La familia de Bruce Willis comunica que el actor debe retirarse. La causa es que el artista ha sido diagnosticado de afasia, un trastorno del lenguaje causado por daño cerebral. Esta enfermedad afecta a la capacidad de comunicarse del actor, de 67 años. El comunicado indica que “como resultado de la afasia, y con mucha consideración, Bruce se está alejando de una carrera que ha significado mucho para él”.
Bruce Willis tiene un Globo de Oro por la inolvidable ‘Luz de Luna’, pasando realmente a la historia por la saga de ‘La jungla de cristal’ y ‘El sexto sentido’. También participó en títulos como ‘Armaggedon’, ‘Pulp Fiction’, ‘Moonrise Kingdom‘, ‘Sin City’, ‘Doce Monos’, ‘El Protegido’, ‘Los indestructibles’, ‘Looper‘, ‘Mira quién habla’ o ‘El color de la noche’. En el mundo musical, todos recordamos su participación en el videoclip de ‘Stylo’ de Gorillaz.
El texto de la familia concluye: “Estamos atravesando esto como una unidad familiar sólida y queríamos involucrar a sus fans porque sabemos cuánto significa él para vosotros, al igual que vosotros para él. Bruce siempre dice «Vive a lo grande» y juntos es lo que planeamos hacer».
Tom Parker, uno de los miembros de The Wanted, ha fallecido finalmente a los 33 años a consecuencia del tumor cerebral que ya se sabía que sufría. La reunión de The Wanted tras 7 años de parón estuvo marcada el año pasado por su lucha contra la enfermedad, para la cual organizaron un concierto benéfico.
La noticia se ha confirmado a través del Instagram de su esposa Kelsey, con la que tenía dos hijos. «Con el peor de los pesares confirmamos que Tom ha fallecido en paz hoy con toda su familia a su lado. Nuestros corazones están rotos, Tom era el centro de nuestro mundo y no podemos imaginar la vida sin su sonrisa contagiosa ni su enérgica presencia. Estamos agradecidos del amor y el apoyo tan efusivos que hemos recibido y pedimos que todos nos unamos para que la luz de Tom continúe iluminando a sus hijos. Gracias a todos los que le han apoyado en su lucha, peleó hasta el final. Estoy muy orgullosa».
The Wanted debutaron siendo número 1 en Reino Unido con su tema ‘All Time Low’. A día de hoy cuentan con dos macrohits, como fueron ‘Glad You Came’, también número 1 en UK, y ‘Chasing the Sun’. ‘Glad You Came’ en concreto supera los 500 millones de streamings solo en Spotify. Presentaba el segundo álbum de The Wanted.
Los 3 discos de la banda, editados entre 2010 y 2013, fueron top 10 en las islas británicas, siendo los dos primeros disco de platino. El tercero contuvo otros hits como ‘I Found You’ y ‘Walks Like Rihanna’. Para su greatest hits del año pasado presentaron el tema ‘Rule the World’.
Después de anunciar a Juan Luis Guerra, Rubén Blades, Residente, Jack White, Duran Duran, Hot Chip, Molotov, Rigoberta Bandini, Zahara, Rozalén, Rels B o Trueno, entre otros, el festival Cruïlla de Barcelona suma quince nuevos nombres a su cartel.
El gran nombre internacional que se agrega a la programación de Cruïlla es el de Sleaford Mods, que seguirán presentando su disco ‘Spare Ribs‘, publicado a principios de 2021. Confirmada queda también la revelación del pop Judeline, que acaba de lanzar un interesante EP a través de Sonido Muchacho.
Depedro, Els Catarres, Ginestà, Joan Dausà, 31Fam, Ocata, Marcel i Júlia, Pupil·les, Miss Bolivia, Arumbo, Leïti Sène, Ill Pekeño & Ergo Prod y Free Sis Mafia también se suman a la programación de Cruïlla.
La próxima edición de Cruïlla se celebrará los días 6, 7, 8 y 9 de julio en el Parque del Fórum y las entradas y abonos del festival ya están disponibles en la web del festival. La organización indica que todavía quedan artistas por anunciar, lo cual incluye la programación de Cruce Comedy, entre otras novedades.
Mónica Naranjo había anunciado que el nuevo single de ‘MIMÉTIKA’, su nuevo disco, estaba cerca y que sería una colaboración con Enrique Bunbury. ‘EY!’ ya está disponible y representa el primer lanzamiento de Bunbury después de que el artista zaragozano anunciase su retirada de los escenarios… que no de los estudios de grabación.
Con percusiones tipo ‘We Will Rock You’, guitarras de rock duro y un eslogan que se repite de manera machacona a lo largo de la canción, «el poder está en la libertad», ‘EY!’ continúa por la senda rockera seguida en los últimos trabajos de Naranjo, de ‘Lubna’ a ese primer single de ‘MIMÉTIKA’ que llegaba hace unos meses bajo el título de ‘Lágrimas de un ángel‘. Ahora los matices góticos quedan a un segundo plano, frente a un sonido más populista y rockero.
La canción pretende denunciar la corrupción de la clase política y, en palabras de nota de prensa, «constituye un claro mensaje a la libertad, una oda a la supervivencia y al sentir humano frente a la represión y al abuso de poder por parte de una clase política totalitaria y corrupta».
El videoclip, grabado entre Estados Unidos y España, muestra a una Mónica Naranjo «abatida y desgarrada, clamando libertad por los rincones más férreos de una cárcel oscura y sombría», y a un Bunbury que «llama a una revolución social a través de los versos de la canción». En el personaje antagónico, el actor y líder de Mastodonte Asier Etxeandia da vida a «ese líder, poco diplomático y salvaje, siempre con sed de más poder».
Curiosamente, a Mónica y Bunbury ya les unía una persona, la cantante italiana Mina. Bunbury salió con la hija de esta, Benedetta Mazzini, en los 90, y célebre es la admiración de Naranjo por la intérprete de ‘Ancora, Ancora, Ancora’. Mina es su mayor influencia, a tal punto que le dedicó un disco entero, ‘Minage’, compuesto por versiones de la italiana. Aparte de la sección de comentarios bajo estas líneas, no dejes de visitar nuestro concurrido foro de Mónica Naranjo.
Renovamos nuestra playlist dedicada al pop nacional y en castellano «Sesión de Control», como cada miércoles. Estos días se ha publicado el disco de Innercut que incluye colaboraciones tan multitudinarias como las de Juancho Marqués y Pedro LaDroga, la de Natalia Lacunza y Ghouljaboy, la de Bejo, la de Recycled J… Pero también las de Don Patricio -que ya pasó por Ready for the Weekend-, Megansito el Guapo o El Último Vecino. Nosotros compartimos hoy la de valverdina.
Además de Innercut, han sacado disco Flavia Marsano y Anna Andreu, del que se presenta vídeo para el tema ‘Hores per dies’. El álbum nuevo y experimental de Isabel Do Diego cuenta con una colaboración de Maria Arnal, aunque nosotros presentamos más bien su loco tema ‘Tus muertes a caballo’. También tenemos álbum de Bronquio al mismísimo tiempo que ha estrenado al fin el primer single de su disco colaborativo con… ¡Rocío Márquez!
