfin’ es mucho más identificativo de lo que aquí encontramos, y además viene precedido en la secuencia de una canción deliberadamente monótona de 8 minutos y ritmo dub titulada ‘Combien de temps’, que habla del viaje de Christine: «Tomé el camino de los locos, los valientes / Dejé todo lo que sé detrás de mí». Es este un álbum sobre fantasmas, oraciones, pájaros blancos, lamentos y apelaciones a la paz y a la tenencia de un “alma”, como ocurre en el tercero de los sencillos ‘La chanson du chevalier’. Luego, ‘My Birdman’ mantiene el ambiente fumeta, esta vez cerca del trip-hop.
‘Redcar les adorables étoiles’ puede ser una experiencia algo frustrante cuando el tema ‘Looking for Love’ clama por la «búsqueda de un amor poderosamente real», con frases como «Este mundo es tan cruel / pon tu mano en la mía / y tus labios en mis labios»; pero después su música no transmite tanto esa positividad. La bonita ‘Mémoire des ailes’ funciona mucho mejor en su búsqueda de «sentirse vivo», apelando repetidamente al recuerdo de alguien que nos acaricia la cara «tan dulce».
Sin embargo, aunque las composiciones de ‘Redcar les adorables étoiles’ se resistan a ser tan inmediatas, hasta el punto de que Christine ha manifestado sentirse incómodo en el vídeo pop de ‘New Shapes’ con Charli XCX y Caroline Polachek, simplemente porque ahora está en un punto mucho más oscuro, y para muestra esa entrevista promocional con The Guardian a la que se ha presentado llorando; lo cierto es que el artista tiene la película de este disco muy clara en su cabeza. Tanto que casi podemos verla.
Su inspiración conceptual esta vez ha sido ‘Angels in America’ de Tony Kushner, una obra de teatro llevada a la pequeña pantalla que habla sobre el sida a mediados de los 80, gente armarizada, y eventualmente más fantasmas. Christine and the Queens, conocido por generar verdaderas maravillas en vivo -fue a través de una actuación televisiva que entró en el mercado de UK- y por realizar videoclips tan fantásticos y llenos de referencias como el de ‘Girlfriend’ (de Ebbets a Broadway), ha sido capaz de crear un ambiente tan humeante en estas producciones que prácticamente podemos imaginar su película y ese directo del que habla y que no va a poder realizar.
Christine and the Queens ha sufrido una lesión actuando y de momento no va a ofrecer tantos conciertos como quiere. Además, ya ha grabado otro disco con Mike Dean (Kanye West, Madonna) y es fácil adivinar que pronto él y/o su sello pasarán página. Pero no será porque algunas de estas canciones no encierren posibilidades escénicas que las amplíen: ahí está el registro agudo, casi operístico de ‘la clairefontaine’ y su letra shakespeariana (“se sangran unos a otros mientras se buscan / parece que van a morir esta noche”).
Iggy Pop empieza 2023 con su nuevo disco ‘Every Loser’. Se trata del álbum número 19 de Iggy Pop, y el rockero lo ha producido junto al productor superestrella Andrew Watt, quien, entre otros, ha trabajado con Ozzy Osbourne y Pearl Jam. Será nuestro «Disco de la Semana», más que por su calidad, para aprovechar y reivindicar otros puntos relevantes de la carrera de Iggy Pop.
Últimamente, Watt ha producido ‘Hold Me Closer’ de Elton y Britney pero, por lo que se ve en su portfolio y en redes sociales, a él lo que le va de verdad es el rock. Tanto es así que estas son las palabras de Watt sobre el disco: «Iggy es un puto icono. Un tío original de verdad. Él inventó el «stage dive». No puedo creer que me haya dejado hacer un disco con él. Estoy realmente agradecido. No puede ser más guay».
‘Every Loser’ es un trabajo que Iggy y Watt han grabado «a la manera antigua» y que, a nivel sonoro, te quiere «dar una paliza». Además, contiene colaboraciones estelares de Travis Barker de Blink-182, Chad Smith de Red Hot Chili Peppers, Duff McKagan de Guns N’ Roses, Stone Gossard de Pearl Jam, Dave Navarro de Jane’s Addiction y, de manera póstuma, de Taylor Hawkins. Este es el tracklist:
01 “Frenzy”
02 “Strung Out Johnny”
03 “New Atlantis”
04 “Modern Day Rip Off”
05 “Morning Show”
06 “The News For Andy”
07 “Neo Punk”
08 “All The Way Down”
09 “Comments”
10 “My Animus Interlude”
11 “The Regency”
Paul Weller ha conseguido que el mundo se entere de que protagoniza el especial de Record Special de diciembre. El ex integrante de The Jam se ha quedado a gusto insultando -sin motivo aparente- a Robert Smith de The Cure, al que ha propinado insultos ingleses tan feos como «fat cunt» o «knob-end». Y no solo se ha metido con el peso de Smith, revelando su gordofobia, sino que también le ha afeado que se pinte los labios a su edad. Debe ser que vive en un universo paralelo donde los hombres no se maquillan, mucho menos en el mundo del rock.
El origen de las declaraciones de Weller es -se puede decir- una canción de Noel Gallagher. Sí, por raro que parezca, Noel Gallagher es el origen de un «beef» entre dos rockeros ingleses y, por primera vez, él no lo protagoniza.
En la entrevista, el periodista de Record Special compara una canción de Gallagher con ‘A Forest’ de The Cure y, por alguna razón, Weller se pica. «¿En serio? No los puto soporto. (Robert Smith) es un puto gordo de mierda, con su pintalabios y toda esa basura. Él tiene mi edad, ¿no? Es un puto estúpido. No me gusta. Ahí lo tienes. Con (Robert) sí trabajaría: le daría un tortazo, o algo así».
Robert Smith no ha contestado a las palabras de Weller. Quien sí lo ha hecho es su compañero de banda, el teclista Roger O’Donnell. Él ha sido más elegante que Weller y ha expresado: «Siempre he pensado, como dijo (el escritor y poeta irlandés) Spike Milligan, que la gente que viven en casas de cristal deberían bajar las persianas antes de quitarse los pantalones… ¿Señor Weller?»
The Cure y The Jam comparten historia, pues fue la misma persona, el manager Chris Parry, quien descubrió a las dos bandas décadas atrás. Louder than Sound piensa que Weller puede seguir enfadado con Smith porque The Cure robaron equipo a The Jam durante las sesiones de grabación de su álbum de 2004, o porque Smith declaró una vez que «tendrías que ser muy tonto para creer a Weller» debido al contenido de sus letras. Me decanto por pensar que Weller se ha ido de la lengua sin más.
Fever Ray ha dado los detalles de su nuevo álbum, que lleva por título ‘Radical Romantics’ y sale el 10 de marzo a través de Mute. Aparte del single ‘What they Call Us‘ incluye el segundo adelanto, ‘Carbon Dioxide’ y, además, el disco cuenta con la participación de dos pesos pesados como son Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails, entre otros.
Entre los colaboradores de ‘Radical Romantics’ se encuentran también Nídia, Johannes Berglund, Peder Mannerfelt, Pär Grindvik, Martin Falck y, por supuesto, Olof Dreijer, hermano de Karen Dreijer (Fever Ray) y compañero de la artista en The Knife, quien co-escribe ‘What they Call Us’.