Hoy mismo estrenan single las recomendables Lisasinson -‘No sé muy bien’- y DORA, en este caso el segundo de su EP. La nueva canción de DORA se llama ‘IM PRESS’ y reflexiona sobre «el papel que ocupan las redes sociales, la sobreinformación descartable, el clickbait y la sensación de autoficción desmesurada».
Uno de los temas nuevos más vistosos es la colaboración de Kimberley Tell con Ralphie Choo, ‘Dunas’. Hay nuevo single de pablopablo, del que hace poco escuchábamos ‘Azul Zafiro‘, y también de Will Spector y Los Fatus, que adelantan un nuevo corte de su tercer álbum, ‘La Llama’, que saldrá a la venta pasado el verano. ‘Sueño’ tiene su punto de funk y dance pese a su carácter onírico.
Entre las revelaciones, la artista LaSol -desde Luup Records- estrena el tema ‘al más allá’ y lo presentará el 9 de abril en Heliogàbal, Barcelona. MEMÉ, el proyecto de Mari Belén Barenys, hasta ahora conocida por hacer coros a Rigoberta Bandini, ha sacado su primera canción. El grupo tinerfeño Baldosa se incorpora al sello madrileño Calaverita Records.
Y aunque parezca mentira está presentando su primer disco todavía Guitarricadelafuente. Se llamará ‘La cantera’ y saldrá el 6 de mayo. ‘Quien encendió la luz’, como era de esperar, está producida por Raül Refree.
Kelly Lee Owens acaba de ser confirmada en el cartel de Bilbao BBK Live, y la razón es que tiene nuevo proyecto que presentar. ‘LP.8’, en realidad su tercer disco, sale el 29 de abril en formato digital y el 10 de junio en formato físico.
‘LP.8’ es producto de las circunstancias. Cuando Owens se queda sin poder presentar ‘Inner Song‘ en directo debido a la pandemia, decide irse a Noruega a componer un nuevo disco, «sin prejuicios ni expectativas». En un estudio de Oslo, cobijados de la nieve y las bajísimas temperaturas, Kelly y el productor de avant-noise Lasse Marhaug empiezan a trabajar en una música que busca cruzar los mundos de Throbbing Gristle y Enya, dos de las mayores influencias de Owens.
El disco que resulta de la colaboración entre Owens y el productor noruego combina los «sonidos duros e industriales» de Throbbing Gristle con el «misticismo celta» de Enya, y da lugar a un álbum que, según Kelly, le representará para siempre, de ahí su título, pues el símbolo del 8 significa el infinito.
Esta dicotomía queda representada en los dos primeros adelanto de ‘LP.8’. Por un lado, ‘Sonic 8’ inquieta con su maraña de aguijonazos digitales y texturas de puntillismo glitch y, por el otro, en clave de luminoso ambient, ‘Olga’ es todo un remanso de paz.
LP.8 Tracklist
1. Release
2. Voice
3. Anadlu
4. S.O (2)
5. Olga
6. Nana Piano
7. Quickening
8. One
9. Sonic 8
Sillas vacías. Antònia Font se toparon con sillas vacías durante la gira de ‘Vostè és aquí’, un disco de 40 canciones que duraban entre 1 y 2 minutos y que pasó sin pena ni gloria. Nunca les había pasado. Dicen que el disco no se entendió. Publicado en 2012, hace exactamente 10 años, quizá llegó demasiado pronto a la moda tiktokera de las microcanciones, porque como disco, era bueno. Un año después, exhausto después de más de una década de giras y con sus integrantes enredados en desavenencias artísticas, el grupo mallorquín anunció su disolución. Eso sí, a la gira de despedida volvió a ir todo el mundo.
A veces ser valiente y salir de tu zona de confort pasa factura, sobre todo de cara a la aceptación pública, así que, para su disco de regreso, Antònia Font no se han comido la cabeza y han hecho un disco de pop clásico, como los de antes. «Yo no tenía ganas de hacer cosas raras, yo tenía ganas de la esencia de Antònia Font» han sido las palabras con las que Joan Miquel Oliver ha resumido la gestación de ‘Un minut estroboscòpica’, el nuevo álbum de la banda. Y no, no es un disco de «cosas raras», pero sí vuelve a ser un estupendo trabajo de Antònia Font que llega cuando menos lo esperábamos.
No soy muy partidario de hablar de esencias, pues creo que Antònia Font también hicieron de la experimentación una seña de identidad, pero el quinteto balear no iba a volver diez años después con el disco más arriesgado de su carrera -aunque tampoco habría sido el fin del mundo- sino con uno que pudiera ser comprendido por el público. Y está claro que, con la palabra «esencia», Oliver se refiere a los principales componentes que todos asociamos a Antònia Font, en primer lugar, sus poéticas letras escritas en mallorquín, en segundo, la reconocible voz de Pau Debon y, en tercero, la accesibilidad de sus melodías. Todos estos elementos están presentes en ‘Un minut estroboscòpica’ representados en diez buenas canciones que nos hablan de fantasías, amor y otros temas interesantes como el turismo de masas.
‘Un minut estroboscòpica’, el single principal, supone un digno regreso a ese sonido supuestamente esencial de Antònia Font. Marcado por la melancólica melodía de sintetizador de Jaume Manresa, el tema conmueve con sus preciosas imágenes naturalistas, contándonos el narrador que «levanta el mar como si fuera una sábana de arenas blancas y celestes». En un estilo parecido, ‘Oh La La’ sube un peldaño en pegajosidad, también gracias a su pizpireta melodía de teclado, mientras la historia devanea entre las calles de París y la «jungla verde y azul» que habita dentro de la cabeza del narrador. La final ‘Venc amb tu’ condensa la filosofía de Antònia Font en una canción de amor agridulce: «el grueso de la existencia me tiene un poco cabreado, la expansión del universo no sé dónde se mete», canta Debon, «pero cuando veo tu dibujo y cómo me quieres, estoy seguro de que quiero venir contigo».
Curiosamente, las dos primeras canciones de ‘Un minut estroboscòpica’ no marcan del todo el camino del disco, y un sintetizador medio sci-fi apenas emerge en uno de los cortes finales, ‘Cançó de llum’. En realidad, las composiciones de ‘Un minut estroboscòpica’ exploran cómodamente sonidos como el afrobeat (‘Cultura silenci’ habla sobre el «lujo asesino» que supone pasear por una ciudad infestada de turistas) o el jazz (‘Invisible’) sin enredarse en laberintos instrumentales, yendo al grano. Tanto que, en la segunda mitad del disco, el grupo entrega un par de microcanciones que aligeran la secuencia pero pasan algo más desapercibidas.
‘Un minut estroboscòpica’ es mejor cuando Antònia Font se centran en entregar otro puñadito de canciones bonitas y sencillas. De hecho, no soy muy fan de las guitarras mediterráneas de ‘Una daixona de pols’, un single de sonido algo rebuscado, no para bien. Me quedo con el pop-rock de cantautor de los 90 de ‘Miquel Riera’, dedicada al escalador fallecido; y, sobre todo, con ‘Amants perfectes’, una balada preciosa sobre dos amantes que se vuelven a encontrar en la intimidad del dormitorio tras haber sido «separados por circunstancias ajenas». Cuando Debon canta que la vida puede ser «una puta mierda», es imposible no sentirse identificado, pero Antònia Font siguen aportando a ella, con su nuevo disco, algo de luz.