‘Carbon Dioxide’ es una producción decididamente machacona y uptempo que bordea el electroclash y el sonido ravero, pero siempre desde la sensibilidad (y la voz) de Karen Dreijer, quien canta sobre absorber el «dióxido de carbono» de un amor que no quiere perder.
El tracklist de ‘Radical Romantics’ incluye 10 temas, los listados a continuación. ‘Plunge‘, el último álbum de Fever Ray, salió en 2017.
01 What They Call Us
02 Shiver
03 New Utensils
04 Kandy
05 Even It Out
06 Looking for a Ghost
07 Carbon Dioxide
08 North
09 Tapping Fingers
10 Bottom of the Ocean
Los Punsetes vuelven a dar en la diana con ‘ESPAÑA CORAZONES’, el segundo adelanto de su nuevo álbum, que lleva el impronunciable título de ‘AFDTRQHOT’ y será nuestro «Disco de la Semana». El primer adelanto, ‘Ocultismo‘, duraba 9 minutazos, pero el segundo es más breve y conciso.
Envuelto en guitarras noventeras que al final incluso se aproximan al shoegaze, ‘ESPAÑA CORAZONES’ es un comentario sobre el patriotismo y la identidad. «España es lo que a mí me salga de los cojones» es la frase estrella de la canción, pero no es casualidad que luego rime con «España porque sí y ya sobran razones»: la palabra «España» es el espejo en el que tantos buscan su propia identidad, una identidad tribal que convierte España «en un país bandera, con más tontos que listos, con más fuerza que maña».
Cuando de boca de Ariadna Paniagua salen frases como «España es un país con más perros que gente con hielo en las pestañas», o «España es un país con más perros que gente con fuego en las entrañas», cabe preguntarse si Los Punsetes no están hablando de repente sobre un país que consideran políticamente resignado y holgazán y que no sale a las calles a protestar tanto como debería. Más bien, el país parece dividirse entre «La España que madruga, y la que no se acuesta».
Los Punsetes presentarán ‘AFDTRQHOT’ en una gira que empieza el 2 de diciembre en Málaga. Después estarán el 9 de diciembre en Vitoria, el 10 de diciembre en San Sebastián, el 16 de diciembre en Valladolid y el 17 de diciembre en León. Ya en 2023, Los Punsetes actuarán el 14 de enero en Santiago, el 27 de enero en Córdoba, el 28 de enero en Sevilla y el 18 de marzo en Murcia.
“Gracias por esperar tanto para vernos”, agradecía Justin Vernon momentos después de tocar ‘Faith’ ante las 9.000 personas ayer presentes en el WiZink Center. Nada más ni nada menos que tres años son los que han tenido que esperar los fans de Bon Iver para presenciar una rendición en directo de su último disco, ‘i,i’, lanzado en 2019. A juzgar por lo que se vio ayer en la capital, cada segundo de la espera ha merecido la pena.
Tras la agradable y sorprendente mezcla de trompetas con jazz, funk, ambient y hasta noise del dúo telonero, CARM, solo quedaba media hora para el turno de Bon Iver. En las entradas ponía que comenzarían a las 21.00. Sin embargo, antes de entrar pude escuchar a un miembro del equipo de seguridad mencionar que empezaría a las 21.15. Y así fue, el reloj marcó la hora presagiada y comenzaron a sonar las cortadas voces y notas de ‘Yi’, el tema introductorio de ‘i,i’, al tiempo que miles de personas vestían con aplausos la salida de Justin Vernon y sus estimados compañeros de banda.
‘iMi’ fue el entrante perfecto para una noche llena de emociones, un show delicado y simple, pero delicioso. Con ‘Towers’ la cosa ya cambió. Mientras que con ‘iMi’ la iluminación había sido blanca y prácticamente estática, en ‘Towers’ se empezó a apreciar el alucinante equipo de luces que habían montado para esta gira tan anticipada.
Cada miembro del grupo estaba colocado dentro de una estructura de neón con forma triangular, cuyo color iba cambiando constantemente. Durante ‘Towers’ se limitaron a los tonos de la portada de ‘i,i’. Encima de sus cabezas colgaban una serie de espejos rectangulares, casi como teclas de un piano, recubiertos con luces en los bordes, de forma que los focos pudiesen reflejar la luz en ellos y llenar así el aire de líneas coloreadas. Además, estas luces-espejo escondían una sorpresa que revelaron con ‘666 ʇ’, la siguiente canción en la lista, y es que cada uno de estos rectángulos gozaba de movilidad independiente, lo cual les permitía crear todo tipo de figuras en un escenario que mutaba con cada canción. Andrés Iglesias
En canciones como ‘U (Man Like)’, ‘Heavenly Father’ y ‘Hey, Ma’ estos espejos aéreos parecían flotar sobre Bon Iver como si de un truco de magia se tratase. El concierto acababa de empezar, pero entre la maestría musical y la variedad visual, cada tema era un espectáculo en sí mismo. ‘Hey, Ma’, con la que fue inevitable no sentir escalofríos de principio a fin, fue el culmen de esta sucesión de canciones. Entre la impecable y cálida voz de Vernon, que suena incluso mejor en directo que en las grabaciones, y la ingrávida cúpula de luz anaranjada que formaban los espejos, parecía que el show no podía ir a más. Solo había transcurrido media hora.
Para la experimental ‘10 d E A T h b R E a s T ⚄ ⚄’, los estadounidenses decidieron añadir otro nivel visual a la experiencia. Todo el recinto se llenó de neón verde, que parecía salir de cada recoveco del escenario, y de decenas de rayos de luz púrpura, como si hubiesen sido sacados de una película de espías. De repente, el interior del WiZink se asemejaba más a una rave tecno del más alto nivel que a lo que te imaginarías que sería un concierto de Bon Iver.
Al terminar, Justin Vernon, que hasta ese momento se había limitado a decir “gracias” y “muchas gracias”, se soltó un poco más y, mientras punteaba los primeros acordes de ‘Blindsided’, exclamó: “Creo que todas las personas aquí presentes son sexis de cojones”. Aparte de unas bellas palabras al final del espectáculo, Vernon no estuvo muy hablador durante el resto del show. Eso sí, todas y cada una de las palabras del frontman de Bon Iver, por escuetas que pareciesen, fueron recibidas entre aplausos y vítores.
Uno de los mejores momentos de la noche solamente precisó de Vernon, su autotuneada voz y una mesa de mezclas. ‘Woods’, más conocida por ser la espina dorsal de ‘Lost In The World’ de Kanye, fue un espectáculo del que no pudieron disfrutar los espectadores que acudieron al Palau Sant Jordi hace tres días, pero que difícilmente olvidarán los asistentes del WiZink. Vernon construyó todas y cada una de las capas de la canción en directo, que habría tenido en torno a 20 pistas diferentes, y presenciar el proceso se sintió como un regalo realmente único.
Tras el gran hit del conjunto, ‘Skinny Love’, llegó el tramo en el que los miles de personas presentes finalmente se rindieron ante Bon Iver. ‘Perth’ y ‘Holocene’, dos de las canciones más queridas de la discografía del grupo, resultaron un capricho tanto auditivo como óptico y fueron objeto de las ovaciones más sonadas de la velada. A excepción, quizás, del aplauso posterior a la apasionante performance de ‘re:stacks’, en la que Vernon y su guitarra hicieron que pasase un ángel por el WiZink, y de la duradera alabanza colectiva al terminar el concierto. ‘Holocene’ fue especialmente memorable, con una intensa luz azul saliendo de cada fuente de luz presente y con los espejos aéreos comportándose como un lento oleaje oceánico.
‘The Wolves (Act I and II)’ cerró el setlist principal, a falta del bis. La última canción que se entonó en el WiZink fue ‘RABi’, recordándonos que la cuestión de ser del concierto era presentar el último disco de la banda. Así, como por arte de magia, pasaron de largo casi dos horas de actuación, y solo faltaba un último mensaje de Justin Vernon para dedicar a cada persona del público: “Esperamos que hayáis venido con amor y que os vayáis con más aún”.
Mallorca Live Festival volverá a celebrarse en 2023 durante el mes de mayo, en concreto entre los días 18 y 20 de dicho mes. Hoy se confirman los primeros nombres de su siempre apetecible cartel, que se desarrolla en el Antiguo Aquapark de Calvià. JENESAISPOP será medio oficial de este evento.
El primer cabeza son The Chemical Brothers, que se presentarán por primera vez en las Islas Baleares en formato LIVE. Vetusta Morla continuarán con la presentación de su notable disco ‘Cable a Tierra‘ y también se podrá ver en Mallorca Live a la DJ surcoreana de techno y house Peggy Gou, habitual de DC10 Ibiza y festivales como Coachella y Glastonbury. Tres nombres, pues, bien variados.
La letra mediana, que quizá no sea tan mediana para cuando llegue el próximo mes de mayo, está conformada por muchos de los mejores talentos que hemos conocido en los últimos tiempos en nuestro país: Ralphie Choo, Rusowsky, Irenegarry, Brigitte Laverne, Alien Tango, Yendry, Jimena Amarillo, Blanco Palamera, Judeline y Ghouljaboy, muchos de los cuales aparecerán el mes que viene en toda lista con lo mejor de 2022.
El panorama balear estará representado por el rap de Dollar Selmouni (que además ha debutado en el cine en los últimos años, en ‘Hasta el cielo’) y el rock post-grunge de L.A., mientras la escena emergente estará representado por Xavibo, Bilo o Jane Yo.
De cara a mejorar la organización tras la edición masiva de 2022, el festival anuncia la posibilidad de recibir la pulsera en casa y se habilitarán diferentes puntos de prevalidación durante los 15 días previos al inicio del evento. Además, si viajas desde la península, Mallorca Live ha unido fuerzas con Logitravel para ofrecer paquetes especiales de alojamiento + abono de 3 días para el festival desde 180€ para asistentes de la Península y el extranjero. Los abonos están a la venta desde 119 € (más gastos de gestión) en www.mallorcalivefestival.com y la ticketera oficial del festival, SeeTickets.
hemlocke springs es una cantante y compositora de 23 años de Carolina del Norte que está empezando a dar que hablar gracias a su nuevo single, ‘Girlfriend’. El tema lleva tiempo dando vueltas por TikTok, se ha viralizado y, este mismo viernes, ha salido oficialmente en Spotify, donde ya le ha dado tiempo de amasar cerca de 2 millones y medio de reproducciones.
En un océano de novedades que salen cada semana, ‘Girlfriend’ llama la atención desde el primer momento: su energía excéntrica recuerda enormemente a la Marina and the Diamonds de ‘The Family Jewels‘ o a la primera Santigold, los tics vocales de hemlocke remiten también a Marina o, por supuesto, a Kate Bush, y la vitalidad de la primera Cyndi Lauper también emerge en la composición. Es «quirky pop» en su definición más exacta.
‘Girlfriend’ habla sobre un chico que ha asumido que hemlocke quiere ser su novia. Ella no se adelanta a los acontecimientos («todo depende») pero acepta que sus sentimientos empiezan a ser intensos. «Cuando estoy contigo me da arritmia». En el puente ya se desquicia por completo: ella dice que es el «puente más raro que oirás en tu vida».
‘Girlfriend’ es solo el segundo single publicado por hemlocke springs. El primero, ‘gimme all ur love’, también es estupendo, si bien ya no es tan estrafalario como aquel, sino que más bien apunta a lo atmosférico, en una composición que suena exactamente a un híbrido entre Lorde (por melodía) y Grimes (por producción). Entre ambos temas nace una promesa a la que seguir muy de cerca.
Lolahol -no había más nombres- es el alias de Lourdes León, hija de Madonna, y el primer proyecto musical de la modelo convertida a cantante. El primer single, ‘Lock&Key’, llamaba la atención por su sonido jungle y por ser una producción de Eartheater.
Precisamente Eartheater es productora ejecutiva del EP de debut de Lolahol, que recibe el título de ‘Go’ y contiene un total de 5 pistas, entre las cuales se incluye el nuevo single ‘Cuntradiction’, el más trip-hop de todos, tanto que suena directamente salido de los 90. En su videoclip, Lolahol aparece subida a un caballo blanco o bailando dentro de un establo.
El sonido de ‘Go’ es decididamente alternativo debido a que Lourdes co-produce el proyecto junto a Tony Seltzer, Shlohmo, Samuel Burgess y Hara Kiri: las baterías industriales de ‘Giovanni’s Room’ transmiten ecos de Yves Tumor, mientras la atmósfera opresiva de ‘Not Pussy’ trae a la mente tanto a Tirzah como a Kelela. ‘Purple Apple’ es la más electrónica y Sónar del lote.
El EP se cierra con ‘Lock&Key’, que ya habíamos comentado por su sonido similar a ‘Ray of Light’ de Madonna, disco que Ciccone compuso precisamente después de dar a la luz a Lola. La propia Madonna ha compartido un enlace a ‘Go’ en sus redes.
A Madonna definitivamente -y como cabía esperar- sus hijos le han salido artistas: si Lourdes se dedica a la música, Rocco prefiere la pintura, y su obra -que firma con el alias de Rhed– ha recibido buenas críticas, aunque también otras más tibias.
WARM UP 2023 suma nuevos nombres a su cartel, entre ellos el de Amaia, que presentará en Murcia ‘Cuándo no sé quién soy‘, y el de su compañera de programa (que no de edición) Natalia Lacunza, que hará lo propio con ‘Tiene que ser para mí‘.
Además, el festival anuncia a Varry Brava, pletóricos tras su paso por Benidorm Fest, y también a la artista revelación británica Hope Tala, además de a otro artista revelación español que ha conquistado a la prensa anglosajona y con razón, Ralphie Choo.
Rocío Márquez y Bronquio, autores de uno de los más sorprendentes y mejores discos de 2022, ‘Tercer cielo‘, se suman también al cartel de WARM UP, así como los divertidos trashi y Nico B., quien nos acaba de hablar de uno de sus temas favoritos, los videoclips.
Antes de esta tanda de nombres, WARM UP había confirmado a Hot Chip, Viva Suecia, Cariño, León Benavente y Maestro Espada, que a su vez se sumaban a Franz Ferdinand, Yo La Tengo, Vetusta Morla, Carolina Durante, Dorian, Carlos Sadness, Mujeres, Niña Polaca, Judeline, pablopablo y Yung Prado.
WARM UP se celebra los días 29 y 30 de abril, fechas a las que se suma la del 31, día de inauguración, que contará con una programación especial que se anunciara próximamente. Toda la información sobre abonos, programación… está disponible en la web del festival.