Angel Olsen vuelve este año con un nuevo álbum que saldrá el 3 de junio bajo el título de ‘Big Time’. Hace poco más de un año, Olsen salió públicamente del armario, y esta vivencia ha marcado el camino de sus nuevas composiciones. «Algunas experiencias hacen que te sientas como si tuvieras 5 años, da igual lo sabia que creas ser», ha señalado la artista. «Finalmente, a los 34 años, era libre para ser quien soy».
Sin embargo, ‘Big Time’ también será un álbum salpicado por la tragedia. Poco después de revelar a sus padres su homosexualidad, cuando supuestamente empezaba una nueva vida con ellos a su lado, ambos fallecieron con muy poco tiempo de margen. Su padre murió tres días después, su madre a las pocas semanas.
El álbum, que ha sido co-producido por Jonathan Wilson, contará con 10 pistas, y la que abre la secuencia es la que se ha dado a conocer. ‘All the Good Times’ es una baladita country que habla sobre esa misma libertad a la que ha llegado Olsen. «No puedo decir que lo siento cuando ya no me siento tan mal conmigo misma, no puedo decir que me está costando cuando ya no hay nada que intentar».
La autora de ‘All Mirrors‘, uno de los mejores discos de 2019, visitará España para presentar ‘Big Time’. Son dos fechas confirmadas: el 29 de septiembre en La Riviera de Madrid, y el 30 de septiembre en la sala Apolo de Barcelona.
Os dejamos con el tracklist de ‘Big Time’ y el videoclip de ‘All the Good Times’, dirigido por Kimberly Stuckwisch. El último lanzamiento de Olsen fue ‘Aisles‘, un EP de versiones de los 80.
01 All the Good Times
02 Big Time
03 Dream Thing
04 Ghost On
05 All the Flowers
06 Right Now
07 This Is How It Works
08 Go Home
09 Through the Fires
10 Chasing the Sun
“Will the real MC please, step to the mic?”. Así empezaba el último gran éxito de Mariah Carey ‘Obsessed’ allá por 2009. Desde entonces, la diva no ha vuelto a conseguir acercarse al micrófono y regalarnos uno de esos mega-éxitos a los que acostumbraba. Sin embargo, ha sorprendido con el lanzamiento del nuevo single junto a la rapera Latto y DJ Khaled ‘Big Energy (Remix)’, un tema que samplea ‘Fantasy’ de Mariah y donde ella canta el coro de su mítica canción.
El single es un remix de la canción original de Latto ‘Big Energy’. El tema original es parte de su álbum ‘777’, y lleva semanas escalando posiciones en la Billboard Hot 100 hasta situarse ahora en el puesto número 11. Técnicamente, la canción samplea a Tom Tom Club y su ‘Genius of Love’, al igual que hizo Mariah Carey en 1995 con ‘Fantasy’, pero la rapera homenajea al éxito multiplatino de la diva. Latto rapea: “Bad bitch, I can be your fantasy / I can tell you got big dick energy”.
Toda esa «big dick energy» cuenta ya con más de 67 millones de reproducciones en Spotify en su versión original, y Mariah Carey se suma ahora al remix aportando “whistle notes” marca de la casa y el estribillo del tema. En tiempos donde el fenómeno ‘All I Want For Christmas Is You’ está absorbiendo el resto de la discografía de Mariah, esta colaboración puede aportar aire fresco a la cantante.
Además, si ‘Big Energy (remix)’ llegase a la cima del Hot 100, Mariah Carey conseguiría por fin igualar a The Beatles y proclamarse la artista con más números 1 de la historia, que seguro que lo está deseando. De momento, el nuevo single está recibiendo bastante apoyo en Spotify incluyéndose a la cabeza de un par de playlists millonarias como ha sido el caso de Feelin’ Myself y Signed XOXO. Cada una tiene 2 millones de suscritos.
La cadena inglesa ITV organizó ayer en Birmingham un concierto benéfico de dos horas a favor de Ucrania. En él participaron artistas de la talla de Ed Sheeran, Nile Rodgers, Camila Cabello, Manic Street Preachers, Emeli Sande o Snow Patrol. Tampoco faltó Jamala y su ‘1944’ con más sentido que nunca.
El concierto tenía como objetivo recaudar la mayor cantidad de fondos posible, y el propósito de los organizadores era llegar a los 3 millones de libras. Sin embargo, y para sorpresa de todos, la causa consiguió recaudar 12,2 millones de libras que se destinarán al Disasters Emergency Committee, mucho más de lo esperado.
Lo más comentado del evento fue la actuación de Ed Sheeran y Camila Cabello, que cantaron por primera vez su última colaboración ‘Bam Bam’. La canción se incluirá en el nuevo álbum de Camila, ‘Familia’, que saldrá a la venta el próximo 8 de abril incluyendo ‘Don’t Go Yet’, una de las mejores canciones de 2021.
Ambos artistas actuaron también por separado. Ed Sheeran interpretó sus hits ‘Perfect’ y ‘Bad Habits’, mientras que la americana ofreció un cover de Coldplay y su éxito ‘Fix You’.
Entre el resto de los invitados, destacaron Nile Rodgers y CHIC con un medley de sus hits. Tamnbién se ha hablado de los miembros de la banda ucraniana Antytila, que ahora mismo son soldados de guerra, y mandaron un vídeo a Ed Sheeran pidiéndole participar en el concierto a distancia. Sin embargo, la organización del evento benéfico decidió denegar su petición porque la causa no debe tener ninguna connotación militar, sino humanitaria. La banda ha aceptado la decisión.
Uno de los festivales que curiosamente nació en tiempos de pandemia, El Bosque Sonoro, celebra en junio su tercera edición. Los días 17, 18 y 19 la localidad de Mozota (Zaragoza) abre las puertas de su naturaleza para disfrutar de veinte actuaciones en cuatro escenarios. Los últimos confirmados para el festival han sido Los Planetas, Zahara , Kiko Veneno, Triángulo de Amor Bizarro, Shego, Judeline, Vera Fauna, Compro Oro, Ms Von Disko, Rialto DJ, Sweet Drinkz y Abraham Boba Dj.
Estos artistas se suman al cartel que ya lo conformaban Sen Senra, Natalia Lacunza, El Niño de Elche, Xoel Lopez o El Columpio Asesino. La gran novedad de esta edición es la expansión del festival, que cuenta por primera vez con más de un escenario, en concreto cuatro en diversas horas y días. Además, aunque la situación de la pandemia permita una mayor relajación de las medidas, El Bosque Sonoro no abandona su concepto «nidos». Esta idea consiste en un espacio delimitado para grupos de hasta 6 personas con barra propia.
El año pasado el festival plantó un árbol por entrada vendida para compensar el total del CO2 emitido, y este año 1€ de cada una irá destinado al apoyo a Ucrania. Los abonos están a la venta en la web del festival.
VIERNES 17 DE JUNIO
Escenario Ámbar (Bosque de Mozota). De 19h a 03h.
Los Planetas, El Columpio Asesino, Triángulo de Amor Bizarro, Rufus T.Firefly, Abraham Boba DJ (León Benavente) y Rialto DJ
SÁBADO 18 DE JUNIO
Cascada de Muel. De 12 a 19h.
Shego, Compro Oro y Judeline.
Escenario Ámbar (Bosque de Mozota). De 19h a 03h.
Zahara, Natalia Lacunza, Sen Senra, Colectivo Da Silva, MsVon Disko, Sweet Drinkz y Face Down Assup.