Fleet Foxes estrenan hoy un tema nuevo llamado ‘A Sky Like I’ve Never Seen’ que forma parte de la banda sonora de ‘Wildcat’. Es un tema completamente original y escrito para la ocasión en el que Robin Pecknold vuelven a demostrar sus dotes para las armonías vocales y los arreglos de cuerdas, en una dramática composición de folk pastoral que no decepcionará a sus seguidores.
Este nuevo documental, que se estrena el 21 de diciembre, narra la historia de un «un joven soldado británico que, de vuelta de la guerra en Afganistán, lucha contra la depresión y el trastorno de estrés postraumático halla una segunda oportunidad en la selva amazónica cuando conoce a una científica estadounidense, y juntos acogen a un ocelote bebé huérfano».
Apropiadamente, ‘A Sky Like I’ve Never Seen’ es una canción llena de referencias naturalistas. En ella, Pecknold se esconde tras un «cráter» y busca «paz en el laberinto de mi vida», pero también ve un «océano» en el horizonte y busca bañar su alma en la luz del sol. Quizás porque ha recibido «pruebas de que acabe» su relación con una persona, y necesita «enjuagarse en el fango» y renovarse.
En Instagram, Pecknold ha explicado que ‘A Sky Like I’ve Never Seen’ está inspirada en los «métodos poco convencionales» que ‘Wildcat’ utiliza para «llegar a algo universalmente conmovedor». Destaca especialmente «todas las colisiones inherentes entre líneas en la película, entre las especies, entre los hemisferios, entre los individuos, entre lo psicológico y lo natural». Pecknold también ha escrito la canción entre varios lugares, en concreto, «en estudios prestados, en tiempos muertos de la gira, en habitaciones de hoteles».
‘Shore‘, el último álbum de Fleet Foxes, veía la luz en el otoño de 2020 y contenía composiciones destacadas como ‘Can I Believe You‘ o ‘Wading in High-Waist Water’, que se mantienen entre las más escuchadas del grupo en Spotify.
Bill Callahan vuelve a mostrarse muy productivo. ‘Gold Record’ (2020) era un disco puede que menor, pero delicioso. Sin embargo, ‘Blind Date Party’ (2021), su álbum de versiones junto a Bonnie ‘Prince’ Billy daban ganas de, ehem, salir corriendo.
‘YTI⅃AƎЯ’ retoma la senda de ‘Shepherd In A Sheepskin Vest’ (2019)… relativamente. Es mucho más fácil encuadrarlo con ‘Dream River’. La intención de crear una obra adusta-mas-la-recompensa-está-ahí de ‘Shepherd’ se ha suavizado: es menos adusto y la recompensa llega rápidamente. Es igual de largo, por eso, pero con la mitad de temas (de veinte pasamos a doce). Las canciones son, aunque largas, más inmediatas, más melódicas. Te atrapan. Bill las dota de desarrollos extensos, nos da la oportunidad de sumergirnos en ellas. Igual que ‘Gold Record’, ‘YTI⅃AƎЯ’ es muy paisajístico, lleno de aire. Pero lo que allí era minimalismo, aquí se convierte en barroquismo acústico. Y por eso nos retrotrae a sus obras de finales de los dosmiles-principios de los años diez.
El título, ‘YTI⅃AƎЯ’, es una pista: Callahan coge la realidad que le rodea y la presenta desde una óptica surrealista, tierna, diferente. Canta sobre ella de manera poética, a veces críptico, a veces naturalista. Y aunque Bill sigue salmodiando (como en él es natural), aquí exprime aún más la posibilidades dramáticas de maravillosa su voz. Sea ejemplo (y puerta) el fulgor que se dispara apenas arranca la hermosa ‘First Bird’, aliteraciones incluidas: “sh-sh shadow”, silabea Callahan, rodeado de vientos, menos monocorde, más sentido, rodeado de vientos. En ‘Everyway’, los bonitos dejes country se van encendiendo gracias a una guitarra que dibuja paisajes y crea una quieta emoción que desborda y se desborda. Una rara sensualidad hindú recorre ‘Partition’, con la guitarra marcando un ritmo sincopado y un clarinete omnipresente persiguiendo a Callahan, que clava de manera obsesiva los versos: “Meditate, ventilate, do what you gotta do”.
El Bill rapsoda e histrión brilla especialmente en ‘Lily’: apenas su voz sobre la guitarra de doce cuerdas de Matt Kinsey. Bill baja, susurra, sube, hasta que el tema se convierte en un conato de góspel que planea bajito, con miedo a subir a los cielos. En ‘Naked Souls’, el piano nocturno y elegantísimo le da brillo y un pequeño guiño a lo Randy Newman, hasta que vira hacia un himno de jazz marcial, enmarañado, con trompetas estridentes y los instrumentos sepultando la voz de Bill que, por primera vez, deja de estar en el habitual primer plano, para dejarse arrastrar gozoso por el marasmo. Se refrena en la dulzura que desprende ‘Coyotes’, con esos requiebros y, ay, esas cuatro notas del piano mientras oyes a Bill entonar sensualmente: “Yes, I am your loverman”.
‘Natural Information’ se erige como la pieza más country, más pizpireta y que más rápido engancha, en que canta sobre pasear a su bebé y los pensamientos inspirados por esta actividad tan cotidiana. Una oda a ser más despreocupados, a no obviar nuestra sabiduría innata y natural. Y mientras hacia el final se desparrama en la etérea ‘Planets’, con derivas de free jazz y un algo de Sufjan Stevens, sabes que ‘YTI⅃AƎЯ’ es un premio: el regreso de Bill Callahan a sus territorios brillantes y ensoñadores. Esos adonde que sus fans siempre anhelamos que nos lleve.
Gal Costa, una de las mayores representantes del tropicalismo brasileño junto con Caetano Veloso (que escribió algunos de sus éxitos), Gilberto Gil y Maria Bethania, ha fallecido a los 77 años. No se ha revelado causa de su muerte. Recientemente, Costa había suspendido conciertos para someterse a una cirugía para que se le extirpase un nódulo en la nariz.
Una de las grandes voces del pop brasileño, Costa publicó su primer disco, ‘Domingo’, en 1967 en colaboración con Caetano Veloso, y este escribiría más adelante ‘Baby’, el primer éxito a escala nacional de Costa. ‘Baby’ formó parte del álbum clásico de la tropicalia ‘Tropicália: ou Panis et Circenses‘, publicado en 1968, y que contenía otros temas conocidos de Costa como ‘Mamãe coragem’, ‘Parque industrial’ o ‘Enquanto seu lobo não vem’, entre otros de Veloso, Gil u Os Mutantes.
En 1969, Costa publicó su álbum debut homónimo, considerado otro gran clásico de la tropicalia: ‘Que pena (Ele já não gosta mais de mim)’ y ‘Não identificado’ sumarían más singles de éxito a su repertorio, en un disco que fusionaba bossa nova con psicodelia norteamericana. ‘Gal’, su segundo álbum, vio la luz apenas meses después y se considera el más psicodélico y experimental de su carrera.
Costa siguió publicando discos en las siguientes décadas y, si en ‘Legal’ coqueteaba con el R&B o el jazz, en ‘India’ (1973) se volvía a centrar en un sonido tradicional brasileño, y su portada -que muestra la parte de abajo del bikini de Costa- fue censurada por la dictadura brasileña. En 1982, Costa obtuvo el mayor éxito de su carrera con ‘Festa do interior’, incluido en el álbum ‘Fantasia’.
Después del especial Halloween, compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
El breve encuentro de Paco León y Lady Gaga: Empezamos fuerte. Paco León y Milena Smit han estado en Malibú, California y, en la ciudad, han acudido al evento de una conocida marca de champán que acaba de sacar una botella en colaboración con Lady Gaga. Por supuesto, la autora de ‘Chromatica‘ estaba en el evento y los tres han posado juntos en esta foto.
El selfie de ANOHNI: ANOHNI no se prodiga mucho en redes sociales pero, estos días, ha colgado un selfie de ella maquillada que ha sorprendido a sus seguidores. Entre ellos se encuentran Naomi Campbell, Isabel Coixet, Beth Orton, Joan as Police Woman o Amanda Palmer: todas ellas han dejado mensajes de cariño a la cantante.
Selena Gomez y Hayley Bieber posan juntas: Mucho antes del estreno de su documental ‘My Mind and Me’, con cuyo director hablamos hoy en portada, Selena Gomez dio que hablar gracias a estas instantáneas en las que aparece posando con Hailey Bieber, la mujer del que un día fue pareja de la intérprete de ‘Love Me Like I Love You’, Justin Bieber.
La reunión de Twin Peaks: Los actores de ‘Twin Peaks’ se han reunido para cenar y han dejado para la posteridad este selfie que es todo un «quién es quién». Aparecen Kyle MacLachlan (agente Dale Cooper), Sheryl Lee (Laura Palmer), Sherilyn Fenn (Audrey Horne), Mädchen Amick (Shelly Johnson), Dana Ashbrook (Bobby Briggs) y Kimmy Robertson (Lucy). Nostalgia al máximo.
A Katy Perry se le cierra el párpado: Katy Perry ha preocupado a sus seguidores en los últimos días debido a este vídeo en el que, durante un concierto, se ve incapaz de mantener abierto su párpado derecho. La percepción generalizada de la gente es que Katy está troleando al público, pero hay que decir que ella ha reconocido tener un ojo vago. ¿O sería también una broma?
Los pelos de Amaia Montero: Ha sido una de las imágenes más comentadas de las últimas semanas: el selfie de Amaia Montero al natural, sin maquillaje, sin peinar y una mueca seria en el rostro -con el blanco y negro como único filtro- ha preocupado a sus seguidores, que le han mandado fuerzas y ánimos. Días atrás, Montero había anunciado que un nuevo disco se avecina.
El breve encuentro de Janet Jackson y Róisín Murphy: Aquí dos reinas a la que no esperábamos ver juntas. Janet Jackson y Róisín Murphy han coincidido en un concierto de Ryūichi Sakamoto nada menos, y se han hecho una foto juntas. Cuenta Róisín que le ha pedido a Janet que saque un disco nuevo. El anunciado ‘Black Diamond‘ se quedó colgadísimo a principios de 2020, y no se ha vuelto a saber nada de él.
El breve encuentro de Olivia Rodrigo y Dolly Parton: Este año, la gala del Rock & Roll Hall of Fame ha dejado un sabor agridulce: Alanis los ha puesto a caldo y Andy Taylor de Duran Duran, a los que acaban de ingresar en el museo, ha anunciado que padece cáncer. Por lo menos nos queda Dolly Parton, que se ha sacado esta foto tan maja con Olivia Rodrigo. Ambas han actuado.
Olivia Rodrigo and Dolly Parton at the 2022 Rock & Roll Hall of Fame Induction Ceremony. https://t.co/iTj0mPgzbE
Las cenas románticas de Alaska y Mario: Alaska y Mario se han ido de cena romántica, y no a cualquier sitio, sino al McDonalds, donde solían cenar cuando empezaron a salir. Alaska lo explica ilusionada: «Que tu churri te recoja después de terminar el trabajo y te lleve a cenar al restaurante donde nos escapábamos los domingos cuando empezamos a salir es total».
Jessie Ware canta con Harry Styles: Este breve encuentro se ha producido encima de un escenario. Harry Styles acaba de actuar en el United Center de Chicago y Jessie Ware, que también está de gira y ha coincidido con Harry en la ciudad, ha aprovechado para pasarse por su concierto y cantar con él ‘Cinema’. La canción, a Jessie, le queda que ni pintado.
‘Madonna: Truth or Dare’ fue en su momento el documental más taquillero de la historia, además de un antes y un después en el tratamiento de las personas LGBT en el mainstream, y por supuesto el modelo a seguir para cualquier director de cine que pretenda hacer un documental sobre una estrella del pop, reconociendo su influencia los responsables de ‘Miss Americana‘, ‘Homecoming‘ o ‘Gaga: Five Foot Two‘, entre otros.
A su director, Alek Keshishian, lo habíamos visto en ficción y algún que otro videoclip, pero no había vuelto a hacer un documental sobre una estrella del pop… hasta ahora. ‘My Mind & Me’ (ya disponible en AppleTV) acompaña a Selena Gomez desde 2016, con momentos importantísimos en su vida para bien y para mal, como su ingreso por un brote psicótico o la publicación de su mayor hit, ‘Lose You to Love Me’. Selena pasea por estos años luchando contra dolores en su cuerpo (consecuencia del lupus que padece) y en su mente, que es su peor enemigo y a la vez intenta ser su amigo. Hemos querido hablar con Alek Keshishian sobre la relación de la fama con la salud mental, de su propia relación personal con Selena o de los paralelismos entre ‘My Mind & Me’ y ‘Truth Or Dare’.
En el documental vemos el impacto que la fama, los medios, la sociedad y, en general, este sistema tienen en la salud mental de alguien que ha sido una popstar prácticamente desde niña. La cosa es, ¿es posible tener algún tipo de estabilidad mental cuando vives en ese contexto?
Creo que la fama es un constructo muy extraño. Llevo orbitando alrededor de ella desde la veintena, y creo que hace falta un grado de auto-conocimiento muy grande para no perderte a ti mismo en el aislamiento de la fama. Tienes que conocerte muchísimo a ti mismo para no perderte en ese vórtice, y es muy, muy complicado conseguirlo. La fama puede ser tremendamente solitaria, aunque a la gente pueda no parecérselo. He hecho viajes con gente muy famosa, y llevan una vida muy contenida, aunque sea paradójico. Es una de las ironías de ser famoso: hay muchas cosas que no puedes hacer sin ser molestado o sin que se rían de ti. Hay un lado bastante más oscuro de lo que la gente espera.
Recuerdo que, cuando he viajado con gente famosa, muchas veces teníamos que escaparnos por pasajes subterráneos, salir por la cocina del restaurante, etc. La fama puede aislarte muchísimo, y eso, como es lógico, no es bueno para tu salud mental. Y me preocupa cuando veo que todo el mundo, especialmente la gente joven, todos quieren ser famosos. Los famosos intentan proyectar una fachada de felicidad, de eficacia, aunque estén pasándolo mal, y lo que ve la gente es esa fachada, así que más gente quiere ser famosa, más gente quiere estar en Instagram presumiendo de su vida perfecta. No te hablo de actores o actrices, sino de jóvenes de todo el mundo; todos quieren jugar con ese constructo que tenemos de la fama… y eso no siempre se traduce en felicidad. Hay un punto muy artificial, estás proyectando una imagen, es muy fácil perderse en eso también. Supongo que se puede tener una buena salud mental en ese contexto, pero cuesta muchísimo. Creo que la fé puede ayudar, y creo que también compartir. A mi parecer, Selena se da cuenta de eso en el documental, de que vuelve a sentirse humana de nuevo cuando es capaz de conectar con otra persona.