DOMINGO 19 DE JUNIO
Plaza de Mozota. De 12 a 19h
Jimena Amarillo, Bigott y Neonato.
Iglesia de Mozota. 17h
Niño de Elche.
Escenario Ámbar (Bosque de Mozota). De 19h a 03h.
Xoel López, Kiko Veneno, Vera Fauna.
Daddy Yankee sorprendía hace unos días anunciando su retirada de la música, y también la llegada de un nuevo disco que efectivamente sería el último de su carrera. El portorriqueño, además, presentará ‘LEGENDADDY’ en una gira por el continente americano que concluirá a finales de año.
Hasta que llegue ese momento aún queda Yankee para rato, y ‘LEGENDADDY’ promete dar más alegrías comerciales al autor de ‘Gasolina’. Es un disco plagado de singles potenciales… u oficiales, pues en el día de lanzamiento se estrenaron videoclips para 9 de las 19 canciones incluidas en el disco: básicamente la mitad de la secuencia ya ha sido single.
Otra cosa es lo que el público termine escuchando. Y, curiosamente, de los 9 temas que cuentan con videoclip, solo uno de ellos aparece en estos momentos en el top 50 de Spotify España. ‘RUMBATÓN’ está siendo el mayor éxito del disco por ahora, pues saluda desde el número 9, y le siguen ‘X ÚLTIMA VEZ’ con Bad Bunny en el 23, ‘PASATIEMPO’ con Myke Towers en el 29 y ‘PARA SIEMPRE’ con Sech en el 47. Ninguno de los tres últimos temas cuenta con videoclip oficial.
Error de cálculo o no, es evidente que estos cuatro temas están funcionando muy bien, y especialmente ‘PASATIEMPO’ merece mención aparte. Si ‘LEGENDADDY’ repasa la historia del reggaetón desde sus inicios en el underground hasta la actualidad, algunas de sus pistas no dejan de mezclarse con otros géneros. ‘RUMBATÓN’ coquetea con la bachata, ‘EL ABUSADOR DEL ABUSADOR’ con la salsa, y ‘PASATIEMPO’ con la música de club. Tanto que trae un instrumental conocido por todos.
‘PASATIEMPO’, hoy la Canción Del Día, samplea ‘Show Me Love’ de Robin S., uno de los hits de house más populares de los años 90, y sus autores aparecen acreditados en la canción. De esta manera, Daddy Yankee entrega una divertida fusión de reggaetón clásico y sonidos noventeros que merece convertirse en un hit, como está sucediendo.
Irresistible desde la primera escucha, ‘PASATIEMPO’ apela a una noche de fiesta y habla de una chica que busca pasarlo bien en la discoteca, sacar la «fiera» que lleva dentro y «vivir el momento», mientras los chicos le babean o se duermen en las esquinas. Tanto Daddy Yankee como Myke Towers ejercen de entregados anfitriones de esta fiesta para traer el «fuego del caribe» a los clubs, y te hacen creer que la protagonista eres tú mismo o misma.
Live Nation confirma la cancelación de la gira de Foo Fighters, debido a la muerte de su batería Taylor Hawkins, a los 50 años, cuando se encontraba de gira en Bogotá. El tour incluía dos fechas en España, en Madrid y en Valencia: «Con mucha tristeza comunicamos que los conciertos de Foo Fighters en Valencia (16/6) y Madrid (20/6) se cancelan. Quienes hayáis comprado las entradas online, recibiréis la devolución de manera automática en los próximos días. Aquellos que las hayáis comprado en un punto físico, debéis solicitar la devolución a través de ese mismo punto».
El comunicado de Foo Fighters dice lo siguiente: «Con gran tristeza, Foo Fighters confirmamos la cancelación de todas las fechas de nuestra gira debido a la impactante pérdida de nuestro hermano Taylor Hawkins. Lo sentimos y compartimos la decepción de no vernos los unos a los otros como habíamos planeado. En su lugar, tomemos este momento para curarnos, para acercanos a nuestros seres queridos y para apreciar toda la música y los recuerdos que hemos construido juntos».
La fecha de Valencia se anunciaba en febrero de 2020, justo antes de la pandemia, como la única en España (iba a ser en junio) de aquel año. Después, como otras, hubo de ir posponiéndose, sumándose el gigante estadio de Madrid. La web de Foo Fighters aún muestra que el plan de la banda para 2022 era hacer gira por Estados Unidos durante el mes de mayo, y llegar a Europa en junio -lo que incluía grandes conciertos en la Ciudad de las Artes y las Ciencias y el Wanda Metropolitano-. En julio, agosto, septiembre y octubre repetían en Norteamérica, para dedicar diciembre a Australia. Era una amplia gira, pues, la que los aguardaba; decenas de fecha que el grupo ha decidido que no realizará, tras 25 años de dedicación de Taylor Hawkins.
Cualquier persona atenta a lo que se cuece en el mundo del pop conoce el nombre de Machine Gun Kelly. En el mejor de los casos leer noticias sobre él ha dado risa o vergüenza ajena. En el peor ha provocado antipatía o incluso rechazo. Machine Gun Kelly y Megan Fox se beben la sangre del otro por amor. Machine Gun Kelly dice que le pone la hija adolescente de Eminem (o las chicas adolescentes en general). Machine Gun Kelly es un timo para la música rock. Para bien o para mal, Machine Gun Kelly forma parte de la cultura pop, y nos vamos a tener que ir acostumbrando.
Colson Baker publicó su primera mixtape en el año 2007. Su gran oportunidad llegó de la mano de Diddy, que está en todos los fregaos, cuando el rapero le fichó en su sello Bad Boy Records, convencido de que era una estrella a punto de explotar. Entonces, Machine Gun Kelly era otro rapero blanquito más, y con ‘bloom‘ incluso se pasó por España a tocar.
Machine Gun Kelly empezó a coquetear con el rock en ‘Hotel Diablo’, su cuarto álbum, publicado en 2019, y se sumergió de lleno en las aguas del pop-punk en el disco siguiente, ‘Tickets to My Downfall’. Las críticas fueron buenas y el disco le dio a Baker el primer número 1 en álbumes de su carrera en Estados Unidos. La historia se repetirá la semana que viene con ‘Mainstream Sellout‘, su nuevo álbum, que nos vuelve a traer otro título auto-consciente, igual que su portada a prueba de haters… más o menos. Porque para tomatazo, el que propina este disco.
‘Mainstream Sellout’ representa al personaje de Machine Gun Kelly que se ve en los medios: un niño grande adicto a los opiáceos, deprimido y carcomido por la ansiedad, mentalmente inestable según sus propias palabras y que pasea sus 31 años como si fueran 15. En las letras recuerda un casi intento de suicidio, glamuriza el consumo de drogas, desaconseja estudiar porque «la vida te pateará el culo igualmente», nos cuenta que se ha enamorado de una «chica emo» y expresa una clara atracción hacia los discursos conspiranoicos, cuando canta cosas como que «el gobierno nos está controlando» o que le ha «pinchado» el móvil.