Tu equipo y tú habéis seguido a Selena durante los últimos seis años. Imagino que siempre estabas ahí junto al cámara, pero no sé si a veces has sido tú mismo el cámara.
A veces, sí. Tenía mi iPhone y algunos de los momentos más íntimos los filmaba yo, para no tener tanta gente alrededor. Diría que he grabado como el 10% de la película. Otras veces era imposible que yo filmase, porque si había varias cámaras y un setpiece yo tenía que estar con el monitor viendo los ángulos y tal.
Te lo pregunto porque uno de mis momentos preferidos del documental es aquel en el que Selena se encuentra muy mal y el cámara -que suponía que eras tú, pero no estaba seguro- se despega un momento para abrazarla. Imagino que, en seis años con Selena, habrás desarrollado un cariño especial hacia ella.
Ahora mismo es como si fuese mi hermana pequeña y yo su hermano mayor, la verdad. Y casi que durante todo el documental la he visto así: el instinto me llevaba a querer cuidarla o protegerla de alguna manera. En esa escena que dices, ella está con muchos dolores derivados del lupus, y le pregunté si quizás no debería grabarla en esas condiciones, pero me dijo que sí. Ahí me ves que sujeto la cámara mientras la abrazo e intento darle un poco de apoyo, y al final es que es eso, tenía dos roles, no solo era el director o a veces el cámara, sino también esa figura de hermano mayor, muchas veces hablábamos antes de empezar a grabar, sobre todo en momentos difíciles. Incluso en 2016, hay una escena muy emotiva en ese momento, y antes de que esa escena comenzase yo estaba de rodillas con ella, intentando motivarla y que se sintiera mejor, y de nuevo le pregunté “¿te parece bien si grabamos?” y me dijo que sí. He intentado poner siempre mi humanidad primero, para mí como director eso es más importante y mejor que ser súper invasivo. Hay momentos muy duros en el documental, así que intenté ser lo más sensible y respetuoso posible.
Selena es muy abierta en el documental sobre sus emociones, sus dudas, sus crisis, etc, y hay momentos muy duros, como dijiste antes. ¿Consideraste no meter alguna escena en concreto?
Todo lo que está ahí yo sentía que tenía que estar ahí, pero hay mucho material que decidí no meter. No quería hacer algo que se centrase en explotar la salud mental de Selena o que pudiese ser un desencadenante para que ella estuviese peor. Tampoco quería estar todo el rato haciéndole preguntas, quería hacer un documental de tipo cinema verité en el que tú pudieses ver en lugar de que ella te contase, o que otros te contasen. Si te fijas, solo hay algunos momentos en que metemos totales a cámara hablando sobre Selena, de su madre por ejemplo, al principio y poco más, coincidiendo con el período en que yo no estaba grabando, entre 2017-2019. Yo quería que como espectador pudieses experimentar su vida, y que pudieses unir las piezas a medida que avanzaba. Teniendo todo eso en cuenta, tomé muchas decisiones de montaje, porque se podría haber hecho una docuserie de 10 horas pero quería algo más compacto, quería contar la historia de manera eficiente. No podía meterlo todo, ya no solo por los motivos que dices, sino que, por ejemplo tampoco metí su show de cocina. Pero creo que sí metí lo suficiente para que podáis conocer la esencia de Selena Gómez.
«Hace falta un grado de auto-conocimiento muy grande para no perderte a ti mismo en el aislamiento de la fama»
‘Madonna: Truth or Dare’ es EL documental de popstar a tener en cuenta, y desde luego el que tienen en mente directores que han hecho documentales de estrellas del pop.. a la hora de hacer ‘Selena Gomez: My Mind & Me’, ¿has tenido en mente tú tu propio documental?
(sonríe) Pues mira, tengo un par de trucos que usé en ‘Truth Or Dare’ y he usado aquí también, un par de ideas técnicas que me gustan. Pero son personas muy distintas, Madonna y Selena, y proyectos muy distintos: uno era sobre un tour que duraba seis/siete meses, y éste quiere contar una historia de una persona durante años, además de estar ubicados en épocas muy distintas, claro. Pero sí que al principio tenía mucha presión con que pudiesen comparar ‘My Mind & Me’ con ‘Truth Or Dare’. Al final pensé que tenía que olvidarme de eso, que la historia aquí es muy diferente, y con una persona muy, muy diferente.
Mucha gente se indignó con el lado bitchy que mostraba Madonna en algunos momentos de ‘Truth Or Dare’, un lado que las popstars no suelen mostrar si se les está grabando. Pero me pregunto si fue incluso intencional mostrarse así, o mostrarla así… en el sentido de que acabó ayudando a construir el mito un poco, ¿no?
Es que así era Madonna en ese momento (ríe) La película la mostraba tal como era, en todos los sentidos. Era una pionera, estaba intentando desestigmatizar la homosexualidad, era una aliada de la comunidad LGBT, y el documental celebra todo eso, pero sin destacarlo demasiado, más bien normalizándolo. Si te fijas, no metí largas conversaciones sobre lo que significa ser gay, más bien era como: así es como Madonna (y yo) piensa sobre este asunto.
En ‘My Mind & Me’ también hago un poco eso, intento no explicar las cosas, simplemente mostrarlas. Creo que otra cosa que comparten ambos documentales es que van sobre dos mujeres increíblemente valientes para su tiempo, y mujeres que estaban dispuestas a abrir sus vidas y enseñárnoslas. En el caso de Madonna, le encanta abrir su vida, le encanta la cámara, la disfruta mucho… o al menos era el caso entonces. Ahora creo que es bastante más “self-curated”: ella hace las fotos, ella dirige las cosas, etc. Si me preguntases ahora si haría una segunda parte de ‘Truth Or Dare’, te diría que no le veo sentido: está en un punto muy distinto, no creo que ella en sí quisiera hacerlo.
«No le veo sentido a una segunda parte de ‘Truth Or Dare’, Madonna está en un punto muy distinto, no creo que ella quisiera hacerlo»
En cualquier caso, imagino que después de aquello te lloverían las ofertas de otras estrellas para que dirigieses un documental sobre ellas. Pero no lo hiciste… hasta ahora. Sé que dirigiste el videoclip de ‘Hands to Myself’, pero entiendo que tiene que haber algo más, algo que viste en Selena o en su trabajo, y que te hizo aceptar este proyecto.
¿Sabes qué? Que ella quería hacer un documental musical 100%, y a mí esa idea no me interesaba mucho, pero empecé a grabar cosas, y me di cuenta de que no estaba ante un documental musical. Me di cuenta de que ella estaba viviendo un momento muy difícil, y casi que no me sentía bien rodando un documental en esas condiciones, si ella no era consciente de lo que se iba a capturar ahí. Y en 2019, cuando empecé a rodar en Los Ángeles, vi que ahora sí teníamos un documental, y que no era un documental musical, sino un documental sobre un viaje de recuperación y auto-aceptación. Y eso sí me intrigó.
También me atrajo de ella que vi inmediatamente una autenticidad, una vulnerabilidad, una humildad… que he visto en pocas estrellas. No tiene una cara artificial, una máscara que se pone, incluso cuando hablaba conmigo, no trataba de ser guay ni nada… simplemente era una chica amable que tenía delante, diciéndome con ilusión que ‘Truth or Dare’ le parecía arte, y que quería trabajar conmigo. Me ganó así.