Musicalmente, la escucha de ‘Mainstream Sellout’ no depara nada muchísimo mejor. El punk-rock de Machine Gun Kelly es genérico, tanto que el artista no consigue que el disco parezca otra cosa que un accesorio a su figura como celebridad, un mero trámite. Canciones como ‘Born with Horns’ o ‘Papercuts’ son eficaces y el disco coquetea con el trap (‘Ay!’) o el guitar-pop (‘Make Up Sex’) en los momentos adecuados, pero ni siquiera canciones dignas como ‘Emo Girl’ con WILLOW se salvan de ser clichés andantes, y las melodías de punk-pop 1.0 de Machine Gun Kelly no bastan para hacer un buen disco de 16 canciones. Ni siquiera Travis Barker, experto en la materia, consigue como productor dirigirlo hacia ningún lugar mínimamente novedoso en pleno 2022. Las canciones suenan sobadas ya de entrada.
Quizá era tarea difícil para Barker enfrentarse a este disco. Machine Gun Kelly aprueba como compositor a pesar de recurrir, a lo largo de 40 minutos de disco, a una montaña de clichés melódicos y líricos del tamaño del Everest, pero más allá de estos dos componentes, hay que decir una cosa: escuchar a Machine Gun Kelly cantar es duro. Muy duro. Sus berridos engolados dan ganas de coger un avión a Marte y no volver. Vale que esto es punk (aunque algunos disentirían) y que en el punk (casi) todo vale, pero cuando escuchas cantar a Machine Gun Kelly entiendes la portada del disco. Supongo que él es el primer enterado, pero eso no debería hacerle inmune a las críticas, sobre todo dado su éxito comercial.
Y no, ‘Mainstream Sellout’ no está siendo inmune a las críticas: con una media de 54 sobre 100 en el agregador de Metacritic, el nuevo álbum de Machine Gun Kelly va en camino de convertirse en uno de los discos peor valorados del año. Cabe preguntarse hasta qué punto el personaje mediático de Baker ha influido en la valoración del álbum. Seguro que mucho. Pero, al final, ese mismo personaje fascinante para unos, insoportable para otros, es el que queda plasmado en las 16 canciones de ‘Mainstream Sellout’.
Cualquiera que conozca JENESAISPOP se habrá dado cuenta de que Cala Mijas 2022, que se celebra el primer fin de semana de septiembre, cuenta con uno de nuestros carteles favoritos de los festivales de este año. Cuando conocimos las primeras confirmaciones ya os recomendábamos 10 artistas imprescindibles que no os podíais perder en esta nueva cita en la provincia de Málaga. En aquel artículo ya hablábamos de la presencia de Kraftwerk, Arctic Monkeys, Nathy Peluso, Hot Chip, James Blake, Sen Senra y Liam Gallagher, entre otros.
Desde entonces, se han sumado otros nombres que nos permiten realizar una segunda tanda de recomendaciones. Y avanzamos que el cartel dará para una tercera más adelante. Pero eso será ya después del cambio de precio que se producirá en la noche de este miércoles al jueves. A partir del jueves 31 de marzo, los abonos de 3 días dejarán de costar 139 € y las entradas de día dejarán de valer 77 €. Más información sobre Cala Mijas, en la web oficial.
The Chemical Brothers
Entre los valores seguros para ver en directo a lo largo de las décadas, el de Chemical Brothers. El dúo no solo ofreció uno de los mejores discos de 2019, ‘No Geography’, sino que viene con novedades. Cala Mijas anuncia que este 2022 Chemical Brothers nos visitan «con nuevo espectáculo y nuevo álbum bajo el brazo» trayendo a este lugar «los más espectaculares visuales y el show más Chemical Brother jamás visto».
Röyksopp
Una de las campañas más intrigantes de lo que llevamos de 2022 es la que hemos conocido de Röyksopp. A través de instrumentales, teasers, vídeos espectaculares y singles como su colaboración con Goldfrapp, el dúo nos ha ido adentrando en un nuevo proyecto. En 2014 dijeron que no harían más álbumes. Ahora la organización de Cala Mijas confirma en su web que «preparan el lanzamiento de su próximo álbum tras un largo periodo en standby».
Róisín Murphy
A la hora de valorar las mejores canciones de 2020 y también los mejores discos, Róisín Murphy ocupó un lugar destacado en nuestro top 10. Una vez reactivadas las giras internacionales tras la parte más dura de la pandemia, será al fin el momento de comprobar cuánto dan de sí algunas de las canciones incluidas en el excelente ‘Róisin Machine’. Un disco que, como puedes comprobar en su página de Spotify, continúa encantando a sus seguidores, pues las escuchas de ‘Incapable’, ‘Murphy’s Law’, ‘Something More’ o ‘Narcissus’ al final se están contando por millones.
Charlotte Adigéry & Bolis Pupul
En la playlist de lo mejor del mes para JENESAISPOP puedes encontrar el single ‘Blenda’ del disco de Charlotte Adigéry & Bolis Pupul. Un tema que habla sobre racismo desde el humor y sin caer en medias tintas. Pero pronto continuaremos hablando de todo el álbum que han publicado porque merece mucho la pena. Y para muestra, esta hilarante composición llamada ‘Haha’ que recientemente pasaba por el «Contest» de nuestros foros.
Bomba Estéreo
Una de las entrevistas más interesantes que hicimos el año pasado fue la de Bomba Esteréo hablando de las canciones contenidas en ‘Deja‘. Un excelente nuevo álbum en el que hablaban de cuestiones como el cambio climático. Nada que ver con las letras del reggaetón que escuchan los menores y la deriva de la música latina, como nos contaban ellos mismos.
Bonobo
Están pasando tantas cosas en el mundo musical estas semanas que de repente enero parece la prehistoria. Pero ha sido este mismo año cuando ha llegado a nuestras manos el nuevo disco de Bonobo. ‘Fragments‘ incluía canciones bailables como ‘Rosewood’, más introspectivos medios tiempos como ‘Shadows’, así como otras colaboraciones con gente como Jamila Woods en la sensual ‘Tides’.
Blossoms
Puede parecer que la electrónica va a tener una función predominante en el cartel de Cala Mijas, pero no. No hay que olvidar que Liam Gallagher será el cabeza de cartel el domingo 3 de septiembre y que Arctic Monkeys ofrecerán su única actuación en España el viernes 1 de septiembre dentro de la programación. El mismo día que los de Alex Turner, Blossoms. El grupo ha sido número 1 en Reino Unido con su primer álbum homónimo y también con el tercero, ‘Foolish Loving Spaces’, que contenía la estupenda ‘The Keeper’. Este año vuelven. El 29 de abril sale a la venta su cuarto disco ‘Ribbon Around the Bomb’, que ya han presentado con varios singles. Entre ellos, el maravilloso e inesperado pseudo-country de ‘Ode to NYC’.
León Benavente
Incombustibles han resultado León Benavente, que este año han publicado otro álbum notable, ‘Era’, que fue “Disco de la Semana” en JENESAISPOP a su salida. Y fue no solo gracias a singles como ‘Líbrame del mal’ o ‘Di no a la nostalgia’ sino por el potencial de tracks como ‘Persona’ o ‘Mítico’. Seguro que en su tour tampoco faltan hits pasados como ‘Ser brigada’, ‘Ánimo, valiente’, ‘La ribera’ o Ayer salí’.
El Columpio Asesino
No había peor fecha que febrero de 2020 para lanzar un álbum y a El Columpio Asesino les tocó el gordo. En ‘Ataque celeste‘ estaban algunas de las mejores canciones de la carrera de los navarros, como ‘Preparada’ o ‘Huir’. La buena noticia es que el grupo ya ha vuelto y este mismo año ya ha lanzado nuevo single, ‘La niña chica’. El tema se inspira en el verso de ‘The Future’ de Leonard Cohen «He visto el futuro: es un crimen».