«Cuando empecé a grabar con Selena no vi un documental musical, sino un documental sobre un viaje de recuperación y auto-aceptación. Y eso sí me intrigó»
Has dirigido también ficción, ‘Amor y otros desastres’ y ‘With Honors’, además del guión de ‘W.E.’ junto a Madonna. Selena es también actriz, y de hecho le están lloviendo las buenas críticas por ‘Solo asesinatos en el edificio’. ¿La veremos actuando en una película tuya próximamente?
(ríe) No lo descartaría, desde luego. No tengo ni idea de lo que el futuro me aguarda, pero me encanta cómo Selena actúa, me parece muy buena. Y además me gusta mucho trabajar con ella y me encanta como persona, así que no sé si será en eso o en algo distinto, pero es posible, y de hecho hay un par de ideas de las que hemos hablado… pero todo se andará. Desde luego para mí ha sido un honor y un placer trabajar con ella en este proyecto.
‘The Forever Story’ de JID es nuestro Disco de la Semana y uno de los mejores álbumes de hip hop de 2022. Ya lo era el pasado agosto, cuando fue lanzado, y ni siquiera estaba terminado. Según el propio JID, faltaba una de las canciones esenciales para «entender la historia al completo» y para redondear totalmente el concepto del disco. Con ‘2007’, el LP tiene 16 canciones y 8 en cada lado, es decir, dos símbolos que representan la historia infinita en la que JID siempre fue el protagonista.
‘2007’ no estuvo presente en la primera edición de ‘The Forever Story’ debido a problemas para despejar los derechos de los samples utilizados. En específico, parece que el audio con el que había problemas era el sample del beat de ‘HiiiPoWeR’ de Kendrick Lamar, el cual se puede escuchar brevemente durante la versión de YouTube. Sin embargo, en la versión que se ha subido a Spotify ha sido eliminado. Aun así, a lo largo de los 7 minutos de canción, JID llega a rapear sobre tres beats diferentes.
‘2007’ está centrado totalmente en ser un tema cinematográfico, cuyo fin es únicamente poner al oyente en sintonía con el background mental y personal de JID, para que la próxima vez que se reproduzca ‘The Forever Story’ todo tenga un significado añadido. Recuerda mucho en su estilo narrativo a ‘A Life in the Day of Benjamin André (Incomplete)’, la canción de Outkast en la que André 3000 narra toda su vida hasta el momento de la grabación del tema, de ahí el «incomplete».
JID repasa los cambios por los que estaba pasando en su vida desde 2007 hasta el lanzamiento de su primer disco en 2017, usando como marcadores temporales los primeros proyectos de J. Cole, su mentor y el fundador de su discográfica. Este dedica unas inspiradoras palabras al final del tema, contando cómo conoció a JID y cómo este le demostró que «no solo lo quiere, sino que está dispuesto a hacer el trabajo que haga falta para conseguirlo».
JID cuenta lo encaminada que estaba su vida hacia el fútbol americano («Nunca soñé con balbucear palabras enfrente de cientos») y cómo pasó de eso a rapear, desde sus primeros freestyles en la habitación de la universidad hasta cómo su padre, que también interviene en el track, le echó de casa por sus tatuajes y aspiraciones artísticas. Además, entremedias nos cuenta episodios personales que ocurrieron durante esa etapa. Por ejemplo, la noticia del cáncer de su abuela y cuando su hermano, del cual solo conocía el nombre, salió de la cárcel.
Patrick Wolf ha anunciado hoy en redes que este mismo viernes 11 de noviembre lanzará su primer tema en 10 años, tras el lanzamiento de ‘Sundark and Riverlight’ en 2012. La canción se titula ‘Enter The Day’ y Wolf ha anunciado que formará parte de un EP que terminó en octubre y que anunciará próximamente.
«Esta es una canción que elegí, no tanto como un primer single, sino como una canción para acompañarte durante el próximo invierno», escribía Patrick en su Instagram. «En mi EP debut, lanzado hace 20 años desde este viernes, buscaba el «caos total» y accidentalmente mi respuesta tras todos estos años llegó como un deseo por la «dorada medianía», una filosofía de Aristóteles basada en que la vida alcanza su punto más precioso en el medio de dos extremos».
Wolf ha terminado el comunicado diciendo que «habrá muchas más noticias sobre creación y aventuras pronto», mientras animaba a sus fans a hacer presave de la nueva canción, ‘Enter The Day’. Mientras que ‘Sundark and Riverlight’ fue el último álbum de estudio de Patrick Wolfe, este consistía en autoversiones sinfónicas, por lo que realmente el último disco en el que escuchamos material inédito del cantautor irlandés fue ‘Lupercalia’, lanzado en 2011.
Drake y 21 Savage lanzaron este viernes su anticipado álbum colaborativo, ‘Her Loss’, el cual ha sido promocionado de una forma un tanto inverosímil. Esto es, con un tour promocional falso que les ha llevado a «realizar», entre otras acciones, una actuación en Saturday Night Live con la colaboración de Michael B. Jordan, una entrevista con Howard Stern y, más recientemente, una performance de ‘Privileged Rappers’ en COLORS.
Una de estas promociones falsas ha consistido en la elaboración de una portada de Vogue en la que aparecían ambos artistas. Sin embargo, en esta ocasión fueron un poco más allá y confeccionaron copias físicas de la portada, las cuales repartieron alrededor de algunas de las grandes ciudades de Estados Unidos. Ahora, TMZ ha comunicado que la empresa que controla Vogue y su editorial, Advance Magazine Publishers y Condé Nast respectivamente, han decidido demandar a Drake y 21 Savage por el material promocional falseado.
«Vogue y su editora jefe Anna Wintour no han tenido nada que ver con ‘Her Loss’ o su promoción, y no lo han respaldado de ninguna manera», se podía leer en la demanda. «Condé Nast tampoco autorizó, y mucho menos apoyó, la creación y difusión de un ejemplar falso de Vogue», también se ha especificado en el documento legal.
Los abogados de Condé Nast juran haber pedido en repetidas ocasiones a los artistas y a la empresa de comunicación Hiltzik Strategies eliminar las portadas. Al parecer, una de las respuestas recibidas por la editorial de Vogue fue: «Gracias por el email, os hacemos saber que ha sido recibido». Los abogados de Vogue están pidiendo que el dúo deje de usar el nombre de Vogue y hasta 4 millones de dólares en daños y perjuicios.
La sombra de ‘1901’ y ‘Lizstomania’ perseguirá a Phoenix hasta el final de sus días y, en sus últimos discos, el grupo francés ha mostrado un evidente interés por alejarse todo lo posible de su inmediatez: ‘Bankrupt!‘ (2014) y ‘Ti amo‘ (2017) eran dos discos en los que Phoenix renovaba su sonido con más o menos acierto, pero a los que se debía conceder el mérito de sorprender. ‘Alpha Zulu‘, su disco número 7, hace lo contrario: suena a lo que se puede esperar de Phoenix. En su caso, es algo bueno.
‘Alpha Zulu’ es un disco de canciones inmediatas, que dura 35 minutos en total y se pasa en un suspiro. Esta vez, el grupo autor de un disco llamado ‘Wolfgang Amadeus Phoenix‘ se ha superado grabando ‘Alpha Zulu’ dentro del Museo de las Artes Decorativas de París, hallado dentro del Louvre, durante la pandemia, y la variada decoración de este lugar le ha servido de inspiración para crear un álbum con diferentes sonidos y sabores que no se rompe la cabeza y simplemente busca entretener. Y lo consigue.