Alice Phoebe Lou
Entre los secretos que podrás descubrir en Cala Mijas y que te hemos presentado en alguna que otra playlist -de los tiempos de Bonjour, les copains! a Flores en el estiércol-, Alice Phoebe Lou. La cantante sudafricana, ya con casi una década de carrera, ha explorado sonidos como el pop indie, el piano jazzy a lo Fiona Apple o Regina Spektor, el pop acústico y el sintético… lo que algunos conocen como bedroom pop. Particularmente bien recibidos han sido su single de 2020 ‘Witches’ y su disco ‘Glow’ de un año después.
No hay otro tema del que se haya hablado esta semana. Will Smith dio una bofetada a Chris Rock en el momento y en el sitio más inadecuado imaginables. ¿O no fue así? ¿Está justificada la agresión de Will, como insinúa Nicki Minaj? ¿Cuáles están siendo las reacciones a este incidente?
La noche del domingo la Academia sufrió una crisis que no vio venir, y se notó en la incapacidad de tomar una decisión en frío a lo largo de la gala. El momento fue tan chocante que eclipsó cualquier otro suceso que pudiese destacar en el transcurso de la noche. Horas después de finalizar la ceremonia, la Academia lanzó un comunicado en el que dejaban clara su posición: “La Academia no perdona la violencia en ninguna de sus formas”. Todavía se desconoce cuáles serán las medidas que tomen contra el comportamiento de Will Smith, pero se ha abierto una investigación formal. En ella se valorarán posibles consecuencias legales.
El actor, por su parte, también ha dado su esperadísima explicación. Deja clara su intención de disculpa nada más empezar con las palabras “Mi comportamiento en los Oscars de anoche fue inaceptable e inexcusable”. Smith se justifica diciendo que “las bromas a mi costa son parte del trabajo, pero un chiste sobre la condición médica de Jada fue demasiado para mí y reaccioné emocionalmente”. El que ganó el Oscar a Mejor Actor también tuvo tiempo de pedir disculpas a Chris Rock por la agresión: “me pasé de la raya y estaba equivocado”. Rock no va a denunciar lo ocurrido.
Una de las reacciones más esperadas ha sido la de Pablo Motos, quien dedicó una parte del programa de ayer para dar su opinión. El presentador admite que la violencia no está justificada, pero anima a pensar que puede haber muchas variables que desconocemos como la relación entre los dos protagonistas o el sufrimiento de Jada Smith que han podido afectar. “Si tú eres Will Smith y alguien te hace un chiste sobre la enfermedad de tu mujer en público y tú sabes lo mucho que le afecta en público, pues a lo mejor colapsas y decides darle un bofetón en público también”.
El debate ha revolucionado las redes, y las opiniones no se han hecho esperar. Por un lado, hay una gran parte de la sociedad que piensa como la comediante Rosie O’Donell, quien tuiteó: «Tan molesto, en todos los niveles, bravo por Chris Rock, por no destripar a Will Smith, lo que podría hacer cualquier día de la semana, y se alejó. Una triste muestra de masculinidad tóxica de un loco narcisista”. Por otro, mucha gente apoya el punto de vista de Nicki Minaj, quién escribió: “Acabáis de presenciar en tiempo real lo que sucede en el alma de un hombre cuando mira a la mujer que ama y la ve conteniendo las lágrimas por una «pequeña broma» a su costa. Esto es lo que todos y cada uno de los hombres de verdad sienten en ese instante, mientras veis la broma, él está viendo su dolor”.
Todos sabemos que el puñetazo que Will Smith dio anoche al presentador en la gala de los Oscars “no estuvo bien” A quien cojones le importa quedar bien cuando se ríen de la enfermedad de tu mujer delante del mundo entero. A ver si aprendemos a reírnos de otras cosas! #Oscars
Cuando aún no hace un año de la edición del mencionado segundo álbum, Dave ha publicado una nueva canción que está arrasando en las islas británicas. Se trata de un medio tiempo llamado ‘Starlight’ que, desde que salió a principios de este mes de marzo, no ha abandonado en ningún momento el número 1 de singles en Reino Unido. Dave es más un artista de discos que de singles pero en este caso ha dado con la tecla adecuada. ‘Starlight’ es nuestra «Canción del Día».
En ‘Starlight’ Dave habla sobre lo bien que le ha ido desde que ganó su primer sueldo en Londres, apelando a que ahora puede tomar «un jet privado como Meek Mill», hablando de Jamaica y billetes, pero también de amor. Algunos de los versos de ‘Starlight’ hablan sobre la relación con su chica, sobre su afecto en público y también sobre la necesidad de mantener su espacio.
La referencia fundamental en este tema es ‘Fly Me to the Moon’, el clásico de los años 50 que fue popularizado por Frank Sinatra en 1964. Sin embargo, lo que Dave ha sampleado es la versión que The Macarons Project hicieron en 2017. Se trata de un dúo de Indonesia residente en Canadá popularizado en Youtube. La voz de su vocalista femenina adulterada le da a Dave el contrapunto melancólico perfecto para el oyente.
En la composición original, la manera de hacerte volar a la luna es «cogerte de la mano» y «besarte». «En otras palabras, te quiero», concluía aquella. De la misma manera que Dave retuerce ese sample de voces, nos confiesa en este texto que para él «volar a la Luna» es más bien «tener su espacio». Y ahí es donde el contraste entre las voces termina de resultar demoledor. En el vídeo, él se divierte y va de flor en flor. En el tema, en la outro, uno parece estar escuchando a la Amy Winehouse y a la Lauryn Hill más apesadumbradas.
Rosalía firma el nuevo número 1 de álbumes en España con ‘MOTOMAMI’ y, como era de esperar, el disco protagoniza la mayoría de entradas esta semana en la lista de singles española. De hecho, el disco al completo aparece en los primeros 40 puestos.
‘CANDY’ es el nuevo número 1 de singles en Promusicae, como se intuía ante su desempeño en Spotify, y representa el noveno número 1 de singles de la carrera de Rosalía. Antes vinieron ‘LA FAMA’ con The Weeknd, ‘LA NOCHE DE ANOCHE‘ con Bad Bunny, ‘TKN’ con Travis Scott, ‘Yo x ti, tu x mí’ con Ozuna, ‘Aute Cuture’, ‘Milionària’, ‘Con altura’ con J Balvin y El Guincho y ‘Di mi nombre’.
‘MOTOMAMI’ coloca varios temas dentro del top 20 de la lista de singles: ‘LA COMBI VERSACE’ con Tokischa entra en el 12, ‘BIZCOCHITO’ en el 13, ‘G3 N15’ en el 15, ‘BULERÍAS’ en el 16, ‘COMO UN G’ en el 18, ‘DIABLO’ en el 19 y ‘MOTOMAMI’ en el 20. Además, ‘CUUUUuuuuuute’ debuta en el 24, ‘DELIRIO DE GRANDEZA’ en el 25, ‘SAKURA’ en el 28 y, sí, ‘Abcdefg’ en el 36, y sin ayuda de Paquita Salas.