En ‘Alpha Zulu’ se hallan un par de momentos álgidos, ninguno de los cuales es el corte titular, gracioso, pero cuyo gancho «wooh hah, singing Hallelujah» no termina de cuajar. Hay que hablar, en primer lugar, del single ‘Tonight’, tan nostálgico del indie de los 2000 que incluye la colaboración de Ezra Koenig de Vampire Weekend y funciona. Por otro lado, ‘After Midnight’ presenta un sonido más 80s, más Pretenders, y se acerca mucho a ser una canción perfecta de Phoenix en 2022.
El disco no incluye singles históricos, pero es entretenido en su variedad. ‘The Only One’ convence con su extraño beat electropop mientras Thomas Mars canta que quiere ser «joven para siempre». ‘Winter Solstice’ busca conexión humana durante la pandemia y sus bellos chorros de sintetizador construyen una buena canción de Phoenix que no es el típico hit que el mundo espera. El synth-pop de ‘Season 2’ es otro de los mejores «album tracks» con sus referencias a las «temporadas» de una serie desconocida, y tras las guitarras a lo Strokes de ‘Artefact’ emerge otra de esas melodías nostálgicas que invitan al bucle.
El tramo final de ‘Alpha Zulu’ deja otros momentos diferentes entre sí: de la potencia de ‘All Eyes on Me’ pasamos a los monísimos teclados de ‘My Elixir’, y de ahí a la final ‘Identical‘. El cierre es decepcionante por dos motivos: la canción la conocemos de 2020 y, además, no termina de proporcionar a ‘Alpha Zulu’ con un sentido de clausura. Sin embargo, la canción, dedicada a Philippe Zdar, es una de las más pegadizas publicadas por Phoenix en tiempos recientes, y su inmediatez no es un espejismo: todo el disco está dotado de la misma frescura, algo que se echaba en falta de Phoenix, y que este álbum recupera.
Alanis Morissette tenía previsto realizar un dueto con Olivia Rodrigo en honor a Carly Simon durante la ceremonia del Rock & Roll Hall Of Fame de este año. Sin embargo, finalmente Morisette no se presentó y ha llevado a Instagram sus razones para ello. Además de Simon, artistas como Eminem, Dolly Parton, Duran Duran, Eurythmics, Lionel Richie y Judas Priest también fueron introducidos en el Hall Of Fame.
La idea era que ella y Rodrigo realizasen un dueto de ‘You’re So Vain’, ya que Carly Simon no pudo presentarse en la ceremonia. Según Variety, Morissette participó en los ensayos previos a la gala, pero la mayoría de la audiencia no sabía que la artista canadiense tenía planeado actuar durante la ceremonia, ya que no se había anunciado ninguna lista oficial de performances.
En el comunicado que la artista dio a conocer a través de sus Stories de Instagram empezaba desmintiendo los «rumores mal informados» que se habían propagado a raíz de lo sucedido. Comenzó dejando claro que el problema no tenía nada que ver con ni con Carly Simon, ni con Rodrigo, ni con ninguna de las artistas que estuvieron presentes durante la ceremonia, tales como Dolly Parton, Pat Benatar o Janet Jackson.
«He pasado décadas en una industria plagada de un sentimiento anti-mujer y he tolerado mucha condescendencia e irreverencias, menosprecio, contratos incumplidos, falta de apoyo, explotación y violencia psicológica (y más) durante toda mi carrera», escribió Morissette en el comunicado. En las siguientes líneas la cantante explica que toleró todo esto porque «nada me iba a impedir conectar con aquellos que me importaban». «Vivo para servir y conectar con gente, por eso durante estos años aguanté todo eso en más ocasiones de las que puedo contar», continuó Alanis.
«Es difícil no ser afectada por cualquier industria del mundo, pero Hollywood siempre ha sido infame por su falta de respeto hacia lo femenino de todos nosotros», explicaba la cantante. Sin explicar de forma explícita los actos sexistas que había sufrido, Morissette apuntó que está «en un punto de mi vida en el que no tengo la necesidad de pasar tiempo en un entorno que reduce a las mujeres». Para terminar, recordó todas las «increíbles experiencias» que ha tenido con «equipos de producción de todos los géneros» y afirmó que «no hay nada mejor que un equipo de gente diversa uniéndose para una misión en común».
La unión de Apparat y Modeselektor ha dejado uno de los proyectos más exitosos e impensados de los últimos años. Sobre todo los primeros discos de Moderat parecieron entonces un divertimento paralelo para sus integrantes. Pues bien, en el último lustro hemos visto al trío presentar su espectáculo de luces y sombras frente a más de 10.000 personas en festivales como Mad Cool o Sónar.
Sin que el último largo ‘MORE D4TA‘ sea su apuesta más convincente, el grupo acaba de actuar en recintos de tamaño medio-grande como el Sant Jordi Club en Barcelona y en Madrid en el WiZink Center, aunque con las gradas cerradas, para varios miles, de nuevo.
La apuesta de Gernot Bronsert, Sascha Ring y Sebastian Szary se engrandece sobre todo en lo visual. Ninguno apuesta por una batería o un lustroso instrumento de percusión similar que levante a la gente. Todos aparecen concentrados en sus equipos electrónicos, cuales Kraftwerk, solo que sin posar frente al público, de lado, quizá para evitar comparaciones. Es difícil dilucidar cuánto de programación previa hay ahí y cuánto de «live»; lo seguro es que la sensación que dejan las canciones es que suenan muy parecidas al disco -quizá demasiado- y que hay momentos en que el show se hace un poco plano, incluso en cuanto a proyecciones. Podían haber exprimido mucho más su concepto de la sobreinformación y la desinformación.
En los primeros 20 minutos de show, apenas suenan 2 o 3 canciones. El público disfruta cuando entre las imágenes aparece la palabra Madrid -una chachada infalible- y el final de ‘NEON RATS’ tras ‘Running’ es el gran primer cénit del show, próximo por un instante al trance.
La letra a medio proyectar de ‘Last Time’ ayuda a no perder el hilo, poco antes de que el estadio estalle de júbilo al reconocer las primeras notas del gran éxito de Moderat, ‘A New Error‘. Con su punto electro y sus proyecciones de esqueletos de manos, es el tema más celebrado junto a, posteriormente en los bises, ‘Bad Kingdom’, inseparable de las imágenes de novela gráfica y arte pop de su videoclip y la portada de aquel álbum, ‘II‘.
A influencias como Depeche Mode (siempre reconocida por ellos), los Radiohead de ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ y el sello Warp, se suma la de Massive Attack en ‘FAST LAND‘ de su último disco. Contribuye igualmente a la variedad el riff de guitarra eléctrica que Sasha toca en los primeros instantes de ‘Les Grandes Marches’. No habría dado un duro él mismo por su carisma como frontman cuando tanto bromeaban sobre el carácter «cheesy» de las canciones con tomas vocales de Moderat. Ya nadie se acuerda de aquello y ahora son la banda que ver por un público adulto, bien parecido y con ganas de fiesta. «Si esto ha sido genial un lunes, imaginad lo que habría sido un sábado», dijo al final Apparat. Por la de porros que se consumieron dentro del WiZink, la verdad es que parecía un finde. 7. Óscar Gil