Por otro lado, todos los singles previos de ‘MOTOMAMI’ que ya aparecían en lista escalan posiciones. Especialmente significativas son las subidas de ‘SAOKO’, que sube del 55 al 6; ‘HENTAI’, que sube del 87 al 7, y ‘CHICKEN TERIYAKI’, que sube del 56 al 11. ‘LA FAMA’ sube del 17 al 3.
Hay otras entradas en lista ajenas a Rosalía: ‘PANTYSITO’ de Alejo, Feid y Robi llega directo al número 5, Bad Gyal coloca ‘Flow 2000’ en el 9 gracias al remix con Beny Jr, ‘Plan A‘ de Paulo Londra aparece en un discreto número 33 tras estrenarse un miércoles; ‘Tendencia global’ de Blessd, Myke Towers y Ovy on the Drums debuta en el 56, y ‘Fuera del mercado’ de Danny Ocean lo hace en el 79.
Cuando estamos a punto de cerrar un nuevo mes, renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del momento. Esta es la playlist que va dando pistas de lo que encontraremos en nuestra lista de mejores canciones de 2022, y esta vez hay una gran comunión entre nuestra propuesta y lo que votáis el público cada semana. Es decir, comenzamos con Rosalía y Florence + the Machine.
Por otro, entre los artistas internacionales que nos han sorprendido, Charlotte Adigéry, Em Beihold, Daisy the Great o la representante sueca de Eurovisión, Cornelia Jakobs. Desde México presentamos a Pehuenche con su preciosa canción, ‘Brillando’, junto a Carlos Sadness.
También hay nuevos singles de habituales del site como Normani, Fontaines DC, Natalia Lacunza, el madrileño Pshycotic Beats y Residente con Ibeyi en un viral en respuesta a Childish Gambino. Entre los descubrimientos del JNSP Song Contest de los foros, además de algunos de los nombres ya mencionados, los suecos KÅRP, el nombre que necesitaban quienes echaran de menos a The Knife.
Rosalía / Saoko
Florence + the Machine / My Love
Julieta Venegas / Mismo Amor
Destroyer / It Takes a Thief
mariagrep / Tirita
Boy Harsher, Boan / Machina
Charlotte Adigéry, Bolis Pupul / Blenda
Cornelia Jakobs / Hold Me Closer
Salvatge Cor / com estimar un mirall
Pehuenche, Carlos Sadness / Brillando
Omah Lay, Justin Bieber / Attention
Natalia Lacunza / Muchas cosas
Em Beihold / Numb Little Bug
Normani / Fair
Charli XCX / Baby
Laura Sam, Juan Escribano / No quiero ser yo
Residente, Ibeyi / This Is Not America
Fontaines DC / Skinty Fia
Daisy the Great / Cry in the Mirror
Licus / Quan era un humanoide
LUNA Ki / Voy a morir
Amaia / Bienvenidos al show
Luna Valle / Tardas mucho en contestar
Pshycotic Beats / Hammering Noises
KÅRP / It Looks Bad
Ofrenda floral / El iglú
‘MOTOMAMI’ de Rosalía es el nuevo número 1 de Discos en España, como era de esperar. La lista de Promusicae aúna streaming y ventas desde la pandemia. Esto ya lo intuíamos. Lo que menos vimos venir es que el top 3 quedaría completado esta semana por ‘El Madrileño’ de C. Tangana en el número 2 y ‘VICE VERSA’ de Rauw Alejandro en el número 3. Como nos comenta alguien en Instagram, que Netflix produzca una película sobre los tres o algo.
Rosalía llega al número 1 en España con una certificación de disco de oro por la distribución de 20.000 copias. Además, el disco ha sido número 1 en el Global de Spotify en su semana de salida. Es decir, ‘MOTOMAMI’ fue la semana pasada el disco más escuchado en todo el mundo desplazando al 2º puesto ‘Planet Her’ de Doja Cat.
En cuanto a ventas por países, se han conocido los primeros datos internacionales de ‘MOTOMAMI’, destacando el top 6 en Suiza y el top 3 en la parte flamenca de Bélgica. También destacan por lo importantes que son estos mercados, el top 12 de Holanda y el top 15 de Francia. En Estados Unidos, ‘MOTOMAMI’ llega al top 33, pero es con el equivalente a 16.000 copias sumando ventas y streaming, lo que confirma Estados Unidos como uno de sus principales mercados, el más importante tras España.
Mientras el tercer disco de Rosalía es número 24 en Italia y número 40 en Noruega, hay que hablar de la mala suerte corrida por el álbum en otros países europeos. 50 copias han separado a ‘MOTOMAMI’ de ser top 40 en Reino Unido, quedando en el número 42. También ha sido el caso de Alemania (#42), de Irlanda (#43) o de Lituania (#43).
Volviendo a España, otra entrada interesante es la de ‘Crash’ de Charli XCX directa al top 12 en nuestro país tras haber sido top 1 en Reino Unido. Walls llegan al número 4 con ‘Los niños del parque’, mientras Stray Kids -que son número 1 en Estados Unidos- en nuestro país se conforman con el top 48.
Las entradas se completan con Pearl Jam en el puesto 13 con ‘Rearviewmirror (Greatest Hits 1991-2003); Keith Richards con ‘Main Offender’ en el número 34, Boney M en el 38 con ’The Magic of Boney M’, Blaumut en el 53 con ‘Olímpica i Primavera’, Iron Maiden en el 70 con ‘The Number of the Beast’ y Juanito Makande con ‘Folclore sintético’ en el 73.
Lana Del Rey sacó dos álbumes en 2021, por lo que llegada la primavera de 2022, sin noticias sobre ella que comentar, parece que anda algo desaparecida. Su última novedad era un temita para la banda sonora de ‘Euphoria’. Sin embargo, hay dos canciones de Lana que acaban de subirse a las plataformas de streaming, aunque hay que saber por dónde moverse para llegar a ellas.
‘Paradise’ y ‘Serial Killer’ son dos canciones que Lana Del Rey grabó durante las sesiones de ‘Born to Die‘, allá por 2011. Su productor y compositor se llama Peter Ibsen, es danés y responde al nombre artístico de Neros. Lana grabó tres canciones con él, y solo una de ellas, ‘This is What Makes Us Girls’, terminó incluida en la secuencia de ‘Born to Die’. El resto permanecían inéditas.
Hasta ahora. Neros ha subido ambas canciones a las plataformas de streaming (Spotify y Youtube incluidos) de manera un poco clandestina, pues llevan su nombre y no el de Lana, aunque es su voz la que se escucha perfectamente en ambas grabaciones, y Lana aparece acreditada como autora en ambas pistas. De hecho, cualquier fan de Lana recordará que la artista llegó a cantar ‘Serial Killer’ en vivo allá por 2015. «Paradise» dio luego título de la reedición de ‘Born to Die’, y Lana la cantó en vivo en 2018 (‘Paradise’ y ‘Dark Paradise’ son dos canciones distintas).
Neros ha tenido el detalle de subir ‘Paradise’ y ‘Serial Killer’ bien mezcladas y masterizadas a los servicios de streaming a una calidad inmejorable, y escucharlas ahora mismo es descubrir una realidad paralela en la que Lana Del Rey debuta con un pop comercial mucho más fresco y contemporáneo que el exhibido en ‘Born to Die’, tan apegado al trip-hop y al glamour del Hollywood antiguo.
Las producciones de ‘Paradise’ y ‘Serial Killer’ suenan más crespas y afiladas que las de ‘Born to Die’, y si la primera, tan burbujeante, podría ser de la mismísima Nicola Roberts, la segunda presenta un sonido hip-pop más comercialoide incluso. Ambas siguen incorporando cuerdas, eso sí, y la firma melódica de Lana les hace inconfundibles.
Como regalo, además, Neros ha subido una de las maquetas de ‘This is What Makes Us Girls’ a su cuenta de Soundcloud. Suena mucho más comercialota que la original, de lo que se deduce que en ninguna de las tres producciones Elizabeth terminaba de ver su sonido. Sin duda, el elegido finalmente fue el adecuado, dados sus excelentes resultados comerciales.
Atendiendo a las historias de ‘LABYRINTHITIS’, entendemos que Dan Bejar no sabe muy bien qué hacer con su vida. El single ‘Tintoretto, It’s for You‘ habla sobre el hecho de que haya llegado tu hora. ‘Eat the Wine, Drink the Bread’ dice literalmente: «Bebo el vino, me como el pan, no sé adónde voy». ‘It Takes a Thief’, que «la banda no necesita un cantante, sino una mano amiga». ‘The States’ habla de cómo visitar Estados Unidos o España pierde sentido «después de una tercera o una cuarta vez». ‘The Last Song’ habla sobre ser «solo una persona más de las muchas que se mudan a L.A.». Y el nombre del álbum viene de una enfermedad en el oído que Dan Bejar ha decidido autodiagnosticarse buscando en Google.
Parece que Destroyer afronta una grave crisis existencial justo cuando está a punto de cumplir 50 años. Su adicción a las noticias del covid-19 seguro que ha contribuido en esa línea. Este 13º disco tenía que tirar hacia lo tristón. Por suerte, no es el caso.
Con el productor John Collins y trabajando con sus músicos en remoto, se propuso hacer musicalmente «un disco de Cher de «high energy»». Él mismo bromea que siempre quieren hacer algo «groovy» y nunca les sale porque durante el proceso se dan cuenta de lo «poco groovy» que son. Pero lo cierto es que ‘LABYRINTHITIS’ sí es todo lo «groovy» que pueden llegar a sonar Destroyer, especialmente en gran parte de su segunda mitad.
Incluso en parte de la primera. Tras una canción de introducción estupenda, intensa, nunca aburrida, que sí escenifica lo regulín, regular que se encuentra el artista de puertas para adentro, ‘Suffer’ es una de las producciones de Destroyer que nos llevan a sus adorados New Order. Aunque su letra sea otro de esos dramas («no importa cuándo, no importa dónde / vas a sufrir, vas a sufrir el peso de la grandeza», indica reflexionando sobre la fama).
‘All My Pretty Dresses’, sobre una ruptura, es una canción con un buen bombo y una batería vívida que la levanta aun más. Y ‘Tintoretto, It’s For You’, aparte de ser una composición sobre la muerte en la que se burla de cuando, de joven, fanfarroneaba mencionando a un pintor del que no sabía casi nada, es una producción loca con varios giros. El último minuto hasta consiente una remezcla trance.
Dan Bejar ha seleccionado también como single ‘June’, una composición de 6 minutos para la que ha grabado una especie de improvisación de 2 minutos y medio al final, entre el spoken word y el rap. Ha hecho 10 tomas vocales y después las han tratado buscando el efecto de HAL 9000 desvaneciéndose en ‘2001: Odisea en el Espacio’. Es una manera de dar un nuevo tono a una producción con saxo que parecía rememorar el sonido de su mejor disco, ‘Kaputt’.
Pero es en la segunda mitad del álbum donde encontramos lo mejor tras el instrumental titular, un tanto Sigur Rós. ‘Eat the Wine, Drink the Bread’ se queda a las puertas de ser la producción más pop y bailable de la carrera de Destroyer, consecuencia de su admiración por la escena británica de finales de los 80 y principios de los 90. Ojalá hubiera tenido mayor desarrollo. ‘It Takes a Thief‘ es paradójicamente una de sus melodías más alegres y divertidas, aderezada con cuerdas y juguetona percusión. Y ‘The States’ es una de esas producciones de electrónica que podrían durar 7 minutos o 30. Es como estar en un after con James Murphy con los brazos en alto mientras todo el mundo se olvida de todo. «Hide. Hide. Hide»…
Destroyer decide terminar todo esto con una balada acústica porque necesitaba «purificarse a sí mismo, tocar un instrumento, ofrecer algo desde el corazón». Justo después de ‘The States’, que identifica como la primera gran canción autobiográfica de su carrera, recordando quién era hace 20 años y sus primeros viajes por el mundo. En medio de una sobredosis de discos post-pandemia, solo podemos agradecer que el camino de expresión de Destroyer haya sido el de meterse en el club y elevar los brazos, en lugar de autocompadecerse debajo de una manta.
Paraíso avanza los primeros nombres de su cartel de 2022. El festival se celebra en el campus de la Universidad Complutense de Madrid los días 24 y 25 de junio y este año presenta formato reducido, limitado a 8.500 personas al día.
Entre los artistas confirmados se encuentra el reconocido DJ de Chicago Seth Troxler, la revelación del hyperpop Shygirl, el renovador del folclore gallego Baiuca, autor de uno de los mejores discos de 2021; o la estrella del pop lo-fi rusowsky.
También TSHA, Hunee, Roman Flügel, Sofia Kourtesis, el autor de ‘Gominola’ Chico Blanco, Crystal Murray, Jeremy Underground, Ivan Smagghe, Bradley Zero y Kamma & Masalo se encuentran entre los primeros nombres confirmados en el cartel de Paraíso 2022.
Por otro lado, el festival apostará firmemente por el talento local de Madrid y, así, confirma en su cartel también a Flaca, Javi Redondo b2b Álvaro Cabana, Depaart, Ears on Earth, TWO EX, Cascales, Yahaira y OG Juan.
Paraíso informa que el 70% de los abonos ya se han vendido. Actualmente se pueden adquirir a un precio especial de 75 euros (más gastos de gestión). Las entradas de día estarán disponibles una vez se desvele la programación completa.
El Bilbao BBK Live es uno de los principales festivales del país, y el cartel de esta edición lo corrobora. Tras dos años de parón, no parece que la pandemia haya pasado por encima del BBK porque vuelve lleno de fuerza el 7, 8 y 9 de julio. El festival acaba de cerrar el cartel con varias novedades nacionales como Rigoberta Bandini, Alizzz, Cariño y Depresión Sonora, y sorpresas internacionales como WOS, Romy, Nilüfer Yanya y Kelly Lee Owens.
La cara electrónica del festival es Basoa. Situado en un claro del bosque Kobetamendi, algunos de los DJs que pasarán por este escenario son The Blessed Madonna, Carl Craig, Helena Hauff, DJ Phyton, Lena Willikens y John Talabot. Además, el escenario Lasai («tranquilo» en euskera) sirve como alternativa para relajarse, «para echar el freno, para bajar las revoluciones y planear como un paracaídas». Lasai nace con la premisa de no superar los 100 beats por minuto.
Los bonos están a la venta a un precio promocional de 145€ hasta el 28 de abril, con opción de pago a plazos, y las entradas por jornada también continúan a la venta en este bilbaobbklive.com y seeteckets.com/es link.
